26 posts con categoría "Cine"

Fallece Miloš Forman, el director que marcó la "Nouvelle Vague" francesa y checa

  800px-Milos_Forman

El cineasta checo, Miloš Forman, fue uno de los faros que iluminaron la "Nouvelle Vague"francesa y checa. Tras huir de su país unos días antes de la represión del régimen comunista durante la Primavera de Praga de 1968, vivió unos años en Francia y posteriormente viajó a Estados Unidos. Nacionalidado estadounidense en 1977, consiguió dos Óscar como mejor realizador por Alguién voló sobre el nido del cuco en 1976 y Amadeus en 1985. Su inmensa y singular obra se centra en personajes insumisos contra toda forma de opresión.

Nació en 1932, cerca de Praga, y sufrió las persecuciones nazis, al quedar huéfano después de que sus padres murieran en el campo de concentración de Buchenwald y Auschwitz. Ingresado en varios orfelinatos y colegios, allí coincidió con Vaclav Havel, futuro dramaturgo, disidente y posteriormente presidente del país. Ya más joven siguió sus estudios en la prestigiosa Escuela de cine de Praga FAMU. Dentro del mundo creativo y contestatario de la Checoslovaquia de los años 60, compartió reflexiones filosófico-artísticas con sus contemporáneos Jiri Menzel, (Oscar a la mejor Película extranjera en 1968), Ivan Passer y Vera Chytilova. Aprovechando el deshielo de mitad de los 60, filmó películas contrarias al regimen como El Concurso (1963), El As de picas (1964), Los amores de una rubia (1965) y El baile de los bomberos (1967) producida por el magnate italiano Carlo Ponti. La película no pudo concursar al año siguiente en Cannes, debido a los acontecimientos de París de mayo de 1968.

Forman, contribuyó al nacimiento de la Nouvelle vague checoslovaca, caracterizada por la crítica y la presencia de actores no profesionales. Poco antes de la ocupación soviética de Checoslovaquia, que puso fin a la primavera de Praga, el cineasta ahora fallecido, optó por el exilio, primero a Francia y más tarde a Estados Unidos.

Michael-Douglas-Milos-Forman-Louise-Fletcher-Jack-Nicholson-y-Saul-Zaentz-con-sus-respectivos-premios-Oscar-por-Alguien-volo-sobre-el-nido-del-cuco

Neoyorquino de adopción, diez años más tarde obtuvo la nacionalidad estadounidense y su consagración internacional, sobre todo tras el éxito de Alguién voló sobre el nido del cuco, (5 estatuillas) una película casi documental de los hospitales psiquiátricos, protagonizada por Jack Nicholson y Louise Fletcher, y Amadeus, que consiguió 8 premios de la Academia de Hollywood. Más tarde su éxito aumentó con la adaptación cinematográfica de los musicales Hair (1979) y Ragtime (1981), Globos de Oro, el Oso de Oro de Berlín, y los premios Bafta, del Cine Europeo y el Lumière.

Miloš Forman, conoció de cerca el comunismo y el capitalismo, y ante la disyuntiva siempre dijo que "he conocido la presión política e ideológica de un país comunista y la comercial, que presiona a los realizadores en Estados Unidos. Prefiero, de lejos, la presión comercial, donde dependes del público, a la presión ideológica en la que estás a merced de cualquier imbécil". Poco antes de la caída del regimen comunista regresó a su país para rodar Amadeus, y poder trabajar con sus fieles colaboradores checos, entre los que se encontraba el director de fotografía Miroslav Ondricek. El film muestra la rivalidad entre los compositores Wolfgang Amadeus Mozart y Antonio Salieri, y se alzó con 8 estatuillas, entre ellas la de mejor película. En su larga biografía encontramos Valmont (1989), Larry Flynt (1996), Man on the Moon (1999) con Jim Carrey y los Fantasmas de Goya (2006). El cineasta checo-estadounidense, aseguraba que la grabación de esa película era una de sus mejores experiencias profesionales. Una crónica de la España del siglo XVIII, protagonizada por Javier Bardem y Natalie Portman.

Con fama de director difícil, en su biografía "Turnaround" confesaba que "todo lo que hice en mi vida, lo hice para ganar". Este amante de los puros y el ciclismo, siempre se sintió atraído por personajes extremos y extraños y aseguraba que era muy cuidadoso con sus proyectos, tomándose su tiempo para contar "verdades sin resultar aburrido". Se casó en tres ocasiones, con las actrices Jana Brejchova y Vera Kresadlova y con la escenógrafa Martina Zborilova. De sus cuatro hijos, los mellizos Matej y Petr optaron por el teatro y son los responsables de la compañía The Forman Brother's Theatre.

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   16.abr.2018 15:36    

La temporada cultural francesa en España se inaugura con la comedia "C'est la vie"

"C'est la vie", la comedia francesa se va de boda

2018012606285975301

Si todo puede salir mal, seguramente saldrá. Eso es lo que le ocurre en la última apuesta de Eric Toledano y Olivier Nakache, que demuestran que le tienen cogida la medida a este género cinematográfico y al público español. Desde su recordada "Intocable" cada vez que llegan a las salas españolas, consiguen éxito de taquilla, que además viene avalado por sus excelentes resultados en Francia. La película, protagonizada por un impecable Jean-Pierre Bacri en el papel de Max, un empresario que ha organizado cientos de bodas durante años. Ahora prepara la boda de lujo en un Chateau francés del siglo XVII. Todo está coordinado, camareros, orquesta, menú, disc jockey, decoración floral...

Pero todo pende de un hilo y la ceremonia puede salir bien o acabar en un desastre.... Se trata de una película coral, muy entretenida, sin más interés que divertir al público, reflejando situaciones cómicas pero también emotivas. Los dos directores se conocen muy bien y conocen el oficio de camarero en bodas donde habían trabajado hace años. De allí sacaron las anécdotas y quisieron mostrar como toda un colectivo tan diverso trabaja en la sombra para conseguir que todo funcione bien, y que los comensales disfruten de ese acontecimiento social.

2018012606282173901

Nakache y Toledano, explican que para el film se han inspirado en películas clásicas como Garçon, de Claude Sautet o Relatos Salvajes de Damián Szifrón, que se proyectaba en el cine, cuando ellos estaban preparando el guión. Por cierto, uno de los sketch de la obra del argentino está centrado también en una boda.

En el apartado técnico, la cámara no está nunca estática, y sus movimientos aportan una energía, una tensión que corre a lo largo de toda la velada evitando que la historia no sea demasiado teatral, ya que la acción ocurre todo el tiempo en el mismo lugar. La música tiene también su parte narrativa en la película, y se mueve desde obras de jazz, compuestas por Avishai Cohen, a músicas festivas o románticas de artistas como Eros Ramazzotti.

