VIAJEROS DE MI GALAXIA

    viernes 24.jun.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios


PORTADA: JACKMASTER. DJ-KICKS.

Jackmaster

Jackmaster es uno de los DJs  más demandado en la actualidad. De humildes comienzos detrás del mostrador de la legendaria tienda de discos Rub-A-Dub en Glasgow, Escocia, su evolución ha consistido en  dominar las listas de algunos de los mejores eventos de música electrónica en toda Europa y America.  Jack también ha realizado una serie de programas para la BBC Radio 1 donde ha desplegado su personalidad y su instinto encantador , lo que le confirma en su estatus como un DJ de clase mundial.

Jackmaster de DJ-Kicks es un viaje honesto, mostrando una pasión seria para los límites oscuros del house y el techno. "Para mí era importante hacer algo honesto y algo que pone las cosas de una manera", dice. "Algunas personas piensan que soy un DJ de dubstep, algunas personas piensan que acabo de golpear a los clásicos, pero ninguno de las dos opiniones son verdaderas. Trato de no ser demasiado deliberadamente idiosincrásico a  la hora de seleccionar la música. Quiero educar a la gente, pero nunca comprometer mi visión. Yo sólo quiero pinchar buena música y contar mi propia historia ".

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.yanniskarpouzis.com/

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La palabra crisis (del griego krisis) se define como un horizonte de sucesos susceptible de crear condiciones inestables y peligrosas para la población de un país. Sin previo aviso, la sociedad se encuentra en un estado de emergencia en el que el tiempo de los ciudadanos se traspasa a redes bancarias, sindicatos, instituciones financieras; se convierte en un tiempo de no-evolución. Sobre la crisis y sobre la actual situación de la población griega, son el permanente objetivo sobre el cual mira la cámara de Yannis Kapouzis.

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Yannis Karpouzis nación en Gracia en 1984, forma parte de la nueva generación de fotógrafos . En su trabajo propone una comparación entre el tiempo muerto de la crisis financiera y el tiempo congelado que la fotografía produce.
Preocupado por la poética del paso del tiempo y cómo la fotografía juega su papel respecto a ello, su serie La Crisis paralela habla de su países; un documento que refleja desde su experiencia la situación griega de los últimos años., pero sobre todo refleja la mirada del artista.

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Se dice que la fotografía pasa a ser el más ingenuo de todos los medios de comunicación debido a su intención y su capacidad para inmovilizar el tiempo. Es por eso que las fotografías son normalmente bellas pero tristes. El único tiempo que la cámara puede reproducir es el tiempo muerto, es el tiempo ya pasado. En los últimos cinco años, Atenas ha cambiado dramáticamente; toda la ciudad se ha transformado en una meseta negativa, inmovilizada en el tiempo. Y es ahí donde Yannis Karpouzis, hace uso de la fotografía para inmortalizar y congelar un tiempo preciso.

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Yannis Karpouzis fue ganador del Premio descubrimientos Photoespaña 2015 y este año ha mostrado su trabajo en el Centro Cultural de Alcobendas, pero que hoy hemos querido traer su obra a estas páginas para conocer más a fondo su propuesta artística a través de su espacio en la red.

 


ENTREVISTA SERGIO MURO.

ESPACIO LABRUC. SEMANA DE LA PERFORMANCE. 

LOGOLABRUC


Nace la Semana de la Performance: seis días de representaciones en espacio labruc

ESPACIO LABRUC

El próximo 12 de julio da comienzo la Semana de la Performance en el madrileño espacio labruc. Un evento dedicado a esta disciplina artística que posee la intención de asentarse en la agenda para tapar el hueco existente en la programación cultural off de la capital.

De este modo, espacio labruc, en colaboración con el organizador del evento Sergio Muro (Artix Espacio Creativo), acoge seis días de representaciones performativas, del 12 al 17 de julio. En esta semana se podrá disfrutar de una programación muy variada, de contrastada calidad y siempre focalizada en dicha disciplina artística. Spoken word, danza, acciones sonoras, performances, charlas, talleres, videoperformances, una exposición y música es lo que se podrá encontrar el asistente a este espacio madrileño.

Los encargados de realizar estas actividades son artistas de la talla de Ramón Quanta, Carlos Llavata, Paquito Nogales, Blanka Palamós i Claramunt, Mario Gutiérrez Cru, José Malvís, Victoria Valdearcos, Domix Garrido, Rubén Figaredo, Ricardo Gassent, Lucio Cruces, Sergio Muro, Almudena Millán, Esther Giménez, Carol O.C., Aitor Pellicer, Hilario Álvarez, Erín Ortega y Fausto Grossi.

Además, se han organizado talleres y charlas para que los asistentes se impliquen en lo presenciado, adquieran conocimientos propios y vivan la experiencia de ser partícipes de la muestra. Los talleres corren a cargo de Sergio Muro con La vida es una performance y de Ricardo Gassent con Soundpainting. Por su parte, Rubén Figaredo impartirá una charla sobra la performance en Brasil y se podrá ver, durante toda la semana, la exposición fotográfica del artista de acción Carlos Llavata.

Los precios de las entradas para asistir oscilan entre los 10 y 14 euros, dependiendo de cada sesión. Asimismo, existen bonos para toda la semana al precio de 60 euros, bono semanal + taller a 75 euros y bono + dos talleres a 90 euros. Si solo se quisiera asistir a los talleres el precio sería de 30 euros.


Más info en:
espaciolabruc.com
prensa@espaciolabruc.es
calle La Palma 18, <m> Tribunal


ENTREVISTA: SARA RAMO. GALERIA TRAVESÍA 4. MADRID. 

