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Orson Welles y los Ambersons: ¿Todo es verdad o todo es mentira?

Hace poco me medían que escribiera sobre una película de Orson Welles para un libro que se publicaría con motivo de su centenario. El libro se llama "El Universo de Orson Welles", y ha participado mucha gente con cosas muy interesantes que contar, entre los que humildemente me incluyo. Elegí "Touch of evil", pero estaba ya cogida. Entonces escogí "F For Fake"", pero tambien lo estaba. Y entonces escogí la segunda película de Orson Welles: "The Magnificent Ambersons". Lo que sigue es lo publicado en ese libro que ha editado muy bellamente la editorial Notorius, con prólogo de Juan Cobos y Jose Luis Garcí.

El universo de orson welles

Siempre ha estado ahí, de forma nítida y clara, pero tardé un tiempo en darme cuenta de todo lo que significaba, para entender a Orson Welles, lo que había entre los títulos "It´s all true" y "F for Fake".: La verdad y la mentira, todo ese universo de imposturas, proyectos frustrados, inconclusos, o como en el caso de "El Cuarto Mandamiento", aunque a mi siempre me gustan más los títulos originales: "The Magnificent Ambeson" (o "Touch of evil", por  poner otro ejemplo ejemplo), retocados, desvirtuados, o simplemente cambiados más o menos drásticamente, por la mano de la productora.

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 Si reflexiono sobre esa idea que oscila entre esos opuestos, es por la historia, o leyenda si se quiere, que rodea a la que fue su segunda película como director, a saber, "The Magnificent Ambersons" (aclaración:  la traducción literal "El esplendor de los Amberson" siempre me ha gustado  siempre más que el más bíblico, podríamos decir, "El Cuarto Mandamiento".

 Contaba Orson Welles a Peter Bogdanovich que "The Magnificent Ambersons" fue la única de sus películas que volvió a ver después de terminadas. Que fue estando en París (la película se estrenó en Francia en 1946) con André Gidé, y que quedó absolutamente horrorizado de lo que se había hecho con ella. Presumía Welles de que aquella  habría de ser sin duda mejor película que "Citizen Kane" y que lo que vio en aquella  proyección fue una amputación tremenda de su trabajo original (¿45 minutos?) con algunos añadidos bastardos. Según sus propias palabras, "hubiera sido más feliz sabiendo de oídas, sin conocer personalmente lo que habían hecho con ella".

 Es curioso el mundo del cine, de los directores y productores. Desde hace mucho le aplico yo el famoso "Print the legend" de Ford:  ¿Hasta qué punto es cierto el resentimiento de Welles y hasta qué punto es cierto lo que él mismo dice? Eso,  probablemente, permanecerá siempre en el terreno de la leyenda: ¿Realmente estaba tan enfrascado Welles en el rodaje de "It´s all true" en Brasil que se despreocupó totalmente del montaje de la película? ¿Es cierto que desatendió todas las peticiones por parte de la RKO por hacer los cambios que los pases previos ante público parecían indicar como convenientes? Lo que sí parece cierto al fin es que fueron Joseph Cotten y Robert Wise (por aquel entonces aun montador, tiempo después estupendo director) quienes hicieron el trabajo sucio. No nos consta que Welles le retirara el saludo a su amigo Cotten. Como mucho le miraría con sorna y cinismo años después, ambos ante la cámara de Carol Reed, en "El tercer hombre".

 Tras una película rompedora en lo formal, atrevida, y provocadora, como fue "Citizen Kane", Wells volvía la mirada al pasado, adaptando una novela de Booth Tarkington (que había sido amigo de su padre) que el mismo Welles había llevado a la radio con su "troupe" del Teatro Mercury en 1939, y que George Schaefer, presidente de la RKO accedió a llevar a la pantalla tras escuchar una grabación de aquella adaptación que el mismo Welles le facilitó. Ray Collins, por cierto, fue el único de los actores que participó en aquella adaptación radiofónica que participaría en la versión cinematográfica.

 Tras terminar Kane y toda la controversia que había ocasionado, con mil proyectos en su cabeza, teatro, radio, sueños y quimeras quijotescas,  Welles escribió en solitario  el guión de "The Magnificent Ambersons" en un lugar tan apetecible como el yate de King Vidor, otro heterodoxo cineasta de fuerte carácter. Nada de controversias sobre la autoría del guión, como en Kane. Ningún Mankiewicz pues. Y a falta de Gregg Toland, fue Stanley Cortez el encargado de recrear con luces y sombras el universo de fín de una época que quería retratar Welles. La falta de Toland siempre fue echada en falta por Welles, quien se quejaba de la lentitud del, por otro lado extraordinario, director de fotografía.

 Para la música, eso sí, volvió a contar de nuevo con su amigo Bernard Herrmann el músico con el que había empezado a colaborar en el Mercury Theatre y que había compuesto la banda sonora para "CItizen Kane". Aquella sería su tercera composición para el cine (sin acreditar). Una obra maestra de ese género tan querido y poco apreciado por la crítica musical "seria" como es la música para películas. Lo que dio de si el talento de Bernard Herrmann en los años venideros hasta su último trabajo en "Taxi Diver" da para varios libros por separado.

 Welles se sentía atraído por aquella historia del ocaso de la aristocracia y la llegada de la burguesía, representados ambos mundos por los Amberson del título y la figura de Eugene Morgan, Joseph Cotten, un "self made man" que representa la quintaesencia del espíritu genuinamente norteamericano.

 Entre toda la heterodoxa y variada filmografía de Orson Welles podría ser tentador penar que "The Magnificent Ambersons" es su película (o historia) más convencional. Una  mirada al pasado envuelta en una nostalgia no exenta de crítica (benévola y comprensiva) a la vez que una certera radiografía de un mundo que se acaba. Pero Welles podría ser muchas cosas, entre otras, sin duda, Quijote, mentiroso o fabulador, pero desde luego, nunca convencional, por más que retratase un mundo, decididamente "old fashion" lleno de convenciones.

 La película, en la que Welles solo ponía la evocadora voz en off, sin participar como actor, situaba su acción a finales del siglo XIX en Indianápolis, una ciudad en la que destaca el esplendor de los Ambersons representado por su soberbia mansión.

 La película comienza con un prólogo, no exento de una cierta ironía, en la que vemos como Eugene Morgan (Joseph Cotten) el atolondrado (e idealista y emprendedor)  pretendiente a la bella Isabel Amberson (Dolores Costello), comete una involuntaria tropelía en una accidentada serenata, lo que provoca el desaire de la aristócrática dama, quien, por despecho se casa con Wilbur Minafer, un personaje en las antípocas de Eugene. Así, tan feliz como convencionalmente casados, Isabel y Wilbur tendrán a George, un consentido hijo, que representa ya desde niño todo lo peor de una clase social decadente, soberbia y jactanciosa que apura sus días sin preocuparse de adaptarse a los tiempos que han de venir.

 Tim Holt será quien interprete al joven y aún más arrogante George, para quien el mundo cambiante que no ve llegar, como los demás de su clase, se materializará en la figura de la bella e inteligente Lucy, (una jovencísima, Anne Baxter, mucho antes de ser Eva Harrington) a saber, la hija de Eugene Morgan, quien vuelve a la ciudad, viudo, pero en buena posición económica, con un extraño artilugio que cambiará el mundo, y no precisamente de forma metafórica: el automóvil.

 Sin desvelar una trama en la que cuentan más las sensaciones que la historia en sí, de ese fin de una época y la llegada de otra, decir que George se enamorará de Lucy, que Eugene sigue enamorado de Isabel, y que Fanny Minafer, interpretada por la fascinante (y a reivindicar siempre) Agnes Moorehead, está enamorada a su vez de Eugene en lo que será un amor  platónico y por tanto imposible. El tiempo, inexorable, tiende a poner a todos en su sitio. El otrora arrogante George lo aprenderá muy bien.

 Envuelta en unas imágenes que no pueden negar la paternidad de Orson Welles por la luz, por las composiciones, por el montaje o por algún fascinante travelling que siempre nos va a parecer imposible, pero que está ahí, y por la subyugante música de Herrmann, podemos a fecha de hoy seguir preguntándonos que película hubiera podido ser aquella "The magnificent Ambersons" que Welles no vio en el cine en París. Queda lo que nos queda, y la esperanza de que algún día en algún recóndito lugar se encuentren los negativos con los planos, las escenas y las secuencia que nos fueron hurtados, así como anotaciones precisas de Welles sobre la película (según Bogdanovich, el guión de la película era el más cerrado y preciso de las películas de Welles) y que alguna editora de DVD´s Blu Ray´s o lo que esté por llegar nos lo pueda ofrecer. Pero no sé yo si ya sería tarde. La educación sentimental deja profunda huella en la memoria. temo que para mí y para muchos cinéfilos más, ese sería un visionado perturbador.

 Mientras llega ese tan deseado como improbable momento, resuena en mi memoria el final de los maravillosos créditos de la película en los que la voz en off que nos ha ido narrando la película nos presenta al equipo de la misma. Esa imponente voz de ese genio que nunca dejó de ser un niño y que decía: "I wrote the script and directed it, my name is Orson Welles".

@Gerardo_DDC

Gerardo Sánchez    8.may.2015 09:25    

@DiasDeCine 1000

El jueves 5 de Junio, Días de Cine cumplirá su programa número 1000.

Todo comenzó un 6 de Octubre de 1991, hace ya mucho tiempo, y desde entonces, han pasado muchas cosas. Desde la media hora inicial y el 4:3 del formato televisivo de entonces, hasta la era Internet y RRSS en la que el programa se encuentra inmerso ahora, incluidos hace ya un tiempo el 16:9, el estéreo, por supuesto, y a las puertas de facturarse la edición de cada semana en HD. Desde una época en la que el cine se veía aún básicamente en las salas de cine, a hoy día en que el modelo de la industria del cine que hemos conocido parece necesitado de una redefinición.

Desde los tiempos del VHS hasta los del DVD (hace de eso ya unos años) o el Blu Ray. En Días de Cine no hemos dejado de hacer cada semana lo que mejor sabíamos hacer, quizás también lo único que sabíamos hacer, que es contar las cosas del cine con la pasión del aficionado, tratando siempre de ser lo más didácticos posibles, huyendo de lo altisonante y dejando que el espíritu de entusiasmo casi adolescente, lo reconozco que tenemos, empape nuestro trabajo.