En definitiva se trata de una película con gran sentido cómico que rompe con algunos clichés del cine francés que a menudo muestra un mundo angustioso y duro. Los realizadores consiguen darle humanidad a unos personajes, que aunque un poco exagerados, son como cualquiera ciudadano de a pie. Así podemos disfrutar de un punto de vista diferente. Una boda desde dentro, entre bastidores, y ver como se organiza un equipo de camareros, cocineros y responsables de luces, donde queda claro que no todo el mundo sirve para todo, pero lo importante es trabajar juntos. Como ya ocurrió con sus anteriores éxitos "Intocable" y "Samba", los directores incluyen en sus películas temas sociales, en este caso la realidad laboral y las situaciones precarias, algo que aporta un realismo y les sirve para "tejer" las situaciones que viven sus personajes.

La película opta al premio a la mejor película europea en los Goya de este año, un galardón que ya consiguieron los dos realizadores con "Intocable", en 2013. Distribuida en España por A Contracorriente films llega precedida de un gran éxito en Francia donde desde octubre ha superado los 3 millones de espectadores. En los premios del cine español competirán con una comedia insólita como la germano-austríaca Toni Erdman avalada por grandes premios como el de mejor película europea de 2017, el premio Lux del Parlamento Europeo y nominada a los Globos de Oro de 2016 y al Oscar 2017.

Mayo del 68 vertebra la actividad cultural del Instituto Francés en 2018

Imaginación al poder

El estreno de la película en España de "C'est la vie" que contó con la presencia de Olivier Nakache y Eric Toledano en Madrid, coincidió con el inicio de la programación de la temporada cultural francesa en España (el #TIFE18) El tema central de este año será "la imaginación al poder", una frase que simbolizó las revueltas de mayo del 68, hace ahora 50 años. Para conmemorar aquellos hechos, que cambiaron sociológicamente a la mayoría de los países europeos, se ha organizado un debate con el político -y uno de los padres de aquellas manifestaciones- Daniel Cohn-Bendit, el filósofo español Fernando Savater y el filósofo y sociólogo francés Edgar Morin. Para celebrar  aquella efeméride, en mayo se podrá ver la primera exposición de los foto-reporteros de France Soir, cuyos negativos se salvaron de la destrucción. En 1968 las sociedades de ambos lados del telón de acero son atravesadas por una fiebre social y de rechazo radical de los modelos sociales, culturales e intelectuales dominantes en aquel momento. París y Praga fueron las dos ciudades que sintetizaron aquella pulsión social que se adueñó de las calles para lanzar nuevas propuestas culturales. Pero también han preparado una exposición para que conozcamos la Francia actual, su gente, sus sueños, sus realidades, en definitiva que presenta las imágenes de un país vivo. Mediante la fotografía documental, 6 jóvenes nos ofrecen a través del objetivo de sus cámaras su visión de Francia.

En mayo, coincidiendo con el XV Festival de cine documental DocumentaMadrid, llegará la nueva apuesta de una de las cineastas de más prestigio, considerada una leyenda viva de la Novuelle Vague. Agnès Varda, que el año pasado recibió el Premio Donostia en San Sebastián, presentará su nueva película, "Visage, villages", todo un acontecimiento en la última edición del Festival de Cannes. Esta artista de Street Art ha convertido a los habitantes de los lugares más recónditos de Francia en protagonistas de su localidad a través de pinturas gigantes realizadas en las paredes de las calles.

Presentación TIFE18_Foto @IF_Espana

La música llegará de las notas de Dominique A, un cantante adorado en España, que actuará en Barcelona, Madrid y Zaragoza. Tras 25 años de carrera, este año presentará sus dos nuevos discos, el primero en febrero, con más músicos y mucho ritmo y en otoño llegará su último trabajo, un disco acústico y en solitario. El TIFE18 nos va a permitir conocer a la nueva estrella francesa, Juliette Armanet, que ha tomado el relevo de la nueva "chanson francesa". Esta mujer que ha obtenido el reconocimiento de revelación del escenario francés el año pasado, cantará por primera vez en España.  

Más música, esta vez a través de la danza, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, con un homenaje a dos grandes compositores galos. Los teatros del Canal nos llevaran al vacío "Le vide" con la compañía Fragan Gehleker, que nos mostrará como trepar por una cuerda y caer, inspirado en el míto de Sísifo. Philippe Quesne nos confundirá entre los sueños y la materia, con su última apuesta "La mélancolie des dragons" y Cordeiro nos invita a observar la mirada de cuatro bailarines que nos muestran como llorar, pestañear, guiñar, ojear...

En marzo, Barcelona, Granada, Zaragoza y Madrid, acogeran a Leila Slimani y Mathias Enard, últimos premiados con el Goncourt, el Cervantes de las letras galas. La pintura nos permitirá recuperar la imagen de Annette Messager, que regresa al panorama expositivo español, después de 17 años. Lo hará en el IVAM de Valencia con su primera retrospectiva en España. A través de objetos y residuos insignificantes, que nos rodean, podemos comprobar el lado terrible que puede subyacer en nuestros sueños y miedos, e incluso en nuestros comportamientos.

Maxresdefault

La cultura francesa también estará presente en Arco, y el Festival de teatro en francés de Barcelona presentará la obra "Y durante este tiempo, Simone Veile", un relato humorístico sobre la evolución de la condición femenina en Francia, donde la primera mujer que dirigió el Parlamento Europeo, y la ministra de sanidad que legalizó el aborto en su país, fallecida el año pasado, es la narradora vigilante. Otras propuestas son la danza contemporánea radical de Sylvain Huc, la mezcla de mimo y flamenco que nos propone Patrice Thibaud. o las proyecciones de cine galo que se desarrollan a lo largo de todo el año en las sedes del Instituto Francés de Madrid, Bilbao, Zaragoza, Valencia, Sevilla y Barcelona.

Eso sin olvidar que este año se conmemora el centenario de la muerte de Claude Debussy, introductor de la modernidad musical , un compositor que estuvo muy ligado a España.

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Actualidad , Cine , Música

Ángela Gonzalo del Moral   26.ene.2018 10:55    

“Loving Vincent”, el cine y la pintura interactúan en la pantalla

Unnamed Pintura

El holandés Vincent Van Gogh, ¿se suicidió o fue asesinado?. Ese es el planteamiento de "Loving Vincent" la última ganadora del premio a la mejor película de animación de los Premios Europeos de cine. Hablamos de ella porque no solo muestra una nueva experiencia cinematográfica, sino que nos permite revisar la riqueza pictórica de uno de los genios de la pintura universal y nos muestra el potencial del cine europeo, aportando creatividad e ingenio. Esta coproducción polaco-británica fue rodada en una de las últimas capitales culturales, Wroclaw (Breslavia), en Gdansk y Atenas.

