Tratados de Paz

    viernes 20.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

 

Programa 23.05.16

 

 

 

PORTADA: SOLYST. Autumm. Del álbum The Steam Age

Solyst_2013_(credit_Anika_Potzler)

El Nuevo trabajo de Solyst ahonda en las esteticas mecanicas de la música como Como base para el tercer álbum del  batería de Düsseldorf Kreidler, Thomas Klein. En The Steam Age, , un piano abandonado sirvió como fuente de sonido. Al tocar, rayar, raspar, y  trabajar con diferentes elementos  ha construido  un amplio espectro sonoro, que Klein luego transformó  con su sampler. La fusión de todo ello junto a la genialidad de Thomas Klein conforman un disco hipnótico.

 

CAFÉ VIRTUAL: https://www.dma.org/art/exhibitions/irving-penn-beyond-beauty

MUSICA: KSENIA KAMIKAZA. WONDERFUL WORLD.

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bLANco y negro y estudiada teatralidad. Esos son dos de los principales rasgos del trabajo de Irving Penn (1917), el "Everest de la fotografía" según Bruce Weber y uno de esos hombres que con sus instantáneas ha contribuido a construir el imaginario colectivo del siglo XX.

MUSICA:  DUBSPEEKA.

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Licenciado en diseño industrial, pintor de vocación y neoyorquino de adopción, Penn comenzó a trabajar para la revista Vogue USA en los años cuarenta. La cabecera supuso su consagración como fotógrafo y el mejor escaparate desde el que mostrar sus fotografías a las tendencias de la Alta Costura parisina, sus bodegones y sus retratos de algunos de los personajes más célebres de la Historia reciente. Truman Capote, Marlene Dietrich, Marcel Duchamp o Salvador Dalí habitan en nuestras cabezas con la pose y el encuadre con el que Penn los capturó.

MUSICA: POSTMAN. EVIL

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El fotógrafo Iving Penn, nacido en Nueva Jersey es uno de los más grandes artistas de la disciplina en el siglo XX. Durante siete décadas cambió varias veces los cánones de belleza, ejerció con pasión los oficios de documentalista, retratista de moda y reportero y se comportó con una humildad basada en una sola ley: "Una buena foto es la que comunica un hecho, toca el corazón y convierte en otra persona a quien la observa. En una palabra, es efectiva

MUSICA: NOVAK. ALHEMA

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Auténtico precursor de la fotografía entendida como arte y documento, Irwing Penn,mezcló vanguardia y moda abriendo el paso a otras figuras como Richard Avedon y viajó por todo el mundo realizando fotografías, de España a Guinea Ecuatorial. Casado con la modelo Lisa Fonssagrives y hermano del cineasta Arthur Penn, Irving se mantuvo fiel a Vogue USA, cabecera con la que colaboró hasta el final de sus días.

Irving Penn es protagonist de una importante exposición que se presenta bajo el epigrafe Beyond Beauty y que se puede ver en el Dallas Museum of Art.

 

MUSICA : MARIAN HAMMOUD & MUNMA. WASAYA

ENTREVISTA:  Pedro G. Romero .

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'Tratado de paz', el proyecto más ambicioso de la Capital Europea de la Cultura San Sebastián 2016

- El proyecto ofrecerá desde el 18 de junio una visión multifacetada de cómo la paz ha sido representada por el arte y el derecho.
 
- El proyecto, cuya exposición central en San Sebastián incluye piezas de 21 museos como el Louvre o el Prado, estará compuesto además por otras otras siete muestras distribuidas en museos de Bilbao, Vitoria o Baiona, entre otros.
 
- La exposición central incluye obras canónicas y trabajos contemporáneos de autores como Goya o Rubens, Picasso, Kokoschka, Leger, Arteta o Sokurov.
 
- La iniciativa contempla asimismo un estudio monográfico y siete producciones artísticas contemporáneas.
 


 
Tratado de paz es un proyecto de Donostia/San Sebastián 2016, Capital Europea de la Cultura de alcance internacional que articula distintas exposiciones, laboratorios, publicaciones y formatos en torno a la representación de la paz en la historia del arte, la cultura y el derecho. Comenzará a finales de mayo y se prolongará hasta enero de 2017. La concepción de la idea corresponde a Santiago Eraso y el comisariado a Pedro G. Romero.

 

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El proyecto comprende una exposición central, 1516-2016. Tratados de paz, que se situará en Donosti/San Sebastián, que se podrá visitar desde el 18 de junio hasta el 2 de octubre; siete intervenciones de artistas contemporáneos (Casos de estudio), desde mayo de 2016 hasta enero de 2017; un estudio monográfico sobre José María Sert y la Sociedad de las Naciones y siete exposiciones sobre episodios históricos; (Afueras), que se desplegarán en más de diez localidades y ciudades desde junio hasta octubre de 2016. Estará presente en una veintena de localizaciones de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés, así como Salamanca y Barcelona.

 

MUSICA : QLUSTER. WEG AMM HANG

ENTREVISTA: DAVID HERAS VERDE 

Feriarteenmicasa3  Feriaarteenmicasa2

II FERIA DE ARTE EN MI CASA Feria de Arte Contemporáneo Efímera. 28/05/2016 de 10:00 a 15:00 y de 16:30 a 21:00 h C\ Azorín, 20, Cobeña, Madrid. www.feriadearteenmicasa.com #FAC2016 prensa@feriadearteenmicasa.com El artista David Heras Verde realiza la segunda edición de la “Feria de Arte en mi Casa”, un proyecto colectivo y multidisciplinar que reúne más de 15 propuestas artísticas el sábado 28 de mayo. FAC presenta un planteamiento expositivo sugerente, poco convencional en la actualidad y alejado de los clásicos espacios de ferias, galerías y museos. A lo largo de las diferentes plantas de la residencia del artista, los visi tantes irán descubriendo las piezas y podrán charlar directamente con los artistas, quienes estarán presentes el día de la celebración de la Feria. La creación artística invade durante tan sólo un día todos los recovecos de la casa de un artista: esto es FAC. Una locura entre broma y veras, una osadía quizá que se vuelve a repetir pero, por encima de todo, un proyecto inspirador cuyo objetivo principal se fundamenta en el deseo de aproximar realmente el arte contemporáneo a las personas y con ello, sino reventar, al menos rasgar las costuras del disfraz del cerrado circuito artístico. Bajo el formato expositivo y el programa de comisariado diseñados, cómplices entusiastas se convierten los artistas participantes: Javier Ayuso, David Delgado, Julio Fálagan, el propio David Heras, Antonio Labella, José Luis López Moral, Patricia Mateo, los creadores moversinmover, Santiago Pani, Carlota Pereiro Cendón, Luis Pérez Calvo, el comisariado de El Pez Globo, Rubén Rodrigo Silguero y Anthony Stark. Las habitaciones, el salón, la cocina, los baños, el hall, el garaje-taller, las escaleras y los pasillos serán, así, campos que activarán todo tipo de situaciones, reflexiones y placeres generados por las intervenciones artísticas. Se presentarán distintas actitudes ante el hecho creativo a través de muchos lenguajes, cada uno en busca de sus investigaciones, reflejo de sus inquietudes, vivencias o compromisos, conformando una suerte de diálogo simultáneo dentro un marco experimental desenfadado. Asimismo, será un foco de conocimiento y una oportunidad única para conocer a todos los artistas. Esta feria declara franca y sorprendentemente su afán por difundir el arte; podría decirse incluso que FAC lo grita: el arte hace más habitable este mundo. Un proyecto dirigido por David Heras Dirección de Comisariado: David Heras y Sara Zambrana Marketing y Comunicación: David Delgado y Sara Zambrana Dirección técnica: Juan José Rodriguez Soler Contacto: prensa@feriadearteenmicasa.com II FERIA DE ARTE EN MI CASA Feria de Arte Contemporáneo Efímera. 28/05/2016 de 10:00 a 15:00 y de 16:30 a 21:00 h C\ Azorín, 20, Cobeña, Madrid. www.feriadearteenmicasa.com #FAC2016 prensa@feriadearteenmicasa.com El artista David Heras Verde realiza la segunda edición de la “Feria de Arte en mi Casa”, un proyecto colectivo y multidisciplinar que reúne más de 15 propuestas artísticas el sábado 28 de mayo. FAC presenta un planteamiento expositivo sugerente, poco convencional en la actualidad y alejado de los clásicos espacios de ferias, galerías y museos. A lo largo de las diferentes plantas de la residencia del artista, los visi tantes irán descubriendo las piezas y podrán charlar directamente con los artistas, quienes estarán presentes el día de la celebración de la Feria. La creación artística invade durante tan sólo un día todos los recovecos de la casa de un artista: esto es FAC. Una locura entre broma y veras, una osadía quizá que se vuelve a repetir pero, por encima de todo, un proyecto inspirador cuyo objetivo principal se fundamenta en el deseo de aproximar realmente el arte contemporáneo a las personas y con ello, sino reventar, al menos rasgar las costuras del disfraz del cerrado circuito artístico. Bajo el formato expositivo y el programa de comisariado diseñados, cómplices entusiastas se convierten los artistas participantes: Javier Ayuso, David Delgado, Julio Fálagan, el propio David Heras, Antonio Labella, José Luis López Moral, Patricia Mateo, los creadores moversinmover, Santiago Pani, Carlota Pereiro Cendón, Luis Pérez Calvo, el comisariado de El Pez Globo, Rubén Rodrigo Silguero y Anthony Stark. Las habitaciones, el salón, la cocina, los baños, el hall, el garaje-taller, las escaleras y los pasillos serán, así, campos que activarán todo tipo de situaciones, reflexiones y placeres generados por las intervenciones artísticas. Se presentarán distintas actitudes ante el hecho creativo a través de muchos lenguajes, cada uno en busca de sus investigaciones, reflejo de sus inquietudes, vivencias o compromisos, conformando una suerte de diálogo simultáneo dentro un marco experimental desenfadado. Asimismo, será un foco de conocimiento y una oportunidad única para conocer a todos los artistas. Esta feria declara franca y sorprendentemente su afán por difundir el arte; podría decirse incluso que FAC lo grita: el arte hace más habitable este mundo. Un proyecto dirigido por David Heras Dirección de Comisariado: David Heras y Sara Zambrana Marketing y Comunicación: David Delgado y Sara Zambrana Dirección técnica: Juan José Rodriguez Soler Contacto: prensa@feriadearteenmicasa.com

MUSICA: JOREM BOUBLES. GHOST WORLD

 

MUSICA : SOULSSAVERS. DAX. KUBRIK

ENTREVISTA: ANGEL RUEDA

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FESTIVAL SUPER 9. CORUÑA

 El (S8) Mostra de Cinema Periférico celebra del 1 al 5 de junio su séptima edición. Una edición especial bajo el nombre de “Los nuevos impresionistas” que reunirá a reconocidos cineastas como el canadiense Stephen Broomer y el francés Jacques Perconte, artista del ‘glitch’, que presentará una ‘performance’ con música en directo y una exposición de su obra. Asimismo, el festival presentará una panorámica que incluye los nuevos trabajos de artistas internacionales en torno a la idea del impresionismo en el cine y un programa histórico dedicado a la cineasta, teórica y crítica Germaine Dulac.

La séptima edición del festival arrancará con un cine-concierto a modo de gala inaugural el 30 de mayo en el Teatro Rosalía de Castro (A Coruña) en el que se podrá ver la copia restaurada de ‘El acorazado Potemkin’. La proyección de la obra maestra de Sergei M. Eisenstein y piedra angular de la modernidad del montaje cinematográfico será sonorizada en directo por el estadounidense Chris Jarrett, autor de una partitura original inspirada en la película.

LOS NUEVOS IMPRESIONISTAS

“Impresionista”: en su origen, esta palabra fue un término despectivo acuñado por un crítico de arte para descalificar el trabajo de Monet. Es improbable que el crítico imaginara que este sería el nombre adoptado para hablar de una de las corrientes pictóricas más revolucionarias de la historia, que dejó atrás la imitación de la vida y de las formas para intentar capturar, en su pureza, la luz con sus pinceles. “Los nuevos impresionistas” es el nombre con el que este año el (S8) bautiza su edición especial, en la que confluyen cineastas (emergentes y veteranos) para los que la experimentación con la luz y las cualidades pictóricas del cine es esencial. Investigando los límites de la percepción sensorial y de la subjetividad, este grupo de cineastas firman algunas de las obras visualmente más estimulantes de los últimos años.

Es el caso de Jacques Perconte, uno de los artistas franceses más solicitados de la actualidad, que trae al (S8) una exposición, una performance sonorizada en directo y el estreno internacional de su último film, Save my Heart from the World. Utilizando el vídeo digital y explotando todas las posibilidades plásticas del llamado glitch (es decir, las alteraciones de la imagen causadas por la manipulación del código), Perconte abre puertas a paisajes imposibles de colores y formas insólitas. (S8) 7ª Mostra Internacional de Cinema Periférico www.s8cinema.com · info@s8cinema.com 4

Este artista y cineasta francés, cuya obra se ha podido ver en las más prestigiosas galerías, instituciones y festivales del mundo, ha colaborado con artistas como Leos Carax (en Holy Motors), Jean-Benoît Dunckel (integrante del grupo de música de vanguardia Air) y Jeff Mills.

También visita por primera vez España Stephen Broomer, joven y, sin embargo, ya consagrado cineasta, conservador y téorico canadiense. Broomer, cuyas películas se han podido ver en Views from the Avant-Garde (New York Film Festival), la sección Wavelengths del Festival de Toronto y la Berlinale, traerá a Coruña sus trabajos en 16mm. Películas en las que los colores y las texturas evocan el trabajo de los primigenios impresionistas, en una búsqueda formal cuyo embriagador resultado lo acerca también a los autores más abstractos dentro de esta corriente.

El apartado dedicado al impresionismo se completa con una selección de trabajos recientes de artistas internacionales como los estadounidenses Jodie Mack y Robert Todd, el argentino Pablo Mazzolo, los canadienses John Price, Alexandre Larose y Eva Kolcze o la británica Charlotte Pryce. El (S8) también ofrecerá una sesión dedicada a Germaine Dulac, pionera del cine y parte de la corriente vanguardista de los años 20 designada como “impresionistas franceses”, a la que también pertenecieron Jean Epstein, Louis Delluc y Abel Gance. El trabajo de Dulac se proyectará en formato fílmico, contando con las recientes restauraciones en 35mm de Étude Cinématographique sur une Arabesque y Thèmes et Variations.

Pintura: ‘Impression, soleil levant’, óleo, Claude Monet (1872) Película: ‘Spirits in Season’, 16mm, Stephen Broomer (2013)

CINE-CONCIERTO: EL ACORAZADO POTEMKIN

Esta nueva edición del (S8) arrancará el 30 de mayo en el Teatro Rosalía de Castro (A Coruña), como cada año, con una gala de inauguración en forma de cine-concierto que recupera algunas de las obras claves del cine mudo. En este caso, se trata de El acorazado Potemkin del maestro Sergei M. Eisenstein. El festival proyectará la copia restaurada por el Filmmuseum Berlin-Deutsche Kinematek. Se trata de la versión más apegada a la obra original estrenada en 1925, más completa incluso que aquella exhibida durante la década de los ochenta en el MoMa o el British Film Institute, incluyendo planos olvidados tras la censura alemana de los años 20 y recuperando los intertítulos y tamaño de encuadre originales.

La proyección será sonorizada en directo por el pianista Chris Jarrett, autor de una partitura original inspirada en la obra de Eisenstein. Tomando en cuenta el tema del filme, la rebelión rusa de 1905, Jarrett compone una banda sonora completamente libre y parcialmente improvisada para resaltar el mensaje anti-militarista planteado en la película. Su música, más que un acompañamiento, es un comentario personal dirigido a la defensa de los que fueron (y son) políticamente maltratados y oprimidos.