Para un programa como el nuestro, es imprescindible estar presente en los Festivales, y así llevamos haciendo desde hace años, y a pesar de la crisis o las crisis, no faltamos a nuestra cita anual en Cannes o Berlín, pero sobre todo a San Sebastián, Málaga, Sitges, Sevilla, Huelva o Gijón, para dar buena cuenta de sus festivales,  y para dejar claro nuestro inequívoco e incondicional apoyo al cine español en todos sus apartados, desde el artístico al industrial.

En Días de Cine pensamos que si nosotros mismos no creemos en lo que hacemos, y sobre todo, no disfrutamos haciéndolo, difícilmente vamos a conseguir que el espectador disfrute.  Algo debemos haber hecho bien, pues en unos tiempos en los que la audiencia televisiva se ha fragmentado con los canales temáticos y la proliferación de canales a raíz de la aparición de la TDT, Días de Cine tiene actualmente la mejor cifra de espectadores de su historia globalmente, tanto en su emisión de los jueves, como la de los sábados,  como la del Canal Internacional, o los visionados a través de la web, que sumaron el pasado 2013 la cifra de 1.850.000 usuarios únicos en todo el mundo. Además, Días De Cine tiene actualmente casi 35.000 seguidores en facebook (https://www.facebook.com/DiasDeCine) y casi 25.000 en Twitter (@DiasDeCine)

Días de Cine se ha redundado o reinventado, por vocación o necesidad varias veces.  Sin presentador al principio, Aitana Sánchez Gijón, después, luego, casi obligado  Antonio Gasset, después Cayetana Guillén Cuervo, para volver a un periodo sin presentador durante más de dos años, y desde Septiembre de 2013, de nuevo con presentadora, Henar Álvarez. Reportajes largos, reportajes cortos, cine de autor, cine comercial, nuestra intención es estar a todo y a por todo. No queremos renunciar a nada ni a nadie, y queremos tratar todo con la misma profesionalidad, pasión y esmero. Solo así conseguimos cada semana que nuestro público y seguidores en todo el mundo, sigan teniendo ganas de ver la siguiente edición del programa

Son históricos los reportajes del programa, que son, si se me permite decirlo, referencia en el mundo del cine, y constituyen (perdonad la petulancia) una de las mejores fuentes de conocimiento de la historia del cine de las que pueda echarse mano. En los tiempos pre-redes sociales, podían encontrase en el mundo P2P muchos de esos reportajes míticos. Hace ya tiempo que en el programa supimos que todo ese trabajo semanal tenía que tener un armario a medida, y nos inventamos la web del programa donde no solo puede verse el programa de cada semana, entero  y en sus partes, sino todo el fondo de armario que son los reportajes, de todo tipo y condición cuyo fondo llega actualmente a los 5 años.

El cine visto por Dias De Cine

@DiasDeCine tiene intención de celebrar tan redonda cifra, nuestro programa número 1000, con un programa especial que incluirá los contenidos habituales, pero con el añadido de una importante presencia de cómo se hace el programa y de sus miembros, Una especie de “como se hizo” que no queremos que lo parezca, como se hacen esas entrevistas que luego se ven en el programa, como se hace un reportaje, como es la documentación del programa, que ambiente hay en los preestrenos que últimamente hace Dias de Cine, como se graban las entradillas, como se cubre un festival. También tendrá presencia ese equipo del que habitualmente la gente no ve más que la firma en los reportajes, quienes contarán (contaremos) anécdotas, personales relacionadas con el programa y cinéfilas, que es para ellos Días de Cine, etc. También será la ocasión de recuperar algunos de los miembros que han pasado por el programa a lo largo de estos años y recordar en sus palabras la historia del programa a lo largo de estos casi 23 años (que se cumplirán el próximo 6 de Octubre)

En Días de Cine pensamos que el futuro está por escribir, y que lo mejor está por llegar, robándoles tan ingeniosas frases a Joe Strummer y a John Lennon. Y por eso, el programa 1000 nos lo tomaremos con la ilusión de hacer el número uno, y el reto de llegar a otros 1000, aunque primero sabemos que habrá que hacer el 1001, el primero de los proximos 1000, que esperemos que podamos ver cumplir, trabajando duro, como cada semana, con el horizonte más inmediato de los 25 años que @DiasDeCine en 2016. De momento, y hasta que llegue ese momento, os dejo con el reportaje que hicimos cuando dijimos aquello de "It was twenty years ago today"

It was twenty years ago today....

 

@Gerardo_DDC         

Gerardo Sánchez   20.may.2014 16:37    

Road Movies, (O movies on the road)

Me llaman de Casa América (@casamerica ) y me preguntan si quiero participar en una mesa redonda sobre las "Road Movies"  organizado en colaboración con la Embajada de Estados Unidos, y un pequeño ciclo compuesto por cuatro películas de ficción que he visto, alguna muchas veces, "Sucedió una noche", "Easy Rider", "Luna de papel" y "Pequeña Miss Sunshine" y un documental, que no había visto, sobre el viaje en autobús de un puñado de idealistas, luchadores por los derechos civiles, desde Washington a New Orleans, en 1961: "Freedom Riders".

   

Tardo menos de un segundo en contestar que sí, mientras siento la avalancha de recuerdos de eso que llamamos desde no sé cuando con ese término tan evocador, al menos, desde luego, para mí. Trato de evitar lo fácil, que es tirar de wikipedia, IMDB y demás shortcuts al alcance de la mano hoy día, y simplemente recordar esas sensaciones, y pensar en que puedo yo decir en base a ello. Me asaltan imágenes, momentos y sensaciones de maravillosas road movies que me acompañan desde que las vi, “The grapes of wrath”, “You only live once” o “They live by night”,  "Two lane blacktop", "Duel", “Vanishing point”, y su muy parecida historia en forma de westren que fue “Bite the bullet”, ( título también, por cierto, de una canción de Niel Young) “The Straight Story” o “Into the wild”, o tantos y tantos westerns y tantas canciones de Dylan o Springsteen que son auténticas road movies.

  

Me viene a la cabeza una y otra vez esa novela maravillosa que es "On the road", de Jack Kerouack, título seminal que de alguna forma viene a resumir todo lo que significan las road movies, y como cinéfilo irredento que soy no puedo evitar referirme a su encomiable pero no exitosa adaptación reciente por Walter Salles, con producción de Francis Coppola, y sobre todo a una película muy hermosa que aquí conocimos como "Generación perdida" y que en original se llamó "Heart Beat" que de alguna forma contaba mucho mejor todo el espíritu de aventura, de viajar y de conocer que se respiraba en la novela de Kerouak, con una fantástica fotografía de Lazslo Kovaks, que como se verá, aparecerá en más de una ocasión en esta historia de carretera.

 

 

En realidad, me gusta pensar que la vida es en sí misma una road movie, y que por eso las road movies nos llegan tanto. Al menos en mi caso. No sé si será porque hago cada día un mínimo de 100 km en coche, escuchando  mi propia banda sonora. Y pienso que mi educación sentimental en esto del cine, estuvo conformada en buena medida por películas de ese tipo. Y aunque hoy no puedo presumir de ser el lector que fui, y en eso entono mi mea culpa con la excusa del poco tiempo que tengo, creo que la evocación de esos sentimientos que el término "road movie" hace aflorar, hay que buscarlos en la esencia misma del hombre, o del ser humano, como se dice ahora,  y en Homero y en sus retratos de aquellos héroes, con Ulises a la cabeza, que vivían sus aventuras en aquellos viajes desde y hasta Itaca.

  

¿No es una road movie La odisea? ¿No es una road movie El Quijote? Yo creo que sí. El viaje y el camino como catarsis, están presentes desde que un ser humano supo que quería contar una historia y otros que querían que se las contasen.

  

Llegó el siglo XX, y con él dos inventos maravillosos que definen ese siglo como pocas otras cosas, y que estaban destinados a entenderse: el cine, y el automóvil. Por decir más, ambos inventos prodigiosos, alcanzaron un desarrollo excepcional en un país nuevo y prospero como nunca hasta entonces en la historia de la humanidad, y que estaba destinado a erigirse tras la segunda guerra mundial como la primera potencia mundial. me viene ahora a la memoria una película como "Rebelde sin causa", en la que, como casi todo el  mundo sabrá, aparecía Dennis Hopper como uno de los amigos del protagonista James Dean, el "rebelde sin causa" por excelencia. En la película, de 1955, el coche es uno más de los protagonistas, como por otro lado ha sucedido siempre en el cine norteamericano. Lo importante es que la forma de relacionarse con el automóvil por parte de aquellos jóvenes protagonistas, no tenía, evidentemente, parangón con la que pudieran tener cualquieras otros jóvenes de cualquier otros país con el automóvil. Un remedo de aquella la veíamos en una película llena de nostalgia como fue "American Graffitti". Lo que quiero decir es que el coche, ha sido siempre parte del paisaje en la sociedad norteamericana.

  

 

Hoy se nos olvida que el cine fue calificado como "el arte del siglo XX". Más allá de su condición de medio narrativo para contar historias, siguiendo la tradición y la necesidad de todos de fascinarnos con ellas, el cine hizo en el siglo XX algo que ningún otro arte había hecho hasta entonces: ser testigo de su tiempo, dejar para el futuro todo un mundo de evidencias.  El cine triunfó en todo el mundo, y en particular en Estados Unidos, porque, aun siendo mudo o silente, o precisamente por ello, podía llegar a todos aquellos inmigrantes de todo tipo, origen y condición que llegaban al nuevo mundo y aún no sabían el idioma. Parecía normal que el cine, ese nuevo arte, y el automóvil, ese nuevo y moderno medio de transporte se encontrarán y decidieran buscar juntos su destino.

  

En realidad, siempre he pensado que muchos westerns son road movies, y vice versa. Da igual que se en coche, en tren, en moto, en autobús o a caballo. El viaje es el viaje, y como decía Machado, "se hace camino al andar". Pienso en westerns como "Stagecoach", "Two rode together", "Red River", "Wagonmaster", "The Naked spur" o "Ride the high country", por poner solo unos ejemplos, y puedo imaginármelos en términos de "road movie" como tal, eso es, con un coche, moto o autobús. Porque lo que en ellas importa no es tanto como se hace ese viaje sino lo que sucede durante el mismo a los protagonistas de esas historias. El caso de "Stagecoach" es significativo, al estar basada en un relato, "diligencia para Lordsburg" que a su vez se basaba en un relato de Guy de Maupassant, "Bola de sebo". Es una forma de cerrar el círculo, pienso.