SARA RAMO

Sara Ramo (Madrid, 1975) regresa a su ciudad natal para presentar 'Los Ayudantes', una exposición que se instala en la Galería Travesía Cuatro hasta finales de julio. En esta ocasión, además de exhibir la proyección de la pieza audiovisual del mismo título, la artista trae una serie de esculturas inspiradas en los personajes que protagonizan la grabación.

En la obra de Ramo siempre prevalece el interés por los procesos simples que remarcan el valor emocional de las cosas y los momentos únicos. En el trabajo que muestra en esta exposición explora las ceremonias rituales, la música, el juego y la creación dentro de un orden simbólico con la naturaleza. La compleja relación del mundo de hoy con las formas humanas primitivas.

La muestra parte de la proyección de la pieza audiovisual Os Ajudantes por la que el visitante se adentrará en un paisaje nocturno donde deambulan 12 criaturas enmascaradas tocando instrumentos musicales. Inmersos en la penumbra se tornan visibles solamente sobre la luz trémula de las hogueras, apareciendo y desapareciendo en una atmósfera mágica y misteriosa. Estos seres singulares, cuya figura recuerda una insistente forma humana, se mueven desprovistos de historia o de algún drama residual. Resisten a ello, en una dimensión que es desconocida y que es desvelada sólo parcialmente.

Sara Ramo propone que la vida cotidiana funciona gracias al cuidado anónimo de los extraños. Hay un toque de desamparo, pero no como forma de idilio perdido, si no más bien con toda la carga de perturbación intrínseca de lo que no dominamos. La acción de revelar y ocultar crea un enlace entre lo abstracto y lo concreto, y se repite también en la serie de esculturas de yeso y piedra concebidas a partir de las máscaras de Los Ayudantes.

Son sus moldes, revelando así su interior hacia fuera. Cada pieza lleva en sí una potencia de manera concreta y significativa, pero que sólo se presenta en nuestra imaginación. Al igual que en el vídeo, el conjunto nunca se muestra y todo lo que se ve son fragmentos. El espectador es remitido constantemente a una compleja relación sobre el origen y los restos, sobre el exterior y el interior, y al final lo sólido, la piedra. Lo que subsiste es justamente lo que permanece en la superficie, lo que se incorpora como envoltura, como el musgo que se adhiere, como plaga.

 

ES BALUARD. NUEVAS PROPUESTAS EXPOSITIVAS PARA VERANO.

THOMAS HIRSCHHORN

 

Comisariado: Ignacio Cabrero
Como cada verano Es Baluard invita a un artista internacional para que presente una muestra temática individual en el Aljub; así, este 2016 es el artista suizo Thomas Hirschhorn gracias al apoyo de la Fundación Suiza para la Cultura Pro Helvetia.

A comienzos de 2007 Thomas Hirschhorn escribía, antes de su proyecto Flamme éternelle[1] sobre el filósofo JacquesRancière, y mencionaba que cuando los jóvenes de los suburbios de París, o de cualquier ciudad del mundo, se expresaban quemando coches delante de sus casas, alumbraban el fuego de la angustia, la llama de la alarma. Llamaban la atención de manera universal y recordaban que la llama de la igualdad siempre estaría encendida.
 
El artista, a través del libro de Jacques Rancière Le maître ignorant, y del personaje del pedagogo Joseph Jacotot, había interpretado que la llama de la igualdad es una llama eterna y que, por lo tanto, las reivindicaciones o señales para mantener esa llama nunca pasarán. Y lo esencial, según palabras del propio artista: The game is not over.

El tiempo ha demostrado que efectivamente el juego y el fuego no han terminado. Vivimos tiempos en los que la eclosión de angustias, las guerras, las fronteras, los movimientos sociales y la violencia en nombre de la libertad y de la igualdad no han dejando de aumentar. Sucesos que nos señalan que esa llama nunca se apagará.     
 
EL TORMENTO Y EL EXTASIS
 
Comisariado por Nekane Aramburu, directora de Es Baluard
Con la colaboración de Gerardo Mosquera


«El tormento y el éxtasis» es un proyecto expositivo que viene a mostrar la evolución de la creación latinoamericana contemporánea a través de su presencia en las colecciones de arte de Mallorca. La genealogía inserta sus raíces entre el conflicto y la estética, el compromiso político y social y la evolución de la estética y el pensamiento en un área geográfica lejana, pero, pese a todo, conectada con la manera de entender las fracturas de la postmodernidad.


«Ver (y pensar) América Latina», texto de Gerardo Mosquera (fragmento)
 
Es elocuente que un reciente incremento en la atención hacia el arte latinoamericano en el ámbito académico español sea resultado del tardío desarrollo en él de los estudios postcoloniales, tomados del medio anglosajón. Además de que aquellos funcionan en este caso más como un cajón para meter lo «no occidental», resulta muy problemático analizar América Latina con un instrumental diseñado para discutir los procesos culturales en el ámbito colonial británico tras la caída del imperio después de la II Guerra Mundial. La era colonial en América Latina concluyó antes de que se plasmaran las grandes empresas coloniales ­de signo capitalista­británicas y francesas en el siglo XIX. En Iberoamérica los colonizadores se asentaron, se acriollaron y se mezclaron, imposibilitando la clara distinción entre las culturas coloniales impuestas, las culturas indígenas, y aquellas de los africanos llevados como esclavos. Es decir, no existe, como en África y Asia, la clara interacción entre un ámbito tradicional y otro occidental, cuyas ambivalencias ha discutido el pensamiento postcolonial. A la vez, en América existen comunidades indígenas que permanecen considerablemente excluidas de los proyectos nacionales y sus relatos mestizos.
 
