FESTIVAL DEL DISEÑO.

    viernes 16.feb.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Madriddesign festival

 

PROGRAMA 19.02.18

 

Madrid Design Festival, un encuentro anual que promueve el diseño y reivindica su capaciad para transformar el mundo.  Proponemos un programa especial, registrado en el COAM de Madrid.

  Jaime moreno coam

http://madriddesignfestival.com/

Musica: ESMERINE. LA LUCHA ES UNA SOLA ( MECHANICS OF DOMINION). 

Esmerine_stage_photo

Esmerine fue cofundada por el percusionista Bruce Cawdron (Godpseed You! Black Emperor) y la violonchelista Rebecca Foon (Thee Silver Mt. Zion, Saltland) en 2001. Más recientemente, Esmerine se ha solidificado en un quinteto central, con Cawdron y Foon unidos por percusionista Jamie Thompson (The Unicorns, Islands), multiinstrumentista Brian Sanderson y el bajista Jéremi Roy.

Mechanics Of Dominion es quizás la obra más dinámica y narrativamente informada de Esmerine, trazando un arco a través de las expresiones idiomáticas Neo-Clásica, Minimalista, Moderna Contemporánea, Folk, Barroca, Jazz y Rock para invocar el lamento, la meditación, la resolución, la resistencia y la esperanza. Es un réquiem por nuestro planeta que sufre intratablemente y un himno a la dignidad inescrutable y esencial de la ética indígena y el mundo natural, y a la fragilidad y el ingenio humanos modernos.

JAIME MORENO. PREMIO NACIONAL DISEÑO.

Jaime moreno

En un mundo cada vez más complejo tener un enfoque estratégico es clave. En cada proyecto, investigamos y analizamos los factores internos (específicos del cliente) y los factores externos (mercado, cultura, usuario y tendencias tecnológicas) para enmarcar el problema y definir las herramientas estratégicas que guían el proceso de búsqueda de soluciones.

http://www.mormedi.com/es

 

MUSICA: zan lyons. Atone.

 

ENORME STUDIO Y MINI, para presentar el proyecto MONTAÑA EN LA LUNA.

Montañanelaluna

Una Montaña para alterar el entorno urbano

Enorme Studio se alía con MINI para proponer soluciones que transformen la ciudad en un entorno más amable. El resultado es Montaña en la Luna, una instalación efímera, situada en la Plaza de María Soledad Torres Acosta, que alberga en su interior diversos talleres donde innovar en el diseño de las ciudades e intercambiar propuestas sobre el urbanismo del futuro. Además, la parte exterior de esta montaña urbana es un espacio verde con puntos de carga USB con energía cinética y puntos de lectura con energía solar.

Montaña en la luna cuenta con un programa de actividades cuyo punto de partida es el “Bench Project” un proyecto en el que, bajo el denominador común del diseño de un banco, símbolo del espacio urbano más pequeño para compartir e interrelacionarse en la ciudad, se desarrollan 6 workshops dirigidos por 6 diseñadores.

Entre el 9 y el 24 de febrero se sucederán talleres y charlas en la instalación con Guillermo Santomà, Creática (taller infantil), GRIGRI PIXEL, Team Labs y InnovationLab, Plutarco, TAKK, Experimenta Distrito, Moneo-Brock, Enorme Studio y Jorge

Enorme Studio, de la mano de MINI, rediseña la Plaza de Maria Soledad Torres Acosta con su Montaña en la luna, un punto de encuentro alrededor del diseño y la ciudad que apuesta por el uso de energías renovables

 

 La utilización de materiales ligeros y la aerodinámica también son dos aspectos claves en el diseño de este proyecto Mini Vision. Por ello, no faltan las aberturas de ventilación en la carrocería, que no sólo servirán para oxigenar algunos componentes mecánicos del coche, sino también para optimizar el ...

 

“Montaña en la Luna”, estará ubicada en la Plaza de la Luna del 7 al 25 de febrero y permitirá dar un uso creativo a un espacio urbano al aire libre, que en estos momentos está infrautilizado para que los vecinos y viandantes se beneficien del mismo, interactúen con él y lo disfruten.

Así mismo, y con la colaboración en este proyecto de Enorme Studio, la “Montaña en la Luna”  albergará un taller de diseño que cuenta con un programa de actividades  cuyo punto principal será “Bench Project” un proyecto en el que, bajo un único briefing – el diseño de un banco, como el símbolo del espacio urbano más pequeño para compartir e interrelacionarse en la ciudad- se desarrollarán 6 workshops dirigidos por 6 diseñadores. Cada uno de estos 6 diseñadores elegidos, dirigirán un taller, de 1 o 2 días,  durante el cual aplicarán sus técnicas y visión para crear un prototipo de banco urbano que fabricarán con los asistentes al taller.

Los diseñadores que realizarán los talleres y los horarios de los mismos serán:

  • Enorme Studio: 22 y 23 de febrero de 15.00-19.00h
  • Jorge Penadés: 24 de febrero de 9.30 a 14.00h  y de 15.30-19.00h

La participación en las actividades organizadas por MINI, tanto del MINI Hub como de la instalación “Montaña en la Luna”, será de acceso gratuito, bajo previa solicitud en la página www.minihub.es  excepto las destinadas a Escuelas o Universidades concretas.

MUSICA: OLAFUR ARNALDS. ONLY THE WINDS

MARTÍ GUIXÉ 

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Martí Guixé cuenta con la historia personal de cualquier diseñador que se respete, con un currículo académico notable y colaboraciones con empresas famosas. Pero justamente como los revolucionarios de hoy que nacieron en el ámbito de las instituciones que los formaron, Guixé revoluciona el diseño trabajando con la materia viva que se puede transformar y desestructurar, hibridizando áreas como la antropología, el humorismo, la gastronomía, la tipografía, las ciencias humanas, las ciencias exactas, las artes expresivas y el diseño. Analiza situaciones, comportamientos y gestos, proponiendo soluciones radicalmente eficaces con la ergonomía minimalista, liberadas de la imagen de un cuerpo idealizado donde la perspectiva tecnocrática ha tratado de crear la forma justa.

Como un visionario, Guixé transforma las cosas con los ojos que las observan, inventando mercancías indispensables del siglo veintiuno. El mundo de Martí Guixé está hecho de objetos compactos y eficaces que van del ojo a la mano y a la boca, sólidos y metafísicos, para soñar con ojos que miran al cielo o para mitigar las penas, ideales para el curioso y el hedonista, para los hinchas de fútbol en TV o para los imitadores del Barón Rampante de Calvino.

Responsable de la imagen de Estrella Dawn en Sonar o el Cruilla.

http://www.guixe.com/

MUSICA: JULIhttp://www.guixe.com/A KENT. HELLEBORE

JOSE MARÍA EZQUIAGA. Decano Colegio Arquitectos Madrid.

Ezquiaga

Jose María Ezquiaga ha estado vinculado a la ciudad y al proyecto urbano desde el inicio de su actividad profesional. En los últimos años ha centrado su interés académico y profesional en la investigación teórica e integración proyectual de las diversas escalas, geográficas y sociales, que conforman el territorio y la ciudad. Sus proyectos han sido el medio para la experimentación e investigación sobre el proceso de creación del paisaje contemporáneo.

La idea central de su programa se propone “abrir el colegio profesional a todos los arquitectos que ejercen su profesión, no únicamente en la construcción o el urbanismo, sino también a aquellos que trabajan en otros ámbitos, desde el profesorado hasta la arquitectura municipal, las especializaciones en energía y tantas otras”. Ezquiaga subraya, además, “la necesidad de combatir el subempleo, principal flagelo de los arquitectos”.

Jose María Ezquiaga: El Proyecto de Prolongación de la Castellana, por su ambición y escala, debería ser un entorno privilegiado para ensayar criterios innovadores de diseño inteligente y gestión sostenible de energía y recursos.

URVANITY. FERIA QUE SE CELEBRARÁ EN EL COAM.

http://www.coam.org/es/coam

Musica: the national jazz trio of Scottland. Summer´s edge

CAOTICS UNEXPECTED ART DESIGN . MARTA VALEA

Caotics

CAOTICS participa este mes de Febrero en la primera edición del Madrid Design Festival, dentro del Festival Off, organizado por La Fábrica. Hemos invitado a dos diseñadoras y artistas; Andrea Santamarina y a Veronica Mar, que trabajan tanto en el medio artístico, como en el medio del diseño, se ha querido crear un dialogo a través del proceso de creación basado en el dibujo, recordando que la palabra diseño en italiano (disegno) significa dibujar, y es el dibujo de estas dos mujeres el que se acaba transformando en tridimensional bailando con el espacio, convertido y plasmado en platos, columpios, lámparas, jarrones, escultura o joyería.

Caotics coam

https://www.facebook.com/caoticsmg/

MUSICA: HAUSCHKA. FAMILIAR THINGS DISSAPEAR.

Aprovechando que estamos en el COAM, me gustaría hablar con algunas de las jóvenes diseñadoras , participantes en Aristocrazy Design Bootcamp. /

MUSICA: ESMERINE. QUE SE VAYAN TODOS.

Otras propuestas: El diseñador Nacho Carbonell en colaboración con Cervezas Alhambra, crea en la Central de Diseño de Matadero Madrid una instalación artística inspirada en el Patio de los Leones de La Alhambra

Helsinki, la ciudad invitada del festival, ha instalado en la terraza del Hotel Only You Atocha una sauna, símbolo finlandés que ahora se está recuperando en ambientes urbanos y de forma colectiva

Diseño de interiores y artesanía se dan la mano en Arquicostura, la instalación que acoge IED, escuela oficial del Festival en el Palacio de Altamira, que las repasamos con el director del festival Alvaro Matías.

 

Rosa Pérez   16.feb.2018 10:22    

Shadi Ghadirian, Alicia Martín, Colectivo Off Mothers, Hybrid Art Fair y Uvegraf

    viernes 9.feb.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 12.02.18

 

PORTADA: UVEGRAF. Kon-secuencias.     KOCMOC

Uvegraf

Juan Teruel, artífice de discos Proceso Uvegraf que también da nombre a su proyecto artístico. Un pionero en los 80 en los sonidos industriales y la electrónica primigenia de nuestro país.