  

Del mismo modo, siempre he pensado que "Easy Rider" era todo un western lirico y salvaje, y que podía haberse llamado también "dos cabalgan juntos" (two rode together) o "vivir su vida". También he de reconocer que siendo como soy virulentamente reacio en general a los títulos traducidos, ese "Buscando mi destino" con el que la conocimos en España, no me resulta desagradable. Sin embargo, lo amplio de los significados de "Easy Rider" me parece mucho más evocador. 

  

"Easy Rider", película mítica donde las haya, "road movie" con todas las de la ley, película independiente que recaudó 100 veces su coste, y sin duda hija de su tiempo, una película de eso que llamamos, como a algunas canciones escogidas "generacional". Me confieso hijo del rock, y quiero creer que todo lo que nos llega de "Easy Rider" estaba esbozado en 3 palabras de esa hermosa canción, sin duda generacional, que es "San Francisco", de John Philips e inmortalizada por Scott Mackenzie: "people in motion", insertadas en una estrofa aún más reveladora de unos tiempos que, ya sin duda, estaban cambiando:

 

All across the nation such a strange vibration
People in motion
There's a whole generation with a new explanation
People in motion people in motion

  

De modo que lo que hacían los personajes del rebelde con causa Dennis Hopper, Billy, y Peter Fonda, "Capitán América" o Wyatt, director el primero de la película, y coguionista junto al segundo, era precisamente moverse, respirar, vivir. Aquellos eran tiempos complicados y es fácil olvidar el contexto en el que sucedían las cosas. la guerra fría, La guerra de Vietnam, los magnicidios de los hermanos Kennedy y Martin Luther King en apenas 5 años, la carrera espacial, la contracultura, el movimiento hippie, la necesidad de una parte importante de la población, en particular de los nacidos después de la segunda guerra mundial de ver y vivir el mundo de otra manera, tenían que tener reflejo en el cine. Probablemente "Easy Rider" fue la película adecuada en el momento adecuado. Su arrebatadoras canciones, que son algo más que su banda sonora, hacen inolvidables los momentos en los que suenan. ¿no es significativo que los créditos de la película se vean mientras se escucha el "Born to be wild" de Steepenwolf? (looking for adventure….) . ¿No es también significativo que "The weight" de The Band suene haciendo parecer más liviano el peso del viaje por las carreteras infinitas de los dos protagonistas? (I just need some place where I can lay my head)  

 

¿Y no es significativo que el tema de los Byrds "Wasn´t born to follow" sea también protagonista destacado en una de las cabalgadas de esos dos modernos centauros? (Run across the valley beneath the sacred mountain and Wander through the forest)

  

Podría decir ahora lo que de un tiempo a esta parte se ha convertido en una especie de lugar común: que la película no es tanto, que ha envejecido mal, que está my mal realizada. Pues no. Yo, salvo la secuencia del "trippy", que ya me pareció pesada en su día, la salvo de comienzo a fin. Me parece eso que he dicho antes, una película generacional, y eso puede decirse de muy pocas película, como también de muy pocas canciones. A m me parece que captó como pocas veces ha sucedido, el sentir de una generación. Por eso, nunca envejecerá.

 

El ciclo se completa con otras tres películas escogidas con buen sentido de entre el gran número de película de eso que conocemos como "road movies". En realidad la elección sirve para darnos cuenta de lo muy mezclado que está el género propiamente dicho, con otros.

  

Así, vemos la mezcla con la comedia romántica en esa joya que fue es y será "Sucedió una noche", del hombre que primero puso su nombre antes que el título, Frank Capra, ese hijo de inmigrantes italianos, que estudió ingeniería química en la misma universidad en la que limpiaba por las noches para poder pagar sus estudios, y que comenzó a hacer cine por casualidad. Que Capra no tenía un pelo de tonto lo sabemos desde hace mucho tiempo. Inventó la comedia clásica, dio forma a la función de los personajes secundarios, o "supporting actors", nos enseño a todos que las personas normales que saben que lo son, son, sin saberlo, mejores que las que se creen mejores que los demás; nos alertó contra el fascismo acechante en la sociedad y en los medios de comunicación; y dejo para la historia la crónica de la segunda guerra mundial que fue "Why we fight?" que es imprescindible para entender que pasó.

  

Pero, "Sucedió una noche" era "solo" una comedia romántica, un clásico "chico encuentra chica", y una road movie, con guión del gran Robert Riskin. Ellie, Una niña bien enfadada, con la clase de Claudette Colbert, Peter, un periodista en paro con el porte y las artimañas de Clark Gable, y un gran lio en el que ambos jugaban durante el viaje al gato y al ratón. Ella, niña rica, huye de su padre enfadada por una boda en cierne. El, periodista en paro, se da cuenta de quién es y decide seguirla proponiéndola un trato a cambio de una exclusiva. Alta tensión, y momentos míticos a lo largo de ese viaje en el que los dos se conocerán y cambiaran, como debe ser en toda road movie que se precie. Por cierto, la película fue la primera en ganar los 5 Oscar principales, Clark Gable fue responsable de que se pusiera de moda no llevar camiseta interior, y esa zanahoria en sus manos inspiró no poco al que sería el "único conejo ganador de un Oscar".

  

"Sucedió una noche" transcurría durante la Gran Depresión, en 1934. Luna de Papel, el tercero de los títulos del mini ciclo sobre "road movies" fue rodada, en un luminoso blanco y negro que firmaba el Gran Lazslo Kovaks (director de fotografía también de "Easy Ryder", por cierto), en 1973, aunque transcurría de forma indeterminada durante esa misma gran depresión. Peter Bogdanovich, el cineasta que más empeño parecía mostrar de entre aquella generación de cineastas, en reivindicar las esencias del clasicismo del cine norteamericano, hizo una "road movie" muy próxima en su discurrir a un género tan español como es el de la novela picaresca. Un hombre, y una niña, Ryan O´neal y su propia hija, Tatum O´neal, por entonces con 7 años, y sin duda el mejor niño, niña en este caso, que pasó por la pantalla desde que Jackie Coogan fuera "The kid" con Charlie Chaplin.

  

Como buena road movie que es, el argumento aparente, un vendedor de biblias que va recorriendo el país engañando a viudas desamparadas, acaba por ser el telón de fondo de la verdadera historia, que es la que se teje entre dos personajes tan variopintos, como son ese Moses Pray y Addie.

 

La obra de Peter Bogdanovicht es todo una recolección de anécdotas del mundo del cine. Igual que en Nikelodeon podíamos ver cosas que se dicen que pasaron de una u otra forma en el mundo del cine, también se dice que fue el mismo Orson Welles quien le dijo a Peter Bogdanovicht, quien tenía dudas sobre si mantener el título original de la novela, "Addie Pray", que Paper Moon era un excelente título, que estaba inspirado por cierto, por una canción: It's Only a Paper Moon

 

La más reciente de las "road movies" de ficción que podrá verse en este miniciclo es una joyita del moderno cine "indie", "Pequeña Miss Sunshine", el brillante debut como directores de la pareja formada por Jonathan DaytonValerie Faris: El Mcguffin, era la crónica de un viaje familiar para un concurso de misses infantiles. de nuevo, como buena "road movie" que es, el viaje en una vieja forgoneta Wolkswagen de una familia  "disfuncional" (o desestructurada) como se dice hoy día, servirá para lograr lo que las cuatro paredes de su casa no conseguían: unir a tan variopintos miembros en una empresa común, aunque esa sea, reventar un absurdo concurso de belleza infantil. En medio, una madre desbordada, Toni Colette; un padre fracasado que predica el éxito, Gregg Kinnear; un adolescente mudo por decisión propia, Paul Dano; un hermano, o cuñado, según se mire, homosexual que ha intentado suicidarse por mal de amores Steve Carrell; y para colmo, un abuelo libre como un colibrí que interpreta el siempre excelente Alan Arkin. Ah, y esa niña que no responde a los cánones de belleza dictatoriales pero que va a conseguir unir a esa familia que son los Hoover: Olive.

  

Termina el ciclo con un emocionante Documental con mayúsculas: "Freedom Riders", mucho más que una road movie o la crónica del viaje de uno grupo de idealistas, a la vez que tremendamente concienciados, ciudadanos norteamericanos, blancos y negros, que en 1961 decidieron forzar las leyes segregacionistas de los Estados del Sur yendo en autobús desde Whasington a Nueva Orleans. Los protagonistas auténticos de aquel acto heroico nos cuentan aquella historia y como cambió sus vidas y las de los demás, pero lo que vemos sobre todo en el documental es como aquella historia de carretera cambió, o empezó a cambiar si se quiere,  para siempre a un país. Es revelador ver a Robert Kennedy decir: Algún día este país tendrá como presidente a un negro.

 

"Freedom riders", El viaje, el camino, el cambio. nada es al llegar al final del camino como era al salir. Esa es la esencia del vieja, esa es la esencia de las road movies.

Gerardo Sánchez   24.mar.2014 16:09    

Mi particular "Lo mejor de 2013" (Con perdón)

Un año más nos enfrentamos a las inevitables listas con “lo mejor de”. Y un año más, y no aprendemos nunca, nos encontramos con los mismo: ¡cuantas buenas películas hemos visto este año!. Algo si vamos aprendiendo, es ir anotando, en mi caso mentalmente, desde el día 1 de enero, esas películas que van   a ir formando parte de esa futura lista que vamos a hacer en Días de Cine. El problema en el programa es que como es una votación democrática entre todos, no siempre salen tus favoritas en el orden que tu las pensaste. Y siempre escuece ver que esa película que inevitablemente tu, y solo tu, has considerado entre lo mejor, no aparece porque a: nadie más la ha visto, o b: (mucho peor) la han visto y no ha gustado a nadie. El consuelo es que a los demás les pasa lo mismo, y como dice el refrán: “mal de muchos, consuelo de tontos”. De modo que, aunque mi lista no sea la que salga en la votación final, esta, y no otra, es mi lista. Antes de pasar a desglosar decir que podrían haber sido 20, y que es muy difícil hacer una valoración exacta de si la 2 es la 2 o la 3 es la 3. Bueno, en realidad, las primeras situadas están donde deben (más o menos ).
Empezamos pues en orden descendente desde mi favorita nº 1, que no es otra que:

“Searching for Sugar Man” (Malick Bendjelloul)

O como me gusta opinar como la mayoría. Una película que ha gustado a todo el mundo, que ha conseguido este año permanecer en salas por tiempo récord, que batió récords también en su estreno en VOD y que es una auténtica maravilla. Un documental de esos que me gustan, una historia increíble y cierta y que según la ves llegas a pensar (aunque conozcas la historia) que estás ante un “fake”. Bueno, una película que es mucho más que una película y que ha hecho descubrir a muchos a ese Sixto Rodríguez, Sugar Man, que triunfó en Sudáfrica sin saberlo. Bien pensado, es una suerte que en el mundo haya aún muchas historias increíbles por ser contadas

