¿Quién está detrás del director/autor?

    miércoles 12.jun.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

El otro día comentaba en otro post eso tan evidente de que “tras cada gran director hay un gran actor”, y ponía ejemplos (incontestables) para demostrarlo. Básicamente, lo que quería decir es que, por más que un director sea la cabeza visible (bueno, visible, lo que se dice  visible es la del actor), detrás de su mérito está el de mucha gente de talento, delante y detrás de la cámara. La teoría del cine de “autor”, surgida, como casi todo el mundo sabrá de las fantasías de los jóvenes críticos de Cahiers du Cinema no ha sido demasiado bien digerida por algunos. “Autor” es una etiqueta que pesa demasiado. Y siendo el cine como es un arte con una componente industrial muy poderosa, creo que (parafraseando el dicho) “no es autor el que quiere, sino el que puede”. Es mi opinión, desde luego, pero autores, lo que se dice autores “de verdad”, creo que sólo ha habido uno en la historia del cine, y ese fue Charles Chaplin, que salvo hacer la cámara, lo hacía todo: interpretar, claro, y además, escribir, dirigir, montar y hacer la música (aunque a veces, como en “La violetera” se le fuera la mano, atribuyéndosela a si mismo de primeras).  Para hacer eso que él no podía hacer, la fotografía, Chaplin no dudó en tirar del talento de su hombre de confianza durante muchos años, Rollie Totheroh.

Rollietotherohchaplin_opt
Como bien decía alguna persona a raíz del post anterior, son muchas las gentes de talento implicadas necesariamente en una película. El otro día ponía el ejemplo de Gritffith y Lilian Gish, pero Griffith se apoyó durante años en el talento de un grandísimo director de fotografía: Billy Bitzer.

Dwgriffith

Más ejemplos de talentos multidisciplinares implicados en la  producción de una película, más allá del talento (incuestionable) de ese que “solo la dirige” (como decían en Nickelodeon).

Para empezar, hoy día tendemos a minusvalorar la tarea del productor, pero desde que el cine es cine, detrás de cada gran película, había siempre un gran productor. Sin ir más lejos, tenemos el ejemplo recientísimo de Elías Querejeta. Todos los directores que trabajaron con él saben y reconocen, que más allá de poner el dinero, era una persona que se ocupaba y preocupaba de que la película fuera la mejor de las posibles, y para ello destinaba el esfuerzo y el talento necesario.

Elias querejeta

Ese tipo de productores hoy no abunda, es cierto, pero el mejor cine ha venido de la mano de gentes como él. Hal B. Wallis, Irving Thalverg, o David O´Seltznick, por no decir de los titanes fundadores de las “Majors”.

HalWallis Darryl_zanuck

DavidSelznick Irving-thalberg
Una anécdota que me gusta especialmente: Dicen que Jack Warner decía en los años 20 (cuando la cadena de producción de sus estudios exhibía hacer películas en una semana, que se veían un martes para estrenarse el viernes) “No “la quiero buena, la quiero el martes”. Lo bueno, es que además de estar el martes, muchas de ellas eran buenas, o al menos, permitían que mucha gente que trabajaba en ellas afinase el oficio, algo fundamental.

La UFA no sería la UFA, ni los directores de la UFA serían lo que fueron sin Erich Pommer, en la producción, Sin Carl Mayer, guionista, y sin Karl Freund, en la fotografía. Casi nada.

Carl-mayer Fritz Lang & Erich Pommer

Karl_Freund

¿Seguimos con mi admirado John Ford?. Además del hecho que antes de hacer su primera obra maestra (¿The iron horse?) había hecho ya más 50 películas, la carrera de John Ford puede seguirse además por su colaboración con sus guonistas: Duddley Nichols, primero y Frank S Nugent después. Bueno, y por su trabajo con Merian C. Cooper en la producción o por los músicos con los que trabajó, Max Steiner o Victor Young, entre otros. ¿Más?. Los mejores trabajos de Ford son indisociables de dos grandes: Gregg Toland y Winton C Hoch.

Gregg Toland

Dicen (aunque es cierto) que en el rodaje de la secuencia de la tormenta de “She wore a yellow ribbon” (que Ford se empeño en rodar cuando el equipo ya había parado) el director de fotografía puso en la claqueta que daba acción a esa secuencia “PROTESTO”. Todo el mundo sabe que esa película y ese director de fotografía ganaron el Oscar de ese año a la mejor fotografía, precisamente o sobre todo, por esa secuencia.

Winto C Hoch

Y Gregg Toland, claro, nos lleva a otro autor que no lo sería tanto si no hubiera tenido la suerte de tener a unos grandísimos colaboradores: Orson Welles. Además del hecho que Wells (que era un genio pero sabía que de cine no sabía nada) vio “La Diligencia” hasta 19 veces antes de meterse en faena con “Ciudadano Kane”, se preocupó muy mucho de rodearse de los mejores talentos jóvenes que RKO le podía ofrecer. A saber: además de Gregg Toland para la fotografía, Perry Ferguson en la dirección artística, Robert Wise en el montaje (con Mark Robson como ayudante. ambos fueron en el futuro directores), tuvo el cuidado de tener a Herman J. Mankiewicz (hermano de Joseph L.) al guión (luego, si Wells vampirizó su trabajo, o no, sería otra larga e interesante historia), y a otro gran Herrmann, Bernard, para la música, un tipo que marcaría también definitivamente el trabajo de un puñado de películas imprescindibles de otro grande, Alfred Hitchcock .

Bernard+Herrmann

¿Más?. Ciudadano Kane no sería lo mismo sin el trabajo de otros talentos como John Houseman o Perry Ferguson, ayudante de uno de los grandes directores artísticos de Hollywood, creador de una “marca” propia desde la RKO: Van Nest Polglase. Tarea esa, la de la dirección artística de una importancia que no demasiada gente reconoce.

VanNest Polglase

Cameron Menzies

La historia del cine está llena de nombres que imprimieron su “marca” desde la dirección artística. A botepronto, uno de los más grandes, William Cameron Menzies. Y Como anécdota, Mitchell Leisen, director artístico que acabó dirigiendo guiones que escribía un guionista llamado Billy Wilder, quien, a su vez, cuando hizo ya de forma continuada sus películas como director, siemrpe lo hizo cofirmando con otros nombres como Charles Brackett o I.A.L. Diamond.