Al atardecer del 27 de julio de 1890, una figura demacrada caminaba por la aletargada calle principal de Auvers, una pequeña localidad francesa. No portaba nada consigo; sus manos apretaban una herida de bala en el bajo vientre, que supuraba sangre. Era Vincent Van Gogh, un artista poco conocido en esos momentos, pero que tras su trágica muerte, fue uno de los artistas más conocidos del mundo. Los hechos en torno a lo que ocurrió aquella tarde siguen siendo un misterio. Suicidio, como se ha creído hasta ahora, o asesinato, como propone la directora polaca Dorota Kobiela.

Un año más tarde en Arlès, otra ciudad francesa del sur de Francia, el cartero Joseph Rolain, entrega a su hijo Armand la última carta escrita por el pintor. Debe entregarla en mano en París al hermano de Van Gogh, Theo. El galerista Père Tanguy no solo le da la mala noticia de que el hermano del artista había muerto, sino que le propone viajar a Auvers, la población en que Vincent vivió los últimos meses de su vida, en busca de respuestas sobre la muerte del artista.

Así se inicia una película que sin duda sorprenderá no solo por la arriesgada apuesta de sus autores, de pintar a mano y al óleo, los 65.000 fotogramas animados, sino porque nos permite pasear por más de 100 cuadros del genio holandés. En ese árduo y maravilloso trabajo han participado unos 125 pintores y artistas gráficos.

El director británico, Hugh Welchman, explicaba que "el pintor holandés estaría feliz de haber dado empleo a tantos artistas durante dos años, porque él siempre quiso crear un estudio de artistas". Esa era su idea en la casa amarilla de Arlès, un pueblo del sur de Francia en el que vivió 18 meses, durante los que pintó unos 200 cuadros.

Una técnica innovadora

La primera cinta pintada al óleo fue rodada inicialmente con actores reales, retocados posteriormente por los pintores hasta convertirlos en cuadros de Van Gogh. Los personajes de la película están inspirados en personajes de obras del artista holandés. El Doctor Gachet y su misteriosa hija Marguerite; Adeline Ravoux, la hija del dueño de la posada en la que murió, Père Ranguy, Louse Chevalier, el barquero y el cartero Joseph Roulin, cuyo hijo Armand es el protagonista de la película. Los actores “reales” que dan vida a los personajes de los cuadros son el polaco Robert Gulaczyk, Jerome Flynn(Juego de Tronos) o Saoirse Ronan (Lady Bird). Todos ellos van tomando vida para aclararnos…. o confundirnos de cómo fueron las últimas horas de vida de Van Gogh, en sus complicadas relaciones con los que le rodeaban, en sus fantasías y en sus reflexiones.  

No consigue ser un gran thriller, pero acaba atrapando al espectador al que se le dan las pistas para que se decida por la hipótesis del asesinato o del suicidio. Los guionistas nos llevan a través de cada personaje, de obra en obra, hasta Auvers-sur-Oise con el fin de desentrañar el enigma, mientras los directores intentan mantener la intriga. Mediante técnicas como el stop motion o la rotoscopia, a lo largo de 65.000 fotogramas animados pintados a mano, reproducen los lienzos del pintor, dándoles movimiento, consiguiendo uno de los éxitos de la película: que el espectador pasee por el interior de los cuadros del artista. Los flashbacks, dibujados en blanco y negro, e inspirados en fotografías de la época, permiten introducir estilos muy diferentes.

La_Passion_Van_Gogh_Foto Wikipedia_Georges Biard
Foto Wikipedia/Georges Biard 

El equipo de diseñadores creó retratos fieles a los actores de tal manera que mantenían todas sus facciones y características, a la vez que su aspecto permitía reconocer a los personajes pintados. Técnicamente, los animadores empezaron a trabajar con una base de 377 pinturas creadas por el equipo de diseñadores y pintaron el primer fotograma de cada toma en un lienzo. Después lo animaban hasta terminar el proceso en el último fotograma de la toma.

La directora y pintora, Dorota Kobiela, es una especialista en los cortos animados. Su primera idea era realizar otro corto en el que combinar su pasión por la literatura y el cine e intentó pintar toda la película ella sola, pero el proyecto acabó convertido en un largometraje, así que dirigió no solo a actores sino también a 125 pintores.

Kobiela, que ha trabajado siete años en este proyecto, explica algunas semejanzas personales con Van Gogh. “Tenía 30 años cuando pensé en Loving Vincent, la misma edad que cuando él comenzó a pintar. Por otro lado, he luchado contra la depresión toda mi vida, así que me inspiraba su fortaleza para recuperarse de situaciones similares y traer belleza al mundo a través de su pintura. Sus cartas me ayudaron mucho en un momento de mi vida y me animaron a hacer esta película”

También tiene experiencia en cortos, el codirector británico Hugh Welchman, que ya triunfó en 2008 con su oscarizada Peter and the Wolf, reconocida en importantes festivales del mundo con varios premios. Welchman explica que para realizar la película se documentaron en más de 40 publicaciones y hablaron con expertos del Museo Van Gogh, y durante 4 años visitaron 19 museos de 6 países, observando más de 400 cuadrados. Eso no fue lo más difícil sino convencer a la gente de que “éramos capaz de conseguirlo”.

Su estreno en el Festival de Annency, en junio de 2017 ya hizo prever su éxito de taquilla, llevándose el premio del público, éxito que repitió en Osten y en el Parool Festival. Ha sido candidata a los Globos de Oro y a los BAFTA, además de haber sido galardonada como mejor película de animación de los Premios Europeos de Cine 2017. Ahora aspira a ganar el Óscar en esa misma categoría

No dudo de que Dorota Kobiela, conseguirá con su película uno de sus objetivos“espero que anime a la gente a descubrir más sobre este pintor, a leer sus cartas y ver sus cuadros en vivo. También espero que sirva para dar a conocer al artista a más gente y me encantaría que todo el mundo pudiera ser capaz de amar a Van Gogh”

Arlès, la ciudad que marcó al artista

640px-Arènes_d'Arles_1

No solo es famoso por sus pinturas también por su complicada existencia. En Arlès, nos explica Christine Berton, directora del museo de historia de la ciudad, "la convivencia con los vecinos no fue fácil". Fue en esa ciudad del sur de Francia, donde vivió uno de sus episodios más controvertidos. Se instaló en la casa amarilla donde se cortó una oreja, dicen que en una discusión con su amigo Paul Gaugin, con el que mantenía una relación de admiración y odio.

En Arlès pintó algunos de los cuadros más famosos como La noche estrellada, Terraza de café por la noche, Los Girasoles o la Casa amarilla y muchos de los retratos que pintó, son parte del imaginario universal. Por desgracia, en Arlès, ciudad patrimonio de la Humanidad por sus impresionantes restos romanos como el anfiteatro o el teatro, no queda ninguna de sus pinturas, ni siquiera la casa amarilla, bombardeada en la II Guerra Mundial. 