Es un trabajo dedicado a la Cosmonáutica y los grandes héroes d la URSS, q prestaron sus servicios por un ideal. El viaje comprende desde la salida del Kosmodrom, las vicisitudes del viaje y en ensamblaje en la Estación Orbital Taisiya. Son 70 minutos de Kraut-Industrial-elektronik, recordando nuestros inicios en 1.985 con nuestros trabajos para KPU y Conspiración, trabajo que no hubiera visto la luz sin la ayuda d Andrés Noarbe.

 

 

MUSICA:  BEN FROST. IONIA.  THE CENTRE CANNOT HOLD.

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Nos vamos al Museo Lázaro Galdiano de Madrid, donde acaba de presentarse Reinterpretada, un proyecto ideado por Rafael Doctor  que tiene como objetivo una nueva lectura de las obras de la colección por parte de artistas contemporáneos españoles de extensa trayectoria y proyección internacional. En él ya han participado Enrique Marty, Santiago Ydáñez o Jorge Galindo.

La cuarta edición de Reinterpretada lleva por título Archivo 113, en referencia al Expediente asignado por la Comisaría General del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), abierto en 1939, a los bienes que formaban la Colección artística de José Lázaro Galdiano, y constituye el contexto elegido por Alicia Martín (Madrid, 1964) para esta nueva edición que recorre varias salas del museo y que ha contado con el comisariado de una de las grandes conocedoras de esta institución, su conservadora-jefe: Carmen Espinosa.

Alicia Martin, presenta cerca de una treintena de obras que reinterpretan algunas de las obras que estuvieron relacionadas en aquel expediente. Además el público y diversas instituciones públicas han participado en el proceso de creación donando sus libros para la construcción de dos esculturas, que ocupan el Salón de baile y el jardín del museo.

 

Las obras abarcan todo el museo, incluido el jardín donde unas enciclopedias emergen de la tierra para recibir al visitante del Lázaro Galdiano. Esculturas, fotografía, collages, son medios que Alicia Martín utiliza para expandir la propia obra del museo. Un trabajo extraordinario que

Se podrá visitar hasta  el 6 de Mayo.

  Aliciamartin2

Alicia Martín (Madrid, 1964)1​ es una artista española que desarrolla su obra en diferentes disciplinas, escultura, fotografía, vídeo, instalación y dibujo, siendo la escultura el campo en el que ha sido más prolífica y en la que ha obtenido mayor reconocimiento. A principios de los años 90 comienza a trabajar con libros, el elemento que se ha convertido en una de sus señas de identidad.

Su obra está presente en alguna de los principales museos de Arte Contemporáneo de España, como el MusacDA2MASCGAC o el Museo Patio Herreriano.

Los libros son la materia prima a partir de la cual elabora casi toda su obra, las composiciones que luego fotografía, los montajes en vídeo y especialmente las esculturas de gran formato donde cientos de libros conforman grandes estructuras creadas ad hoc (site specific) para un museo o una exposición.

El libro como centenario vehículo transmisor de cultura, su universalidad y cotidianidad dotan a la obra de Alicia Martín de una poderosa carga simbólica y consecuentemente múltiples interpretaciones.

Me interesa por su carácter universal, cualquier persona sin diferencia de edad, cultura, idioma ve un libro y sabe lo que es; y por su esencia antropológica y ergonómica. Es un objeto que almacena y registra tiempos y espacios. Testigo del paso y el pensamiento humano, construido para ser manejado y que, de alguna manera, le da eternidad al contenido. El libro “es” al leerlo y tiene tantas lecturas como personas que lo leen.2

Su obra más conocida popularmente es Biografías, un torrente de libros saliendo por una ventana, que desde su instalación en la Casa de América en 2005 ha viajado a otras ubicaciones, como el Molino de San Antonio en Córdoba (2009), la librería Ghandi en México (2011), el Museo Meermano en la Haya (2012) o en 2015 como parte de las exposiciones de la Capital Europea del Cultura en Mons.3​ Pese a una primera impresión de homogeneidad cada obra tiene detrás un intenso trabajo de reflexión y preparación además del evidente esfuerzo material de preparar este tipo de obras de gran formato.

Sobre el origen de los libros utilizados en su obra, destaca Alicia Martín el interés que despierta en ella el libro usado, que ha sido leído y ya interpretado al menos una vez, pero en cada obra provienen de un lugar diferente, ediciones obsoletas, errores de imprenta, donaciones colectivas, etc . . .

Ha expuesto de manera individual en galerías como Espacio Marzana (Lo Relativo, 2013), Oliva Arauna (Contemporáneos, 2000,4​ Odiolaluzazulaloido, 2003, Subjetivos, 2005), Adora Calvo (Peso Específico, 2013-14), Bacelos (Pareidolia, 2014) o Galleria Galica, en Milán o en salas públicas como el Centro Cultural Tomás y Valiente (Irreversible, 2010) o la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela (Inside, 2011-12), fruto de esta última la escultura Singularidade permanece allí.

Asímismo ha participado en multitud de exposiciones colectivas, tanto en España como en Italia, Estados Unidos o Hispanoamérica.

MUSICA: MUSSELES. CLICHÉ.

 

 

MUSICA: 9T. anaphase

SHADI GADIRIAN. COM TOTS ELS DIES. Centro del Carme Cultura Contemporània. VALENCIA. Del 8 de febrero al 1 de abril.

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El Centre del Carme Cultura Contemporánea y Contemporánea presentan la exposición retrospectiva “Com tots els dies" (Como todos los días) de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian; muestra comisariada por Mario Martín Pareja y formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación que explora las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y que mezclan tradición y modernidad. 

A través de las contradicciones en la vida cotidiana, la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura, y en su condición de mujer para crear la obra. Nacida en 1974 en Teherán, en la República Islámica del Irán, Ghadirian “cae en fotografiar a la mujer” después de completar una licenciatura en la Universidad de Azad. 

SHADI GHADIRIAN (Teherán, Irán, 1974) se gradúa en fotografía por la Universidad Azad de Teherán en 1998. Su obra se ha exhibido en Oriente Medio, Europa, Estados Unidos, Canadá y Rusia y forma parte de colecciones como las de los museos Británico y Victoria & Albert de Londres, el de Arte Moderno Centro Georges Pompidou de París, el LACMA de Los Ángeles, el Smithsonian de Washinton, el de Bellas Artes de Boston, el de Arte Moderno de Viena o el de Teherán.

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Gharidian se ha ganado al público internacional por sus imágenes innovadoras que representan a las mujeres iraníes en marcado contraste con la forma en la que la mayoría de medios de comunicación occidentales las retrata, lo cual es lo que más sorprende al espectador. Alejada de ese concepto de retrato occidental, Ghadirian representa a la mujer iraní en todos sus aspectos, iluminando con el color zonas de un mundo que de otra manera se antojaría oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Gracias a su habilidad artística, lograr enviar un mensaje sutil y poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

 MUSICA:  ROZZMA. ASEEL.

 

 

MUSICA: LCC. CALX.

El ciclo 100% Psych regresa a Madrid en colaboración con SON Estrella de Galicia con su tercera edición y propone diferentes formas artísticas de redefinir lo que entendemos por psicodelia.


El sonido es la puerta de entrada a una experiencia magnética y expansiva. Un lenguaje representado por artistas tan diferentes como The Bug junto a Miss Red, Mdou Moctar, Circuit Des Yeux y el dúo asturiano LCC. Viernes 20 de Abril a las 20:30h en 100% Psych (Sala 0, Madrid).

 

 

CASA TOMADA. COLECTIVO OFF MOTHERS. LA LABORAL CENTRO DE ARTE.

Offmothers

El hogar no es sólo un espacio físico sino el lugar que alberga todo el entramado conceptual asociado a la crianza, la familia y la distribución de funciones por razón de género. Sin duda alguna es en este espacio donde las diferencias biológicas se van configurando como desigualdades políticas y donde la mujer queda definida por su condición de madre, esposa y ama de casa.

Así entendido el hogar dificulta, cuando no imposibilita, la superación de lo doméstico, entorpece el devenir hacia cualquier otro proyecto que trascienda los ritmos y hábitos del mismo. Pero ¿y qué sucedería si nuestro hogar dejara de ser cautiverio para convertirse en guarida? ¿qué sucedería si los muros de nuestros espacios domésticos fueran permeables a nuestros proyectos personales? ¿qué sucedería si el hogar fuera también nuestro taller, el espacio propio para nuestro tiempo y proyectos propios?

Casa tomada es la respuesta de Offmothers Colectivo a tales interrogantes. Pero si bien en el relato de Cortázar del mismo título, los moradores abandonan la casa ante fuerzas que distorsionan su orden vital, en la Casa tomada de Offmothers se distorsiona el orden para perseverar en él y explorar una nueva redefinición de hogar.

Artistas: Susana Carro, Natalia Pastor, Roxana Popelka, Blanca Prendes, Elena de la Puente, Gema Ramos y Eugenia Tejón.

Actividad subvencionada por la Consejería de Educación Cultura y Deporte del Gobiernos del Principado de Asturias.

MUSICA:  MAYA JANE COLES. STARLIGHT

 

MUSICA: SARA BDR. LEVIATAN WAVES.

 

HYBRID ART FAIR & FESTIVAL APUESTA UN AÑO MÁS POR LAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS EXPERIMENTALES

 

Logo hybrid

  • Más de 30 galerías, colectivos y espacios híbridos de seis países diferentes participarán en esta edición

 

  • Las habitaciones del hotel Petit Palace Santa Bárbara se transformarán de nuevo en salas de exhibición durante los tres días que dura la feria

Madrid, 15 de enero de 2018. Hybrid Art Fair & Festival celebrará entre los días 23 y 25 de febrero en el hotel Petit Palace Santa Bárbara su segunda edición, que estará marcada por la consolidación de un proyecto basado en la exhibición de propuestas artísticas experimentales. Hybrid Art Fair & Festival apuesta por mostrar la convivencia entre proyectos alejados de los circuitos tradicionales del sistema del arte con otros consolidados que presentan sus propuestas más arriesgadas en el marco de la feria. 

