FLUCTUACIONES, Daniel Canogar, Erizonte, Olga Diego y Madatac 09

    viernes 12.ene.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 15.01.18

 

PORTADA: CORCOBADO Y ERIZONTE. SOL SOTINEMURTSNI ES MACOT.

Sonidos en el silencio
Música y arte sonoro a la obra de OPS

 

OPS1

Se trata de la segunda parte de la trilogía de Erizonte inspirada en el
dibujo en los medios de comunicación como transmisores de ideas
revolucionarias. Después de la primera parte, con los ideales de la
Ilustración en los grabados de Francisco de Goya y el siglo XIX,
ésta segunda corresponde a las viñetas de OPS que aparecieron en
revistas entre finales de los 60 y principios de los 80 del siglo XX. El
artista gráfico para la tercera y última parte, correspondiente a este
siglo 21, está por descubrir...
En esta obra de creación colectiva confluyen importantes artistas
cercanos en ética y estética a aquellos misteriosos y perturbadores
dibujos que en revistas como Hermano Lobo o Triunfo firmaba como
OPS el posteriormente tan conocido y apreciado El Roto.
En entregas consecutivas publicaremos las piezas que Esplendor
Geométrico, La Fura dels Baus, Macromassa, Mar Otra Vez,
Mecánica Popular, Pelayo Arrizabalaga y Eli Gras han creado para
la ocasión. En las anteriores han participado Javier Corcobado,
Scud Hero, Jesús Alonso y Erizonte, que interviene en cada una
de las piezas.
Una vez editadas todas, procederemos a recopilarlas en un álbum,
incluyendo los dibujos que habrán servido de portadas a las
ediciones individuales y que amablemente nos ha ido cediendo OPS
para su realización. En el horizonte está llevar el proyecto al
escenario y la elaboración de un audiovisual con el conjunto de la
obra.

Y para escuchar las piezas ya publicadas
http://info866628.wixsite.com/erizonte/sonido-en-el-silencio

 

MUSICA: MACROMASA Y ERIZONTE.

 

MUSICA : ALESSANDRO CORTINI. ASPETTARE.

 

TRANSCRIPTION . NON STOP DRAWING ACTION. SCAN PROJECT ROOM. LONDRES. 16 DE ENERO. 

Entrevista: OLGA DIEGO. 

 

Daniel Miller (Miller, 2010: 10) afirma OLGA DIEGO
que sus razones para desear ser un extremista radican en que el extremismo representa el compromiso que permite mantenerse en contacto simultáneamente con los extremos del universalismo y particularismo de la vida moderna.

Es en este sentido, Olga Diego plantea una práctica extremista, un extremismo de ‘causa noble’, que similar al del antropólogo “muestra las consecuencias de lo universal para lo particular, y las de lo particular para lo universal, por medio de una devoción equitativa a la comprensión y al confinamiento empático de ambos”[i].

En su obra, aquello que permite la atención a los extremos se expresa por medio de su propio particularismo, a través de un cuerpo que es a la vez  propio y apropiado, el cuerpo de una y de uno, protésico y  grotesco. Este cuerpo en su fisicidad, o aparente materialización, es ante todo un cuerpo desplazado, que se traslada entre los límites que establecen su campo de experimentación. El particularismo radica en que cada nuevo movimiento y cada acción extrema logran empujar estos límites para resituar y redefinir su significado social, cultural y/o político.

El abandono de las categorías se realiza por medio de acciones performativas que retan las condiciones físicas del cuerpo propio, tomando formas de autoagresiones simuladas o enfrentándose a los peligros de elementos naturales que apoyan las interdicciones de la transgresión y que se identifican con cierto determinismo biológico. En trabajos anteriores como Fuego Diego, literalmente, calcina los fetiches sexuados del consenso genérico, mientras en trabajos como Voladora, abandona -sin más- la determinación de las leyes de la gravedad.

En la totalidad de sus exploraciones transdisciplinares cuestiona y desafía el condicionamiento físico del cuerpo, aquello que acompaña y justifica el sueño ilusorio de una posible simpleza del origen y nos adentra en un territorio mental, que reestablece la complejidad de un sujeto relacional, psicológico y social. Este sujeto  rehúye la fijación y se localiza más allá de la aparente desnudez visible, contribuye a una labor descolonizadora del pensamiento categórico y permite repensar una identidad novedosa e inclasificada.

El límite es una línea de horizonte que se desplaza conforme nos acercamos a él.

Superar los límites, por tanto, supone ir en búsqueda de esa línea imaginaria para hallar la dimensión incógnita de nosotros mismos, una versión inédita si se quiere, que rehúye de ser catalogado a priori.

En su nuevo trabajo, Transcription, la connotación de los límites y  la negación absoluta de la fijación identaria por medio de la repetición de patrones conocidos adquiere una dimensión aún por explorar: el desnudo, en ocasiones presente en la obra de Diego, se torna mental. 

En Transcription la idea de lo imprevisible adopta una forma más radical o existencial. El espectador accederá en directo y/o por medio del streaming al espacio de la acción y al espacio mental de la artista que se someterá al proceso de una autoexploración de las contingencias de lo imprevisible, bajo condiciones de inmediatez y de discomfort.

Durante un tiempo indeterminado, Diego ocupará las dependencias del SCAN Project Room de Londres. Su estancia diaria se prolongará durante las 24 horas: dibujará desplazándose por el espacio, al tiempo que atenderá sus necesidades vitales que condicionarán el proceso creativo de un modo contingente, sin que esto deba conducir a su eventual interrupción de forma premeditada.  Tan solo el desistimiento irremediable de las capacidades físicas decretará el final de la acción.

Por medio del despojamiento o la renuncia voluntaria a la intimidad, el cuerpo de la artista se presenta como la materia que limita  la acción propia de la exploración de los límites. Su resistencia o su decadencia física revelará y determinará la capacidad mental y creativa que se traducirá a este acto de un incesante dibujar en el intento de llevar a cabo una plasmación sin premeditación completa y bajo condiciones extremas.

Como en toda su obra, la acción propuesta implica un riesgo consciente y deliberado. La idea fundamental de la superación y de la confrontación viene acompañada de la necesidad de abandonar toda zona de confort. 

Por primera vez aquí la acción no es una representación pensada para el documento, sino se convierte en exposición directa de la transgresión del ser que se desarrollará en un espacio y en un tiempo que se desdobla: el espacio del antes-después.

Anja Krakowski

Para seguir el streaming:

MUSICA: LA FLO. THOR. LUTES. 

MUSICA: Alex Augier - _nybble_

MADATAC09

9ª Muestra  de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Acontemporáneas

Desde el 10 hasta el 20 de enero, Madrid se convertirá en una plataforma del videoarte y nuevos medios gracias a la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Acontemporáneas (MADATAC), que, bajo el título de “Interactivo/Exteractivo”, llega a su novena edición habiéndose convertido en España en un referente de la cultura digital y el arte más experimental. 

Desde el 10 hasta el 20 de enero, Madrid se convertirá en una plataforma del videoarte y nuevos medios gracias a la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Más de 100 piezas de videoartistas de 50 países mostrarán lo más vanguardista, arriesgado y al mismo tiempo original y poético que actualmente se está haciendo en el plano del arte audiovisual en todo el planeta, a través de exhibiciones, proyecciones, debates, conferencias y mesas redondas, performances, instalaciones interactivas, y conciertos audiovisuales de grandes figuras del mundo electrónico, que tendrán lugar en el NH Collection Eurobuilding, C. C. Conde Duque, Medialab Prado y Galería de arte ASPA Contemporary, gracias a la cofinanciación del Programa Europa Creativa de la Comunidad Europea 2015-2018.

Consulte el resto de las actividades del programa de MADATAC 09 en la web: http://madatac.es 

MUSICA: poupees electriques. Disrumption

 

MUSICA: TECNTX. MINUS

ENTREVISTA. DANIEL CANOGAR.

Sala Alcalá 31, Madrid
29 Noviembre, 2017 - 28 Enero, 2018

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Fotografía de  Guillermo Gumiel 2017


La obra de Daniel Canogar (Madrid, 1964) habla de los paradigmas de nuestra sociedad de datos, y lo hace investigando las interfaces y transiciones entre el mundo virtual y el mundo real. Canogar utiliza medios tecnológicos, poniéndolos al servicio de una experiencia artística novedosa y entablando al mismo tiempo un diálogo estético con los entornos digitales. En sus grandes instalaciones y en sus video-animaciones generativas, el artista aborda el impacto de las tecnologías en la sociedad, visibilizando con expresividad el paso de los sistemas electromecánicos a los digitales e indagando en la posición que ocupa el individuo en nuestra era interconectada tecnológicamente. Fluctuaciones nos ofrece un mundo en tránsito: un mundo de memorias pasajeras y fugaces, de cambios de dispositivos tecnológicos y de flujos de datos en constante crecimiento. 

