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Jane Goodall, la defensora de los chimpancés

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A los 84 años, la primatóloga, Jane Goodall aparece en un nuevo documental, en esta ocasión explicando cómo llegó a África, los momentos difíciles, los de satisfacción y los problemas a los que tuvo que enfrentarse. Viajó hasta donde ningún hombre había querido ir y sus descubrimientos cambiarían el mundo.

En 1960 el investigador Louis Leakey,  envió a la selva a su asistente, una joven que no tenía estudios científicos, para que observara con otros ojos a los primates. Tenía 26 años, entusiasmo, paciencia, talento, determinación y perseverancia. "Cuanto más aprendía, más cuenta me daba de lo mucho que se parecían a nosotros".

Tardó meses en poder mantener un primer contacto con los simios, y mucho más tiempo, hasta que la aceptaron en su grupo. No solo tardó en ser aceptada por los chimpancés... sino también por los investigadores, que veían en ella a una joven guapa, y cuestionaban su trabajo, por considerarla sin preparación especializada. Una de las críticas que recibió fue por poner nombre a los animales en su trabajo de campo, en vez de utilizar números de identificación, como establecían las disciplinas científicas.

Ella siempre respondió, que no tenía ningún interés en ser una científica, y que solo quería aprender sobre los chimpancés. Tampoco le importaba las acusaciones, siempre y cuando obtuviera los fondos que le aportaba National Geographic, tan necesarios para hacer su trabajo. "No me preocupaba lo que dijeran, mientras National Geographic, continuara manteniendo su financiación".

A lo largo de 45 años de vida en África, nunca pensó en tirar la toalla, a pesar de tener momentos difíciles que hacían peligrar su trabajo. "Y así, sin más, Geographic puso fin a la financiación, fue muy molesto, desafortunado y triste".

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Esa misma entidad, a la que critica veladamente en la película, ha financiado este biopic de la investigador, que en los últimos años ha pasado a promocionar el desarrollo local y la protección del medio ambiente, a través de la fundación que lleva su nombre. El presidente en España del Instituto Jane Goodall, Federico Bogdanowicz, explica como  se emocionó cuando vio en persona el resultado de la que puede ser una de las últimas películas protagonizadas por la científica británica.

"Jane", dirigida por Brett Morgen nos descubre 100 horas de material filmico inédito, guardado en los archivos de National Geographic durante más de 50 años. La película se proyectó en "Another Way Film Festival", coincidiendo con el Día Mundial de los Animales. Esta mujer de apariencia frágil, que ha aparecido en más de 40 documentales y películas, se desnuda ante la pantalla y transmite al espectador, a veces con humor..., y otros con pesadumbre, cómo pasó de científica a activista.

Con sus tesis abrió nuevas teorías a la comunidad científica, como cuando descubrió que el ser humano, no era el único que utilizaba herramientas. Un descubrimiento, que llevó a Louis Leakey a decir que "ahora debemos redefinir al hombre, redefinir herramientas o aceptar a los chimpancés como seres humanos".

También se sorprendió de la violencia gratuita de estos animales. "Pensaba que eran más amables que nosotros, No tenía ni idea de su brutalidad".

De sus años de observación incansable y paciente, la primatóloga explica como se acercó hasta ellos y cómo la aceptaron.  En 2003, recibió el Premio Príncipe de Asturias de Investigación Científica y Técnica.

A sus 84 años, esta británica inagotable sigue viajando por el mundo para defender la vida salvaje, proteger el medioambiente y concienciar a los ciudadanos de la necesidad de respetar a todas las criaturas del planeta. "Podemos hacer muchas cosas por el planeta, positivas o negativas, y debemos escoger que tipo de impacto queremos dejar a las futuras generaciones".

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La deforestación mermaba las poblaciones de chimpancés y se propuso realizar varios proyectos para salvaguardar a estos animales, su hábitat y el entorno de los tanzanos que compatían su mismo espacio. Durante 55 años ella, estudiantes y otros científicos han estudiado a los chimpancés en el parque nacional tanzano de Gombe, en los alrededores no había árboles, y debían compartir la tierra yerma y pobre, con los habitantes de la zona. Para evitar que ambos se pelearan por la tierra,una lucha en la que iban a salir perdiendo los simios, instauró el programa TACARE, para mejorar la vida de la gente. Ellos debían proponer las medidas que creían oportunas, ahora confían y se ha podido frenar la deforestación en esa zona. También el centro Chimpunga acoge a las crías que han quedado huérfanas por pérdida de sus madres o del hábitat.

Defensora de los derechos de los animales, su fundación ha lanzado una campaña contra el comercio ilegal de especies, principalmente amenazadas y protegidas, impulsado por redes mafiosas internacionales. Es el tercer negocio más lucrativo del mundo, tras el de armas y drogas, y genera uns 20.000 millones de euros anuales. Por contra el comercio legal es solo de 3.000 millones. En España, entre 2005 y 2014 se incautaron unos 14.000 especímenes, mas de la mitad eran reptiles, destinados a la venta de pieles. Nuetro país es un importante reexportador de productos de piel o pieles, y de aves rapaces, cuyo mercado principal son los países de Oriente Medio.

Jane Goodall es una de las conservacionistas más admiradas y encarna la figura de las mujeres libres, atrevidas y comprometidas con su tiempo.

"¿Hasta cuando estará ligada a los chimpancés?", le preguntaban a Goodall... "Hasta que me muera".

 

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca

Categorías: Ciencia , Cine

Ángela Gonzalo del Moral    8.oct.2018 12:20    

Verano de cine europeo infantil y juvenil

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Harry Potter trasladó su magia a la literatura infantil juvenil. El éxito editorial de su autora, la británica J.K. Rowling, llegó a la gran pantalla y también arrasó. El cine para los más pequeños se afianza cada vez más, y gusta también a los mayores. Lejos de Hollywood, este verano han llegado a los cines dos películas detinadas al consumo del cine europeo para menores. Es el caso de la española "Los futbolísimos" y la francesa "Vaya bichos". Adaptaciones de libros, en las que también han participado sus autores. 
 
Este cine que tiene como público objetivo a los menores, consigue atrapar, con sus tintes ácidos e ingeniosos a los adultos.  Hollywood también se ha sentido atraído por la literatura infantil y juvenil europea, como lo demuestran las adaptaciones de Peter Pan, Alicia en el País de las Maravillas, la Historia interminable, Cenicienta, la Sirenita y los cuentos de los Hermanos Grimm, por poner solo unos mínimos ejemplos.  

"Los futbolísimos",

una saga española que llega al cine

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Aventura, misterio, romance, acción, comedia, es la mezcla de la última película infantil-juvenil que llega a nuestras pantallas. A lo que hay que añadir deporte, que es el que mueve todos los hilos de la trama de "Los futbolísimos". Una adaptación de la saga escrita por Roberto Santiago y que podría tener sus secuelas, dependiendo de la taquilla final que consiga la película dirigida por Miguel Ángel Lamata. 
 