En esta edición serán 33 las galerías, colectivos y espacios híbridos que participarán en el Programa General: Espronceda (Barcelona), a-space (Basilea, Suiza), Ars Magna – Desembarco (Lanzarote), Espacio Oculto (Madrid), Rizoma (Madrid), Coven Berlin (Berlín, Alemania), Espai d’Art 32 (Mallorca), Est_Art (Madrid), La Doce (Santiago de Compostela), Bloc Projects (Sheffield, Reino Unido), Labrador (Sheffield, Reino Unido), ArtSevilla (Sevilla), impulsarte by Petit Palace Hoteles (Madrid/Sevilla), InfoMag (Mallorca), Veo Arte en todas pArtes (Madrid), Dosmilvacas (León), The Sea Urchins Container (Alicante), Nottwins (Barcelona), Current (Milán, Italia), Museo del Ruso (Cuenca), Raum E116 (Berlín, Alemania), La Ecléctica (Huelva), LaLatente (Madrid), Juca Claret (Madrid), Ufofabrik (Trento, Italia) Cerquone Projects (Caracas, Venezuela), Admiral Arte Contemporáneo (Málaga), Bolidismo (Bilbao), Cobertura Photo (Sevilla) y Blanca Soto (Madrid). En total serán seis los países participantes, apostando así por mostrar el arte más actual que se está realizando tanto de dentro como fuera de nuestras fronteras.

Hybrid Art Fair & Festival apuesta un año más por mostrar proyectos únicos tanto nacionales como internacionales, que no siempre  tienen cabida en el mercado del arte tradicional. Así, durante los tres días que dura la feria se podrán contemplar los trabajos más recientes de artistas como Ileana Pascalau, Carlo Miele, Lucy Vann, Fausto Amundarain, Tamara Jacquin, Miguel Scheroff y Sanja Milenkovich, entre otros.

LO EXPERIMENTAL COMO EJE VERTEBRADOR

Todas las propuestas que participarán en esta edición de Hybrid Art Fair & Festival tienen como eje vertebrador su compromiso con las prácticas artísticas más experimentales. Son propuestas que sirven para mostrar nuevos lenguajes y formas de creación que pretenden ir más allá de la temporalidad de un evento de tres días. La hibridación de disciplinas, el contraste entre la poca visibilidad que pueden llegar a tener algunos proyectos y su perdurabilidad artística o el potencial expositivo para desenvolverse en un espacio que no está concebido para la exhibición son referencias constantes para el equipo curatorial de la feria y se ven reflejados en la selección final de proyectos participantes.

Las habitaciones de un hotel convertidas en salas de exhibición favorecen la multiplicidad de lecturas de las propuestas. La forma de convivir de las creaciones en un espacio que no está pensado para la exhibición provoca formas alternativas de diálogo entre el espectador y la obra, teniendo que adaptarse ambos a una nueva forma de encontrarse.

En su apuesta por el arte más experimental, Hybrid Art Fair & Festival también quiere ser altavoz de artistas emergentes cuyas carreras están empezando. En este contexto, y gracias al programa de apoyo a la cultura impulsarte by Petit Palace Hoteles (principal patrocinador del evento), cinco jóvenes artistas tendrán la posibilidad de exponer en una habitación de Hybrid Art Fair & Festival. Sevilla y Madrid fueron sedes de los concursos impulsarte en las que de un total de 23 artistas escogidos por convocatoria, un comité de expertos seleccionó a Miguel Ángel Cardenal, Arturo Comas, Haalimah Gasea Ruiz, Elisa González y Miguel Alejos Parra.

Además, a través de un acuerdo entre Hybrid Art Fair & Festival, el Consorcio de Cultura de la ciudad de Sheffield (UK) y el Arts Council England, se podrá disfrutar por primera vez en España del trabajo de artistas jóvenes de esa región de Reino Unido, quienes mostrarán sus obras a través de dos proyectos participantes (Bloc Project y Labrador).

La feria completa su propuesta con un extenso programa de actividades paralelas, centradas en la interacción entre el público y los creadores. Mesas redondas, debates, conciertos o performances, entre otras acciones, componen el programa.

 MUSICA: NORA MEDIN. WHAT I CALL

 

MUSICA : POLA TOG. MY BRAIN MY WORLD.

 

CONTRAPORTADA: UVEGRAF. ALTERACION DETECTADA. KOCMOC

Rosa Pérez    9.feb.2018 10:20    

Un homenaje al Dibujo, adelanto del LEV 2018 y Frusciante electrónico.

    viernes 2.feb.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 05.02.18

 

PORTADA: TRICKFINGER AKA JOHN FRUSCIANTE. Ruche

Frusciante

Tuvo una fuerte visión de Si mismo haciendo música electrónica en 1997 justo antes de reincorporarse a su  vieja banda (Red Hot Chili Peppers). Aunque conocía  cómo se hacia gran parte de la música utilizando instrumentos electrónicos, y todo tipo de tecnología nunca se había visto a sí mismo haciendo música con  sintetizadores, samples, y cajas de ritmo. Cuando todo el mejor techno y jungle emergió en los 90s, yo ni siquiera sabía que existía, ha declarado Frusciante, pero cuando su período de adicción a las drogas en los 90 llegó a su fin, se obsesionó con la llamada música electrónica. Enseguida descubrió diferentes tipos de música house, techno, jungle, y marcas como Rephlex, Warp, React y XL. También descubrí la música “noise” y marcas como Staubgold, Mille Plateaux y Mego".  Asi es como surgió la idea de crear Trickfinger.

Trickfinger II  es la tercera entrega del proyecto electronico de John Frusciante. Publicado en septiembre de 2017 incluye seis piezas que fueron registradas a la vez que su álbum debut en 2007.

Al igual que su predecesor, el ex guitarrista de Red Hot Chili Peppers grabó la música de Trickfinger II en 2007. Utilizando una flota de sintetizadores de hardware y cajas de ritmos, el LP de seis pistas se grabó directamente en un tostador de CD a través de un mezclador barato sin overdubs . La música nunca fue pensada para ser lanzada, pero Frusciante eventualmente aceptó publicar las grabaciones de Acid Test de Oliver Bristow, que ha sido el hogar de gente como Donato Dozzy, Recondite y Tin Man. Trickfinger II se puso a disposición en vinilo, CD y como descarga digital.

 

MUSICA: BEN FROST. IONIA.

Con-secuencias

Entrevista: David Barro, comisario junto a Alicia Ventura de la exposición

La Fundación DIDAC y DKV SEGUROS presentan la exposición Con-secuencias. Colección DKV en tres espacios de Santiago de Compostela.

La exposición, que reúne a un total de 40 artistas, es una coproducción de ambas instituciones en colaboración con la Fundación Eugenio Granell y la Iglesia de la Universidad de la USC.

En la inauguración, tras su presentación pública en Fundación DIDAC a las 19 h, se hará una visita guiada por la Iglesia de la Universidad para acabar el recorrido expositivo en la Fundación Eugenio Granell.

La Fundación DIDAC y DKV Seguros presentan la exposición Con-secuencias. Colección DKV en tres importantes espacios culturales de Santiago de Compostela: la Fundación Eugenio Granell, la Iglesia de la Universidad y la Fundación DIDAC. La exposición, de gran tamaño, reúne a un total de 40 artistas, y podrá verse así en tres sedes situadas a escasos metros, en una estrategia conjunta de dinamización cultural tan necesaria como poco habitual.

Con-secuencias. Colección DKV, que será inaugurada el martes 6 de febrero a las 19 h y está coproducida por Fundación DIDAC y DKV Seguros, con la colaboración de la Fundación Eugenio Granell y de la Universidad de Santiago de Compostela, se completa con una publicación y una serie de talleres con artistas. En la inauguración, tras su presentación pública en Fundación DIDAC a las 19 h, se hará una visita guiada por la Iglesia de la Universidad para acabar el recorrido expositivo en la Fundación Eugenio Granell.

Los comisarios, David Barro y Alicia Ventura, han seleccionados obra los siguientes artistas: José Ramón Amondarain, Rosana Antolí, Antonio Ballester Moreno, Ana Barriga, Sergio Belinchón, David Bestué, Vicente Blanco, Manuel Blázquez, Jacobo Castellano, Diego Delas, Miren Doiz, Manuel Eirís, Christian García Bello, Santiago Giralda, Laura González Cabrera, José Guerrero, Rubén Guerrero, Fernando Gutiérrez, Carlos Irijalba, Miki Leal, Almudena Lobera, Anna Malagrida, Álex Marco, Nacho Martín Silva, Rosell Meseguer, Guillermo Mora, Nico Munuera, Carme Nogueira, Juan Olivares, José Miguel Pereñíguez, Jorge Perianes, Aleix Plademunt, Samuel Salcedo, Amparo Sard, Teresa Solar, Miguel Ángel Tornero, Daniel Verbis, Nelo Vinuesa, Santiago Ydáñez, Juan Zamora.

MUSICA: DETH AND VANILLA. ZY AND CHOULE

 

MUSICA: Pola Tog: My Brain vs. the World

Flyer

 

Entrevista: NATALIA PIÑUEL. 

El domingo 28 de enero comienza un nuevo ciclo de Cine rev[b]elado CA2M. comisariado por Playtime Audiovisuales.  El ciclo propone una aproximación a la experiencia cinematográfica y relaciona el vídeo con otras disciplinas artísticas.  Cine rev[b]elado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada.  Participan Christina Vantzou, Amaranta Velarde, Alba García Corral, Stefan Tiefengraber, Pola Tog, Robertina Šebjanič y Pere Faura. Será todos los domingos, a partir de las 18:30 horas, desde el 28 de enero hasta el 25 de febrero.

Desde el 28 de enero y hasta el 25 de febrero podemos disfrutar de cine los domingos a las 18:30h con el ciclo El cine rev[b]elado#03 en el Centro de Arte 2 de Mayo de manera gratuita (hasta completar aforo).

Se trata de un ciclo de performance centrado en la interrelación del cine con otras disciplinas, comisariado por  Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel y Natalia Piñuel) y que sigue la línea de trabajo comenzada en 2014. “Propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola a través de otras prácticas, para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional”.

SESIONES CINE LOS DOMINGOS: 3 ed. EL CINE REV[B]ELADO.

Programa: 

28 de enero

Nº4. Christina Vantzou. Proyecto que combina música contemporánea, cine en 16 mm y vídeo digital, compuesto y dirigido por Christina Vantzou, concebidos como un todo, en el que imagen y música dialogan en armonía, sin que uno esté supeditado al otro.

4 de febrero

(Re) Mix en scene. Amaranta Velarde + Alba G. Corral. Es una investigación donde lo visual, lo sonoro y la experiencia escénica se unen para dar lugar a una performance única.

11 de febrero

Wm_A28 TCM_200DV BK26 BK26. Stefan Tiefengraber. Es una performance audiovisual en la que el sonido y el vídeo se generan a través de cortocircuitos que el artista genera colocando sus dedos humedecidos sobre dispositivos eléctricos abiertos.