“Bestias del sur salvaje” (Behn Zeitlin)

Hipnótica, poética, y también hacer honor al salvaje que lleva en su título. Una película inclasificable, a medio camino entre el hiperrealismo y la fantasía, con una comunidad más o menos imaginaria viviendo tan anárquica como libremente en un "Cajun" de Louisiana, y una niña increíble que sueña con esas bestias del sur salvaje, interpretada por una portentosa actriz de 10 años de nombre Quvenzhané Whallis

“Plot for peace” (Carlos Aguyó)

Sin querer pecar de presuntuoso, esta película me huele a Oscar al mejor documental el próximo año. No tiene nada que ver con “Seraching for Sugar man”,pero tiene el mismo aire a historia increíble y sin embargo cierta. Dicho de otro modo, si te cuentan la historia como argumento seguramente dirías: “eso es increíble”. Y sin embargo, como en el caso de “Sugar man” cierto. Una historia fabulosa y desconocida, básicamente y muy por encima, el empeño de un hombre, de nombre Jean-Ives Olivier, por poner en marcha una “operación” para acabar con el Apartheid en Sudáfrica y con la encarcelación de Nelson Mandela. Una película que, como otros documentales que pueden ser “Man o n wire” o “Exit through the gift shop” (además de la ya dicha “Searching for Sugar Man”, ya forman parte de mis películas favoritas de estos últimos años. Un montaje trepidante (el director, Carlos Aguyó es también el montador de la película) nos deja sin aliento en una historia ejemplar, y desde luego, y como la que viene a continuación en mi lista, una lección de historia.

“Lincoln” (Steven Spielberg)

Retomando lo que decía sobre “Plot for Peace”, decir que para mi Lincoln es una película moral, en el sentido rosselliniano, y que nos cuenta en el fondo lo mismo que nos cuenta “Plot for peace”. La historia se hace a base de muchas pequeñas historias, pueden ser tan grandes como las de Lincoln o Mandela, pero sin esas muchas pequeñas historias esa Gran Historia no existiría. Además, otra cosa muy importante que también comparten las dos películas, un documental y una película de ficción: A veces para conseguir un objetivo tan grande como fue la abolición de la esclavitud en Estados Unidos, o acabar con el apartheid en Sudáfrica hay que saltarse las reglas.

"12 años de esclavitud", (Steve McQueen)

Aquí quiero añadir, aprovechando el trasfondo histórico, "12 años de esclavitud", de Steve McQueen. Nos pasa a menudo en el programa que los títulos que entran ya en Diciembre se quedan descolgados de nuestras votaciones. Es injusto, pero aprovecho para ponerla en la lista, "ex-aequo" junto a Lincoln. "12 años de esclavitud" es un Peliculón, y tuvimos hace unos días el enorme privilegio de hacer un preestreno en Días de CIne con presencia de Steve McQueen, quien durante 15 minutos presentó la película al público que llenaba la sala 9 de los Cines Ideal: 400 personas. Al ver la película me di cuenta de algo que luego corroboró el mismo McQueen en ese speech al público de la sala: no hay películas sobra la esclavitud en Estados Unidos. Por añadir un par de elementos a esta breve reseña: los actores, o actorazos, debiera decir, encabezados por Chiwitel Wjiofor, y con Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti y Brad Pitt, que también produce, y el paisaje, espectacular de Louisiana que sirve de contraste a la brutalidad de la historia.

“Blue Valentine” (Derek Cianfrance)

Aunque llegó a España con casi 3 años de retraso he querido que estuviera en mi lista. Y no solo por ser una gran película en la que tanto Ryan Gosling y Michelle Williams están estupendos en su crónica del amor y del desamor. Está estupendamente realizada, con garra y autenticidad. Y para que negarlo, cuando la veo no puedo dejar de evocar a esas canciones maravillosas que Springsteen nos entregaba en sus discos de finales de los 70 comienzos de los 80. Por ejemplo, cada vez que la veo me viene a la cabeza “Two hearts”. Para mi es motivo suficiente. Bueno, eso y que soy un sentimental. Debo decir también que Derek Cianfrance estrenó este año también en España su siguiente película, la también estupenda, aunque menos original “The place beyond the pines” (cruce de caminos)

“Mud” (Jeff Nichols)

Tras ver hace un par de años “Take shelter” todos nos quedamos con el nombre de su director, y Jeff Nichols no ha defraudado (a mi por lo menos) en su nueva película. Decir que Mathew McConaughey se sale (bueno, también se salía en “The paperboy”) en esta película ambientada en una tierra tanmítica en la narrativa norteamericana como es el Missisipi. La sombra de Mark Twain, por tanto, está en “Mud” (“barro”=nombre del personaje de McConaughey). Además dos niños que son herederos naturales de Tom Sawyer y su amigo Huck. La sombra de Stevenson, La Isla del tesoro, Long John Silver, y Jim Hawkins, también merodea lo suyo. Eso, que no es poco, un paisaje abrumadoramente bello, y la música, son para mi motivos más que suficientes para que está película esté entre lo mejor de este 2013.

“Amor” (Michael Haneke)

¿Qué decir de “Amour” y de su director?. Ha sido este año Premio Príncipe de Asturias, y aunque para mi tiene talento de sobra, me pareció un poco previsible y facilón que se le otorgase ese premio. “Amour” ganó el Óscar a la mejor película extranjera, y se lo merecía. Cuenta una auténtica historia de amor, pero tal y como la definían en “The deep blue sea”, o sea el amor cuando se es viejo, se está enfermo, y los buenos momentos hace mucho que pasaron. A Haneke le ayudan sus dos protagonistas, que ocupan prácticamente toda la película, Jean-Luis Trintignan y Emmanuelle Riva. Esta último por cierto,la protagonista de “Hiroshima mon amour” fue candidata al Oscar a la mejor actriz. Se lo merecía de sobra, y además el día de la ceremonia cumplía 86 años. Me sentó muy mal que no lo ganara. Toda una desconsideración para una gran dama.

“Prisioners” (Denis Villeneuve)

Tras ver hace un par de años “Incendies” el anterior trabajo de Denis Villeneuve, quien más quien menos teníamos ganas de ver que nos ofrecía en su nueva película. Decir, en primer lugar, que el registro, al menos el aparente, cambia de forma radica, aunque el fondo tiene muchas similitudes. Por simplificar mucho “Prisioners” sería una mezcla entre “Zodiac”, “Adios pequeña adiós”, “El juramento” o “Mistic River”, y no digo más. Unos actores portentosos, sin exclusión, dan forma a una película que retrata el dolor y las contradicciones humanas que se manifiestan ante algo tan fuerte como la desaparición de una hija.

“Un invierno en la playa” (Stuck in love) (Josh Boone)

Esta es una de esas películas que muy poca gente habrá visto (mi dosis de esnobismo pues) y que creo que hubiera sido mejor traducir de forma apropiada, algo así como “atascado en el amor”. Una historia de escritores, de aprender a vivir, de padres e hijos, de cómo ser tu mismo, y de cómo perdonar. Entre otras muchas cosas, con unos estupendos Gregg Kinnear y Jeniffer Connelly, una banda sonora que nos invita a soñar, y llena de referencias literarias.

“Rush” (Ron Howard)

Y para terminar “Rush”. ¿Quién me hubiera dicho a mi hace unos años que una película de Ron Howard hubiera estado en mi lista de 10 favoritas?. Lo digo yo: nadie. Y sin embargo, esta película me emocionó y me atrapó desde el comienzo. Intuyo que buena parte de la culpa de que eso sucediera la tiene el guión de Peter Morgan, guionista de la también excelente (y sorprendente) Frost contra Nixon.

Y de nuevo, una historia de la rivalidad y compleja relación entre dos personajes antagónicos pero que parecen necesitarse mutuamente para ser lo que son. Un poco como los Mozart y Salieri de "Amadeus". En este caso la Formula 1 no sería más que un Mcguffin, y Niky Lauda y James Hunt dos prototipos de personajes. Pero además, la historia de la rivalidad de esos dos es real. Un montaje espectacular, y ese guión ya comentado hacen que ya desde el minuto 10 de la película esté entregado. Y al final me tiemblen las piernas. Pero esto, ya lo he dicho es porque yo soy un sentimental. Ah, y la banda sonora, fabulosa.

Quizás “Gravity” podrán estar en esta lista, y sin duda, quizás otras cuantas, pero son las que son, y he de decir que me ha costado mucho reducir la lista inicial de más de 20 internacionales y 10 o 12 en español. A algunos esta lista les parecerá acertada. A otros un despropósito. Es cierto que nuestros gustos nos dicen como somos. Y yo soy lo que dice esta lista que soy, como Pio Baroja: anarquista, individualista y romántico.

Y si, ya se lo que alguno está pensando. En un país en el que un Ministro dice que los problemas del cine español son de calidad y no de subvenciones, debo decir que ese equivoca rotundamente y que confunde las cosas, que los partidos políticos tienen más subvenciones que el cine español, y que por contra hacen mucha mejor "marca España". Y por tanto, decir que "Todas las mujeres", española, de Mariano Barroso, me pareció fabulosa. En mi lista de "españolas" está la primera. Tuve la inmensa suerte de poder presentar al equipo de la película en uno de nuestros preestrenos, en el cine Palafox,con nada menos que 800 personas llenando la sala. Fue el mismo día que el ministro dijo su desafortunada frase. También me ha gustado mucho "La gran familia española". Lo dicho, yo soy un sentimental y no tengo que pedir perdón por ello. Y "Las brujas de Zugarramurdi" también me gustó. A otro nivel, es verdad, pero me gustó. Muy larga la secuencia del aquelarre... pero lo disculpo. Y me gustó también "Vivir es fácil (con los ojos cerrados)". Como soy Beatlemano, estaba ganado de antemano. Y también tuve la suerte de presentar al equipo de la peli en un pre-estreno de DDC. Javier Cámara se llevó de calle al personal. Todo el mundo se rió en la presentación y todo el mundo se quedó pasmado cuando al terminar la película se encontraba con David Trueba, Javier Cámara y Natalia de Molina a la salida de la proyección para hablar de la peli con la gente. Muchos incluso se fueron a tomar cañas con ellos. Y también "La herida", y "Caníbal", y esa pequeña joya que es "Stockholm".. Y dentro del cine "hispanoamericano" me han gustado mucho este año (pero mucho mucho, ¿eh? "Gloria" (no puedo evitar que me recuerde a "Las noches de Cabiria), la también chilena "No", y sobre todo "El último Elvis". Como soy un mitómano...