"Es sorprendente ver como los personajes se convierten en personas reales, como los dibujos que estaban en mi cabeza son personas de carne y hueso", dice el autor del libro, Roberto Santiago, al ver como "el misterio de los árbitros dormidos", ha llegado a la pantalla.
 
Esta comedia deportiva cuenta la historia de un grupo de niños y niñas enamorados del  "deporte rey", que deberán salvar a su equipo del descenso, y por tanto de la desaparición.  Aunque no lo tendrán nada fácil porque en el campo de fútbol reina el caos ya que los árbitros acaban durmiéndose y el sustituto no es demasiado justo en las decisiones y permite que el equipo contrario se salte las reglas del partido y así sabotear el equipo del Soto Alto. 

"¡Vaya bichos!",

vuelve la animación francesa

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La francesa "Vaya bichos" está destinada a un público muy infantil, es fácil de ver, pero no aporta ninguna idea nueva y queda lejos de la divertida "El malvado zorro feroz". Nos presenta a unas abejas que están a punto de perder la colmena tras la desaparición de la reina Margarita. El único aspecto a destacar es que a través de la animación se muestra, aunque muy superficialmente, la importancia de estos pequeños insectos para mantener la vida de los bosques y de algunos ecosistemas. 
 
Los pequeños descuren a Apolo, un grillo viajero de gran corazón que llega a la ciudad de los pequeños bichos en un momento en que el reino está amenazado por la malvada avispa Huguette que ha secuestrado a la Reina, la abeja Margarita. El grillo, ayudado por una abeja y un piojo muy divertido, se lanzan a una peligrosa misión de rescate.
 
Su antecesora francófona en nuestras pantallas, llegó hace unos meses, "El malvado zorro feroz", está marcada por la plasticidad, el ritmo y el humor. Basada en la obra de Benjamin Renner, creador de la galardonada Ernest y Celestine (nominada a los Oscar y ganadora del premio a la Mejor Animación Europea) está dividida en tres cuentos. A través de los personajes de la granja se presentan varias situaciones delirantes. Una cigüeña se ve incapaz de entregar un bebé y un cerdo y sus tres amigos se aprestan a hacerlo, superando grandes obstáculos. La historia central es la de un zorro que intenta ser un buen depredador y termina siendo la madre de tres polluelos.  Un éxito en pantalla y un manual de convivencia entre especies, donde los personajes se enfrentan a sus propios errores una y otra vez, demostrando la importancia de la perseverancia. 
 
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Los espectadores del presente y del futuro

El futuro del séptimo arte europeo está en los espectadores adolescentes, por eso el  SEFF, Festival de Cine europeo de Sevilla, que se celebra en noviembre en la capital hispalense, también tiene una sección dedicada a la audiencia juvenil. Europa Junior es la sección que va unida a una serie de actos dedicados a la formación de nuevos cinéfilos, críticos y con educación audiovisual. Las películas se emiten principalmente en versión original subtitulada con la intención de familiarizar a los escolares con otros idiomas. Ellos son los encargados de elegir la cinta ganadora. Además los jóvenes espectadores pueden participar en talleres de cine, un concurso escolar de diseño de carteles y charlas con algunos directores. 
 
Desde 2012, se conceden los Premios EFA Jovenes Espectadores, en el que participan películas de 36 países europeos. Holanda, con tres premios es el país que más premios ha ganado. En mayo de este año escolares de todos esos países puedieron visionar al mismo tiempo las tres películas seleccionadas por la Academia de Cine Europea y eligieron ganadora a la francesa Wallay, que ha obtenido numerosos reconocimientos en varios festivales. Explica la historia de Ady, un adolescente de 13 años que no se lleva bien con su padre. Decide enviarlo a casa de su familia.... al otro lado del Mediterráneo... a Burkina Faso. Allí descubre sus orígenes y una forma de vida, que no acaba de entender.
 
Una de las películas europeas que más ha triunfado en los últimos años en festivales y que ha agradado al público son las cintas de animación. Entre las más aplaudidas en nuestro país están  "El Principito", "Ballerina", o la saga española "Tadeo Jones". 
 
El francés Émile Reynaud está considerado el padre del cine de animación. Con su teatro óptico proyectó numerosas películas dibujadas, y con argumento, para un público parisino que disfrutó de los primeros espectáculo de este género hacia el final del s. XIX.
 
 
Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral    6.sep.2018 09:50    

El despuntar del cine y la literatura infantil y juvenil en Europa

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Harry Potter trasladó su magia a la literatura infantil juvenil. El éxito editorial de su autora, la británica J.K. Rowling, llegó a la gran pantalla y también arrasó. El cine para los más pequeños se afianza cada vez más, y gusta también a los mayores. Lejos de Hollywood, este verano han llegado a los cines dos películas detinadas al consumo del cine europeo para menores. Es el caso de la española "Los futbolísimos" y la francesa "Vaya bichos". Adaptaciones de libros, en las que también han participado sus autores. 
 
Este cine que tiene como público objetivo a los menores, consigue atrapar, con sus tintes ácidos e ingeniosos a los adultos.  Hollywood también se ha sentido atraído por la literatura infantil y juvenil europea, como lo demuestran las adaptaciones de Peter Pan, Alicia en el País de las Maravillas, la Historia interminable, Cenicienta, la Sirenita y los cuentos de los Hermanos Grimm, por poner solo unos mínimos ejemplos. 
 

"Los futbolísimos",

una saga española que llega al cine

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Aventura, misterio, romance, acción, comedia, es la mezcla de la última película infantil-juvenil que llega a nuestras pantallas. A lo que hay que añadir deporte, que es el que mueve todos los hilos de la trama de "Los futbolísimos". Una adaptación de la saga escrita por Roberto Santiago y que podría tener sus secuelas, dependiendo de la taquilla final que consiga la película dirigida por Miguel Ángel Lamata. 
 
"Es sorprendente ver como los personajes se convierten en personas reales, como los dibujos que estaban en mi cabeza son personas de carne y hueso", dice el autor del libro, Roberto Santiago, al ver como "el misterio de los árbitros dormidos", ha llegado a la pantalla.
 
Esta comedia deportiva cuenta la historia de un grupo de niños y niñas enamorados del  "deporte rey", que deberán salvar a su equipo del descenso, y por tanto de la desaparición.  Aunque no lo tendrán nada fácil porque en el campo de fútbol reina el caos ya que los árbitros acaban durmiéndose y el sustituto no es demasiado justo en las decisiones y permite que el equipo contrario se salte las reglas del partido y así sabotear el equipo del Soto Alto. 

"¡Vaya bichos!",

vuelve la animación francesa

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La francesa "Vaya bichos" está destinada a un público muy infantil, es fácil de ver, pero no aporta ninguna idea nueva y queda lejos de la divertida "El malvado zorro feroz". Nos presenta a unas abejas que están a punto de perder la colmena tras la desaparición de la reina Margarita. El único aspecto a destacar es que a través de la animación se muestra, aunque muy superficialmente, la importancia de estos pequeños insectos para mantener la vida de los bosques y de algunos ecosistemas. 
 