Van Gogh va consiguiendo sus sueños después de muerto. Hasta su fallecimiento no había vendido ni un solo cuadro, y lo logró de forma póstuma. También soñó con crear un estudio de artistas, y aunque de forma indirecta y efímera, también lo ha conseguido en la película “Loving Vincent”, dando trabajo a un centenar de pintores y artistas gráficos. La capital de la Camarga, tiene previsto cumplir dentro de poco uno de los sueños del pintor, abrir un estudio de artistas multimedia.  La Fundación Luma Arlès, una idea de Maja Hoffmann, diseñada por Frank Gehry, arquitecto del Gughenheim de Bilbao, se convertirá en un centro de cultura experimental.

En Loving Vincent, se unen dos artes, la pintura y el cine, que le aporta otra dimensión a la técnica pictórica. Sin duda una soberbia experiencia audiovisual.

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Cine , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral   15.ene.2018 00:04    

Dia D: Churchill se debate entre la duda y el desafío

Churchill biopic

Churchill bregado en viejas batallas, unas vencidas y otras perdidas, temía que el desembarco de Normandía fuera un nuevo fracaso militar ante el ejército alemán. Por eso se resistía a enviar tropas y desafía a dos de los más importantes estrategas militares: el estadounidense Ike Eisenhower y el británico Bernard Montgomery. 96 horas antes del día D, Winston Churchill muestra sus dudas respecto a la estrategia de la operación. Uno de los más importantes episodios de la II Guerra Mundial, llega estos días a las pantallas españolas.

Sir Winston Churchill murió con 90 años, participó en cinco guerras y entre 1908 y 1929 fue ministro en siete ocasiones, y tres veces primer ministro entre 1940 y 1945 y en 1955. Considerado un político caduco a principios de los años 30, la Segunda Guerra Mundial lo recuperó del ostracismo. "Si Hitler planeara invadir el infierno me pronunciaría a favor del diablo en el Parlamento". Y casi lo hace, pactó con Stalin, después de decir que haría cualquier cosa para ganar la guerra. A pesar de ganar la contienda, perdió las elecciones de 1945.

Este político, gran orador, con gran sentido del humor y escritor brillante -que publicó varios best sellers-, fue Nobel de Literatura en 1953. La BBC lo proclamó "la figura más importante de la historia británica". Pero su protagonismo político le llevo a realizar excesos que han quedado olvidados, por su papel clave en el desenlace de la gran contienda europea. Una de sus decisiones más controvertidas fue ordenar que se hundieran los barcos de su aliado francés, cuando ya había capitulado ante Hitler, una acción que costó la vida unos 1.300 soldados galos. Era, según él, la manera de evitar que los barcos cayeran en manos de los alemanes. Conocida su adicción al whisky, pintó unos 500 cuadros y algunos historiadores consideran que la prevaricación formaba parte de su marca política.

Un nuevo biopic de Churchill

Unnamed

Un Churchill solitario vaga por una playa desierta, atormentado por visiones fantasmagóricas de olas empapadas de sangre y cuerpos de jóvenes apilados en la arena. La película que llega a nuestras pantallas  nos muestra a un líder agobiado por las dudas pocos días antes de decidir su participación en la operación Overlord, ideada por las tropas aliadas para frenar el avance de Hitler y liberar Francia.

Cuarenta y ocho horas antes del día D el miedo a que se repita el drama de las playas turcas de Gallipoli, le obliga a enfrentarse directamente con sus generales y con los aliados para evitar el desembarco. Teme que todo falle y acabe siendo recordado como el arquitecto de una carnicería. Brian Cox convence en una película algo repetitiva, de ritmo muy pausado, que no acaba de causar impacto en el espectador y a veces se convierte en una monótona lección de historia.

La película, que comienza con unos toques delicados al principio aunque el guión se va arrastrando a lo largo del metraje, nos presenta a un viejo líder político arrogante, al mismo tiempo que complejo, un Churchill que debe tomar una trascendental decisión, tremendamente presionado por el pasado. Su estreno mundial tuvo lugar en el BCN FILM FEST de Barcelona, poco antes del aniversario del 6 de junio.

Aun así, algunos historiadores están en desacuerdo con algunas distorsiones de los acontecimientos reales, y que nos muestra al premier británico casi como un matón irascible y borracho. A pesar de eso el film nos muestra que por encima del estadista hay un hombre abrumado por el peso de las consecuencias de sus decisiones futuras. Detrás de él aparece su esposa, Clementine (interpretada por una desdibujada Miranda Richardson) que es la única que pacientemente parece convencerlo de su deber patriótico.

Además de Cox, este drama peatonal se ve obstaculizado por demasiados personajes monodimensionales y excesivos diálogos explicativos que se parecen más a una lección de historia. El director de fotografía nos muestra las interioridades de Churchill a través de siluetas y motivos visuales diversos.

Brian Cox, se une a la larga lista de actores que han interpretado al premir británico.Brendan Gleeson (Into the storm), Thimothy Spall (The King’s Speech), Richar Burton (Walk with Destiny), Rod Taylor (Inglourious Basterds) o Ian McNeice(Doctor Who) o John Lithgow (The Crown).

Dirigida por Jonathan Teplitzky (Un largo viaje) el guión es de la historiadora británica Alex von Tunzelmann. Además de Brian Cox, completan el reparto:Miranda Richardson (“Sleepy Hollow”, “Herida”) que interpreta el papel de la esposa de Churchill, John Slattery (“Spotlight”, “Mad Men”), James Purefoy (“Roma”). 

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral    7.sep.2017 09:23    

Leica, la cámara que retrató la historia del siglo XX

Lisel Springmann_Detalle del proceso de construccio-n de la ca-mara Leica_I c) Leica camera AG  Wetzlar (1)
 
A finales de 1937, un joven barcelonés de 17 años, Francesc Boix, se adentra en las filas del bando republicano. Dispara a todo lo que ve, -aunque con cierta contención-, porque el material que utiliza es caro y difícil de conseguir en medio de una guerra. No lleva un fusil, sino una cámara fotográfica Leica.
 
Sesenta años más tarde de su muerte, en 2013, se vendían por internet tres cajas de negativos con imágenes del frente de combate republicano en tierras de Lleida, también algunas anteriores o contemporáneas de la Guerra Civil, en Barcelona. El joven Boix, las había captado en los últimos meses del conflicto, los había pasado a Francia y en su afán por preservar un material gráfico histórico, los había guardado en una vivienda de Perpiñán. 
 
La editorial Now Books, publica parte de ese material en el libro Los primeros disparos de Francesc Boix, una árdua labor realizada por la Fundació Fotoconnexió, bajo los auspicios de la Comisión de la Dignidad. Después de la maleta mexicana de Robert Capa, ahora aparecían los negativos del Fondo Argeles, que han permitido recuperar una parte de la memoria histórica del frente del Ebro y el Segre. 
 