Y ya puestos, decir tres películas que me han decepcionado profundamente. Incluso puedo decir que me han irritado. Cada una por un motivo. "The Master", tan bien realizada, dirigida e interpretada como pretenciosa a más no poder. "Spring Breakers", insufrible y superficial disfrazada de retrato de época (actual), y "Los amantes pasajeros" un mal remedo, disfrazada de película con mensaje, de las peores y más casposas películas de Ozores, Pajares y Esteso (que al fín y al cabo son retrato de una época muy concreta en España al menos). Mi más sincera enhorabuena a Almodóvar por su premio europeo, pero yo espero que un día de estos vuelva a hacer una película que me guste.Tampoco me gustó nada nada, pero nada nada, lo útimo de Danny Boyle: "Trance"un tostón de tomo y lomo. Y con infulas, que es lo peor.

De lo que está por llegar tengo muchas muchas ganas de ver la nueva película de los Coen, que se estrenará la primera semana de 2014 "A propósito de Llewyn Davis" ”, de la cual hemos hecho la pasada semana un exitoso un pre-estreno en Días de Cine. Tengo muchas ganas de ver lo nuevo de Scorsese, “El lobo de Wall Street”, tras haber sido rehabilitado en mi lista particular gracias a “Boardwalk Empire” y a “Hugo”. Tengo ganas de ver lo nuevo de Darren Aronofsky, “Noe” y la ganadora del Festival de Sevilla “El desconocido del lago”, así como la reciente ganadora en Gijón, “Ida” de Pawel Pawlikowski. Pero, por supuesto, dejo un espacio (grande) para la sorpresa, que es sin duda, lo mejor que hay.

Lo dicho... con perdón..

y ¡¡¡féliz 2014 a todos!!!

To be continued

@Gerardo_DDC

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Gerardo Sánchez   24.dic.2013 15:55    

Lo mejor de @DiasDeCine en 2013

Amigos, se acaba este 2013, un año terrible sin duda para muchas cosas y  muchas personas, especialmente para aquellos que no tienen trabajo . Tambien, claro,  para muchos otros, en España y en el resto del mundo. Peor no os voy a engañar. Quizás yo sea un optimista irredento, (algo hay, si, lo reconozco), pero creo que este año con terminación de mala suerte, ha sido un año estupendo para @DiasDeCine. En este año el programa ha ido todo lo bien que puede ir con un horario terrible, pero en la Web tuvimos hasta junio 1.000.000 de usuarios unicos (aún no tengo los datos de este segundo semestre, pero previsiblemente serán mejores). Tambien nos movemos bastante bien en las redes sociales, hasta el punto de ser uno de lor programas de TVE con mejor "Share social". Más allá de estas  palabrotas modernas, que no son más que humo para adornar el discurso de algunos, lo que si sabemos es que mucha gente ve cada semana @DiasDeCine en todo el mundo a través de cualquiera de los canales a su disposición. Ya sea el Canal Internacional, ya sea la web, y ya sea facebook y twitter, donde tambien ponemos cada semana el programa y sus reportajes.

Tambien el 2013 ha sido el año de los preestrenos (con gran éxito) de @DiasDeCine. Hasta 9. El año que viene más, seguro. Y tambien el año de la "Colección Dias De Cine". O sea, 5 packs temáticos con 25 Blu Rays con la marca DDC:

Colección Días De Cine

Y como termina el año, y es una costumbre echar la mirada atrás para recapitular y ver lo mejor (lo peor tambien lo sabemos bien nosotros y mejro dejarlo ahí en el limbo de las vergüenzas) que ha dado de si, pues voy a aprovechar para poner aquí en este post algunos de los reportajes hechos este año de los que en el programa nos sentimos especialmente contentos. A falta de ver publicado  en la web de TVE mi artículo sobre las mejores películas (repito que para mi) de este 2013, y del programa de esta semana, con el especial "Lo mejor de 2013", pues os comento algunos de estos "highlights". COmo siempre, me congratula corroborar con mi memoria, que han si do más que  unos cuantos. En realidad, todos podeis encontrarlos en http://www.rtve.es/television/dias-cine/reportajes/, pedro yo quiero echarle un poco de glamour al asunto. 

La verdad, echo un vistazo al archivo, y hast ayo me sienot abrumado.

Empezamos con Nagisha Oshima, ese director japonés que dió que hablar en los 70 por "El imperio de los sentidos" y "El imperio de la pasión". En este reportaje podreis comprobar como había mucho má en su "haber" que esas dos (estupendas) películas:

Ver vídeoDías de cine - Homenaje a Nagisa Oshima (1932-2013)

Nuestro recuerdo a la gran Auidrey Hepburn

Ver vídeoDías de cine: 20 años sin Audrey Hepburn

O nuestro recuerdo al cara de palo Victor Mature. Ojo que este tipo fue Doc Holliday en "My Darling Clementine" 

Ver vídeoDías de cine: Centenario de Victor Mature

John Farrow, el padre de Mia, y singular cineasta desconocido por muchos.   

Ver vídeoDías de cine: 50 años sin John Farrow

Los 50 años de esa Obra Maestra que es 8 y 1/2 de Federico Fellini...

Ver vídeoDías de cine - 50 aniversario de '8 1/2' de Federico Fellini

Nuestra cursilada entusiasta por el Dia de San Valentin...

Ver vídeoDías de cine: Especial San Valentín

Nuestros recuerdos a María Asquerino, Pepe Sancho y Fernando Guillen:

Ver vídeoDías de cine - Homenaje a María Asquerino
Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Pepe Sancho (1944-2013)
Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Fernando Guillén (1932 - 2013)

Los 60 años de "Ugetsu Monogatari", o sea, "Cuentos de la luna pálida", del Gran Kenji MIzoguchi:

Ver vídeoDías de cine: 60 aniversario de 'Ugetsu', de Kenji Mizoguchi

El medio siglo de "El Gatopardo"

Ver vídeoDías de cine: 50 aniversario de 'El Gatopardo'

Y de Los Pájaros.

Ver vídeoDías de cine: 50 aniversario de 'Los pájaros'

Más adioses, a Bigas Luna (uncut version) y a Sarita Montiel:

Ver vídeoDías de cine - Homenaje a Bigas Luna

          

Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Sara Montiel

Y nuestro homenaje a los Libros en el Cine:

Ver vídeoDías de cine - Día mundial del libro

Otro Genio: Marcel Carne, creador de atmósferas. O sea, el Realismo Poético en estado puro.

Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Marcel Carné

El adios a un mito del cine fantástico y del stopmotion: Ray Harryhaussen.

Ver vídeoDías de cine: Ray Harryhausen (1920 - 2013)

Vamos a arreglar un "lapsus" en una publicación previa de este post. Uno de los mejores reportajes de este 2013 hechos en @DiasDeCine: El Gran John Garfield:

Ver vídeoDías de cine: Centenario de John Garfield (1913-2013)

 

Y otro adios. A uno de los poquísimos actores cuyo nombre dio nombre a un género: Alfredo Landa y el Landismo:

Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Alfredo Landa (1933-2013)

Un crack. Emilio Gutierrez Caba. En exclusiva para Días de Cine:

Ver vídeoDías de cine: Entrevista con Emilio Gutiérrez Caba

El medio siglo de esa película romántica y soñadora que fue, es y será, Irma La Dulce:

Ver vídeoDías de cine: 50 aniversario de 'Irma la dulce'

No tengo palabras. Un genio, un visionario, un creador de maravillas visuales sin igual. Esto es cine:

Ver vídeoDías de cine: Homenaje a Busby Berkeley

Sentimos mucho el adios a Elías Querejeta. No es solo uno de los grandes de verdad del cine españo, sino un hombre misterioso enigmático y fascinante con quien tuvimos la suerte Alberto Bermejo y yo de estar más de un año haciendo un "Imprescindibles" .

Aquí, ese documental que abrió Documenta 2012:

Ver vídeoImprescindibles - 24 horas con Elías Querejeta

Y aquí nuestra despedida. Por, como no podía ser de otra manera, Alberto Bermejo:

Ver vídeoDías de cine - Elías Querejeta (1934-2013)

Un adios hecho contrareloj. Un jueves. Peor Gandolfini lo merecía:

Ver vídeoDías de cine: James Gandolfini (1961-2013)

Joe Dante, en exclusiva para DDC:

Ver vídeoDías de cine: Entrevista con Joe Dante

  Por el Día del Orgullo Gay. O com oel cine ha visto la homosexsualidad. Por supuesto, el reportaje podría haber durado 6 veces más:

Ver vídeoDías de cine: Cine y homo

Robert Ryan. Un duro con distinción:

Ver vídeoDías de cine: 40 años sin Robert Ryan

30 años sin el Gran, Único e Inigualable, Don Luis Buñuel:

Ver vídeoDías de cine: 30 años sin Luis Buñuel

Y 40 sin el Gran, Unico e Inigualable, Jean Pierre Melville:

Ver vídeoDías de cine: 40 años sin Jean-Pierre Melville

Nuestro especial Españoles en LA. (Hay versión extendida, queridos....)

Ver vídeoDías de cine: 'Españoles en Los Ángeles'

¡ Que MARAVILLAAAAAA!

Ver vídeoDías de cine: 60 aniversario de 'Melodías de Broadway'

En época de rebajas, especial sobre el cine "Low Cost":

Ver vídeoDías de cine: Cine "Low-cost"

Todos de rodillas, es la hora de JOHN FORD en el 40 aniversario de su muerte:

Ver vídeoDías de cine: Cuarenta aniversario de la muerte de John Ford

60 años de Vacaciones en Roma: Maravillosa.

Ver vídeoDías de cine: 60 años de 'Vacaciones en Roma'

En recuerdo de Frances Farmer en su centenario.

Ver vídeoDías de cine: Centenario de Frances Farmer

Y en recuerdo de otro Grande: Trevor Howard

Ver vídeoDías de cine: Centenario de Trevor Howard

En recuerdo de quien mejor supo aunar Cine y Poesía:

Ver vídeoDías de cine: 50 años sin Jean Cocteau

Entrevista exclusiva con Norma Aleandro...

Ver vídeoDías de cine: Entrevista con Norma Aleandro

Y entrevista exclusiva con David Lynch    

Ver vídeoDías de cine - David Lynch: "La meditación abre la puerta al nivel más profundo de la vida"

En recuerdo de un señor con mucha clase, Vincent Price

Ver vídeoDías de cine: 20 años sin Vincent Price

  Y el centenario de una Señora con Mucha clase:Vivien Leight. Este video no está para incrustar.