En las obras expuestas, Canogar reflexiona sobre el cambio tecnológico y presenta gráficamente la complejidad del mundo digital de hoy. En su serie Small Data investiga, a la manera de un arqueólogo, diversas tecnologías obsoletas, dando nueva vida a artefactos electrónicos desechados al evocar, mediante animaciones de vídeo, recuerdos perdidos. Sikka Ingentium es la culminación hasta la fecha de las reflexiones de Canogar sobre el cambio tecnológico y las bibliotecas rotas de nuestra memoria cultural: una impresionante instalación en la que el artista usa 2.400 DVD para crear un mosaico audiovisual abstracto basado en nuestro pasado cinematográfico. Otro corpus de obra se hace eco de los flujos de datos que en la actualidad transitan por la red. La serie Echo transmite en tiempo real datos de varios fenómenos naturales y creados por el ser humano. Esta información llega al espacio expositivo a través de unas pantallas LED diseñadas con paneles de circuitos flexibles cubiertos de caucho. Las pantallas, que Canogar dobla hasta conseguir la forma deseada, se convierten en membranas con las que cubrir, a modo de piel, objetos y estructuras. Otras obras con datos en tiempo real, como Xylem o Cannula, se valen de la abstracción como método para plasmar el tejido social creado por el interminable flujo de información digital. Simultaneando su interés por los datos y por la materialidad de los medios, en su nueva serie Draft, Canogar destripa pantallas de plasma para crear singulares esculturas con visualizaciones generativas. Todas estas obras reflejan la fragilidad de las pantallas, transformadas ahora en unos elementos permeables que permiten transmitir al espacio físico la textura de la materia digital. 

Fluctuaciones alude a cambios de sistema, pero también a las inevitables transformaciones que las tecnologías continuarán aportándonos. Las viejas oposiciones de analógico versus digital, cuerpo versus medios, se han desintegrado, para conformar unas unidades que cooperan entre sí dentro de un único sistema. 


Sabine Himmelsbach
Comisaria de la exposición

MUSICA: RONE. ELLE.

 

MUSICA: ANNA STEREOPOULOU. CORE.

El proyecto / álbum temático "electron" [ἤλεκτρον - ḗlektron] es el quinto álbum en solitario de Anna Stereopoulou. El trabajo está inspirado en la estructura y función del oído humano y el equilibrio del cuerpo. 

Con Piano como su instrumento central, frecuentemente enriquecido con ritmos electrónicos, ambiente y poesía, la música está influenciada por varios géneros, como Musique Concrète, Drum'n'Bass, Classical, Jazz, Dubstep, Fado, Techno y otros, y dibuja el curso en un laberinto, que se convierte gradualmente y se revela cada vez más brillante, a través de su traducción visual.

 

 

CONTRAPORTADA: MECANICAPOPULAR Y ERIZONTE.

Rosa Pérez   12.ene.2018 11:33    

SHE MAKES NOISE PART II

    viernes 5.ene.2018    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 08.01.18

 

Segunda entrega dedicada al Festival She Makes Noise, celebrado del 19 al 22 de octubre en Madrid, en la Casa Encendida. Este festival siempre fue, desde el propio título, implícitamente feminista. Posicionándose más allá de modas pasajeras, se trata de un evento multidisciplinar que cuenta con una línea de actuación donde tienen cabida lo político, lo lúdico y lo estético con la clara convicción de que en la transversalidad se generan los discursos más integradores e interesantes

Una de las artistas que pasó por el escenario de She Makes Noise fue la tunecina Deena Abdelwahed

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Abdelwahed es la mayor representante internacional de la electrónica tunecina. Formada en la música jazz, debutó acompañando al jazzman Fawzi Chekili y al grupo So Soulful como cantante. En 2011, se unió al colectivo World Full of Bass, máximos representantes de la electrónica surgida tras la primavera árabe. Actualmente trabaja como productora musical y dj formando también parte del grupo Arabastazy. En su música se entrecruzan la tradición árabe con los sonidos futuristas.

CONCIERTO DEENA ABDELWASHED. 

DEENA Abdelwahed reside actualmente en Francia y ha encontrado precisamente en el sello InFiné, una plataforma para dar a conocer su particular concepto de la música. Con ellos lanzó en 2017 el EP Klabb, donde interpela al activismo y el posicionamiento político y social a través de la pista de baile.

She MakesNoise también dedico una de sus jornadas a una doble sesión de música noise, industrial y tecno, las disciplinas sonoras que siempre han estado presentes en la programación del festival, por ser también las más difíciles de encontrar en el panorama actual. Desde los países nórdicos llegan Puce Mary

Puce Mary es el proyecto sonoro de la danesa Frederikke Hoffmeier, una de las artistas más consolidadas dentro de la música noise y experimental europea.

CONCIERTO PUCE MARY

Pucemary

 

Puce Mary, el año pasado publicó, con su sello de cabecera Posh Isolation, su tercer álbum de estudio en solitario, The Spiral. Ritmos industriales e intensos con influencias de Throbbing Gristle, Chris&Cosey o más recientemente artistas de la talla de She Spread Sorrow y Pharmakon. Un directo inquietante y potente presentó primera vez a Madrid.

Y para terminar  el dúo artístico Ectoplasm Girls. Con base en Estocolmo y formado por las hermanas Nadyne y Tanya Byrne, Ectoplasm Girl proponen una propuesta única, visual y sonora que supone una mezcla que surge de su fascinación por los sueños y la muerte, proponiendo un viaje esotérico al espectador.

CONCIERTO ECTOPLASM GIRLS.

Ectoplasm_girls

Las hermanas Byrne, o Ectoplasm Girls y su sonido directo registrado en el festival She Makes noise en su edición de 2017. Ellas han actuado en festivales europeos de prestigio como Norberg Festival e IdealFest. En 2016, su segundo LP New Feeling Come fue elegido por la revista The Wire como uno de los mejores discos de música electrónica experimental del año.

Aqui cerramos esta segunda entrega con la que damos por concluido nuestro repaso al festival que un año más acogió la casa encendida de Madrid y que cuenta con el comisariado de Natalia y Enrique Piñuel.

Rosa Pérez    5.ene.2018 10:59    

SHE MAKES NOISE PART. I

    viernes 22.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 25.12.17

 

La tercera edición del festival She Makes Noise, celebrado del 19 al 22 de octubre, consolidó un programa que apuesta cada vez con más fuerza por visibilizar el trabajo de mujeres en el campo de la música electrónica y experimental. "Chicas que hacen ruido" oscuro y contundente.

Una de las artistas que se pudo escuchar fue Elysia Crampton, una mujer que rompe esquemas. En muy poco tiempo se ha convertido en las abanderadas de la música electrónica con raíces latinoamericanas.Ella es de origen Boliviano. Y en su particular universo sonoro, convergen las tradiciones del país de donde es originaria su familia, Bolivia, junto con una cuidada producción digital. Así sonó la presentación en directo de Elysa Campton dentro del festival She Makes Noise.

CONCIERTO ELYSIA CAMPTON 

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Elysia Campton, activista contra el machismo, desde su condición transexual y pieza clave en la identidad queer de toda América, su propuesta recupera la historia de una heroína boliviana , simbolo para las mujeres indígenas, desde un lenguaje que mezcla sonidos de vanguardia e historias oscuras.

Tras su paso por el Festival Sónar, esta fue su primera actuación en Madrid.

El festival She Makes noise, apostó fuerte por propuestas de riesgo, dedicando una de las sesiones a las creadoras africanas.

Tres artistas de origen africano que reinventan los ritmos más ancestrales dentro de la cultura de club contemporánea.

Nídia con apenas  20 años y toda la fuerza y el talento para renovar la música electrónica europea con raíces africanas, encontró su camino en Internet aprendiendo a producir música a través de videotutoriales de Youtube. En la actualidad es el fichaje más joven del prestigioso sello portugués Príncipe Discos. Tiene un único álbum, Nídia é Má, nídia é Fudida, publicado en 2017 en el que fusiona los sonidos clave del Kuduro, el Tarraxo, la Batida o la Kizomba, propios de la periferia lisboeta, dentro de una perspectiva de electrónica de club contemporánea. Así sonó Nidia en su participación en el festival She Makes Noise de Madrid.