Los pequeños descuren a Apolo, un grillo viajero de gran corazón que llega a la ciudad de los pequeños bichos en un momento en que el reino está amenazado por la malvada avispa Huguette que ha secuestrado a la Reina, la abeja Margarita. El grillo, ayudado por una abeja y un piojo muy divertido, se lanzan a una peligrosa misión de rescate.
 
Su antecesora francófona en nuestras pantallas, llegó hace unos meses, "El malvado zorro feroz", está marcada por la plasticidad, el ritmo y el humor. Basada en la obra de Benjamin Renner, creador de la galardonada Ernest y Celestine (nominada a los Oscar y ganadora del premio a la Mejor Animación Europea) fue un éxito en pantalla y un manual de convivencia entre especies, donde los personajes se enfrentan a sus propios errores una y otra vez, demostrando la importancia de la perseverancia. 
 
Como dice el realizador francés, Arnaud Bouron, para muchos espectadores ¡Vaya bichos!, será la primera película que ven en su vida, "y me tomo esta responsabilida en serio". Quizá un libro de Antoon Krings sea la puerta de entrada a la literatura o al cine. Una película que nos recuerda a series como la abeja Maya o a largometrajes como Dumbo o La cenicienta, Blancanieves y los siete enanitos... y tantas otras que pudimos disfrutar durante nuestra primera infancia. En muchos casos las primeras películas que vimos en una sala de cine.
 
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Los espectadores del presente y del futuro

El futuro del séptimo arte europeo está en los espectadores adolescentes, por eso el  SEFF, Festival de Cine europeo de Sevilla, que se celebra en noviembre en la capital hispalense, también tiene una sección dedicada a la audiencia juvenil. Europa Junior es la sección que va unida a una serie de actos dedicados a la formación de nuevos cinéfilos, críticos y con educación audiovisual. Las películas se emiten principalmente en versión original subtitulada con la intención de familiarizar a los escolares con otros idiomas. Ellos son los encargados de elegir la cinta ganadora. Además los jóvenes espectadores pueden participar en talleres de cine, un concurso escolar de diseño de carteles y charlas con algunos directores. 
 
Desde 2012, se conceden los Premios EFA Jovenes Espectadores, en el que participan películas de 36 países europeos. Holanda, con tres premios es el país que más premios ha ganado. En mayo de este año escolares de todos esos países puedieron visionar al mismo tiempo las tres películas seleccionadas por la Academia de Cine Europea y eligieron ganadora a la francesa Wallay, que ha obtenido numerosos reconocimientos en varios festivales. Explica la historia de Ady, un adolescente de 13 años que no se lleva bien con su padre. Decide enviarlo a casa de su familia.... al otro lado del Mediterráneo... a Burkina Faso. Allí descubre sus orígenes y una forma de vida, que no acaba de entender.
 
Una de las películas europeas que más ha triunfado en los últimos años en festivales y que ha agradado al público son las cintas de animación. Entre las más aplaudidas en nuestro país están  "El Principito", "Ballerina", o la saga española "Tadeo Jones". 
 
El francés Émile Reynaud está considerado el padre del cine de animación. Con su teatro óptico proyectó numerosas películas dibujadas, y con argumento, para un público parisino que disfrutó de los primeros espectáculo de este género hacia el final del s. XIX.
 
 
 
Categorías: Actualidad , Cine , Libros

Ángela Gonzalo del Moral   22.ago.2018 10:00    

Fallece Miloš Forman, el director que marcó la "Nouvelle Vague" francesa y checa

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El cineasta checo, Miloš Forman, fue uno de los faros que iluminaron la "Nouvelle Vague"francesa y checa. Tras huir de su país unos días antes de la represión del régimen comunista durante la Primavera de Praga de 1968, vivió unos años en Francia y posteriormente viajó a Estados Unidos. Nacionalidado estadounidense en 1977, consiguió dos Óscar como mejor realizador por Alguién voló sobre el nido del cuco en 1976 y Amadeus en 1985. Su inmensa y singular obra se centra en personajes insumisos contra toda forma de opresión.

Nació en 1932, cerca de Praga, y sufrió las persecuciones nazis, al quedar huéfano después de que sus padres murieran en el campo de concentración de Buchenwald y Auschwitz. Ingresado en varios orfelinatos y colegios, allí coincidió con Vaclav Havel, futuro dramaturgo, disidente y posteriormente presidente del país. Ya más joven siguió sus estudios en la prestigiosa Escuela de cine de Praga FAMU. Dentro del mundo creativo y contestatario de la Checoslovaquia de los años 60, compartió reflexiones filosófico-artísticas con sus contemporáneos Jiri Menzel, (Oscar a la mejor Película extranjera en 1968), Ivan Passer y Vera Chytilova. Aprovechando el deshielo de mitad de los 60, filmó películas contrarias al regimen como El Concurso (1963), El As de picas (1964), Los amores de una rubia (1965) y El baile de los bomberos (1967) producida por el magnate italiano Carlo Ponti. La película no pudo concursar al año siguiente en Cannes, debido a los acontecimientos de París de mayo de 1968.

Forman, contribuyó al nacimiento de la Nouvelle vague checoslovaca, caracterizada por la crítica y la presencia de actores no profesionales. Poco antes de la ocupación soviética de Checoslovaquia, que puso fin a la primavera de Praga, el cineasta ahora fallecido, optó por el exilio, primero a Francia y más tarde a Estados Unidos.

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Neoyorquino de adopción, diez años más tarde obtuvo la nacionalidad estadounidense y su consagración internacional, sobre todo tras el éxito de Alguién voló sobre el nido del cuco, (5 estatuillas) una película casi documental de los hospitales psiquiátricos, protagonizada por Jack Nicholson y Louise Fletcher, y Amadeus, que consiguió 8 premios de la Academia de Hollywood. Más tarde su éxito aumentó con la adaptación cinematográfica de los musicales Hair (1979) y Ragtime (1981), Globos de Oro, el Oso de Oro de Berlín, y los premios Bafta, del Cine Europeo y el Lumière.

Miloš Forman, conoció de cerca el comunismo y el capitalismo, y ante la disyuntiva siempre dijo que "he conocido la presión política e ideológica de un país comunista y la comercial, que presiona a los realizadores en Estados Unidos. Prefiero, de lejos, la presión comercial, donde dependes del público, a la presión ideológica en la que estás a merced de cualquier imbécil". Poco antes de la caída del regimen comunista regresó a su país para rodar Amadeus, y poder trabajar con sus fieles colaboradores checos, entre los que se encontraba el director de fotografía Miroslav Ondricek. El film muestra la rivalidad entre los compositores Wolfgang Amadeus Mozart y Antonio Salieri, y se alzó con 8 estatuillas, entre ellas la de mejor película. En su larga biografía encontramos Valmont (1989), Larry Flynt (1996), Man on the Moon (1999) con Jim Carrey y los Fantasmas de Goya (2006). El cineasta checo-estadounidense, aseguraba que la grabación de esa película era una de sus mejores experiencias profesionales. Una crónica de la España del siglo XVIII, protagonizada por Javier Bardem y Natalie Portman.