Sean cuales sean las razones, esta exposición demuestra la importancia creciente del coleccionismo privado en la articulación del mercado, la circulación y la legitimación del arte. Al revés del resto de las manifestaciones artísticas, donde la figura del coleccionista no existe, las artes plásticas se basan en objetos «fetichizados»suntuarios coleccionables y no en circuitos de difusión masiva, como ocurre con la música, el cine o la literatura. Estos últimos se sustentan por el contrario en productos descargables o disfrutables en directo en la red, junto con los tradicionales eventos colectivos de los conciertos y las proyecciones en salas, o las publicaciones en medios masivos. Las obras que llamamos plásticas o visuales continúan siendo principalmente objetos físicos originales o documentos de acciones o ideas certificados como únicos o en ediciones voluntariamente limitadas ­a manera de originales vicarios­, que a menudo contradicen las posibilidades de reproducción masiva de los medios en que se realizan. Ocurre con el video artístico, que se convierte en un coleccionable de edición limitada, o hasta la performance, cuyo derecho a ser reproducida se compra y colecciona. Estas entidades auráticas y «anales»requieren su atesoramiento en colecciones públicas o privadas, y el desarrollo de estas últimas ha otorgado al coleccionista un papel protagónico.
 
El auge mundial de las ferias de arte es índice del florecimiento del coleccionismo privado y del incremento de su poder. Este se expresa no sólo en el acto de comprar –que es un acto de comisariado– sino en el rol público del coleccionista y su acervo. Precisamente, en América Latina las instituciones y eventos públicos organizados desde colecciones privadas se han incrementado notablemente en los últimos tiempos (pensamos en la colección Jumex en México, el MALBA en Argentina, la colección Cisneros en Venezuela), desempeñando una función valiosa, muy beneficiosa en los países con instituciones públicas escasas y débiles organizativa y económicamente. Los coleccionistas participan también de los consejos de museos públicos, apoyan sus presupuestos y dan en préstamo sus obras. En verdad, el atesoramiento privado de bienes culturales implica una responsabilidad social, que muchos coleccionistas han asumido para bien. Por supuesto, esta responsabilidad conlleva también el ejercicio de poder. En el caso de esta muestra, la buena disposición de un grupo de coleccionistas a prestar obras a un museo público ha permitido a Nekane Aramburu comisariar una exposición de gran interés que de otro modo no hubiera podido hacerse.
 
http://www.esbaluard.org
 
 


ENTREVISTA: OUKA LEELE. 

OUKA LEELE. Viajeros de Mi Galaxia. Galería Fernández-Braso. Madrid. 

 

   Photoespana-logo
 
Ouka Leele Sagrario de su corazón / Tabernacle of her heart, 2010 © Ouka Leele , VEGAP, Madrid, 2016

Ouka Leele. Viajeros de mi galaxia

09.06 – 30.07.2016

Director

David Fernández-Braso

«Quiero, en esta exposición, mostrar al público ese sistema tan mío que habita el universo, un conjunto de estrellas que brillan en las imágenes que he cap­tado con mi cámara. Una cámara oscura que solo ve luz y la captura, y construye conmigo espejos donde mirarnos […]. Venid, viajeros, entrad, volad, os invito a conocer esta escuela para voladores».

Con estas palabras, Ouka Leele (Madrid, 1957) propone al espectador una visita a su «galaxia» personal; un viaje atemporal, a través de todos sus tiempos, al universo de las composiciones foto­gráficas de su trayectoria artística. 

 

CONTRAPORTADA: JACKMASTER. DJ-KICKS. 

 

Rosa Pérez   24.jun.2016 09:55    

ESPACIOS ALTERNATIVOS Y NUEVAS GALERIAS

    viernes 17.jun.2016    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 20.06.16

 

PORTADA :  CARO C.   HEARTHMIND PREYLUDE. del album "Everything > Gives to Something Else"

  Caro c

Los 8 cortes que presenta el album Everything Gives to Something Else, de Caro C, son una suerte de piezas en las que el piano, la voz, grabaciones de campo y los bucles de sonido conviven en un disco delicado, ambiental y  sugerente. Se trata del tercer trabajo discográfico de esta artista, ingenio de sonido y productora de Manchester aunque el primero como Caro C.

En Evertything Gives to Something Else, han colaborado una selección de músicos invitados como Kate Moran (violín), Gemma Leighton (voz), Emma Welsby (cajón) y Janet Wolstenholme (guitarra).  Ha contado en los visuales en directo con la sensibilidad  de Andrea Pazos que ha colaborado en el diseño  del  CD  e hizo el vídeo para el canción del álbum "Heartmind Preylude".

VIDEO

Heartmind Preylude from caro c on Vimeo.

 


http://www.carocsound.com>
 www.carocsound.com

CAFÉ VIRTUAL http://designyoutrust.com/2016/02/hong-kong-in-the-1950s-captured-by-a-teenager/

MUSICA: 4 GNOSSIENNE  (ERIK SATIE. VANESSA WAGNER

HOFAN1

El  café virtual de FR propone una mirada especial, la de un fotógrafo que comenzó cuando era un adolescente en Hong Kong en la década de los cincuenta. Ho Fan que llegó a la ciudad en 1949 desde su Shanghai natal.

