II ENCUENTRO AVLAB 2017 GRSM

    viernes 24.mar.2017    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 27.03.17

 

 

Programa dedicado integramente a la segunda jornada de los Encuentros AVLAB, organizados por el Grupo de Resistencia Sonora de Madrid, en Medialab Prado.

PORTADA: NAThan fake. Degreelessness.

Descarga

Once años han pasado desde que vio la luz su primera grabación en Border Community, la titulada ‘Drowning in a Sea of Love’, que le convirtieron en uno de los artistas más principales del mapa electrónico. Tras cinco años de silencio, regresa con nuevo material, esta vez bajo el manto de Ninja Tune y titulado Provicende. 

 

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El colectivo GRUPO DE RESISTENCIA SONORA DE MADRID nació con la intención de trabajar a favor de la difusión cultural de músicas avanzadas, englobando en este término todas aquellas propuestas sonoras que aporten diferenciación, innovación, puntos de ruptura, filosofías y técnicas de trabajo alejadas (o mutadas) de los flujos de producción musical habitual. Dando gran importancia al proceso de creación, donde la tecnología y los procesos vanguardistas se adaptan no sólo a la parte técnica sino también a la parte compositiva, el resultado de este tipo de creaciones aporta un nuevo enfoque diferenciador, rupturista y aperturista del trabajo sonoro.

Para ello se creo un ciclo que durante tres meses ha mostrado diferentres propuestas, acogidas en el Medialab Prado bajo la etiqueta de Encuentros AVLab, una fórmula que permite acceder a estas propuestas sonoras, a veces dificiles de entender, pero que son mostradas de forma pedagógica por los propios creadores.

 

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El pasado 25 de febrero el GRS reunió tres propuestas bien distintas. Primero la de Juan Antonio Lleó.

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Compositor y artista multimedia, especializado en música electroacústica, arte por ordenador y proyectos ACT (Arte, Ciencia y Tecnología).

Sus obras musicales se han presentado en conciertos, festivales, emisiones de radio, televisión e internet en diversas partes del mundo, se han editado en publicaciones de discos, videos, películas, multimedia, etc,

En arte por ordenador, ha presentado diversas exposiciones individuales y ha participado en varias exposiciones colectivas (Salón Digital de Nueva York, CAB (Centro de Arte Caja Burgos), entre otros.

 

 

La jornada continuó con  la presentación de Olaf Ladouse

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Olaf Ladousse es un constructor nato, dibujante, ingeniero, diseñador y luthier. Tiene un largo recorrido a sus espaldas como dibujante e ilustrador, sus dibujos aparecen en diversas publicaciones de libros, discos y prensa. La música es una parte importante del desarrollo de su trabajo más experimental con un sinfín de conciertos por todo el mundo con su grupo de música Los Caballos de Düsseldorf (LCDD). También es editor del fanzine Qué Suerte, que reúne a los mejores ilustradores internacionales del momento.Así se presentó en los Encuentros AVLab.

 

Para finalizar la segunda jornada del ciclo Encuentros AVLab organizada por el GRS de Madrid, el dúo formado por Marianela León y Mario Bastián presentaron una performance que combina música y danza butoh.  

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Marianela León y Mario Bastian vienen trabajando conjuntamente desde el año 2013. Sus trabajos no solo se limitan a poner en común sus propios lenguajes expresivos como pueden ser la danza, la improvisación libre, la música experimental o el media art, sino que investigan sobre territorios donde el cuerpo como sujeto político es el punto de partida. Desde el terreno de la representación al de la filosofía en torno a un cuerpo en disputa.

 

Por cierto, la última acaba de celebrarse este pasado sábado de la que esperamos ofreceros también un resumen próximamente donde se ha podido ver entre otros a Poupeés Electrique.

MUSICA:  POUPEES ELECTRIQUES. END OF DIVERSION

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La larga trayectoria de Poupées Électriques ha estado marcada por un vasto recorrido de experiencias, colaboradores, composiciones, conciertos… Formados en 2004 por Carlos A. y Paco F. (posteriormente como MicroPlex) bajo un concepto experimental de conjunción de las últimas tecnologías musicales con la recuperación de los artilugios más ancestrales de la música del siglo XX (intonarumori, theremin).

A través de sus diversos trabajos y espectáculos han desarrollado un lenguaje de expresión particular y en continua evolución, moviéndose libremente por la experimentación sonora, la música industrial, las composiciones rítmicas, la atonalidad…, a lo largo de más de una treintena de actuaciones y varias incursiones en cine y en diversas campañas.

Ahora Poupées Électriques abren una nueva etapa, bajo un nuevo concepto, una nueva formación y nuevas apuestas…

CONTRAPORTADA : NATHAN FAKE. HOURS DAYS MONTHS SEASONS.

Rosa Pérez   24.mar.2017 08:28    

Ren Hang, Momo y Frankey & Sandrino

    viernes 17.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.03.17

 

PORTADA:  FRANKEY & SANDRINO. WEGA.

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Los dj´s y productores Frankey & Sandrino han protagonizado algunos de los momentos más épicos de la electrónica de baile.

Ambos han estado activs en la escena electrónica, de forma individual desde hace más de una década. Sandrino como abanderado del house y Frankey como músico que ha militado en diferentes experiencias musicales y publicado varios albumes en el Mercado.

Tras su encuentro en el Butan club en 2010, el dúo germano no han dejado de colaborar

El pasado 10 de febrero pusieron en circulación su nuevo material en un ep titulado  Wega EP.

Café virtual: http://www.tryffelgrisen.com/artists/ren-hang?view=slider#37

MUSICA: BADUM REMIX 1.

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El fotógrafo chino Ren Hang, es conocido por sus desnudos que exploran los límites de la curiosidad y el tabú. Con composiciones muy elaboradas, sin embargo sus procesos de trabajo nunca fueron excesivamente planificados.

Nacido en Beiging, el poeta y fotógrafo chino conocido por sus  imágenes eróticas fue encarcelado más de una vez por su arte. Ren Hang comenzó a interesarse por la fotografía cuando, aburrido de sus clases de la universidad, en  la que estudiaba publicidad, formó un grupo de buenos amigos con los que comenzó a experimentar y descubrirse a sí mismo como artista.

 

 

 

MUSICA: badum remix 4

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La obra, provocativa y explícita, de Re Hang, representó la libertad artística en su máxima expresión. Prisionero de una depresión con la cual tuvo que batallar durante toda su vida y que alcanzó a documentar en su propia página web

Polémico, transgresor y sin miedo, el fotógrafo Ren Hang fue uno de los artistas más reconocidos de la última década por desafiar el concepto de tabú.

 

 

 

MUSICA: Badum remix 5

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Durante los últimos años, Ren Hang desafió las nociones de la sexualidad en China con imágenes provocativas, que eran consideradas pornográficas en su país, representando los cuerpos humanos en la naturaleza y en poses poco comunes, llenas de tensión y dramatismo. Aunque no se le considera un artista político como  Ai Weiwei y Cheng Li, el gobierno chino lo mantenía censurado  por tratar temas polémicos como la desnudez, el género y la homosexualidad. Aunque no evitó su éxito internacional.

El pasado 24 de febrero se quitó la vida con apenas 29 años.

 

 

 

MUSICA: 11. Evian Christ. Salt carrousel

ENTREVISTA: Laura Calvarro, codirectora de Delimbo Gallery. Sevilla. 

MOMO, ARTISTA RECONOCIDO INTERNACIONALMENTE POR ELABORAR GRANDES MURALES EN ESPACIOS PÚBLICOS, INAUGURA ESTE JUEVES A LAS 21H. SU EXPOSICIÓN "WILDERNESS" EN DELIMBO GALLERY

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El artista norteamericano MOMO trabaja con herramientas caseras, investigando técnicas de albañilería y adaptándolas a su propio modus operandi para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público. Gracias al reconocimiento internacional de su obra ha recorrido medio mundo, trabajando y viviendo en ciudades como Nueva Orleans, Granada o Nueva York, donde en la actualidad mantiene tanto su estudio como residencia.

Sobre su trabajo con estética reconocible de inmediato, vibrante y no representacionalista, el comisario de arte urbano de la Tate Modern, Rafael Schacter, afirma: “Diluye los límites entre lo digital y lo abstracto, entre la precisión y la practicidad, creando un proceso perfectamente imperfecto en el que se basa tanto su trabajo de estudio como su producción para espacios públicos: dos facetas de su obra en continua retroalimentación”.

Petit Palace Hoteles, en su compromiso con los creadores y con el arte de vanguardia, participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a la cultura, #Impulsarte by Petit Palace Hoteles.

 

De entre las obras de MOMO, podemos destacar su primera monografía, "03 a.m.-06 a.m.;", publicada por Rojo en 2008; su segundo libro, “In 74 pieces", editado por Studio Cromie en 2012; la instalación inmersiva "Butt Joints (juntas a tope)" en la May Gallery de Nueva Orleans; el mural de 61 metros de largo entre el puente de Brooklyn y el de Manhattan en Dumbo, Brooklyn, encargado por New York DOT; el mural de 80 metros de ancho, realizado en 2015 en el vestíbulo de la Torre John Hancock en Boston; el mural de 80 metros de altura en el centro de Filadelfia o la doble fachada de 5 pisos en Manhattan, producida por la Art Production Fund NY.

" hasta el 30 de Mayo de 2017

MUSICA: Florian Kruse & Hendrik Burkhard Pres. RAISE YOUR GLASS. TheGround.

 

MUSICA:  Lotic. Heterocetera

Loc: Hasta el 2 de abril se presenta la exposición Hecho en Roma. El resultado de las Becas de la Real academia de España en Roma. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, presenta los trabajos de los becados 2015-2016.  Os invitamos a hacer una visita guiada junto a Manuel Blanco, arquitecto y comisario de la muestra que en esta ocasión se extiende por el edificio  inundado los espacios con un amplio catálogo de propuestas artísticas de distintas disciplinas artísticas.

ENTREVISTA: Manuel Blanco, y la artista Gabriela Bettini,

Exposición HECHO EN ROMA. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Calle Alcalá, 13. Madrid

Hasta el 2 de abril 

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La muestra, comisariada por Manuel Blanco, recoge una selección de los trabajos

realizados por los siguientes artistas e investigadores, becados todos ellos en la Academia

de España en Roma durante el periodo 2015--2016: Susana Arenillas (fotografía), Fátima

Bethencourt (arte), Gabriela Bettini (arte), Antonio Blanco Tejero (música), Andrés Catalán

(poesía), Jorge Conde (arte), Alberto Díaz López (cine), Benjamín Domínguez Gómez

(restauración), María Elena Cuenca (música), Jaime Ferrer Fores (arquitectura), Jaime

González y Manuela Pedrón (comisariado), Iñaki Gracenea Zapirain (artes plásticas), José

Guerrero Sánchez (fotografía), Ulises Juárez Polanco (literatura), Martín López Lam

(cómic), Jesús Madriñán Fernández (arte), Inés Molina Fuentes (arte e ilusionismo), Clara

Montoya Vozmediano (escultura), David Muñoz López (cine), Julia Ramírez Blanco

(historia del arte), Rafael R. Villalobos (artes escénicas), Josep Tornero Sanchís (arte), Juan

Zamora González (arte).

Un año más, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, RABASF, acoge la exposición de los artistas e investigadores que disfrutaron de las becas que otorga la

Academia de España en Roma. En esta ocasión, la exposición se articula bajo la mirada de su comisario Manuel Blanco, quien por primera vez ha querido sacar algunos de los trabajos fuera de las salas de Calcografía Nacional e introducir al visitante en el universo de la producción romana desde que éste accede a la RABASF.

Hecho en Roma no es una exposición colectiva sino el resultado de una convivencia en uno de los centros de creación de mayor excelencia que existen. Las estancias en la Academia de Roma permiten a sus becados gozar de un ambiente único para el desarrollo de sus trabajos en una ciudad inspiradora y meta del Grand Tour para los amantes de las artes. La convivencia entre artistas e investigadores de distintas disciplinas es uno de los puntos más enriquecedores que viven los becarios, formando un microcosmos compuesto por formatos, géneros y recorridos vitales distintos. Roma significa para los becarios algo más que una estancia, se trata de un proceso vital que marcará para siempre sus trayectorias.

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La muestra se compone de las obras emblemáticas realizadas en Roma de cada uno de sus

24 becarios. A las disciplinas tradicionales de la Academia – pintura, escultura, música,

arquitectura, literatura, poesía y restauración – este año se unen otras como el cine, el

comisariado, el cómic, la fotografía o el ilusionismo. Aun así, el comisario ha querido

otorgarles a todas el mismo valor y por ello serán expuestas bajo un formato común.

Hecho en Roma cuenta con un catálogo escrito por Manuel Blanco, quien describe sus

impresiones y analiza los procesos creativos de cada uno de los becarios. Un texto

imprescindible para adentrarse en la obra de artistas e investigadores y para conocer de cerca

lo realizado en Roma.