¿Más asociaciones de talentos al director sin las cuales sus películas no serían lo mismo?

No puedo imaginarme al neorrealismo, o a grandes nombres del cine italiano sin los nombres de  Suso Cecchi D´amico, Giuseppe Rotuno o por supuesto, Nino Rota.

Suso_Cecchi_D'Amico Rotunno_with_camera

Nino &Fellini

¿Y el autor Godard? ¿No es la gran fotografía de Raoul Coutard o la música de Georges Delerue.

Coutard2

Georges_Deleru_2

Este último nos lleva inevitablemente a François Truffaut, claro, quien (volviendo al tema anterior de los actores) hizo de un actor, Jean-Pierre Léaud, su absoluto “alter ego” en la pantalla durante años.

Hay muchas más: Bergman y sus directores de fotografía, Sven Nykvist, más conocido, pero también Gunnar Fisher.

 

Nykvist
O Scorsese y su montadora habitual desde hace décadas: Thelma Shoonmaker, o su trabajo junto a Michael Chapman en la fotografía.

Thelma_marty


Coppola y Gordon Willis, también en la fotografía, algo que va indisolublemente asociado a esa(s) Obra(s) Maestra(s) que son la trilogía de El Padrino. Robbie Muller y Wim Wenders. O más recientemente, ese tipo que hace películas hipnóticas, que es Wong Kar Wai, debe no poco al arte de Christopher Doyle.

Wim_and_robbieWong Kar Way Christopher Doyle

 Angelo Badalamenti y David Lynch, Maurice Jarre  el otro David, Lean, John Williams y Steven Spielberg. Buñuel y Gabriel Figueroa o Jean-Claude Carriere.

Figueroa bunuel

Bueno, la lista puede ser interminable, y no quiero abrumar (ni abrumarme a mí mismo) pero en resumidas cuentas, lo que quiero poner en valor es el valor del trabajo en equipo en el cine.  Cuentan que en una ocasión alguien con ciertas ínfulas y muy poca experiencia (ahora mismo no recuerdo quien, pero no pasó a la historia) iba a rodar con el equipo habitual de John Ford. Cualquiera que lleve un tiempo trabajando en algo y conozca mínimamente ese algo, se da cuenta en seguida cuando llega alguien que no tiene ni idea. Algunos lo dicen de entrada, y es el primer paso para aprender. Otros lo ocultan, y es un gran error: A aquel fulano con ínfulas le dijeron “mire usted, tiene la ocasión de trabajar con esta gente, muy buenos haciendo su trabajo, y que pueden ayudarle a hacer el suyo mejor y más fácilmente”.  Cuentan que el tipo bajó a la tierra e hizo caso.

Otra anécdota que lo dice todo: Cuando Arthur Freed, jefe de la unidad de producción de musicales de la MGM recogió su Oscar, dijo que su único talento, de tener alguno habría sido haberse sabido rodear de otras gentes de talento.

Freed-unit-c-1945

Otro día hablaré sobre esos grandísimos profesionales, “que solo la dirigen” quienes no obtuvieron de los críticos más que el calificativo de “artesanos”.

Continuará

@Gerardo_DDC.

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Gerardo Sánchez   12.jun.2013 16:27    

Hernani, mi patria, mi infancia

    martes 11.jun.2013    por Alberto Bermejo    0 Comentarios

Hace algo más de un més, cuando se supo que Elías Querejeta había sido hospitalizado y que estaba fatal, me pidieron de El Mundo que escribiera algo sobre él, no una valoración sobre su carrera y su incontestable relevancia en el cine español sino una impresión más personal, algo cercano, avalado por el tiempo que Gerardo y yo habíamos pasado con Elías durante el rodaje de nuestro documental "24 horas en la vida de Qurejeta" para la serie "Imprescindibles". Como tantas veces ocurre en prensa, lo que se acaba publicando no es exactamente lo que estaba previsto y ahora, un mes después de haberlo escrito y enviado, veo que falta una parte del texto. No se trata de culpabilizar a nadie, estoy seguro de que no hay ninguna intención, ni mala ni buena, tras el abrupto final,  esto de la prensa es así, urgencia, precipitación, cambio de maqueta a última hora... el caso es que puede parecer lo que no es, así que os dejo aquí el texto completo para que no haya equívocos y el documental para quien le apetezca.

 