MUSICA: LCC HOTH

HOFAN2

Las      calles llenas de vendedores, peones y conductores de rickshaw, fascinaron a Ho.ados Ho. Toma de fotografías en un estudio era la norma a finales de los años 40,  pero el Ho estaba más interesado en disparos al azar, sinceros, sobre aquellos extraños , sus objetivo que se trasduce en una gran fotografía de la calle; un vistazo a la vida cotidiana de Hong Kong en ese momento.

MUSICA: LOTIC HETEROCETERA

HOFAN3

Calificado como uno de los más influyentes fotógrafos asitáticos, Fan Ho, ha recibido multiples premios y reconocimientos internacionales, y su obra forma parte de un gran número de museos e instituciones, además de haber recibido en 2014, el premio a toda una vida de fotografía Internacional .

MUSICA:  BALAM ACAB

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Fan Ho vive actualmente en California. En sus años más productivos fotografiaba tarde, y realizaba el proceso de impresión o revelado de su película por la noche, asi consiguió dar sentido a las historias que contó a través de su cámara.

 

https://en.wikipedia.org/wiki/Ho_Fan

MUSICA LAPALUX. 1004

LOGO LANEOMUDEJAR  LANEOMUDEJAR1

 

El lenguaje de los huesos en la Nueva Tenochtitlan

Los Ingrávidos – México

LENGUAJEHUESOS

El lenguaje irradia en la materia un estado de excepción no declarado, es en los huesos y en la carne cinemática donde también es posible rastrear la historia de una auténtica política de exterminio. Tenochtitlan, fundada en 1325 y arrasada desde 1521, deja en sus huesos la penúltima evidencia de una guerra colonial de aniquilación que instaló la criminalidad en el corazón de los nacientes sistemas políticos y económicos de América que apuntalarían una continua e intermitente guerra civil molecular de todos contra todos. Las conquistas española, portuguesa e inglesa, así como el colonialismo, nunca se erradicaron, mutaron en el teatro de la crueldad que no está más en manos de los Virreyes, ominosas figuras de la soberanía continental, sino en un poder más difuso y oscuro que no termina de consolidar el terror, la desconfianza y la crueldad como gubernamentalidad de control biopolítico en la Nueva Tenochtitlan, paraíso distópico de su majestad el Capital. No podemos hablar ya sino a través de los restos, del detritus lumínico que destella y atraviesa las pantallas de la crueldad, penúltimo lenguaje válido en tiempos de guerra. 

El colectivo mexicano LOS INGRÁVIDOS surge de la necesidad de desarticular la gramática audiovisual que el corporativismo estético-televisivo-cinematográfico ha utilizado y utiliza para garantizar de manera eficaz la difusión de una ideología audiovisual por medio de la cual se mantenga un continuo control social y perceptivo sobre la mayoría de la población.

 

EXPOSICIÓN PESADILLAS ICÓNICAS @ FILMADRID @ LA NEOMUDÉJAR

En su segunda edición FILMADRID expande su mirada hacia el mundo del arte con la exposición Pesadillas icónicas. La exposición reúne obras audiovisuales de cinco artistas cuyo nexo común es el rastro dejado por figuras españolas que ostentaron el poder en España o en los territorios colonizados por los españoles.

Monarcas, gobernantes, invasores… Todos ellos generaron e impulsaron un imaginario de fuerte carga personalista, a menudo de tintes autoritarios, que pervive todavía en nuestros días. La historia del arte, los archivos fotográficos y televisivos, pero también los propios espacios públicos y aspectos culturales más profundos, conservan la imagen y el carácter de esas figuras. De Perú y México a Filipinas, pasando obviamente por España, el objetivo de la exposición es ofrecer un recorrido personal por esos vestigios iconográficos, marcado por las inquietudes artísticas de cada uno de los creadores invitados.

Todas las obras son inéditas y la mayoría han sido creadas expresamente para esta exposición. Los artistas invitados son: Lyric De La Cruz (Filipinas), Robinson Díaz (Perú), Luis E. Parés (España), Los Ingrávidos (México) y Pablo Useros (España).

 

Musica: Vessel. Red Sex

 

MUSICA :  BACHAR MAR KHALIFÉ . WOLF PACK.

ENTREVISTA: Germán González Pintos, DIRECTOR ARTÍSTICO DE MAMBO GALLERY

ABRE UNA NUEVA GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

 

 

PRESENTACIÓN

 

El día 17 de junio tendrá lugar la primera presentación pública de Mambo Gallery en Vigo, ciudad desde la que se dirigirá esta iniciativa. Mambo Gallery es un proyecto ambicioso que adopta un nuevo modelo de galería online, permitiendo el acceso directo a las obras de los artistas por medio de una web dinámica, sencilla y eficaz.

Mambo Gallery ofrece a los aficionados al arte la posibilidad de conocer las creaciones de algunos de los artistas más interesantes de la escena gallega. A través de la visualización de los contenidos, mediante fotografías o vídeos, nuestros visitantes podrán seguir sus trayectorias y actividad reciente, así como adquirir de forma muy sencilla las obras disponibles en la plataforma.

Mambo Gallery quiere fomentar el auge de un coleccionismo de arte alejado del concepto elitista al que normalmente se asocia, acercándose de una manera asequible a nuevos compradores potenciales. La web ofrecerá obra original y dispondrá también de ediciones seriadas de grabado, serigrafía o cerámica, a precios muy razonables.

Te invitamos a descubrir un nuevo concepto de galería, visítanos en

mambogallery.com

 

MUSICA: PYE CORNER AUDIO. THE SIMPLEST EQUATION.