Chris Jarrett es hermano de Keith Jarrett, uno de los músicos de jazz vivos más influyentes a día de hoy. Su estilo se define por la mezcla equilibrada del riff jazzístico y una marcada predilección por la música clásica. Compositor de vocación, Chris Jarrett fue discípulo del reconocido pianista austríaco Vincenz Ruzicka y estudiante de la mítica pedagoga y compositora ucraniana Rosina Lhevinne. En la actualidad alterna sus actuaciones como solista con sus giras acompañando a la violinista Luca Ciarla y al cuarteto Four Free.

MUSICA : YAN PECHIN. SAVE MY HEART FROM THE WORLD.

 

 

MUSICA : APPELSCAL. AIRPORTS

ENTREVISTA:  PEPE FRISUELAS. ENTREFOTOS. 

Entrefotos

Los fotógrafos, noveles y consagrados, pueden apuntarse hasta el 13 de junio

Abierto el plazo de inscripción para participar en entreFotos 2016, que cumple 18 años

  • El encuentro, el veterano de fotografía de la capital y referencia nacional de la imagen de autor, se celebrará esta vez en el mes de diciembre
  • 35 artistas serán elegidos por un comité seleccionador independiente en base al portfolio presentado de forma presencial o en formato digital

entreFotos, la feria de fotografía veterana de la capital, alcanza en 2016 su mayoría de edad y la organización ha abierto el plazo de inscripción para participar en esta edición. Hasta el próximo 13 de junio los fotógrafos, tanto emergentes como consolidados, nacionales o internacionales, pueden apuntarse en este encuentro convertido, desde hace años, en una referencia de la fotografía de autor en España y que tiene la peculiaridad de que es la primera feria sin intermediarios; son los propios creadores los exponen y explican sus obras al público. La XVIII edición de entreFotos se celebrará en esta ocasión a principios de diciembre en su habitual espacio de la Casa del Reloj del Matadero de Madrid.

Los autores interesados en formar parte de esta clásica cita del otoño pueden presentar sus portfolios, compuestos de 15-20 fotografías, de forma presencial en la sede de la asociación entreFotos (Prudencio Álvaro, 41, Madrid), o en formato digital a través de un link de descarga (presidente@entrefotos.net). Asimismo, deberán adjuntar la ficha de inscripción (www.entrefotosferia.com).

 

CONTRAPORTADA:  SOLIST. AI TI M.  DEL ALBUM THE STEAM AGE.

Rosa Pérez   20.may.2016 09:01    

Warhol

    viernes 13.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 16.05.16

 

 

 

PORTADA. KSENIA KAMIKAZA. WONDERFUL WORLD (KINIL BAGUS REMIX)

Kseniakamikaza

Ksenia Kamikaza es de Riga. Dj, presentadora de radio, fundadora del sello  'Platz für Tanz' . Comenzó  con un estilo sofisticado y oscuro de musica de baile y ha ido ampliado su propuesta sonora hacia terrenos más melódicos . Su estilo abarca un amplio panorama musical que va del jazz al IDM, pasando por la música lounge el tecno o el el house.

Hace unos años decidió que era hora de hacer producciones por si misma

Su ultimo disco Japanese Georgians fue publicado el pasado año y ahora lanza una versión remezclada.

Además participa en las actividades Off Sonar en el Born. En Barcelona.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.davidrocaberti.com

MUSICA: BROKEN FABIOLA. SILVERS BLIND

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David Rocaberti estudió sociología y aprovechó el tiempo haciendo un curso en la escuela de fotografía EFTI donde definió lo que iba a ser su carrera como fotógrafo.

La obra de este madrileño fascina por su fuerza visual y su valor artístico, gracias una habilidad en atrapar con el disparador lo excepcional en la vida cotidiana, invitándonos a realizar una visualización de lo que nos rodea de forma diferente.

MUSICA: TOMISLAV. TEADROP SPIN

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Detrás de las fotografías de David Rocaberti, hay un cuidadoso trabajo que va más allá, evitando cualquier tipo de modificación o retoque, adaptando lo natural a su particular forma de ver el mundo. Siempre alerta su cámara alcanza a ver lo que otros no pueden, atrapando delicadas escenas a través de su especial mirada.

MUSICA: MATHIAS STUBO. OP I LUFTA

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David   Rocaberti se defini como coleccionista de luz selectiva, cuyo objetivo es transmitir sensaciones, haciendo tangible y material la fugacidad de las imágenes. Fascinado por la capacidad que tiene la fotografía de arrancar un instante del devenir de los tiempos. Se trata, en definitiva, de congelar en una fracción de segundo momentos únicos llamados a perpetuarse y asimismo, que sea el fotógrafo el que tenga el maravilloso privilegio  de decidir que sea ése mismo momento y no ningún otro, el que quiere conservar para la eternidad

MUSICA: ZELLER. ORBITAL.

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Paisaje habitado, es el título de la exposición que David Rocaberti acaba de inaugurar en el Palacio de Pimentel de Valladolid, donde la luz, los personajes y todos los demás factores compositivos juegan un papel fundamental en la elección de ese fragmento de tiempo que quedará guardado para siempre gracias a la cámara de Rocaberti. Se podrá ver hasta el 10 de junio.

 

MUSICA: BRUCE BRUBAKER. METAMORPHOSIS (PLAID REMIX)

ENTREVISTA.  SEMIRAMIS GONZALEZ.

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EN LO SALVAJE

Una exposición comisariada por Semíramis González. Dentro del ciclo de exposiciones Bienvenido Comisario.


Miren Pastor, Elena Fernández Prada, Cristina Ferrández, Ángela Losa, Lucía Antebi.

“En lo salvaje” se plantea como un diálogo transversal entre los trabajos de cinco artistas distintas, con intereses diferentes y formatos diversos, pero con algunas líneas de reflexión en común. Esta exposición presenta los trabajos de 

Elena Fernández Prada, Cristina Ferrández, Ángela Losa, Miren Pastor y Lucía Antebi para pensar en torno a ideas como lo natural y lo humano, la construcción y la esencia. “En lo salvaje” es una exposición para reflexionar sobre la naturaleza como espacio simbólico para el crecimiento; de un lugar como rito de paso en la transformación del ser humano, y en cómo lo humano, parapetado bajo la rigidez de las normas, los roles y los estereotipos, puede subvertir todo esto volviendo al origen.

Tradicionalmente se ha opuesto lo natural y lo racional considerando al primero el espacio de lo mágico, de la superstición, de las posibilidades misteriosas, de la brujería. Ese espacio indeterminado del bosque y del paisaje no controlado por el hombre es, también, parte de lo que el ser humano es sin ataduras, sin la norma establecida por la razón.

Esta exposición traza un recorrido entre lo más salvaje del ser humano pasando por los cambios que este sufre a lo largo de su vida, en consonancia con el propio paisaje, para terminar en lo que de humano hay en la naturaleza y en la necesidad de preservarla ante la destrucción industrial. Cinco discursos diferentes para hablar, al final, de la existencia misma.

LA PUNTUAL. Sant Cugat del Vallés

lapuntual.org

 

MUSICA: ELLIOTT MOSS. BEST LIGHT

 

MUSICA. JOHN CALE & LOU REED. FACES AND NAMES. SONGS FOR DRELLA.

 

ENTREVISTA : Boyer Tresaco, comisario 

Galería Theredoom. Madrid.

ANDY WARHOL “Todo empezó así...” del 7 de mayo – 30 de julio 2016

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Mao, el mayor asesino de la historia -se le atribuyen más muertes que a Stalin, Hitler y Pol Pot juntos-, convertido en un osito de peluche, un viejecito gordito con cara de simpático bonachón pintado con vistosos colores… Esta última es la percepción visual, y en muchos casos también la percepción emocional, que las nuevas generaciones tienen de semejante ser:

“Este es el poder de Warhol”.

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Andy Warhol, (1928-1987), se dedicó a convertirse en mito, transformando en mito, a los que ya eran mito, sin duda con increíble acierto. Repetir hasta el infinito, que no hasta la saciedad, los rostros de Marilyn, Jacqueline, Elvis, Deam, Mao, y un amplio y conocido elenco, objetos incluidos.

Fantástico Warhol, seguramente el artista más reproducido de la historia, que consigue mediante un bucle sin fin, conseguir lo conseguido a base de reconseguirlo… una y otra vez.

Antes de ello, sin duda construyó sus propios cimientos; dibujó y pintó piezas únicas, obras en las que la repetición, litográfica, serigráfica o grabada, no hizo mella; y es allí, expresamente allí, donde nos hemos centrado en esta exposición; en esas piezas únicas.

“Así empezó todo” reúne pinturas y dibujos realizados en la década de los años cincuenta, con diferentes técnicas: tinta, lápiz, acuarela, gouache… 

Muchas de ellas expuestas en Gagosian Gállery, N.Y.; Robert Miller, N.Y.;

Paul Kasmin, N.Y.

Incluimos también en la muestra obras en las que ya se adivina y en algunas se manifiesta (años 80), esa tendencia a la reiteración y a la búsqueda del mito que acabaría definiendo la carrera del artista.

 

Musica: JOHN CALE & LOU REED. SMALL TOWN

 

Entrevista: Javier Panera, COMISARIO

All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987) MUSAC. LEÓN. SALA 3 7 de mayo, 2016 - 4 de septiembre, 2016 

Comisariado: F. Javier Panera 

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All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987) traza una genealogía de las relaciones entre el arte y la música popular de la segunda mitad del siglo XX a través de más de doscientas piezas, incluyendo portadas de discos, libros, revistas, carteles, fotografías, serigrafías, dibujos, películas, videoinstalaciones, screen tests, videoclips musicales y diversos objetos y documentos relacionados con el universo artístico de Warhol a lo largo de casi cuatro décadas.

El punto de partida para esta exposición es un aspecto de la producción artística de Andy Warhol (Pittsburgh, EE.UU., 1928 – Nueva York, EE.UU., 1987) que hasta no hace mucho tiempo se consideraba marginal: su aportación a la historia del diseño gráfico musical a través de las portadas de discos. Andy Warhol realizó entre 1949 y 1987 más de 60 portadas para discos de 33 y 45 RPM de todos los géneros musicales. El diseño gráfico musical fue una actividad que le acompañó a lo largo de toda su carrera, desde su juventud —su primer diseño data de 1949, cuando tenía tan solo veintiún años y aún no era reconocido como artista—, hasta la plena madurez. En sus últimos meses de vida, entre 1986 y 1987, realizó portadas de discos para artistas de la talla de John Lennon, Aretha Franklin o Debbie Harry. Analizando estos diseños se revela que en muchas de estas portadas se anticipan soluciones formales e iconográficas que Warhol incorporaría posteriormente a su producción pictórica y cinematográfica, lo que les dota de especial valor para los investigadores y plantea lecturas transversales de su trabajo.

A través de estas portadas se podría escribir una historia de los gustos musicales en Estados Unidos desde la posguerra hasta el último tercio de la década de los ochenta, abarcando la música clásica, la ópera y el ballet, y pasando por el jazz, el minimalismo, la música experimental, el rock, el pop, el soul, la música disco, el punk o la new wave.

All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y Vinilos (1949-1987) intenta demostrar que la música —y particularmente la música pop— fue uno de los sustratos emocionales, iconográficos y conceptuales sobre los que se construyó la producción artística del padre del pop art. Un componente, a veces invisible, pero esencial para entender su proceso creativo y algunos de los más significativos ejes temáticos de su trabajo.

De la apropiación y la seriación —nacidas bajo la influencia de músicos como John Cage y LaMonte Young a principios de los años sesenta— a la puesta al día del concepto wagneriano de “obra de arte total” —materializado en espectáculos multimedia pioneros como Exploding Plastic Inevitable, con The Velvet Underground—; del culto a las celebridades —plasmado en sus retratos de estrellas del pop y el rock como Mick Jagger, Diana Ross o Debbie Harry— a su activa participación en medios de comunicación vinculados de modo directo o colateral a la industria musical, a través de proyectos editoriales como la revista Interview, la dirección y producción de videoclips para bandas de los ochenta —como The Cars o Curiosity Killed The Cat— o innovadores programas de televisión, como Fifteen Minutes para la cadena de televisión por cable MTV.

Al igual que otros artistas coetáneos, como Ray Johnson, Richard Hamilton o Peter Blake, Andy Warhol forma parte de la primera generación de artistas que se educaron desde su juventud escuchando música pop y rock. Wahrol es también uno de los primeros en incorporar a las estrellas del rock a la iconografía de sus cuadros. Así, el retrato de Elvis Presley ya aparece en sus primeras serigrafías de 1962. Pero Warhol demostró a lo largo de su carrera una vasta cultura musical que abarca tanto la ópera wagneriana o el musical hollywoodiense, como la música de vanguardia o la música pop. De Elvis Presley a Maria Callas, de John Cage a The Velvet Underground y de Count Basie a Michael Jackson, pasando por iconos como Nico, Mick Jagger, John Lennon o Debbie Harry, una de sus últimas musas.

La exposición está estructurada en varios ejes temáticos ordenados cronológicamente que se entrecruzan a fin de dar una visión lo más completa posible del papel jugado por la música en el proceso creativo de Andy Warhol. En cada capítulo, las portadas de discos se exhiben junto obras sobre diferentes soportes —fotografías, dibujos, serigrafías, carteles, películas, videoinstalaciones— del propio Warhol y de artistas que colaboraron con él en diferentes periodos de su carrera como Ronald Nameth, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Hervé Gloaguen, Richard Bernstein o Dan Munroe, y que permiten comprender el modo en que el diseño gráfico musical y la producción plástica de este artista se retroalimentaron en los momentos más significativos de su vida.

MUSICA:  KHORAL MERCENARIES

 

MUSICA: DALHOUS.  SHE WAS HUMAN

ENTREVISTA:  CHUS MARTINEZ DOMINGUEZ. COMISARIA

Mónica Cabo : There Will Be a Sea Battle Tomorrow. PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto Ciclo de exposiciones comisariado por Chus Martínez Domínguez

Fechas   29 abril – 26 junio 2016 .   Anexo [vestíbulo principal]  MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo. 

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PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto

Ciclo de exposiciones comisariado por Chus Martínez Domínguez

Lugar: Anexo (vestíbulo principal)

A partir del 29 de abril se estrena un nuevo ciclo expositivo en el Anexo del MARCO, un lugar que desde 2015 se convirtió en sala de proyectos. Siguiendo uno de los signos distintivos del MARCO, la línea de programación del Anexo pone especial énfasis en la producción propia, tanto en lo que se refiere a las obras en sí —nuevas producciones realizadas específicamente para este espacio— como al comisariado —ciclos de exposiciones con periodicidad anual. En esta ocasión, y a lo largo de 2016, la crítica de arte y comisaria Chus Martínez Domínguez presenta el ciclo ‘PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto’.

Tomando como punto de partida las circunstancias y realidades problemáticas que se producen en la interacción entre las artistas y el sistema del arte, este ciclo plantea, a través de cuatro proyectos específicos, diferentes cuestiones de la teoría y la práctica artística, concretando las investigaciones, conceptos y poéticas sobre las que giran los trabajos de cada una de las participantes.

Un programa articulado en las propuestas de Mónica Cabo (Oviedo, 1978), Pascuala Campos de Michelena/Ana Gallego Palacios (Jaén, 1938/Cáceres, 1975), Xisela Franco (Vigo, 1978) y Elena Blasco (Madrid, 1950), creadoras de distintas generaciones procedentes de las artes visuales, la arquitectura y el audiovisual, que tejerán relatos y acciones particulares en torno a la representación, la identidad, la política y el territorio, desde una perspectiva no exenta de humor y crítica, de subversión y memoria. Apenas algunas cuestiones de un largo discurso sobre el trabajo de las artistas que siempre parece dispuesto, o impuesto, en un estadio inacabado, en construcción y reivindicado.

El Anexo del MARCO se convierte en metáfora idónea de los espacios en los que demasiadas veces operan las creadoras; en los márgenes, en la resistencia, en los recovecos del sistema. Este proyecto, sin embargo, quiere volver a preguntar e insistir en esos lugares, transformarlos en relatos guionizados por las propias artistas, enfrentándose a ellos como un escenario en el que proponer nuevas realidades, reaccionando frente a aquellas circunstancias que las limitan, condicionan y vulneran. Reflexiones transversales en forma de acciones desde una actualidad en la que la cuestión de género sigue siendo problemática.