Manuel Blanco Lage, Doctor Arquitecto, es Catedrático del Departamento de Composición Arquitectónica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. Fue comisario del Pabellón de España en la X Biennale di Architettura di Venecia 2006, donde presentó España [f] Nosotras, las Ciudades. Ha comisariado y diseñado numerosas exposiciones concebidas como instalaciones, entre las que se encuentra la serie sobre Campo Baeza en MAXXI de Roma, GalleryMa de Tokyo, BasilicaPalladiana de Vicenza, Basilica Bizantina de Santa Irene, Urban Center of New York, Mies Van der Rohe’s Crown Hall, IIT Chicago.

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GABRIELA BETTINI. 
Artista visual, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Fine Arts por la University of East London (Beca de la Fundación La Caixa y British Council para estudios de posgrado en el Reino Unido).
Entre sus últimas exposiciones individuales se incluyen “Paisajes de excepción” (Galería Silvestre, Madrid, 2016), “Larga distancia” (Galería Silvestre, Tarragona, 2015) y “La casa roja” (Galería Mundo Nuevo, Buenos Aires, 2013; La Fresh Gallery, Madrid, 2013). Ha participado en exposiciones colectivas en Europa y Sudamérica y en la Muestra de Arte INJUVE (2005). Obtuvo una beca del Centro Cultural de España en Buenos Aires (Residencia URRA, 2010) y el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007).
Desarrolla su trabajo mediante el dibujo, la pintura y el vídeo. En sus últimos proyectos se ha centrado en las dimensiones sociales, históricas y culturales del paisaje y en revisar la relación que entablan determinados lugares con la memoria que albergan.

 

 MUSICA: CLAPTONE. THE DRUMS

 

MUSICA . Niet. Nonsense Yessense. Can you feel it ep

ENTREVISTA: MAU MONLEON , comisaria de la exposición  WOMEN IN WORK . Dona, art i treball en la globalització. Universidad     Politécnica de Valencia. Hasta el 19 de mayo.

Artistes PARTICIPANTS
Xoán Anleo
Ursula Biemann
Claudia Brenlla
Brigada de Propaganda Feminista
Mar Caldas
Maribel Doménech
Marga Ferrer
Xisela Franco
Yolanda Franco
Julia Galán
Guerrilla Girls
Núria Güell
Valentina Paz Henríquez
Yolanda Herranz
Ideadestroyingmuros
INVASORIX
Anja Krakowski
Cristina Lobaiza
Eva Máñez
José Juan Martínez
Las mitocondria
Mau Monleón
Olga Olivera-Tabeni
Pau Orts
Pedro Ortuño
Alba Pascual Benlloch
Uqui Permui
Javier Pistani
Precarias a la deriva
María Ruido
La reparadora de sueños
Mar Reykjavik
Salomé Rodríguez
Dionisio Sánchez
Danka Stepan
Anna Maria Staiano
Magui Suárez
María Zárraga
Washas del Sistema
Faith Wilding

Womwn

Más de 40 artistas y colectivos reflexionan sobre la situación laboral desde un punto de vista de género en la globalización. Para ello se ha contado con la visión de artistas consolidadas como la suiza Ursula Biemann, las norteamericanas Faith Wilding o Guerrilla Girls, así como con artistas nacionales de reconocido prestigio como la artista catalana Nuria Güell, la artista de Bilbao Marisa González, o las valencianas María Zárraga o Maribel Doménech, entre otras, así como con colectivos emergentes internacionales y nacionales como el mexicano Invasorix o el colectivo Ideadestroyingmuros & Anna Maria Staiano. Tiene especial relevancia la selección de obra gráfica de los colectivos chilenos Washas del Sistema y Brigada de Propaganda Feminista.

La globalización no ha sido capaz de superar la antigua ordenación de las esferas socio-económicas definidas por la división sexual del trabajo productivo y reproductivo. Muy al contrario, si bien la mujer se ha incorporado al mercado laboral productivo de forma masiva, no ha dejado de realizar las tareas reproductivas invisibles (el trabajo de cuidados que permite la reproducción de la vida).

Las mujeres acceden al mercado laboral de forma asimétrica respecto a los varones debido principalmente al “impuesto reproductivo”, como observa Rosa Cobo en su análisis sobre la globalización y las nuevas servidumbres de las mujeres. Otros problemas son el aumento del trabajo gratuito, la brecha salarial y la segregación del mercado global de trabajo, así como la feminización de la pobreza.

La exposición Women in Work. Mujer, arte y trabajo en la globalización ofrece una revisión de algunas prácticas artísticas que desde los años 1990 en España y a nivel internacional han abarcado y abarcan esta temática. La mayoría de los proyectos expuestos (instalaciones, videoinstalaciones, fotografías, vídeos, videodocumentales, performances y obra gráfica) tienen un carácter feminista, y es por ello que están realizados tanto por hombres como por mujeres, superando el lugar común de que únicamente las mujeres están interesadas en estas cuestiones.

El referente y precedente fundamental de nuestra propuesta es la exposición Women and Work (1975), del colectivo británico Hackney Flashers, donde se reconocía la contribución invisible de las mujeres a la economía en el hogar y fuera de él.

La actual exposición parte del momento de la disolución de este colectivo en 1980, y se estructura, atendiendo a cuestiones temáticas y conceptuales, en cinco grandes bloques programáticos:

Los y las artistas dentro de los circuitos de género en la era global que utilizan la crítica feminista y/o que proponen algunas subversiones de la economía. Coordinación del bloque realizada por Mau Monleón.

El ciclo de vídeo Working, cuya tensión se instala principalmente en torno a la crítica al monopolio machista de la cultura. Este ciclo se encuentra coordinado por Mau Monleón, Dionisio Sánchez y Valentina Paz Henríquez.

El ciclo de vídeo Feminismos, mujer y trabajo en Galicia coordinado por Anxela Caramés (originalmente comisariado para la exposición Alén dos xéneros/Más allá de los géneros. Prácticas artísticas en Galicia), cuyo carácter monográfico aporta la visión concreta de las mujeres trabajadoras gallegas en el ámbito español.

El ciclo de vídeo de carácter documental Nuestro orgullo, nuestra lucha, acerca de las mujeres trabajadoras peruanas y sus diferentes luchas, coordinado por Valentina Paz Henríquez.

Por último, la selección de gráfica feminista Mujer no me gusta cuando callas: movimiento estudiantil y lucha feminista en Chile, realizada por el Núcleo de estudios sobre gráfica política y movimiento estudiantil en Chile, y coordinada por Carolina Olmedo Carrasco y Javiera Manzi.

Dentro de estos cinco bloques se abarcan diversas problemáticas, que podemos agrupar en torno a distintos ejes temáticos.

El afianzamiento de la economía globalizada poscolonial que produce nuevas servidumbres domésticas, entre las que se encuentran, por ejemplo, las mujeres migrantes filipinas tiradas en las calles (Marisa González, Ursula Biemann, Julia Navarro); la deslocalización donde las industrias estadounidenses montan sus equipos electrónicos y digitales que produce una sexualización de las regiones fronterizas a través de la división del trabajo de género y que incluye la prostitución, la expresión de deseos femeninos en la industria del entretenimiento y la violencia sexual en la esfera pública, así como el tráfico de mujeres y las transacciones transfronterizas (Ursula Biemann); la migración de las mujeres vinculadas a las economías ilícitas y a la implementación de nuevas tecnologías, el paro, la precariedad laboral y la explotación de las mujeres (Precarias a la deriva, María Zárraga, Ursula Biemann); la explotación sexual infantil dentro de la creciente industria del turismo sexual y también la división sexual del trabajo transmigratorio (Nuria Güell).

Los nuevos trabajos surgidos a raíz de las tecnologías de la comunicación como el de teleoperadoras, la influencia de las TIC y de la robótica en la vida de las mujeres (Faith Wilding, Mar Reykjavik); el techo de cristal, la brecha laboral y los roles adquiridos (Maribel Doménech, Mar Caldas, Julia Galán, María Zárraga, José Juan Martínez, La reparadora de sueños, Anna Maria Staiano & Ideadestroyingmuros).

La reivindicación así como la crítica hacia diversos trabajos manuales donde las mujeres han desarrollado un papel importante y sustentador de las economías familiares, como son el trabajo con el tejido, el esparto, las mujeres que trabajan en la economía sumergida como chaqueteras, o el trabajo en el campo de las mujeres rurales (Marga Ferrer, Xisela Franco, Pedro Ortuño, Eva Máñez, Maribel Doménech, Olga Olivera-Tabeni, Yolanda Franco & Magui Suárez); el simbolismo de la bata como prenda de trabajo que acompañó a nuestras madres durante décadas (Claudia Brenlla); o el avance y la pérdida de los derechos laborales en la industria textil (Anja Krakowski).

La crisis de los cuidados, las maternidades globalizadas, el trabajo emocional y las nuevas crisis migratorias de jóvenes mujeres graduadas e incluso doctoras de España y de toda Europa; el trabajo doméstico frente al trabajo productivo, los límites entre lo personal-doméstico y lo público-político (Yolanda Herranz, Las mitocondria, Julia Navarro, Olga Olivera-Tabeni).

La crítica a la dominación masculina de la cultura, del lenguaje y del imaginario colectivo; la propia cuestión de las trabajadoras del arte que cobra de nuevo relevancia hacia finales de los años 1980 y que en la década posterior y hasta hoy en día se ha ocupado extensamente de la demografía artística, así como de los patrones y estadísticas de empleo y representatividad frente a los hombres. Dentro de ello los Big Data y el carácter machista de buscadores como Google (Guerrilla Girls, Valentina Paz Henríquez & Mau Monleón & Dionisio Sánchez, Maribel Domenéch, INVASORIX, Pau Orts & Dionisio Sánchez, R. S. y P. A.).

El reconocimiento del trabajo silenciado de las mujeres tanto en el ámbito privado como en el público, la educación silenciada, los trabajos emocionales en la transmisión oral de la cultura (Javier Pistani & Cristina Lobaiza); de lo íntimo a lo público: los relatos privados de mujeres de distintas generaciones que hacen visible la estructura histórica desde la República al cambio socialista en España (Uqui Permui & Xoán Anleo); el pensamiento transformador de género, el trabajo positivo de cambio a través de la creación como metáfora (Danka Stepan); al mismo tiempo que la reflexión sobre el trabajo como producción frente al outsourcing, al just in time, a la hiperflexibilidad o al biotrabajo; la redefinición del trabajo a partir de la propia experiencia de la autora como trabajadora cultural (María Ruido).

MUSICA: Olivia Louvel. The four Marys.  Data Regina.

CONTRAPORTADA:  FRANKEY & SANDRINO. POLLOUX.

Rosa Pérez   17.mar.2017 10:48    

Justin Mortimer,entre la belleza y el horror. Facba 17 en Granada. Edurne Herrán en Centro Montehermoso de Vitoria. Sesión Radio Encendida y lo nuevo de Bing & Ruth.

    viernes 10.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 13.03.17

 

TÍTULARES:  Justin Mortimer, Facba 17 en Granada. Edurne Herrán en Centro Montehermoso de Vitoria. Sesión Radio Encendida y lo nuevo de Bing & Ruth.

 

PORTADA: BING & RUTH. Is Drop.   NO HOME OF THE MIND.

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Bing & Ruth han anunciado su tercer álbum de estudio No Home of the Mind.Continuando con el hábil minimalismo que los ha marcado en círculos críticos en los últimos años, el nuevo récord del grupo de Nueva York se publicó  el 17 de febrero de 2017. Fundado en 2006, Bing & Ruth es un colectivo en constante evolución dirigido por el compositor y pianista David Moore . Con Moore en su núcleo, la formación de Bing & Ruth se ha ido transformando desde su  álbum  debut City Lake  hasta llegar a este  No Home of the Mind, donde en forma de quinteto continuan explorando un lenguaje contemporáneo a través de instrumentos clásicos e incorporando texturas electrónicas.

CAFÉ VIRTUAL: http://justinmortimer.co.uk/

MUSICA: 09 KILN. BORO

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"Justin Mortimer es un artista británico cuyas pinturas constantemente nos invitan a cuestionar la relación entre el tema y el contenido, la belleza y el horror, y entre la figuración y la abstracción. Si bien la imagen es casi exclusivamente despiadada, la textura de la pintura, el juego entre la luz y la sombra y los pasajes que conducen de la definición fotorrealista a la ausencia de forma abstracta casi abstracta son tan sensibles que hacen que la obra de Justin Mortimer se encuentre en una dimensión filosófica  entre la evidencia y la interpretación.

MUSICA: NIET!. NONSENSE YESSENSE REMIX

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La pintura violenta de Justin Mortimer Nada tiene una sola lectura en los óleos desasosegantes y extraños de este pintor que ha recibido numerosos premios en su país, entre ellos el codiciado BP de la National Portrait Gallery en 1991, que conllevó su salto a la fama y que recibiera encargos para retratar a celebridades como el dramaturgo Harold Pinter, la Reina Isabel a la que representó con la cabeza cortada montando una pequeña escandalera y David Bowie, a quien desgarró la piel de la cara en un cuadro turbador.