My brain Vs. The world. Pola Tog. Es un collage sintético, con aire retro-futurista, repleto de melodías oscuras y texturas analógicas recortadas y pegadas aleatoriamente, por la mente de Joaquín (mitad de Pola Tog), mientras Ana (la otra mitad de Pola Tog) explora la imagen en movimiento con una especial devoción por el error, combinando procesos analógicos, materiales digitales y técnicas artesanales, que van desde el uso de diapositivas y transparencias a la creación de animaciones sobre mesas de luz, creando un discurso narrativo, orgánico y plástico que diluye todas las fronteras.

18 de febrero

Aquatocene / Subaquatic Quest For Serenity + coloquio. Robertina Šebjanič. Es una performance audiovisual que investiga el fenómeno de la contaminación acústica submarina creada por la humanidad en los mares y océanos. Las composiciones sonoras son una remezcla entre la bioacústica de la vida marina (camarones, peces, erizos de mar, etc.), la acústica acuática y la presencia de ruido humano generado en los océanos y mares del mundo.

25 de febrero

Sweet feber. Pere Faura. (Performance colectiva) (Premiere en Madrid) + Taller. Es la ejecución en forma de loop de una única frase coreográfica, la emblemática danza de “Fever Night“, el número coral que bailan en línea los protagonistas de Saturday Night Fever (John Badham, 1977) en la discoteca. Interpretada por un grupo numeroso de bailarines, su dilatada repetición transita entre la ejecución fiel, la modificación, la deformación o la desfiguración completa, y al mismo tiempo entra en diálogo con los otros elementos teatrales, como el vídeo, la música o las luces, que re-significan esta icónica coreografía.

Sweet Fever arrancará con un taller de dos jornadas, impartido por el propio Pere Faura, en el que todos los participantes podrán después formar parte de la performance del domingo.

El CA2M está en la Avda. Constitución, 23 de Móstoles, su horario habitual es de martes a domingo de 11:00h a 21:00h y la entrada es gratuita al centro y a todas sus actividades.

 

MUSICA: CHRISTINA VANTZOU. Stereoscope (Steve Hauschildt remix) 

 

MUSICA: ANT ORANGE. RIGHT THERE.

Logo drawing room 1

 ENTREVISTA: MONICA ALVAREZ CAREAGA, directora Drawing Room Madrid. 

 

Después de dos exitosas convocatorias, la tercera edición de DRAWING ROOM MADRID cambia de sede para incrementar el número de galerías y artistas y ampliar su audiencia. Se desarrollará desde el miércoles 21 hasta el domingo 25 de febrero de 2018 en el magnífico espacio del Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes, coincidiendo con la semana más excitante del arte contemporáneo en la capital.
Durante cinco días, coleccionistas, profesionales y amateurs del mundo del arte presentes en Madrid están invitados a descubrir la escena artística contemporánea a través de los proyectos de un centenar de artistas, presentados por unas 40 galerías de arte contemporáneo, nacionales e internacionales, invitadas por un comité curatorial integrado por conservadores de museos, comisarios y galeristas.

Logo drawing room

Drawing Room Madrid es la única feria española especializada que marca la ocasión para descubrir al publico la riqueza de la práctica transgeneracional del dibujo contemporáneo, en donde se encuentran la nueva generación de artistas que se ha apropiado del dibujo como médium privilegiado y la indiscutible devoción de los grandes maestros del arte por el dibujo.

http://drawingroom.es/feria/

 

MUSICA: MAYA JANE COLES. GO ON AND MAKE IT.

 

 

MUSICA: BROCKMANN_BARGMANN. PRISMA.

Retomamos la charla con la artista OLGA DIEGO, que realizamos justo antes de formalizar un reto artitico en el que consistía en permanecer pintando el mayor número de horas hasta ahora registrado. 

Olga Diego, la artista cuya obra es pintar hasta desfallecer

 Transcription, es un proyecto que consiste en permanecer pintando un número de horas sin límite. No se trata de batir un récord Guiness, la artista se encerró en una galería londinense con una mesa, una silla, un ordenador portátil, varias botellas de agua, algo de fruta y material de pintura como grafito o acuarela. La habitación completamente cubierta de papel ha sido intervenida por esta creadora cuyo objetivo es dibujar sin parar y ver cómo se desarrolla el dibujo bajo una fuerte presión. 
olgadiego.blogspot.com

 

MUSICA: 05 schneider kacirek. Back

Musica: zan lyons. Atone.

Cartel lev2018

L.E.V. 2018 desvela los primeros nombres de la duodécima edición del Laboratorio de Electrónica Visual.

El Laboratorio de Electrónica Visual, el Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón, regresa en su duodécima edición con un programa de sugerentes experiencias audiovisuales repartidas, del 26 al 29 de Abril, en diferentes espacios del complejo cultural Laboral Ciudad de la Cultura y de la ciudad de Gijón.

L.E.V., una iniciativa coproducida por el Gobierno del Principado de Asturias, el Ayuntamiento de Gijón, LABoral Centro de Arte y el colectivo Datatrón, mantiene la inquietud de seguir rastreando la evolución de los nuevos lenguajes electrónicos y audiovisuales situados a la vanguardia de la creatividad digital.

L.E.V. 2018 presenta una primer avance de la programación con artistas internacionales que mostrarán arriesgadas y novedosas propuestas que trascienden los formatos clásicos dentro los campos de la creación sonora y visual.

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Hiroaki Umeda regresa al L.E.V. para presentarnos su impactante performance Intensional Particle, una sobrecarga de información en tiempo real, a la par explosiva y poética, que permanecerá grabada en las retinas del público asistente durante mucho tiempo.

También regresan los inclasificables Martin Messier e Yro en lo que supone su primera colaboración. ASHES, así se llama su nueva performance audiovisual, nos recuerda que la materia del mundo, percibida en un nivel microscópico, no es otra cosa que un universo en sí mismo. Tras un proceso de residencia artística de varios meses en coproducción entre Montreal, París y Gijón, el L.E.V. Festival acogerá el estreno mundial de este proyecto.

A ellos se suma la creatividad de la italiana Michela Pelusio para interpretar la física cuántica con su proyecto Spacetime Helix, un fascinante proyecto de visualización del sonido con el que explora el concepto de infinito y de la "teoría de las cuerdas" mediante un juego de frecuencias y geometrías visuales y sonoras.

Otra colaboración, en este caso entre Murcof y el canadiense Jimmy Lakatos, dará como fruto Nébula, una instalación que supone una visualización del universo sonoro del artista mejicano.

En el ámbito de los directos audiovisuales el Festival contará con el estreno mundial de Deeper State, el nuevo proyecto av del prolífico Atom ™, la revisión de las Flores del Mal de Baudelaire por parte de Rabit y Cecile, el estreno del nuevo proyecto del original artista audiovisual británico Zan Lyons y los oníricos paisajes audiovisuales de Loscil, creados a partir del lenguaje previamente explorado en sus álbumes más recientes: Sea Island y Monument Builders.

Forman parte también del cartel la particular visión de la música de baile onda sci-fi de los míticos Zombie Zombie, quienes presentarán su nuevo álbum Livity y la fusión de pop electrónico y techno de Lusine.

www.levfestival.com

MUSICA: XOAN ANLEO. REVERVERACION.

RESONANCIAS, en Radio3 Extra. 

Xoán anleo es un artista visual y sonoro con base en la ciudad de Vigo. Trabaja con diversos medios, realizando instalaciones, música, video, fotografía , etc.

A medio camino entre el arte sonoro, la electrónica experimental y la instalación sonora , lanza el último trabajo del artista realizado para la exposición individual del mismo título  realizada en la Galeria Magda Bellotti y Espacio Cruce, que fueron inauguradas en septiembre de 2017.

En una cuidada edición en vinilo publica “Bailar en una línea sin dejar huella”. Presenta 8 temas en los que combina los sonidos frios y oscuros de la electrónica con las nuevas corrientes del arte sonoro actual y que ha contado con la colaboración del Apenino en la producción.

Cartel fiesta radio3extra

 

Acaban de  arrancar varias de las numerosas actividades que marcarán el mes de febrero en el calendario del diseño en Madrid.

La galería Machado – Muñoz acogió ayer la presentación de “Poli-Piel”, de Jorge Penadés, la primera de las muchas muestras y actividades que darán forma al Festival Off del Madrid Design Festival.

A pesar de que la piel sea el material más antiguo de la civilización, el primero que el ser humano pudo haber manejado para elaborar ropajes con los que cubrir su cuerpo y muchos otros elementos cotidianos, Jorge Penadés está convencido de que sigue siendo un material perfecto para la innovación. Más aún, a su entender es el idoneo para explorar los límites del diseño con una utilidad concreta, ese que es capaz de mirar hacia lo industrial desde lo artísitico y viceversa. De la investigación entre ambos territorios nace esta “Poli-Piel”.

Otro de los hilos conductores de esta exposición es la intencionada visibilidad de los materiales empleados en ella. Como el propio artista explica, estas pieles no son recicladas sino “reutilizadas”, vuelven a tener una función que justifica su presencia ante los ojos de su observador. La consiguiente reflexión sobre la relación de estos objetos realmente únicos con su entorno –no solamente en términos medioambientales, también funcionales- es inevitable y da el sentido último al trabajo.

Penadés, malagueño aunque afincado en Madrid, ha desarrollado en pocos años una interesantísima carrera ajena a casi cualquier corriente contemporánea. Su fijación por encontrar alternativas artísticas (pero también sociales, políticas o económicas) con su obra se entienden mejor teniendo presente su concepto de compromiso entre el creador y su comunidad y la responsabilidad que esto implica.

Ha recibido varias nominaciones y obtenido diversos premios en certámenes internacionales. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes museos, galerías o instituciones como el Vitra Design Museum (Weil am Rhein), National Museum Design (Estocolmo), Galleria Rossana Orlandi (Milan) o The Aram Gallery (Londres). En 2017 ganó el premio concedido por la edición española de la revista Architectural Digest y en 2015 obtuvo el Diploma Selection Award de Designblok. También fue nominado al premio DMY otorgado por el festival DMY International ese mismo año o al Audi Design Talent en 2014. Recientemente, su proyecto “Structural Skin” fue elegido por la revista T Magazine del The New York Times como uno de los mejores proyectos de la pasada Milan Design Week.