 

Mónica Cabo

There Will Be a Sea Battle Tomorrow

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Mónica Cabo se fija en la normalidad. No en cualquiera; en aquella que resulta peligrosa por su planteamiento. La artista sospecha de los modos en los que codificamos, agrupamos y valoramos la vida. La suya y la del resto. Paradoja sistemática con la que aproximarnos a la realidad, siempre escudriñándola para reducir cualquier forma de incertidumbre; etiquetando nuestros deseos, comportamientos y rutinas. Una relación de compartimentos estancos favorecidos por una escenografía que a la artista le resulta tan problemática como determinante y atractiva de cara a la activación del arte.

Sus obras logran alcanzar al espectador. Lo introducen en un juego subversivo, para forzarlo a encarar sus conflictos lejos de la coherencia de su experiencia en el mundo, desembocando en una nueva perturbación. El proyecto específico para el MARCO propone una tesis estructurada alrededor de cuestiones coincidentes en trabajos anteriores —integradores de experiencias políticas y sociales, lúdicas, sexuales e identitarias— que, sin embargo, obligan a interpretarlas ahora desde un lugar complementario.

There Will Be a Sea Battle Tomorrow toma su título de una proposición de Aristóteles sobre el futuro contingente: “mañana habrá una batalla naval/mañana no habrá una batalla naval” a partir del cual, la artista crea un sugerente paisaje alrededor de la idea de posibilidad. De este modo, la ilusión se vuelve a colar en su trabajo como concepto, pero en esta ocasión más próxima a la fatalidad. El Anexo se anega de necesidad pero nada en él es necesario. Articulan el espacio cuatro piezas que existen en una eventualidad que actúa fuera, contra y desde cada objeto. La escultura, una bicicleta ensimismada en su duplicidad especular; el vídeo con la escena de un secador colgado de su cable que golpea de lado a lado cuando se activa; el andamio, instalado sobre pequeñas peanas de madera, sirve de cuerpo para colgar un pañuelo de tela.

Cuatro obras con las que logra crear un presente accidental que increpa al futuro. ¿Ciertamente éste tendrá lugar? La respuesta parece angustiosamente lejana, abstracta en el circunstancial aislamiento de las representaciones; golpeando en el ilógico cuerpo de la bicicleta, en la repetición del imprevisible secador, en la erótica del pañuelo, en la inactividad del andamio, con el fin de desencadenar una serie de asociaciones en confrontación. Ser inquietantes, imperfectos, simbólicamente negros, irónicos con el propio espacio. El relato se asimila desde la certeza y la simulación, quizás entendido como metáfora del sistema del arte. También de la propia artista autorretratada en el inquietante vídeo Self Portrait (2013); trasponiendo su propio cuerpo colgado de un hilo, en riesgo.

La exposición alterna momentos de dinamismo y de quietud que sitúan al público en un estado de ansiedad y de extrañeza frente a lo anómalo/desconocido, con la inestabilidad y la tensión propias de una acción que no existe más allá del propio gesto en que se realiza: igual que acontece con el sexo, con el género, con una discusión, con el acto creativo. Mide estructuras ambiguas e imprevisibles. Piezas que añaden un cierto humor a situaciones cotidianas, que se ensayan y se representan para revelar la conexión de mundos distanciados, en las que la cuestión de género sigue siendo el telón de fondo como metáfora política de cualquier práctica generada fuera de la línea marcada como “normal”.

Esta muestra en el MARCO será su sexta exposición individual. En la primera de ellas, Ridy tu pley (Sala Alterarte, 2006) Mónica Cabo hizo una declaración de intenciones, advirtiendo que estaba preparada para jugar. Por suerte, desde entonces no ha dejado de hacerlo. Ha contribuido de manera excepcional a desarrollar un discurso activo y renovado en las artes visuales desde la perspectiva de género, tomando prestados los símbolos y procedimientos de la teoría queer. Situada desde y frente a lo que está en el margen, en los bordes de lo legitimado, de lo correcto, de lo bueno y de lo homogéneo. De la singularidad y talento de su trabajo es testigo esta muestra.

Chus Martínez Domínguez

Sobre la artista

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, Mónica Cabo (Oviedo, 1978) vive y trabaja en Barcelona. Ha recibido varios premios y reconocimientos como la Beca Taller de creación Fabra i Coat, San Andreu Contemporani, Barcelona (2013); 1º Premio de Artes Plásticas del Principado de Asturias (2012); y Bolsa San Martín Pinario para la producción de obra artística, Xunta de Galicia (2005).

Entre sus exposiciones y proyectos individuales destacan: Crossover (Sala Borrón, Oviedo, 2013); A Justine (Espacio In situ, Fundación Granell, Santiago de Compostela, 2009); Una pieza para tu mundo… (Sala LAI. Gijón, 2008); Safe Word (DF Galería de arte contemporáneo, Santiago de Compostela, 2007); Ridy tu pley (Sala Alterarte, Campus de Ourense, Universidad de Vigo, 2006).

Entre 2005 y 2016 participó en varias muestras colectivas en centros e instituciones como Museo Provincial de Lugo, Sant Andreu Contemporani (Barcelona), MUSAC (León), Fundación Luis Seoane (A Coruña), Blissland Gallery (Berlín), Sala Espacio AV (Murcia), MACUF (A Coruña), Espacio Menosuno (Madrid), Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), DF Galería (Santiago de Compostela), Museum Kloster Asbach (Alemania), Museo Miquel Casablancas (Barcelona).

 

PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto

Programación y calendario

Mónica Cabo

29 abril – 26 junio 2016

Pascuala Campos de Michelena/Ana Gallego Palacios

8 julio – 11 septiembre 2016

Xisela Franco

23 septiembre – 20 noviembre 2016

Elena Blasco

2 diciembre 2016 – 26 febrero 2017

Sobre la comisaria

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela, Chus Martínez Domínguez (Tui, 1976) es especialista en artes visuales contemporáneas. En su actividad profesional destaca su labor como crítica de arte, siendo colaboradora habitual del suplemento cultural Babelia del diario El País y de la revista Tempos Novos, además de haber colaborado en otras publicaciones especializadas gallegas y estatales, como ArtNotes, Arte y Parte y Artecontexto. Es autora de textos y ensayos de investigación en el ámbito de la creación contemporánea y de la mujer en el sistema del arte, participando en diferentes proyectos de investigación, catálogos y ensayos de instituciones públicas e privadas como el Centro Galego de Arte Contemporánea, Consello da Cultura Galega, Museo Barjola de Gijón, Diputación de Ourense, Diputación de Lugo, Universidad de Vigo, Universidad de Santiago o Universidad de A Coruña. Ejerce como comisaria independiente de exposiciones, experiencia que tuvo como resultado muestras en el CGAC, Auditorio de Galicia, Sala Alterarte y Casa da Parra, entre otras. Destaca su labor como coordinadora del espacio www.espazodocumental.net (CGAC, 2008), un sitio web pionero dedicado a artistas gallegos y editora de la publicación homónima que dio como resultado espazodocumental.net. Pertenece desde 2012 a la Sección de Creación y Artes Visuales Contemporáneas do Consello da Cultura Galega, en Santiago de Compostela.

 

MUSICA: BACHAR MAR KHALIFE. BALCOON

 

CONTRAPORTADA:  KSENIA KAMIKAZA. DD1

Rosa Pérez   13.may.2016 11:02    

COLLAGE CONTEMPORÁNEO

    viernes 6.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 09.05.16

 

 

PORTADA: murkof & Wagner. GNOSIEENNE 3. ERIK SATIE. MURCOF VERSION

MURCOF& WAGNER

Murcof  construye loops y texturas sonoras, mientras que Vanessa Wagner toca el piano a tiempo real llevándonos desde la electrónica ambiental a la clásica contemporánea. Ep01, es un disco intemporal en el que ambos músicos interpretan piezas del compositor Erik Satie  asi como de David Moore, aportando una nuevo perspectiva a su música y adelantando un álbum que se editará a través del sello francés Infiné.

CAFÉ VIRTUAL: http://gajicamra.tumblr.com/

Musica: SAMARIS. HRAFNINN

MARA GAJIC1

Las fotografías de Mara Gajic son el mejor  engaño. A primera vista parecen agradables, casi alegres, con un saldo de composición positivo de estética cercano a los libros de texto. Sus fotografías se presentan limpias. Pero en una segunda mirada,la tristeza se cuela.

MUSICA: RONE. MEMORY

MARA GAJIC2

Mara Gajic acaba de terminar sus estudios en  la Universidad OCAD, donde se ha graduado en fotografía. Su trabajo explora narrativas abiertas de auto-construcción, donde propone una lectura de la psicología personal y el espacio silencioso entre la imaginación y la realidad. A menudo, usándose a sí misma como protagonista del objetivo de su cámara, imponiendo nuevas realidades a través de la realización de una función performativa para comunicar estados personales e iniciar un diálogo tácito entre el espectador y el artista.

MUSICA: ARURE. SENSUAL LIQUID

MARA GAJIC3

Las fotografías de Gajic son como de cristal, comprometidas  con la perfección,

La artista emergente con sede en Toronto a menudo utiliza su propia forma delante de la cámara. En su serie Bounderies, su último trabajo, Gajic capta las fronteras estériles que construimos entre nuestros vecinos y nosotros mismos.

MUSICA:LAPALUX. DON´T MEAN A THING

MARA GAJIC4

Pues hasta aquí la sesión para conocer la obra de esta joven realidad de la fotografía Canadiense. Sus fotografías muestran estados personales de ánimo a través de narrativas visuales buscando la complicidad con el espectador. Mara Gajic acaba de iniciar su carrera fotográfica con fuerte impacto, asi que abrá que seguir de cerca sus movimientos.

 

MUSICA: GISELA FRICK. RAINDROP LULLABY

 

 

El escultor murciano Lidó Rico presenta en el Rectorado de la Universidad de Murcia la exposición 'The Wedding' Reflexiona sobre la importancia de las buenas experiencias en la lucha contra el Alzheimer

La exposición forma parte del proyecto 'Genoarquitecturas', fruto de la colaboración iniciada hace dos años por el artista murciano con el neurofisiólogo Kuei Y. Tseng, profesor del Departamento de Farmacología Celular y Molecular de la Universidad de Chicago, y con el neurobiólogo José Luis Ferrán, profesor del Departamento de Anatomía y Psicobiología de la Universidad de Murcia. Lidó Rico ha realizado una serie de Neuroesculturas obtenidas a partir de varios cerebros humanos reales, con las que el autor establece una nueva visión sobre nuestra maquinaria de pensamiento, según informaron fuentes de la institución docente en un comunicado. Rico considera de vital importancia la función activa y social que debe desempeñar el arte como vehículo de conocimiento, de aquí el especial interés de que una de sus obras vaya destinada a la Facultad de Medicina. Lidó Rico habló, en su presentación de la misión actual del artista, que a su parecer debe ser "interconectar diversas disciplinas", y afirmó que "el arte siempre ha visto el cerebro de lejos, desde un punto de vista paisajista, pero a mí me interesa la realidad" "no busco la estética, sino el hombre". " la Universidad tiene un papel definitivo para el desarrollo del hombre, es la empresa que reparte el conocimiento", ha añadido

 

 Los recuerdos como experiencias de vida 'The Wedding' pretende hacer reflexionar sobre la importancia de acumular buenas experiencias, ya que éstas se guardan en nuestro cerebro y contribuyen a las decisiones cotidianas que toma nuestra mente. Según relata Lidó Rico, las experiencias vitales, ingresan en el cerebro como un dato que se almacena a nivel de sinapsis neuronales.En la exposición, Lidó Rico despliega una serie de recursos, tanto plásticos como sonoros, que hacen viajar al visitante a la exposición a través del tiempo y de nuestra memoria. Psicólogos y personas relevantes de la vida pública prestan su voz, junto a otras anónimas, para relatar su experiencia con el Alzheimer. A ello se unen testimonios, canciones, fragmentos de diálogos y bandas sonoras de películas, juramentos, discursos y noticias que han marcado la historia. "Un collage sonoro pretende concienciarnos sobre cómo está construida nuestra memoria.

The Wedding’ nos ayuda a replantearnos el Alzheimer como un problema grave y latente en nuestra sociedad. El escultor sumerge al espectador en un viaje sensorial que rompe todas las barreras y distancias haciéndonos tomar conciencia de las conexiones que nos unen a la realidad, frente a la frecuentemente inconsciente fragilidad humana. Exposición abierta en la Sala La Capilla, Edificio Convalecencia, Rectorado de la Universidad de Murcia, hasta el 24 de junio de 2016.

MUSICA: BACHAR MAR KHALIFÉ . maree noire

pRÓXIMA ACTUACIÓN: 19 de julio. Color Café. Polideportivo Sallent de Gallego.  Pirineos Sur.

 

MUSICA : POSTMAN. BAD BLOOD

 

www.angelgarciaroldan.es

https:/www.facebook.com/angelgarciaroldan.arte

Espacio iicono

C/Santa Barbara. nº4.

  1. Granada.

www.iicono.es

Del 16 de abril hasta el 20 de mayo. 2016

Tote Kojoten1

¿Cuantos ‘yo’ perseguimos tras la muerte del coyote?

No somos partidarios de la desaparición porque siempre hay un paraíso que nos atrapa.

Las imágenes de la serie Tote Kojoten (Coyote muerto), nos ofrecen desde el espacio del realismo, la tragedia e

ironía del sacrificio. Cuestionan la evidencia de un rostro deformado para acceder desde él a la evidencia de una

estrategia del rapto y su consecuencia más dramática: El Ecce Homo contemporáneo.

Nos situamos ante el instinto ciego y mecánico del Pathos en la supervivencia. Ese animal que habitamos niega

cualquier suerte de conciencia y de espiritualidad. Donde la realidad es el desenlace físico de cualquier presión

manifestada a través de la sangre o su simulacro: El destino del coyote es su muerte en la cuneta de cualquier carretera.

El carácter performativo de estas imágenes seducen al mismo tiempo que ofrecen la sospecha del artificio: Nada

es real salvo en el instante justo de su transformación. Cuando me planteo una fotografía en la que me voy a

situar a ambos lados de la cámara, necesito despojarme de todos los atributos e ideas que puedan conducirme

a controlar la propia situación. Por eso prescindo del artilugio y solo me muestro, o más bien me presento

intentando escapar a la idea de ser representado. No actúo, solo me dejo llevar por la acción de lo físico.

Mi cuerpo, mi rostro, es acorralado ante los límites necesarios que consensúan lo que podríamos denominar

como una ‘realidad auténtica’. A pesar de ello sigo pensando que cualquier acto humilde de fotografiarme, se

convierte finalmente en una farsa, porque las certezas son tan intangibles que cuando me veo como un otro ya

no puedo considerar propia mi verdadera imagen.

Como ante las imágenes de cualquier depredador, la serie Tote Kojoten plantea esa interrogante: la del personaje, la de su

acción, su situación y como deseo dominarlo: capturándolo en su máxima expresión y la exageración de su movimiento.

¿Qué es lo que sucede?¿Porqué tanto dolor? ¿Para qué tanto sufrimiento?

 

MUSICA: KHORAL. MERCENARIES (JOHN CALE)

 

MUSICA: ANDREA PARKER. MEOLOIOUS THUNK

LAATOMICA

INTERNATIONAL WEIRD COLLAGE SHOW . En La Atómica, C/Constitución,8 2ºD · Valladolid.

Tras pasar por ciudades como New York, Berlín, Montreal, Barcelona

o Madrid, entre otras, The Weird Show trae a Valladolid el

International Weird Collage Show, la exposición colectiva de collage

itinerante más importante del mundo.

El 21 de abril se inaugura en La Atómica la primera colectiva

internacional de collage en Valladolid.