 HERNANI, MI PATRIA, MI INFANCIA

Por Alberto Bermejo

Resulta difícil imaginar que alguien mínimamente interesado por el cine español no haya entendido todavía que Elías Querejeta ha sido el productor más importante de la siempre incipiente cinematografía patria. Se podría decir que gracias a él, a su valentía, a su obstinación, a su astucia, a su socarronería, el cine español aprendió a hacerse mayor, a burlar la censura, a enfrentarse a la dictadura, a reivindicar algunos derechos por delante incluso del conjunto de la sociedad y de alguna manera a normalizar el país en aspectos sociológicos, políticos o sentimentales. Pero todo esto no hace falta explicarlo ahora porque sobran voces autorizadas para hacerlo y la impresionante lista de películas que componen su filmografía habla por sí sola. Tuve el honor de tratarle de cerca a lo largo de más de un año, durante la preparación y el rodaje del documental “24 horas en la vida de Querejeta”, que Gerardo Sánchez y yo mismo logramos poner en pie como parte de la serie “Imprescindibles” de Televisión Española, una experiencia única que nos permitió asomarnos a alguna parcela de los territorios menos conocidos de su personalidad. Que nadie imagine que a lo largo de esos días intensos en los que intentábamos reconstruir su infancia, su juventud, su etapa de futbolista profesional y su trabajo como cineasta delante de la cámara surgiera algún tipo de verdadera intimidad. Pocas personas más reservadas, esquivas e impenetrables que Elías Querejeta, infatigable conversador por otra parte, que sólo dejaba entrever lo que pasaba por su cabeza, más interesado siempre en saber de cualquier interlocutor que se le pusiera delante que en entreabrir el caparazón tras el que escondía su sabiduría o sus sentimientos. No se puede decir que la relación con él fuera fácil, de hecho pasamos cerca de dos meses reuniéndonos una o dos veces a la semana, casi como una prueba de que merecíamos su confianza. En esas reuniones aparentemente informales fuimos desgranando cómo sería el documental, de qué hablaríamos y qué quedaría fuera sin posibilidad de discusión, de lo que trataríamos en cada apartado, a quien prefería ni mencionar, de cómo su vida privada sería territorio prohibido y que principalmente hablaríamos de cine y solo de cine, bueno, y de futbol, bueno, y también de algunos viejos amigos, y de sus peleas con la censura y de San Sebastián y por supuesto de Hernani, donde pasó su infancia, su verdadera patria, como le gustaba decir parafraseando a Saint-Exupéry. En seguida nos dimos cuenta de que incluso en esto ejercía de productor y que en cierto modo era él el que controlaba el proceso. Lástima no poder reproducir su reflexivo gesto de diversión imaginando la que se montaría si contara públicamente determinadas cosas. Un día, en una de esas charlas cada vez más distendidas se quedó pensativo y nos dijo: “Habrá que hablar de “El Sur”, y tras unos segundos de silencio añadió: “¿pero hay una película o no hay una película?... y además cojonuda”, toda una declaración de  principios que fue casi lo único que estaba dispuesto a decir sobre su segundo y último trabajo con Víctor Erice. Era nuestra intención mostrarle como un profesional en activo, pero no podíamos imaginar que realmente nos enfrentábamos a alguien que seguía trabajando infatigablemente pese al aspecto de decrépita fragilidad que presentaba en los últimos años. De hecho nos sorprendió hasta tres veces con otras tantas producciones que nos esbozaba como vagos proyectos en nuestras conversaciones y que llegaron a convertirse en películas durante el rodaje. Siempre coherente con sus intransferibles principios, dijo no que no vería el documental, como nunca volvía a ver sus películas unas vez acabadas. Y lo cumplió. Conseguimos, eso si, que nos visitara en la sala de montaje y comentara ante la cámara parte de lo que íbamos ordenando, y fue ahí donde nos hizo algunas de sus confidencias más sinceras sobre su concepción del cine, sobre la importancia que daba al guión y al montaje. Rodar lo podía hacer cualquiera, decía tomando prestadas las palabras de René Clair. De su hermetismo, pero también de su extremo e inusual rigor profesional, nos dieron generoso testimonio cada uno de los directores que trabajaron con él. Al final, descubrimos que tras su coraza se escondía el mismo niño que había nacido y crecido en Hernani, jugando al futbol y soñando con hacer un cine diferente al que se hacía en este extraño país.

 

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Alberto Bermejo   11.jun.2013 16:40    

Elías Querejeta: Imprescindible

    domingo 9.jun.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

Esta mañana volvía yo antes de lo habitual tras mi escapada en mountain bike que no perdono nunca. Las nubes lo decían todo, y este invierno he pedaleado bajo la lluvia y la nieve, sobre el hielo y el barro, a muchos grados bajo cero. Hoy me podía dar la licencia de hacer menos kilómetros y no subir hasta la Morcuera y luego ir por el valle del Lozoya hasta el puerto de Canencia, circuito habitual cuando los hielos se retiran y el buen tiempo llega.

Y suena el teléfono, y es el Telediario fin de semana, y me lo dicen: “ha muerto Elías Querejeta”, y en medio de un campo precioso, con unos árboles que se que a él le gustaban mucho, y una primavera exultante, me entra una pena inmensa.

Recuerdo lo mucho que nos divertimos Alberto (Bermejo) y yo, junto a Raúl Hernández, y Javier Pérez Jaime, haciendo el documental “24 horas en la vida de Querejeta”, título que no iba a ser ese sino uno de tantos que le propusimos y no aceptó con su proverbial tozudez. También recuerdo que tiempo atrás, cuando Elías hizo “Cerca de tus ojos” y le llamé para dar algo en el programa, le propuse (ingenuamente) hacerle una entrevista para hacer un gran reportaje en Días de Cine sobre su persona y figura.  En mi ingenuidad, me dió, literalmente, calabazas, pero un par de años después, surgió la posibilidad de hacer este “imprescindibles”. Samuel Martín Mateos me llamó, y me dijo si quería hacerlo. La respuesta era obvia. Pero como en Días de Cine trabajamos a destajo, una sola persona no podía hacese cargo, por lo que se lo propuse a Alberto, quien también dio la respuesta obvia. Y nos pusimos manos a la obra. Conversaciones, previas, tanteos… hablar con él de lo que iba a ser el documental. Debo decir que desde el primer momento nos miraba con cierto recelo, pero también es verdad que pronto desapareció. Bueno, a su manera, que Elías era todo un personaje. Anecdotista increíble, podía contar un episodio 10 veces de la misma forma y con las mismas palabras. Luego conseguimos fácilmente que aquellos recuerdos pudiera trasladarlos en el documental. Pero no todo era coser y cantar. Entrevistándole, más de una vez me acordé (y así se lo comenté una vez) de la famosa entrevista de Peter Bogdanovivh a John Ford. Respuestas con monosílabos, poco o ningún interés… Algún día incluso nos dio, literalmente, plantón. Pero otros días estaba brillante, y algunos de sus recuerdos valen su peso en oro.

Al empezar nos preguntó si ese documental era pare emitir “cuando haya muerto”, y le dijimos que no. No le mentimos. El documental inauguró, en la Sala Doré, Documenta Madrid 2012, y se emitió el 14 de diciembre de 2012. Para esa ocasión volvimos a verle e hicimos juntos una presentación para la emisión. Su mirada seguía teniendo chispa, y me consta que andaba enredando en sus infinitos proyectos. Un tiempo antes me dijeron que le habían visto en Torrespaña, y le llamé. Me dijo que estaba con el director de TVE y que subiera a verle. Y allá que fui. La última vez que le vi fue cuando se hicieron las entrevistas para un especial sobre la generación de El Rey. Fue tan cordial con  nosotros, Alberto y yo, como siempre. Creo que, en la medida que eso sea posible, nos hicimos amigos.

Se me ocurren muchas cosas que decir de Elías Querejeta, su  tesón, su profesionalidad, su “sello”. Creo que buena parte de todo ello se atisba a ver en el documental que hicimos, que vuelve a emitirse hoy, por la 2, a las 10 de la noche. Acabo de grabar un off y estoy digitalizando. Voy a montar una introducción para la emsión de esta noche.