Para cada una de sus pinturas Justin Mortimer hace hasta cuarenta collages de Photoshop. A medida que cada pintura se desarrolla a través de iteraciones sucesivas de su material fuente, Mortimer sigue ciertas posibilidades y rechaza a otras, regresando y refinando constantemente, introduciendo nuevos motivos y eliminando elementos que son extraños.
 
Trabajando de este modo, Mortimer ha construido una vasta reserva de imágenes a través del tiempo, un compendio visual que refleja sus obsesiones y su visión muy particular e idiosincrásica de nuestros tiempos.

MUSICA: BEATE BARTEL/GUDRUM GUT. SHELLS AND BELLS.

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Hasta aquí la sesión de FR, para conocer la obra de Justin Mortimer que reflexiona sobre un mundo en un estado en constente desorde, combinando imágenes procedentes de internet con material de archivo de viejos libros y revistas con el fin de visualizar un mundo en el que nada es estable haciéndose eco de las grietas tectónicas que aparecen en el viejo orden mundial.

La galería Parafin de Londres, presenta su segunda exposición con el pintor británico Justin Mortimer, ampliamente considerado como uno de los principales pintores figurativos que trabajan hoy y una figura emblemática para una generación más joven de artistas. Mortimer es un artista que ha perseguido constantemente una visión y una manera particulares de trabajar independientemente de los caprichos de la moda.

MUSICA: AIRHEAD. PYRAMID LAKE

ENTREVISTA  .Marisa Mancilla y Juanje Torres.

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FACBA es un proyecto cultural que llega a 2017 a su novena edición diseñando una estructura de colaboración interinstitucional para generar un gran evento en torno a la investigación y producción en arte contemporáneo. Este acontecimiento presentará en distintas salas de la ciudad de Granada durante el próximo mes de marzo 2017 una constelación coordinada de exposiciones en las que se presentarán proyectos realizados por una selección de artistas vinculados de distintos modos a la Universidad de Granada.

FACBA 2017 se propone impulsar investigaciones artísticas basadas en el uso de fondos y trabajos realizados en centros de investigación y departamentos de la Universidad de Granada. Por ello buscamos artistas que desarrollen su trabajo en el método investigativo y que establezcan vías de colaboración con las instituciones universitarias dedicadas a ello. FACBA girará en su edición de 2017 sobre el siguiente eje temático “Emancipación, perspectiva e intervención. Hacia una investigación artística”.

Los proyectos de investigación desarrollados serán expuestos en diferentes espacios culturales y artísticos de la ciudad de Granada adscritos al programa FACBA entre los que se incluyen el Centro José Guerrero, la Sala Zaida de Caja Rural, el Museo CajaGranada, la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes, el Centro Cultural Gran Capitán y distintos espacios expositivos gestionados por el Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la Universidad de Granada.

FACBA es un programa cultural impulsado por la Facultad de Bellas Artes de Granada. Cuenta con el apoyo en la organización del Área de Artes Visuales de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea, el Secretariado de Bienes Culturales de la Universidad de Granada, la Asoc. Ongoing, el Centro José Guerrero, la Concejalía de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de Granada, la Fundación CajaGRANADA y la Fundación Caja Rural. Colaboran el Vicerrectorado de Estudiantes de la Universidad de Granada, la Corrala de Santiago, Ínsula Sur y El Rapto Espacio Taller.

FACBA 2017. Emancipación, perspectiva e intervención. Hacia una investigación artística

El comisario de la presente edición, Juan Jesús Torres (Marmolejo, 1984) y el equipo de dirección de FACBA han diseñado un programa de becas para tres artistas invitados (Albert Corbí, David Escalona y Jacobo Castellano), y tres seleccionados (Carmen Oliver, Carlos Aguilera y María Dávila) que a lo largo del curso 2016/2017 desarrollarán una serie de proyectos inspirados en las colecciones de la Universidad de Granada, eje temático de la edición 2017. Estos trabajos se exhibirán a partir del mes de marzo en distintos espacios expositivos de la ciudad. El Centro José Guerrero acogerá los proyectos de Albert Corbí y Jacobo Castellano, mientras que en el Hospital Real podremos disfrutar del trabajo de David Escalona. La Sala Zaida de Caja Rural, el Centro Cultural de Caja Granada (BMN) y el Centro Cultural Gran Capitán completan el circuito expositivo con los artistas invitados: Oliver, Aguilera y Dávila. El espacio expositivo de la Facultad de Bellas Artes se convierte este año en una especie de “centro de interpretación” en el que el espectador puede aproximarse al proyecto FACBA y entender mejor en qué consiste.

De este modo, FACBA 2017 ha puesto en marcha una estructura de colaboración interinstitucional sostenible (participan distintos departamentos de la Universidad de Granada, entidades bancarias, instituciones públicas como el Ayuntamiento de Granada o el Centro José Guerrero, etc.) que genere diversos eventos en torno a la investigación y la producción en arte contemporáneo. Una constelación coordinada de exposiciones en las que anualmente se presenten proyectos realizados por una selección de artistas de alto prestigio profesional junto a artistas emergentes vinculados de distintos modos a la Universidad de Granada.

 

MUSICA: JULIANE WOLF. CAT LADY

VIDEO:

 

 

 

MUSICA: WARPCENSOR. MUSIC FROM THE OTHER ROOM

ENTREVISTA: EDURNE HERRÁN. CENTRO MONTEHERMOSO. VITORIA.

 

 
 

Futuro Perfecto [Work in progress 2014-2017]

 
El futuro perfecto es un tiempo verbal que indica que una acción se habrá completado (terminado o "perfeccionado") en algún momento del futuro. 
 
 

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) Entiendo la idea de identidad como un proceso de elaboración constante. Somos la suma de nuestros yoesanteriores, y con cada decisión que tomamos o acto que realizamos, continuamente estamos transformándonos. Los demás también forman parte de este proceso personal, y ayudan a que nos maleemos a medida que transcurre el tiempo y las experiencias vividas (o deseadas). Comencé a preguntarme acerca de la plasticidad del futuro; al igual que modificamos y moldeamos nuestro aspecto exterior, nuestro futuro también se (de)forma. Cada acto que realizamos tiene sus consecuencias, y cada decisión que tomamos nos abre una nueva puerta.
 
En este trabajo, como en gran parte de mi obra anterior, el transcurso del tiempo y la autobiografía están presentes. Planteo una serie de acciones, casi a modo de juego; algo que denomino ‘experimento sociológico a pequeña escala.’ Me proyecto hacia el futuro desde distintos presentes; analizo, imagino y transformo ese tiempo que está por llegar. No se trata de una cuestión de exploración del autorretrato, sino que utilizo mi imagen y referente para convertirme en un medio que  busca varios fines. Cuestiono temas personales y universales: cómo nos prejuzgan y prejuzgamos, el miedo y la inseguridad ante un futuro laboral incierto, las preocupaciones que retumban en nuestra psique, la maleabilidad del futuro y de nuestra imagen personal, la necesidad de aprobación ante los demás…
 
http://pinkblood-globulosrosas.blogspot.com.es/
 

 

Como sabéis este fin de semana hemos celebrado los 15 de radio encendida, ese encuentro con la música, la cultura y la radio en la casa encendida de Madrid. Allí hemos estado pinchando en una sesión de la que ahora os ofrecemos una aproximación, para aquellos que no pudisteis disfrutarla en directo. Con Rosa Pérez en Cabina.

SESIÓN LA CASA ENCENDIDA.

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LA FRACHEUR. CONFUSION EDIT

NOCTURNAL SUNSHINE. FOOTSTEPS

LCC. CALX

AMELIE LENS. LINGER ON

MATHEW DEAR. GUN MAN COMETH

INFIÉ 10. DANTON EEPROM. CONFESIONS OF AN ENGLISH OPIUM EATER

KRISZ DEAK. BLACK SNAKE

THROWING SNOW. ONE FOR THE BOOTH

 

CONTRAPORTADA: BING AND RUTH. Chonchos. . No home on the mind.

 

Rosa Pérez   10.mar.2017 09:28    

Valladolid, ciudad para la cultura

    viernes 3.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 06.03.17

 

 

Portada: NIET. NONSSENSE YESSENSE. CAN YOU FEEL IT (EP)

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Can you Feel it, es el segundo Ep de la artista madrileña conocida como Niet!. Se trata de una colección de cinco temas  que se mueven entre el ambient oscuro, las melodías synthpop  y la densidad sonora. Un disco emocional en el que las voces, en sus diversas variantes, vuelven a jugar un papel importante, aderezadas de sonidos de cristal, agua o percusiones orgánicas.

 

Más info en http://hypersunday.com/

Musica: OLIVIA LOUVEL. MY CROWN. DATA REGINA

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Entrevista:  RAFA PEÑA. 

 

La III Conferencia Estatal de la Cultura es un encuentro de profesionales de distintos ámbitos del sector cultural como las artes plásticas y visuales, artes escénicas, audiovisuales, diseño, libro, música y patrimonio dirigido a todas las personas interesadas en el estado actual de la gestión cultural en nuestro país.
La Conferencia tendrá lugar en Valladolid los días 8, 9 y 10 de marzo en el Teatro Calderón y en el Centro Cultural Miguel Delibes.

El período de inscripcionesestá abierto y estaremos encantados de contar con el mayor número de profesionales posibles. Os animamos a seguir nuestras novedades en esta web así como en redes sociales a través del hashtag #3Ccultura.

http://conferenciacultura.es/

Musica : VALENTIN STIP. NWIA

 

Musica: INFINÉ 10. MURCOF. PALOMA IV

Descarga

 

Desde 2011 La Gran ha buscado acercar el arte contemporáneo a todos los públicos. En nuestros inicios mediante la producción de ediciones y objetos asequibles diseñados por artistas destacados que hicieran accesible su trabajo y su reflexión a quienes aprecian el arte pero consideraban inalcanzable cualquier posibilidad de “poseer” y "aprehender" una creación artística.

En marzo de 2015 abrimos sede en Valladolid, en una vivienda que se convierte en símbolo de nuestros objetivos y nos permite trabajar en una concepción más amplia de la producción de arte. La Gran quiere ser más que una galería e ir más allá de la promoción de nuestros artistas y la venta de sus obras, implicándonos en todas las fases de conceptualización y de producción y promoviendo, desde el espacio íntimo de una casa y en contacto estrecho con cada artista, un mayor acercamiento con quienes están interesados en su trabajo.

Con el objetivo de transmitir que el entorno del arte puede ser algo aprehensible y cálido y sin perder la reflexión didáctica y cercana sobre el arte contemporáneo que ha sido nuestra marca, en nuestra casa-galería rompemos con la frialdad del cubo blanco utilizando como espacio expositivo el salón, reuniéndonos en la cocina o convirtiendo los dormitorios en residencia de artistas o talleres.

 

Trabajamos con artistas que cuentan historias, que se comprometen y sobre todo, que buscan que el espectador mire con otros ojos lo que le rodea, lanzando preguntas que hagan pensar, dudar de nuestras certezas o incluso perturben nuestro confort. Es el caso de Marina Núñez, Enrique Marty, Ignacio Pérez-Jofre, Laura Salguero, Guillermo Peñalver, Elisa Terroba, Paloma Pájaro, Verónica Vicente o Luis Pérez Calvo, con los que aspiramos a ir creando un proyecto —galería, editora, espacio de producción— diferente a lo habitual, que use las redes y medios de difusión para mostrar la capacidad transformadora de sus obras y sus ideas.

La Gran está dirigida por Pedro Gallego de Lerma, quien puso en marcha el proyecto en 2011.

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http://www.lagran.eu/

Musica: DAVID AUGUST. JBY

 

MUSICA: ASGEIR. UNBOUND.

Entrevista: LETICIA MARTINEZ

Atomica

GALERÍA  LA ATÓMICA.  VALLADOLID

Galería de Arte y Estudio.  http://www.laatomica.es/

 

MUSICA: BLACK MASS. Hive mind. World Eater

 

Musica:  AWARH. ETHNOS LOGOS.

Entrevista: MARIO MARTIN PAREJA. 

"SHADI GHADIRIAN.
COMO TODOS LOS DÍAS"

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Sala de Exposiciones San Benito

del 1 de marzo al 16 de abril

La Fundación Municipal de las Artes de Valladolid y Contemporánea presentan por primera vez en España la exposición retrospectiva “Como todos los días“ de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian; muestra comisariada por Mario Martín Pareja y formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación que explora las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y que mezclan tradición y modernidad. 

A través de las contradicciones en la vida cotidiana, la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura, y en su condición de mujer para crear la obra. Nacida en 1974 en Teherán, en la República Islámica del Irán, Ghadirian “cae en fotografiar a la mujer” después de completar una licenciatura en la Universidad de Azad. 