Los artistas Rubén B y Max-o-matic, fundadores de este proyecto, se han

unido para comisariar esta exposición con el artista vallisoletano Cless.

El International Weird Collage Show enseña lo más relevante en el

panorama internacional del collage buscando realizar una lectura

contemporánea a una práctica que se ha ido resignificando desde inicios del

siglo XX.

El International Weird Collage Show se ha convertido, en sus 11

exposiciones realizadas durante los últimos seis años, en el mejor

representante de la nueva voz del collage contemporáneo

internacional, rompiendo con los estereotipos y clichés que estaban

haciendo del collage un recurso gráfico más que un lenguaje artístico. Los

artistas seleccionados por los comisarios son los que representan este

espíritu de búsqueda incansable y de transgresión. Artistas que llevarán la

creación del "nuevo collage" más allá de los gestos vacíos de contenido que

intentan, cien años más tarde, revivir a Dadá y hacer como si en todo este

tiempo nada nuevo hubiera pasado.

Los artistas de Valladolid participando en la exposición son: Cless, David

Fresno, Julio Falagán y Pinapardo.

Listado completo de los artistas participantes (A-Z) :

Alan Ganev (Canadá), André Bergamin (Brasil), Anthony Zinonos (EEUU),

April Gertler (Alemania), Ashkan Honarvar (Noruega), Bill Noir (Francia),

Charles Wilkin (EEUU), Cless (VLL), David Fresno (VLL), Dennis Busch

(Alemania), Eduardo Recife (Brasil), Fred Free (EEUU), Goster (Perú),

Grande (Suecia), James Gallagher (EEUU), Joe Castro (EEUU), Jorge

Chamorro (Alemania), Julia Busch (Alemania), Julio Falagán (VLL), Max-omatic

(España), Pinapardo ( VLL), Rubén B (España), Sylvia Stølan

(Noruega), {Ths} (Alemania).

Comisariada por: Rubén B, Max-o-matic y Cless.

Constitución, 8, 2 D D

47001 Valladolid

Entre los artistas internacionales participantes en el IWCS Valladolid es

importante destacar a:

James Gallagher: (New York, EEUU) Uno de los principales

responsables del resurgimiento del collage en la última década como

comisario de las renombradas Cutters (en New York, Berlin y Cork -

Irlanda), exposiciones colectivas de collage. Su trabajo ha sido expuesto en

prestigiosas galerías de las principales ciudades de América y Europa.

Dennis Busch: (Alemania) Editor de los libros The Age of Collage (1 y 2),

publicados por la prestigiosa editorial alemana Gestalten, recopilando lo

más destacado del collage mundial. Busch es uno de los artistas más

versátiles del collage contemporáneo.

Ashkan Honarvar: (Irán / Noruega) Uno de los artistas contemporáneos

de collage más reputados a nivel mundial. Su trabajo enseña cómo el

cuerpo humano se enfrenta a la irracionalidad, violencia y lujuria, dando

forma a una paradoja donde lo bello y lo grotesco forman parte de nuestra

identidad.

Charles Wilkin: (New York, EEUU) Con un estilo único, Wilkin es uno de

los artistas de collage más influyentes de la actualidad. Su obra ha sido

expuesta en América y Europa y su trabajo lo han publicado las editoriales

más influyentes a nivel mundial.

Eduardo Recife: (Belo Horizonte, Brasil). Uno de los precursores del

collage contemporáneo, Recife ha sido una de los artistas más influyentes

de inicios del siglo 21 trabajando con esta técnica. Su trabajo ha sido

expuesto en EEUU, Japón, Bélgica, Australia, Dinamarca, Brasil y México.

Sobre los comisarios

Rubén B (Madrid, 1975)

Amateur profesional, flaneur y bon vivant.

Con base en Madrid y Trasmonte, ha sido arquitecto y ahora explorador y

naturalista. Trabaja en la recuperación del tamaño original de la Apis

mellifera.

Creador y comisario de International Weird Collage Show, co-fundador de

The Weird Show.

Miembro fundador de la Sociedad Glacial Internacional.

Ex-Miembro fundador de la Sociedad de Collage de Madrid.

Max-o-matic (Buenos Aires, 1975)

Ilustrador y artista. Desde el 2002 vive y trabaja en Barcelona, creando

mundos imaginarios a partir de trozos del mundo real. Su enfoque oscila

entre lo salvaje y lo racional , confrontando el carácter intuitivo del collage

con un racionalismo casi matemático que se impone como fuente creativa

para lograr nuevos resultados.

Ha expuesto su obra artística en galerías de Barcelona, Nueva York, Tokyo,

Berlín, Rotterdam, Amberes, Lima o México DF, entre otras ciudades y ha

desarrollado proyectos para Nike, Wired Magazine, Sunday Times, EA o

Gestalten.

Es uno de los dos miembros fundadores de The Weird Show, colectivo que

reúne (en exposiciones, internet y publicaciones impresas) lo más

destacado del collage internacional.

Cless (Valladolid, 1979)

Escritor de Graffiti, Diseñador Gráfico y Artista collage. Su trabajo se ha

desarrollado en los campos del diseño y la ilustración. Ha expuesto y

comisariado proyectos y muestras dentro del Circuito de Arte Alternativo

tanto en territorio nacional como internacional, mostrando trabajos en

galerías y centros de medio mundo. Actualmente trabaja como freelance en

su estudio de Valladolid.

MUSICA: DIE ANTWOORD. GIRL I WANT 2 EAT U

 

PRÓXIMO CONCIERTO: 17 JUN. MadCOOL. MADRID

CONTRAPORTADA: MURCOFF & WAGNER. GNOSSIENNE 3. Vanessa Wagner  versión.

Rosa Pérez    6.may.2016 10:00    

Encuentro Artístico Colectivo

    viernes 22.abr.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 25.04.16

 

 

PORTADA: Recop. KEROXEN. TUPERWARE. BANANA PLANTS.

Tomas-de-la-Rosa

Néstor Torrens, director del festival Keroxen , artista multimedia y polifacético desde hace años ha venido promoviendo un evento que aúna   arte, música, performance, danza, poesía, etc en Tenerife. Keroxen nace como un encuentro multidisciplinar que, después de seis ediciones, se ha convertido en un referente para quienes buscan festivales distintos, donde el riesgo se plasma a través de un cartel que mezcla sin prejuicios el rock, el jazz, la música contemporánea o la electrónica.

Keroxen, se celebra en un espácio único y peculiar, un viejo tanque de queroseno reconvertido en centro  cultural. Desde Fluido Rosa hemos venido apoyando este festival, desde sus orígenes y hemos viajado en varias ocasiones hasta el epicentro del mismo para vivir y grabar algunos de sus conciertos más extraordinarios. 

Ahora Keroxen es noticia porque lanza un pequeño sello discográfico con músicos y propuestas afines al festival. Acaba de ser presentado en Sevilla y os adelantamos algunas de las perlas que esconde.

Keroxen ya había llevado a cabo algunas acciones editoriales, fundamentalmente poemarios, pero éste es quizás el paso más definitivo y el que tiene más sentido: mostrar lo que musicalmente sucede en las Islas Canarias. 

 

CAFÉ VIRTUAL: https://www.google.es/search?q=rus+anson&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ved=0ahUKEwjUyqbQ4pzMAhWGHxoKHR05DREQsAQIPw&biw=1680&bih=949

 

MUSICA: PETER BAUMANN. CROSSING THE ABBYS.

Rusanson1

RUS ANSON estudio publicidad y diseño grafico en la Universidad de Barcelona. Inició una carrera fulgurante ganando un primer premio organizado por el diario El Pais, con el que consiguió su primera cámara  y la validación de su entusiamo por el medio obteniendo una beca para estudiar en San Francisco.

MUSICA: Project skyward. Holographic Universe.

Rusanson2

Anson idolabraba a Tim Walker y Paolo Roversi y rapidamente desarrolló un vibrante estilo, bebiendo de sus maestros. Su energía joven hace de Anson una fótografa especial para retratar niños. Haciendose cargo de campañas como la de Guesskids y otras para importantes publicaciones y revistas internacionales.

MUSICA: INSIDEOUT. STAY

Rusanson3

Tras residir dos años en N. York , ha encontrado en Los Angeles, el modo de vida más relajado y una nueva oportunidad para acercarse al mundo de la moda. Pero su carrera sigue en expansion. Rus Anson, ha finalizado su campaña sobre arquitectura e interiors.

MUSICA: DAUGHTER. DOING THE REIGHT THING.

Rusanson4

Rus Anson nació en Tossa de Mar, se considera una persona paciente, algo fundamental dedicándose al mundo de la fotografía. El pasado año ganó el premio PDN, y está considerada uno de los fotógrafos nuevos y emergentes a los que no hay que perder de vista.

 

- See more at: http://www.pdns30.com/gallery/2015/#1-Rus_Anson

 

MUSICA:  GENUIS. ROUNDS. DEL ALBUM  VITRUEA

 

Concentrico02

Architectus Omnibus?

Dentro de la segunda edición del Festival de Arquitectura y Diseño de Logroño Concéntrico 02 (28 de abril a 1 de mayo de 2016) el Museo Würth La Rioja acoge la exposición Architectus Omnibus? en el atrio principal del museo entre el 20 de abril y el 29 de mayo de 2016. La exposición reúne un conjunto de diez proyectos seleccionados en una convocatoria pública dirigida a arquitectos españoles y alemanes en el marco del VI Encuentro Hispano-Alemán de Cultura organizado por el Goethe-Institut y el Instituto Cervantes. El objetivo del encuentro era favorecer el intercambio de ideas y estrechar la cooperación entre agentes culturales alemanes y españoles.

Los proyectos seleccionados tienen una filosofía cercana al decálogo de Freshlatino2 (10 conceptos ideados por el arquitecto Andrés Jaque, Premio León de plata en la Bienal de Venecia 2014). El proceso de selección lo llevó a cabo un grupo de trabajo liderado por el director del Architekturmuseum y catedrático de Historia de la Arquitectura y prácticas curatoriales de la Technische Universität München Andres Lepik, la arquitecta y comisaria de exposiciones sobre arquitectura Ariadna Cantis, y el arquitecto y teórico Andrés Jaque, actualmente profesor en la Universidad de Columbia y en la School of Architecture de Princeton University.

La exposición de estos diez proyectos de Architectus Omnibus? muestra diversas propuestas de arquitectos de ambos países, que reivindican la conciencia sostenible de la arquitectura a través de nuevas actitudes y maneras de entender la profesión. Los diez proyectos seleccionados ofrecen ejemplos de respuestas creativas a las necesidades actuales de la sociedad, arquitecturas que se posicionan en el contexto de la responsabilidad social y en las que la creatividad se manifiesta tanto en los resultados como en los métodos de trabajo. La multidisciplinariedad, las prácticas colaborativas, el reciclaje, la sostenibilidad, la innovación, la ecología, la experimentación, la recontextualización o la autoconstrucción son algunos de los perfiles de estas propuestas que apuestan por volver a lo cercano y lo local, al empoderamiento ciudadano y la reactivación de la ciudad.

La exposición se presentó por primera vez durante el VI Encuentro Hispano-Alemán de Cultura en el Instituto Cervantes de Berlín acompañada de unas conferencias y mesas redondas que abordaron la definición del arquitecto del siglo XXI. Posteriormente se mostró en la sala de exposiciones La Arquería en Madrid, con el apoyo del Ministerio de Fomento, la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo, coincidiendo con la XII Semana de la Arquitectura 2015 y con actividades relacionadas a la temática. La muestra en el Museo Würth La Rioja está organizada por Concéntrico 02, el Goethe-Institut y el Instituto Cervantes con apoyo del Ministerio de Fomento

Inauguración:

20 DE ABRIL 20:00h

Asistencia

Programación:  

20 DE ABRIL 20:00h
Presentación Tejiendo la Calle, Marina Fernández Ramos

29 DE ABRIL 19:30h

Visita comentada a exposición, Rebeca Castellanos y Javier Peña. Presentación de proyecto, Centro de día para niños, TALLERDE2 y Gutiérrez-DelaFuente

http://www.museowurth.es/Architectus_Omnibus.html

 

MUSICA : MONYA. PUNK FOR PRESIDENT. (ELECTRIC INDIGO REMIX)

 

MUSICA :  CALIDO LEHAMO. MADRID EN DAVID.

ENTREVISTA: GANADOR VIDEOCLIPS MEDINA DEL CAMPO con , Madrid en David de Cálido Lehamo dirigido por . NACHO A VILLAR. 

Nacho a villar

Nacho A. Villar se titula en el taller de escritura de largometrajes en la ECAM. Ese mismo año trabaja como auxiliar de producción en “La voz dormida”. En septiembre de 2011, comienza sus estudios de Dirección en la ECAM. En 2012, trabaja como auxiliar de dirección en la película “Libertador”. En 2013, realiza el curso de crítica cinematográfica impartido por la revista “Caimán. Cuadernos de cine” en la cual trabaja actualmente como crítico colaborador.

 

REEL 2015. from Nacho A. Villar on Vimeo.

 

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. DOWN BY THE RIVER.

 

MUSICA: AGNES PE. MYTILIADE.

PROYECTO AVLAB.  MEDIALAB PRADO. MADRID.

La escena madrileña de músicas experimentales y artes afines ha visto nacer en los últimos años (incluso décadas) interesantes propuestas creativas que por circunstancias han quedado en la sombra en cuanto a su difusión al público general, en gran medida debido a la dispersión y aislamiento de alguno de sus integrantes. A pesar de ello, dichas pro-puestas generan un rico tejido de proyectos, ideas, propuestas y marcos experimentales de la más variada entidad. Desde el colectivo GRS (www.grsmadrid.com) queremos hacernos eco de esta variedad y hemos confeccionado tres programaciones para los meses de Abril, Mayo y Junio para los eventos AVLAB de Medialab-Prado.

Con estas agendas hemos tratado de aglutinar y plasmar en tres instantáneas, un paisaje representativo del trabajo actual de algunos de los artistas más importantes de Madrid, mostrando en cada una de ellas planteamientos dispares pero unidos por el enfoque común de la experimentación.

AGNES PE

Además estas programaciones se han diseñado en su formato y cobertura de contenidos a partir del propio concepto original de los AVLAB que durante varios años se realizaron en Medialab, cumpliendo el triple objetivo de cubrir una parcela performativa, atraer público y contextualizar adecuadamente en cada evento la participación de los artistas programados, ofreciendo una charla introductoria acerca de proyectos concretos en los que están trabajando actualmente, ofreciendo claves de su metodología, producción y herramientas utilizadas.

También hemos prestado especial atención a la programación de contenidos de carácter variado y transversal, de modo que los objetivos planteados en torno a esta cuestión queden completamente cubiertos: experimentación sonora (analógica y digital) + audiovisual + improvisación… A partir de estos perfiles y disciplinas artísticas, hemos confeccionado programaciones de artistas afincados en Madrid en las que ha sido prioritaria además la presencia femenina en todos los AVLAB así como el objetivo de contribuir específicamente a la dinamización de la escena de creación sonora madrileña.

- ELÍAS MERINOELÍAS MERINO (Madrid) charla + concierto

Radicalización compositiva en los actuales tiempos de la espacialización sonora.

- AGNÈS PEAGNÈS (Madrid) charla + concierto

Otros procesos sonoros en la era digital: lo residual como  materia.

- CARLOS SUERO (Madrid) charla + concierto

Músicas perecederas, proyecto basado en la improvisación electrónica en tiempo real.

- WADE MATTHEWSWADE (Francia_USA / Madrid) charla + concierto

Realización de un concierto de libre improvisación con medios electroacústicos interac-tuando con el espacio, sus dimensiones físicas, su acústica y el propio ambiente de la sala.

- EDITH ALONSO  (Madrid) charla + concierto.

 Procesos de exploración del sonido en los que se cuestionan fragmentos de nuestra vida cotidiana.

- JOAQUÍN MENDOZA SEBASTIÁN  (Venezuela / Madrid) charla + concierto

Creación sonora con Pure Data, un acercamiento instrumental y lúdico.