VIVIEN LEIGHT

Y el centenario de un tipo con MUCHÍSIMA CLASE:

Ver vídeoDías de cine - Centenario de Burt Lancaster

20 años sin un soñador mentiroso y maravilloso comofue Federico Fellini:

Ver vídeoDías de cine - 20 años sin Federico Fellini
 

Medio siglo de "El Sirviente"

Ver vídeoDías de cine: 50 aniversario de 'El sirviente'

Medio siglo de "Charada"

Ver vídeoDías de cine: 50 aniversario de 'Charada'

Y medio siglo sin el Gran Yasujiro Ozu:

Ver vídeoDías de cine: 50 años sin Yasuhiro Ozu

60 años de una de las mejores películas de la Historia del Cine. Y es Española:

Ver vídeoDías de cine: 60 aniversario de 'Bienvenido Mr Marshall'

Nuestro adios a Eleanor Parker:

Ver vídeoDías de cine: Adiós a Eleanor Parker

A Joan Fontaine....      

Ver vídeoDías de cine: Adiós a Joan Fontaine (1917-2013)

A Amparo Rivelles... 

Ver vídeoDías de Cine - Adiós a Amparo Rivelles

Y hace nada.. a Peer O´Toole. Por siempre, Al Orens:

Ver vídeoDías de cine: Adiós a Peter O'Toole (1932-2013)

Ufff. Os he dado entretenimiento para todas las navidades...

Solo queda felicitaros a todos en nombre de todo el equipo que hacemos @DiasDeCine, y desearos tambien a todos un muy féliz 2014. Nosotros seguiremos ahí. Como siempre. A por nuertro programa número 1000.

To Be Continued.

@Gerardo_DDC  

 

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Gerardo Sánchez   24.dic.2013 10:59    

Federico Fellini. 20 años después.

 Hoy, 31 de Octubre, se cumplen se cumplen 20 años de la muerte de Federico Fellini. Como con tantos otros cineastas que forman parte de mi vida, no alcanzo a recordar cuando empezó a gustarme Fellini, pero lo que si recuerdo es que, sin duda, fueron sus películas de los 50 las que primero me llegaron. "La strada", "Las noches de Cabiria", "Los inútiles", "Almas sin conciencia". Debo reconocer, aquí y ahora, que cuando yo era más jóven, las películas de Felllini que estabanen boga entre eso tan poco recomendable que son los eruditos, eran películas que yo no alcanzaba a entender. Me refiero a "Fellini 8 y 1/2" o a "La dolce vita", a "Roma" o "El Satiricon"·, por ejemplo, Me daba cuenta, eso si de que eran importantes,o muyimportantes, por como hablaban algunos enteradillos de aquellas películas. Pero yo prefería sin duda "Amarcord", y sin duda "las noches de Cabiria", una de esas películas que he visto decenas de veces y que aún me pone un nudo en la garganta y hace que se me salten las lágrimas.

 

Tengo otro recuerdo imborrable de mi pasado con Fellini: ver en el cine Azul de la Gran Vía madrileña (que hace muchos años que ya no existe) "Y la nave va", y darme cuenta (esto pasa de vez en cuando con algunas películas muy especiales) de que el cine es realmente algo maravilloso. Recuerdo que esa misma semana vi tambien en el cine "Fanny y Alexander", de Ingmar Bergman. Y sentí con ella lo mismo. Joder, si había quien podía hacer películas como esas, ¿que era la inmensa mayoría de las películas que se proyectaban en los cines?.

 

Debo decir que con el tiempo debi hacerme más sabio, porque acabe por caer atrapado por la magia de esas otras películas de Fellini de las que hablaban aquellos eruditos de mi juventud. Se me quitó el complejo porque además, en Annie Hall, Woody Allen se reía de esos pelmas en su famosa secuencia de la cola del cine y Marshall McLuhan. Siempre he pensado que la erudicción sin pasión es más fria que un tempano y más inutil que un botijo en marte.

 

Pero, ya estoy andándome por las ramas, como aquel pobre loco de"Amarcord" que se subía al arbol para gritar "Quiero una mujer!". Fellini fue uno de los primeros en conseguir convertir convertir su apellido en un adjetivo, "felliniano", sinónimo, de exuberante, barroco, desmedido y personal.... Y si bien puede ser cierto, no lo es menos que Federico Fellini fue eso, pero tambien mucho más, porque Fellinini fue un creador original en un mundo de mediocres, y miró siempre con infinita ternura a los seres que creó. Muchos quisieron copiarle, creyendo que el exceso era un estilo, aunque en realidad fuese una muy peculiar visión del mundo, visto a través de los ojos de un hombre grande que en realidad nunca dejó del todo de ser un niño.

 

Ese niño, de nombre Federico Felini, nació y creció en Rimimi, en 1920, y ya desde muy niño manifestó estar dotado de un talento especial para observar el mundo. demodo que orientó sus pasos hacia el mundo de la caricatura y el periodismo. dedicándose a ello en la Italia de los años de la guerra. Meitras dibujaba, trababa amistades esenciales, como la de Roberto Rossellini, con quien coescribiría "Roma, Ciudad Abierta" o "Paisa". Fue Rossellini quien le hizo descubrir el potencial expresivo del cine, mientras escribía guiones para la radio, casandose con Giulietta Masina, actriz, y desde entonces, compañera inseparable hasta la muerte.

Tras escribir varios guiones para Alberto Lattuada, codirigió con el "Luces de Variedades", tras la cual pareció estar listo para dar el salto.

 

Con "El jeque blanco" una tierna mirada sobre el mundo de las fotonovelas, en la que aparece por primera vez Cabiria, la prostituta de buen corazon, comenzaba su carrera como director. Woddy Allen hacía algo más que homenajearla en su reciente "A Roma con amor", y "Los inútiles" era una mirada nostálgica, inequivocamente felliniana, sobre unos mediocres adolescentes provincianos.

 

Tras estas dos priemeras películas, Fellini rodó sucesivamente tres obras maestras. "La Strada" era la triste historia de Gelsomina, Giulieta Massina, una desvalida muchacha sometida a la voluntad de un saltimbanqui, el bruto Zampanó.

 

"Il Bidone", o sea, "Almas sin conciencia", trataba sobre un viejo ladrón que moría abandonado por sus cómplices cuando intentaba recuperar su autoestima

Y en "Las noches de Cabiria", la última de las tres, contaba la triste historia de una prostituta de buen corazón, Cabiria, a la que nos había presentado fugazmente en "El jeque Blanco". Cabiria era de nuevo Giulieta Massina,una buena y humilde mujer a la que todos engañan, pero a quienes ella nunca será capaz de odiar.

 

Con Cabiria, y su personaje tremendamente humano, casi un charlot femenino, acababa Fellini una etapa marcada por la influencia del neorrealismo. A partir de entonces, su cine se haría más complejo, reflejando un mundo urbano sin conciencia, más sofisticado, frivolo y decadente.

Se suceden "La dolce vita", retrato de una burguesía decadente, gran escándalo en su época, condenada por el Vaticano y con alguno de esos momentos irrepetibles en la historia del cine. "Boccacio 70", y Fellini 8 y medio, una película de encrucijada, compleja y personal, sobre las angustias personales y creativas de un director de cine que ha servido de inspiración a no pocos artistas, desde Bob Fosse a Woody Allen.

 

 "Giulietta de los espíritus" era a la vez un homejaje a su mujer, Giulieta Massina, y una disgresión sobre la esencial figura de la mujer, a la que sucedió "Toby Damnit", fantástica adaptación de un relado de Poe, de nuevo en una película colectiva , y "El Satiricon", recreacion ensoñada del mundo antiguo. Despues, retrató uno de sus mundos soñados, el circo, en "Los payasos" y luego, "Roma", una personal visión onírica de la ciudad eterna.

 

"Amarcord" fue una vuelta a la adolescencia soñada en su Rimimi natal. Ese mundo entre recordado e inventado en el que cabían todas las fantasías de su creador, orondas y apetecibles mujeres y adolescentes ansiosos de descubrir un mundo que aún no son capaces de comprender.

 

Luego, El "Casanova", de Fellini era una turbadora mirada sobre el mitico amante veneciano en su decadencia. Una mirada que no era diferente de aquella que nos ofrecía sobre Gelsomina o Cabiria. Al igual que aquellas, Casanova es un personaje desvalido luchando contra su propio destino, en este caso, cansado de su propio mito.

 

 A "Ensayo de orquesta", una parábola sobre el orden y el caos, y sutil homenaje a su amigo, el gran Nino Rota, le siguió "La ciudad de las mujeres", enigmática película sobre la soledad del hombre, las mujeres como fuerza, y de nuevo, las angustias del creador a través de su alter ego, Snáporaz, interpretado por Marcello Mastroiani.

 

"Y la nave va" fue, no solamente, una especie de testamento cinematográfico, sino además, una hermosísima pelicula de sabor añejo y fúnebre, sobre un hermoso mundo que se desmoronaba, y en el que las cosas parecían destinadas a ir irremisiblemente a peor. aunque aun le quedarían fuerzas para rodar un homenaje a sus dos actores fetiches. Su mujer, Giulieta Massina, y su y amigo (y alter ego), Marcello Mastroiani. "Ginger y Fred" era un entrañable homenaje a los humildes artistas olvidados y arrasados por la vulgaridad de unos tiempos en los que la televisión y la mediocridad que la rodea no perdonan.

 

Y además, quedaban "La Intervista", un falso documental sobre el mismo Fellini y su obra, en el que otra vez daba suelta a sus temores y fantasias, evocando imágenes del pasado y "La voz de la luna", su última película, que apenas si pudo estrenarse fuera de Italia, notable paradoja para quien había sido un cineasta universal y había ganado 4 Oscars.

 

Federico Fellini murió el 31 de Octubre de 1993. El tiempo no fue gentil con él. En sus últimos años clamaba contra la vulgaridad mercantilista de cortar las peículas con publicidad en su paso por televisión. Nos dejó su intensa mirada de un niño grande, entre asombrada y divertida. Un niño soñador que recreó el mundo de ficción de sus películas de entre sus recuerdos y fantasías, reales o inventadas, siempre con una mirada tierna hacia sus personajes. Difícil escoger alguno de entre tantos soñados por él: aquella Gelsomina, impagable Giulietta Massina, tratando de obecer al bruto Zampanó, o aquella tierna prostituta, Cabiria, imposible vendedora de un amor que daba gratis a raudales. Esa era Cabiria, engañada perpetua, amable siempre, para siempre el rostro de Giulieta Massina, su musa, su mujer, su esposa y compañera inseparable durante 50 años.