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Gharidian se ha ganado al público internacional por sus imágenes innovadoras que representan a las mujeres iraníes en marcado contraste con la forma en la que la mayoría de medios de comunicación occidentales las retrata, lo cual es lo que más sorprende al espectador. Alejada de ese concepto de retrato occidental, Ghadirian representa a la mujer iraní en todos sus aspectos, iluminando con el color zonas de un mundo que de otra manera se antojaría oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Gracias a su habilidad artística, lograr enviar un mensaje sutil y poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

SHADI GHADIRIAN (Teherán, Irán, 1974) se gradúa en fotografía por la Universidad Azad de Teherán en 1998. Su obra se ha exhibido en Oriente Medio, Europa, Estados Unidos, Canadá y Rusia y forma parte de colecciones como las de los museos Británico y Victoria & Albert de Londres, el de Arte Moderno Centro Georges Pompidou de París, el LACMA de Los Ángeles, el Smithsonian de Washinton, el de Bellas Artes de Boston, el de Arte Moderno de Viena o el de Teherán.

Musica: INFINÉ 10- BACHAR MAR KHALIFÉ. YA NAS.

 

Musica: ERICA ALVES. FRESH PRINCE OF BARAO

Entrevista: EL CARRUSEL. El Carrusel . Valladolid

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El Carrusel es un taller de fotografía creado por Cristina R. Vecino y Ricardo Suárez, dos fotógrafos profesionales y especializados en reportaje de autor. Dentro de la fotografía de bodas o eventos en general realizamos trabajos totalmente personalizados llenos de espontaneidad y realismo, que con el tiempo se convierten en  un recuerdo muy especial y emotivo del día.

Somos un equipo de profesionales que ofrecemos una mirada personal, buscando la espontaneidad y el realismo. Nuestro trabajo se mueve entre el documental, avalado por nuestra experiencia previa en medios de comunicación y una faceta más artística que hace a cada pieza única. Realizamos un número limitado de reportajes en cada temporada, para de esta manera poner en cada trabajo el tiempo y la dedicación que merece.

Con ese mismo planteamiento encaramos cualquier otro tipo de encargo de carácter comercial, publicitario o editorial. Cada propuesta en este ámbito es un reto nuevo que afrontamos desde el primer momento en comunicación directa con el cliente, estudiando cada proyecto  y aportando ideas y creatividad propias, específicas para cada uno. Hemos trabajado con clientes como el grupo de música Arizona Baby, la actriz Sara Rivero o el Laboratorio de las Artes de Valladolid – LAVA.

PROYECTO PERSONAL / ESPACIO EL CARRUSEL

Además de la parte comercial de nuestro trabajo, ambos Cristina y Ricardo desarrollamos proyectos personales de fotografía. Los dos estamos representados por la galería de arte contemporáneo Javier Silva y formamos parte de su programación estable.

En el espacio ‘El Carrusel’ confluyen los dos enfoques sobre el hecho fotográfico que  entendemos como el desarrollo de un lenguaje personal y una búsqueda constante. Tenemos una programación mas o menos regular de exposiciones de otros autores y recientemente hemos puesto en marcha una pequeña librería especializada en fotolibros. La idea es realizar desde una perspectiva local una tarea divulgativa en torno a la fotografía contemporánea.

http://fotografiaelcarrusel.com/

MUSICA: DIOLYNOIRE. COMPULSIVELY PLEASING

Contraportada: NIET!. FOUR. CAN YOU FEEL IT EP.

Rosa Pérez    3.mar.2017 10:37    

De Ferias y Arte en Madrid (Arco, Urvanity, ArtMadrid, Drawing room, Hybrid..... )

    jueves 23.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.02.17

 

 

Centramos el programa en las múltiples opciones que ofrece la Semana del Arte en Madrid. 

Visitamos Arco  

Opening



 

Yann leto. Galería T20. Murcia

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Yann Leto [Burdeos, 1979], artista francés residente en España. Ha trabajado con importantes galerías, exponiendo en numerosas ferias de Arte Contemporáneo. Su obra se encuentra presente en colecciones como el MOMA de San Francisco, Benetton Foundation o CAC de Malaga. Su medio principal es la pintura pero trabaja también con la instalación. Su pintura es densa, detallada y tiene un claro fondo crítico y funciona a modo de collage donde varios elementos tipográficos, conviven con elementos clásicos y modernos. Actualmente, se encuentra preparando su primera exposición individual en EEUU, y trabajando en una obra de gran tamaño, precisamente la obra más grande de la pintura española prevista para 2015 y titulada Mother of all battles.

 

PREMIOS ARTE EMERGENTE. 

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Cervezas Alhambra lanzó en el mes de octubre el I Premio Cervezas Alhambra de arte emergente. Se trata de un premio de producción artística destinado a cinco artistas nacionales que se centra en dos conceptos fundamentales: el trabajo artesanal y la inspiración en la Alhambra. 

Un comité de expertos formado por Manuela Villa, Juan Antonio Álvarez Reyes, Iñaki Martínez y Alicia Ventura seleccionó en una primera fase a 20 artistas que prepararon un proyecto específico para la convocatoria, de entre todos los proyectos presentados finalmente se seleccionaron 5 artistas que producirán su obra para mostrarla en el stand Cervezas Alhambra durante la Feria ARCOmadrid. 

Para la producción de obra estos cinco artistas (Jacobo Castellano, Miren Doiz, Alegría y Piñero, Teresa Solar y José Miguel Pereñiguez) han contado cada uno con el apoyo de un mentor que ha reforzado sus trabajos y un artesano que les ha realizado una masterclass y les ha proporcionado ayuda con la producción de la obra a nivel artesanal. 

 

 

"Whispering Pines" by Shana Moulton from Bronx River Art Center (BRAC) on Vimeo.

 

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La Trastera es un espacio de producción y critica artística fuera del contexto académico basado en la espontaneidad y la inmediatez y con plena libertad de ensayo.

 

Nos parece vital un espacio que apoye y dé cabida a la experimentación más allá del propio resultado, que fomente el ensayo e inevitablemente también el error.

 

Como nuevo espacio auto gestionado periférico actuamos desde una absoluta precariedad, sin otros recursos que los que cada uno de nosotros es capaz de aportar. La Trastera es un garaje, lugar de ensayo por excelencia, muy alejado de la producción artística que se lleva en Barcelona. Pero por estar en la periferia no nos consideramos marginales ni nos apartamos del circuito artístico si no queremos aportar cosas diferentes desde lugares nuevos. De hecho estamos creciendo y consolidando una red de relaciones con otros centros a nuestro alrededor.

 

 

 

URVANITY

http://urvanity-art.com/

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ES MANIFIESTO que desde hace algunas décadas operan tanto nuevas prácticas como usos y códigos nuevos en el paisaje cultural de las ciudades, los cuales dibujan a su vez un lugar propio en la esfera del arte contemporáneo. La cuestión es cómo hilvanar todo ello. Y no proceder mediante una feria de arte urbano, sin embargo. Urvanity se concibe, así, como plataforma para un Nuevo Arte Contemporáneo.


Hablar de nuevo arte es impulsar un proyecto contemporáneo con una perspectiva histórica, porque resulta claro que «todo lo que no es tradición es plagio». En particular, Urvanity reivindica propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad y, por ello, ofrecen un escenario donde explicar el mundo. Puesto que no se trata sólo de atender el conjunto de elecciones formales que un artista asume sino de comprender el lugar público donde configura su trabajo y también de que este último comunique al menos una experiencia del orden de lo estético.


Con todo, Urvanity quiere explorar e imaginar asimismo posibles escenarios venideros para este Nuevo Arte Contemporáneo, gracias a la complicidad con otras iniciativas y con los distintos agentes culturales de la ciudad. En aras de apoyar una producción y la divulgación de ideas, así como de facilitar el acceso de una amplia audiencia a esas prácticas de creación contemporánea que esbozan un vasto paisaje cultural y urbano.​

 

Urvanity,

Madrid

 

Hablamos con Susso 33

 

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Descubrimos al artista MESA. 

- descampado en montreuil ii -,95-145cm, acrylique sur toile, 2016, mesa

PDP -GALLERY.COM

 

Otras ferias que se han celebrado a lo largo de la Semana del Arte en Madrid. 

 

ARTMADRID

http://www.art-madrid.com/

 

ART MADRID 12ª FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

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Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo, celebrará su decimosegunda edición del 22 al 26 de febrero de 2017 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles: Art Madrid’17. En este espacio, durante cinco días, alrededor de 50 galerías de arte contemporáneo presentarán sus propuestas artísticas en pleno corazón cultural de Madrid.

Art Madrid se ha consolidado en estos años como una feria multidisciplinar en la que participan galerías dedicadas a la pintura, escultura, obra gráfica y fotografía desde el siglo XX en adelante, sin olvidar disciplinas como la performance, el videoarte, instalaciones artísticas y proyectos site-specifc. Art Madrid defiende un modelo de feria realista, dinámica, abarcable y humana, con un variado programa paralelo de actividades para todo tipo de público y que apuesta por las sinergias y colaboraciones con diversas instituciones y agentes culturales.

 

DRAWING ROOM

http://drawingroom.es/

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La segunda edición de DRAWING ROOM MADRID se desarrollará en el corazón del madrileño barrio de Salamanca, desde el miércoles 22 hasta el domingo 26 de febrero, coincidiendo con la semana más excitante del arte contemporáneo en la capital.

Durante cinco días, coleccionistas, profesionales y amateurs del mundo del arte presentes en Madrid están invitados a descubrir la escena artística contemporánea a través de los proyectos de una treintena de artistas, presentados por 20 galerías de arte contemporáneo, nacionales e internacionales, invitadas por un comité curatorial integrado por comisarios y galeristas.

El dibujo y sus códigos vive actualmente una vibrante evolución. Las galerías más atentas a los cambios lo reflejan en sus programaciones y los coleccionistas y museos más perspicaces y dinámicos lo integran en sus colecciones.

 

Hybrid Festival

http://www.hybridfestival.es/

Espacio-Trapézio

Hybrid es un festival urbano multisede de acceso gratuito que reivindica el valor de los espacios de arte híbridos, aquellos que apuestan por un formato más transversal donde el arte convive con otras disciplinas. El objetivo de Hybrid es dar visibilidad a los espacios alternativos de iniciativa privada que han dejado atrás el concepto clásico de galería de arte como lugar meramente expositivo para convertirse en espacios culturales que logran abrir las puertas a un público más diverso y activo.

Hybrid celebró su primera edición el 16 y 17 de septiembre de 2016 y contó con la participación de 20 espacios que durante dos días formaron parte de un recorrido de exposiciones y actividades dentro y fuera del centro de Madrid.

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http://justmad.es/

La Feria de Arte Emergente JUSTMAD que tendrá lugar en el Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM) la semana del 21 al 26 de febrero. En esta nueva edición se mantienen los principios y objetivos que sustentan este gran evento artístico, a saber, el fiel compromiso con las propuestas galeristicas y la apuesta por espacios alternativos y emergentes que destacan en el panorama nacional e internacional. Al igual que en las anteriores ediciones además del programa general de galerías y artistas, se realizará el JUST TECH dedicado al arte electrónico, el programa de residencia artística y se otorgarán los Premios JustMAD. Para la presente edición se va a recuperar la sección Solo Projects rebautizada con el nombre de Curated Venture y que tendrá al célebre Tim Goossens como comisario. Por tercer año consecutivo, Gregorio Cámara, dirige la feria y estrena un nuevo recorrido concentrando las propuestas de galerías en la planta entrada y planta jardín con el fin de facilitar la visita. El factor internacional sigue siendo clave en JustMAD8 y este año contará con la presencia de galerías y artistas de 14 países: Alemania, Bélgica, Brasil, China, Colombia, Cuba, Eslovaquia, EEUU, España, Italia, Polonia, Portugal, Rusia y Venezuela. La apuesta internacional llega también del lado de los comisarios colaboradores Isabela Villanueva y Tim Goossens.

 

 

Rosa Pérez   23.feb.2017 09:39    

URVANITY, CAAM, ESTÉTICA MASIVA Y OLIVIA LOUVEL

    jueves 16.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.02.17

 

PORTADA: OLIVIA LOUVEL.  GOOD QUEEN BESS  . DATA REGINA

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Olivia Louvel es compositora, productora y artista que generar piezas en torno a la voz, la música digital y la narrativa. Su musica aborda la voz, la composición digital y la narrativa . Su trabajo también se amplia en el videoarte y las actuaciones en directo. 2011 ganó el premio de álbum del año en los  Qwartz Electronic Music Awards por 'Doll Divider'

Data Regina es su nuevo álbum, un trabajo multimedia en formato suite que Louvel  aborda enfrentando a dos mujeres que reinaron en el siglo 16 como son la Reina María de Escocia y Elisabeth I.

Fascinada por la existencia de dos reinas que reinaron al mismo tiempo en la isla, en un mundo extremadamente dominado por hombres, como era el existente en el siglo 16, Olivia Louvel  explora los reinas de ambas haciendo una transposición personal en el disco Data Regina. 


Data Regina dibuja la vida y los escritos de la Reina María de Escocia, poeta, considerada una de las mujeres más leidas de su tiempo. Louvel ensambla una narrativa digital a través de  17 composiciones campturando las diferentes paletas y tonos entre dos mujeres, dos reinas que nunca llegaron a encontrarse. 

El disco combina piezas electrónicas con voz, con otras exclusivamente instrumentales. Además de la edición del CD, el trabajo interactivo que nos proponen lo podéis disfrutar en www.dataregina.com, plataforma para mostrar además las animaciones 3D realizadas popr Antoine Kedall. 