Con fama de director difícil, en su biografía "Turnaround" confesaba que "todo lo que hice en mi vida, lo hice para ganar". Este amante de los puros y el ciclismo, siempre se sintió atraído por personajes extremos y extraños y aseguraba que era muy cuidadoso con sus proyectos, tomándose su tiempo para contar "verdades sin resultar aburrido". Se casó en tres ocasiones, con las actrices Jana Brejchova y Vera Kresadlova y con la escenógrafa Martina Zborilova. De sus cuatro hijos, los mellizos Matej y Petr optaron por el teatro y son los responsables de la compañía The Forman Brother's Theatre.

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   16.abr.2018 15:36    

La temporada cultural francesa en España se inaugura con la comedia "C'est la vie"

"C'est la vie", la comedia francesa se va de boda

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Si todo puede salir mal, seguramente saldrá. Eso es lo que le ocurre en la última apuesta de Eric Toledano y Olivier Nakache, que demuestran que le tienen cogida la medida a este género cinematográfico y al público español. Desde su recordada "Intocable" cada vez que llegan a las salas españolas, consiguen éxito de taquilla, que además viene avalado por sus excelentes resultados en Francia. La película, protagonizada por un impecable Jean-Pierre Bacri en el papel de Max, un empresario que ha organizado cientos de bodas durante años. Ahora prepara la boda de lujo en un Chateau francés del siglo XVII. Todo está coordinado, camareros, orquesta, menú, disc jockey, decoración floral...

Pero todo pende de un hilo y la ceremonia puede salir bien o acabar en un desastre.... Se trata de una película coral, muy entretenida, sin más interés que divertir al público, reflejando situaciones cómicas pero también emotivas. Los dos directores se conocen muy bien y conocen el oficio de camarero en bodas donde habían trabajado hace años. De allí sacaron las anécdotas y quisieron mostrar como toda un colectivo tan diverso trabaja en la sombra para conseguir que todo funcione bien, y que los comensales disfruten de ese acontecimiento social.

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Nakache y Toledano, explican que para el film se han inspirado en películas clásicas como Garçon, de Claude Sautet o Relatos Salvajes de Damián Szifrón, que se proyectaba en el cine, cuando ellos estaban preparando el guión. Por cierto, uno de los sketch de la obra del argentino está centrado también en una boda.

En el apartado técnico, la cámara no está nunca estática, y sus movimientos aportan una energía, una tensión que corre a lo largo de toda la velada evitando que la historia no sea demasiado teatral, ya que la acción ocurre todo el tiempo en el mismo lugar. La música tiene también su parte narrativa en la película, y se mueve desde obras de jazz, compuestas por Avishai Cohen, a músicas festivas o románticas de artistas como Eros Ramazzotti.

En definitiva se trata de una película con gran sentido cómico que rompe con algunos clichés del cine francés que a menudo muestra un mundo angustioso y duro. Los realizadores consiguen darle humanidad a unos personajes, que aunque un poco exagerados, son como cualquiera ciudadano de a pie. Así podemos disfrutar de un punto de vista diferente. Una boda desde dentro, entre bastidores, y ver como se organiza un equipo de camareros, cocineros y responsables de luces, donde queda claro que no todo el mundo sirve para todo, pero lo importante es trabajar juntos. Como ya ocurrió con sus anteriores éxitos "Intocable" y "Samba", los directores incluyen en sus películas temas sociales, en este caso la realidad laboral y las situaciones precarias, algo que aporta un realismo y les sirve para "tejer" las situaciones que viven sus personajes.

La película opta al premio a la mejor película europea en los Goya de este año, un galardón que ya consiguieron los dos realizadores con "Intocable", en 2013. Distribuida en España por A Contracorriente films llega precedida de un gran éxito en Francia donde desde octubre ha superado los 3 millones de espectadores. En los premios del cine español competirán con una comedia insólita como la germano-austríaca Toni Erdman avalada por grandes premios como el de mejor película europea de 2017, el premio Lux del Parlamento Europeo y nominada a los Globos de Oro de 2016 y al Oscar 2017.

Mayo del 68 vertebra la actividad cultural del Instituto Francés en 2018

Imaginación al poder

El estreno de la película en España de "C'est la vie" que contó con la presencia de Olivier Nakache y Eric Toledano en Madrid, coincidió con el inicio de la programación de la temporada cultural francesa en España (el #TIFE18) El tema central de este año será "la imaginación al poder", una frase que simbolizó las revueltas de mayo del 68, hace ahora 50 años. Para conmemorar aquellos hechos, que cambiaron sociológicamente a la mayoría de los países europeos, se ha organizado un debate con el político -y uno de los padres de aquellas manifestaciones- Daniel Cohn-Bendit, el filósofo español Fernando Savater y el filósofo y sociólogo francés Edgar Morin. Para celebrar  aquella efeméride, en mayo se podrá ver la primera exposición de los foto-reporteros de France Soir, cuyos negativos se salvaron de la destrucción. En 1968 las sociedades de ambos lados del telón de acero son atravesadas por una fiebre social y de rechazo radical de los modelos sociales, culturales e intelectuales dominantes en aquel momento. París y Praga fueron las dos ciudades que sintetizaron aquella pulsión social que se adueñó de las calles para lanzar nuevas propuestas culturales. Pero también han preparado una exposición para que conozcamos la Francia actual, su gente, sus sueños, sus realidades, en definitiva que presenta las imágenes de un país vivo. Mediante la fotografía documental, 6 jóvenes nos ofrecen a través del objetivo de sus cámaras su visión de Francia.

En mayo, coincidiendo con el XV Festival de cine documental DocumentaMadrid, llegará la nueva apuesta de una de las cineastas de más prestigio, considerada una leyenda viva de la Novuelle Vague. Agnès Varda, que el año pasado recibió el Premio Donostia en San Sebastián, presentará su nueva película, "Visage, villages", todo un acontecimiento en la última edición del Festival de Cannes. Esta artista de Street Art ha convertido a los habitantes de los lugares más recónditos de Francia en protagonistas de su localidad a través de pinturas gigantes realizadas en las paredes de las calles.

Presentación TIFE18_Foto @IF_Espana

La música llegará de las notas de Dominique A, un cantante adorado en España, que actuará en Barcelona, Madrid y Zaragoza. Tras 25 años de carrera, este año presentará sus dos nuevos discos, el primero en febrero, con más músicos y mucho ritmo y en otoño llegará su último trabajo, un disco acústico y en solitario. El TIFE18 nos va a permitir conocer a la nueva estrella francesa, Juliette Armanet, que ha tomado el relevo de la nueva "chanson francesa". Esta mujer que ha obtenido el reconocimiento de revelación del escenario francés el año pasado, cantará por primera vez en España.  