CONCIERTO NIDIA OK

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En esta tercera edición de 2017 celebrada entre el 19 y el 22 de octubre, una jornada dedicada a la música africana, donde también se pudo ver a Nkisi. Nkisi, alias de Melika Ngombe Kolongo, es una de las embajadoras de las llamadas “nuevas músicas” dentro del campo de la electrónica, capaz de aunar en sus actuaciones los ritmos africanos con el gabber, el doomcore más oscuro y el techno más denso. Es cofundadora, junto con Angel-Ho y Chino Amobi, del sello discográfico NON Records desde donde reivindican los sonidos más vanguardistas de la diáspora negra.

CONCIERTO NKISI OK

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Nkisi,es una palabra congoleña que significa sacerdotisa, alude a su lado más espiritual. Criada en Bélgica y con base en Londres, donde es residente del Endless Club, presentó por primera vez en Madrid su aclamado The Dark Orchestra. Tras su paso por festivales europeos tan reputados como el Unsound de Cracovia o el CMT de Berlín, esta fue su primera actuación en España, en la que propuso un set en exclusiva muy visual y sensorial.

La jornada terminó con la Tunecina Deena Abdelwahed, de la que os pasaremos su concierto la próxima semana, que continuaremos aqui en FR, en Radio 3 ofreciendo los conciertos de la tercera edición del festival She Makes Noise.

MUSICA: DEENA ABDELWAHED- KLABB V2

Rosa Pérez   22.dic.2017 10:49    

Arte contemporáneo en Navarra.

    jueves 14.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.12.17

 

 

 

Proponemos un programa especial desde Pamplona, con motivo de la presentación del proyecto RADIO ELECTROMOTRIZ, organizado por APAC, la Asociación dedicada a la Acción y Promoción del Arte Contemporáneo y la igualdad de género en Navarra.

https://apacnavarra.wordpress.com

 

Cartel electromotriz

 

RADIO ELECTROMOTRIZ, propone del 11 al 17 de diciembre una serie de actividades en distintos formatos  como un Mapa Sonoro del barrio, un taller experimental de Sonido, una tertulia intergeneracional vecinal, una perfomance feminista radiofónica  y uma fiesta el sábado en el Palacio Condestable.

Además abrimos el programa a otros proyectos y estudios de artista de la ciudad, comisarios, etc. y  asi invitamos a Alexandra Baurés (Comisaria y productora cultural), Mikel Belascoain (Artista),Celia Martín Larumbe (Comisaria), Elisa Arteta (Danza, videodanza) o Peio Izcue Basail (Artista), entre otros.

 

 

Rosa Pérez   14.dic.2017 14:27    

ESPECIAL KEROXEN: RRUCCULLA Y KIOKA

    viernes 8.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 11.12.17

 

 

Segunda entrega dedicada al festival Keroxen, la cita anual con la música y la creación sonora abierta y  sin prejuicios que se ha extendido a lo largo de octubre proponiendo artistas como las que traemos hoy. Pero antes vamos con la portada que nos trae el último trabajo firmado por SCHNEIDER KACIREK

SCHNEIDER KACIREK C.4. ARBEIT 16.

Schneider_Kacirek_2__Credit_Andreas_Schiko_

Presentamos el álbum RADIUS WALK, del dúo formado por Stefan Schneider y Sven Kacirek.

 

 

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kyoka trabaja como músico / compositor en Berlín y Tokio, y es conocida por su enfoque musical caótico y directo y un sonido pesado y áspero, que da como resultado un ritmo pop roto con ritmos experimentales pero bailables.

Kyoka es una artista multidisciplinar que emerge como uno de los exponentes femeninos más destacados, junto a Dasha Rush, del reciente catálogo de Raster-Noton;. Esta japonesa afincada en Berlin, con formación en piano y flauta comenzó a trabajar a finales del siglo XXLa piedra angular de su propuesta filosófico-musical combina ritmos, tan cortantes como bailables, con bases vocales, pulsación techno, microsonidos y glitches . Una artesana del sonido ruidoso, capaz de redondear un tema a través de roturas y cortes.

CONCIERTO KIOKA. KEROXEN.

 

La edición de 2017 ha tenido una importante presencia femenina. Algunas de ellas han pasado por esta revista como fue la de Tara Transitory, pero otra de las propuestas que tenia el peograma de este año fue la de RRUCCULLA.

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Se llama Izaskun, pero todo el mundo la conoce como RRUCCULLA y llega desde Barakaldo. Tras una década tocando la batería en distintas formaciones, ha pasado a formar parte de la escena de la electrónica actual, con una propuesta en la que experimentar sin pensar en notas, ni acordes, ni normas de armonía.

Tiene una fuerte base anclada en el jazz, la improvisación y su peculiar forma de entender el sonido basado en las texturas, con apenas 22 años  tiene varios discos autoeditados y grandes proyectos de futuro.

 

CONCIERTO RRUCCULLA. KEROXEN.

 

 

CONTRAPORTADA: SCHNEIDER KACIREK C.5 BACK

Rosa Pérez    8.dic.2017 12:54    

NUEVAS GENERACIONES DE ARTE: DE GR170 A EL PROYECTO TUENTI URBAN ART PROJECT.

    viernes 1.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 04.12.17

 

 

PORTADA: OLIVER HUNTEMANN. POLSTERGEIST. PROPAGANDA.

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El 13 de octubre de 2017 Oliver Huntemann  emprende una nueva y apasionante aventura con el lanzamiento, a través del sello Senso Sounds, de su quinto álbum titulado “Propaganda”. Oliver Huntemann es uno de esos DJs que se ha construido un nombre durante las dos últimas décadas en el complicado mundo underground. Desde su cuartel general en Hamburgo ha desarrollado una carrera prolífica, con la grabación de cuatro álbumes (‘Paranoia’ 2011, ‘H-3’ 2009, ‘Fieber’ 2006 y ‘Too Many Presents For One Girl ‘2004), así como un interminable número de EPs, remixes y colaboraciones con Dubfire, Stephan Bodzin y André Winter.

Propaganda es el quinto LP de Huntemann y de nuevo rompe con lo establecido abriendo nuevas vías para el sonido techno.  Huntemann explica: “El sonido de Propaganda es más maduro, he dejado los tiempos de reducción al máximo para crear una atmósfera determinada en todo el álbum. Por supuesto, la mayoría de las pistas funcionan bien en la pista de baile, pero la tarea era también hacerlas lo más interesantes paro los que sólo quieren escucharlas, simplemente para alcanzar otro nivel “.

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“Propaganda ofrece un nuevo capítulo de pistas electrónicas oscuras con la intención de acompañar al oyente en un entretenido viaje desde sofisticados down-beats hasta edificante Techno”. Oliver Huntemann

 

Musica: DEENA ABDELWAHED.

 

A propósito del Chthuluceno y sus especies compañeras
Una exposición comisariada por Maria Ptqk
espace virtuel Jeu de Paume (Paris)
octubre 2017 - mayo 2018
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Donna Haraway / Pinar Yoldas / Terike Haapoja and Laura Gustafsson / Maria Sibylla Merian / Mary Maggic / Špela Petrič / Paulo Tavares / The Institute For Figuring / Ana Vaz and Nuno da Luz / Remedios Varo

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En su última obra, Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene (2016), la bióloga y filósofa de la ciencia Donna Haraway propone la figura del Chthuluceno como un instrumento con el que aprender a “vivir y morir en un planeta dañado”. Más allá de la utopía tecnológica o la distopía de la extinción, sugiere sustituir la idea misma de futuro por la experiencia de “infinitas configuraciones espacio-temporales” que asuman la complejidad de lo que ocurre “en los aires, las aguas, las rocas, los océanos y las atmósferas” y cuenten las historias de la evolución en un tono menor y voluntariamente marginal, como una maraña de narraciones entremezcladas, resultado de procesos de supervivencia colaborativa.

En la visión de Haraway, el prefijo chthu remite a los poderes subterráneos y abisales de la Tierra. Pero a diferencia del monstruo lovecraftiano Cthulu (nótese la diferencia de ortografía) que expresaba el terror ante lo desconocido, su Chthulu quiere invitar al encuentro con otras formas de vida: animales no-humanos, vegetales, hongos o bacterias, especies compañeras del ser humano con las que este comparte relatos de “co-habitación, co-evolución y sociabilidad”. Inspirado por el concepto biológico de simpoiesis (hacer-se-con), el Chthuluceno cuestiona en última instancia la excepcionalidad de lo humano y las categorías mismas de lo vivo.