 

MUSICA: VESSELS. GLASS LAKE

ENTREVISTA:  VANESSA GALLARDO.  ZINK ESPACIO EMERGENTE. SALAMANCA.

LOGOZNK

Zink Espacio Emergente, hemos escuchado que necesitabais contactar con nosotros, éste es nuestro correo, y éste mi teléfono: 654 562 452, soy Vanessa Gallardo, artista y gestora cultural de Zink Espacio Emergente. Quedo a vuestra disposición para lo que necesitéis. 

ZINK es una asociación juvenil y cultural que nace en el año 2013. Sus socios fundadores Antonio Diu, Raquel Lara, Hui-Yen Chang y Vanessa Gallardo forman un equipo creativo de trabajo e investigación en torno a las propuestas que demanda el panorama artístico contemporáneo más próximo, lanzando así propuestas visuales y plásticas desde el entorno local a internacional.

ESPACIO ZNK

Su reciente implicación como jóvenes creadores y gestores se centra actualmente en reactivar el movimiento de intercambio cultural que demanda la ciudad de Salamanca.

Zink Espacio Emergente. 

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ZINK [ Espacio Emergente ]
espacioznk@gmail.com
http://espacioznk.wix.com/emergente
https://www.facebook.com/zink.espacioemergente

MUSICA: THE VANDERER 03 AXT_2

INDICATIVO

MUSICA : YANN PECHIN. SEVA MY HEART FROM THE WORLD.

Entrevista:  Tony Vacas 

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Las Xornadas Galegas de Fotografía – IMAXE 1.62 surgen de la iniciativa de Arte_k3 movimiento de arte fotográfico (Asociación sin ánimo de lucro) como consecuencia de las jornadas que cada año viene realizando desde el 2006. Arte_k3, desde sus inicios, ha creado un espacio de investigación, experimentación, reflexión y aprendizaje para difundir, sensibilizar y promover la fotografía fundamentalmente en su carácter comunicativo, artístico y social. Las Xornadas Galegas de Fotografía – IMAXE 1.62 tienen como objetivo vincular los aspectos formativos y reflexivos sobre la fotografía en todos sus ámbitos, creando así un espacio común donde puedan tener participación desde aquellos que se están iniciando en la fotografía hasta los que vienen trabajando en ella desde hace muchos años. Asimismo, con este evento se pretende que a partir de la participación y colaboración de todos los que amamos la fotografía se pueda alcanzar un nuevo nivel de experiencia y conocimiento del que puedan surgir nuevos vínculos y proyectos que nos permitan crecer como fotógrafos pero también como personas.

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Las Xornadas Galegas de Fotografía – IMAXE 1.62 pretenden fortalecer y dar continuidad a esta línea de acción y pensamiento convocando a artistas, aprendices, colectivos, aficionados, profesionales, docentes y “amateurs” de la fotografía en un espacio común y singular como lo es la Isla de San Simón (Ría de Vigo) y así poder, entre todos, posicionar y dar visibilidad tanto a la fotografía gallega como a sus fotógrafas y fotógrafos. Este evento, como mencionamos, es una iniciativa de arte_k3, pero creemos que la importancia está en las consecuencias que el mismo genere y ello solo se logrará con la participación e implicación de todos aquellos que sentimos que la fotografía es una forma de vida.

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MUSICA:  SOLYST. STEAMFIELD.

CONTRAPORTADA:  CARO C. A PLENITUDE OF GRATITUDE . DEL ALBUM EVERYTHING GIVES TO SOMETHING ELSE.

Rosa Pérez   17.jun.2016 10:04    

CREADORES LA TÉRMICA 2016

    viernes 10.jun.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 13.06.16

 

 

LOGO LATERMICA

Jornada de la creación

10 de junio de 2016, entrada libre hasta completar aforo

18.00 – 20.00 horas -  Grabación en directo del programa ‘Fluido Rosa’ de Radio 3, con Rosa Pérez en directo. Entrevistas a los artistas y actuaciones de Gu!atari y Carlos Suero

19.00 horas – Conferencia: resultados del experimento de arte y neurociencia, ‘El observador’. Con laconjuncióny, Arianna Trettel (Brain Signs) y Alexia de la Morena

19.30 horas – Mesa redonda ‘Encuentros con galeristas’. Presentada por Francisco Ramallo (Doctor en Historia del Arte y comisario independiente), Ismael Chappaz y Juan Manuel Menero (Galería Espai Tactel, Valencia) y Paloma González (Galería F2, Madrid)

20.30 horas – Inauguración de la exposición colectiva final, resultado de las residencias, y de las intervenciones de los artistas en las instalaciones de La Térmica.

21.00 horas – Tactel Graphics Dj
22.30 horas – Arakis Dj

LA TÉRMICA CREADORES 2016-06-07

Los artistas y sus proyectos

Ana Barriga con el proyecto ‘Viva el vino’

ANABARRIGA

Ana Barriga nació en Jerez de la Frontera (Cádiz) en 1984. Aunque sus motivaciones iniciales están relacionadas con la escultura y cuestiones tridimensionales vinculadas al espacio, poco a poco ha ido creciendo su inclinación por la pintura, una disciplina que sigue explorando e investigando sin abandonar los aspectos que conciernen a la superación de los límites del cuadro y su expansión en el entorno.

Con ‘Viva el vino’ Barriga utilizará el bodegón de manera metafórica para hablar de la lucha contra el paso del tiempo, ofreciendo una nueva reflexión sobre el propio ser humano a través de una iconografía clásica.
La artista vive en Sevilla, donde cursó la Licenciatura de Bellas Artes en la especialidad de pintura. En la actualidad acaba de terminar el Máster de Arte, Idea y Producción.