 

Giulietta no quiso sobrevir a Federico más que apenas 5 meses. Murio de pena. No quiso dejarle vagar solo, desamparado, como sus personajes, por un cielo que sin duda se parecería mucho a esos mundos de decorados en carton piedra, de mares de plástico, de barcos inmensos, de mujeres exuberantes y prostitutas de buen corazón en el que sin duda sonaría la hermosísima música de su amigo Nino Rota.

 

Continuará

@Gerardo_DDC

Gerardo Sánchez   31.oct.2013 16:48    

Vivir es fácil con los ojos cerrados.

Desde que supe que David trueba estaba haciendo una película con ese título, ya sentí interés. Yo soy beatlemano, y ese verso... es mucho verso.

 

 

A veces me gustaría ser como el personaje de MIchel Keaton en "Multiplicity", ese tipoq ue abrumado por su trabajo y muchas responsabilidades, recurría a clonarse a si mismo de forma que él mismo podía estar en dos sitios a la vez haciendo cosas distintas. El problema es que acabó cogiéndole el gusto y multiclonándose. La cosa empezó a ponerse fea cuando uno de sus Yo alternaticos se llevaba con su mujer mejor que el Yo verdadero, sea cual fuera ese Yo ya en ese momento.

 

Por eso, aunque a veces me da por pensar lo que ganaria con algún tipo de "gadget" que me permitiese hacer lo mismo que a Michael Keaton, tambien me conozco y se que yo sería capaz de competir conmigo mismo. Y podría ganar. Pero tambien perder. Bueno, si esto no es una paradoja Borgiana, que venga Dios y lo vea. Pero yo me conozco.

El caso es que pienso en estas cosas por el aluvión de trabajo que úlitmamente se me ha cruzado en el camino. La semana pasada me hubiera gustado poder hacer una disgresión sobre "Prisoners", la estupenda película de Denis Villeneuve, pero se cruzó nuestro cuarto preestreno apadrinado de este "2013", y como fue un exitazo rotundo, pues la gloria me nubló los sentidos (recuerdo por cierto que la pasada semana, hicimos una entradilla que quedó estupenda con Henar en el Hall del Cine Palafox, justo antes del preestreno de "todas las mujeres) y que no pudimos usar.... ¡porque no se oía del ruído de gente que había!

Volviendo a Prisoners, por cierto, que ya me voy por las ramas, en ella veo al mismo Villeneuve que vi en "Incendies", solo que en un registro totalmente distinto. ¿Como puede ser esto compatible?. Pues lo es. Una curiosidad estilística: Villeneuve nos invita a "mirar" en estre thriller que bebe de Zodiac, El Juramento, ( o sea, El Cebo) o Adios pequeña adios y "Mistic River", sin parecerse en nada a ellas, hasta un cierto momento en el que previsiblemente lo que habría que ver se va a volver insoportable a nuestros ojos. Es cumplir a rajatabla una regla no escrita del cine (queyo comparto) que dice que es mejor sugerir que mostrar. Y decir que todos los actores de Prisoners están estupendos es decir algo obvio, pero enteramente cierto.

 

Debo decir tambien que entre minutado y minutado, entre pase de prensa y pase de prensa, entre entrevista y entrevista, entre llamada y llamada yo entre correo y correo, hacemos las entradillas con henar los miercoles en Cineteca (como campamento base), y como relativa novedad los "teaser" para la web. Debo decir que en realidad, la idea de hacer un teaser para la web (o una promo del programa, si lo preferís) surgió cuando el primer día que trabajamos con Henar, lo hicimos, coo suele ser, pro desgracia ahabitual, sin tener tiempo ni para ensayar, ni para probar vestuario, iluminación, maquillaje ni nada... menos aún por tanto para probar una astracanada que se me había ocurrido, y era mostrar el asunto de las entradillas en todo su artificio. O sea, un rodaje con cámaras, maquiladora, realizador, snido, claqueta, errores,etc etc.. O sea, como en "La noche americana" de Truffaut, pero sin Truffaut. . Por cierto, ¿se dice Trifó o Tgifóóóó? . Lo digo porque el otro día algien con bastantes infulas y malos modos nos echaba en cara que Hénar había dicho "Trifó".

 

Volviendo a los Teaser, para nuestra sorpresa están teniendo una repercusión que no nos habíamos podido imaginar. Tambien es cierto que hay a quien no les gustan y le parecen fuera de lugar y poco apropiados para un programa como Días de Cine. Tomemoslo de esta forma: son un intento desesperado, y patético, de llamar la atención por parte de nuestro programa. El tiempo dirá...

Teaser DDC Johnny Guitar 

Esta semana la empezñabamos viendo un películón que se va a estrenar la proxima semana "La vida de Adele", dirigida pro Abdel kechiche, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes este año. No ocuento más que es una película fabulosa, de 3 horitas de duración (ojo, la última que vi de esa duración, "Laurene Aniways", era tambien estupenda), y una historia de amor en toda regla. Bueno, y tambien de desamor. La vida misma a través de la vida (valga la redundancia) de la protagonsita, Adele, (Adèle Exarchopoulos) y su amor por Emma (Léa Seydoux). O sea, una historia de amor (y desamor, repito) entre dos mujeres, pero que consigue que nos olvidemos de la condición sexual (o quizás deba decir de "género") para que nos quedemos en eso de "una hisotria de amor". Y además, de las buernas. Las dos actrices, fabulosas, por cierto.

 

Peor hubo más el martes. Días de Cine tenía entrevista con David Lynch. Allí que fue Raúl Alda a hacerla, y se encuentra subiendo enel ascensor del Hotel Urban con el mismo David Lynch. Y de repente, se encuentra él solo con el equipo de cámara y Mr. Lynch 20 minutos antes de lo previsto para la entrevista hablando del tiempo, y cosas de aquí y de allá. Por cierto, allá que estábamos yendo Henar, Luismi, el realizador, y yo, para ver si podíamos hacer una entradilla mientras Raúl entrevistaba a David Lynch. Raúl no dejaba de sor`renderser porque nunca le había pasado eso,estar 20 minutos antes con el entrevistado, de modo que me dijo si empezaba la entevista, y yo le dije que ¡adelante con los faroles!. Al final la entrevista que pudo hacerle fue de 25 minutos, Muy interesante. Y David Lynch amabilísimo. Luego, y gracias a la buena labor de Sonia Uría, pudimso hacer una entradilla con él (al final repetimos por si el ruido de la calle era demasiado y para cubrirnos). Y hubo un fake en la segunda toma, de modo que hubo una tercera. Ese fake podeis verlo en el teaser de esta semana. Fue muy divertido, y lo que nos se ve, al otro lado de la cámara, era un montón de gente haciendo fotos y grabando con los móviles.

 

Una cosa negativa: no conseguí que me firmase la edición especial de "Carretera perdida". Como diría Homer Simpson "¡Kagoen!".

Luego, el miercoles, o sea, ayer, hicimos las entradillas restantes en Cneteca, y además rodamos el teaser Johnnyguitarresco. Ese teaser tiene unmaking m`´as divertido que el teaser en si. Pero esa es otra historia. El caso es que mientras lo preparábamos, llegaron David Trueba y Natalia de Molina, con quienes ibamos a grabar una convocatoria a nuestro próximo preestreno "apadrinado" de "Vivir es fácil (con los ojos cerrados" y se quedaron mirándonos algo alucinados. Un equipo serio con una claqueta antigua, cantando Johnny Guitar enplayback, con uel director de un programa serio blandiendo ufano una guitarra eléctrica, en la Cantina de Cineteca... Antes de grabar su llamamiento a nuestros espectadores para asistir al preestreno, me dice Silvia Suarez, la Jefa de la agencia Zenit, que lleva la prensa de la pelícual: "oye, Gerardo, pero esto... lo vamos a hacer en plan serio, ¿verdad?...

Grabarlo, acabar las entradillas, volver a Torresopaña, montar el teaser, exportarlo a mov h264, llevarlo a interactivos donde Jesús Jiménez lo sube a la web, y ver que en Twitter empieza a haber comentarios y risas en la redacción.

Y con todo, he de recordar, que este es un programa serio. Y sino, para coprobarlo, esta noche, para los valientes.

O en la web mañana, o el sábado por la 2 a eso de las 19:00. Y claro, en el Canal Internacional.

Continuará..

@Gerado_DDC

Gerardo Sánchez   17.oct.2013 18:29    

De Gravity a 2001 (o al revés)

Veía esta semana Gravity tras esperarla ansiosamente. A mi estas cosas del espacio siempre me han gustado. ¡Yo quería ser astronauta de pequeño!. Y aún quiero serlo. Si mañana me dijeran si me subía a una Soyuz o a un Discovery lo hacía sin dudar un solo segundo. El caso es que desde pequeño me fascinaban estas cosas, y claro, las películas tambien. En Gravity redescubro a Alfonso Cuarón un director que desde que "La princesita" unas navidades por televisión, me encanta. No he visto ninguna pelicula suya mala. Ni siquiera su aportación a Harry Potter, la única de la saga en la que no he tenido que luchar para no echar una cabezada. Es Gravity una de esas películas que tienen lo que una buena película tiene que tener, como bien sabía Kurosawa: un buen guión. Que luego pase a 600 kilómetros d ela tierra, en el espacio, y esté rodada en 3D es absolutamente secundario. La película nos cuenta una historia de supervivencia y un viaje interior ejemplar. Por resumir, esos dos que se quedan solos ahí arriba están interpretados por George Clooney, cuyo personaje está inspirado en el protagonsita de "Punto límite cero" (Vanishing point, yo como siempre, epatando con los títulos en inglés) y una estupenda Sandra Bullock, podrían vivir esa experiencia en una montaña, una selva, el mar, o el desierto. Los trajes espaciales y la tierra al fondo, la ISS o la chatarra espacial son un decorado fascinante, pero que en realidad no es lo principal en esta película.