Como con la teoría cyborg, aquí también juegan un papel central la especulación y el SF, siglas que se refieren tanto a la ciencia-ficción y la fabulación especulativa como a las formas enrevesadas de los juegos del cordel (string figures), presentes en las culturas nativas de distintos lugares del mundo y emparentados con las artes menores, anónimas y colectivas. El SF aquí no es un género sino una metodología de pensamiento y acción que demanda una re-definición de las ciencias naturales y los humanismos en beneficio de una convergencia dinámica, en movimiento, entre prácticas estéticas y experimentales interesadas en formular nuevos sistemas-modelo o lo que Haraway denomina worldings. Frente a las lecturas literales y unívocas, el SF unido al Chthuluceno abre zonas de contacto con las múltiples caras de lo monstruoso.

En este contexto, las “especies compañeras” aluden a las diversas formas vivas que conviven en el planeta, en simpoiesis unas con otras, pero también al ecosistema de prácticas que dialogan con o contra o a través de la figura estética y conceptual del Chthuluceno. Desde la biología especulativa o las ficciones postnaturalistas hasta las políticas de los organismos inter-especies, la invención de taxonomías utópicas o la exploración de modos experimentales de pensar y sentir, las piezas seleccionadas proyectan un terreno de juego (un terreno de compost) para algunos de los tentaculos contenidos en este último tour de force de Haraway, tan complejo como troublant.

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Esta exposición quiere rendir un homenaje a Nathalie Magnan (1956 – 2016), teórica de los medios, traductora de Haraway y una de las responsables de la introducción de su obra en el entorno francófono.

Más información en http://espacevirtuel.jeudepaume.org/

 

Musica: POUPEES ELECTRIQUES. SWITCH ON.

 

Musica: BROMO. TERRYTORY WAR

 

GR170. “Suburban Folk” MONTANA GALLERY. BARCELONA.

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Hace algunos años, mientras el graffiti estaba en plena ebullición en el centro de la ciudad, algo muy gordo se cocía fuera de la capital.

El escenario: enormes muros de hormigón que componen el paisaje del cinturón urbano a través de autopistas, vias de tren o imponentes fábricas abandonadas que acogieron a un grupo de chicos que, armados con pintura, se dedicaron a dar una nueva vida a esos espacios carentes de ella.

Los suburbios se inundaron de colores, los de los Mixed Media. Un nuevo paisaje, una nueva forma de entender el arte urbano en forma de murales o bombardeos de gran formato, en los que, entre otros, se repetía un nombre: GR170, compuesto por letras y números, por personajes con los ojos saltones, de estaturas increíbles y trazos extra gruesos que definen su particular estilo.

"Suburban Folk" es su primera exposición individual, y Montana Gallery Barcelona será el lugar donde se mostrarán sus obras en distintos formatos y técnicas, que incluyen la pintura o la escultura, pero bajo un denominador común: la vida en la periferia de la gran ciudad. Una reflexión sobre la post-contemporaneidad, los milenials y la estética urbana actual, pero sin perder de vista los orígenes dónde todo esto empezó.

Inauguración este Jueves 30 de Noviembre a las 20h.

Exposición del 1 de Diciembre al 10 de Febrero del 2018.

Montana Gallery Barcelona

 

www.montanagallerybarcelona.com

MUSICA: TRICKY- SAME AS ITEVER WAS

 

Musica: RONE. ELLE

ENTREVISTA:  ANGEL CALVO ULLOA. 

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CAUSA en La Fragua de Tabacalera (Madrid). CAUSA es un proyecto de Taxio Ardanaz que he tenido el placer de comisariar y que es el resultado de meses de trabajo.

La exposición se completa con un ensayo visual ideado por Jone Loizaga, con las aportaciones teóricas de Peio Aguirre, Alfredo González Ruibal y una conversación entre el artista y yo. 

Existen diferentes acepciones para el término CAUSA según la RAE, la primera se refiere a aquello que se considera como fundamento u origen de algo; la segunda apunta al motivo o razón para obrar y, la tercera, alude a la empresa o doctrina en que se toma interés o partido.

El modo en que Taxio Ardanaz aborda esas tres acepciones entronca con la manera en que su investigación cobra forma: cuestionándose desde el principio dónde se sitúan sus intereses; analizando las razones que nos llevan a hacer lo que hacemos; y preguntándose por qué nos situamos donde nos situamos.

En base a esas premisas, Taxio Ardanaz enfrenta una de esas pesquisas que no esperan, que se cogen en movimiento, en medio de un trayecto que va de ningún sitio a ninguna parte. CAUSA supone una de esas paradas forzosas a las que toda búsqueda está sujeta; casi un descanso que permita elaborar una panorámica, respirar y tomar de nuevo esa dirección que no define ni su principio ni su final, sino que se aborda por fragmentos cuyos límites se presentan difusos.

A lo largo de los últimos años su proceso de trabajo se ha desarrollado en lugares como Bregenz, Ciudad de México, Beijing, Madrid, La Habana o Bilbao, donde se ha instalado de manera indefinida. Desde esos lugares, con el viaje como rutina, trabaja en torno a la idea de monumento como tótem del conflicto, como elemento que permanece, lo recuerda y lo lega, no libre de reinterpretaciones ni de posibles conflictos futuros. Así, ha ido configurando una dinámica de acción y definiendo un cuerpo de trabajo que, basado en la pintura, nunca ha renunciado al componente instalativo de esta, situándose permanentemente en la duda de a qué disciplina adscribirse como artista. La pintura se muestra entonces como medio, pero la importancia del relato justifica cualquier injerencia de lo escultórico y lo audiovisual para abordar ese acercamiento al monumento mediante el análisis de lo plástico y lo político, siempre desde una óptica muy personal y en ocasiones codificada.

La pintura de Ardanaz se presenta sobre papeles directamente fijados a la pared, que permiten elaborar un montaje nunca encorsetado, sujeto a variaciones de última hora y vinculado estrechamente a una disciplina de taller. A nivel compositivo, la suya es una pintura que se configura por superposición de capas, que en ocasiones elimina todo rastro inicial, dando como resultado una carga matérica que sirve como testigo de la lucha, de nuevo como tótem de un conflicto distinto al que representan, pero simbólicamente vinculados.

Las personas, su indumentaria, sus gestos y su carácter político me interesan tanto como las construcciones bélicas, el búnker, las trincheras o los refugios. La guerra me interesa como máximo paradigma del conflicto. El conflicto es universal, es motor humano, y pertenece a nuestras vidas, tome la forma que tome. Lo que queda después también me interesa.

El resultado es un trabajo site-especific, que compila una serie de obras realizadas en los últimos años, algunas mostradas con anterioridad y otras no, pero que nunca se presentan del mismo modo, sino que en base al espacio y a las relaciones que se establecen entre ellas tienden a resignificarse, a asumirse como autónomas o como partes de un todo que, al igual que su investigación, no dilucida puntos de partida ni destinos aparentes. Parejo a esta decisión, se plantea un gran mural que remarca esa especificidad, así como la decisión de trabajar directamente sobre el espacio de La Fragua, que permite hacer, rehacer, dudar y sorprenderse.

Quizás la clave de este proyecto se sitúe en esa indefinición, sin una estructura redonda que pueda afrontarse por medio de un montaje previo simulado, sino mediante un contacto directo a escala real, a través de un trabajo más físico que estratégico. La exposición se completa con un ensayo visual ideado por Jone Loizaga, con las aportaciones teóricas de Peio Aguirre, Alfredo González Ruibal y las palabras del artista en conversación con el comisario de la muestra.

Ángel Calvo Ulloa, comisario de la exposición

Periódico

Con motivo de la exposición se ha editado un periódico que recoge imágenes de las obras expuestas además de textos de Alfredo González Ruibal y Peio Aguirre, y la transcripción de una conversación entre Ángel Calvo Ulloa y el artista.

Tabacalera. La Fragua. Embajadores 51. Madrid. Hasta el 04.02.2018

 

MUSICA: AMELIE LENS. LINGER ON

 

MUSICA: JOEY LE SOLDAT. MICROPHONE

 

TUENTI URBAN ART PROJECT LLEVA EL ARTE URBANO A LA UNIVERSIDAD

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Tuenti lanza la iniciativa TUENTI URBAN ART PROJECT, que se desarrollará entre octubre y diciembre de este año, con el propósito de vincular el circuito profesional del arte contemporáneo a los estudiantes de Bellas Artes de cinco universidades y de dar a conocer el universo creativo de artistas con una trayectoria consolidada en el ámbito urbano. El proyecto cuenta con el comisariado de Urvanity Art.

En el proyecto participan la Universidad de Barcelona (2-6 de octubre), la Universidad de Murcia (16-20 de octubre), la Universidad de Sevilla (6-10 noviembre), la Universidad de Zaragoza (20-24 de noviembre) y la Universidad Politécnica de Valencia (11-15 de diciembre).