POLI-PIEL
Exposición del diseñador Jorge Penadés
José Marañón, 4.
De M a V, de 11.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00. Primer S del mes: de 11.30 a 14.30.
machadomunoz.com
Del 25 de enero al 10 de marzo.

Entre ellas las de la escuela oficial IED Madrid, donde se conversará sobre el concepto de luz social. Otras de las actividades son  los showrooms participantes, “El original es de Vitra” en el espacio de Vitra en la capital. Una exposición donde dan a conocer los procesos de trabajo entre el diseñador y el fabricante que dan como resultado piezas únicas.



www.madriddesingfestival.com

CONTRAPORTADA: 06 TRICKFINGER AKA JOHN FRUSCIANTE. STALL

Rosa Pérez    2.feb.2018 09:48    

Estudio de artista, fotoperiodismo y talleres

    viernes 26.ene.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 28.01.18

 

 

PORTADA: MAR PAREJA. CD DISONANCIA. POSITIVO

 

Mar-pareja-19-12-17

El músico granadino presenta su primer trabajo en solitario bajo el título de “Disonancia”, un álbum instrumental que gira en torno a la música electrónica.

Disonancia no es un  trabajo discográfico precisamente para inexpertos,  es opuesto a todo lo establecido.  Desde la primera escucha hasta la culminación de los doce cortes que componen este álbum,  sobreviene una cadencia perfectamente articulada donde se percibe una precisión matemática.  Trabándose la melodía y el ritmo como hoja de ruta, Disonancia gira trazando todos los elementos necesarios hasta sobrepasar cotas sonoras cimentadas con gran agudeza.

Tras un largo periodo de composición.  Mar Pareja vuelve a la autoproducción, con una visión muy personal acerca de este proyecto, colmado de originalidad  donde desata toda su creatividad nos muestra un álbum que lo sitúa al frente de una de las propuestas más innovadoras y vanguardistas del 2018.

Mar Pareja es miembro fundador y compositor de gran parte del repertorio de Lagartija Nick, cuyo peso en la formación ha sido de vital importancia llevando la guitarra a la vanguardia en todos los proyectos vinculados a la banda.

 

 

Musica:  ALESSANDRO CORTINI. ASPETARE.

 

Festival Work In Process, Prácticas Artísticas Colaborativas.

Flavia_web

FLAVIA INTROZZI: Miembro de Hablar en Arte, asociación organizadora del festival Work In Process 

 

Medialab-Prado acoge Work In Process, primer festival internacional de arte colaborativo Taller 'Hacer dos veces'. Fermín Jiménez Landa. Uno de los proyectos de arte colaborativo que podrá verse en el festival 'Work In Proccess' en Medialab-Prado. (20MINUTOS.ES) Ampliar Se celebrará del 31 de enero al 2 de febrero en el centro madrileño. Se presentarán 14 proyectos que "abogan por reflexionar y abordar cuál es el papel social del arte en el siglo XXI" ECO  Actividad social ¿QUÉ ES ESTO? 38% 0 0 NANI F. CORES. 12.01.2018 - 06:38h Visibilizar el arte colaborativo. Ése es el objetivo del festival Work In Process, o lo que es lo mismo, el primer Festival Internacional de Prácticas Artistas Colaborativas que se celebrará en Medialab-Prado de Madrid del 31 de enero al 2 de febrero. El objetivo es difundir el auge de los procesos creativos compartidos entre un artista o institución y una comunidad y colectivo no artístico; y dejar claro que más allá de los objetos tradicionales que imperan en los museos –como los cuadros o las esculturas- existen otras formas de crear arte en los que el público o la comunidad también tiene mucho que decir. Organizado por la asociación cultural española hablarenarte, en Work In Process se darán cita los artistas y los centros culturales que durante los últimos tres años han participado en el proyecto europeo Collaborative Arts Partnership Programme (CAPP). El origen de la red CAPP se remonta a noviembre de 2014, cuando hablarenarte y otros ocho socios europeos - Create Ireland (Dublín, Irlanda), Agora (Berlín, Alemania), Heart of Glass (Liverpool, Gran Bretaña), Kunsthalle Osnabrück (Osnabrück, Alemania), Live Art Development Agency (Londres,), Tate Liverpool (Liverpool, Gran Bretaña), Ludwig Múzeum (Budapest, Hungría) y m-cult (Helsinki,Finlandia)- deciden poner en marcha un proyecto común para la investigación en torno al arte colaborativo, que arrancará en el segundo semestre de 2015. Al mismo tiempo, hablarenarte formaba en España una red de cuatro centros de arte que durante este tiempo han implementado en su programación diversos proyectos colaborativos y han servido de nexo de unión con sus homólogos europeos. El papel social del arte Dentro de unos días podremos ver el Madrid el resultado de estos tres años de trabajo que se materializarán en 14 proyectos. "Todos ellos abogan por reflexionar y abordar cuál es el papel social del arte en el siglo XXI, pero también el futuro de las disciplinas artísticas, cada vez más abiertas y permeables en sus procesos creativos", dicen desde la organización. De esta manera podremos ver propuestas como Harrotu Ileak, ideado desde el departamento de mediación de Tabakalera que intenta dar respuesta a la inquietud de lograr que la población juvenil haga suyo un espacio cultural; o Exando una mano, realizado por el grupo de trabajo Autofabricantes de Medialab-Prado, donde se facturan prótesis médicas para personas sin recursos. Los Torreznos presentarán el taller Presencia, mirada y acción que trabajará con los recursos expresivos básicos de la performance En su afán de que el público sea protagonista y dé rienda suelta a la imaginación para crear procesos artísticos, el festival organizará de manera gratuita con diversos profesionales del mundo del arte actividades, talleres y mesas redondas. Por ejemplo, el dúo artístico Los Torreznos presentará Presencia, mirada y acción, un taller que trabajará con los recursos expresivos básicos y cotidianos que cualquiera puede manejar en el territorio performativo, mientras que Las Sonideras propondrán Ruidos, gritos y susurros, donde se explorará las potencialidades de la radio y del sonido a través de la preparación y realización conjunta de una radioperformance.

Todoporlapraxis

SIRO SANTOS Y DIEGO PERIS: Miembros del colectivo Todo x la Praxis , nos introduce en su  proyecto Youth Urban Design Workshop – (proyecto junto con Créate Ireland) es uno de los 14 que se mostrarán en el festival.

Tienes una breve descripción en inglés aquí:

http://www.cappnetwork.com/capp-project/youth-urban-design-workshop/

Aquí tienes la bio del colectivohttp://www.todoporlapraxis.es/?page_id=42

Otros proyectoshttp://www.todoporlapraxis.es/?cat=1

Musica: BATUK. PUTA.

 

 

Grupo de Sudáfrica. El tema, Puta está inspirado en idiotas que constantemente hostigan y abuchean a las mujeres. La canción fue provocada por una experiencia cuando Batuk estaba en su última gira en Berlín, y un transeúnte la agarró y gritó "¡Puta!". La canción es una poderosa canción sobre mujeres que están cansadas de la violencia, las molestias y el acoso. Es un grito para los idiotas para sentarse y cortar la mierda. Es un nuevo tiempo.

 

MUSICA: DEAD AND VANILLA. WALLS HAVE TEETH.

 

Entrevista Diego Ibarra Sanchez (MEMO MAG.)

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A finales de 2014 comenzamos a trabajar en el proyecto Memo Mag, una nueva plataforma digital de fotografía, video, texto, infografías y animaciones 3D, rompiendo las fronteras del contador de historias audiovisual.

En poco tiempo la plataforma se ha ido situando en el panorama internacional obteniendo diferentes reconocimientos que hacen que este proyecto siga adelante. Premios como: 

 (Highly commended Launch of the year at Digital Magazine Awards 2015, Mobile of the day FWA – Favourite Website Awards 2015, PREMIO DE PERIODISMO DERECHOS HUMANOS 2015) . Premios y reconocimientos que lejos de acomodarnos, nos invitan a continuar trabajando en próximos objetivos y es hacer llegar el fotoperiodismo a todo aquel que quiera conocer la realidad de muchos rincones del mundo, en conflicto, silenciados por múltiples intereses. 

Uno de los trabajos del que nos habla Diego Sanchez Ibárra es su proyecto Educación Secuestrada.

 

Manu Bravo, Fabio Bucciarelli,  José Colón, Diego Sanchez Ibárra y Guillem Valle forman parte de este apasionanate proyecto. Lo mejor es que lo compruebas por tí mismo: http://memo-mag.com/

 

 

MUSICA: ROZZMA. SEEB NAFSAK.

¡Rozzma se suma al cartel del
Sónar 2018!

El primer fichaje de Acid Arab Records actuará en el 25 aniversario del Sónar que se celebrará del 14 al 16 de junio

MUSICA: ESMERINE. LA LUCHA ES UNA SOLA.

 

Entrevista : Diego Palacios. 

Daniel Palacios Studio. Crafted Experiences. Berlín

 

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Daniel-palacios3

www.danielpalacios.studio

MUSICA: BEN FROST. THRESHOLD OF FAITH. THE CENTRE CANNOT HOLD.

 

MUSICA : HANNETRATION. FIRE EP.

ENTREVISTA : FERNANDO GARCIA MALMIERCA , comisario de la exposición  Teoría y juego del Duende, en el DA2 de Salamanca.

 Teoría y juego del Duende en el Domus Artium 2002 de Salamanca, una magnífica exposición de Ana Torralva sobre las principales figuras del flamenco y su entorno.¡No os la perdáis! Permanecerá abierta hasta Abrll del 2018.

Ana-Torralva

La fotógrafa Ana Torralva presenta Teoría y juego del duende, se trata de una muestra antológica del trabajo de la fotógrafa gaditana, compuesta por una cuidada selección de instantáneas en blanco y negro con retratos de grandes figuras del baile, el cante y el toque flamencos —algunas de las cuales se muestran por primera vez en público—, en varias de las cuales la autora introduce la fragmentación, con imágenes divididas en secuencias.

Como si de una cantaora se tratara, en Teoría y juego del duende, Ana nos muestra con gestos y retratos,  su fascinación por el arte jondo. Atracción que le ha llevado a fotografiar a los grandes del flamenco, entre otros a Camarón, El Cigala, Paco de Lucía, Enrique Morente, Remedios Amaya, Carmen Linares o María Pagés, entre otros muchos.

Es el destilado de más de veinte años de trabajo que tienen un preciso hilo conductor: la indagación a través de la fotografía sobre la génesis de la emoción en el arte, sobre el duende en el flamenco. Magia y reflexión se unen en sus imágenes, en las que destaca la búsqueda psicológica de la persona.