 

 

Me viene a la memoria Elías cantando “Ay mi pescadito deja de llorar”.. de su película favorita, “Capitanes Intrépidos” (La otra favorita era “El Mago de Oz”)

 

Hasta siempre Elías Querejeta, Productor, Hernaniarra, cineasta, y buen ciudadano, con la infancia como Patria, como su admirado Saint Exupéry.

@Gerardo_DDC

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Gerardo Sánchez    9.jun.2013 17:48    

Esther Williams: La sirena del Technicolor

    jueves 6.jun.2013    por Gerardo Sánchez    2 Comentarios

Los jueves: Milagro. Bueno, en lo que toca a Días de Cine el milagro es acabar el programa a una hora razonablemente pronto. Pero está escrito que Días de Cine no descansa nunca, porque hoy, que terminábamos sorprendentemente pronto, tras haber disfrutado en el volcado del programa a una hora razonable del Universo de Busby Berkeley.

 

 

Puede ser casualidad, o  quizás no, pero es el caso que hoy, cuando dábamos por terminado el programa, sorprendentemente pronto para los usos y costumbres de Días de Cine, y tras haber disfrutado enormemente con el universo de Busby Berkeley, nos enteramos del fallecimiento de Esther Williams, sirena y algo más en algunos de  aquellos musicales de la Metro en technicolor que ayudaron en los años 40 a que las vidas de los espectadores de las salas de cine fueran más luminosas. Lo más curioso es que cuando la veíamos en el reportaje nos hemos hecho la pregunta que para bien o para mal nos hacemos ocasionalmente en Días de Cine: ¿está viva?

 

 

Siguiendo la estela de Johnny Weismuller, fue nadadora antes que actriz, mujer de belleza atlética y estilizada, a la que pudimos ver en multitud de títulos tan escapistas e intrascendentes como encantadores. Hoy, el destino, ha querido unir en Días de Cine a dos mitos del Hollywood más dorado y alegre, Busby Berkley y Esther Williams. Hoy trabajamos ya contrarreloj por poder incorporar al programa una nota de despedida para esta sirena Metrocolor.

 

 

Yo recuerdo nítidamente lo bien que lo pasé en el cine viendo, muchas veces, "Escuela de Sirenas", con un tan bobalicón como entrañable Red Skelton. Hasta tengo la banda sonora., Siempre me ha encantado ese tipo de cine tan imposible como entusiasta. Son esas sensaciones de extraña e inexplicable felicidad las que hacen del cine algo especial. Gracias a gente como Busby Berkeley o Esther Williams.

Continuará...

@Gerardo_DDC

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Gerardo Sánchez    6.jun.2013 20:33    

Detrás de un gran Director/Autor, hay siempre un gran Actor

    jueves 6.jun.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

Parafraseando el dicho popular que dice (o quizá decía) “detrás de cada gran hombre, hay siempre una gran mujer), y dado que “la autoría” es un tema recurrente en las conversaciones en Días de Cine se me ha ocurrido una curiosa relación que creo incontestable, al menos tal y como voy a presentarla.

Es el caso que muchas personas tienen la firme convicción de que el “autor” de una película es una especie de Dios Todopoderoso. En “Él” comienza y termina la película, eclipsando todo el proceso de producción, y todos los apartados técnicos y artísticos que contribuyen a hacer una película lo que es. Yo soy de los que creen que esa es una visión muy romántica del concepto de autor. Es muy bonita, pero no existe. Detrás de cada gran “autor” de cine, no hay solo toda una infraestructura industrial al servicio de su talento (cuando realmente el autor lo tiene), sino, efectivamente, un equipo técnico, y uno artístico. Y además, al menos en lo que respecta al cine de ficción, ese que de forma más o menos seria nos quiere contar una historia, están los actores. Esos hombres y mujeres que dan forma al universo del director, y sin los cuales, yo creo, el cine no sería lo que es.

Recuerdo siempre a este respecto la escena de “Nickelodeon” (Así empezó Hollywood), de Peter Bogdanovich, en la que tras una de las primeras premieres en aquel incipiente Arte/Negocio, la gente aclamaba a los actores… luego salía un tipo, y alguien preguntaba “¿y ese quién es?” A lo que contestaban, “Ah, ese es el director” “¿y qué hace?”. Respuesta: “nada, solo la dirige”. A mí me parece una de las mejores frases al respecto de la profesión de director. No me imagino a cualesquiera de los grandes directores (a los que yo tengo por tal, quiero decir) pensando de sí mismos que son alguien importante. Por eso mismo, desconfío soberanamente de quienes tienden a sobrevalorar su importancia. En el cine, por supuesto, especialmente los directores (obras son amores, y no buenas razones), pero también en el trabajo día a día. Yo, desde luego, procuro ser consecuente al respecto, y no darme más importancia de la que me corresponde. Decía Max Ophuls que hacer una película era tan sencillo como decir donde poner la cámara, decir a los actores que hacer y cómo, y decir acción y corten. John Ford decía cosas similares… cuando no gruñía… Oímos a otros y parece algo complicadísimo. Yo soy más de Ophuls y Ford.

El caso es que es recurrente que desde que el cine es cine todo gran Director se ha apoyado siempre en un gran actor. ¿Qué no?

Unos ejemplos… (la lista es interminable, ojo)

Griffith y Lilian Gish…

 

Erich Von Stroheim y Gloria Swanson

 

Murnau y Emil Jannings

 

Josef Von Sternberg y Marlene Dietrich

 

John Ford y John Wayne

 

Hitchcock y (este es un caso especialmente especial)… Robert Donat, Ingrid Bergman, Joan Fontaine, Cary Grant, James Stewart, Grace Kelly, Tipi Hedren…

 

Douglas Sirk y Rock Hudson

 

Elia Kazan y Marlon Brando

 

Anthony Mann, sus Westerns de “autor” y James Stewart

 

Kurosawa y Toshiro MIfune

 

David Lean  y Alec Guinnes

 

Sergio Leone y Clint Eastwood

 

Fellini y  Giulietta Massina, Marcello Mastroiani.