En cada sede tendrá lugar un programa de charlas, debate y presentaciones con la participación de académicos, investigadores, artistas, galeristas y otros profesionales del arte contemporáneo; talleres impartidos por prestigiosos artistas como Dos Jotas, Belin, Lula Goce, Uriginal y Antonyo Marest; e intervenciones artísticas en los distintos campus con murales a cargo de Enric Sant, Lula Goce,Antonyo Marest,Anna Taratiel y Pichi&Avo.

 

Además, TUENTI URBAN ART PROJECT quiere dar visibilidad al talento de jóvenes creadores con el concurso Tuenti-Urvanity Nuevo Arte Contemporáneo 2018 que permitirá exponer el trabajo de los seleccionados en la segunda edición de Urvanity, The International New Contemporary Art Fair.

Toda la información del proyecto, así como las bases de participar se realiza a través de la url www.tuenti.es/urban-art

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Tuenti , la compañía móvil, vuelve a apostar por el arte urbano con la puesta en marcha de TUENTI URBAN ART PROJECT, una iniciativa que cuenta con el comisariado de Urvanity Art y tiene como objetivo poner en contacto el circuito profesional con los estudiantes de Bellas Artes.

TUENTI URBAN ART PROJECT ejemplifica el compromiso de Tuenti con el arte urbano, con el que comparte la co-creación, el hacer las cosas de forma distinta y una expresión descarada y cambiante, además de contribuir a su difusión desde un punto de vista profesional y construir un espacio para la difusión de las nuevas generaciones de creadores.

Valencia La Facultad de Bellas Artes San Carlos de la Universidad de Valencia será la última institución que acogerá TUENTI URBAN ART PROJECT del 11 al 15 de diciembre.

Pichi&Avo realizarán su obra en un muro del campus de Vera. Por su parte, Antonyo Marest impartirá el taller "La última capa" a los estudiantes de Bellas Arte.

El programa de charlas y debates se celebrará en el salón de actos de la facultad, los días 13 y 14, con las intervenciones de Belén Palanco, periodista especializada en arte;Sergio García Bayón, galerista y comisario independiente de arte contemporáneo; Anna Dimitrova, emprendedora cultural y comisaria; Georg Zolchow, comisario e investigador especializado en arte y espacio público; y Carlos Callizo, artista y profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia.

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Toda la información sobre el proyecto, así como las base de la convocatoria e inscripción a la misma estará disponible en la url www.tuenti.es/urban art

Musica: SAM BINGA. TK NUH CHAT

 

 

MUSICA: CLARA M OTO. FOR ALL SEASONS SO BAD.

CELEBRAMOS EL DÉCIMO ANIVERSARIO DEL SELLO INFINÉ, CON LA PUBLICACIÓN DE ESTE DOCUMENTAL. 

 

 

 

CONTRAPORTADA: OLIVER HUNTEMANN. ROTLICHT. PROPAGANDA

Rosa Pérez    1.dic.2017 12:11    

Mucho más que cine desde el FICX de Gijón.

    viernes 24.nov.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.11.17

 

 

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Dedicamos el programa al Festival Internacional de Cine de Gijón y a las exposiciones y propuestas visuales que se pueden ver en la ciudad.

 

Entrevistamos a su director Alejandro Díaz Castaño, con el que analizamos la programación de este año, el primero de su nombramiento.

Hablamos con Samu Fuentes, que presenta su ópera prima "Bajo la Piel de Lobo", interpretada por Mario Casas y de cuya banda sonora se ha encargado Paloma Peñarrubia.

 

 

La 55 edición del FICX, ha presentado varias secciones, dedicadas a la obra en corto o en videoclip de realizadores locales. Uno de los protagonistas es Rodrigo Cuevas, artista y performer que además fue el responsable de la Gala de apertura del festival.

 

 



 

 

Presentamos las exposiciones de LaLaboral Centro de Arte.

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Jacobo Bugarín desarrolla su trabajo centrado en la percepción y la relación entre el espacio-objeto e individuo-sociedad. Entre las exposiciones en las que participa cabe destacar las instalaciones creadas para la Sala Amadís en Madrid, Baleiro en Santiago de Compostela, el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña, la Igrexa da Universidade de Santiago, el Auditorio de Galicia y el Pazo de Cultura de Pontevedra: o las exposiciones colectivas en el cGac Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago, Interview room en Edimburgo, Es Baluard en Palma de Mallorca, el MARCO de Vigo, la Ciudad de la Cultura de Santiago o el Museo Kloster Asbach de Passau en Alemania entre otras.

Ha sido reconocido con becas o premios como los que concede la Diputación de A Coruña, la Xunta de Galicia, el INJUVE, Sant Andreu Contemporani o el Auditorio de Galicia.
 

 

PELICULA: NADIE NOS MIRA. JULIA SOLOMONOF

 

 

MUSICAS:

BROMO. 0.0 DEL ALBUM TRACES OF EROSION  https://lasfloresnolloranmusic.com/portfolio/bromo/

ANTON MENCHACA. ADIOS A LA MIO VACA PINTA  https://antonmenchaca.bandcamp.com/track/adi-s-la-mio-vaca-pinta

MAURI. STELARC.DEL ÁLBUM CYBORGS http://www.mauridj.com/

RODRIGO CUEVAS. EL TORO BARROSO.  http://rodrigocuevas.sexy/

ELLE BELGA. AHORA. https://ellebelga.bandcamp.com/

 

 

 

 

 

Rosa Pérez   24.nov.2017 12:32    

Ai Weiwei, Concha Jerez y escuchamos la Fusión Nuclear.

    viernes 17.nov.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.11.17

 

MUSICA: POUPEES ELECTRIQUES. disruption. JET.NUCLEAR FUSION DEVICE.  

ENTREVISTA: Carlos Arillo, componente del grupo Poupees Electriques

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Música y ciencia se unen gracias a Poupees Electriques, para dar forma a su nuevo disco "JET- Nuclear Fusion Device", una estructura sonora que parte de grabaciones de campo realizadas en el Centro Culham para el desarrollo de la Fusión nuclear, reinterpretados a través del ritmo, la instrumentación, la experimentación y los archivos  de los experimentos de plasma que se realizan en las instalaciones del Culham Centre for Fusion Energy en el Reino Unido.

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El sonido de la fusión plasmado en una obra de cincuenta minutos editado en CD en una presentación de lujo limitada a 500 ejemplares.

 

 



 

https://poupeeselectriques.com/es/

POUPEES ELECTRIQUES. CREW

 

Concha Jerez, premio Velázquez de Artes Plásticas 2017

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El Centro Atlántico de Arte Moderno presenta la exposición retrospectiva Concha Jerez. Interferencias, dedicada a una de las artistas más destacadas del arte contemporáneo y pionera del arte conceptual en España.

Comisariada por Alicia Murría, la exhibición reúne una selección de las instalaciones más significativas que recorren su extensa producción, de cuatro décadas de trayectoria, a las que se unen obras objetuales, producciones videográficas y fotografías. 

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Junto a sus piezas célebres, la muestra incorpora otras obras ideadas expresamente para el CAAM, centradas en la memoria histórica de las Islas Canarias y preocupaciones sociales acuciantes, como la inmigración. 

http://www.caam.net/

 

Musica:  LALI PUNA. BONY FISH. TWO WINDOWS

 

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La primera edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi se va a desarrollar en San Sebastián a lo largo de los meses de Noviembre y Diciembre de 2017, y en Enero de 2018. Su semana inaugural será del 7 al 10 de Noviembre.

 

Este proyecto nace bajo el patrocinio de la Consejería de Medio ambiente, Ordenación del territorio y Vivienda del Gobierno Vasco, a través de su Departamento de Vivienda. Adicionalmente, en el diseño y la realización de esta primera edición colaboran otras instituciones públicas como son: el Excmo. Ayuntamiento de San Sebastián, la Excma. Diputación Foral de Gipuzkoa, la Universidad del País Vasco (UPV/EHU) a través de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del País Vasco (ETSA-UPV/EHU), el Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro (COAVN) y Tabakalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea.

Así mismo, se cuenta con la colaboración de otros representantes de la sociedad civil en el ámbito de la arquitectura, tales como ATARI -Asociación Cultural Arquitectónica de Euskadi-, la Asociación Cívica ANCORA, el Espacio Réflex, el Cemento Museum Rezola, el Archivo Peña Ganchegui y el Cluster Habic.