- TUBE TENTACLES (Madrid) charla + concierto

Experimentación con sintetizadores analógicos de válvulas: aplicación en campos ruidis-tas y estéticas no habituales del revival modular.

- PELAYO ARRIZABALAGA. (Madrid) charla + concierto

 Manipulacion de tocadiscos y aparatos analógicos bolsillo

–COLECTIVO GRS (Grupo de Resistencia Sonora de Madrid) (Madrid) charla + concierto

Presentación del colectivo + improvisación electracústica a cargo de los 9 componentes del GRS, siendo la primera vez que se realiza esta improvisación colectiva:

Maryah Gamboa, músico y matemático especializado en investigación sonora.

Javier Piñango, músico y director de Experimentaclub.

Marta Sainz, músico y actriz.

David Area, improvisador y editor en Ex – Nihilo / Mattoid Records.

Lucas Bolaño, compositor y diseñador sonoro.

Juan Antonio Nieto, músico y codirector del festival Acúfenos y eventos Latimeria.

Almudena Villar, arqueóloga y codirectora del festival Acúfenos y eventos Latimeria.

Tomás Gris, improvisador y filósofo.

Enrique Zaccagnini, no músico y magister en estética y teoría de las artes.

www.grsmadrid.com

 

MUSICA: ELIAS MERINO. KEGA. PAISAJES ABSOLUTOS.  ( para saxo bajo y barítono y electrónica)

 

MUSICA :  DASHA RUSH.

 

”DEAD AT HOME”

Exposición y encuentro artístico colectivo

Del 15 de abril al 13 de mayo de 2016. Casa del abuelo de Paloma Pájaro, Paseo del Rollo 34/36,

Salamanca; y diversos espacios distribuidos por Salamanca.

Del 7 de mayo al 10 de junio. La Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º, 47001 Valladolid; y diversos espacios distribuidos por Valladolid.

DEADATHOME2

 “DEAD AT HOME”, es una exposición colectiva alrededor de la que gira un encuentro artístico que se realizará en Salamanca y Valladolid con la participación de Enrique Marty, Marina Núñez, Marta Serna, Jennifer Custodio, José Luis Serzo, Daniel Verbis, Paloma Pájaro, Laura Salguero, Chema Alonso, Jesús Portal, Alejandro Lorenzo, Eva Díez, Carlos TMori, Jesús Padilla, Juan Carlos Quindós, Carmen González, Ignacio Pérez-Jofre, Luis Pérez Calvo, Rosadora, Iría Díaz Manzano, Teresa Martín Lorenzo… El viernes 15 de abril se inaugura en Salamanca la segunda edición del proyecto DEAD AT HOME, un evento focalizado en los distintos aspectos de la cultura contemporánea que propone el uso de espacios domésticos como lugares de encuentro entre creadores, gestores y público. En esta segunda convocatoria se pondrá en marcha un programa expositivo y de encuentros que tendrá como sedes principales dos viviendas urbanas: la casa del abuelo de su directora, Paloma Pájaro, en Salamanca y un hermoso piso del centro de Valladolid, sede de La Gran, galería de arte y editora.

Las dos viviendas se unirán casi físicamente para explorar el potencial del entorno doméstico con el objetivo común de construir y experimentar en torno al arte contemporáneo. Con dos exposiciones, pero también acciones, conferencias, eventos… en un programa que girará en torno al binomio “muerte y deseo” y que cuenta con artistas y creadores como Enrique Marty, Marina Núñez, Marta Serna, Jennifer Custodio, José Luis Serzo, Daniel Verbis, Paloma Pájaro, Laura Salguero, Chema Alonso, Jesús Portal, Alejandro Lorenzo, Eva Díez, Carlos TMori, Jesús Padilla, Juan Carlos Quindós, Carmen González, Ignacio Pérez-Jofre, Luis Pérez Calvo, Rosadora, Iría Díaz Manzano, Teresa Martín Lorenzo y otros que se irán sumando en las próximas semanas. Este año DEAD AT HOME 2016 vuelve con la firme voluntad de remunerar económicamente a todos los profesionales participantes. Por ello hace varias semanas activamos una campaña Crowdfunding que, unos días antes de finalizar, ya nos ha permitido lograr el objetivo previsto: conseguir financiación para al menos el 55 % del presupuesto total. Junto a ello, este año contamos con el apoyo de la Casa de las Conchas y el Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca.

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DEAD AT HOME se presenta bajo el comisariado “muerte y deseo”. Dicho binomio estructura el montaje expositivo en las casas, poniendo en relación parejas de artistas en un mismo espacio doméstico con el fin de activar el diálogo entre ellos así como las tensiones, conflictos o bienaventuranzas que puedan surgir de esa co-habitación.

Los espacios expositivos son habitaciones —espacios íntimos, por otro lado— y es esa co-habitación la que justifica, por tanto, el formato expositivo. Esta idea de co-habitación puede remitirnos, asimismo, al tipo de tensiones que ocurren al encontrarnos con un desconocido en un ascensor, a todo lo que surge de forma subterránea y que dura tan solo unos segundos: tensiones eróticas, incomodidad física, sentimientos de violencia ante la invasión del espacio propio, etc. Llevada la metáfora al otro extremo, estaríamos hablando de la pareja humana en términos afectivos, dos entidades independientes condenadas a comunicarse entre sí, para bien o para mal, incluidos los hallazgos y frustraciones que acompañan el proceso.

MUSICA: BIOSPHERE. T SHOP

CONTRAPORTADA: CD KEROXEN. POSTMAN. ANIMAL

Rosa Pérez   22.abr.2016 10:19    

MAQUINAS DE DESEO

    viernes 15.abr.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.04.16

 

 

PORTADA: PETER BAUMANN. Ordinary wonder. Del album  Machines of Desire

Peter_Baumann_portrait  Minimoogvoyager

Entre 1971 y 1977, Peter Baumann fue miembro de la legendaria banda alemana, Tangerine Dream, inventores y por lo tanto pioneros de la electrónica. Ha producido discos seminales en su estudio de grabación asi como varios discos en solitario.

A finales de 2014 tuvo la idea de adentrarse en el mundo de la filosofía y la psicología, tras años de estar inmerso en el mundo de la música y de esa exploración surgieron nuevas fuentes de inspiración para hacer música, de nuevo.

Machines of Desire es el resultado. Un disco a que recopila todas las experiencias sonoras de su larga trayectoria pero que incorpora esas reflexiones sobre el ser humano. El disco que se publicará el 20 de mayo  incluye ocho piezas ambientales de excelente factura que harán volar tu imaginación.

 

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.cemreyesil.com

 

MUSICA: Volutes. Sparrow

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Cemre Yesil es una fotógrafa turca que reparte su residencia entre Londres y Estambul. Con una excelente formación internacional su obra ha merecido el reconocimiento de una amplia selección de instituciones y organismos como el AGM Magnunm o  ser nominada por el Amsterdam Photography Museum, para el premio Paul Huff.

MUSICA: Volutes. The Stranger

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La              fotografía de Cemre Yesil está basada en experiencias personales, intentando procurar una mirada que los ojos no pueden capturar a primera vista. Caminando entre lo indispensable e imposible en la contrucciones de relaciones,para Cemre el acto de fotografiar se convierte en un respiro en el flujo y reflujo de la vida.

MUSICA: Dj Ipek. Sakina Teyna Trio

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la fotografía ES PARA Cemre        Yesil, como una herramienta para comunicarse e interactuar con con su entorno, así como una investigación del ser humano  y sus maneras desarrollar las relaciones entre ellos y el mundo en que viven.

Cree en las fotografías como objetos que tienen un gran poder de crear vías para repensar acerca de las conexiones que compartimos como seres humanos. Su objetivo es crear una conversación íntima entre ella y la gente que fotografía y, finalmente, facilitar una conversación similar entre sus fotografías y el espectador.

MUSICA:  Spryk. Fresh

CEMRE4

 

Desde el pasado 14 de abril a las 19:30 hrs., La Fábrica propone la  exposición: For Birds' Sake de las fotógrafas Cemre Yesil y Maria Sturm. Un trabajo que ha sido publicado como fotolibro por La Fábrica y ahora se presenta en su vertiente expositiva

For Birds’ Sake es el resultado de un proyecto llevado a cabo por estas dos autoras durante el año 2014 y que se dio a conocer en la pasada edición de Descubrimientos PHotoEspaña. La muestra reúne una quincena de fotografías de las artistas que profundizan en una de las prácticas más arraigadas entre los hombres turcos durante siglos: la custodia y crianza de pájaros cantores.

 

MUSICA: RUBY TUESDEY.

 

TERRY O´NEILL. BREAKING STONES. A Band on the Brink of Supertardom. Exposición de fotografías y edición limitada Jose Cuervo dedicada a los Rolling Stones. Mondo Galeria. Madrid. 

 

Un grupo tocaba en el verano del 62 en el Marquee de Oxford Street  llamados The Rollin Stones, sin tener idea de que pronto serían parte de la historia de la música.

Breaking Stones. A Band on the Brink of Superstardom, es una  es un docmento temprano de los principios de su carrera. De 1963 a 1965, dos jóvenes fotógrafos también inician sus carreras artísticas, Terry O´Neil y Gered Mankowitz.

Terri O´neill vino a presentar el libro que da título también a la exposición   que muestra Mondo Gallery en Madrid.

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Con esta exposición, MONDO GALERIA presenta y pone a la venta en España el libro que lleva el mino nombre, Breaking Stones, a band on the brik of Supertrardom 1963-1965, que contiene cientos de fotografías y muchas anécdotas de los fotógrafos asi como textos de introducción  escritos por cada uno de los miembros de la banda y otros personajes. La muestra se puede ver hasta el 30 de mayo.

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Coincidiendo y supongo que como preámbulo a su nueva gira en otro espacio de Madrid,

EL HOTEL ROOM MATE ÓSCAR RINDE HOMENAJE A DAVID BOWIE

Gift Coffee, el espacio de ocio que el hotel relanzó a principios de 2016, alberga una exposición de Terry O’Neill (el fotógrafo apodado “el rostro de las leyendas”) con algunas imágenes inéditas del artista. La exposición se puede visitar desde el 14 de abril al 30 de mayo.

MUSICA : Soulsavers. Delarge. Kubrick

 

MUSICA : MARCOS CRUZ.

 

ENTREVISTA.  

Arts Libris | Barcelona 
Feria Internacional
de la Edición Contemporánia

 

En 1994, la editora Rocío SC Santa Cruz (ES, 1967), formada, entre otras, en la Escuela Estienne de París, puso en marcha la galería y el sello editorial Raíña Lupa en la capital francesa. La interconexión entre arte y literatura a través de diversos proyectos, la edición de libros ilustrados y la difusión de obra gráfica original constituyó el ADN de su proyecto. En 2002, Raíña Lupa se trasladó a Barcelona, desarrollando una nueva línea editorial que se articula en base a la fotografía y las técnicas digitales. Paralelamente, los comisariados de exposiciones y proyectos han complementado su labor como galerista y editora. En 2009, Rocío SC Santa Cruz puso en marcha la Feria Internacional de Edición Contemporánea Arts Libris, que dirige y produce desde entonces y que se celebra en Arts Santa Mònica, en Barcelona. En 2015 abre la galeria RocioSantaCruz en Barcelona.

Moritz Küng (CH, 1961) es comisario de exposiciones y editor, y trabaja sobre todo en la intersección entre el arte, la arquitectura y la edición de libros. Ha sido jefe del campus de arte internacional deSingel en Amberes (2003-2011), y director en funciones del Canódromo en Barcelona (2010-2012). Además de comisariar y editar numerosas exposiciones y publicaciones, ha sido comisario del pabellón belga en la 25 Bienal Internacional de São Paulo (2002) y la 11 Bienal de Arquitectura de Venecia (2008), donde en 2010 también fue jurado de los Leones de Oro.

Antonio Zúñiga ( ES, 1964) es docente, comisario especializado en obra múltiple y editor. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte. UB . Colaborador y creador de proyectos educativos para La Fundació “la Caixa”, CaixaForum. Es profesor asociado en la Universidad de Barcelona UB, Facultad de Educación. Miembro del grupo de investigación de la Universidad de Granada, SOBRELab. Prácticas artísticas y políticas de la edición (sobrelab.com). Director de EdicionesOriginales (www.edicionesoriginales.com). Ha editado la obra de Ahlam Shibli, Perejaume, Hans – Peter Feldmann, Joan Rabascall, Peter Friedl o Rogelio López Cuenca.

 http://artslibris.cat/es/

 

 

MUSICA : PROJECT SKYWARD. HOLOGRAPHIC UNIVERS (ULRICH SNAUSH REMIX) DEL HOLOGRAPHIC UNIVERS EP.

 

MUSICA : ORCHESTRA OF SPHERES.  DIVINE HORSES

ENTREVISTA: GUILLERMO JACK. 

Sala de Exposiciones del Club Financiero Atlántico 
Avda. Salvador de Madariaga 76, bj.
A Coruña, España . Hasta el 27 de abril

BEA_DIPTICO

Síntesis y Biografía

El creador gráfico y audio-visual se deja arrastrar imbuído por la natural magia de la pintura, lugar de acción complementario a los quehaceres digitales.

Volver a cierta esencia y mancharse las manos le aporta un campo de expresión paralelo donde realizar el innegable deseo puramente plástico.

Partícipe de un mundo en el que el grafista multidisciplinar convive con todo tipo de imagínerías, maquinarias y engranajes tecnológicos; la plataforma multimedia

convergente en los tiempos presentes, los tiempos de lo inmediato. Esto provoca una reivindicación natural de la plástica en una generación de autores que se toparon

con el diseño y las artes digítales pasándoles por delante, cuando tenían en una mano unas tijeras, y en la otra un bote de cola.

Así aparece la pintura del autor, directamente vinculada como consecuencia de forma y acto a su tiempo. En un mundo donde los mensajes

emitidos por una gigantesca pluralidad de medios y soportes actuan como legión en una marea incesante de impactos visuales ante los que nos volvemos material

sensible, nos revelamos ante ello como consecuencia y por medio de la expresión artística.

Guillermo Jack se forma como diseñador gráfico en el Madrid de mediados de los noventa. A finales de la citada década empieza a pintar y a exponer

en circuitos alternativos de La Coruña, y habituales espacios culturales y de ocio nocturno de la ciudad.

En los que presenta pinturas con dispares influencias directas: el comic, el pop, la neoplástica, nuevo realismo norteamericano...

Desde un principio se le vincula directamente al arte pop, y a una influencia marcada por la estética de las décadas de los sesenta y setenta. Algo que no es acatado

del todo por el pintor. " Aunque te resulte algo un poco tópico, lo cierto es que me veo como una herramienta que la pintura utiliza, viviendo dentro de una cultura pop

que nos es comun a todos: El cine, la publicidad, el rock, etc.me mueven como influencia, pero no soy un pintor al uso de esta tendencia, sinó una esponja susceptible

de influencias muy dispares que utilizo para llegar a un fin, y no al contrario."

Atrás quedaron aquellas alusiones y excesivos a la par que recurrentes símiles de la prensa a Andy Warhol.

Hoy, después cierta actividad, con bastante carretera sobre las espaldas; este autor sigue siendo utilizado por el color y la fuerza de impactos visuales directos.

Lo estético y lo crítico, el juego de lo superficial y lo profundo. El trasfondo psicológico y la mirada captada, como en un click fotográfico que te deslumbra por un instante.

Manel Flowers para aoxomoxoaworld.blogspot.com

MUSICA: ALADIN. GIRLS IN UNIFORM. TREVORN  JACKSON REMIX.

 

MUSICA:  Dorothy Parker. Cola

ENTREVISTA: 

Symphonos

HÉROES Y ANTIHÉROES
SYMPHONOS 16

Inauguración 14 de abril de 19,00 a 21,00 horas

Exposición abierta del 14 al 23 de abril de 2016
Sala Polivalente Centro Cultural Conde Duque
C/ Conde Duque, 11. Madrid.