 

 

MUSICA : MILENA KRIEGS. EREMITORIUM

 

ENTREVISTA: ORLANDO BRITO, director CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria

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EXPOSICIONES: 

8s2i7msgd3NgEUS6 El IRIS DE LUCY. Colectiva. Hasta el 4 de Junio.

 

CxLr1auvqcoGsUIN Oswaldo Maciá. Ecuaciones. Hasta el 18 de junio

http://www.caam.net/

 

 

MUSICA : LAST REDOUBT. RESTITUTE. REQUIREMENTS EP

 

MUSICA: FRACTAL ARQUITECT. MONOLIT

 

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URVANITY es la primera feria que se celebrará en España dedicada íntegramente al Nuevo Arte Contemporáneo. La edición inaugural tendrá lugar en el céntrico Palacio de Neptuno de Madrid, del 23 al 26 de febrero, coincidiendo con la semana de ARCO.

Una visita imprescindible para quienes deseen conocer cuanto ocurre en el panorama artístico de reciente creación. URVANITY reunirá, además de las propuestas nacionales, un elenco de galerías internacionales de primer nivel, provenientes de Londres, Bruselas, Zúrich, París, Washington o Dusseldorf. Hasta la capital se desplazarán varios de los mejores artistas urbanos del mundo, algunas de cuyas obras se mostrarán  por primera vez en España.

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URVANITY es la feria que visibilizará aquellas prácticas artísticas que configuran la cultura urbana en la actualidad. Ese Nuevo Arte al que ya no se le puede discutir ni su fuerza ni su envergadura, y no sólo por una evidente presencia en el espacio público, ni por el creciente atractivo que genera a su alrededor, sino también por el lugar que ocupa en el ámbito del arte contemporáneo.

URVANITY

Palacio de Neptuno

Calle de Cervantes, 42. Madrid

Del 23 al 26 de febrero 2017

www.urvanity-art.com

 

MUSICA: INFINE 10. THE HIPOTETICAL PROPHETS . WALLENBERG

 

MUSICA: CIANURO. MIST. DROWNED

ENTREVISTA: CARLOS TRASPADERNE. Presentación de Riberia en Madrid


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Riberia, de Carlos Traspaderne (Logroño, 1983) es el último título publicado por la editorial Aloha. Pueden leer un artículo sobre Riberia en Clavoardiendo.

El libro está compuesto por un recorrido de sesenta imágenes analógicas tomadas entre el 2012 y el 2016, con una Hasselblad 500 C/M. Fotografías que rinden tributo a los grandes referentes del género documental: Eugène Atget, Walker Evans o Carlos Cánovas. Este último, además, firma el prólogo de libro

Cada ejemplar va acompañado de un mapa desplegable con las localizaciones de las fotografías.

Es una edición limitada de 200 ejemplares numerados y firmados por el autor. El proyecto ha sido premiado en la XXXI Muestra de Arte Joven de La Rioja. 



MUSICA: NARCOLEPTICA. GNITSALREVE

MUSICA: LAMLIKI. 27TH JUNE. 

 

ESPACIO: ESTÉTICA MASIVA. Las Matas, Las Roza. Madrid. WWW.ESTETICAMASIVA.

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Sofía Táboas se enfrenta en este nuevo proyecto a un espacio exterior:  el jardín de la sede de Estética Masiva. Trabajar en un espacio abierto como éste ofrece a la artista la posibilidad de jugar con diversos elementos que incidirán en la obra de manera activa y determinante.  Toda obra in situ conlleva retos interesantes y complejos que de hecho Sofía busca con frecuencia para alimentar sus incesantes deseos de ponerse retos a sí misma. Reconocer las características del espacio, sus cualidades y limitaciones son parámetros sobre los que opera la pieza que estará visible a partir del 21 de febrero.  

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Este nuevo trabajo específico de la creadora mexicana para Estética Masiva tiene en cuenta los dos elementos naturales primordiales del sitio:  la luz del sol y 8 pinos, que situados en un espacio claramente delimitado por ser térreo, hacen exagerados equilibrios para mantenerse erguidos. 
 
Junto a los árboles, a partir del momento en que la artista se sitúe frente a ellos, 8 nuevos elementos resultantes de su impulso, entraran a formar parte de un solar, que desde ese mismo momento, pasará a ser azul.

 

 

MUSICA: KELLY FRANCES CORRADO. A NIGHTINGALE SONG

 

Descarga

Hybrid será escenario del ciclo de performances 'Acciones Hybridas' comisariadas por Mario Gutiérrez Cru
 

En 'Acciones Hybridas' el comisario Mario Gutiérrez Cru ha reunido a seis accionistas que trabajan desde una búsqueda híbrida de conceptos, espacios de trabajo y personajes. Este ciclo presentará en los espacios comunes del hotel Petit Palace Santa Bárbara propuestas nuevas y/o creadas site specific para la programación de la feria internacional de arte emergente, Hybrid.

Andrés Montes y Laura Flores realizarán acciones continuadas en los pasillos y escaleras del hotel apartir de las 11:00 del sábado 25. De 17:30 a 19:30 horas se sucederán el resto de las acciones en el salón Santa Bárbara: Miguel Andrés, Víctor Colmenero Mir, Paula Lafuente en colaboración con Kike Medina Galán, Andrés Montes, Pan (Alberto Chinchón y Miguel Palancares).


MUSICA: FRANCESCO TRISTANO.  THE MELODY

Descarga (1)

CONTRAPORTADA: OLIVIA LOUVEL. FAREWELL. DATA REGINA

 

 

Rosa Pérez   16.feb.2017 16:41    

ENCUENTROS AVLAB Y MEDIALAB MADRID

    viernes 10.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 

 

 

 

 

Logo medialab

Medialab-Prado es un laboratorio ciudadano de producción, investigación y difusión de proyectos culturales que explora las formas de experimentación y aprendizaje colaborativo que han surgido de las redes digitales. Es un proyecto perteneciente al Área de Gobierno de Cultura y Deportes (antes Área de Las Artes, Deportes y Turismo) del Ayuntamiento de Madrid.

Sus objetivos son:
" Habilitar una plataforma abierta que invite y permita a los usuarios configurar, alterar y modificar los procesos de investigación y producción.
" Sostener una comunidad activa de usuarios a través del desarrollo de esos proyectos colaborativos.
" Ofrecer diferentes formas de participación que permitan la colaboración de personas con distintos perfiles (artístico, científico, técnico), niveles de especialización (expertos y principiantes) y grados de implicación.

Para alcanzar estos objetivos Medialab-Prado ofrece:
" Un espacio permanente de información, escucha y encuentro atendido por mediadores culturales que explican la naturaleza del espacio y ponen en contacto a personas con personas, a personas con proyectos, a proyectos con proyectos.
" Convocatorias abiertas para la presentación de propuestas y la participación en el desarrollo colaborativo de proyectos.
" Un programa de actividades compuesto por talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conferencias y otros eventos como conciertos y performances.
" Una atmósfera de trabajo pensada especialmente para el encuentro, la cooperación y el intercambio, donde caben la vida y los afectos, el valor de lo informal y de la cercanía.

http://medialab-prado.es

 

Encuentros AVLAB. Enero 2017

28.01.2017 18:00h - 21:00h

Lugar: Auditorio

Os presentamos la propuesta  del encuentro AVLAB que tendrá lugar el 28 de enero. El colectivo "Grupo de Resistencia Sonora" GRS, en esta ocasión nos sorprende con la presencia de Gema Fernández-Blanco, Narcocléptica y ElectikTronik.

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Dr. Gema Fernández-Blanco Martín
Música, avatares y procesos creativos (charla/coloquio)

La charla explora diversos entornos virtuales y los procesos creativos en torno a la música que en ellos tienen lugar.

Tras una breve introducción de algunos de los conceptos clave, navegaremos por Second Life, metaverso creado en 2003 por Philip Rosedale, y veremos qué queda de él en 2016. En concreto, veremos el estudio de caso, o cybercase, de la Avatar Orchestra Metaverse (AOM), una orquesta virtual de avatares, fundada en 2007, cuyos avatares se encuentran geográficamente distribuidos alrededor del mundo.

Conceptos como el de ficción, magia o realidad virtual estarán presentes durante el coloquio.

Debido al fallecimiento de la gran Pauline Oliveros, miembro de la Avatar Orchestra Metaverse, se realizará una escucha atenta, como pequeño homenaje.

Como cierre, se hará una relación de lo expuesto con las nuevas herramientas digitales de las que hoy disponemos y se invitará a los asistentes a preguntar y dialogar sobre cualquier inquietud.

Gema Fernández-Blanco, con su tesis doctoral, "Procesos creativos en entornos musicales inmersivos: un estudio de caso a través del análisis de metaversos. La Avatar Orchestra Metaverse en Second Life" abre una línea de investigación que aúna psicología, etnografía virtual y arte. En ella, estudia los procesos creativos grupales de una orquesta de avatares y plantea cuestiones acerca de la conciencia, el Flow o las cibercepciones.

RNE FLUIDO ROSA - Outlook Web App

 

 

 narcoléptica

Narcolécptica
Laboratorio loop (charla y demostración teórico-práctica)

Charla y demostración teórico-práctica donde explorar de forma creativa las posibilidades de la técnica Live-looping en la composición e interpretación de música experimental.

Se abordarán los temas: mezcla de orígenes sonoros, métodos de composición experimentales (superposiciónde capas, azar, error, construir en negativo, cambio de instrumento como recurso compositivo, etc.), Live-looping o grabación y reproducción de bucles sonoros en tiempo real [mediante software (AbletonLive, Reason, Logic) y pedales (Loop Station Roland)], performatividades alternativas, etc.

Live-looping es la técnica de grabar y reproducir bucles sonoros en tiempo real, pudiendo distinguirse dos tipos: live-looping del simulacro y live-looping como recurso creativo. En el caso de Narcoléptica (Beatriz Vaca) su interés radica especialmente en activar el directo musical desde esta técnica, pero también en reflexionar sobre su dimensión conceptual: presente, pasado y futuro coexisten en el live-looping, produciéndose una fractura temporal y la generación de un tiempo y espacio continuos, infinitos en potencia.

Beatriz Vaca (Sevilla, 1985) es licenciada en Bellas Artes y música autodidacta. Desde 2006, desarrolla su proyecto unipersonal de música experimental Narcoleptica.

Cuenta con tres álbumes autoproducidos: ‘The Modular Explanation’, ‘Narcoleptica’ y el aún inédito ‘The Abyss’. Aparece en numerosos recopilatorios, álbumes colaborativos, bandas sonoras y piezas escénicas de Performance y Teatro Experimental, en las cuales suele actuar en vivo.

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EclectikTronik
Found tap
es - Archivo de grabaciones encontradas en la basura (Performance de música improvisada)

Se utilizará un "arsenal" de aparatos analógicos modificados como tocadiscos, magnetofones de carrete y reproductores de cassette, "materia prima" analógica, encontrada en las basuras y mercadillos de varios países.

Se propone realizar una performance de música improvisada, medienate técnicas de manipulación y distorsión: alterando su frecuencia (pitch) de un modo simple, o creando drones (colchones ambientales ligeramente siniestras, paisajísticas) marcando en los discos el punto de salto de la aguja y repetición para crear un bucle (loop), y haciendo cortes y empalmes de cintas de magnetofón.

Otro elemento clave es la construcción de narrativas, incorporando fragmentos de cintas de grabaciones personales (entrevistas, contestadores automáticos, dictáfonos, etc.).

El proyecto curatorial Found Tape Archive (grabaciones caseras no-comerciales realizadas por desconocidos) consiste en toda clase de grabaciones en formatos analógicos obsoletos (bobinas de magnetofón, minicassettes, cartuchos de 8 pistas, Betamax, 8mm, etc.) encontrados por casualidad en las calles y mercadillos de segunda mano de medio mundo, acumulados desde 1985. Realiza actuaciones en directo denominados ‘analogue happening’, utilizando múltiples tocadiscos modificados, televisores de tubo y otro material electrónico.

Ben Roberts - "EcletikTronik"- artista residente en Madrid, hace uso de material electónico de desecho y formatos audiovisuales obsoletos/semiobsoletos en la producción de piezas sonoras e instalaciones de audio y vídeo.

Ben Roberts ha colaborado con GRS en los anteriores Encuentros AVLAB de 2016.

Rosa Pérez   10.feb.2017 10:46    

ARTIGGALLERY, POESIA VISUAL EN EL MUSAC Y EDUARDO BARCO

    viernes 3.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 06.02.17

 

 

PORTADA: LAST REDOUBT. REQUIREMENTS. REQUIREMENTS EP.

Mauri+Selfzine

released January 29, 2017

Recorded in Barcelona (2017)
Lyrics & voices by Evvie
Bass and effects by Alqa
composed, mixed & mastered by Mauri

EL SELLO FRANCÉS Unknow Plesure.

Próximo día 26 febrero presentación en Barcelona del proyecto audiovisual PulsOPtic dentro de la programacio de WAV Festival (Barcelona)

La presentación del disco se realizará en directo el próximo día 18 Marzo en el Club Slow de Barcelona a las 00 hrs.