Ricard Marco, coautor del libro repasa algunos negativos y explica "aquí se nota que hay un desenfoque, seguramente porque debió tomarla rápido, a lo mejor en ese momento estarían lanzando bombas o abrían fuego". Analiza alguna de esas fotografías junto con Josep Cruanyes, presidente de la Comisión quien añade que "una de las cosas que reflejan estas imágenes es las precariedad material con que estaba dotado el ejército republicano. Solo hay una de artillería y en otras hay morteros o ametralladoras"
 
Francesc-Boix-libro
 
Una mirada desde dentro de la guerra que nada tiene que ver con la visión puntual de los reporteros de guerra: la construcción de las barracas donde vivían los soldados en la montaña, las trincheras, la comida, los ratos de reposo, las prácticas y las maniobras, la llegada de la correspondencia, etc. Boix muestra la destrucción que provoca la guerra sin necesidad de fotografiar heridos o muertos.
 
Con 19 años y una guerra perdida, se dirige por la frontera andorrana, o próxima a ella, hacia Francia. Capturado por los nazis, el 27 de enero de 1941, junto a otros 7.000 republicanos españoles es trasladado al terrible campo de concentración de Mauthaussen. Murieron el 67% de los prisioneros que lo acompañaron. Por su experiencia en la fotografía, Boix fue adscrito al servicio de identificación del campo.
 
 
Aprovecha su “puesto de trabajo” para realizar fotos que muestran como murieron miles de personas. Desde el laboratorio fotográfico salvó de la destrucción los negativos que acreditaban el horror y junto a otros compañeros los robaron para dárselos a la austríaca Anna Pointner, que los escondió en un muro. Se salvaron unas 20.000 fotografías, cuyo testimonio se presentó como cargos en los juicios de Nüremberg. Francesc Boix, fue el único español que testificó.
 
"En 1943, yo estaba en el servicio de identificación del campo y no podía salir. Pero en el transcurso de una visita el jefe de los fotógrafos disparó un carrete entero, que yo revelé. En aquella película reconocí a Speer y a otros jefes".  Fueron algunas de sus declaraciones en el histórico juicio".
 
De su paso por Mauthaussen, el Spaniaker 5.185 (nombre despectivo de los nazis hacia los españoles y su número de prisionero) le quedó una tuberculosis, enfermedad de la que moriría en París en 1951, a los 30 años. En sus últimos años trabajó como reportero periodista en L’Humanité, Regards o Ce Soir.
 
Robert Capa Muerte de un miliciano 1936  Robert Capa © International Center of PhotographyMagnum PhotosContacto
 
La mayor parte de su trabajo lo realizó con la emblemática Leica. Estos días la Fundación Telefónica en Madrid muestra la historia de estos aparatos que en 1914, revolucionaron el mundo de la fotografía a través de la exposición "Con los ojos bien abiertos". La patentó el ingeniero alemán Oskar Barnack y durante la Segunda Guerra mundial, fue una de las herramientas más utilizadas por los fotoperiodistas de las grandes agencias de noticias y fotografías, o por los más importantes diarios y revistas mundiales, que acercaron el frente de batalla a los ciudadanos. Diego Fraile, guía cultural del espacio Telefónica cree que "el fotoperiodismo nace con Leica, porque permite capturar la vida. Si quieres captar los acontecimientos al instante, o los que son históricos, necesitas esa rapidez, y en ese sentido sí que revolucionó la manera de ver y conocer el mundo"
 
Los objetivos de las cámaras captaron el momento en que un miliciano caía abatido por una bala, una niña huía desnuda en Vietnam, o las desenfadadas escenas callejeras de Robert Doisneau. Para Fraile "gran parte de las imágenes que nos recuerdan momentos históricos, son fotografías tomadas con una Leica, y pienso que ha creado parte del imaginario colectivo del siglo XX".
 
Sin todos ellos no tendríamos imágenes referentes de la historia, la evolución de las ciudades, la diversidad cultural, o de la vida cotidiana. 
 
  

 

Categorías: Cine , Libros

Ángela Gonzalo del Moral    1.ago.2017 08:22    

Noruega presenta su último éxito cinematográfico "La decisión del rey"

1487429314155_0570x0400_1487429343880

El director noruego Erik Poppe quiso rescatar esta historia del olvido porque considera que los ciudadanos no la conocen lo suficiente y se sentía "en deuda" con hechos que hoy son importantes. Con el rodaje de "La decisión del rey"  trata de recuperar a un "líder" que "tomó decisiones para su gente, incluso poniéndose en gran peligro". El realizador nórdico, cada vez más en las miras de Hollywood, añade que "en estos últimos años hemos visto a líderes enfocados en sí mismos y en sus torres, así que decidí contar una historia sobre aquellos que se centraron en la democracia".

La película, que llega este viernes a las pantallas españolas, y que ha sido la más vista en su país en 2016, está basada en la verdadera historia de tres dramáticos días que tuvieron lugar en abril de 1940, durante los cuales el rey de Noruega se encontró ante un ultimátum inimaginable que le plantea el ejército alemán: rendirse o morir. El 9 de abril de ese año, la maquinaria bélica de la Alemania nazi desembarca en la ciudad de Oslo. Ante esta situación, el rey Haakon VII de Noruega se ve obligado a abandonar la tradición neutral de su país y tomar la difícil decisión de unirse a uno de los dos bandos. En sus manos está el futuro y la vida del pueblo noruego.

Del film, con buen ritmo y que pone también al espectador a pensar que hubiera hecho ante una sucesión de acontecimientos desbordantes, destaca la gran interpretación de Jesper Christensen, en el papel del rey. También la del austríaco Karl Markovics, como Curt Bräuer, el embajador alemán en Oslo, que hace todo lo posible para salvar a Noruega de un conflicto y mantener su postura neutral, pero se ve atrapado por los planes de Berlín.  

El film mantiene una emoción calculada y serena. Sin perder la elegancia mantiene bien los momentos de reflexión y la acción. Y, a pesar de que el director diga que no es su objetivo final, ensalza la figura emblemática del rey Haakon VII, nacido en Dinamarca y elegido democráticamente, aunque nunca llegó a ser un monarca admirado por su pueblo. Quizá uno de sus inconvenientes es que no hablaba noruego perfectamente. 

1501073613180

Poppe es uno de los directores escandinavos con más interés y con más experiencia. Es capaz de producir unas narraciones de manufactura impecable y con diversas lecturas, construidas siempre sobre la base de un reparto coral, unos guiones muy bien escritos, un trabajo de cámara impresionante y un gran sentido del ritmo y de la música en el montaje.

"La decisión del rey", es la segunda película nórdica que llega a nuestras pantallas en el último mes. Hace unas semanas se estrenaba "Tom de Finlandia", un pionero del arte militante gay, que no solo luchó en la Segunda Guerra Mundial, sino contra los estereotipos sociales y pictóricos de la segunda mitad del siglo XX. El estreno de la película coincidió con el aniversario del centenario de la independencia de Finlandia.