La Asociación Cultural Entorno Conde Duque es una plataforma multidisciplinar que nace en

2015 con el espíritu de promover la cultura y el diálogo entre las distintas expresiones artísticas

en un escenario único. En abril de 2015 surge el Festival Symphonos (De común acuerdo,

con una sola voz) como el gran evento cultural del Entorno Conde Duque.

Del 14 al 23 de abril tendrá lugar Symphonos 16, la segunda edición del festival que organiza

la Asociación Cultural Entorno Conde Duque, que ofrecerá conciertos, conferencias,

visitas guiadas, cine... en los distintos espacios del “Barrio de la Música”: Conservatorio

Amaniel, Biblioteca Musical Víctor Espinós, Museo ABC, Música Creativa, Cines Renoir,

Escuela Superior de Canto, Museo Cerralbo, y en la Sala Polivalente de Conde Duque tendrá lugar la muestra colectiva de galerías “Héroes y antihéroes” en la que participan Blanca Berlín, Twin Gallery y Movart, junto a la galería invitada Pilar Serra.

Los artistas que expondrán en la muestra colectiva “Héroes y antihéroes” son: Pep Carrió (Galería Blanca Berlín), Manuel Gracia y Mónica Aranegui (Galería Movart), Yani Alonso, Rosalía Banet, Iván Cantos, Javier Chozas, Marla Jacarilla, Salim Malla, Ubay Murillo, Tito Pérez Mora, Gema Rupérez, Noé Serrano y Daniel Vega Borrego (Twin Gallery). Además la exposición contará con obra de Concha García, por parte de la galería invitada Pilar Serra.

La muestra reflexiona en torno al conflicto del Bien y el Mal, la dualidad humana y natural entre el equilibrio y el caos; contextualiza, cuestiona y propone una amplia definición del llamado acto heroico. Estará acompañada por la propuesta de arte de acción a cargo de la artista Mónica Aranegui y los conciertos de los alumnos del Conservatorio Profesional de Música Amaniel, aunando arte y música, como la apuesta de diálogo entre distintas disciplinas culturales que promueve la Asociación Entorno Conde Duque.

Más información: entornocondeduque.es

UBAY MURILLO

"Estudio sin título (héroes/antihéroes)"

Ubaimurillo

John Currin cuenta esto de uno de nuestros héroes españoles

del s. XX: Cubism was perverse when Picasso first did it.

People justify it by talking about looking at an object from

three sides and so on, but it always seemed to me much more

about seeing the ass and the breast at the same time. That's

basically what Picasso used it for, and even after he gave up

Cubism, he still habitually drew the ass crack, the pussy and

the breast on the front. The metaphor was not about time

travel, it was about total sexual domination.

¿Qué relación podrían tener los movimientos de la vanguardia

clásica con el mundo presente de producción de capital y

deseos? ¿Podría ser la vanguardia una figura antiheróica en

la modernidad? Las ideas e imágenes de la vanguardia se

encuentran en las revistas de tendencias. Unos movimientos

que aspiraban a modelar la mente del hombre occidental o

de unir arte y vida terminaron anunciando numerosas campañas

de ropa, colonia o lencería. Warhol, creando la revista

Interview, fue clarividente en este sentido.

MUSICA: EMPTY TAXI. ESKIM O

 

CONTRAPORTADA: PETER BAUMANN. The blue dream. Del álbum Machines of Desire.

Rosa Pérez   15.abr.2016 10:40    

Abriendo la Sala del Tesoro.

    viernes 8.abr.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 11.04.16

 

 

Felicia Simion. Bienal Arte Mujeres, CREAT, red de ciudades,  Colectivo Fisuras en la Vitrina, Abriendo la Sala del Tesoro y II Fotografía Social

 

PORTADA: ORCHESTRA OF SPHERES. CLUESTER. DEL ALBUM BROTHERS AND SISTERS OF THE BLACK LAGOON.

Orchestra Of Spheres, es una formación  nacida en Wellington, Nueva Zelanda que mezclan la energía y de Sun Ra, con la electrónica bailable. Su música parece llegar de otro planeta. Surgieron en 2009 y acaban de terminar un nuevo álbum que vana presentar en una amplia gira europea que los trae a nuestro país. El disco se titula Brothers and Sisters of The Black Lagoon y se publicará el próximo 13 de mayo.

Orchestra spheres

Gira:

31 mayo. Café Antzokia, Bilbao,

01 junio Siroco, Madrid

04 junio. Lata de Zinc, Oviedo

05 junio. Centro Cívico Delicias, Zaragoza.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.feliciasimionphotography.com

MUSICA: CARO C. HEARTMIND PRELUDE.

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El café virtual de FR, se ha llenado con las instantáneas de Felicia Simion, una veinteañera rumana que descubrió la fotografía a la edad de 13 años, mientras hacia los deberes de matemáticas y química en su casa. Sin duda era el bicho raro de la familia, amante de la fotografía desde la tierna infancia comenzó fotografiando los viajes que realizaba junto a sus padres .

MUSICA: ANNA VON HAUSWOLF. FUNERAL FOR MY FUTURE

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Fascinada por las cámaras , descubrió a través de la imagen que los seres humanos pueden alcanzar la inmoratilidad en una instantánea . Nunca se ha centrado en un género concreto de la fotografía, ya que el mundo es lo suficientemente grande como para caber en un paisaje o un retrato.

MUSICA: SOAP & SKIN. THEBEN

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Felicia Simion, es una jóven fotografa de la ciudad de Craiova, Rumanía. Apenas superada la adolescencia ha realizado un increíble número de disparos, todos de una increíble belleza. Su mundo es mágico y encantador. Sus retratos de mujeres jóvenes juegan con elementos de la naturaleza como la tierra, el agua o las estrellas

MUSICA : AGF. IF TRU TIME

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Felicia Simion ha recibido el reconocimiento por su trabajo, pese a su extrema juventud como el International Photography Awards (IPA), Paris Prix de la Photographie, Sony World Photography Awards, Travel Photographer of the Year, The Irish Times Photography Awards, Moscow International Photo Awards.

De igual forma sus fotografías han sido publicadas en revistas y periodicos como Der Spiegel, National Geographic, The Telegraph, o The Irish Times y ha presentado su obra en Bucarest, Belgrado, o Londres. Agregamos la página a favoritos, minimizamos y abrimos un nuevo documento.

 

MUSICA: RONA GEFFEN. RYTHMICAL ADICTION

 

ENTREVISTA: BIENAL  MIRADAS DE MUJERES. MARIAN LOPEZ FERNÁNDEZ CAO, PRESIDENTA DE MAV  y  MARIA JOSÉ MAGAÑA, miembro de la junta de MAV 

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La Bienal Miradas de Mujeres comienza con varias de las actividades organizadas por instituciones, galerías de arte, museos, universidades, fundaciones y asociaciones, que se han sumado a la programación que pronto se pondrá en marcha desde la asociación, y de la que os avisaremos puntualmente.

Destacamos algunas actividades organizadas por socias de MAV como la exposición Feminis-arte comisariada por Margarita Aizpuru, en CentroCentro, de Madrid; el proyecto Una altra mirada és posible de Joana Baygual, en ocho museos de Andorra; las performances La Loca y Remembranzas, en el Museo de Arte Africano de Valladolid; la exposición Máculas,de Gema Rupérez en Espacio en Blanco de la Universidad San Jorge de Zaragoza; la exposición de Paloma Navares en el MACA o la de Mulieres en el Museo Universitario de Alicante; Marla Jacarilla en el Centro de Arte de Alcobendas; las Jornadas Liberarte, organizadas por La Pantera Rossa y el documental  La ciudad de las Mujeres  en la casa de la mujer de Zaragoza; o las exposiciones en diferentes galerías como  la dedicada a la obra de Nellina Pistolesi en la galería Magda Bellotti.

MUSICA : BIOSPHERE. T SHOP. THE HILVAREENWEEK RECORDING.

 

MUSICA :  EMPTY TAXI. ESKIMO. Del album Irizajn.

 

 

ENTREVISTA: MONTSE CEA.

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 Abriendo la sala del Tesoro es una exposición que compendia  arte contemporáneo y arqueología. El proyecto orbita alrededor de la colección de orfebrería Gil Varela, declarada Bien de Inte­rés Cultural recientemente y que contiene algunas de las piezas de oro más importantes de la prehistoria gallega. Arropando, explicando e interactuando con ella presentamos la obra de 14 artistas: Xoán Anleo, Mónica Alonso, Nilo Arias, Fernando Bae­na, Mónica Cabo, Ana DMatos, Amaya González Reyes, Xurxo Oro Claro, Laura Piñeiro, Santi Jiménez, Rubén Santiago, Mau­ro Trastoy, Jorge Varela e Manuel Vidal, que nos van a permitir reflexionar sobre conceptos aparentemente atemporales como el poder, la riqueza, los asuntos estéticos o los roles de género.

El hilo conductor que marca el discurso expositivo será la orfe­brería, usada como textura crítica, que aplicada sobre cualquier material permite imprimir sobre este la idea de autoridad. La textura dorada o plateada aparece como una capa mágica de po­der omnímodo que se asocia inconscientemente con la idea de poder económico, religioso, intelectual o patriarcal.

Las piezas que conforman la colección Gil Varela están construi­das con las técnicas más diversas de orfebrería: desde el batido a la cera perdida, pasando por el granulado o el estampillado. Del mismo modo, las y los artistas de esta muestra trabajan desde diferentes procedimientos técnicos e ideas estéticas di­versas: dibujo digital, dibujo expandido, instalación escultórica, vídeo creación, object trouvée, site specific, arte feminista, body art... Desde aquí, crean obras que tienen en común una pos­tura militante y crítica con las sociedades marco en las que se producen sus obras, además de una poética próxima a la lógica arqueológica. Es decir, usan la poética del objeto encontrado, acumulado, atesorado y la explícita reelaboración de materiales comunes, vulgares, que ya no poseen valor de uso como ruinas, restos, chatarra, basura,… esos objetos que conformarán las que serán las piezas arqueológicas del futuro.

La exposición Abriendo la sala del tesoro es la segunda entrega del ciclo Fisuras en la vitrina: el hallazgo como idea, un ciclo de exposiciones temporales y actividades complementarias que gira alrededor de la arqueología y el arte contemporáneo.

No resulta frecuente encontrar exposiciones que reúnan ar­queología y arte. Pero la historia del arte es coetánea al desarro­llo de la arqueología; la actividad arqueológica fue impregnando formalmente muchas obras de arte, desde el romanticismo has­ta las vanguardias históricas. Aunque no será hasta el nacimien­to del arte conceptual cuando la metodología arqueológica y su modo no taxonómico de entender la historia fueron felizmente poetizados, creando escuela hasta la actualidad.

Usando esta tradición como referente ineludible, y unidas tam­bién por la teoría feminista, que ambas aplicamos a la hora de percibir y trabajar en nuestras respectivas disciplinas, Monse Cea, comisaria de exposiciones y María José Bóveda, arqueólo­ga, creamos este proyecto.

Abriendo la sala del Tesoro se completa con talleres y foros de debate con el objetivo de crear un escenario de discusión y deli­beración en el que tomen forma las sinergias y fricciones entre materiales arqueológicos –algunos considerados como piezas artísticas– y el arte producido en la actualidad.

Intentaremos que las personas visitantes puedan percibir el pa­sado desde las creaciones del presente, en definitiva, desde la mirada proactiva del arte contemporáneo.

Monse Cea Y María José Bóveda

MUSICA: INSIDEOUT. WATERMARK.

 

MUSICA: CELLO & LAPTOP. STATE OF TRANSILENCE.  TRANSIENT ACCIDNETS.

ENTREVISTA: CREART.  JUAN GONZÁLEZ POSADA.

Creartlogo

CreArt  (Red de Ciudades por la Creación Artística) es un proyecto de cooperación cultural europeo para la promoción de la creatividad artística con la participipación de 13 ciudades y entidades europeas, que se ha ido gestando a lo largo de dos años a través de la Coordinación de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid.

Se trata del único proyecto plurianual con liderazgo español seleccionado este año entre las más de 50 propuestas de los 35 países participantes en la convocatoria 2011 del Programa de Cultura de la Unión Europea. CreArt se desarrollará inicialmente a lo largo de 5 años (2012-2017).

La Red CreArt está formada por 13 espacios urbanos representativos de la diversidad cultural de Europa. Los entornos participantes (Aveiro-Portugal, Vilna-Lituania, Kristiansand- Noruega, Linz-Austria, Delft -Holanda, Lecce y Génova -Italia, Harghita y Arad -Rumania, Pardubice y Zagreb -República Checa, y Valladolid -España) son espacios diversos en tamaño, tradiciones culturales, ubicación geográfica, desarrollo institucional cultural y características socioeconómicas. También son entornos con características comunes esenciales: poseen experiencia en el desarrollo de actividades culturales (con especial atención a las artes plásticas) y en la promoción de la creatividad a nivel local. A ellos se unen tres entidades privadas con amplia experiencia en la gestión de proyectos culturales locales e internacionales (id11 de Delft-Holanda; Artkomas de Kaunas en Lituania - que cuentan con el apoyo de sus respectivos Ayuntamientos), que completan un partenariado de gran solidez.

Partiendo de la experiencia local en la promoción de la creatividad, CreArt persigue facilitar su crecimiento en el nivel continental, mediante una serie de estrategias que van desde el estudio e incorporación de técnicas de gestión de éxito en diferentes países, hasta la promoción de la movilidad transnacional de artistas, gestores y obras de arte locales, y su participación en proyectos comunes que, a su vez, acerquen la realidad compleja, rica y diversa de la creación artística europea al conjunto de ciudadanos de la red.

CreArt contiene los ingredientes necesarios para convertirse en una plataforma de referencia -física y tecnológica- para el intercambio europeo de conocimiento, ideas, innovación y para la promoción de la creatividad.

Desde una variedad de culturas y contextos, y basada en un consorcio de instituciones público-privadas, CreArt pretende trabajar hacia una "moneda cultural única" a través de la red.

Partiendo del valor de la creatividad CreArt pretende:

  1. Promover el intercambio de experiencias, buenas prácticas y trabajo conjunto entre artistas, comunidades creativas y asociaciones, operadores culturales públicos y privados, investigadores, instituciones educativas y público en general, de diferentes países y tradiciones culturales.
  2. Promover la exploración cultural entre todos los grupos objetivo, fomentando el desarrollo de la herencia cultural europea.
  3. Desarrollar metodologías comunes de formación para grupos específicos (niños, jóvenes y adultos) promocionando la creatividad como una herramienta de desarrollo personal.
  4. Establecer un sistema permanente y profesional de movilidad, intercambio y trabajo conjunto entre artistas y gestores culturales.
  5. Identificar una metodología de gestión profesional que genere organizaciones culturales sostenibles en ciudades de tamaño medio, promoviendo partenariados público-privados y la participación del conjunto de la sociedad civil.
  6. Apoyar el trabajo creativo en red entre ciudades de tamaño medio.
  7. Desarrollar y explotar herramientas tecnológicas para el intercambio de la creatividad y de los recursos en la gestión cultural.
  8. Crear y estandarizar sistemas de análisis e investigación en el marco de las políticas culturales locales, para maximizar la sostenibilidad del proyecto y los recursos financieros en el futuro.


Para conseguir estos objetivos, CreArt establecerá un sistema permanente y profesional de experiencias de movilidad, intercambio y trabajo en común, en artes plásticas, entre artistas, colectivos y asociaciones, operadores culturales, instituciones educativas y público en general, basándose en cuatro acciones principales:

  1. a) Análisis de la gestión de modelos para apoyar los artistas visuales y la creatividad en Europa.
  2. b) Programa de formación, innovación y experimentación para la promoción de la creatividad.
  3. c) Exposiciones itinerantes europeasCreArt.
  4. d) Difusión y transmisión de las actividades y resultados.