El próximo mes de Abril 2017 se editará el segundo álbum de Fluxus ( proyecto de Pedro Peñas y Mauri) titulado “Art of war”. El álbum se basa en temática yihadista.

CAFÉ VIRTUAL: http://www.amandamustard.com

MUSICA: BRUTKHO. SEKOMEN

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Hoy el café virtual se llena de las instantáneas de Amanda Mustard. . Nacida en 1990 en una granja de Pennsylvania, dejó su prometedora carrera como marimbista para trasladarse a oriente medio e inicial una carrera como fotoperiodista en el Cairo.

MUSICA: BEATE BARTEL/GUDRUN GUT. TEGEL

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Considerada como una de las jóvenes promesas de la fotografía Mustard, además forma parte de diferentes colectivos activistas como KOAM,  un grupo de seis jóvenes fotoperiodistas unidos para promover sus objetivos:  proporcionar interesantes historias visuales en todo el mundo, en medio del paisaje cambiante de la industria periodistica.

MUSICA: LEAH KING. LITTLE INDIA

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Amanda Mustard, ha fijado su residencia en Bangkok donde además de ser miembro del Foreing Correspondents Club de Tailanda, desarrolla una carrera paralela como curator, organizando exhibiciones fotográficas. Además es un defensora de la protección y la sostenibilidad de la comunidad de fotógrafos freelance asi como de la igualdad de género en la industria de los medios de comunicación.

MUSICA: PYE CORNER AUDIO. THE SIMPLEST EQUATION

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Hasta aquí la sesión en torno a la obra de Amanda Mustard, un joven y activista fotógrafa que ha publicado en en New York timas, National Geographic o Telegraph además de  contribuir con su obra en multiples asociaciones y colectivos que reivindica el fotoperiodismo como algo esencial para hablar a traveés de la imagen de la realidad del mundo.

 

MUSICA : SURFACE 10. SURFACE TENSION

ENTREVISTA: ARTIG GALLERY.

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ARTIG GALLERY, una nueva galería de arte online que promueve arte internacional comisariado de artistas emergentes. 

Es un nuevo concepto de galería creada para una generación que consume online. Es muy pionera en un mercado que sigue siendo mayoritariamente offline. Sobretodo porque la mayoría de webs que venden arte online, cada artista cuelga/vende su obra. Esta no. Actúa como una galería...con un equipo de comisarios, con un estilo concreto de artistas, y apostando por talentos emergentes cuya obra creen se va a revalorizar en el futuro. Pero todo digital.  ​Por eso es tan pionera. ​ Es un nuevo formato que quiere romper con la idea de arte inalcanzable y romper la barrera entre consumidor joven / arte ​.​  

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La han creado una joven emprendedora ​barcelonesa  que vive en Berlín y una joven emprendedora alemana que vive en Barcelona.

Aquí ​os​ dejo la galería ​ para que veas con qué tipo de artistas trabajan (pintores, escultores, fotógrafos, etc):  Carla Cascales, Judith Canal, Rafael Amorós, Dirk Brömmel, Jimmy Millán, Sara Janini, Luis Gómez MacPherson, etc. También tienen colecciones cápsula puntuales con artistas más consagrados. Ahora por ejemplo tienen una con Lluís Llongueres y Antonio Beneyto. 

www.artiggallery.com

MUSICA: MILENA KRIEGS. Eremitorium (Original Mix)

Milena Kriegs, es de Varsovia . Ha publicado en sellos como annulled, Reaktivate o el madrilène Semantica records. Este tema forma parte de un nuevo álbum, que habla de la experiencia humana de los valores y de la evolución de las conciencias. Todo el material surgió en un momento muy  especial de su vida en el que vio la frontera entre la oscuridad y la tristeza en contraposición a la belleza y la energía por la vida.

 

MUSICA: 13-0000. BURNOUT EYES

LOC: Callar Hablar Destruir Construir es el título de la exposición que presenta la obra del artista Eduardo Barco (Ciudad Real, 1970) en el espacio Tasman Projects en Madrid. La exposición ha sido comisariada por Alfonso de la Torre.
Inaugurada el 4 de febrero, durará hasta el 15 de marzo. Nos desplazamos hasta la galería para hacer una visita con el propio artista.

 

Se celebrará en el espacio de Tasman Projects, en la C/Ferraz nº 84, Madrid.

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La muestra aborda los últimos cinco años de trabajo del artista bajo un planteamiento en el que se entrecruzan los caminos creativos en las diferentes técnicas y usos artísticos abordados por él. Se presenta tanto una selección de lienzos recientes de gran formato, como algunos de su “Serie 42” (2013), así como dibujos agrupados en ciclos. Junto a ello, una representación de su quehacer escultórico en donde Barco aborda la escultura desde una síntesis entre el assemblage de maderas y ciertas geometrías que plantean cuestiones como el equilibrio, la torsión, el uso de las formas y, en general, la investigación en el espacio.

El comisario de la exposición, Alfonso de la Torre, menciona que “estamos ante un artista en permanente pregunta sobre el espacio, tiene algo de creador inquieto, infatigado revisitador de las vanguardias abstractas, tal un contemporáneo paseante -distanciado e insistente- entre la historia del arte, a través de las citadas vanguardias a las que, más que rendir culto, plantea transitar bajo una óptica analítica de aire distraído, jamás exento de temblorosa emoción. Es la suya una cierta deriva geométrica que tienta desde nuevas formas de mirar, deriva devenida pareciere, en ocasiones, auténtica embriaguez”. 

Elogia Barco lo mínimo y para ello acude a materias o elementos de aire esencial u olvidados a un lado del camino creativo, poeta de las formas que parece tanto estudiar con aire analítico, a veces planteando procesos seriales, como desplazarse entre ellas o hacerse preguntas sobre la esencia del propio acto de ver.
Su obra evoca a veces ciertos artistas que le han precedido, como ocurre en las construcciones cubistas o el citado trabajo del assemblage. Entre sus herencias, las intensidades de Klee o Palazuelo. También las proposiciones de Lygia Clark y geometrías reflexivas de Kelly o Blinky Palermo.  
                            


Esta exposición forma parte de la iniciativa Tasman Projects puesta en marcha de manera desinteresada y no comercial por un grupo de personas comprometidas en la difusión y promoción de artistas contemporáneos vinculados a España. La presentación de Eduardo Barco es la segunda exposición de Tasman Projects, que sigue a la realizada entre febrero y marzo de 2016 por el artista fotógrafo esloveno Primož Bizjak.

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Barco estudió Bellas Artes en las Universidades de Salamanca, Madrid y en la Academie voor Kunst, Den Bosch, en Holanda. Fue becado por el Ministerio de Educación y Cultura francés (1999), y ha tenido diversos reconocimientos, entre otros la Residencia Yaddo en Saratoga Springs, en Nueva York (2003). En 2012 recibió ayudas a la producción visual por parte de la Comunidad de Madrid y VEGAP.

Desde 1997 ha realizado numerosas exposiciones individuales en España y participado en diversas colectivas.

MUSICA:  David August - J.B.Y.

 

Musica: KETTEL. LIGHTSEY ROAD.

 

Entrevista: MANUEL OLVEIRA. MUSAC, nuevas exposiciones. León. 

Una realidad tan nada. SALA 1

21 de enero, 2017 - 7 de mayo, 2017

Comisariado: Alberto Santamaría Fernández 
Coordinación: Helena López Camacho

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Una realidad tan nada es una exposición que pretende visibilizar la labor pionera en el campo de las artes plásticas de Francisco Pino (Valladolid, 1910-2002), ampliamente conocido en el marco de la poesía española del siglo XX y sin embargo, con una labor artística durante los años 60 y 70 relativamente desconocida, innovadora en muchos ámbitos. La muestra, comisariada por Alberto Santamaría, propone un acercamiento a la figura de Francisco Pino desde nuevas perspectivas a partir de más de 250 piezas entre manuscritos, libros troquelados, arte postal, sellos de caucho, piedras pintadas, etc.

El título de la exposición tiene como origen un verso de un poema del propio Pino: «una realidad tan nada / que tampoco / puede rozar con sus dedos / el dormido», publicado en 1990 en 'Distinto y Junto', recopilación en tres volúmenes de la poesía completa de Pino editada por la consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León y con prólogo de Antonio Piedra.

Una realidad tan nada trata de dar cuenta de algunas de las formas a través de las cuales Pino reflexionó sobre la práctica artística desde finales de la década de 1960, en el contexto de las neo-vanguardias —movimiento intelectual y artístico surgido tras la Segunda Guerra Mundial, en lo que podría denominarse como período posmoderno surgido a partir de la llegada a Estados unidos de artistas de las primeras vanguardias —.

Arte postal, sellos de caucho, piedras pintadas, diapositivas, manchas de tinta, libros troquelados, etc. son algunas de las formas con las que Pino juega (y lucha) con la finalidad de trascender la mera actividad poética, donde el lenguaje acaba irremediablemente preso de sus propias normas. A partir del uso estos materiales, Pino busca una lógica diferente para la relación entre las imágenes y las palabras. Es esta nueva lógica, que provoca hallazgos que hacen que su obra aparezca de manera única y especial en el panorama artístico contemporáneo, de la que da cuenta la exposición.

Una realidad tan nada trata de indagar en cómo el artista transita por estos materiales con el objetivo de generar una reflexión profunda sobre el tiempo y el lenguaje, dentro de una forma de trabajo y de vida en la que lo efímero, lo azaroso y lo inclasificable desempeñan un papel central.

Constelaciones. Poesía experimental en España (1963-2016). SALAS 4 Y 5

21 de enero, 2017 - 4 de junio, 2017

Comisariado: Luis Marigómez, Esperanza Ortega, José Luis Puerto, Tomás Sánchez Santiago

Coordinación: Carlos Ordás

 

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Artistas: Juan Carlos Aberasturi, Justo Alejo, Francisco Aliseda, Julián Alonso, Nel Amaro, Gregorio Antolín, Archipiel (Álvaro Barriuso y Ainara LeGardon), Alain Arias-Misson, Elena Asins, Max Aub, Eugènia Balcells, Eduardo Barbero, Pablo del Barco, J. M. Barrado, José María Benéitez, Raimon Blu, Felipe Boso, Antonio Bouza, Joan Brossa, Pepe Cáccamo, J. L. Calleja, José Luis Campal, Julio Campal, Cuca Canals, Carles Cano, Dionisio Cañas, José Luis Castillejo, Domingo Ceborro, Juan Eduardo Cirlot, Corpá, Rafael de Cózar, Juan Crego, Francisco Felipe Figueroa, Luis Ángel Fernández García, Jesús Fernández Palacios, Bartolomé Ferrando, Estanis Ferrer, Esther Ferrer, Flatus Vocis Trio, Carles Hac Mor, García de Marina, Antonio Gómez, Ignacio Gómez De Liaño, Goval (José Antonio Gómez Valera), Juan Hidalgo, Eva Hiernaux, Ibírico, José María Iglesias, Pascual Izquierdo Abad, Jesús Ge, Juan López de Ael, Clara López Cantos, Alfonso López Gradolí, Lola López-Cózar, Rafael Marín, Miquel Martí i Pol, Juan Carlos Mestre, Fernando Millán, Fátima Miranda, Enric Miralles, Antonio Monterroso, Antonio Montesino, Mª Jesús Montía,  José Noriega, Antonio Orihuela, Jorge Oteiza, José María Parreño, Saray Pavón Márquez, Carmen Peralto, Francisco Peralto, Francisco Pino, Benito del Pliego, Claudia Quade Frau, Sergi Quiñonero, César Reglero, Tomás Salvador González, María Sánchez, Néstor Sanmiguel Diest, Eduardo Scala, J. Seafree, Patxi Serrano, Colectivo Stidna, Los Torreznos (Rafael Lamata y Jaime Vallaure), José-Miguel Ullán, Isidoro Valcárcel Medina, Adolfo Vargas, Eva Mª Vaz, Gustavo Vega, Guillem Viladot, Yang-Tae Min, Fernando Zamora.

Con Constelaciones. Poesía experimental en España (1963-2016), el MUSAC aborda por vez primera la presencia y repercusión de la poesía visual y experimental en España desde los años sesenta hasta la actualidad. La exposición pretende dar cuenta de una serie de ámbitos que atrajeron a autores que se desmarcaron desde un primer momento de las previsiones convencionales y que han configurado un fascinante cosmos —imposible de definir y de apresar con facilidad, de refrenar en su expansiva vitalidad— que excluye direcciones únicas.

Qué es poesía visual?
Por Carmen Herrera

No es fácil definir la poesía visual. Se puede decir que es una forma experimental de poesía, en la misma línea que la poesía fonética o el arte postal (con el que está muy relacionada), que se caracteriza por contener elementos plásticos, o imágenes, en íntima relación con el texto.

En un poema visual el lenguaje icónico se plantea como fundamental, y el lenguaje verbal funciona como complemento de la imagen. En un poema visual no sólo intervienen las palabras, también la tipografía, las letras como tales, su disposición en el espacio, el color (o su ausencia), forman parte del poema. En un poema visual lo verbal y lo icónico confluyen y se potencian mutuamente.