 

 

 

Rosselini y Ana Magnani (o Ingred Bergman)

 

 

Visconti y Alain Delon o Burt Lancaster

 

Ingmar Bergman y.. Bibi Anderson, Liv Ullman, Erland Josephson

 

Billy Wilder y (sobre todo) Jack Lemmon y Walter Mathau

 

Scorsese y Robert De Niro (y ahora Leonardo Di Caprio)

 

 

¿Sigo?

Creo que no hace falta, pero ahí están otros grandes directores, de todas las cinematografías, de ayer y hoy, cuyas películas nos serían lo mismo sin su presencia.

Evidentemente no estoy diciendo que unos sean más importantes que otros, claro está, y “cada palo que aguante su vela”, pero desde luego, tampoco“otros no son más importantes que unos”, o como decían en Nickelodeon “solo la dirige”, ni más, ni menos.

 

 To be continued….

@Gerardo_DDC.

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Gerardo Sánchez    6.jun.2013 13:20    

Qu'est-ce que le cinéma ?

    domingo 2.jun.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

Esa pregunta, ¿Que es el cine? es el título de un estupendo libro, casi habría que decir "de cabecera" de cualquier cinéfilo que se precie de serlo de verdad. Andre Bazin se la hacía y como él muchos lo hacemos a diario.

Qu-est-ce-que-le-cinema_net

El mismo Godard se la hacía a sí mismo en "Pierrot le fou" a través de persona
interpuesta, o de guión y película si se quiere, a lo que contestaba un contundente Samuel Fuller: "Film is like a battleground. Love. Hate. Action. Violence. Death. In one word . . . emotion" (Una película es como un campo de batalla... amor, odio, acción, violencia... en una palabra:
emoción)

  

Eisenstein tampoco se quedó nunca atrás, y dedicó al asunto sesudos estudios: "El sentido del film", y "la forma del cine". Todo esto viene a cuento porque, si gentes tan inteligentes y preparadas, y desde luego, amantes del cine contrastados se lo han preguntado antes que nosotros, ¿porqué seguimos haciéndonos esa pregunta más de medio siglo después?. Lo cierto, es que esa pregunta seguirán haciéndosela todos los amantes del cine mientras se cuenten historias con imágenes, y alguien las vez (proyectando mi pensamiento en el futuro estoy, obviamente)

 Es el caso que últimamente oigo y leo demasiadas veces decir unas u otras cosas sobre el cine, y su crisis. Hay quien considera que el cine tendría que ser gratis, otros, que el problema es que se hacen muy malas películas, y ¡ encima! la gente las va a ver. Otros que habría que poner solo cine de "autor" (¿quién da el título de autor?). En fin, podría seguir poniendo ejemplos de cosas que me han dicho al respecto últimamente. Como quiera que además, en Días de Cine hablar de estas cosas es un tema recurrente, pues es algo que está, como diría no se que pseudofamosa "en el candelabro".

Está claro que el modelo industrial del cine no es el de hace 30 años, pero está también claro que el cine sigue siendo un Arte (bueno, digamos que una parte de las películas que se hacen lo son u optan a serlo) , sustentado en una realidad industrial. Yo creo que es aquí en esta parte donde mucha gente se confunde. La literatura es un arte, pero para escribir solo hace falta talento y un lápiz. La pintura, igual. Talento, un lienzo, y unos pinceles y pintura. ¿la música?, talento, y un instrumento. O ni siquiera, si lo que haces es componer. A lo que voy: el cine es el único arte, el séptimo, como nos gusta decir, que depende de una forma muy fuerte de una estructura industrial. El problema es que mucha gente desconoce que desde que al quien tiene una idea para una película, hasta que podemos verla, hay toda una cadena "industrial" necesaria para que ante nuestros ojos se obre el milagro. Y eso sucede con las buenas y con las malas películas, con las de las Majors y con las de autor, con las españolas y con las francesas y con las americanas, por supuesto.

 Nos guste o no, la realidad es que detrás de cada película hay una inversion y mucha gente viviendo de esa industria. Haneke, Coppola, Garrel, en fin, cualquiera que consideremos como "autor" reconocido podrá confirmar a quien quiera que incluso en sus películas ha habido que poner un buen dinero para llevarla a cabo. Si luego esa inversión no se recupera porque la gente no va al
cine, no alquila o compra películas, o no las ve en Streaming legal, lo cierto es que no hay nada que hacer, y sucumbirán antes esos "autores" que el cine que llamamos "comercial"

 ¿Que FF6 arrasa en taquilla y eso es un problema?. No seré yo quien diga que le gusta Fast & Furious, pero desde luego, estoy esperando a ver las salas llenas para ver cine del que me gusta.  La realidad es que eso no sucede, y la pregunta es ¿porqué?.

Es un circulo vicioso. La gente deja de ir al cine, los cines no se llenan, su actividad deja de ser rentable y cierran. Entonces nos quejamos. No tenemos cine en nuestro pueblo o ciudad. (Yo crecí en un barrio de Madrid, Usera, y en mi manzana había dos cine, el cine Usera, y el Cine Niza)  O los que hay sólo ponen películas de esas que a nosotros no nos gustan, pero que, guste o no llevan a la gente al cine. Yo creo que tenemos en España un problema muy grave de educación, y queremos
vernos a nosotros mismos mejor de lo que somos realmente. En Francia, con la mitad de salas en el país, la asistencia al cine es muchísimo mayor. No digamos ya el hecho de ver cine francés. Decir que el cine es caro como un motivo para no ir a ver una película creo que es un subterfugio inconsistente. Ya sé que hay mucha gente que lo está pasando muy mal en España, y reconozco que el hecho de haber 6.000.000 de parados, influye grandemente en la decisión de gastarse un dinero escaso en algo que no es de primera necesidad. Pero, no nos engañemos, en España la asistencia a salas ha ido disminuyendo ya desde hace años, y , tampoco nos engañemos, nos gusta ver las películas "por la cara". Ahora podemos además entrar a valorar sobre si el entramado de distribución /exhibición está a la altura de unos retos que pertenece al siglo XXI.  YO creo que no, y que, seguramente de forma inconsciente, han caído en el error que cometemos todos cuando las cosas nos van bien: no adelantarnos, tomando las medidas que puedan tomarse para mejorar
las cosas, a cuando puedan ir mal.