Los artistas interesados nacidos o residentes en Valladolid pueden estar al tanto de las próximas convocatorias a través de la newsletter de la página oficial del proyecto http://www.creart-eu.org/ y seguirnos en

Facebook (http://www.facebook.com/CreArtRedCiudadesCreacionArtistica ) y

Twitter (https://twitter.com/creart_es).

 

MUSICA : LEE YI. STONE PILLARS OF ROJAVA.

 

II JORNADAS FOTOGRAFIA SOCIAL.

Cartel jornadas foto social

Las II Jornadas de Fotografía Social son un espacio para la reflexión y el debate sobre la mirada de los profesionales a la hora de abordar contextos de injusticia social; su responsabilidad y su compromiso al retratar un determinado momento o una determinada realidad poniendo el foco en las desigualdades y promoviendo una conciencia colectiva.

Las II Jornadas de Fotografía Social reúnen a profesionales de la fotografía y organizaciones que dan voz a los colectivos vulnerables con el fin de exponer sus coincidencias y sus diferencias como plataformas de visibilización de la exclusión social, la discriminación, las desigualdades, la justicia social y los derechos humanos.

Las II Jornadas de Fotograía Social pretenden exponer y dar respuesta a las siguientes preguntas:

¿Es la imagen un motor de transformación?

¿Coinciden en objetivos la fotografía y los agentes sociales que trabajan para cambiar estas realidades?

¿Es la fotografía un elemento útil y veraz que contribuye a un cambio de mentalidad o es un producto subjetivo condicionado a la mirada de su autor o autora?

¿Nos enfrenta la imagen a nuestra propia conciencia, o son una fuente de información efímera?

Organizadas por la Fundación Vicente Ferrer y el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, las jornadas recogerán, bajo el subtítulo Campo-Contracampo, sus distintas perspectivas de trabajo y su poder movilizador. Las personas invitadas deliberarán sobre la ética, el sentido crítico, la necesaria empatía con las personas retratadas, la complicidad con los valores humanos, la comprensión intercultural y la necesaria aportación de espectadores activos sin los cuales el trabajo de profesionales de la fotografía y agentes sociales no tendría sentido.

ENTRADA LIBRE / AFORO LIMITADO / NO HAY INSCRIPCIÓN PREVIA

http://jornadasfotografiasocial.com/

 

CONTRAPORTADA: ORCHESTRA OF SPHERES. DIVINE HORSES. 

DEL ALBUM BROTHERS AND SISTERS OF THE BLACK LAGOON.

Rosa Pérez    8.abr.2016 13:01    

Chicas, Por qué decidisteis montar un grupo?

    jueves 31.mar.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 04.04.16

 

 

Proponemos un programa con muchas chicas. Nos trasladamos a León para participar en las actividades de la Exposición: !Chicas! ¿Por qué decidisteis montar un grupo?, comisariada por Amparo Fuentes  y Javier Mielgo. Hablaremos de cine femenino africano, como parte de las propuestas de la colectiva El Iris de Lucy. Contactaremos con Pamen Pereira y con Kristine Guzmán, comisaria de La Mujer de Piedra se Levanta a Bailar y Belén Sol, responsable del Deac del Musac os acercaremos a todos los rincones que nos invita a conocer y vivir el Museo de Arte Contemporáneo de León.

Cartel rojava musac
 

www.musac.es

 

Rosa Pérez   31.mar.2016 18:30    

Especial Sesión

    viernes 25.mar.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 28..03.16

 

SESION

 

MOON RA. TIMERIC VARIATIONS

KILN. KOPPERKOSMOS

LCC. QUARZ ( TUJIKO NORIJO REMIX)

LEAH KARDOS. PREEN

MICA VAINIO. STRATTOSTAATTI

JOHANN JOHANSSON. THE ROCKET BUILDER

ANGELINA YERSHOVA. BLIND RAIN

ANNA LEOPOLDER. EN ROUTE

GENUIS. ROUNDS

NACHO SOTOMAYOR. AN UNKNOW THING

HOLLY HERDOM. MORNING SUN

 

ROJAVA. ANNA LEOPOLDER. THE WOMEN

ESTELLE GODFARB & NATACHA ATLAS. LEVER DUJOUR

RROXYMORE. DAKSUN

IREEN AMNES. RESPONSE

ROJAVA. STARVINGPOET. EQUALLITY ROLL DOWN

LCC. HOTH

LA FRAICHEUR. RHUS TYPHINA

NOCTURNAL SUNSHINE. IT´S ALL RIGHT

ZELLER. TEXTURA

ROJAVA. ROSA PEREZ. KURDISH FEMALENOCTURNAL SUNSHINE. HOTEL

SPRYK. FRESH

ROJAVA. DJ IPEK. SAKINA TEYNA TRIO MARA

ROJAVA. SCIFISOL. TWIST HER

NOCTURNAL SUNSHINE. CAN´T HIDE THE WAY I FEEL

Rosa Pérez   25.mar.2016 12:32    

Pasión por el Arte.

    viernes 18.mar.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Martin Brodie, Diseño contemporáneoa Africano (CCCB), La Réplica Infiel (CA2M), La.gran (Valladolid) y LEV 2016

 

PROGRAMA 21.03.16

 

PORTADA: CELLO & LAPTOP. State of transilience. Transient Accidents

Cello & laptop

Traemos a este espacio Resonancias, uno de los dúos más interesantes de la experimentación sonora que funciona desde hace algunos años en nuestros país. Cello & Laptop es el proyecto sonoro de Sara Galan ( al chello) y Edu Comelles, (experimentación con las texturas electrónicas y diseñador de sonido)

Su nuevo trabajo discográfico se titula Transsiet Accidents y aparece a través del sello británico Fluido Audio

Transient Accidents (accidentes transitorios) explora la idea de accidente y de los impactos que desencadenan cambios importantes en un proceso de trabajo.

Con una presentación exquisita y artesanal incluye impresiones fotográficas, encuadernado en tela selladas y cosidas a mano,... En fin todo un lujo para el segundo trabajo de Cello + Laptop, un conjunto experimental que promueve un dialogo entre grabaciones de campo, composición e improvisación y que nos propone una escucha sosegada de este nuevo disco grabado durante las primeras semanas de agosto de 2015 en el Espai Rambleta de Valencia.

Si  antes escuchábamos ...On the Verge ahora os dejo con otra de las cinco piezas que componen el disco Transient Accidents, la titulada A DRIFT IN THE MARSHLAND.

www.fluidaudio.co.uk

 

State of transilience by Cello & Laptop from merisma on Vimeo.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.mikebrodie.net

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. FOOOTSTEPS

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Mike Brodie nació en Arizona en 1985. Su padre -que había pasado más tiempo en la cárcel que en libertad- le dijo que se había casado con su madre solo porque estaba drogado y bebido. Su madre y su abuela alcoholicas y su abuelo amante de las carreras de coches y abusaba de él desde pequeño.

Con 17 años, Brodie decide huir de todo eso, y comienza a “saltar” sobre los trenes para cruzar los Estados Unidos.

Mike empezó por casualidad a hacer fotografías con una cámara Polaroid. Era inevitable para un

adolescente publicarlas en las redes sociales. Se convirtió en famoso a través de internet.

MUSICA:  NOCTURNAL SUNSHINE. BASS BIN

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Mike Brodie tiene un talento natural para la fotografía.  Desde 2004 a 2006 dispara con su Polaroid y firma como “the Polaroid Kidd” (el chico Polaroid). Cuando la compañíainterrumpe la fabricacion de peliculas, Brodie se compra una Nikon F3 por 150 dólares. Viaja 50.000 millas en los trenes y

realiza 7.000 fotografías. Muchas de esas instantáneas  las regala a las personas que retrata, son obras únicas “donadas” en los trenes a sus amigos.

Dos espléndidos libros publicados por Twin Palms en 2012 y en 2014 le dan a conocer a críticos y coleccionistas. Libros áridos, imágenes sin título, pocas palabras escritas por el mismo autor, con un estilo sincopado que concluyen con una duda absoluta “no estoy seguro de querer que alguien lea todo esto”.

NUSICA: POSTMAN. WHY DO I STILL

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Las  imágenes de Mike Brodie, son perfectas en las tonalidades, encuadres,colores, contenidos, en el espíritu y en la forma. Todo es autenticidad. Sólo así podemos descubrir como viven estos outsider, estos amantes de la “plena libertad”, gracias al objetivo de su cámara que investiga desde dentro, con la complicidad de los que viven de forma extrema y sin barreras.

Historias al límite, vidas temerarias, existencias vagabundas, noches sin un cobijo. En nombre de la libertad se arriesga todo, desde la comida a la vida, hasta la libertad misma. El arte de conformarse con lo que se tiene necesita de una red de seguridad, aquella que sólo tus compañeros de calle pueden garantizarte, aquella que te salva en tu vida cotidiana. Mike Brodie fotografía a sus compañeros de viaje, con respeto, intimidad y con una gran capacidad de acoger el destino de todos. Criaturas increíblemente fotogénicas, con su look rebelde, con colores oxidados que se confunden con el hierro de los trenes, con sus heridas y conquistas, con la inconsciencia y la extravagancia que nos seducen por el encanto de la imprudencia.

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. IT´S ALLRIGHT

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Mike Brodie, ha encontrado su mejor expresión en la fotografía. Imágenes de una belleza desarmante que nos hacen respirar aquella libertad compleja y visionaria. Una historia hecha de pequeñas cosas y de una atmósfera cargada de fatigas, riesgos, conquistas e ilusiones.

VALLADOLID PRESENTA POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA LA EXPOSICIÓN “MIKE BRODIE. Trenes y libertad” CON FOTOGRAFÍAS DE ESTE PERSONAJE DE CULTO EN EE.UU, QUE ABANDONO LA FOTOGRAFÍA CUANDO LE LLEGÓ LA FAMA.

La Sala Municipal de Exposiciones de San Benito. La exposición permanecerá abierta hasta el 17 de Abril.

 

MUSICA: ACTRESS MEETS SHANGAAN A

ENTREVISTA:  ROSA FERRÉ directora exposiciones del CCCB. 

CCCB Exposición - Del 22/03 al 28/08 de 2016

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El CCCB y el Vitra Design Museum presentan la exposición  Making Africa. Un continente de diseño contemporáneo

 

La exposición presenta la obra de más de 120 artistas y creadores africanos e ilustra cómo el diseño promueve los cambios económicos y políticos. «Making Africa» habla, desde África, de un nuevo continente «en construcción» y subraya las posibilidades por encima de los problemas.mo el diseño acompaña e impulsa los cambios económicos, políticos, sociales, culturales y tecnológicos de África. Se muestran obras de diferentes ámbitos creativos, como el diseño de objetos y muebles, la ilustración, la moda, la arquitectura, el urbanismo, el arte, la artesanía, el cine, la fotografía, los sitios web, las redes sociales y las publicaciones.

 

Más información : http://www.cccb.org/

 

MUSICA  Zazou & Bikaye. Lamuka

MUSICA  HANNETRATION. IMPULSE.

 

Centrodeartedosdemayo

 El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo presenta  la exposición “La réplica infiel”

Sunah Choi, Composition T, 2010 – 2015.

Cortesía de la artista y CA2M

Fechas: 18 de marzo al 25 de septiembre

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Participan: Anna Boghiguian, Saskia Calderón, Sunah Choi, Bojana Cvejić, Virginia de Medeiros, Nuria Enguita Mayo, Carla Filipe, Isaías Griñolo, Julio Jara, Teresa Lanceta, Xavier Le Roy, Xisco Mensua, Anna Oppermann, Nacho París, Laurence Rassel, Inmaculada Salinas, Mladen Stilinović, Willy Thayer y Scarlet Yu.

Comisariada por Nuria Enguita Mayo y Nacho París, la muestra se plantea la relación, siempre compleja, entre la materia, el hacer del arte y las promesas implícitas en la idea original. Replicar significa reproducir un modelo de forma exacta, pero también admite una segunda acepción y es la que se refiere a la acción de contestar, denunciar un sentido y proponer uno diferente. La réplica infiel se interesa por la capacidad del arte para generar un sentido diferente, para cuestionar la relación del lenguaje con el mundo y participar en las luchas que intervienen en la construcción del significado .

El arte replica el mundo proponiendo nuevas semejanzas que subvierten las significaciones impuestas por los lenguajes dominantes. A la vez, en su propio hacer e intención creadora, el arte se transforma, corrige y traiciona la idea original del autor. Esto propicia la aparición de espacios destinados a la imaginación del espectador, para que rellene huecos, recree y de nuevo, traicione el sentido propuesto.

La exposición no ofrece un manual de instrucciones ni un único recorrido, sino una heterogeneidad de trabajos y voces reunidas que abren distintos horizontes de sentido, en un proyecto que se interroga sobre la potencia del arte en tanto que acto de habla e invención, en combate desde y contra su propio método.

http://ca2m.org/es/futuras/la-replica-infiel

 

MUSICA : COMBRAY. ULLAPOOL

 

MUSICA: GEORGEOUS & SOULDATE. I KNOW YOU LIKE IT

ENTREVISTA: JUANMA CARRILLO.

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Exposición Juanma Carrillo en Medina del Campo.

“Poderes Extraños”, se podrá visitar hasta el domingo 20 de marzo en la Sala Luis Vélez de la Casa de la Cultura.  Comisariada por  Javier Panera, la muestra forma parte de  la Semana de Cine de Medina del Campo.

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Juanma Carillo es artista multidisciplinar licenciado en realización audiovisual y bellas artes en Madrid y París. Ha trabajado en la prensa musical francesa y sus fotografías se han publicado junto a las de artistas como Nan Goldin, Sophie Calle o Wolfang Tillmans. Su obra se mueve entre el cine de vanguardia y el videoarte  Tiene numerosos premios  Su pasión por la música también le ha llevado al mundo del videoclip, con obras como La bien querida, alabada y premiada por la crítica y el público, y Born Heroes, con la que elogió al mismísimo David Bowie. Desde 2012 es director audiovisual del Festival de Cine Fire!! de Barcelona y desde 2015 director de imagen de la compañía teatral La Joven Compañía.

 

http://www.juanmacarrillo.com/

MUSICA: BBGANG. IF YOU WALK AWAY.

 

 

MUSICA: BIOSPHERE. T SCHOP

 

 

ENTREVISTA : LEV X ANIVERSARIO.

El Laboratorio de Electrónica Visual vuelve a Gijón en su décima edición revisando algunos de los proyectos artísticos que ya han pasado en ediciones anteriores y apostando por nuevos talentos.

L.E.V. se celebra los dias 28,29,30 de abril y 1 de mayo y en él se podrán ver algunas de las propuestas más arriesgadas e interesantes de la creación sonora y visual internacional, pero también con una atractiva participación de proyectos locales, que se dispersarán por diferentes espacios de la ciudad de Gijón, manteniendo como epicentro La Laboral , tanto el Centro de Arte como el auditorio o la cafetería. 

Toda la información en http://www.levfestival.com/16/

 

 

MUSICA:  DASHA RUSH.14.100 HEARTZ

 

MUSICA:   DIGITALISM. UTOPIA

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ENTREVISTA: MARTA ALVAREZ 

 

”Preferiría no hacerlo” Exposición y proyecto artístico colectivo

Del 18 de marzo al 10 de abril de 2016. La Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º. 47001 Valladolid; y diversos lugares, escaparates y locales comerciales distribuidos por la ciudad.

 “Preferiría no hacerlo”, un proyecto expositivo que cuenta con la intervención de Juan Carlos Quindós, Julio Falagán y Colectivo Resituación. Está diseñado por Colectivo Resituación y se enmarca dentro de la programación de CreaVA 2016.

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“Preferiría no hacerlo” es el segundo de los tres proyectos que La Gran está desarrollando para acercarse y reflexionar sobre su contexto artístico más inmediato. Se realiza en el marco de CreaVA16, una plataforma para la visibilidad del arte joven auspiciada por el Ayuntamiento de Valladolid, que financia parcialmente este proyecto expositivo.