MUSICA: ANNA STEREOPOULOU. ASPRO AMORE. ELECTRON

CONTRAPORTADA: MAR PAREJA. Vertical

Rosa Pérez   26.ene.2018 09:37    

Marcos Tamargo, Marlon de Azambuja, Ainara Legardón y Colectivo Overture.

    viernes 19.ene.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 22.01.18

 

MUSICA: AINARA LEGARDON. COMO LOBOS.

 

AINARA 1

El nuevo álbum de Ainara LeGardon, de título homónimo, es el resultado de un proceso de composición y producción que se ha desarrollado en el propio estudio de grabación, a lo largo de varios meses, mano a mano junto al músico y productor Xabier Erkizia. La colaboración de ambos ha supuesto poder plasmar la conjunción de las distintas facetas musicales exploradas por Ainara, desde el rock más crudo a la improvisación y la experimentación sonora. A ellos se han unido los ya habituales cómplices Rubén Martínez (bajo), Héctor Bardisa (batería) y Hannot Mintegia (guitarra, voces). Los textos, por primera vez en castellano, reflejan también esa búsqueda y conciliación de imaginarios de la artista.

Desde su primer concierto en 1991, Ainara LeGardon ha recorrido con sus canciones los escenarios de Europa y Estados Unidos. En 2003 crea su propia compañía discográfica con la que edita sus seis discos en solitario hasta la fecha (“In the mirror” —2003—, “Each day a lie” —2005—, “Forgive me if I don’t come home to sleep tonight” —2009—, “We once wished” —2011— y “Every Minute”, estos dos últimos en coedición con Aloud Music Ltd.), que han merecido excelentes críticas y una calurosa acogida por parte de la audiencia. Ahora regresa, también autoeditada, con “Ainara LeGardon” -2017-.

Su coherente trayectoria y su discurso sincero han hecho de ella una referencia imprescindible del folk-rock estatal, y le han permitido contar en sus álbumes y directos con músicos del prestigio de Chris Eckman (The Walkabouts) —productor de sus dos primeros trabajos—, Joe Skyward (Posies, Sunny Day Real Estate, The Walkabouts), Hannot Mintegia (Audience), Javier Díez-Ena (Dead Capo, Ginferno), Rubén Martínez (Tokyo Sex Destruction, Maika Makovski) o Héctor Bardisa (Futuro Terror).

Ainara ha compartido cartel con artistas como Swans, Shannon Wright, Thalia Zedek, Dayna Kurtz, The Walkabouts, Bonnie `Prince´ Billy & Matt Sweeney, Karate, Giant Sand, Damien Jurado o Lisabö, y actuado en festivales como el FIB (Festival Internacional de Benicassim), Primavera Sound, Bilbao BBK Live, Monkey Week, Lemon Day, y Faraday, entre muchos otros.

Tras su estética sobria y su característica intensidad emocional, la música de Ainara LeGardon conmueve por su honestidad y encierra una riqueza expresiva que, en las sucesivas escuchas, nos revela nuevos aspectos de nosotros mismos.

http://ainaralegardon.com/

 

MUSICA:ALESSANDRO CORTINI. VICENRE

Entrevista: Marcos Tamargo.

 

Libro de artista el  "Cántico espiritual visto por Marcos Tamargo. Marcos tamargo


El libro está compuesto por una obra original y seis grabados del
artista, así como el texto del poema de san Juan de la Cruz, obra cumbre
de la poesía mística española del siglo XVI, traducido a once idiomas,
todo ello realizado sobre papel artesanal de 600 gramos y con una tirada
exclusiva de cien ejemplares numerados.

Un proyecto que conjuga el lenguaje universal del arte con la
literatura, y con la ambición añadida de poder ser entendido y apreciado
por personas de culturas muy diferentes como reflejo de la universalidad
del arte y la palabra.

El artista tiene claro que para ultimar el proyecto del todo necesita
crear el resto de obras únicas como el propio san Juan de la Cruz
escribió su poema, encerrado en la celda de un monasterio, porque quiere
vivir la experiencia de cómo ese hecho puede condicionar, o incluso
cambiar, su visión creativa. Y para ello trabajará en un monasterio
carmelita donde va a instalar una webcam para que, quienes quieran,
puedan seguir su proceso de trabajo y cómo va creando las obras en
directo.

http://marcostamargo.com/

MUSICA: ENIGMA. SADNESS

 

 

MUSICA:  10 Oliver Hunteman. Vertigo

  Azambuja2

Marlon de Azambuja nació en Porto Alegre, Brasil pero vive y trabaja en Madrid. Ahora propone Campo, un site especific creado para la nueva presentación en Tasman Art Project, que también recupera piezas del año 2007, todo bajo la mirada del comisariado de Bruno Leitao.

La exposición de Marlon de Azambuja, comienza con una intervención en el espacio expositivo, que obliga al espectador a traspasar la obra,  continúa con una pieza que dialoga con la pieza de entrada y también una selección de una serie de fotografías de la primera etapa recién llegado a Madrid, propiedad de los anfitriones, de Tasman Projects, que son el resultado de una serie de intervenciones en el espacio público. Para pasar a una pieza en video, realizado en Sao Paulo y con un fuerte contenido arquitectónico, una pieza generada con material del propio espacio y finalmente su colección privada de pequeñas obras realizadas a partir de la utilización de viejas plantillas. 

Azambuja1

Tasman Projects vuelve por tercer año a presentar en su espacio de Ferraz 84 una exposición de un artista al que quieren poner de relieve. La exposición de Marlon Azambuja, comisariada por Bruno Leitao se inaugurará el próximo 3 de febrero y permanecerá hasta el 17 de  marzo.

Podéis visualizar su obra a través de www.marlonazambuja.com

 

 

MUSICA : 05. Brockmann_bargmann. Prisma

 

MUSICA: SCHNEIDER KACIREK. BACK

ENTREVISTA:COLECTIVO OVERTURE

INVITACIÓN AL DESASTRE 

 

 

DT Espacio Escénico //  25, 26 y 27 de enero. 20,30.

INVITACIÓN AL DESASTRE es el proyecto multidisciplinar que el colectivo OVERture [Sara Martín y Jose Pablo Polo] presentará los días 25, 26 y 27 de enero en DT Espacio Escénico (C/ de la Reina, 9). Una obra que aúna arte performativo y arte sonoro en una confluencia perfecta que OVERture acostumbra a denominar living sound art, o lo que es lo mismo, los textos de Sara Martín, a través de su voz y su cuerpo, combinados con el sugerente mundo sonoro creado por el compositor Jose Pablo Polo. Un discurso irracional que abre las puertas del inconsciente para sembrar el escenario de dudas, errores, ruidos y puntos suspensivos. 

OVERture es la zona de investigación sonora y textual en la que habitan la escritora y actriz Sara Martín y el músico Jose Pablo Polo. Una forma de arte sonoro en vivo – living sound art- que cuestiona las posibles relaciones existentes e inexistentes entre lenguaje, sonido, espacio y público. Desde septiembre de 2016 trabajan en LAMILA Studio creando diferentes piezas a través de soportes variados como son el vídeo, la performance , la instalación o la grabación sonora.  El resultado de esta investigación se ha mostrado en espacios como La Juan Gallery (Madrid), el Festival de Poesía Joven de Getafe y Festival Seis Cordas 2017 en Vigo.

En 2017 reciben las Ayudas para la Creación Joven del INJUVE para el desarrollo de su proyecto interactivo LISN TU.

MUSICA: HACIA LA NADA.

 

Musica: tricky. SAME AS IT NEVER WAS.

 

MUSICA: ROZZMA.  SEEB NAFSAK

NOTICIA:

El Lab de RTVE.es estrena ‘La línea de sombra’, webdoc sobre el universo del fotógrafo Alberto García-Alix

  • El documental interactivo propone un juego con los conceptos básicos de la fotografía, haciendo que cada experiencia sea única
  • El usuario puede descubrir su forma de construir su obra, su entorno y el escenario social
  • Ya disponible en rtve.es/la-linea-de-sombra

El Laboratorio de Innovación Audiovisual de RTVE.es ha lanzado este jueves el documental interactivo ‘La línea de sombra’. Un webdoc que explora el entorno social y vital de Alberto García-Alix, uno de los fotógrafos españoles más carismáticos de las últimas décadas.

Premio Nacional de Fotografía 1999, García-Alix ha retratado a la sociedad de su época en todas sus formas. Ha viajado por todo el mundo con sus cámaras Leica y Hasselblad, que se han convertido en un sello personal.

El usuario que acceda al documental interactivo podrá crear un contenido exclusivo interactuando simbólicamente con la luz y la velocidad, los dos conceptos que construyen la fotografía.

Según la selección del usuario, el webdoc escoge dentro de un amplio archivo audiovisual distintas piezas que explican algunas de las partes fundamentales del universo que rodea al artista: los retratos, las motos, los autorretratos, las drogas...

Este documental interactivo se complementa con un documental lineal que se emitirá en La 2 en 2018.

CONTRAPORTADA: AINARA LEGARDON. AGOTA.

Rosa Pérez   19.ene.2018 10:35    

FLUCTUACIONES, Daniel Canogar, Erizonte, Olga Diego y Madatac 09

    viernes 12.ene.2018    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 15.01.18

 

PORTADA: CORCOBADO Y ERIZONTE. SOL SOTINEMURTSNI ES MACOT.

Sonidos en el silencio
Música y arte sonoro a la obra de OPS

 

OPS1

Se trata de la segunda parte de la trilogía de Erizonte inspirada en el
dibujo en los medios de comunicación como transmisores de ideas
revolucionarias. Después de la primera parte, con los ideales de la
Ilustración en los grabados de Francisco de Goya y el siglo XIX,
ésta segunda corresponde a las viñetas de OPS que aparecieron en
revistas entre finales de los 60 y principios de los 80 del siglo XX. El
artista gráfico para la tercera y última parte, correspondiente a este
siglo 21, está por descubrir...
En esta obra de creación colectiva confluyen importantes artistas
cercanos en ética y estética a aquellos misteriosos y perturbadores
dibujos que en revistas como Hermano Lobo o Triunfo firmaba como
OPS el posteriormente tan conocido y apreciado El Roto.
En entregas consecutivas publicaremos las piezas que Esplendor
Geométrico, La Fura dels Baus, Macromassa, Mar Otra Vez,
Mecánica Popular, Pelayo Arrizabalaga y Eli Gras han creado para
la ocasión. En las anteriores han participado Javier Corcobado,
Scud Hero, Jesús Alonso y Erizonte, que interviene en cada una
de las piezas.
Una vez editadas todas, procederemos a recopilarlas en un álbum,
incluyendo los dibujos que habrán servido de portadas a las
ediciones individuales y que amablemente nos ha ido cediendo OPS
para su realización. En el horizonte está llevar el proyecto al
escenario y la elaboración de un audiovisual con el conjunto de la
obra.