Más música, esta vez a través de la danza, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, con un homenaje a dos grandes compositores galos. Los teatros del Canal nos llevaran al vacío "Le vide" con la compañía Fragan Gehleker, que nos mostrará como trepar por una cuerda y caer, inspirado en el míto de Sísifo. Philippe Quesne nos confundirá entre los sueños y la materia, con su última apuesta "La mélancolie des dragons" y Cordeiro nos invita a observar la mirada de cuatro bailarines que nos muestran como llorar, pestañear, guiñar, ojear...

En marzo, Barcelona, Granada, Zaragoza y Madrid, acogeran a Leila Slimani y Mathias Enard, últimos premiados con el Goncourt, el Cervantes de las letras galas. La pintura nos permitirá recuperar la imagen de Annette Messager, que regresa al panorama expositivo español, después de 17 años. Lo hará en el IVAM de Valencia con su primera retrospectiva en España. A través de objetos y residuos insignificantes, que nos rodean, podemos comprobar el lado terrible que puede subyacer en nuestros sueños y miedos, e incluso en nuestros comportamientos.

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La cultura francesa también estará presente en Arco, y el Festival de teatro en francés de Barcelona presentará la obra "Y durante este tiempo, Simone Veile", un relato humorístico sobre la evolución de la condición femenina en Francia, donde la primera mujer que dirigió el Parlamento Europeo, y la ministra de sanidad que legalizó el aborto en su país, fallecida el año pasado, es la narradora vigilante. Otras propuestas son la danza contemporánea radical de Sylvain Huc, la mezcla de mimo y flamenco que nos propone Patrice Thibaud. o las proyecciones de cine galo que se desarrollan a lo largo de todo el año en las sedes del Instituto Francés de Madrid, Bilbao, Zaragoza, Valencia, Sevilla y Barcelona.

Eso sin olvidar que este año se conmemora el centenario de la muerte de Claude Debussy, introductor de la modernidad musical , un compositor que estuvo muy ligado a España.

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Actualidad , Cine , Música

Ángela Gonzalo del Moral   26.ene.2018 10:55    

“Loving Vincent”, el cine y la pintura interactúan en la pantalla

Unnamed Pintura

El holandés Vincent Van Gogh, ¿se suicidió o fue asesinado?. Ese es el planteamiento de "Loving Vincent" la última ganadora del premio a la mejor película de animación de los Premios Europeos de cine. Hablamos de ella porque no solo muestra una nueva experiencia cinematográfica, sino que nos permite revisar la riqueza pictórica de uno de los genios de la pintura universal y nos muestra el potencial del cine europeo, aportando creatividad e ingenio. Esta coproducción polaco-británica fue rodada en una de las últimas capitales culturales, Wroclaw (Breslavia), en Gdansk y Atenas.

Al atardecer del 27 de julio de 1890, una figura demacrada caminaba por la aletargada calle principal de Auvers, una pequeña localidad francesa. No portaba nada consigo; sus manos apretaban una herida de bala en el bajo vientre, que supuraba sangre. Era Vincent Van Gogh, un artista poco conocido en esos momentos, pero que tras su trágica muerte, fue uno de los artistas más conocidos del mundo. Los hechos en torno a lo que ocurrió aquella tarde siguen siendo un misterio. Suicidio, como se ha creído hasta ahora, o asesinato, como propone la directora polaca Dorota Kobiela.

Un año más tarde en Arlès, otra ciudad francesa del sur de Francia, el cartero Joseph Rolain, entrega a su hijo Armand la última carta escrita por el pintor. Debe entregarla en mano en París al hermano de Van Gogh, Theo. El galerista Père Tanguy no solo le da la mala noticia de que el hermano del artista había muerto, sino que le propone viajar a Auvers, la población en que Vincent vivió los últimos meses de su vida, en busca de respuestas sobre la muerte del artista.

Así se inicia una película que sin duda sorprenderá no solo por la arriesgada apuesta de sus autores, de pintar a mano y al óleo, los 65.000 fotogramas animados, sino porque nos permite pasear por más de 100 cuadros del genio holandés. En ese árduo y maravilloso trabajo han participado unos 125 pintores y artistas gráficos.

El director británico, Hugh Welchman, explicaba que "el pintor holandés estaría feliz de haber dado empleo a tantos artistas durante dos años, porque él siempre quiso crear un estudio de artistas". Esa era su idea en la casa amarilla de Arlès, un pueblo del sur de Francia en el que vivió 18 meses, durante los que pintó unos 200 cuadros.

Una técnica innovadora

La primera cinta pintada al óleo fue rodada inicialmente con actores reales, retocados posteriormente por los pintores hasta convertirlos en cuadros de Van Gogh. Los personajes de la película están inspirados en personajes de obras del artista holandés. El Doctor Gachet y su misteriosa hija Marguerite; Adeline Ravoux, la hija del dueño de la posada en la que murió, Père Ranguy, Louse Chevalier, el barquero y el cartero Joseph Roulin, cuyo hijo Armand es el protagonista de la película. Los actores “reales” que dan vida a los personajes de los cuadros son el polaco Robert Gulaczyk, Jerome Flynn(Juego de Tronos) o Saoirse Ronan (Lady Bird). Todos ellos van tomando vida para aclararnos…. o confundirnos de cómo fueron las últimas horas de vida de Van Gogh, en sus complicadas relaciones con los que le rodeaban, en sus fantasías y en sus reflexiones.  

No consigue ser un gran thriller, pero acaba atrapando al espectador al que se le dan las pistas para que se decida por la hipótesis del asesinato o del suicidio. Los guionistas nos llevan a través de cada personaje, de obra en obra, hasta Auvers-sur-Oise con el fin de desentrañar el enigma, mientras los directores intentan mantener la intriga. Mediante técnicas como el stop motion o la rotoscopia, a lo largo de 65.000 fotogramas animados pintados a mano, reproducen los lienzos del pintor, dándoles movimiento, consiguiendo uno de los éxitos de la película: que el espectador pasee por el interior de los cuadros del artista. Los flashbacks, dibujados en blanco y negro, e inspirados en fotografías de la época, permiten introducir estilos muy diferentes.

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Foto Wikipedia/Georges Biard 

El equipo de diseñadores creó retratos fieles a los actores de tal manera que mantenían todas sus facciones y características, a la vez que su aspecto permitía reconocer a los personajes pintados. Técnicamente, los animadores empezaron a trabajar con una base de 377 pinturas creadas por el equipo de diseñadores y pintaron el primer fotograma de cada toma en un lienzo. Después lo animaban hasta terminar el proceso en el último fotograma de la toma.

La directora y pintora, Dorota Kobiela, es una especialista en los cortos animados. Su primera idea era realizar otro corto en el que combinar su pasión por la literatura y el cine e intentó pintar toda la película ella sola, pero el proyecto acabó convertido en un largometraje, así que dirigió no solo a actores sino también a 125 pintores.