La nueva película de los Hermanos Coen, "Inside Llewin Davis" se presentó en Cannes y ningún medio español pudo entrevistarles porque no había distribución para España. Finalmente será una "Major" quien lo haga, y no será la primera vez. Esto también debería hacernos pensar. Cuando algo va mal, la culpa no es siempre de otros.

 

A todo esto, yo sigo haciéndome la misma pregunta desde hace años ¿Que es el cine?. A
veces creo que tengo la respuesta, pero, por surte, creo, el cine es algo demasiado complejo y maravilloso para tener una respuesta fácil. Lo único que se es que el cine es parte de mi vida, y que sin las pelis que he visto, mi vida, creo, habría sido sin duda infinitamente más aburrida.

Si teneis alguna solución, por favor, hacedmela saber.

To be continued...

@Gerardo_DDC

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Gerardo Sánchez    2.jun.2013 16:01    

El Cine, ¿En el cine?

    viernes 31.may.2013    por Gerardo Sánchez    1 Comentarios

El cine en el cine, ese "mantra" (o slogan) era el "leit motiv" de un anuncio de hace, yo diría, que unos 30 años que podía verse precisamente en los cines. Por aquel entonces, ya nuestro vicio/pasión favorita sufrí auna perdida de espectadores. El video doméstico tenía entonces la culpa. Todo había empezado en la década de los 50, al menos en USA, cuando la Televisión trató de robar especatadores a la sala oscura. Bueno, esa es otra historia, y desde luego, para otra ocasión.

Es rcurrente decir hoy día que la gente no va al cine. De hecho, más allá de la percepción subjetiva, lós números cantan y hablan claro. la gente no va al cine. Se arguyen todo tipo de pretextos: que es caro, que las pelícuas son malas, (siemrpe las ha habido buenas y malas) que ha subido el IVA...

Yo creo que el cine no es barato, pero desde luego, no me parece caro. En el peor de los casos 9 horas por trasladarte durante unpar de horas a un universo de sueños. Es verdad que si vas con la familia, o con 4 amigos, puedes gastarte 36 Euros. Pero tambien es verdad que alquilar una película vale unos 2 euros. Y comprarla pueden ser 15 (aunque desde 4 o 5 euros hay decenas de películas maravillosas) Y que tambien puede abonarse uno a un servicio como Filmin, donde por una tarifa plana de alrededor de 8 euros, puedes ver durante un mes todas las pelicuals que quieras.

Filmin

Es verdad que la subida del IVA ha sido una puñalada trapera. Y tambien es verdad que en España, donde en muchos sitios no hay salas de cine para ver las películas de las que hablamos, por ejemplo, en Días de Cine, hay en total el doble de salas que en Francia. Algo no cuadra.

Y tambien está, claro, la piratería. Por algo que se me escapa, no se donde se quedó en el camino la ide de que por ver un producto que alguien manufactura, en este caso, una película, hay que pagar un precvio justo. Los españoles lo hacemos con los coches, con la ropa, con el pan, con el jamón. Aquí, en algún momento hemos decidido mayoritariamente que no hay que pagar por ver una película (en cualquera de las formas de verla que existen). Hay quien cree (así me lo han dicho) que por pagar impuestos ya estas exento de pagar por ver una película. Que triste.

Esta misma mañana hemos estado viendo varios miembros del programa "Before Midnight" y la sala, en pase de prensa, estaba a reventar.

 

Una paradoja. A lo mejor es que la gente no va al cine "pagando" porque va a los pases de prensa. Me acuerdo del personaje de Joe Mantegna en Celebrity (creo recordar) que decía que no le gustaba ir a los pases de prensa. A mi, lo reconzco, me pasa algo parecido a veces. Tanta intensidad emocional por parte de alguno de los asiduos asistentes a estos eventos (los pases de prensa) me parece exccesiva. A fin de cuentas, las películas nos llegan directametne al subconsciente pra disfrutarlas emocionalmente, primero y luego, racionalmente. Al menos en mi caso asi es.

El cine, en el cine, y ya lo he dicho muchas veces, pero hoy, otra vez. Y para convenceros, que mejor que el reportaje al que que recurrentemente recurro para convenceros.

El cine en el cine

Y como siempre...

to be continued

@Gerardo_DDC

Categorías: Actualidad , Cine , Televisión

Gerardo Sánchez   31.may.2013 16:40    

Una foto, un libro, mil películas

    jueves 30.may.2013    por Alberto Bermejo    0 Comentarios

Por Alberto Bermejo

 No todo está contado o, al menos, no de todas las maneras posibles. Y esto se puede aplicar en toda su extensión al libro “El banquete de los genio. Un homenaje a Luis Buñuel” que ha escrito Manuel Hidalgo desde su condición múltiple de periodista, narrador, guionista y hombre de cine en general. La presentación tuvo lugar en la librería Blanquerna de Madrid y se desarrolló como una interesante conversación entre el autor y el también periodista y escritor Juan Cruz.

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El punto de partida, el detonante de las trescientas y pico páginas, es ni más ni menos que una fotografía única para la que se reunieron ocho grandes directores de Hollywood, además del guionista Jean-Claude Carriere y el productor Serge Silberman, en torno a Luis Buñuel, con motivo de la presentación de “El discreto encanto de la burguesía” en el Festival Internacional de Cine de Los Ángeles (Filmex), del que George Cukor fue uno de los principales impulsores. Cukor había invitado a Buñuel a una comida en su casa, en el 9166 de Cordell Drive, en Beberly Hills. Lo que no le había contado es que a la reunión, que se celebraba en su honor, asistirían también Robert Mulligan, William Wyler, Robert Wise, Billy Wilder, George Stevens, Alfred Hitchcock y Ruben Mamoulian y John Ford, que no aparece en la foto de grupo, pues se retiró pronto por su precaria salud. El mismo motivo que impidió asistir a Fritz Lang, que también estaba invitado. Todos ellos incondicionales admiradores de la obra del español.