Y para escuchar las piezas ya publicadas
http://info866628.wixsite.com/erizonte/sonido-en-el-silencio

 

MUSICA: MACROMASA Y ERIZONTE.

 

MUSICA : ALESSANDRO CORTINI. ASPETTARE.

 

TRANSCRIPTION . NON STOP DRAWING ACTION. SCAN PROJECT ROOM. LONDRES. 16 DE ENERO. 

Entrevista: OLGA DIEGO. 

 

Daniel Miller (Miller, 2010: 10) afirma OLGA DIEGO
que sus razones para desear ser un extremista radican en que el extremismo representa el compromiso que permite mantenerse en contacto simultáneamente con los extremos del universalismo y particularismo de la vida moderna.

Es en este sentido, Olga Diego plantea una práctica extremista, un extremismo de ‘causa noble’, que similar al del antropólogo “muestra las consecuencias de lo universal para lo particular, y las de lo particular para lo universal, por medio de una devoción equitativa a la comprensión y al confinamiento empático de ambos”[i].

En su obra, aquello que permite la atención a los extremos se expresa por medio de su propio particularismo, a través de un cuerpo que es a la vez  propio y apropiado, el cuerpo de una y de uno, protésico y  grotesco. Este cuerpo en su fisicidad, o aparente materialización, es ante todo un cuerpo desplazado, que se traslada entre los límites que establecen su campo de experimentación. El particularismo radica en que cada nuevo movimiento y cada acción extrema logran empujar estos límites para resituar y redefinir su significado social, cultural y/o político.

El abandono de las categorías se realiza por medio de acciones performativas que retan las condiciones físicas del cuerpo propio, tomando formas de autoagresiones simuladas o enfrentándose a los peligros de elementos naturales que apoyan las interdicciones de la transgresión y que se identifican con cierto determinismo biológico. En trabajos anteriores como Fuego Diego, literalmente, calcina los fetiches sexuados del consenso genérico, mientras en trabajos como Voladora, abandona -sin más- la determinación de las leyes de la gravedad.

En la totalidad de sus exploraciones transdisciplinares cuestiona y desafía el condicionamiento físico del cuerpo, aquello que acompaña y justifica el sueño ilusorio de una posible simpleza del origen y nos adentra en un territorio mental, que reestablece la complejidad de un sujeto relacional, psicológico y social. Este sujeto  rehúye la fijación y se localiza más allá de la aparente desnudez visible, contribuye a una labor descolonizadora del pensamiento categórico y permite repensar una identidad novedosa e inclasificada.

El límite es una línea de horizonte que se desplaza conforme nos acercamos a él.

Superar los límites, por tanto, supone ir en búsqueda de esa línea imaginaria para hallar la dimensión incógnita de nosotros mismos, una versión inédita si se quiere, que rehúye de ser catalogado a priori.

En su nuevo trabajo, Transcription, la connotación de los límites y  la negación absoluta de la fijación identaria por medio de la repetición de patrones conocidos adquiere una dimensión aún por explorar: el desnudo, en ocasiones presente en la obra de Diego, se torna mental. 

En Transcription la idea de lo imprevisible adopta una forma más radical o existencial. El espectador accederá en directo y/o por medio del streaming al espacio de la acción y al espacio mental de la artista que se someterá al proceso de una autoexploración de las contingencias de lo imprevisible, bajo condiciones de inmediatez y de discomfort.

Durante un tiempo indeterminado, Diego ocupará las dependencias del SCAN Project Room de Londres. Su estancia diaria se prolongará durante las 24 horas: dibujará desplazándose por el espacio, al tiempo que atenderá sus necesidades vitales que condicionarán el proceso creativo de un modo contingente, sin que esto deba conducir a su eventual interrupción de forma premeditada.  Tan solo el desistimiento irremediable de las capacidades físicas decretará el final de la acción.

Por medio del despojamiento o la renuncia voluntaria a la intimidad, el cuerpo de la artista se presenta como la materia que limita  la acción propia de la exploración de los límites. Su resistencia o su decadencia física revelará y determinará la capacidad mental y creativa que se traducirá a este acto de un incesante dibujar en el intento de llevar a cabo una plasmación sin premeditación completa y bajo condiciones extremas.

Como en toda su obra, la acción propuesta implica un riesgo consciente y deliberado. La idea fundamental de la superación y de la confrontación viene acompañada de la necesidad de abandonar toda zona de confort. 

Por primera vez aquí la acción no es una representación pensada para el documento, sino se convierte en exposición directa de la transgresión del ser que se desarrollará en un espacio y en un tiempo que se desdobla: el espacio del antes-después.

Anja Krakowski

Para seguir el streaming:

MUSICA: LA FLO. THOR. LUTES. 

MUSICA: Alex Augier - _nybble_

MADATAC09

9ª Muestra  de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Acontemporáneas

Desde el 10 hasta el 20 de enero, Madrid se convertirá en una plataforma del videoarte y nuevos medios gracias a la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Acontemporáneas (MADATAC), que, bajo el título de “Interactivo/Exteractivo”, llega a su novena edición habiéndose convertido en España en un referente de la cultura digital y el arte más experimental. 

Desde el 10 hasta el 20 de enero, Madrid se convertirá en una plataforma del videoarte y nuevos medios gracias a la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Más de 100 piezas de videoartistas de 50 países mostrarán lo más vanguardista, arriesgado y al mismo tiempo original y poético que actualmente se está haciendo en el plano del arte audiovisual en todo el planeta, a través de exhibiciones, proyecciones, debates, conferencias y mesas redondas, performances, instalaciones interactivas, y conciertos audiovisuales de grandes figuras del mundo electrónico, que tendrán lugar en el NH Collection Eurobuilding, C. C. Conde Duque, Medialab Prado y Galería de arte ASPA Contemporary, gracias a la cofinanciación del Programa Europa Creativa de la Comunidad Europea 2015-2018.

Consulte el resto de las actividades del programa de MADATAC 09 en la web: http://madatac.es 

MUSICA: poupees electriques. Disrumption

 

MUSICA: TECNTX. MINUS

ENTREVISTA. DANIEL CANOGAR.

Sala Alcalá 31, Madrid
29 Noviembre, 2017 - 28 Enero, 2018

Canogar-Alta_02_SALA-28

Fotografía de  Guillermo Gumiel 2017


La obra de Daniel Canogar (Madrid, 1964) habla de los paradigmas de nuestra sociedad de datos, y lo hace investigando las interfaces y transiciones entre el mundo virtual y el mundo real. Canogar utiliza medios tecnológicos, poniéndolos al servicio de una experiencia artística novedosa y entablando al mismo tiempo un diálogo estético con los entornos digitales. En sus grandes instalaciones y en sus video-animaciones generativas, el artista aborda el impacto de las tecnologías en la sociedad, visibilizando con expresividad el paso de los sistemas electromecánicos a los digitales e indagando en la posición que ocupa el individuo en nuestra era interconectada tecnológicamente. Fluctuaciones nos ofrece un mundo en tránsito: un mundo de memorias pasajeras y fugaces, de cambios de dispositivos tecnológicos y de flujos de datos en constante crecimiento. 

En las obras expuestas, Canogar reflexiona sobre el cambio tecnológico y presenta gráficamente la complejidad del mundo digital de hoy. En su serie Small Data investiga, a la manera de un arqueólogo, diversas tecnologías obsoletas, dando nueva vida a artefactos electrónicos desechados al evocar, mediante animaciones de vídeo, recuerdos perdidos. Sikka Ingentium es la culminación hasta la fecha de las reflexiones de Canogar sobre el cambio tecnológico y las bibliotecas rotas de nuestra memoria cultural: una impresionante instalación en la que el artista usa 2.400 DVD para crear un mosaico audiovisual abstracto basado en nuestro pasado cinematográfico. Otro corpus de obra se hace eco de los flujos de datos que en la actualidad transitan por la red. La serie Echo transmite en tiempo real datos de varios fenómenos naturales y creados por el ser humano. Esta información llega al espacio expositivo a través de unas pantallas LED diseñadas con paneles de circuitos flexibles cubiertos de caucho. Las pantallas, que Canogar dobla hasta conseguir la forma deseada, se convierten en membranas con las que cubrir, a modo de piel, objetos y estructuras. Otras obras con datos en tiempo real, como Xylem o Cannula, se valen de la abstracción como método para plasmar el tejido social creado por el interminable flujo de información digital. Simultaneando su interés por los datos y por la materialidad de los medios, en su nueva serie Draft, Canogar destripa pantallas de plasma para crear singulares esculturas con visualizaciones generativas. Todas estas obras reflejan la fragilidad de las pantallas, transformadas ahora en unos elementos permeables que permiten transmitir al espacio físico la textura de la materia digital. 

Fluctuaciones alude a cambios de sistema, pero también a las inevitables transformaciones que las tecnologías continuarán aportándonos. Las viejas oposiciones de analógico versus digital, cuerpo versus medios, se han desintegrado, para conformar unas unidades que cooperan entre sí dentro de un único sistema. 


Sabine Himmelsbach
Comisaria de la exposición

MUSICA: RONE. ELLE.

 

MUSICA: ANNA STEREOPOULOU. CORE.

El proyecto / álbum temático "electron" [ἤλεκτρον - ḗlektron] es el quinto álbum en solitario de Anna Stereopoulou. El trabajo está inspirado en la estructura y función del oído humano y el equilibrio del cuerpo. 

Con Piano como su instrumento central, frecuentemente enriquecido con ritmos electrónicos, ambiente y poesía, la música está influenciada por varios géneros, como Musique Concrète, Drum'n'Bass, Classical, Jazz, Dubstep, Fado, Techno y otros, y dibuja el curso en un laberinto, que se convierte gradualmente y se revela cada vez más brillante, a través de su traducción visual.

 

 

CONTRAPORTADA: MECANICAPOPULAR Y ERIZONTE.