La Bienal tiene como objetivo la creación de un foro de encuentro, en torno a la Arquitectura, para académicos, profesionales, estudiantes universitarios y ciudadanos en general. Aspira a promover la reflexión y el debate acerca de la situación actual de la Arquitectura y el papel que el Arquitecto debe tener en ella, poniendo sobre la mesa las principales encrucijadas y retos a las que ambos, la disciplina y sus profesionales, se enfrentan en la actualidad.

El enfoque de la Bienal es internacional y pretende tener un carácter multidisciplinar. El certamen se desarrollará con una periodicidad bianual.

Aunque cada Bienal podrá tener uno o varios ejes temáticos de reflexión y trabajo, se quiere que el nombre genérico que dé cobijo a todas ellas sea

Mugak / Boundaries / Fronteras / Frontières

Durante el tiempo de su duración, la Bienal desarrollará un estimulante programa de actividades que abarcan conferencias, talleres, mesas redondas, diálogos, exposiciones, itinerarios y visitas guiadas. Todas ellas serán gratuitas y se presentan abiertas a toda la ciudadanía.

Se presenta como una excelente ocasión para analizar e intentar redefinir los lindes que unen y separan a la Arquitectura con otras disciplinas académicas, en el intento de recuperar la tradición humanista que la enlaza con la Filosofía, el Arte o la Cultura buscando territorios de simbiosis y colaboración con la Economía, la Geografía o la Sociología, que ayuden a perfilar soluciones a dilemas comunes.

Mugak aspira también a romper las fronteras que circunscriben la Arquitectura en unos límites, muchas veces, difícilmente accesibles y comprensibles para el conjunto de la ciudadanía.

Por ello, invitarles a participar en la fiesta de la Arquitectura que representará Mugak, supone tratar de limar la distancia que hoy media entre la Arquitectura y la ciudadanía a la que debe servir.

 

http://www.mugak-bienalsansebastian.eus/es/inicio

 

MUSICA: BROMO O.O. TRACES OF EROSION.

 

MUSICA. Brogmann & bargmann. Prisma.

 

PROYECTO: LA CIUDAD IMAGINADA. VALLADOLID. MUSEO PATIO HERRERIANO.  1,2 y 3 diciembre 2017

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ENTREVISTA OSCAR BLANCO ESTEBAN. 

La elección de la ciudad en la que vivimos constituye probablemente una de las decisiones más importantes de nuestra vida, una decisión de la que dependerán, en buena medida, nuestro futuro y bienestar.

¿De qué modo contribuyen la creatividad, la innovación o la cultura al desarrollo económico, social o urbanístico de una ciudad? ¿Qué roles pueden ocupar en la definición de nuevos escenarios que permitan mejorar las condiciones de vida de sus ciudadanos?

Los nuevos paradigmas y modelos de organización social obligan a repensar y redefinir las distintas fórmulas que permiten que una ciudad pueda aprovechar sus capacidades humanas y sociales para emprender nuevos retos y caminos de progreso. Decisiones que deben ser asumidas conjuntamente, con la participación de los poderes públicos, especialmente en la esfera de la administración local. El trabajo colaborativo, el talento, la innovación y el intercambio creativo han de ser fundamentales para que una ciudad se repiense y encuentre a sí misma.

‘La ciudad imaginada’ quiere ser un espacio de encuentro, debate y reflexión en torno a las acciones más innovadoras que promueven agentes públicos y privados, organizaciones de carácter gubernamental y no gubernamental, empresas y universidades, individuos y colectivos. Supone una oportunidad para que las ciudades de todo el mundo compartan sus experiencias en el proceso de construirse como contextos y ecosistemas creativos, conozcan de primera mano las experiencias implementadas por otras ciudades, forjen alianzas y creen sinergias

‘La ciudad imaginada’ supone una oportunidad para abordar algunas de las experiencias nacionales e internacionales más innovadores que han contribuido decisivamente al proceso de transformación de las ciudades.

http://www.laciudadimaginada.es/programa/

MUSICA: MAURI. CYBORGS. HARBISSON.

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'Human Flow', es el nuevo trabajo del artista chino Ai Weiwei, que acudió a la Semana Internacional de Cine de Valladolid a presentar su  documental en el que aborda el tema de los refugiados. Más de 65 millones de personas se han visto obligados a abandonar su hogar huyendo de la hambruna, de los cambios climáticos y de la guerra, causando el mayor desplazamiento humano desde  la II Guerra Mundial. Gracias a la colaboración de nuestros compañeros de RNE en Valladolid, traemos la voz del polémico artista chino hablando de su película y de otras cuestiones que le preocupan y que finalmente traslada a su obra.

 



 'Human Flow', un épico viaje cinematográfico en el que Ai Weiwei ofrece una potente expresión visual de esta masiva migración humana. El documental demuestra  la impresionante escala de la crisis de los refugiados.  Human Flow tuvo su estreno mundial en la sección oficial de la Mostra de Venecia.

 

MUSICA:HANETRATION. FIRE ANCIENTS EP.

 

ENTREVISTA: JUAN JESUS YELO.   QUIJOTE SUSURRADO, INSTALACIÓN SONORA.

FUNDACION CASA PINTADA.  MULA (MURCIA). HASTA PRINCIPIOS DE ENERO.

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A través de las exposiciones temporales se dan a conocer nuevas propuestas para que se comprenda mejor la complejidad de los “nuevos” lenguajes estéticos que ocasionan nuevos paradigmas sobre la percepción y comprensión del Arte Contemporáneo. En este sentido, la instalación sonora en la bodega de la Fundación Casa Pintada de Mula donde el sonido, en forma de palabra y voz, se organiza y se une al tiempo y al espacio, trazando un diálogo con el lugar y el espectador. El creador Juan Jesús Yelo (Cartagena, 1964) mediante la instalación sonora Quijote susurrado establece un vínculo entre la bodega (espacio) y la palabra. La obra en sí misma no es física, es una obra que se escucha y se siente, en el recorrer y en circular sobre espacio, la instalación reconfigura el lugar y lo dota de otros atributos, posibilitando la interacción entre el espectador, los sonidos y la propia bodega. Hacemos hincapié en la interacción como una de las claves de la adecuación del proyecto de Yelo al espacio en forma de caja acústica con cualidades propias del mismo. Los ecos, resonancias y reverberaciones producidas en las estructuras que lo delimitan, hacen que el espectador sea parte activa al tener que transitar (interactuar), para crear relaciones y conexiones con el espacio y los sonidos, y poder descubrir la obra y escuchar las voces de forma completa, de ahí poder provocar una reflexión crítica, consiguiendo una percepción nueva del lugar gracias a los sonidos. Un aspecto importante de la obra es el uso de la tecnología informática para la creación de lenguajes nuevos que a modo de herramientas ayudan en la composición sonora. El lugar con la obra de Yelo se consigue reconfigurando el espacio icónico de la Bodega del siglo XVIII con su bóveda de ladrillo, que se sitúa en el subsuelo, a modo de subterráneo que permanece inalterado, con sus bocas de las tinajas vacías que se llenan de repeticiones. La instalación dialoga con el espacio, los sonidos son las voces recitando el Quijote en treinta y seis idiomas, en diferentes puntos, consiguiendo un acontecimiento acústico que consigue delimitar activamente el lugar, en palabras del compositor francés Jean-Yves Bosseur en su Musique et arts plastiques, en las instalaciones “una de las propiedades del sonido es la de esculpir el espacio” y sin duda la obra de Yelo consigue ese enriquecimiento de la experiencia de la obra de arte, en este caso sonora. Quijote susurrado es un proyecto que acoge un campo alternativo del arte y donde el sonido (arte sonoro) como campo amorfo, indefinido se revela como una forma de expresión. En el proyecto han colaborado de forma coral varias decenas de personas de diversa procedencia. Nuestro artista ha conseguido construir un paisaje sonoro y unir la magia de la palabra cervantina en una composición de enorme creatividad concebida como un marco abierto y diverso donde la palabra coge forma en el proceso creativo y el sonido nos hace viajar a través del espacio. Olga Rodríguez Pomares Doctora en Bellas Artes, Universidad de Murcia Comisaria de la exposición Juan Gª Sandoval Museólogo y crítico de arte Comisario de la exposición Sala Bodega Fundación Casa Pintada - Museo Cristóbal Gabarrón Quijote susurrado es una obra de arte sonoro que pretende acercarnos a la musicalidad del habla. Partiendo de grabaciones de lecturas de las primeras líneas de Don Quijote de la Mancha en 36 idiomas, la obra nos acerca a la expresividad de las diferentes lenguas. La pieza se presenta dividida en tres secciones coincidentes con los tres espacios de la sala. Como introducción, en las escaleras de bajada a la bodega, una lectura del texto en castellano deja claro cuál es la fuente que alimenta la obra. Ya en el propio espacio expositivo, en el tramo corto se ordena la segunda sección en la que se presenta la raíz de la instalación: las palabras “Quijote”, “Quijana” y “Quesada” pronunciadas con los 36 acentos, conseguidas y modificadas levemente en el ordenador. En el tramo largo de la bodega, una tercera sección crea un corpus babélico en el que las lenguas se entremezclan, van y vienen creando un ramaje que a veces se hace denso y a veces clarea, dejando poco lugar al descanso auditivo. Quijote susurrado es una obra coral colaborativa, donde se han obtenido los contenidos sonoros originales a través de grabaciones de móvil, grabadoras profesionales y ordenadores, siendo recopilados a través de un llamamiento por redes sociales (Facebook, principalmente) y amigos de amigos que han ido enviando los originales a través de correo electrónico, WhatsApp, Facebook. En otras ocasiones, son grabaciones del propio autor en viajes, reuniones sociales o directamente de sus alumnos y familiares. Para una experiencia estética gratificante, debemos deambular por el espacio, buscando la musicalidad de cada lengua y dejándonos llevar por la expresividad, buscada o no, de los lectores. Podemos detenernos allá donde nos apetezca y saborear el acento familiar o el exótico. También podemos, porqué no, buscar ese mantra único y personal que nos haga vibrar el aura y amplifique nuestra capacidad perceptiva. Juan Jesús Yelo