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El título del libro queda plenamente justificado con tan célebre foto y Manuel Hidalgo le saca todo el jugo imaginable analizando la figura de cada uno de los comensales, pormenorizando el decorado, la fastuosa mansión de Cukor, y las distintas filias y fobias que se esconden tras las civilizadas apariencias, estructurando todo con una especie de panorámica de trescientos sesenta grados que comienza y termina sobre el anfitrión, situando en el centro la figura contundente, misteriosa y contradictoria del propio Luis Buñuel. Concentrado sobre ese momento único y el desarrollo de toda la reunión, que tuvo lugar en un día inconcreto, anterior al 20 de noviembre 1972, el relato de Hidalgo va y viene del presente a distintos momentos de la vida de cada uno de los contertulios para deconstruir ese retrato colectivo, como si de una imagen caleidoscópica se tratase, y apoyándose en cada uno de esos fragmentos elevar la mirada hacia consideraciones más generales sobre algunas ideas controvertidas, como el valor que se le atribuye a la gente que hace cine a uno y otro lado del Atlántico, la modestia, incluso inocencia, con la que asumían el oficio los directores norteamericanos, hasta que los europeos, sobre todo a partir de los años cincuenta, empezaron a autodenominarse artistas, autores, responsables únicos de las películas del mismo modo el novelista o el pintor lo eran de sus obras. Es decir, la política de los autores, que tanto ha aportado, para bien y para mal, a la evolución de la crítica cinematográfica. El relato es jugoso y fluido, adictivo para cualquier cinéfilo que se precie, porque las anécdotas son muchas y van de los simplemente interesante hasta lo muy divertido, porque es difícil encontrarse con tal concentración de talento y pasar de largo, sin zambullirse en los detalles. Y al fondo está, el ambiente de Hollywood, las diferentes circunstancias vitales de cada uno y, en definitiva, sus películas, de las que añado aquí una muestra de los reportajes que el programa ha dedicado a algunas de ellas en los últimos tiempos.

 

 

 

 

http://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-aniversario-psicosis/803594/

http://www.rtve.es/alacarta/videos/television/dias-cine-aniversario-apartamento/803575/

http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-homenaje-perro-andaluz/797187/

http://www.rtve.es/alacarta/videos/dias-de-cine/dias-cine-50-aniversario-hombre-mato-liberty-valance/1381255/

Para hacer boca, adelantaré brevemente el incidente, entre incómodo e inquietante, de un brindis que propuso en determinado momento Georges Stevens: “A pesar de nuestras diferencias de lengua, de origen, de opiniones, de estilo y de gustos, bebo por lo que nos reúne aquí”, a lo que Buñuel, ambiguo, enigmático y algo provocador, respondió: “Bebo, pero me quedan dudas”. Episodio que le sirve al autor para reflexionar sobre esa variedad de posiciones estéticas e ideológicas que encarnaba cada uno de ellos, desde el liberalismo generalizado, al presunto conservadurismo de John Ford, descreimiento global de Wilder o los coqueteos con el comunismo del propio Buñuel. Aprovecho para anunciar que próximamente dedicaremos un reportaje a tan estimulante libro a partir de una entrevista ya concertada con Manuel Hidalgo.

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Y buscando material para prepararlo han aparecido además unas cuantas fotos de distintos momentos de la reunión que ha iluminado al autor y a la que ya estamos todos convocados.

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Categorías: Cine , Libros

Alberto Bermejo   30.may.2013 16:03    

F (For Fake)

    miércoles 29.may.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

Ayer tarde se producía un traspaso de películas habitual entre los miembros de Días de Cine. Alejo me devolvía un montón de películas de “niños perversos” que me había pedido para hacer el reportaje de “Hijo de Caín”(que podréis ver esta semana en el programa)

 

 

Al devolvérmelas,  “La profecía”, “Viento en las velas”, “El otro”, “El pueblo de los malditos” “El buen hijo”, (incluso “Grupo Salvaje” por esos niños del comienzo disfrutando viendo morir a un alacrán) pasó de unas manos a otras una de esa películas que marcan la diferencia: “The Innocents”, o “Suspense”, como la conocimos en España, la excepcional adaptación del relato “Otra vuelta de tuerca” de Henry James.

 

Y empezamos a hablar de su magia, de su puesta en escena, de su misterio, de su magnetismo y de su capacidad para crear una atmósfera llena de miedo sin aspavientos, sin subrayados, y desde luego, sin “referenciarse” con nada que no fuera el universo del relato en que se basa. Una simple película en un fascinante blanco y negro, con una música que funciona de maravilla, y una puesta en escena ejemplar a cargo de un director aparentemente tan poco “importante” como fue Jack Clayton, quien una década después firmaría “El Gran Gatsby” (el de Robert Redford y Mia Farrow).

 

Como esto es Días de Cine, y aprovechamos cualquier pretexto para establecer un improvisado “cineforum”, una cosa llevó a la otra y la cosa nos llevó, claro, a “los otros”, la película de Amenábar que, se quiera o no, es casi un calco de “The innocents”. No es que quiera minusvalorar el trabajo de Alejandro Amenábar, en absoluto, pero más allá de que dos palabras de la película de Clayton “Los otros”, sirva de título a su película, las similitudes son mucho más que evidentes.

 

Pero tampoco es a este caso concreto donde quería llegar, sino a esa cosa más general, una auténtica plaga de nuestros días (bueno, la cosa dura ya bastantes años) que es ese cine lleno de “referencias” (teóricamente) que lo que ocultan, según mi opinión, es la capacidad de quienes las hacen para crear un mundo propio.

 

Ese supuesto “referencialismo” que llena montones de películas, es pura y simplemente lo que en terminología musical se llama “sampleado”, que no es sino coger fragmentos de otras composiciones e integrarlas con descaro (otros lo llamarían desparpajo). O sea, un eufemismo para la palabra, más antigua y certera que es “plagio”. Y si no que se lo digan a Madonna y su “homenaje” a Abba:

 

 

En e mundo de la música esto ha sido recurrente. Durante años, los pleitos se prodigaron. Chuck Berry y los Beach Boys, George Harrison y The Chiffons. Y entonces llegó el "sampleado"

No se conocen en los grandes cineastas  (hablo de Ford, Hawks, Wells, Lang, Murnau, Bergman, Hitchcock, Fellini, Ozu…. y muchos otros) “referencialismos” de ningún tipo, salvo quizás, aquel homenaje de Ford a su amigo Harry Carey a través de un gesto de John Wayne en el plano final, enmarcada su silueta a través de una puerta, de “The Searchers”.