La poesía visual no es tan moderna como se cree. Sus orígenes se remontan a los orígenes mismos de la poesía. Existen caligramas y poemas figurativos desde los tiempos de la antigua Grecia, aunque fueron las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, fundamentalmente Futurismo y Dadaísmo, las que dieron a la poesía visual el impulso definitivo al introducir el uso de la tipografía y el collage, junto a una nueva forma de entender el espacio.

En la actualidad el concepto está ampliándose aún más. Tras el momento de gran expansión e interés general en la poesía visual que se produjo en la década de los 90 –y esto a pesar de las escasas publicaciones existentes y de las dificultades de publicación y difusión–, nos encontramos en una época en que se comienza a hablar de Ciberpoesía, es decir: la poesía que utiliza medios digitales para su creación, recursos tecnológicos como el hipertexto, la animación o la realidad virtual.

Y volvemos a la pregunta del inicio: ¿qué es poesía visual? ¿Por qué lo llamamos poesía y cómo se distingue de la publicidad o del diseño gráfico? Y la respuesta está en la misma poesía: es poesía porque llega desde la emoción y busca provocar la emoción, porque no vende nada –ni se vende a sí misma–, porque no nos deja indiferentes, porque nos emociona, nos conmociona, nos conmueve y nos remueve.

MUSICA:  FRANCESCO TRISTANO FEAT DERRICK MAY. THE MENTOR

 

AGENDA:

La próxima exposición del escultor David Rodríguez Caballero en Marlborough Madrid, Abstracciones Poéticas / Poetic Abstractions que se celebrará desde el 16 de febrero hasta el 25 de marzo. La muestra se compone de una veintena de esculturas, algunas de ellas monumentales, de Rodríguez Caballero. El escultor, que vive y trabaja a caballo entre Madrid y Nueva York, es uno de nuestros jóvenes artistas con mayor proyección internacional, su obra se encuentra en instituciones públicas y privadas desde Moscú hasta Miami.

Retrospectiva de Escher en el Palacio de Gaviria

Inauguración: 1 de febrero a las 19:30 h.
Exposición del 2 de febrero al 25 de junio de 2017

Maurits Cornelis Escher es uno de los artistas del siglo XX que está más presente aún hoy en nuestro imaginario colectivo. Sus escaleras imposibles, universos infinitos y teselados podemos encontrarlos en muchas referencias culturales de las últimas décadas. La restrospectiva que acogerá el resucitado Palacio de Gaviria es la mayor realizada hasta la fecha en la capital y reúne más de 200 obras del autor. Organizada por Arthemisia -gestora encargada de la retrospectiva de Kandinsky durante la temporada pasada- la muestra es sin duda uno de los hitos artísticos de este 2017.

100% GAY, se presenta en Modesto en Bilbao.
Esta muestra es una selección de 14 piezas extraídas de diferentes series que el colectivo Malo Muy Malo, han realizado en los últimos años. Todas ellas han sido elaboradas con procesos distintos, pero con un denominador común; el mundillo gay.
 
Como fans que son del sentido del humor y la cultura trash, las 14 piezas que hemos seleccionado destilan belleza, crítica social, ironía y un crudo realismo de lo cotidiano. Hasta el 10 de marzo.

El Espai d’Art Contemporani de Castelló, muestra la primera exposición individual del artista francés Raphaël Zarka en España. Se trata de un proyecto específico, diseñado para la sala del EACC y coproducido con el BPS22, Musée d’art de la Province de Hainaut en Charleroi, Bélgica.

Nacido en Montpelier en 1977, y residente en París, Zarka pertenece a una generación de jóvenes artistas para quienes las formas existentes encontradas constituyen la materia prima de su trabajo para retrata aspectos de la cultura urban.  Hasta el 21 de mayo.

Contraportada: LAST REDOUBT. DESTITUTE. REQUIREMENTS EP

Rosa Pérez    3.feb.2017 13:06    

Museo Marco de Vigo, Würth de La Rioja y La Neomudejar y la música de Beate Bartel & Gudrun Gut

    viernes 27.ene.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 30.01.17

 

PORTADA: BEATE BARTEL AND GUDRUN GUT. SHELLS AND BELLS. SIRENS

BEATE Y GUDRUN

Han pasado 25 años después de que BEATE BARTEL y  GUDRUN GUT trabajaran juntas por ultima vez, aunque su historia, formando parte de Mania D., un proyecto que el crítico de la BBC John Peel definió como las reinas del ruido, inició en 1979. Ambas continuaron carreras diferentes : Beate en Liaisons Dangereuses y Gudrun con Malaria. Ambas siempre en el campo de la experimentación sonora y las artes visuales.

Ahora estas dos mujeres maduras vuelven a jungarse en un proyecto sobre un trabajod e Myra Davies de Spoken word y su album Sirena para el sello Moabit Musik. Un disco en el que  han realizado una versión instrumental de Sirens, una relectura con remezclas y texturas muy diferentes de la grabación original.

En Sirens, Bartel y Gut han contribuido cada una con cinco piezas sonoras.

CAFÉ VIRTUAL: http://www.cinthyaguillen.com

MUSICA: BIS & RUTH.RAILS. CITY LAKE

CINTHYA3

Cinthya Guillen, es una joven fotografa que vive y trabaja en el Sur de California.  Su trabajo tiene como objetivo hacer frente a las ideas socialmente construidas alrededor del espacio y la identidad .

MUSICA:BLUE FIELDS. PAPER CUT

CINTHYA1

Amante del blanco y negro, Cinthya Guillen, juega con las gamas de grises, proponiendo un juego en el que el espectador debe descifrar y a veces componer o recomponer la imagen.

La sombra y la luz, la lentitud deliberada y elemento de sorpresa inherente a la película de la fotografía. El alto contraste de negros y blancos. La vibración de colores en todas sus variaciones gloriosos. El clic de un obturador analógica y la liquidación de los piñones es un sonido a los que Cinthya Guille se declara adicta.

MUSICA: OLAFUR ARNALDS. RADDIR

CINTHYA2

Cinthya Guillem, desafía la percepción y el sesgo mediante la captura de hogares aparentemente dispares en Los Ángeles y Tijuana, México.

A pesar de que goza de la tecnología y la facilidad de cámaras digitales, su verdadero amor es la fotografía de película, la manipulación de laboratorio y su traspaso al papel.

MUSICA:JENNY HAVAL. SECRET TOUCH

CINTHYA4

Co-fundadora de Black Dove Film Club, colectivo de y para mujeres fotógrafas de color. Su mission es promover el amor por este medio artistico, en un colectivo muy poco representado y con poca representación en el panorama internacional.

 

 

MUSICA: GEORGEUS  & SOULDATE. I KNOW YOU LIKE IT

ENTREVISTA: Carolina Bonfim. Museo Marco, Vigo

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90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D

“El 13 de mayo de 2016, a las 18:32, comencé a correr en la cinta modelo TECHNOGYM

G6508D. Sobre esta cinta me puse a correr durante 90 días y desde una observación activa,

estudié los cuerpos que corrían delante de mí.

La elección de realizar este estudio en el gimnasio no fue aleatoria. El gimnasio es por

excelencia un espacio dedicado a la corporeidad, donde el cuerpo/sujeto está en movimiento

constante, que performa para seguir performando, 24h, 7 días/semana, 365 días/año. Su

arquitectura está pensada como un escaparate de cuerpos, donde muchos depositan la

búsqueda de sentido por medio de la práctica del movimiento corporal. ¿De qué modo el

cuerpo y la subjetividad pueden ser pensados, manipulados, transmitidos y vividos, a través de

una actividad física?

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En este estudio quise poner el foco en la acción ‘correr’ y llevarla al extremo: fragmentarla,

archivarla, incorporarla, evidenciar lo que hay de único y propio en cada forma de moverse.

Desde mi cuerpo viví y experimenté 90 maneras de correr. Cada día elegía un cuerpo y la

dinámica de este trabajo era una mezcla entre encarnación-comportamiento-entorno. Para

cada cuerpo, el mismo guión: incorporaba cada movimiento in situ, sobre la cinta de correr y

posteriormente, fuera del gimnasio, lo repetía varias veces. Como metodología para la

aprehensión del movimiento, utilicé diferentes técnicas (fotografía, texto, vídeo y collages)

creando así partituras, esquemas, fichas y detalles de cada uno de los cuerpos observados. El

resultado es un archivo de ‘correr’ de cuerpos de desconocidos en el gimnasio.

Este proyecto continúa una línea de trabajo que vengo desarrollando desde 2010 y que tiene

que ver con el estudio de acciones tratadas como triviales, es decir; andar, marchar, nadar,

correr, beber, mirar, bailar, sentarse y desplazarse, entre otras. Aunque las realizamos como

actos físicos o mecánicos ‘naturales’, son en realidad el resultado de la dimensión cultural

donde está inscrito el individuo y su aprendizaje está basado especialmente en la imitación.

Cada cuerpo representa un sistema simbólico particular, una estructura lingüística que ‘habla’

y revela una infinidad de informaciones a través de su gestualidad.

Busco experimentar la gestualidad del Otro en mi cuerpo desde mi subjetividad, expandir mi

repertorio corporal y mantener activa la capacidad de tener un cuerpo mestizo y plural”.

 

www.marcovigo.com/

 

MUSICA: ERICA ALVES. FRESH PRINCE OF BARÄO

 

MUSICA: DUBSPEEKA.DRONE

ENTREVISTA: Susana Ballesteros , colectivo OPN STUDIO.

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El Museo Würth La Rioja participa en ACTUAL 2017 con la exposición LA ERA VACIA del colectivo artístico OPN STUDIO

La exposición se podrá visitar entre el
3 de enero y el 19 de febrero de 2017

La Era Vacía

OPN Studio son un colectivo artístico aragonés que trabaja en torno a aspectos vinculados con la identidad, el narcisismo, el individualismo o la fragmentación social desde un lenguaje artístico que explora las posibilidades poéticas de las nuevas tecnologías, la ciencia y el movimiento.

La exposición La era vacía está enmarcada en el Festival Actual 2017 y se podrá visitar entre el 3 de enero y el 19 de febrero de 2017. Para la muestra se han seleccionado dos series de su trabajo que utilizan un lenguaje abstracto y mecanizado para plantear las contradicciones entre sociedad e individuo: por un lado la serie Hollow Era (Era vacía) utiliza el reflejo de los visitantes en los espejos fragmentados para cuestionar la composición y autenticidad de nuestra imagen individual, mientras que la serie Diacrónica plantea, con sus armónicos movimientos, la dicotomía entre lo individual y lo colectivo, entre lo sincrónico y lo diacrónico.

 

OPN Studio está formado por Susana Ballesteros y Jano Montañés. Ambos aúnan una formación complementaria de disciplinas dispares como arte, diseño, programación, mecánica, electrónica y audiovisual que están, todas, bien presentes en su trabajo artístico. La investigación de OPN reflexiona acerca del individuo como ser social en un amplio contexto. Su trabajo durante la última década ha explorado la intersección entre los campos del arte, la ciencia y la tecnología articulados mediante el lenguaje de la electrónica, la robótica, el vídeo y la instalación interactiva. Precisamente, la creación de obras interactivas se ha convertido en su principal canal de expresión y comunicación con los espectadores, dado que facilita el diálogo directo entre obra y espectador, y favorece el ejercicio de reflexión sobre las mismas.

Han realizado exposiciones tanto colectivas como individuales en Europa y América, en países como España, EEUU, Finlandia, Francia, República Dominicana, Chile, Honduras, El Salvador o México, destacando a nivel nacional ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo), el Círculo de Bellas Artes (Madrid), el Museo Patio Herreriano (Valladolid) o la Fundación Torrente Ballester (Santiago de Compostela).

La exposición será inaugurada por Leonor González Menorca, Consejera de Desarrollo Económico e Innovación y el Director General de Cultura Eduardo Rodríguez Osés, quienes visitarán la exposición en la mañana del próximo día 3 de enero acompañados de los artistas Susana Ballesteros y Jano Montañés, y de la directora del Museo Würth La Rioja, Silvia Lindner.

Más información:

http://www.museowurth.es/La_era_vacia_OPN_Studio.html
http://opnstudio.com/

https://vimeo.com/88098894

MUSICA: NARCOLEPTICA.GNITSALREVE

 

MUSICA:  TAXIDERMIA (PSYCHO) TRENTE MÖLLER/B. HERMAN LMCOBO REMIX,

ENTREVISTA: NESTOR PRIETO.  LA NEOMUDEJAR. NUEV APROGRAMACIÓN

 

NEAT ART & CONTROL /Ricardo Iglesias. Surveillance02-768x543

Las nuevas tecnologías han abierto inesperados espacios de dialogo estético. Hasta el 5 de marzo de 2017.

CIRCUITOS. ANA DEVORA.

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En términos de inutilidad no hay cosa mas inútil que la vida misma. Hasta el 5 de marzo de 2017.

LE MASCHERE NUDE. LUDIVINE ALLEGUE.