Kobiela, que ha trabajado siete años en este proyecto, explica algunas semejanzas personales con Van Gogh. “Tenía 30 años cuando pensé en Loving Vincent, la misma edad que cuando él comenzó a pintar. Por otro lado, he luchado contra la depresión toda mi vida, así que me inspiraba su fortaleza para recuperarse de situaciones similares y traer belleza al mundo a través de su pintura. Sus cartas me ayudaron mucho en un momento de mi vida y me animaron a hacer esta película”

También tiene experiencia en cortos, el codirector británico Hugh Welchman, que ya triunfó en 2008 con su oscarizada Peter and the Wolf, reconocida en importantes festivales del mundo con varios premios. Welchman explica que para realizar la película se documentaron en más de 40 publicaciones y hablaron con expertos del Museo Van Gogh, y durante 4 años visitaron 19 museos de 6 países, observando más de 400 cuadrados. Eso no fue lo más difícil sino convencer a la gente de que “éramos capaz de conseguirlo”.

Su estreno en el Festival de Annency, en junio de 2017 ya hizo prever su éxito de taquilla, llevándose el premio del público, éxito que repitió en Osten y en el Parool Festival. Ha sido candidata a los Globos de Oro y a los BAFTA, además de haber sido galardonada como mejor película de animación de los Premios Europeos de Cine 2017. Ahora aspira a ganar el Óscar en esa misma categoría

No dudo de que Dorota Kobiela, conseguirá con su película uno de sus objetivos“espero que anime a la gente a descubrir más sobre este pintor, a leer sus cartas y ver sus cuadros en vivo. También espero que sirva para dar a conocer al artista a más gente y me encantaría que todo el mundo pudiera ser capaz de amar a Van Gogh”

Arlès, la ciudad que marcó al artista

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No solo es famoso por sus pinturas también por su complicada existencia. En Arlès, nos explica Christine Berton, directora del museo de historia de la ciudad, "la convivencia con los vecinos no fue fácil". Fue en esa ciudad del sur de Francia, donde vivió uno de sus episodios más controvertidos. Se instaló en la casa amarilla donde se cortó una oreja, dicen que en una discusión con su amigo Paul Gaugin, con el que mantenía una relación de admiración y odio.

En Arlès pintó algunos de los cuadros más famosos como La noche estrellada, Terraza de café por la noche, Los Girasoles o la Casa amarilla y muchos de los retratos que pintó, son parte del imaginario universal. Por desgracia, en Arlès, ciudad patrimonio de la Humanidad por sus impresionantes restos romanos como el anfiteatro o el teatro, no queda ninguna de sus pinturas, ni siquiera la casa amarilla, bombardeada en la II Guerra Mundial. 

Van Gogh va consiguiendo sus sueños después de muerto. Hasta su fallecimiento no había vendido ni un solo cuadro, y lo logró de forma póstuma. También soñó con crear un estudio de artistas, y aunque de forma indirecta y efímera, también lo ha conseguido en la película “Loving Vincent”, dando trabajo a un centenar de pintores y artistas gráficos. La capital de la Camarga, tiene previsto cumplir dentro de poco uno de los sueños del pintor, abrir un estudio de artistas multimedia.  La Fundación Luma Arlès, una idea de Maja Hoffmann, diseñada por Frank Gehry, arquitecto del Gughenheim de Bilbao, se convertirá en un centro de cultura experimental.

En Loving Vincent, se unen dos artes, la pintura y el cine, que le aporta otra dimensión a la técnica pictórica. Sin duda una soberbia experiencia audiovisual.

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Cine , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral   15.ene.2018 00:04    

Dia D: Churchill se debate entre la duda y el desafío

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Churchill bregado en viejas batallas, unas vencidas y otras perdidas, temía que el desembarco de Normandía fuera un nuevo fracaso militar ante el ejército alemán. Por eso se resistía a enviar tropas y desafía a dos de los más importantes estrategas militares: el estadounidense Ike Eisenhower y el británico Bernard Montgomery. 96 horas antes del día D, Winston Churchill muestra sus dudas respecto a la estrategia de la operación. Uno de los más importantes episodios de la II Guerra Mundial, llega estos días a las pantallas españolas.

Sir Winston Churchill murió con 90 años, participó en cinco guerras y entre 1908 y 1929 fue ministro en siete ocasiones, y tres veces primer ministro entre 1940 y 1945 y en 1955. Considerado un político caduco a principios de los años 30, la Segunda Guerra Mundial lo recuperó del ostracismo. "Si Hitler planeara invadir el infierno me pronunciaría a favor del diablo en el Parlamento". Y casi lo hace, pactó con Stalin, después de decir que haría cualquier cosa para ganar la guerra. A pesar de ganar la contienda, perdió las elecciones de 1945.

Este político, gran orador, con gran sentido del humor y escritor brillante -que publicó varios best sellers-, fue Nobel de Literatura en 1953. La BBC lo proclamó "la figura más importante de la historia británica". Pero su protagonismo político le llevo a realizar excesos que han quedado olvidados, por su papel clave en el desenlace de la gran contienda europea. Una de sus decisiones más controvertidas fue ordenar que se hundieran los barcos de su aliado francés, cuando ya había capitulado ante Hitler, una acción que costó la vida unos 1.300 soldados galos. Era, según él, la manera de evitar que los barcos cayeran en manos de los alemanes. Conocida su adicción al whisky, pintó unos 500 cuadros y algunos historiadores consideran que la prevaricación formaba parte de su marca política.

Un nuevo biopic de Churchill

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Un Churchill solitario vaga por una playa desierta, atormentado por visiones fantasmagóricas de olas empapadas de sangre y cuerpos de jóvenes apilados en la arena. La película que llega a nuestras pantallas  nos muestra a un líder agobiado por las dudas pocos días antes de decidir su participación en la operación Overlord, ideada por las tropas aliadas para frenar el avance de Hitler y liberar Francia.

Cuarenta y ocho horas antes del día D el miedo a que se repita el drama de las playas turcas de Gallipoli, le obliga a enfrentarse directamente con sus generales y con los aliados para evitar el desembarco. Teme que todo falle y acabe siendo recordado como el arquitecto de una carnicería. Brian Cox convence en una película algo repetitiva, de ritmo muy pausado, que no acaba de causar impacto en el espectador y a veces se convierte en una monótona lección de historia.

La película, que comienza con unos toques delicados al principio aunque el guión se va arrastrando a lo largo del metraje, nos presenta a un viejo líder político arrogante, al mismo tiempo que complejo, un Churchill que debe tomar una trascendental decisión, tremendamente presionado por el pasado. Su estreno mundial tuvo lugar en el BCN FILM FEST de Barcelona, poco antes del aniversario del 6 de junio.

Aun así, algunos historiadores están en desacuerdo con algunas distorsiones de los acontecimientos reales, y que nos muestra al premier británico casi como un matón irascible y borracho. A pesar de eso el film nos muestra que por encima del estadista hay un hombre abrumado por el peso de las consecuencias de sus decisiones futuras. Detrás de él aparece su esposa, Clementine (interpretada por una desdibujada Miranda Richardson) que es la única que pacientemente parece convencerlo de su deber patriótico.