 

MUSICA: Poupees Electriques. Fusion Energy.

CONTRAPORTADA: POUPEES ELECTRIQUES. INSIDE THE VESSEL.

Rosa Pérez   17.nov.2017 10:43    

CAI GUO-QIANG, MARLA JACARILLA Y HANETRATION

    viernes 10.nov.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 13.11.17

 

PORTADA: HANETRATION. FIRE. ANCIENT EP

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Hanetration‘s Torn Heat EP (VULP-0041) full of delightfully gauzy textures - dreamlike and at times sinister. Based in London, UK, Hanetration has crafted a work of interest to glitch, drone, and ambient fans alike with this EP. Torn Heat EP is a strong follow-up to Tenth Oar EP (self-released earlier this year), including four tracks that thematically build off of one another, from the minimal, yet adventurously engaging "Jurassic" to the closer “Flicker”, functioning as a haunting deconstruction of the music that came before.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.mikebrodie.net

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. FOOOTSTEPS

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Mike Brodie nació en Arizona en 1985. Su padre -que había pasado más tiempo en la cárcel que en libertad- le dijo que se había casado con su madre solo porque estaba drogado y bebido. Su madre y su abuela alcoholicas y su abuelo amante de las carreras de coches y abusaba de él desde pequeño.

Con 17 años, Brodie decide huir de todo eso, y comienza a “saltar” sobre los trenes para cruzar los Estados Unidos.

Mike empezó por casualidad a hacer fotografías con una cámara Polaroid. Era inevitable para un

adolescente publicarlas en las redes sociales. Se convirtió en famoso a través de internet.

MUSICA:  NOCTURNAL SUNSHINE. BASS BIN

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Mike Brodie tiene un talento natural para la fotografía.  Desde 2004 a 2006 dispara con su Polaroid y firma como “the Polaroid Kidd” (el chico Polaroid). Cuando la compañíainterrumpe la fabricacion de peliculas, Brodie se compra una Nikon F3 por 150 dólares. Viaja 50.000 millas en los trenes y

realiza 7.000 fotografías. Muchas de esas instantáneas  las regala a las personas que retrata, son obras únicas “donadas” en los trenes a sus amigos.

Dos espléndidos libros publicados por Twin Palms en 2012 y en 2014 le dan a conocer a críticos y coleccionistas. Libros áridos, imágenes sin título, pocas palabras escritas por el mismo autor, con un estilo sincopado que concluyen con una duda absoluta “no estoy seguro de querer que alguien lea todo esto”.

NUSICA: POSTMAN. WHY DO I STILL

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Las  imágenes de Mike Brodie, son perfectas en las tonalidades, encuadres,colores, contenidos, en el espíritu y en la forma. Todo es autenticidad. Sólo así podemos descubrir como viven estos outsider, estos amantes de la “plena libertad”, gracias al objetivo de su cámara que investiga desde dentro, con la complicidad de los que viven de forma extrema y sin barreras.

Historias al límite, vidas temerarias, existencias vagabundas, noches sin un cobijo. En nombre de la libertad se arriesga todo, desde la comida a la vida, hasta la libertad misma. El arte de conformarse con lo que se tiene necesita de una red de seguridad, aquella que sólo tus compañeros de calle pueden garantizarte, aquella que te salva en tu vida cotidiana. Mike Brodie fotografía a sus compañeros de viaje, con respeto, intimidad y con una gran capacidad de acoger el destino de todos. Criaturas increíblemente fotogénicas, con su look rebelde, con colores oxidados que se confunden con el hierro de los trenes, con sus heridas y conquistas, con la inconsciencia y la extravagancia que nos seducen por el encanto de la imprudencia.

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. IT´S ALLRIGHT

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Mike Brodie, ha encontrado su mejor expresión en la fotografía. Imágenes de una belleza desarmante que nos hacen respirar aquella libertad compleja y visionaria. Una historia hecha de pequeñas cosas y de una atmósfera cargada de fatigas, riesgos, conquistas e ilusiones.

 

Musica: ARTIFICIERO. SOLES MINERALES.

 

MUSICA : LABELLE. SOUL INSTROSPECTION

 

Logo-begira-negro  Jon Gorospe01

Begira Photo es un proyecto cultural que, impulsado por la asociación Kinua, quiere ser un estímulo tanto para la creación fotográfica como para el análisis de las tendencias y el

contexto actual en que se desarrolla la fotografía.

 

En esta nueva edición, Begira Photo amplía su alcance gracias a un importante número de colaboraciones con distintos espacios culturales de la comarca del Duranguesado y de los municipios de Bilbao y Zarautz. Esto ha hecho posible la propuesta y el diseño de diversas exposiciones con el paisaje de montaña como tema protagonista con obra de Jon Gorospe, Fernando Maselli, Martín Rueda, Carla Andrade, Moreno & Grau, Davide Maria Ferrari, Patricia Bofill, Marco Miranda.e y Xabi Martín entre otros.

Podrán visitarse en el Museo Kurutzesantu de Durango, en el Centro Zelaieta de Amorebieta-Etxano, en la carpa de Askondo de Iurreta y en el Photomuseum de Zarautz.

A las exposiciones, se suma un taller con el fotógrafo Txema Salvans, un encuentro fotográfico con el comisario independiente Sema D´Acosta, la presentación de la investigación Fotolibros: narrar con fotografías de Ros Boisier, el lanzamiento de la publicación Infinito artificial de Fernando Maselli y las jornadas Diálogos fotográficos, una serie de conferencias y mesas redondas en las que participan Bego Antón, Francisco Baena, Rocío Lopez, Mónica Lozano y Juan Peces.

Además, se han concedido dos premios en reconocimiento a la labor creativa e investigadora en fotografía: el de Creación Fotográfica y el de Ensayo sobre fotografía.

WWW.BEGIRAPHOTO.COM

MUSICA:  NACHO SOTOMAYOR. 06. MAGNETIC

 

MUSICA :  KARA LIS COVERDALE AND LXV. DISNEY

 

Marla Jacarilla. Twin Gallery

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Detalle de "La integridad o el discurso", plóter sobre papel de 210 gr, 91 x 61 cm. Marla Jacarilla, 2017

El miércoles 8 de noviembre, a las 19 horas, la artista Marla Jacarilla presentó su segunda exposición

individual en Twin Gallery, "Posibilidad y palabra". La muestra, que se podrá visitar hasta el 23 de

diciembre, "reflexiona sobre el poder de la palabra y su capacidad para modificar las estructuras que

condicionan y conforman nuestro entorno: estructuras sociales, políticas, económicas y culturales que

determinan nuestro comportamiento sin que seamos conscientes. Estructuras que son cuestionadas

y modificadas constantemente, ya que permaneciendo rígidas son incapaces de adaptarse a un

contexto en constante movimiento. Reflexiones a partir del asesinato del embajador ruso Andréi

Kárlov, algunas novelas de ciencia ficción distópica del siglo XX o los discursos de investidura de los

presidentes que ha habido en España son algunos de los puntos de partida para realizar las obras que

conforman esta exposición", Marla Jacarilla.