La historia nos sitúa a finales de la contienda, cuanto el artista, traumatizado regresa a su casa y comienza a buscar en los bajos fondos de la ciudad a otros hombres con su misma inclinación sexual. Incordiado por las autoridades nacionales viaja a Estados Unidos, donde sus dibujos eróticos de hombres musculados envueltos en la iconografía nazi, se convirtieron en una referencia de la indumentaria del mundo gay.

En los últimos años el cine nórdico está recuperando personajes y temáticas desconocidas de su historia más reciente. A principios de año y coincidiendo con los Óscar, pudimos ver en España la película danesa "Land of mine" (Tierra de minas), candidata en la categoría de "mejor película de habla no inglesa". Otra apuesta seria de la cinematografía de los países nórdicos, que por otra parte, está ganando adeptos en las series televisivas. Eso sin olvidar la importancia de los autores literarios, especialistas en novela negra y policíaca.

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

 

Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral   31.jul.2017 20:06    

Jeanne Moreau, un mito del cine europeo

2017-07-31T095021Z_127386013_RC1972E32610_RTRMADP_3_PEOPLE-MOREAU_Foto JOHN SCHULTS

Orson Welles, consideraba a Jeanne Moreau, "la mejor actriz del mundo". Presente en el mundo del espectáculo de Francia y Europa durante 65 años, la gran dama de la cinematografía gala ha fallecido en París a los 89 años. Abanderada de la "Nouvelle Vague", trabajó con los mejores directores de cine de su país como François Truffaut, Louis Malle o André Téchiné, y había estado a las órdenes de Luis Buñuel en "Diario de una camarera". Fue la primera mujer académica de Bellas Artes de Francia.

La inolvidable intérprete de "Tourbillon" en la trágica "Jules y Jim", esta actriz de belleza sensual, inimitable voz grave y políglota, fascinó a los grandes directores de su época. A Welles en "Una historia inmortal", a Buñuel en "Journal d'une femme de chambre" a Antonioni en "La Notte", a Losey en "Eva" . También al mundo del cine que la reconocío con el César por "La vieille qui marchait dans la mer" y la mejor interpretación femenina de Cannes en 1960 por "Moderato Cantabile" de Peter Brook. Un festival al que estaba muy unida, donde presidió el jurado en dos ediciones, en 1975 y 1995 y en el que había sido maestra de ceremonias varias ocasiones. En 1998 recibió el Oscar honorífico y diez años más tarde el Super César de honor.

DGDTIcDXYAAmrS2_Foto @unifrance

Debutó en 1947 en el Festival de Aviñón, con la obra "La terrasse de midi", y diez año más tarde le llegó su oportunidad para entrar en el cine por la puerta grande. Luis Malle le ofreció el papel protagonista de "Ascensor para el cadalso". Esta mujer libre y actriz ecléctica ha participado en 130 películas a las órdenes de los más renombrados realizadores del cine como Orson Welles, Elia Kazan, Wim Wenders o Rainer Werner Fassbinder. Como cantante interpretó algunas de las canciones de las películas en las que había participado como "Le tourbillon" en "Jules et Jim".

El cine galo recuerda a su mito

"Jeanne la francesa", como se le conocía en el extranjero, se había convertido en la mejor embajadora del cine francés. En 1997 recibió el premio Donosti y explicaba que "estoy condenada a la destrucción como todo ser humano, pero antes de llegar al final del camino en la vida me he dedicado a experimentar, a mirar, a ver que hacen los otros e interesarme por la vida". Unifrance, el organismo encargado de la promoción del cine galo en el exterior ha mostrado una "tristeza que no acabará nunca, pero la alegría de recordarla siempre con nosotros"

La ministra de cultura Françoise Nyssen, ha publicado también en twitter que "se ha apagado, pero la voz, el genio, la visión de esta artista persisten". Su antecesor, Jack Lang, la ha definido como una "actriz que se comía el escenario con su belleza, su sensualidad y su autoridad moral y su carácter". Para Brigitte Bardot, tenía una "personalidad fuera de lo común" y se ha lamentado de que "el torbellino de la vida se la ha llevado demasiado pronto", mientras que el presidente de honor del Festival de Cannes, Gilles Jacob, la ha definido como "una de esas actrices para las que independientemente de su gloria, la clase y la elegancia moral son un arte de vida".

En 2011 regresó al festival de Aviñón, con la obra "Condamné à mort", de Jean Genet. Se autodefinía como "mística y frívola" capaz de preocuparse por el drama de los refugiados de Darfur y mostarse al mismo tiempo amante de la elegancia y las cosas bellas. Comparaba la vida como un jardín "descuidado, que se nos da al nacer", y que hay que dejar bonito en el momento de abandonar la tierra"

 

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   31.jul.2017 16:03    

Premios Platino y las coproducciones euroiberoamericanas

El cine iberoamericano celebra su gran fiesta este fin de semana en Madrid, con la concesión de la cuarta edición de los Premios Platino. Coincidiendo con los denominados Óscar iberoamericanos, el IV Foro Egeda FIPCA reunía en la capital española a más de 250 profesionales del mundo del cine y la cultura de las dos orillas del Atlántico. El informe sobre la situación audiovisual iberoamericana 2017 constata un aumento de la cuota mundial de esta cinematografía, situándose en el 11% en cuota de pantalla y otra cifra similar en cuanto a espectadores. Óscar Berrendo, director gerente de Egeda, destaca un leve incremento de las proyecciones de cine iberoamericano en Europa.

En 2016, cuatro de los seis fondos europeos de coproducción cinematográfica internacional financiaron coproducciones con algún país iberoamericano. El HBF+ Europe del Festival Internacional de Cine de Rotterdam, destinó unos 55.000 euros a la financiación de la película "Fireflies", una coproducción grecomexicana, y Rojo, en la que participaron varios países como Brasil, Francia, Países Bajos y Alemania.

20170720_105201

El Fondo IDFA Bertha del Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam, selecciono tres proyectos en los que participaban países iberoamericanos. La venezolana-brasileña-británica "The Last year of Congo Mirador", la coproducción germano-peruano-chilena "Los reyes" y la hispano-argentina "Veteranos, Memorias de la guerra".

Noruega, a través del Instituto de Cine Noruego, coprodujo y ayudó en la financiación de seis proyectos. La argentina "Map of Latin American Dreams", la paraguaya "The heiresses", la mexicana "Where life is Born", la peruana "Retablo", la colombiana "Candelaria" y la argentina "The immersed Family".
Para Peter Andermatt, director General del programa Media en España, recuerda que una parte de su presupuesto se destina a proyectos beneficiarios de las ayudas al desarrollo, que suelen presentarse en forma de coproducción internacional. Dentro del ámbito de las coproducciones, uno de los requisitos es que la empresa que pida la ayuda sea europea e independiente, y los coproductores pueden ser de cualquier país de América Latina u de otros continentes.