Efrén Calderón Izquierdo con el proyecto ‘Sin título’

EFRENCALDERON

Efrén nació en Melilla en 1991.  El artista parte desde la práctica del graffiti, en la que a través de la pintura se apropia del entorno urbano donde trabaja, a menudo abandonados, surgiendo así una grata relación con ellos. El artista plantea, mediante la intervención, una recuperación del espacio a través de la pintura, así como de los residuos que genere en ese plazo.

Ha participado en varias exposiciones y ha ganado algunas muestras relacionadas con el grafiti. Seleccionado en la última edición del Málaga Crea 2015, cuya exposición tuvo lugar en el CAC Málaga. Disfrutando este último año de la I Beca de Producción de Cienfuegos por INJUVE y seleccionada para el Programa INICIARTE 2016.

Jean Philippe Illanes, con el proyecto ‘Vestigios contemporáneos’

JEANPHILIPPE

Jean-Philippe Illanes nació en 1978 en Paris. Su trabajo se inspira en el urbanismo y la arquitectura que le rodea. Sus obras reflejan vestigios contemporáneos con la finalidad de valorar el patrimonio de hormigón de postguerra (‘architecture concrete’).

Según el artista, esta arqueología contemporánea territorial puede también basarse en la observación de nuestros envases de plásticos, neumáticos, latas, elementos presentes en los solares de la ciudad.

 

 

Gala Knörr con el proyecto ‘Crowd-source malagueño’

GALAKNORR

Gala Knörr nació 1984, Vitoria-Gasteiz, aunque esta afincada en Londres. Recientemente completó una residencia en la Cité Internationale des Arts en Paris durante su 50º aniversario. Su obra se centra en el deseo de pertenecer y ser aceptado, y la interconectividad dentro de la subcultura moderna, explorando la juventud ‘underground’ y las diferentes maneras en las que nos comunicamos buscando ser aceptados dentro de la sociedad de hoy día.

Siempre ha estado interesada por el concepto de Sociología Visual. Su obra siempre ha estado relacionada a la cultura ‘underground’, la creación de la identidad propia y las diferentes maneras en las que nos relacionamos.

Mamen Morillas Díaz con el proyecto ‘Ictus’

MAMENMORILLAS

Mamen Morillas nació en Málaga en 1978. Estudió ilustración en la Escola Massana de Barcelona  tras estudiar diseño gráfico. Su particular estilo la ha posicionado como uno de los referentes de la ilustración española, desenvolviéndose sin problema en ámbitos tan dispares como la moda, el humor gráfico y la prensa. Como artista trabaja el dibujo, la pintura y la escultura fundamentalmente.

Lleva exponiendo su trabajo desde 2005 y actualmente la representa la galería Pepita Lumier de Valencia. Entre su clientes se encuentran: Amnistía Internacional, Primavera Sound, Advance Music, Sónar Kids, Converse, Ajuntament de Barcelona, Apolo Club, Pepa Karnero… Forma parte del profesorado de BAU. Tras dos años en París, actualmente vive y trabaja en Londres.

Con ‘Ictus’, Morillas trabajará la escultura de cerámica y la pintura de gran formato para retratar a su familia. Asimismo, recreará momentos basados fundamentalmente en la dolencia y en los sentimientos familiares a través del bordado de una sábana de varios metros cuadrados..

laconjuciónY con el proyecto ‘El observador’

LACONJUNCIONY

LaconjunciónY son Candela Olarte (Marbella, 1983) y Deborah Elías (Puerto Rico, 1980).

‘El observador’ es una pieza que pretende unificar la experimentación artística y neurocientífica. A través de videocreación, se narrará la historia de la belleza, y mediante diversas herramientas se podrán medir las emociones básicas del público.

LaconjunciónY es un laboratorio para la investigación de la imaginación que experimenta sobre tres pilares fundamentales: Arte, Neurociencia y Consciencia Eco-Lógica. C de colaboración, Y de vínculos y enlaces hacia todo e incluso lo imposible. Nace de la metáfora del rizoma, esa raicilla aérea que no crea profundidad de tierra, sino que se ramifica de manera horizontal. En esa horizontalidad cada raíz, frágil en sí misma, se conecta una con otra creando un entramado poderoso.

 

http://www.latermicamalaga.com

Contamos además con los directos de e Gu!atari y Carlos Suero http://carlossuerogodafoss.weebly.com/

 

 

 

Rosa Pérez   10.jun.2016 11:59    

Llega el verano !!

    jueves 2.jun.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

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Programa 06.06.16

 

Presentamos a Louis Dahl-Wolfe, La Mostra de Arte Sonoro y Visual de Barcelona, Arte y Educación con Bitartean, Capital Animal, La nueva imagen del Museo de Arte Abstracto de Cuenca. 

 

 

PORTADA: PYE CORNER AUDIO. STREAM FOUR. RUN FOR THE SHADOWS EP

PYE CORNER AUDIO

Run for the Shadows", el nuevo EP de Pye Corner Audio y Dalhous en Lapsus Records, 

Pye Corner Audio y Dalhous, tras su celebrada participación en Lapsus Festival, ambos artistas accedieron a hacer un disco a medias y el resultado es "Run for the Shadows", un EP compuesto de cuatro maravillosas canciones que cabe incluir, desde ya, entre lo más destacado de sus respectivas discografías.