Rosa Pérez   12.ene.2018 11:33    

SHE MAKES NOISE PART II

    viernes 5.ene.2018    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 08.01.18

 

Segunda entrega dedicada al Festival She Makes Noise, celebrado del 19 al 22 de octubre en Madrid, en la Casa Encendida. Este festival siempre fue, desde el propio título, implícitamente feminista. Posicionándose más allá de modas pasajeras, se trata de un evento multidisciplinar que cuenta con una línea de actuación donde tienen cabida lo político, lo lúdico y lo estético con la clara convicción de que en la transversalidad se generan los discursos más integradores e interesantes

Una de las artistas que pasó por el escenario de She Makes Noise fue la tunecina Deena Abdelwahed

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Abdelwahed es la mayor representante internacional de la electrónica tunecina. Formada en la música jazz, debutó acompañando al jazzman Fawzi Chekili y al grupo So Soulful como cantante. En 2011, se unió al colectivo World Full of Bass, máximos representantes de la electrónica surgida tras la primavera árabe. Actualmente trabaja como productora musical y dj formando también parte del grupo Arabastazy. En su música se entrecruzan la tradición árabe con los sonidos futuristas.

CONCIERTO DEENA ABDELWASHED. 

DEENA Abdelwahed reside actualmente en Francia y ha encontrado precisamente en el sello InFiné, una plataforma para dar a conocer su particular concepto de la música. Con ellos lanzó en 2017 el EP Klabb, donde interpela al activismo y el posicionamiento político y social a través de la pista de baile.

She MakesNoise también dedico una de sus jornadas a una doble sesión de música noise, industrial y tecno, las disciplinas sonoras que siempre han estado presentes en la programación del festival, por ser también las más difíciles de encontrar en el panorama actual. Desde los países nórdicos llegan Puce Mary

Puce Mary es el proyecto sonoro de la danesa Frederikke Hoffmeier, una de las artistas más consolidadas dentro de la música noise y experimental europea.

CONCIERTO PUCE MARY

Pucemary

 

Puce Mary, el año pasado publicó, con su sello de cabecera Posh Isolation, su tercer álbum de estudio en solitario, The Spiral. Ritmos industriales e intensos con influencias de Throbbing Gristle, Chris&Cosey o más recientemente artistas de la talla de She Spread Sorrow y Pharmakon. Un directo inquietante y potente presentó primera vez a Madrid.

Y para terminar  el dúo artístico Ectoplasm Girls. Con base en Estocolmo y formado por las hermanas Nadyne y Tanya Byrne, Ectoplasm Girl proponen una propuesta única, visual y sonora que supone una mezcla que surge de su fascinación por los sueños y la muerte, proponiendo un viaje esotérico al espectador.

CONCIERTO ECTOPLASM GIRLS.

Ectoplasm_girls

Las hermanas Byrne, o Ectoplasm Girls y su sonido directo registrado en el festival She Makes noise en su edición de 2017. Ellas han actuado en festivales europeos de prestigio como Norberg Festival e IdealFest. En 2016, su segundo LP New Feeling Come fue elegido por la revista The Wire como uno de los mejores discos de música electrónica experimental del año.

Aqui cerramos esta segunda entrega con la que damos por concluido nuestro repaso al festival que un año más acogió la casa encendida de Madrid y que cuenta con el comisariado de Natalia y Enrique Piñuel.

Rosa Pérez    5.ene.2018 10:59    

SHE MAKES NOISE PART. I

    viernes 22.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 25.12.17

 

La tercera edición del festival She Makes Noise, celebrado del 19 al 22 de octubre, consolidó un programa que apuesta cada vez con más fuerza por visibilizar el trabajo de mujeres en el campo de la música electrónica y experimental. "Chicas que hacen ruido" oscuro y contundente.

Una de las artistas que se pudo escuchar fue Elysia Crampton, una mujer que rompe esquemas. En muy poco tiempo se ha convertido en las abanderadas de la música electrónica con raíces latinoamericanas.Ella es de origen Boliviano. Y en su particular universo sonoro, convergen las tradiciones del país de donde es originaria su familia, Bolivia, junto con una cuidada producción digital. Así sonó la presentación en directo de Elysa Campton dentro del festival She Makes Noise.

CONCIERTO ELYSIA CAMPTON 

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Elysia Campton, activista contra el machismo, desde su condición transexual y pieza clave en la identidad queer de toda América, su propuesta recupera la historia de una heroína boliviana , simbolo para las mujeres indígenas, desde un lenguaje que mezcla sonidos de vanguardia e historias oscuras.

Tras su paso por el Festival Sónar, esta fue su primera actuación en Madrid.

El festival She Makes noise, apostó fuerte por propuestas de riesgo, dedicando una de las sesiones a las creadoras africanas.

Tres artistas de origen africano que reinventan los ritmos más ancestrales dentro de la cultura de club contemporánea.

Nídia con apenas  20 años y toda la fuerza y el talento para renovar la música electrónica europea con raíces africanas, encontró su camino en Internet aprendiendo a producir música a través de videotutoriales de Youtube. En la actualidad es el fichaje más joven del prestigioso sello portugués Príncipe Discos. Tiene un único álbum, Nídia é Má, nídia é Fudida, publicado en 2017 en el que fusiona los sonidos clave del Kuduro, el Tarraxo, la Batida o la Kizomba, propios de la periferia lisboeta, dentro de una perspectiva de electrónica de club contemporánea. Así sonó Nidia en su participación en el festival She Makes Noise de Madrid.

CONCIERTO NIDIA OK

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En esta tercera edición de 2017 celebrada entre el 19 y el 22 de octubre, una jornada dedicada a la música africana, donde también se pudo ver a Nkisi. Nkisi, alias de Melika Ngombe Kolongo, es una de las embajadoras de las llamadas “nuevas músicas” dentro del campo de la electrónica, capaz de aunar en sus actuaciones los ritmos africanos con el gabber, el doomcore más oscuro y el techno más denso. Es cofundadora, junto con Angel-Ho y Chino Amobi, del sello discográfico NON Records desde donde reivindican los sonidos más vanguardistas de la diáspora negra.

CONCIERTO NKISI OK

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Nkisi,es una palabra congoleña que significa sacerdotisa, alude a su lado más espiritual. Criada en Bélgica y con base en Londres, donde es residente del Endless Club, presentó por primera vez en Madrid su aclamado The Dark Orchestra. Tras su paso por festivales europeos tan reputados como el Unsound de Cracovia o el CMT de Berlín, esta fue su primera actuación en España, en la que propuso un set en exclusiva muy visual y sensorial.

La jornada terminó con la Tunecina Deena Abdelwahed, de la que os pasaremos su concierto la próxima semana, que continuaremos aqui en FR, en Radio 3 ofreciendo los conciertos de la tercera edición del festival She Makes Noise.

MUSICA: DEENA ABDELWAHED- KLABB V2

Rosa Pérez   22.dic.2017 10:49    

Arte contemporáneo en Navarra.

    jueves 14.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.12.17

 

 

 

Proponemos un programa especial desde Pamplona, con motivo de la presentación del proyecto RADIO ELECTROMOTRIZ, organizado por APAC, la Asociación dedicada a la Acción y Promoción del Arte Contemporáneo y la igualdad de género en Navarra.

https://apacnavarra.wordpress.com

 

Cartel electromotriz

 

RADIO ELECTROMOTRIZ, propone del 11 al 17 de diciembre una serie de actividades en distintos formatos  como un Mapa Sonoro del barrio, un taller experimental de Sonido, una tertulia intergeneracional vecinal, una perfomance feminista radiofónica  y uma fiesta el sábado en el Palacio Condestable.

Además abrimos el programa a otros proyectos y estudios de artista de la ciudad, comisarios, etc. y  asi invitamos a Alexandra Baurés (Comisaria y productora cultural), Mikel Belascoain (Artista),Celia Martín Larumbe (Comisaria), Elisa Arteta (Danza, videodanza) o Peio Izcue Basail (Artista), entre otros.

 

 

Rosa Pérez   14.dic.2017 14:27    

ESPECIAL KEROXEN: RRUCCULLA Y KIOKA

    viernes 8.dic.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 11.12.17

 

 

Segunda entrega dedicada al festival Keroxen, la cita anual con la música y la creación sonora abierta y  sin prejuicios que se ha extendido a lo largo de octubre proponiendo artistas como las que traemos hoy. Pero antes vamos con la portada que nos trae el último trabajo firmado por SCHNEIDER KACIREK

SCHNEIDER KACIREK C.4. ARBEIT 16.

Schneider_Kacirek_2__Credit_Andreas_Schiko_

Presentamos el álbum RADIUS WALK, del dúo formado por Stefan Schneider y Sven Kacirek.

 

 

Kyoka2

kyoka trabaja como músico / compositor en Berlín y Tokio, y es conocida por su enfoque musical caótico y directo y un sonido pesado y áspero, que da como resultado un ritmo pop roto con ritmos experimentales pero bailables.

Kyoka es una artista multidisciplinar que emerge como uno de los exponentes femeninos más destacados, junto a Dasha Rush, del reciente catálogo de Raster-Noton;. Esta japonesa afincada en Berlin, con formación en piano y flauta comenzó a trabajar a finales del siglo XXLa piedra angular de su propuesta filosófico-musical combina ritmos, tan cortantes como bailables, con bases vocales, pulsación techno, microsonidos y glitches . Una artesana del sonido ruidoso, capaz de redondear un tema a través de roturas y cortes.

CONCIERTO KIOKA. KEROXEN.

 

La edición de 2017 ha tenido una importante presencia femenina. Algunas de ellas han pasado por esta revista como fue la de Tara Transitory, pero otra de las propuestas que tenia el peograma de este año fue la de RRUCCULLA.

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Se llama Izaskun, pero todo el mundo la conoce como RRUCCULLA y llega desde Barakaldo. Tras una década tocando la batería en distintas formaciones, ha pasado a formar parte de la escena de la electrónica actual, con una propuesta en la que experimentar sin pensar en notas, ni acordes, ni normas de armonía.

Tiene una fuerte base anclada en el jazz, la improvisación y su peculiar forma de entender el sonido basado en las texturas, con apenas 22 años  tiene varios discos autoeditados y grandes proyectos de futuro.

 

CONCIERTO RRUCCULLA. KEROXEN.

 

 

CONTRAPORTADA: SCHNEIDER KACIREK C.5 BACK

Rosa Pérez    8.dic.2017 12:54    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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