Además de Cox, este drama peatonal se ve obstaculizado por demasiados personajes monodimensionales y excesivos diálogos explicativos que se parecen más a una lección de historia. El director de fotografía nos muestra las interioridades de Churchill a través de siluetas y motivos visuales diversos.

Brian Cox, se une a la larga lista de actores que han interpretado al premir británico.Brendan Gleeson (Into the storm), Thimothy Spall (The King’s Speech), Richar Burton (Walk with Destiny), Rod Taylor (Inglourious Basterds) o Ian McNeice(Doctor Who) o John Lithgow (The Crown).

Dirigida por Jonathan Teplitzky (Un largo viaje) el guión es de la historiadora británica Alex von Tunzelmann. Además de Brian Cox, completan el reparto:Miranda Richardson (“Sleepy Hollow”, “Herida”) que interpreta el papel de la esposa de Churchill, John Slattery (“Spotlight”, “Mad Men”), James Purefoy (“Roma”). 

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Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral    7.sep.2017 09:23    

Leica, la cámara que retrató la historia del siglo XX

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A finales de 1937, un joven barcelonés de 17 años, Francesc Boix, se adentra en las filas del bando republicano. Dispara a todo lo que ve, -aunque con cierta contención-, porque el material que utiliza es caro y difícil de conseguir en medio de una guerra. No lleva un fusil, sino una cámara fotográfica Leica.
 
Sesenta años más tarde de su muerte, en 2013, se vendían por internet tres cajas de negativos con imágenes del frente de combate republicano en tierras de Lleida, también algunas anteriores o contemporáneas de la Guerra Civil, en Barcelona. El joven Boix, las había captado en los últimos meses del conflicto, los había pasado a Francia y en su afán por preservar un material gráfico histórico, los había guardado en una vivienda de Perpiñán. 
 
La editorial Now Books, publica parte de ese material en el libro Los primeros disparos de Francesc Boix, una árdua labor realizada por la Fundació Fotoconnexió, bajo los auspicios de la Comisión de la Dignidad. Después de la maleta mexicana de Robert Capa, ahora aparecían los negativos del Fondo Argeles, que han permitido recuperar una parte de la memoria histórica del frente del Ebro y el Segre. 
 
Ricard Marco, coautor del libro repasa algunos negativos y explica "aquí se nota que hay un desenfoque, seguramente porque debió tomarla rápido, a lo mejor en ese momento estarían lanzando bombas o abrían fuego". Analiza alguna de esas fotografías junto con Josep Cruanyes, presidente de la Comisión quien añade que "una de las cosas que reflejan estas imágenes es las precariedad material con que estaba dotado el ejército republicano. Solo hay una de artillería y en otras hay morteros o ametralladoras"
 
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Una mirada desde dentro de la guerra que nada tiene que ver con la visión puntual de los reporteros de guerra: la construcción de las barracas donde vivían los soldados en la montaña, las trincheras, la comida, los ratos de reposo, las prácticas y las maniobras, la llegada de la correspondencia, etc. Boix muestra la destrucción que provoca la guerra sin necesidad de fotografiar heridos o muertos.
 
Con 19 años y una guerra perdida, se dirige por la frontera andorrana, o próxima a ella, hacia Francia. Capturado por los nazis, el 27 de enero de 1941, junto a otros 7.000 republicanos españoles es trasladado al terrible campo de concentración de Mauthaussen. Murieron el 67% de los prisioneros que lo acompañaron. Por su experiencia en la fotografía, Boix fue adscrito al servicio de identificación del campo.
 
 
Aprovecha su “puesto de trabajo” para realizar fotos que muestran como murieron miles de personas. Desde el laboratorio fotográfico salvó de la destrucción los negativos que acreditaban el horror y junto a otros compañeros los robaron para dárselos a la austríaca Anna Pointner, que los escondió en un muro. Se salvaron unas 20.000 fotografías, cuyo testimonio se presentó como cargos en los juicios de Nüremberg. Francesc Boix, fue el único español que testificó.
 
"En 1943, yo estaba en el servicio de identificación del campo y no podía salir. Pero en el transcurso de una visita el jefe de los fotógrafos disparó un carrete entero, que yo revelé. En aquella película reconocí a Speer y a otros jefes".  Fueron algunas de sus declaraciones en el histórico juicio".
 
De su paso por Mauthaussen, el Spaniaker 5.185 (nombre despectivo de los nazis hacia los españoles y su número de prisionero) le quedó una tuberculosis, enfermedad de la que moriría en París en 1951, a los 30 años. En sus últimos años trabajó como reportero periodista en L’Humanité, Regards o Ce Soir.
 
Robert Capa Muerte de un miliciano 1936  Robert Capa © International Center of PhotographyMagnum PhotosContacto
 
La mayor parte de su trabajo lo realizó con la emblemática Leica. Estos días la Fundación Telefónica en Madrid muestra la historia de estos aparatos que en 1914, revolucionaron el mundo de la fotografía a través de la exposición "Con los ojos bien abiertos". La patentó el ingeniero alemán Oskar Barnack y durante la Segunda Guerra mundial, fue una de las herramientas más utilizadas por los fotoperiodistas de las grandes agencias de noticias y fotografías, o por los más importantes diarios y revistas mundiales, que acercaron el frente de batalla a los ciudadanos. Diego Fraile, guía cultural del espacio Telefónica cree que "el fotoperiodismo nace con Leica, porque permite capturar la vida. Si quieres captar los acontecimientos al instante, o los que son históricos, necesitas esa rapidez, y en ese sentido sí que revolucionó la manera de ver y conocer el mundo"
 
Los objetivos de las cámaras captaron el momento en que un miliciano caía abatido por una bala, una niña huía desnuda en Vietnam, o las desenfadadas escenas callejeras de Robert Doisneau. Para Fraile "gran parte de las imágenes que nos recuerdan momentos históricos, son fotografías tomadas con una Leica, y pienso que ha creado parte del imaginario colectivo del siglo XX".
 
Sin todos ellos no tendríamos imágenes referentes de la historia, la evolución de las ciudades, la diversidad cultural, o de la vida cotidiana. 
 
  

 

Categorías: Cine , Libros

Ángela Gonzalo del Moral    1.ago.2017 08:22    

Noruega presenta su último éxito cinematográfico "La decisión del rey"

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El director noruego Erik Poppe quiso rescatar esta historia del olvido porque considera que los ciudadanos no la conocen lo suficiente y se sentía "en deuda" con hechos que hoy son importantes. Con el rodaje de "La decisión del rey"  trata de recuperar a un "líder" que "tomó decisiones para su gente, incluso poniéndose en gran peligro". El realizador nórdico, cada vez más en las miras de Hollywood, añade que "en estos últimos años hemos visto a líderes enfocados en sí mismos y en sus torres, así que decidí contar una historia sobre aquellos que se centraron en la democracia".