Las cinemáticas y burbujeantes frecuencias sónicas de "Stream Four", y el techno emotivo de pulso bajo de "The Simplest Equation" harán las delicias de los fans de Sr. Martin Jenkins aka Pye Corner Audio aka "el artista favorito de tu artista favorito". Dos extraordinarias piezas de electrónica analógica cuyo desarrollo pausado y carácter progresivo remite a sus, ya míticas, Black Mill Tapes.

Por su parte, Dalhous firma dos de sus mejores canciones hasta la fecha. Sobre las preciosas y súper melancólicas melodías desafinadas de "The Essential Wander" se articula una potente base rítmica quebrada repleta de sorprendentes giros de producción. Tras ella, la breve pero intensísima "Another Witnessed by Resolution", dolorosa de tan bella, cierra uno de los mejores capítulos de la historia de este productor escocés, que prosigue en su particular camino sonoro, cada vez más personal y alejado de las modas/tendencias.

 

 

CAFÉ VIRTUAL:  https://www.icp.org/browse/archive/constituents/louise-dahl-wolfe?all/all/all/all/0

MUSICA:  ANNA VON HAUSWOLF. FUNERAL FOR MY

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Hoy    traemos a este espacio de FR, a  Louise Dahl-Wolfe. Nacida en San Francisco, pero de padres noruegos, en 1895, fue conocida fundamentalmente por su trabajo para la revista Harper’s Bazaar, publicación donde trabajaron grandes como Man Ray  o Irving Penn y es a este último al que en la forma de capturar las imágenes a quien nos recuerda la obre de   Louise Dahl-Wolfe, donde sin duda la elegancia se respira en cada centímetro de papel fotográfico.

MUSICA: CUBENX.  BLAZING

Louisdahl2

La   obra de Louise Dhal-Wolfe su plasmar  la elegancia y sofisticación de los años 20 hasta los 50, especialmente .Todo ello, junto con un dominio de la luz espectacular e impecable. Louise Dahl-Wolfe fue  la artistas  que comenzó con la llamada fotografía de moda medioambiental, es decir, que situaba a sus modelos en lugares abiertos. Sus sesiones más conocidas fueron hechas en América del Sur y África, trabajando con luz ambiente.

MUSICA: JAY JAY JOHANSON. FORGET YOU NOT

Louisdahl3

Considerada una de las grandes fotógrafas estadounidenses. Louise Dahl-Wolfe, modernizó la fotografía de moda de su tiempo y el retrato hollywoodiense, y su obra tuvo un gran impacto en la cultura visual americana. Sus imágenes compitieron con las de prestigiosos fotógrafos de la época, como Edward Steichen, e influyeron en otros como Richard Avedon.

MUSICA:   Elliott Moss. Plastic II

Louisdahl4

Pues hasta qui la sesión sobre la obra de Louise Dahl- Wolfe. El grueso de su carrera lo desarrolló en la revista Harper’s Bazaar entre 1936 y 1958, años en los que trabajó junto a un equipo excepcional que supo dejar libertad y estimular a la artista, y que colocó a la revista en un lugar central entre las publicadas en esa época.

Photoespaña en el Círuclo de Bellas artes nos invita a una exposición —la primera muestra individual organizada a la artista fuera de Estados Unidos— que cubre todas las etapas de su producción fotográfica: retrato, desnudo y fotografía de moda en blanco y negro. Entre su nómina de retratados figuran personalidades de la época como Vivien Leigh, Marlene Dietrich, Orson Welles o André Malraux, entre otros muchos. Se podrá ver Hasta el 28 .08.16

MUSICAS: STA. GOMA

SILVIA  BARTOLOME, RESPONSABLE DE PROGRAMACIÓN . 

Logo mostra

X Mostra Sonora i Visual. Convent de Sant Agustí. Del 7 al 11 de Junio. Barcelona 


 

 

 

Art Sonoro, Visuales, Directos, Experimentación, Electrònica, Instalaciones interactivas:


En la línea del trabajo que hacemos en el
Convent, la Mostra consigue un equilibrio de contenidos que combina artistas con sólida trayectoria, que presentan nuevos trabajos, así como otros que están empezando a transitar su camino profesional; siempre con el hilo conductor de la experimentación y el uso de la tecnología. A lo largo de este tiempo, hemos tenido la suerte de estar presente en el recorrido de proyectos muy significativos de la escena local e internacional.

La Mostra Sonora i Visual es abierta y gratuita,  disfrutaremos de una quincena de directos como: Xavi Lloses con Pianodiabólic, STA presentando Goma, Sebastian Seifert y su live Microfeel, Luís Tabuenca con su set de experimentación acústica, entre otros, Las Capelles del Convent acogerán 7 instalaciones interactivas que experimentan con realidad aumentada, cine expandido y mucho más. Dando continuidad al trabajo que hacemos con los más pequeños, una parte de la Mostra estará dedicada a la experimentación sonora y visual con niños y familias, con artistas como Eli Gras, Koulomek o Mónica Rikic.

MUSICA:  FUEGO KIU. RITMO 9

 

MUSICA :  LET´S EAT GRANDMA. DEEP SIX TEXBOOK

Bitartean

La asociación Bitartean, arte y educación presenta la herramienta didáctica “Cada cual” “Norbera” que se estrena hoy con la exposición de Javier Muro “Doméstico” y continuará con otras tres exposiciones programadas para este año en la Ciudadela. Es un proyecto que se desarrolla en colaboración con el Área de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona-Iruña y con la colaboración de Fundación CAN.