 

Bueno, y mi admirado Chaplin, que eran tan genial como egocéntrico, llegaba a considerar como propias la música de “La violetera” o el argumento de “Monsieur Vedoux” (que era de su amigo Orson Welles) . Pero como el genio de Chaplin si está fuera de duda, se lo perdono, ya que hasta él lo reconoció en los créditos de sus películas.

 

Pero no conozco ninguna situación de esas en ningún gran cineasta. Veo sin embargo “La cinta blanca”, y, siendo una buena película, no puedo dejar de estar viendo “El pueblo de los malditos” y “Los comulgantes”.

 

Tarantino es otra cosa, él disfruta diciendo de donde copia, y a mi entender llega a otro terreno enteramente personal. No voy a hablar de casos más cercanos, pero cuando has visto una película como “los ojos sin rostro”, algunas cosas sencillamente no cuelan.

 

Todo esto es para decir que si algo distingue a las grandes películas y a los grandes cineastas es precisamente eso, su condición de únicos, y generadores de “inspiración” (o tendencias si preferimos esa palabra). Una película como “The innocents” es inimitable, y medio siglo después sigue manteniendo su misterio intacto. Las películas que se “inspiran” en ella (o en otras) nacen ya sin embargo,  prácticamente, con fecha de caducidad.

 

Original y copia. A veces esta última puede ser un arte en si misma. Es casi Borgiano  y me recuerda a “la biblioteca de Babel” y todas esas infinitas, casi,  variaciones de un libro por mera combinación al azar de las letras que lo componen. En el terreno cinematográfico, la reflexión más lúcida sobre tal cosa nos la dio ese otro genio absolutamente inimitable que fue Orson Welles en esa película inclasificable que fue F (For Fake) (Fraude)

1973 | F for Fake | Orson Welles from pattoniana on Vimeo.

 Como decían The Ramones en una de sus canciones… “ State on (for more Rock n Roll)”

 

Will be continued

@Gerardo_DDC

Categorías: Cine , Directores

Gerardo Sánchez   29.may.2013 16:27    

Highway 72 Revisited. Happy Birthday Mr. Dylan.

    viernes 24.may.2013    por Gerardo Sánchez    0 Comentarios

En Días de Cine somos como la canción "Like a Rolling Stone". Por muhas cosas, pero una canción que tiene un verso tan hermoso como "When you ain't got nothing, you got nothing to lose" (cuando no tienes nada no tienes nada que perder) se merece convertirse en un tu guía espiritual. No es necesario sentirse un martir ni ser un maldito.

 

Los viernes son el día más raro de la semana en la redacción de Días de Cine. Ha acabado el programa de la semana, y se empieza el de la siguiente, pero sólo intelectualmente. Se atienden correos, se archiva el minutado, se miran las audiencias, se hace el minutado de la semana siguiente más afinado (se afinará más el lunes, y más aún elmartes, y más aún el miercoles) ... Nos ratificamos en que, de ir a mejor hora de emisión, haríamos má audiencia, seguro. Y leemos correos, atendemos el facebook, el twitter. Hoy, en particular, hemos atendido las demandas de entradas de nuestros espectadores para el preestreno (apadrinado por el programa) la semana que viene de "Turistas" (como siempre, mejor en original "sightseers"), película divertida, negra, y muy british de Ben Wheatley, quien por cierto, presentará la película a esos asistentes el próximo miercoles en los Cines Verdi. Sólamente para eso he contestado como 60 correos, confirmándo que tienen una invitación y agradeciendo su participación a nuestros espectadores, y sobre todo, agradeciéndoles por ver el programa, contra viento y marea, a la 1 de la madrugada cada jueves. Ese perfil de espectador debería tener un valor en los medidores de audiencia multiplicado por 4, por lo menos. Digo yo. Y en estas, leo que Dylan cumple hoy 72 años, y me viene a la memoria este momento histórico de la música y la cultura pop, el comienzo de "Don´t look back" de Do A. Pennebaker. (Tendrá que ver lo que he visto de la nueva película de los Hermanos Coen?)

 

Pues eso, que hoy cumple 72 años Bob Dylan. Solamente con decir eso ya os podeis imaginar que siento una produnda admiracion por él. pero como yo soy hijo de la cultura pop, mi admiración no es engolada (creo). Admiro a ese tipo que ha escrito esas canciones, que en una ocasión hizo una entrevista en una televisión de Los Angeles sin contestar ni una sola pregunta al entrevistador.  O ese tipo que no fue a recoger el  Premio Pirncipe de Asturias (no es por presumir, pero yo SABÍA que no iba a ir a recogerlo) O ese tipo que lleva en gira permanente desde hace años, o que hizo un pequeño papel en "Pat Garrett & Billy the Kid" con el nombre de Alias, y que además compuso su maravillosa banda sonora:

  

¿No es este un momento elegíaco?. Por cierto, el tiempo parece haberse etenido, pero desde luego no tiene nada que ver con el hieratismo y la eternidad de los segundos de Sergio Leone:

 

La figura de Bob Dylan es tan esquiva, que ni el cine se ha atrevido con un biopic al uso. Un personaje de tantas aristas tenía que ser retratrado de una forma heterodoxa. Por eso a mi me encanta "I´m not there" el "polibiopic" que hizo Todd Haynes. Ademá, y entre otras cosas, no voy a mentir, el hecho que salga Cate Blanchett haciendo del Dylan del 65 ya me gana de antemano y me hace rendirmea sus pies. (de la película, y de Cate, claro, por si alguien duaba).

 

Y como suele suceder, todo esto que he contado antes es para llevaros a donde quería llevaros. Para felicitar a Bob Dylan desde Dïas de Cine, no se me ocurre nada mejor que poneros ese fantástico reportaje que hicimos a propósito de "I´m not there" y que titulamos, tratando de emular el verbo del ju´dío de Minnesota, "Deconstructing Dylan". Espero que os guste (no puedo "embeber" el vídeo, de modo que queda como enlace. Por cierto, iban los dos juntos en emisión. La primera parte por Viginia García, la segunda, una "Join venture" entre ella y yo:

I´m not there

Deconstructing Dylan

Y como solemos decir por aquí...

Continuará...

@Gerardo_DDC

 

 

Categorías: Actualidad , Cine , Música

Gerardo Sánchez   24.may.2013 15:54    

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