Le Maschere Nude se refiere a aquellas mitologías familiares inculcadas generación tras generación a partir de los acontecimientos reales atravesados por miembros de la familia. Hasta el 5 de marzo de 2017.

 

Los encuentros AVLab, de Medialab Prado, proponen un acercamiento entre el artista y el publico, a través de conciertos comentados. Hace unas semanas escuchamos el de Paloma Peñarrubia y en esa misma jornada Rosa Arruti, conocida como Nad Spiro presentó un proyecto desarrollado en el puerto de Cork, Irlanda .

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CONCIERTO NAD SPIRO ENCUENTROS AVLAB.

CONTRAPORTADA: BEATE BARTEL AND GUDRUN GUT. TEGEL.

Rosa Pérez   27.ene.2017 09:43    

Nicoli Vizioli, Ana Gallardo, Madatac2017 y Blue Fields.

    jueves 19.ene.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 23.01.17

 

Portada: Blue fields. Paper Cut featuring Ilhem

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Las mareas están cambiando para Mike Shannon y Takeshi Nishimoto, de vuelta con su segundo trabajo colaborativo como Blue Fields. Un proyecto que debutó bajo la propia Haunt Music de Shannon en 2012 con Ghost Story. Su segundo álbum, que presentamos ahora, Swimming in the Shadows es una pieza más profunda y experimental que se centra en el cambio, la memoria y el movimiento.

Completado a lo largo de cuatro años, Shadows fue escrito y grabado en Berlín, con Shannon detrás de la producción y el diseño de sonido, y Nishimoto en la guitarra. Influenciado por las inevitables transformaciones de la vida, Shadows sofoca con sentimientos de profunda inquietud y suena fuerte de emoción.

Los números de apertura "Paper Cuts" y "Falling in Deep" marcaron el ritmo con melodías de ensueño, y la voces nebulosas la cantante parisina Ilhem Khodja. El impulso se construye con los sonidos más oscuros y sintetizadores mutantes. El álbum se mueve hacia un territorio más melancólico con " The Breeze Through The Floor "y la pieza final" Paper Ghost ", como momentos de distorsión y tonos desencajados que se funden en los familiares sonidos del dúo.

 

Cafe virtual: http://www.nicolvizioli.com/about/

MUSICA: GNOSSIENNE. SATIE. MURCOF VERSION

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Nicol Vizioli, es una artista italiana cuya práctica artistic se centra principalmente en la fotografía. Con estudios de bellas artes, su obra se nutre de un amplio abanico de influencias , el mundo natural y animal, la mitogolia, la literatura y por supuesto la pintura.

MUSICA: CRAIG LEON. ONE HUNDRED STEPS.

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Nicol Vizioli muestra una profundidad tangible en su estilo artístico. La fotógrafa nacida en Italia estudió cine en Roma y siguió con un master en fotografía de moda en el London College of Fashion. Desde entonces ha estado radicada en Londres y ha presentado su trabajo en varias exposiciones nacionales e internacionales , Incluyendo Somerset House para el Festival Mundial de Fotografía de Londres, la Colección Zabludowicz, la XV Bienal de la Mediterranée y Milán, entre otros.

MUSICA: RONE. ELLE

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Vizioli está fuertemente influenciada por su educación en Roma, que describe como "constantemente rodeada por la inmensa belleza antigua, la austeridad y la decadencia. De manera similar, su fotografía es una fascinante amalgama de tenebrismo, intensidad cinematográfica y realismo.

MUSICA: THE ROCKET BUILDER.

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Pues hasta aquí la sesión para conocer la obra de Nicol Vizioli, cuyo trabajo fotográfico es el punto de convergencia, de mundos imaginarios.

 

 

MUSICA: CONTAINER. PEPPERED

ENTREVISTA:  ANA GALLARDO. 

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Un lugar para vivir cuando seamos viejos. Escuela de oficios deseados”

Proyecto: del 12 de enero al 2 de febrero de 2017.

Encuentro público con Ana Gallardo: 24 de enero a las 19:00h. Actividad gratuita.

Es Baluard llevará a cabo del 12 de enero al 2 de febrero de 2017 el proyecto “Un lugar para vivir cuando seamos viejos. Escuela de oficios deseados”, con la artista argentina Ana Gallardo. Éste, que cuenta con el apoyo de SARquavitae, se integra en “GranGent/GentGran”, el programa que el museo lleva realizando desde 2011 con, para y sobre la gente mayor. En esta ocasión, se explorarán nuevas formas de relacionarnos con este colectivo y supondrá un gran trabajo en red con multiplicidad de agentes implicados (equipo educativo del museo, la propia artista, la red de dispositivos y profesionales que atienden a las personas mayores en Mallorca, y diversidad de agentes y colectivos sociales). Por este motivo, el proyecto no sólo contempla al museo como espacio alternativo de socialización sino que va más allá y lo abre a la sociedad en su conjunto. Esto supone para los participantes un fortalecimiento de su autoestima al verse proyectados con sus aportaciones a la ciudadanía en toda su diversidad.
 
El proyecto consistirá en proyectar un espacio de enseñanzas de talleres de oficios deseados, impartidos por personas de la tercera edad a un público general. Estas personas transmitirán así los saberes que han realizado en su vida, sea como medio de vida o hobby, o bien aquellas actividades que siempre quisieron hacer y no pudieron. Se revalorizarán así los oficios tradicionales, historias de vida o situaciones simples y del cotidiano.
 
Una vez finalizado el proceso, se exhibirán los resultados y se documentarán éstos en vídeo.

 

MUSICA: Brutkho – Harvest

 

 

MUSICA:  PAUL JEBANASAM. RITES III

ENTREVISTA: MADATAC. 

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Del 12 de enero al 5 de febrero en el C. C. Conde Duque, NH Collection Eurobuilding y Palacio Longoria

 

La belleza transgresora y lo más vanguardista en la cultura del videoarte, en MADATAC 08: la muestra internacional de arte digital audiovisual y tecnologías acontemporáneas de referencia en España

 

  • Más de un centenar de artistas de 40 países mostrarán lo más vanguardista, arriesgado y al mismo tiempo original y lleno de belleza que actualmente se está haciendo en el plano del arte audiovisual en todo el mundo, a través de exhibiciones, proyecciones, debates, conferencias, performances, instalaciones, talleres y conciertos audiovisuales de grandes figuras del mundo electrónico

 

  • La Sección Oficial estará integrada por la obra de 50 artistas de todo el mundo, seleccionada entre un conjunto de más de 400 piezas de videoarte presentadas, distribuida en 5 programas que se podrán visionar en pantalla grande en el salón de actos del C. C. Conde Duque, sede central de MADATAC, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Madrid. Los cinco premios estarán destinados a la mejor obra de videoarte, a la instalación new media art más innovadora, al videoartista más prometedor, a la mejor interacción videoaural y un premio especial del jurado. Un palmarés que se dará a conocer en la gala de clausura el sábado 21 de enero a las 19h.

 

  • MADATAC 08 propondrá al espectador una nueva manera de ver videoarte dentro de una de las instalaciones arquitectónicas más sorprendentes del mundo, la mayor pantalla LED abovedada de Europa (300 metros cuadrados) y la segunda del mundo, en el NH Collection Eurobuilding de Madrid. Todo un espectáculo de luz en 3D, sonido envolvente y video en una pantalla curva semitransparente donde se proyectarán 7 piezas de animación en tiempo real, collages, técnicas de glitch art, o animación mediante un software experimental (ARTIE) y After Effects, en un devenir caleidoscópico que hipnotizará

 

  • Destacados artistas del mundo del videoarte internacional y los nuevos medios, como los rusos Tonoptik, el canadiense Hugues Clément, la italiana Giuliana Cunéaz, el polaco Przemyslaw Sanecki o el español Juan Carlos Sánchez Duque, mostrarán en el C. C. Conde Duque lo más experimental a través de instalaciones interactivas donde el público tendrá la oportunidad de protagonizar procesos tan interesantes como desconocidos

 

  • El reconocido artista taiwanés Wu Tien-Chang, caracterizado por sus trabajos críticos sobre la política y las desigualdades sociales, mostrará en la sede central de MADATAC 08 un conjunto de piezas de videoarte y una caja de luz, imágenes teatrales que ahondan en lo más profundo de la cultura, con un efecto visual de montaje que no dejará indemne al espectador

 

  • MADATAC 08 traerá al aclamado cineasta y artista polaco Lech Majewski para estrenar en España el film Onírica, inspirada en La Divina Comedia, con la que concluye su trilogía sobre las grandes obras de los clásicos

 

  • El V Simposio de Cibercultura & New Media Art aportará la parte más teórica de la Muestra, un punto de contacto entre lo académico y lo vivencial, con dos conferencias: la que ofrecerá Rafael Linares Palomar en su presentación de estrategias para atraer al público y Wu Tien-Chang, donde el artista dará a conocer en primicia la especial metodología de su original trabajo creativo
  • MADATAC ofrecerá, asimismo, una sección abierta con 8 proyecciones de videoarte dedicada al Festival Miden de Grecia, una de las plataformas de videoarte más exitosas e interesantes a nivel internacional, y presentará en España a uno de los centros de arte experimental más destacados de Europa: Le Fresnoy, con la asistencia de su director, Eric Prigent, que explicará el funcionamento del centro y presentará 5 trabajos realizados bajo la dirección de artistas como Bill Viola, Manoel de Oliveira, Alain Resnais o Thierry Kuntzel

 

  • En su 8ª edición, MADATAC sumergirá al espectador en un territorio audiovisual de belleza transgresora, ruidismo post-digital, visuales hipnóticos y una deslumbrante fusión interactiva a través de cuatro conciertos audiovisuales de lujo: Dimension N (2.0), una performance audiovisual digital del dúo formado por Alba G. Corral y Dariusz Makaruk, que inaugurará la Muestra el 12 de enero; el concierto doble que reunirá el 14 de enero a DMD, el asombroso proyecto audiovisual creado por Elena Juárez, Carlos Suero y David Mata, y Continuum, un espectáculo impresionante de Paul Jebanasam y Tarik Barri. Además, como clausura de la Muestra, otro referente en el panorama del sonido digital y el vídeo: Maotik & Metametric (Mathieu Le Sourd & Jean-François Pedno) con su Durations, un estremecedor sueño electroacústico

 

  • Dentro de las actividades paralelas, se llevará a cabo un taller de creación audiovisual enfocada en la programación orientada a objetos que ofrece MaxMSP/Jitter en el Palacio Longoria, impartido por Alberto Bernal y Manuel de Pablos, del Aula de Música Experimental, una charla de Mathieu Le Sord sobre su experiencia como artista multimedia independiente en el CBA y un simposio sobre gestión cultural
  • En esta edición, la Muestra también galardonará, entre 15 finalistas, a un artista a través del Premio de residencia para la producción de una obra audiovisual en Casa Velázquez

MUSICA: CARLOS SUERO. CAMARA OSCURA 8 (FRAGMENTO)

 

 

MUSICA: NARCOLEPTICA

ENTREVISTA: ENCUENTROS AVLAB. PRIMER TRIMESTRE 2017.

 

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Encuentros AVLAB que el colectivo Grupo de Resistencia Sonora comisariamos en Medialab Prado los meses de enero, febrero y marzo.

En esta ocasión hemos hecho especial hincapié en el aspecto didáctico de estos encuentros y donde la integración con el público sea una parte importante. Por ello, a lo meramente musical, se unen talleres, charlas y presentaciones que amplían la propuesta sonora. Como siempre, las actividades presentadas, recogen una pequeña panorámica de la escena madrileña con su sección femenina plenamente integrada.

Os adjuntamos el dossier completo de este primer mes de enero pero igualmente, os adelantamos brevemente la programación de los tres meses y en los próximos días os haremos llegar el resto de información así como el cartel promocional:

Sábado 28 de enero
 
DR. GEMA FERNÁNDEZ-BLANCO MARTÍN
Música, avatares y procesos creativos 
 
NARCOLÉPTICA
Laboratorio loop 

Narcoleptica

 
ECLECTIKTRONIK
Found tapes - Archivo de grabaciones encontradas en la basura 

Sábado 25 de febrero
 
MARIO BASTIAN-MARIANELA LEON
Cercos. Danza butoh y tecnología interactiva.
 
JUAN ANTONIO LLEÓ
Fooc –Faraday out of Cage

OLAF LADOUSSE
Doo-rags. Música con objetos reciclados

Sábado 25 de marzo
 
JOSE MANUEL COSTA
Conferencia "La ilusión del paisaje sonoro"
 
BLANCA REGINA
Libre improvisación y multimedia
 
POUPÉES ELECTRIQUES
Charla “Grabaciones realizadas en el Torus Hall del dispositivo
experimental JET en Culham Centre for Fusion Energy (work in progress)“

www.grsmadrid.com

MUSICA:ECLECTIKTRONIK.  IT JUST COULDN´T HAPPEN HERE

CONTRAPORTADA: BLUE FIELDS. PAPER GHOST. SWIMMING IN THE SHADOW.

Rosa Pérez   19.ene.2017 10:47    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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