 

Es curioso como muchas de las cosas que vemos (y escuchamos, o no) en Gravity son deudoras de 2001. Por un lado, hace tiempo que es evidente que Kubrick (y Arthur C. Clarrk) fue un tanto generoso con la humanidad al pensar que en el año 2001 ibamos a ser capaces de tener una tecnología (y tan pulcra) como la que se ve en la película. Por otro lado, ya sabemos de sobra que los espacios que el ser humano ha podido construir para habitarlos por ahi arriba son mucho menos luminosos y pulcros que que los que nos mostraba Kubrick en 2001. Por cierto, yo leí la novela de Arthur C. Clark, basada en la película para la cual había escrito el guión, un montón de veces antes de ver la película finalmente en cine en España. Recuerdo bien que cuando yo pude verla fue tras el éxito de La Guerra de las Galaxias. Y recuerdo que en el cine había un cartel (un affiche) en el que George Lucas decía que 2001 era la película que él hubiera querido hacer. Obviamente 2001 y Star Wars no tenían nada que que ver, salvo las estrellas y el hecho de haber naves espaciales. Con el tiempo vi 2001 muchas muchas veces. Y cuando digo muchas estoy hablando de 40 0 50 veces. Siempre fascinado, tras haber leído el libro tantas y tantas veces y haber leído tanto y tanto sobre la película, pero sin haberla visto (estas cosas eran normales hace tiempo). Recuerdo que una de las veces la vi en un cine de mi barrio con los rollos cambiados, y alguien delante mío que no se enteraba de nada decía: "a mi me han dicho que es una película muy rara". Otra vez, lo juro, había una rata que cruzaba por la sala cada cierto tiempo. Vi la película con los pies en alto. Pero algo estaba claro y llamaba la atenció, y era como Kubrick contaba su historia, tanto desde el punto de vista visual (no se donde acabaría, pero durante muchos años tuve un "american cinematographer", la revista de los directores de fotografía de la ASC, en la que se contaba "todo" sobr eel rodaje de 2001) como desde el punto de vista sonoro.

 

Más allá de las músicas de los dos Strauss, tras desechar el OST que compuso Alex North, Kubrick estaba muy bien asesorado sobre cosas tan evidentes (hoy día) como que en el espacio no se propaga el sonido. Fruto de esa evidencia científica, Kubrick nos ofrecía alguno momentos magníficos de silencios absolutos. Cuando he visto Gravity, me he dado cuenta de cuan aplicado es Alfonso Cuaron, y que bien ha aprendido las lecciones de un maestro como Kubrick. Ya lo dijo Bresson: el cine sonoro ha inventado el silencio.

Como decía Buzz Lightyear:

To infinite... and beyond

Continuará

@Gerardo_DDC

Gerardo Sánchez    3.oct.2013 19:55    

Katharine Hepburn: Woman of the year

Leía yo la entrada de Raúl en el Blog de Días de Cine, y la reivindicación que hace de Glenda Jackson, (estupenda, si señor: la reivindicación y la actriz) y me daba cierta envidia (sana), porque yo tambien tengo mis mitos cinematográficos femeninos.

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Bueno, el mio particular se llama Katharine Hepburn, y no recuerdo muy bien cuando empezó a serlo, pero si que no recuerdo mi vida sin estár medio enamorado de ella. Hubo una época en que mi habitación (creo que ya era post-adolescente) estaba absolutamente empapelada con fotos suyas, carteles de películas y no se que más, y que veía una y otra vez "La fiera de mi  niña" y que me asombraba lo tremendamente moderna y dispuesta que me parcía.  Como en otras ocasiones, este post no será un recorrido exaustivo por su vida y obras, sino una "evocación sentimental".

Katharine-hepburn-c-1930s
 

Aquello de "pero David, ¿Con quien vas a pasarlo mejor que conmigo? olía a ser una verdad como un templo. Con una mujer así, ¿quien en su sano juicio no va a querer meterse enun soberano lío?. Yo me imaginaba como ese atribulado David que interpretaba magistrlmente Cary Grant, y nunca pensaba que para mi hubiera sido un sufrimiento Mi cara soñada tenía una permanente sonrisa de oreja a oreja.

 

Las películas menos buenas de Katharine Hepburn me gustan, y las buenas me encantan. Las buenas de verdad me subyugan. Aparte de "Bringing up baby" , dede su aparición en la pantalla en "Doble sacrificio" ya con su amigo George Cukor, "las 4 hermanitas" o esas maravillosas comedias de los años 30 como (además de la de Hawks) "vivir para gozar", "La gran aventura de Silvia", "damas de teatro".. en fin pequeñas grandes maravillas de una chica de rostro anguloso, andares resueltos, (por eso Howard Hawks siempre la filmaba andando) y que en la pantalla sabía relacionarse de una forma muy especial con los hombres.

 

 Cuentan esas crónicas de la época que quedan como registro de  la historia, que a pesar de gustarme a mi mucho, y hacer excelentes películas, no la iba muy bien en taquilla, y se fue a Nueva York  al teatro. Es una larga historia (y muy curiosa), pero el caso es que gracias a eso, (ir a refugiarse al teatro en Nueva York) acabó surgiendo esa maravillosa película que he visto decenas de veces (no es boutade, es cierto) y que cada vez que vuelvo a verla me gusta más: "Historias de Filadelfia". No voy a contar la peli ni nada de eso. El que quiera verla que la vea, no se arrepentirá. Solo una frase: "El alcohol es un gran nivelador, nos hace a todos iguales". Bueno, con perdón, otra: "Basta ya, C.K. Dexter Haven, ¿le pego yo a usted o usted a mi?". Una palabra muy sencilla define esta película de forma ejemplar: MARAVILLOSA.

 

Tampoco es este el sitio para contar a los sufridos lectores (yo tengo incontinencia verbal y digital) sus trayectoria vital con Spencer Tracy. Pero si es el sitio para evocar aquella aparición del muchacho, un intrépido y rudo periodista deportivo de colmillo retorcido (o eso creía el)  en "The woman of the year" en el despacho en el que la intrepida reportera lucíapiernas despampanantes. Enuna de las escenas más hilaranrtes que he visto en mi vida, el tipo duro se desmoronaba ante la presencia de semejante belleza. No me extraña, yo hubiera hecho lo mismo (con menos clase, seguro).

 

Que decir de mi admirada y querida Katharine Hepburn: "La costilla de Adán", "Pat y Mike" "La impetuósa", "Locuras de verano" (pongo los títulos en castellano esforzándome mucho, que yo soy de títulos en original)...

Me doy cuenta que algunas de las películas de mi vida "de verdad" están interpretadas por Katharien Hepburn. Una es "Historias de Filadelfia". Otra es "La reina de Africa".  Recuerdo perfectametne la primera vez que la vi: un viernes a las 12 de la mañana en la sede de la Filmoteca Nacional en lo que entonces era el Museo Nacional de Arte Contemporáneo. Evidentemente aquel viernes me "escaqueé" de la clase que fuera. Y tambienevidentemente no me arrepentí. Com con "El hombre tranquilo" "La Reina de Africa" la he visto decenas de veces. Y siempre la he visto con una sonrisa de oreja a oreja. Hace años compré una copia espantosa enDVD, la primera que se editó en España. Una "caspa". Y hace 3 años la compré en Blu Ray durante unas vacaciones en Nueva York. Luego ya salió aquí en España y... (tambien la compré, lo confieso).

 

Aún recuerdo muchas maravillosa películas de mi admirada y querida Kate: "El león en invierno", una maravilla. "la loca de Chaillot", y una película que recuerda casi todo el mundo (su cuarto Oscar): "En el estanque dorado". Pero yo prefiero otra maravilla: "Love among the ruins" (Amor entre las ruinas), su último trabajo con su buen amigo George Cukor, una maravillosa película junto a Lawrence Olivier sobre un amor que dura demasiado tiempo sin consumar.

 

 El la ama. Y ella le ama. Ah, por cierto, son casi ancianos, pero se amaron de jóvenes, aunque ella se hizo la interesante y sus caminos se separaron. Luego al reencontrarse, ella simula no rcordar, pero es mentira. Y al final la diosa que fue desde "Historias de Filadelfia" se hizo humana y acabaría por reconocerlo. Una preciosa música de John Bary ayudaba a terminar la película con un agradecido "Y fueron felices y comieron perdices".

Categorías: Actores , Cine

Gerardo Sánchez   19.sep.2013 17:57    

UN ICONO PARA HOMBRES INTELIGENTES

Glenda Jackson en Women in love

 

Revivamos nuestro pasado hecho en buena medida de recuerdos cinematográficos, aquellos que aliviaron nuestra primera juventud.

Subyugantes propuestas para contrarrestar la mediocridad dominante y su paupérrima estética.

  Y ahora, si me lo permitís, rememoro a todo un icono femenino con el que soñar, Glenda Jackson, centrándome en un papel emblemático y poco reivindicado, la Gudrun que imaginara literariamente D. H. Lawrence en su excelsa novela “Women in love” (Mujeres enamoradas).

 

   El texto de Lawrence exploraba esa clase acomodada surgida de la Revolución Industrial. Solo ellos tenían tiempo, curiosidad, medios y dinero para explorar nuevos territorios del extenso campo de la sexualidad y un nuevo balance en las relaciones heterosexuales. Los demás, la clase trabajadora, ya lo muestra el film de Ken Russell, simplemente salían de la fábrica con las caras tiznadas de hollín, ¡como para hablarles de la liberación sexual y el nuevo papel de la mujer!.

  Dos parejas se entregan a esa exploración, entre temeraria y ociosa, la que forman en el cine mi admirado Alan Bates antes de que su cara pareciera un cuadrado y Jennie Linden, actriz por lo demás que no dio mucho más que hablar. La otra pareja, improbable, como acaba demostrando el devenir de la historia la forman Oliver Reed, cuyo rostro nos habla del hombre elemental, fornido, rústico y bien vestido. Y ella, ¡ella!. Gudrun, la escultora, una propuesta de las más interesantes que nos ha dado el cine en cuanto a modernidad y elegancia. Esa actitud, entre misteriosa, paradigmática … y siempre bien vestida.

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  Glenda Jackson dejó el cine para dedicarse a la política como diputada por el Partido Laborista. Me llama la atención (y me hace admirarla aún más) que no se sometiera a ninguna operación de estética para estirar su rostro. Basta buscar en el “google imágenes” sus fotos y se cuela en los resultados una anciana que no esconde sus arrugas. La belleza se marchita pero en las facciones de una hipotética Gudrun de la tercera edad permanece la dignidad.   

     

Categorías: Actores

Raúl Alda   18.sep.2013 15:36    

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Días de Cine comienza su temporada 22. A partir del 6 de Octubre, entraremos en el año 23 DDC. Esto se debe a que el programa comenzó su emisión un 6 de Octubre de 1991. Como decía una película: "Hace mucho tiempo, enuna galaxia lejana, muy lejana".
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