Pero tanto el cine europeo como el iberoamericano, tienen un gran reto en el ámbito de la distribución, que no facilita el estreno de películas en países que no han participado en la coproducción. Para Óscar Berrendo, esa tendencia puede romperse con las nuevas plataformas online. 

Egeda ha analizado 8 mercados europeos audiovisuales: Alemania, Austria, Francia, Italia, Países Bajos, Reino Unido, Rusia y Turquía. En 2016, en sus cines se proyectaron, 80 estrenos iberoamericanos, con una presencia de 6,6 millones de espectadores y 46 millones y medio de recaudación. El porcentaje de coproducciones eurolatinoamericanas fue de 24 títulos, lo que supone el 65% de esas películas. El país que más estrenos realizó fue Francia (65), seguido de Italia (42) y Alemania (36).  Aunque hay que tener en cuenta en esas cifras que los largometrajes más vistos eran españoles. Le seguían las películas mexicanas, coproducción hispanoargentinas, brasileñas y chilenas.

Los títulos más vistos fueron la española Julieta, la hispano-argentina Tini - El gran cambio de Violetta, la franco-brasileña Aquarius y la coproducción brasileña-británico-estadounidense La bruja y la coproducción hispano-argentina El clan. Como curiosidad cabe señalar el éxito del cine mexicano en Turquía.

España y Uruguay son los países que más estrenos iberoamericanos programaron (sin contar sus producciones nacionales), seguido de lejos por Bolivia y Ecuador. Los títulos más vistos en la región procedían de España (25 estrenos), Argentina (15), México (11) y Perú 5 estrenos. Esos son los mercados que más obras iberoamericanas no nacionales distribuyeron en los 20 países analizados por Egeda. España sigue siendo el que mayor presencia tiene en el continente americano.

En donde si hay más presencia del mercado audiovisual iberoamericano es en la ficción televisiva, donde las series están empezando a entrar fuerte en los mercados mundiales, siguiendo los éxitos que han tenido desde hace décadas las telenovelas latinoamericanas, principalmente en los países del Este, donde algunos actores latinos han entrado en el star system de esos países.... a lo que hay que añadir que muchas veces estas producciones sirven como introducción del español como lengua extranjera aprendida.

Durante la semana de los premios Platino, también se ha hablado de las futuras generaciones de espectadores y se ha debatido sobre la presencia del cine en las escuelas. El foro Egeda Fipca, han pedido a la Secretaria General Iberioamericana, la SEGIB, que en las cumbres regionales se incluya el cine en la agenda de la educación.

En ese ámbito trabaja A bao a qu, una asociación cultural española que lidera el programa pedagógico de secundaria Cine en curso, que se desarrolla en varios países europeos, también en Argentina, Brasil y Chile. El objetivo es formar espectadores sensibles, activos y autónomos. Una de sus fundadoras es Núria Aidelman.

Las dos orillas del Atlántico comparten culturas y valores que no existen entre otros continentes. Con la celebración de los Premos Platino, Madrid ha sido estos días la puerta de entrada del cine latinoamericano en Europa.

@angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   22.jul.2017 19:14    

"Land of mine": la ruleta rusa en una playa danesa

 

C6jwbxrWsAA1B7J

“Land of mine. Bajo la tierra”, es una película de guerra en la que no se dispara un solo tiro y que mantiene la tensión durante todo el metraje. Esta película danesa, que aspiraba al Óscar en la categoría de "habla no inglesa", está inspirada en hechos reales, descubriendo al espectador una historia muy poco conocida y polémica de los últimos momentos de la Segunda Guerra Mundial.

El sargento danés Rasmussen odia a los alemanes, y dirige sin piedad a un pelotón de prisioneros formado por adolescentes soldados germanos, a los que se les ha encargado que desactiven miles de minas nazis enterradas en las playas de su país. Una ruleta rusa con la que el director Martin Zandvliet, mantiene la tensión durante todo el metraje. Especialmente en la parte final.

De nuevo llega a los cines, uno oscuro episodio de posguerra poco conocido. Desde la primera escena se palpa el odio visceral hacia los alemanes que la contienda había dejado entre los daneses. “Este es mi país, largo de aquí”, le grita Rasmussen a una columna de prisioneros alemanes, mientras los golpea con odio y resentimiento. El enemigo de esta película no se ve, está oculto a ras de tierra, entre la arena fina de las costas del Mar del Norte. El ejercito alemán creyó que el desembarco de los aliados se produciría en esas playas del Mar del Norte y enterró unos dos millones de minas, miles de ellas fueron desactivadas por muchachos que no tenían más de 18 años y una experiencia bélica nula. Se calcula que en la zona de Skallingen todavía hay unas 9.900 minas enterradas.

Mediante primeros planos, Zandvliet captura con gran fuerza dramática, el miedo de los jóvenes, el odio de los daneses, los sueños de los soldados, la crueldad de los militares. En definitiva una película que nos acerca a los otros daños colaterales de las guerras, envueltos en rencor y odio, que no permiten perdonar y seguir adelante. Con la recuperación de estos hechos, se trastoca parte de la historia conocida, y pone de relieve que en las guerras no siempre está claro quien es bueno y malo. En este caso la segunda acepción le toca a los daneses. La primera, seguramente a ningún bando.

Esta desgarradora película, distribuida en España por Sherlock Films, fue nominada a los Oscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa, representando a Dinamarca. El film que ya había arrasado en los premios Robert de la Academia de cine danés (mejor película, director, guión original, fotografía, montaje y del público) obtuvo 3 premios europeos, aunque en categorías inferiores, como mejor fotografía, vestuario y maquillaje y peluquería. Otros galardones son el premio del público en los festivales de Gijón, Rotterdam y el AFI Fest de Los Ángeles. En el Festival de Göteborg, se hizo con el premio a la mejor película, mientras que en los de Tokio y Pekín, el galardón fue para su actor principal.

En los cines Verdi de Barcelona, también proyectará junto al cortometraje "East Ramadi". El primer corto de la guionista y directora Kristen Gerweck junto con la productora española Nuria Anson. Este cortometraje de 8 minutos de duración se presentó en la sección oficial a competición, de la última edición de la Seminci. El film cuenta la historia de dos huérfanos de guerra iraquíes que reciben el encargo de entregar un paquete en un barrio peligroso de Ramadi. Su choque con los soldados estadounidenses que ocupan aquel territorio provoca un problema de comunicación que no tarda en desembocar en un episodio delirante, que alterará sus vidas para siempre.

C5xAkG1XMAIJdNo

Ficha de la película

Titulo original: Land of mine
Año: 2016
Duración: 101 min.
Director y guionista: Martin Zandvliet
Reparto: Roland Møller, Mikkel Boe Folsgaard, Leon Seidel
Géneros: Histórico, Drama, Guerra
Países: Alemania, Dinamarca
Estreno en España: 10 de marzo 2017

 

 

Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral   10.mar.2017 21:09    

Cine europeo opta a los Oscar 2017

Unnamed-1
 
Febrero es el mes del cine europeo. Se han concedido los premios Goya en España, los BAFTA en el Reino Unido y el oso de la Berlinale. Además la proximidad de los Óscar facilita la presencia de películas europeas en las carteleras españolas. Este año tres películas optan al galardón, una danesa, otra sueca y una alemana, que a priori es la que tiene más opciones de las tres. 
 