MUSICA: JULIA KENT. HELLEBORE.

 

MUSICA: SOLYST. CATCHING LEAFS

EXPOSICIÓN: EL ESPIRITU DE LA PINTURA. CAI GUO-QIANG. MUSEO DEL PRADO. MADRID.

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El Museo del Prado presentó hace unas semanas,  la exposición “El espíritu de la pintura. Cai Guo-Qiang en el Prado” que podrá visitarse hasta el próximo 4 de marzo en la sala C del edificio Jerónimos.

Cai Guo-Qiang es el primer artista contemporáneo que concibe obra inédita creada in situ para su exposición en el Prado y se trata de su primera exposición monográfica centrada en la pintura desde hace más de 30 años.

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Esta exposición, que nace del continuo intercambio del artista con la figura y la espiritualidad del Greco y plantea un diálogo con los maestros del Prado, está formada por 27 pinturas hechas con pólvora, ocho de las cuales se han realizado en el Salón de Reinos. 

Alejandro Vergara, comisario de la muestra  nos introducía en la vida y obra de este peculiar artista.

 

MUSICA: TEHO THEARDO. L´ETOILE DE MER

CONTRAPORTADA: HANNETRATION. Air . ANCIENT EP

Rosa Pérez   10.nov.2017 11:49    

Maya Jane Coles, Enso, Duran on-line Gallery, Leal Lav.

    viernes 3.nov.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 06.11.17

 

PORTADA: MAYA JANE COLES.  G0O ON AND MAKE IT THROUGH.

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Tres años es mucho tiempo en la música de baile; quizás para compensar su ausencia prolongada, Maya Jane Coles,  marca su regreso al estudio con un álbum de 24 pistas que dura casi dos horas.  Coles siempre ha tenido predilección por los tonos oscuros y las texturas suaves al tacto, pero en este disco se queda con la misma paleta, los tempos van saltando del  deep house clásico, al dubstep siempre referenciado en su alter ego,  Nocturnal Sunshine.

Planteado más como una sesión que como un álbum al uso, su evolución se vuelve predecible. 

 

 

MUSICA: CELLO LAPTOP. WANDERLUST.

 JORNADAS ENSO. CENTRO CULTURAL LAS CIGARRERAS. ALICANTE. 

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 ENSO es un ciclo de masterclass y workshop impartido por profesionales del sector audiovisual dirigido a músicos, productores y público interesado en producción musical, programación, música e imagen digital. Tendrá lugar entre los meses de septiembre y diciembre de 2017 en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante.

 Además, Edu Comelles y José Manuel Berenguer nos obsequiarán con una actuación sonora tras sus ponencias del 19 de octubre y 21 de diciembre respectivamente, empezando a las ocho de la tarde los dos eventos. Ambos “live” son totalmente gratuitos.

ENSO es un ciclo organizado por SoundLab con una intención muy clara: desarrollar la cultura de vanguardia en Alicante, fomentar la creatividad e investigar la impronta experimental del medio audiovisual, llevando a cabo una propuesta diferente e innovadora en la provincia.

Participa en ENSO y suena en la diferencia.

Más información en nuestra página de Facebook: ttps://www.facebook.com/soundlab.alc/

MUSICA:  ARTIFICIERO. SOLES MINERALES. MASA NEGRA

 

 MUSICA: LALI PUMA. TWO WINDOWS.

 

Consueloduran

Consuelo Durán, directora de Durán Online Gallery,

La experiencia de Durán en el mercado del arte es amplia y contrastada, siendo pioneros en España en el ámbito de las subastas online. Durán online Gallery, una plataforma de venta online de arte actual, supone una apuesta firme por lo digital, mostrándose como un escaparate desde el que poder entrar en contacto con algunos de los artistas más relevantes del panorama artístico nacional e internacional, así como la posibilidad de adquirir sus obras con un solo clic.

www.durangallery.com

MUSICA: LABELLE. SOUL INSTROSPECTION.

  

MUSICA: BRADIEN + ESCOFET. TEXT. POLS.

ENTREVISTA JAVIER CUEVAS. LEAL-LAV. 

 

Javier-Cuevas

 

LEAL.LAV es un espacio laboratorio dentro de Teatro Leal de La Laguna para la

Logotipo_leallav

cultura, el encuentro, la reflexión, la revisión, la conexión, el germen, la

investigación, la divulgación, la producción, la ciudadanía, la profesión, y la

educación en torno a las artes escénicas contemporáneas.

EL teatro en La Laguna, por su historia, por su posicionamiento presente como

ciudad cultural y universitaria, por el florecimiento de iniciativas independientes de

gestión y exhibición cultural, es REFERENTE, MOTOR y CATALIZADOR de la

actividad escénica del municipio y, por extensión, de la isla.

Para ello LEAL.LAV se convierte en espacio vivo, TRASCENDIENDO su estructura,

ARTICULANDO la creación escénica contemporánea, conectando realidades

sociales, profesionales, formativas, económicas y culturales bajo un marco estético,

programático, artístico y de gestión coherente, definido y variable.

HTTP://WWW.LEAL-LAV.COM

MUSICA: MIGA47 08 AITANA 77. INDECISIONES.

 

MUSICA: UVEGRAF. Corte 1 cara A

 

LA CARA OCULTA DE LA LUNA. ARTE ALTERNATIVO EN EL MADRID DE LOS 90. Arte alternativo en el Madrid de los 90. CENTRO CENTRO. MADRID.

 

Poisson soluble CABINA JM DE CORDOBA web

La cara oculta de la luna realiza un recorrido por la escena independiente del arte en Madrid entre 1980 y 2003, una de las etapas de mayor explosión creativa en la ciudad.

Comisariada por Tomás Ruiz-Rivas, a través de fotografías, vídeos, instalaciones y documentos originales, reunidos en primicia para CentroCentro, revisa el “otro” mundo del arte hecho por los artistas cuya historia discurre en paralelo a la historia escrita desde las instituciones oficiales. 

La cara oculta de la luna presenta en orden cronológico más de una treintena de proyectos de la escena independiente o auto-organizada. Arranca con Espacio P, precedente en los años 80 y lugar de referencia para la performance, el videoarte y la experimentación, y se adentra en la “sucesión imparable de espacios, festivales, ediciones y formatos de trabajo inclasiflicables” de los 90.

En una visión panorámica de cada proyecto, la exposición repasa nombres como Estrujenbank, primer espacio gestionado por artistas; El Ojo Atómico, primer espacio dedicado a instalaciones de sitio específico en España; o asociaciones históricas como Cruce, con cerca de un cuarto de siglo de recorrido. Revisa iniciativas que “ocuparon para el arte espacios que no son de arte”, como garajes, sótanos, pasajes subterráneos o espacios en desuso. Proyectos que vinculaban artes plásticas y escénicas, proyectos de performance y arte de acción,  de videoarte o edición, todos impulsados por la innovación artística y comprometidos solo con la experimentación. El recorrido finaliza en 2003 con la organización del festival MAD.03, creado por AVAM (Artistas Visuales Asociados de Madrid), “un momento efímero de institucionalización de este otro mundo del arte de Madrid”, cuando una nueva generación de artistas iniciaba su propia andadura. 

La muestra presenta, además, diez piezas emblemáticas de ese momento que han sido reactivadas por sus autores expresamente para la ocasión. Entre ellas, Cabina, de José Manuel Rodríguez de Córdoba para Poisson Soluble; A.68, de Darya von Berner para Doméstico; Acumulación de sucesiones de bandas de protección de doble onda, de Manuel Ludeña para El Ojo Atómico; Presupuesto 6 euros, una convocatoria de Cabello-Carceller para Off Limits o Indignadas de María María Acha-Kutscher para el Antimuseo.

Sistema de ventilación_DLarrea web

Proyectos presentes en la muestra:

Acción!MAD, Antimuseo, Circo Interior Bruto, Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo, Doméstico, El Almazén de la Nave, El Ojo Atómico, El Perro, Espacio F, Espacio P, Establecimiento, Estrujenbank, Fast Food, FIARP, Galería Mari Boom, Galería Valgamedios, Garage Pemasa, La Hostia Fine Arts, La Más Bella, La Ternura, Legado Social, MAD.03, Off Limits, Poisson Soluble, Public Art, Red de Lavapiés, Revista Caminada, The Art Palace, Window 99, Zona de Acción Temporal.

Fechas

20 OCTUBRE 2017 – 04 FEBRERO 2018

 

 

MUSICA: TARA TRANSITORI.

CONTRAPORTADA: MAYA JANE COLES. 12. STARLIGHT

Rosa Pérez    3.nov.2017 11:17    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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