La película, que llega este viernes a las pantallas españolas, y que ha sido la más vista en su país en 2016, está basada en la verdadera historia de tres dramáticos días que tuvieron lugar en abril de 1940, durante los cuales el rey de Noruega se encontró ante un ultimátum inimaginable que le plantea el ejército alemán: rendirse o morir. El 9 de abril de ese año, la maquinaria bélica de la Alemania nazi desembarca en la ciudad de Oslo. Ante esta situación, el rey Haakon VII de Noruega se ve obligado a abandonar la tradición neutral de su país y tomar la difícil decisión de unirse a uno de los dos bandos. En sus manos está el futuro y la vida del pueblo noruego.

Del film, con buen ritmo y que pone también al espectador a pensar que hubiera hecho ante una sucesión de acontecimientos desbordantes, destaca la gran interpretación de Jesper Christensen, en el papel del rey. También la del austríaco Karl Markovics, como Curt Bräuer, el embajador alemán en Oslo, que hace todo lo posible para salvar a Noruega de un conflicto y mantener su postura neutral, pero se ve atrapado por los planes de Berlín.  

El film mantiene una emoción calculada y serena. Sin perder la elegancia mantiene bien los momentos de reflexión y la acción. Y, a pesar de que el director diga que no es su objetivo final, ensalza la figura emblemática del rey Haakon VII, nacido en Dinamarca y elegido democráticamente, aunque nunca llegó a ser un monarca admirado por su pueblo. Quizá uno de sus inconvenientes es que no hablaba noruego perfectamente. 

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Poppe es uno de los directores escandinavos con más interés y con más experiencia. Es capaz de producir unas narraciones de manufactura impecable y con diversas lecturas, construidas siempre sobre la base de un reparto coral, unos guiones muy bien escritos, un trabajo de cámara impresionante y un gran sentido del ritmo y de la música en el montaje.

"La decisión del rey", es la segunda película nórdica que llega a nuestras pantallas en el último mes. Hace unas semanas se estrenaba "Tom de Finlandia", un pionero del arte militante gay, que no solo luchó en la Segunda Guerra Mundial, sino contra los estereotipos sociales y pictóricos de la segunda mitad del siglo XX. El estreno de la película coincidió con el aniversario del centenario de la independencia de Finlandia.

La historia nos sitúa a finales de la contienda, cuanto el artista, traumatizado regresa a su casa y comienza a buscar en los bajos fondos de la ciudad a otros hombres con su misma inclinación sexual. Incordiado por las autoridades nacionales viaja a Estados Unidos, donde sus dibujos eróticos de hombres musculados envueltos en la iconografía nazi, se convirtieron en una referencia de la indumentaria del mundo gay.

En los últimos años el cine nórdico está recuperando personajes y temáticas desconocidas de su historia más reciente. A principios de año y coincidiendo con los Óscar, pudimos ver en España la película danesa "Land of mine" (Tierra de minas), candidata en la categoría de "mejor película de habla no inglesa". Otra apuesta seria de la cinematografía de los países nórdicos, que por otra parte, está ganando adeptos en las series televisivas. Eso sin olvidar la importancia de los autores literarios, especialistas en novela negra y policíaca.

@angelaGonzaloM
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Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral   31.jul.2017 20:06    

Jeanne Moreau, un mito del cine europeo

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Orson Welles, consideraba a Jeanne Moreau, "la mejor actriz del mundo". Presente en el mundo del espectáculo de Francia y Europa durante 65 años, la gran dama de la cinematografía gala ha fallecido en París a los 89 años. Abanderada de la "Nouvelle Vague", trabajó con los mejores directores de cine de su país como François Truffaut, Louis Malle o André Téchiné, y había estado a las órdenes de Luis Buñuel en "Diario de una camarera". Fue la primera mujer académica de Bellas Artes de Francia.

La inolvidable intérprete de "Tourbillon" en la trágica "Jules y Jim", esta actriz de belleza sensual, inimitable voz grave y políglota, fascinó a los grandes directores de su época. A Welles en "Una historia inmortal", a Buñuel en "Journal d'une femme de chambre" a Antonioni en "La Notte", a Losey en "Eva" . También al mundo del cine que la reconocío con el César por "La vieille qui marchait dans la mer" y la mejor interpretación femenina de Cannes en 1960 por "Moderato Cantabile" de Peter Brook. Un festival al que estaba muy unida, donde presidió el jurado en dos ediciones, en 1975 y 1995 y en el que había sido maestra de ceremonias varias ocasiones. En 1998 recibió el Oscar honorífico y diez años más tarde el Super César de honor.

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Debutó en 1947 en el Festival de Aviñón, con la obra "La terrasse de midi", y diez año más tarde le llegó su oportunidad para entrar en el cine por la puerta grande. Luis Malle le ofreció el papel protagonista de "Ascensor para el cadalso". Esta mujer libre y actriz ecléctica ha participado en 130 películas a las órdenes de los más renombrados realizadores del cine como Orson Welles, Elia Kazan, Wim Wenders o Rainer Werner Fassbinder. Como cantante interpretó algunas de las canciones de las películas en las que había participado como "Le tourbillon" en "Jules et Jim".

El cine galo recuerda a su mito

"Jeanne la francesa", como se le conocía en el extranjero, se había convertido en la mejor embajadora del cine francés. En 1997 recibió el premio Donosti y explicaba que "estoy condenada a la destrucción como todo ser humano, pero antes de llegar al final del camino en la vida me he dedicado a experimentar, a mirar, a ver que hacen los otros e interesarme por la vida". Unifrance, el organismo encargado de la promoción del cine galo en el exterior ha mostrado una "tristeza que no acabará nunca, pero la alegría de recordarla siempre con nosotros"

La ministra de cultura Françoise Nyssen, ha publicado también en twitter que "se ha apagado, pero la voz, el genio, la visión de esta artista persisten". Su antecesor, Jack Lang, la ha definido como una "actriz que se comía el escenario con su belleza, su sensualidad y su autoridad moral y su carácter". Para Brigitte Bardot, tenía una "personalidad fuera de lo común" y se ha lamentado de que "el torbellino de la vida se la ha llevado demasiado pronto", mientras que el presidente de honor del Festival de Cannes, Gilles Jacob, la ha definido como "una de esas actrices para las que independientemente de su gloria, la clase y la elegancia moral son un arte de vida".

En 2011 regresó al festival de Aviñón, con la obra "Condamné à mort", de Jean Genet. Se autodefinía como "mística y frívola" capaz de preocuparse por el drama de los refugiados de Darfur y mostarse al mismo tiempo amante de la elegancia y las cosas bellas. Comparaba la vida como un jardín "descuidado, que se nos da al nacer", y que hay que dejar bonito en el momento de abandonar la tierra"

 

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   31.jul.2017 16:03    

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Este blog es un viaje por la Europa cotidiana. Un recorrido por el día a día de los ciudadanos de la Unión Europea, recogiendo aquello que nos une... que nos diferencia, o que todavía nos separa.
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