La primera en llegar a las salas españolas ha sido la película alemana "Toni Erdmann", ganadora de cinco premios en el Festival de Cine Europeo de 2016, el Globo de Oro 2016 a mejor película extranjera, Premio Eurimages del Festival de Sevilla y el Fipresci del festival de Cannes 2016. Además de alzarse con el triunfo del Premio Lux que otorga el Parlamento Europeo.  "Quería hacer una mezcla entre comedia y drama. Mientras escribía el guión pensé más en tono de comedia, pero cuando estábamos rodando, en cambio, fue girando más hacia el drama"Al final y tal como le pasó a la directora, Maren Ade, comedia y drama se alían en esta película que reflexiona sobre la familia y el choque entre dos generaciones. 
 

 "Land of mine. Tierra de minas", se estrenará dentro de unos días. El sargento danés Rasmussen odia a los alemanes, y dirige sin piedad a un pelotón de prisioneros formado por adolescentes soldados germanos, a los que se les ha encargado que desactiven miles de minas nazis enterradas en las playas de su país. Una ruleta rusa con la que el director Martin Zandvliet, mantiene la tensión durante todo el metraje. Especialmente en la parte final.
 
De nuevo llega a los cines, uno oscuro episodio del final de la Segunda Guerra Mundial poco conocido. El enemigo de esta película no se ve, está oculto a ras de tierra, entre la arena fina de las costas del Mar del Norte. El ejercito alemán creyó que el desembarco de los aliados se produciría en esas playas y enterró unos dos millones de minas, miles de ellas fueron desactivadas por muchachos alemanes que no tenían más de 18 años y una experiencia bélica nula. Se calcula que en la zona de Skallingen todavía hay unas 9.900 minas enterradas. 
 

 
La tercera película europea que opta a ganar la estatuilla es la sueca "Un hombre llamado Ove", basada en el best seller de Fredrik Backman y que ganó el premio a la mejor comedia en los premios europeos de cine de 2016. Esta tragicomedia narra la historia de un solitario y cascarrabias hombre de 60 años que vive resentido en una comunidad de vecinos. Todo cambiará para el protagonista cuando llega al vecindario una pareja que está esperando un hijo.
 

 
Las tres quieren suceder a la película húngara "El hijo de Saúl", que el año pasado se llevó la estatuilla de la Academia de Hollywood, y este año ha ganado el BAFTA a la mejor película no inglesa, a la que optaba también "Julieta" del director español Pedro Almodovar.
 

Cine francés en España

Ballerina

 
El cine francés, que este fin de semana celebrará la gala de los César, sigue su ritmo de presentar películas de diferente género y mostrar que es el más activo, junto con el inglés, en la cinematografía europea.
 
Desde hace unas semanas se puede ver en las salas españolas la película de animación "Ballerina". Estrenada a mediados de diciembre, en Francia donde ha sido un éxito, y también ha conseguido importantes ingresos en Reino Unido y México. Aunque su prueba de fuego internacional será China, donde se proyectará en 6.000 pantallas del gigante asiático. La película nos presenta a Felicia, una chica huérfana con gran determinación y un único sueño, convertirse en bailarina del Teatro de la Ópera de París
Se trata de una fantástica producción francesa, aunque no es una historia muy original, y peca de mantener roles de género (la chica quiere bailar, y el muchacho ser inventor), pero llaman la atención los números de ballet, pensados por Jérémie Bélingard y Aurélie Dupont, dos coreógrafos franceses.
 
El 31 de marzo podremos ver de nuevo en nuestras pantallas a uno de los actores con más renombre del cine galo. El actor Omar Sy continúa intratable, firmando su éxito en cada nueva película que protagoniza. Tras "Intocable" y "Samba", ahora llega con la comedia "Mañana empieza todo".  
 
Omar Sy interpreta a Samuel, un joven que vive la vida sin responsabilidades en la playa en el sur de Francia. Hasta que un día, una de sus antiguos amores le deja en los brazos a un bebé de pocos meses, Gloria: su hija. Incapaz de cuidar de un bebé y decidido a devolverle la niña a su madre, Samuel se va a a Londres para tratar de encontrarla pero no tiene éxito. Ocho años más tarde, mientras que Samuel y Gloria viven en Londres y son inseparables, la madre de Gloria regresa a su vida para recuperar a su hija.

 Las salas de cine de Europa recaudaron 7.200 millones

El año pasado las salas de cine europeo recaudaron unos 7.200 millones de euros, con la venta de 994 millones de entradas vendidas. Un informe del Observatorio Audiovisual Europeo presentado en la Berlinale, destaca que la asistencia a las salas de cine de la UE aumentó un 1,6% en 2016. Un crecimiento que se mantiene por tercer año consecutivo.

En Francia y Polonia se vendieron 7,4 millones de entradas respectivamente, en España la cifra se situó en 7,2 millones y queda lejos Italia, con 5,8 millones. En contra hubo caídas en dos de los cinco grandes mercados cinematográficos. En Alemania se vendieron 18,1 millones menos de entradas que en 2015, lo que significa un 13% menos que el año anterior, mientras que el descenso en Reino Unido, fue del 2,1%, unos 3,7 millones menos de billetes).

Fuera de la Unión Europea, destaca el récord que batió Noruega al vender 13,1 millones de entradas, un 9% más, lo que le sitúa en el mejor año de los últimos 40 años. Turquía, considerado el sexto mercado cinematográfico europeo, vendió 58,3 millones de entradas, un 3,6% menos que en 2016. El estudio señala que ninguna película superó los 30 millones de entradas y que los films más vistos fueron estadounidenses. La mayoría fueron de animación "Mascotas", "Buscando a Dory", "El libro de la selva", "Zootopia", "Animales fantásticos", "Rogue one: una historia de Star Wars", "Deadpool" y "Capitán América: Civil war".

En relación al visionado de películas nacionales, el porcentaje más alto fue en Turquía (53%), Francia (35,3%), Reino Unido (34,9%), República checa (29,5%), Finlandia (28,9%), Italia (28,7%) y España (17,9%), dos puntos menos que en 2015. ÁngelaGonzalodelMoral

Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral   20.feb.2017 19:48    

Canal Europa

Bio Canal Europa

Este blog es un viaje por la Europa cotidiana. Un recorrido por el día a día de los ciudadanos de la Unión Europea, recogiendo aquello que nos une... que nos diferencia, o que todavía nos separa.
Ver perfil »

Síguenos en...

Últimos comentarios