“Preferiría no hacerlo” está diseñado por el Colectivo Resituación en coordinación con La Gran; en él participan el propio colectivo y los artistas Juan Carlos Quindós (Valladolid, 1977) y Julio Falagán (Valladolid, 1979). Los primeros lo hacen en la exposición que tiene lugar dentro de la vivienda donde se ubica La Gran y el último dentro del programa “Situaciones” que se desarrollará fuera del espacio expositivo, en diversos lugares, escaparates y locales comerciales distribuidos por la ciudad.

En un contexto en el que la falta de debate que nos anula como ciudadanos es la tónica general, nuestro planteamiento busca la confrontación y la controversia como única manera de asumir riesgos y avanzar.

Por eso nos propusimos abordar el desarrollo de un proyecto que tuviera que ver con la inacción, abordando preguntas sobre el no hacer.

Y para ello era imprescindible un proyecto múltiple y complejo, caracterizado por un fuerte contenido político y conceptual, que ha sido abordado por el Colectivo Resituación, compuesto por Marta Álvarez y

Alba Folgado. Ambas han desarrollado un intenso trabajo de investigación y coordinación que ponga en relación sus propuestas de partida con las de los artistas Juan Carlos Quindós y Julio Falagán y que pivota sobre dos ejes fundamentales: la inmaterialidad y lo procesual. El resultado es un proyecto expositivo “anti-sistema del arte” en un espacio perteneciente al propio sistema como es la galería; además de una serie de actividades que se van a realizar en el espacio público, invitando (e incitando) a la participación de todos los ciudadanos y de colectivos sociales que a menudo desdeñan el papel del arte como medio de transformación social. Involucrar para movilizar.

Además de la web con información general del proyecto (http://preferirianohacerlo.lagran.eu), se ha creado una página específica que irá recogiendo textos e información puntual de su desarrollo y que posibilita una reflexión a largo plazo y más allá de las fronteras de lo local: http://pnhacerlo.wordpress.com

Partiendo del argumento que Bartleby (“Bartleby el escribiente”, Herman Melville, 1853) repite incansablemente como una auténtica declaración de intenciones –“preferiría no hacerlo”– revindicamos la producción artística como un posicionamiento antisistema, comprometido con lo social y que convierte el trabajo improductivo en una verdadera acción, a través de la inacción.

La Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º. 47001 Valladolid. tel. 983 106 154. info@lagran.eu www.lagran.eu

 

 

“Colectivo Resituación”: surge de la necesidad de cuestionar los modos de producción artística preestablecidos sin necesidad de realizar representaciones formales, sino a través de prácticas inmateriales que a veces ocurren en el espacio público. La crítica institucional y el ompromiso socio-político son ejes fundamentales en el discurso de este colectivo que, a través de la mediación, genera diversas dinámicas participativas para un aprendizaje en común. Está formado por Marta Álvarez y Alba Folgado.

Marta Álvarez (Valladolid 1988), ha estudiado Filosofía e Historia del arte. Ha desarrollado diversos proyectos de gestión cultural y de creación colectiva a medio camino entre lo inmaterial, lo performativo, la mediación y la crítica.

Alba Folgado (Valladolid 1988), formada en Bellas Artes y gestión cultural, trabaja como comisaria independiente. Sus intereses son, entre otros, la cultura crítica en conexión con temas de actualidad social y los modelos pedagógicos alternativos.

Juan Carlos Quindós (Valladolid, 1977) es fotógrafo, artista multimedia y director de vídeo experimental.

Estudió Arquitectura (Valladolid, Barcelona, Madrid y Catania) y su labor profesional ha estado vinculada a éste ámbito a través de la fotografía y el vídeo. También ha documentado obras de arte para Museos Nacionales españoles como el Museo Nacional de Escultura, el Museo Arqueológico Nacional, el Cerralbo o el de Artes Decorativas. Sus investigaciones artísticas gravitan alrededor del espacio y la ciudad contemporánea mediante herramientas fotográficas, sonoras y cinematográficas, usadas de forma transversal. En otra línea plástica desarrolla proyectos reinterpretativos sobre otros artistas, como Jorge Oteiza o Juan de Herrera. Su obra ha sido expuesta en diversos museos en exposiciones individuales y colectivas, como el Museo Nacional Cerralbo, el Museo Patio Herreriano, la Sala de Exposiciones de la Pasión en Valladolid, el Colegio de Arquitectos de Castilla y León o la U.I.A.V. de Venecia.

Julio Falagán (Valladolid, 1979), el objetivo principal de su práctica artística es destruir la barrera que separa la alta y la baja cultura y criticar con ironía al poder establecido y sus abusos. Para ello trabaja siempre con imaginarios cotidianos y se apropia de elementos del arte más encumbrado, a los que suma otras piezas de arte más underground e, incluso, callejero. Sus referencias son múltiples, de manera que coloca en un mismo plano todo tipo de fuentes, haciendo de la horizontalidad su máxima ideológica y plástica y trabajando desde la conciencia de vivir en una cultura de la imagen.

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y ha obtenido numerosas becas y residencias como en la Casa Velázquez, la Academia de España en Roma o en el Atelierhaus Salzamt de Linz, entre otros. Su obra está presente en colecciones como la de la Junta de Castilla y León, Ayuntamiento de Madrid, Caja Madrid, Caja de Burgos, Gobierno de Cantabria, Universidad de Salamanca, etc.

 

http://www.lagran.eu/preferiria-no-hacerlo

 

MUSICA:  INSIDE OUT. KOI MEETING BY CHANCE

 

CONTRAPORTADA: CELLO AND LAPTOP. A DRIFT IN THE MARSHLAND

Rosa Pérez   18.mar.2016 11:44    

Feminismos

    viernes 11.mar.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 14.03.16

 

 

 

 

 

La obra de Julia Cameron,  el artista esloveno Primotz Bizjak, la exposición Feminisarte IV y  Pájaros en la Cabeza del colectivo Offmothers. Además de la música de Soulsavers, 

 

PORTADA:  SOULSAVERS.

Soulsavers

KUBRICK, es el segundo trabajo de Soulsavers, el dúo que recientemente trabajo en colaboración con Dave Gahan, en su último disco Angels and Ghosts, vuelven con un disco enteramente instrumental, Kubrick es hasta cierto punto un nuevo camino para la pareja y, al mismo tiempo no es ajeno a su forma de trabajo, aunque esta sea  la primera vez que han producido un álbum entero sin voz alguna. En esta ocasión, la atención se centra en la perspicacia de composición del dúo.

Es un movimiento valiente para lanzar otro tipo, y como si eso no fuera  suficientemente, han decidido basar cada pieza alrededor de un personaje de la obra de Stanley Kubrick.

En definitiva Kubrick propone un viaje emocional a través de la obra y los paisajes del cineasta, con orquestación clásica han utilizado pocos efectos y el método de grabación más directo posible.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.metmuseum.org/exhibitions/objects?exhibitionId=79eb91e1-d244-4348-a0e6-16a692a72049

MUSICA: QLUSTER. WEG AM HANG

Juliacameron1

El café virtual de FR, nos presenta a una de las grandes retratistas de la historia de la fotografía. Viajamos a 1815 cuando nació Julia Margaret Cameron.

Cameron mezcló una técnica poco ortodoxa con una sensibilidad profunda para crear una galería de retratos vividos y que reflejó como nadie el espíritu victoriano.

MUSICA GENUIS. AIRPS

Juliacamaron2

Cuando recibió su primera cámara en diciembre de 1863 como un regalo de su hija , Cameron tenía cuarenta y ocho años, era madre de seis hijos, y profundamente religiosa. Cultivada,  amiga de lo excéntrico y de muchos artistas de la época como poetas y pensadores.

La obra de esta fotógrafa no es fruto de la casualidad, sino de un estilo que tuvo el coraje de dar la espalda a las reglas de la reproducción mecánica y a los cánones de la época. Asumiendo la imperfección como expresión artística, logró recoger algo que iba más allá de la nitidez de la imagen: el alma de los retratados, sobre todo sus mujeres y niñas, a las que capturó como nadie lo había hecho antes.

MUSICA: LOLLY HERDOM. MORNIG SUN

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Melancólicas y vulnerables, de una belleza romántica y enfermiza, pero también impenetrables y desafiantes, con una profundidad trágica que hoy se mantiene imperturbable. Asi    se muestran las imágenes captadas por Julia Cameron.

Pese a que desde muy pronto se reconoció su enorme influencia, se insistió en la idea de los fallos técnicos y de la suerte del aficionado frente a la que hoy cobra más peso: la obra de Julia Margaret Cameron es fruto del empeño de una mujer ambiciosa y testaruda que se sabía artista.

 En su casa en la isla de Wight, reconvertida en estudio y laboratorio, retrató a familiares, amigas y vecinas.

MUSICA:HEEZEN AUTOMAT

Juliacameron4

 

En su obra gusta de dejar huellas del proceso, de las manchas, rasguños o efectos borrosos que dotaron de enorme modernidad, y humanidad, a su trabajo.

La Fundación Mapfre presenta en su Sala Bárbara de Braganza una exposición sobre la fotógrafa Julia Margaret Cameron en el bicentenario de su nacimiento. Poco valorada en su época hoy es reconocida como una artista con coraje que se mostró distante respecto de los cánones y representó la imperfección como expresión artística.

Se inaugura el 15 de marzo.

 

MUSICA : NO ACCIDENT IN PARADISE. FARBIAMIA

ENTREVISTA  PRIMOZ BIZJAK. 

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NO TE PIERDAS LA EXPOSICIÓN DE 
PRIMOZ BIZJAK EN TASMAN PROJECTS

Tras la intensa semana de ARCO y ferias paralelas en Madrid, parece que todo vuelve a la rutina. Por eso, te invitamos a no dejar pasar la oportunidad para visitar la exposición MADRID. Mudanzas y reflejos en el espacio de TASMAN PROJECTS, en el centro de Madrid.



MADRID. Mudanzas y reflejos es el título de la exposición que presenta las fotografías del artista esloveno Primož Bizjak (Eslovenia, 1976) sobre la ciudad de Madrid por primera vez en el espacio TASMAN PROJECTS, una iniciativa de colaboración desinteresada de diferentes profesionales para el apoyo a artistas de mediana carrera residentes o vinculados a España. Está promovido por coleccionistas privados contando, en esta ocasión, con la colaboración de COLECCIONA y la Galería Gregor Podnar de Berlín.

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Primož Bizjak. MADRID. MUDANZAS Y REFLEJOS.
TASMAN PROJECTS. Calle Ferraz, 84, Madrid.



MUSICA: DAUGHTER DOING THE RIGHT THING.

 

INDICATIVO+MUSICA NOCTURNAL SUNSHINE. BELIEVE

 

ENTREVISTA: MARGARITA AIZPURU, comisaria de FEMINISARTE  IV. Centro Centro Madrid.

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En las últimas décadas, multitud de enfoques y posiciones se han producido dentro

de los feminismos ofreciendo numerosas visiones y discursos que han enriquecido no sólo el abanico de

opciones sino el propio campo teórico-práctico de confluencia de los feminismos y el arte.

Algunos de los avances más significativos se han producido en torno a la

desestructuración de la identidad femenina como única, fija e inmóvil y adjudicada sólo a las mujeres y las

narrativas desarrolladas a partir de ello. Además, ha habido una gran evolución dentro de los planteamientos

feministas en general, y en el ámbito artístico en particular, en el sentido de incorporar a los discursos y

análisis, las diferencias, en plural, y no sólo de género, sino también de raza, clase, opción sexual y otras. Y hoy

nos encontramos con una pluralidad de teorías feministas que alimentan de forma enriquecedora distintos

enfoques y perspectivas dentro de las prácticas artísticas, acumulándose unas con otras y desarrollando ricos

caminos nuevos de indagación.

Tanto a nivel internacional, como en nuestro propio país, las artistas están expresando

en sus obras unos discursos visuales que han venido desenmascarando lo que estaba implícito en la identidad

sexo-genérica fijada en el patriarcado, efectuando sus personales deconstrucciones y reconstrucciones.

El proyecto expositivo organizado por el CentroCentro Cibeles de Madrid se incardina

en los enunciados y planteamientos mencionados. Una muestra colectiva internacional de mujeres artistas

que trabajan desde diversos acercamientos, discursos, tonos y temas, pero desde el mencionado techo

común interrelacional de mujeres, género y prácticas artísticas, la inmensa mayoría de ellas desde posiciones

claramente feministas.

Se incluye tanto a artistas españolas como extranjeras dentro de las últimas tendencias

estéticas. La selección de obras se integra dentro de los siete apartados de contenidos temáticos en los

que se subdivide este proyecto expositivo y que son: Cuerpo, poder y violencia de género; Revisitaciones

culturales y género; Estereotipos e identidad femenina; Deconstrucciones paródicas de “lo femenino”;

Narrativas corporales; Identidades múltiples; Memoria y afecto.

La lista de creadores incluye a las españolas Marisa González, Amalia Ortega, María

Cañas, Marina Núñez, Marina Rodríguez Vargas, Cristina Mejías, Mara León, Paloma Navares, La Ribot,

Mar García Ranedo y Carmela García; así como a Beth Moyses (Brasil), Ambra Polidori (México), Teresa

Serrano (México), Natalia Granada (Colombia), Anna Jonsson (Suecia), Teresa Ribuffo (Italia) y Maria José

Argenzio (Ecuador).

FEMINISARTE3

MUSICAROJAVA. KRITZKO. INNER MARCH FOR UTOPIA

 

MUSICA :  ROJAVA. ANJA KREISING. DREAMS IF MY MOTHER

ENTREVISTA:  

SUSANA CARRO Y NATALIA PASTOR. 

 

Grupo de trabajo: OFFMOTHERS. Pájaros en la cabeza

OFMOTHER1  OFMOTHER2

El colectivo OFFMOTHERS realiza varias sesiones de trabajo en torno al proyecto 'Pájaros en la cabeza' para la producción de una instalación audiovisual vinculada a la identidad femenina y la maternidad

OFFMOTHERS desarrolla un grupo de trabajo en LABoral con sesiones centradas en el proyecto Pájaros en la cabeza, una producción multidisciplinar en la que formato vídeo tiene una especial importancia. A partir de grabaciones en espacios de trabajo y vidas cotidianas se procederá al montaje de sucesivas narraciones documentales que arrojen luz acerca de las posibles vivencias de la maternidad.

El colectivo OFFMOTHERS está formado por un grupo de artistas, sociólogas, filósofas y músicas asturianas las cuales analizan, denuncian e interpretan no sólo la experiencia de ser mujer y artista, sino también madre y artista. Su objetivo es arrojar luz sobre la vivencia contradictoria de la maternidad y denunciar la construcción cultural de un modelo único y tradicional de la misma a través de una metodología de trabajo colectivo con el fin de producir vínculos y convergencias entre artistas asturianas de diferentes ámbitos e intereses. Todo ello pretende llevar a la comunidad artística el discurso feminista y recibir una interpretación estética del mismo creando una plataforma de colaboración interdisciplinar entre la filosofía, la sociología y las distintas artes plásticas y visuales. OFFMOTHERS es un laboratorio de ideas y experimentos artísticos útiles en el proceso transformador de la sociedad gracias a la capacidad de seducción e intensidad emocional del arte.

Partiendo de estas premisas, Ruth González, instructora de talleres artísticos y asistente en educación creativa, desarrolla con las hijas e hijos de las artistas actividades durante las sesiones del colectivo OFFMOTHERS, redundando en la propia vinculación profesional y personal de sus madres en el ámbito artístico. De esta forma, las diferentes exposiciones del Centro de Arte sirven de hilo conductor en el contexto del proyecto haciendo partícipes y conscientes del mismo a los niños.

COMPONENTES DE OFFMOTHERS: Susana Carro Fernández, Elena de la Puente, Natalia Pastor, Roxana Popelka, Blanca Prendes, Gema Ramos y Eugenia Tejón

 

MUSICA : LCC. HOTH

CONTRAPORTADA: DAX. del álbum Kubrick

Rosa Pérez   11.mar.2016 11:10    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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