El arte es una herramienta idónea para la educación del individuo. Desarrollar la sensibilidad estética y creadora de las personas enriquece, necesariamente, sus posibilidades de comprensión y favorece la creación de estrategias para aprehender la realidad de forma autónoma y crítica.

La Ciudadela de Pamplona acoge cada año exposiciones de arte contemporáneo variado y rico con un gran potencial educativo. Sin embargo, más allá de recursos o iniciativas puntuales, no dispone de un programa de mediación que fomente el acercamiento de su público a las exposiciones. Desde Bitartean creemos que este potencial puede y debe ser experimentado y que un soporte con estrategias de acercamiento a las obras de arte puede facilitar esa experimentación desde la pregunta, el juego, el cuerpo o la mirada.

El material que proponemos ofrece, de manera abierta, recursos a la población para acercarse al arte desde una postura crítica y proactiva, proponiendo la creación de nuevas narrativas y discursos salidos de la experiencia en las propias salas de exposiciones de la Ciudadela.

Es importante señalar que esta propuesta propuesta contempla un material abierto a diferentes públicos, edades y necesidades, de manera que pueda ser utilizado de modo autónomo tanto por un docente como por una familia o un grupo de adultos. Pretende ser una herramienta que posibilite pensar, sentir y mirar la obra más allá de la mirada del artista, pasando por ella, para dar a las exposiciones una nueva vida dentro y fuera de la sala.

Los materiales son bilingües, castellano-euskera y están publicados en papel para poder tener acceso a ellos en las propias salas. También se publicarán en la web del ayuntamiento donde cualquier persona interesada podrá descargarlo en formato PDF.

MUSICA : A ´BEAR. HOLDING HANDS WITH YOUR DEMON.

 

 

MUSICA:  METAMORFOSSIS .4

 

Capitalanimal2

ENTREVISTA:  CAPITAL ANIMAL.  RAFAEL DOCTOR.

Capitalanimal1

Exposición “Animalista. Representación, violencias, respuestas”

Del 13 de mayo al 12 de junio de 2016

Salas A, B y C

#Animalista

La Casa Encendida de la Fundación Montemadrid presenta la exposición “Animalista. Representación, violencias, respuestas”, la primera gran muestra en España que vincula el arte y la defensa de los derechos de los animales. Comisariada por Rafael Doctor Roncero, con la colaboración de Enrique Marty, Ruth Toledano y Ruth Montiel Arias, la exposición cuenta con la participación de casi un centenar de artistas españoles y plantea un recorrido en tres fases: la primera es la representación de los animales a través de un gran gabinete; la segunda trata de manera más directa las problemáticas principales que les afectan y, la tercera, plantea posibles soluciones convirtiendo la sala en un espacio multidisciplinar de participación y consulta.

La muestra se enmarca dentro del proyecto “Animalista” de La Casa Encendida, una propuesta multidisciplinar centrada en la concienciación y defensa de los derechos de los animales. Durante un mes, el centro acogerá diferentes actividades relacionadas con los distintos ámbitos en los que la situación de los animales se ve comprometida. Además de la exposición, tendrá lugar el “I Encuentro de Pensamiento y Acción Animalista Capital Animal” cuyo objetivo es poner en común un diagnóstico de la situación de los animales en España desde algunos de los principales ámbitos en los que el debate animalista está vivo (el arte, la filosofía, el derecho, la educación, las políticas y los activismos). También tendrán lugar actividades infantiles, talleres, programación audiovisual y una feria vegana.

http://www.capitalanimal.es/portfolio/animalista/

 

MUSICA: YANN PECHIN. SAVE MY HEART FROM THE WORLD. 

 

MUSICA  : SOLYST. NOSTALGHIA

ENTREVISTA:                 Manuel Fontán , director Museo Arte Abstracto de Cuenca.

 

LA FUNDACIÓN JUAN MARCH HA PRESENTADO, EN CUENCA, LA AMPLIACIÓN Y LA REFORMA Y RACIONALIZACIÓN DE ESPACIOS QUE HA EMPRENDIDO EN EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL, COINCIDIENDO CON SU 50 ANIVERSARIO

  Cuenca1  Cuenca2  Cuenca3


EN UN SEGUNDO ACTO, EL 4 DE NOVIEMBRE, SE PRESENTARÁ LA COLECCIÓN REORDENADA Y SE ABRIRÁN NUEVOS ESPACIOS AL PÚBLICO

 


 

 

UNA VUELTA A LA ESENCIA DE UN MUSEO DE ARTISTAS HECHO POR ARTISTAS

 

El Museo creado por Fernando Zóbel en 1966, con la colaboración de sus amigos y artistas Gustavo Torner y Gerardo Rueda, –un Museo de artistas hecho por artistas– es casi único en su género, de modo que el proyecto en marcha no solo ha querido ser respetuoso con la idea original de su creador, sino que devuelve casi todos los espacios originarios del Museo a los usos que tuvieron durante sus primeros años de funcionamiento.

 

 

La Fundación Juan March, que renueva su compromiso con Cuenca desde que en 1981 aceptara la donación por parte de Zóbel de la Colección y se hiciera cargo del Museo, ha acometido una completa reordenación y modernización de los espacios, servicios y funciones esenciales del Museo.

La ampliación y reordenación de espacios del Museo se ha llevado a cabo en una parte del edificio del Mesón Casas Colgadas, propiedad del Ayuntamiento de Cuenca, que ha cedido su uso, el del antiguo comedor de la última planta del mesón, a la Fundación Juan March. El resto del edificio continuará albergando un espacio de restauración. Todas las mejoras han sido costeadas por la Fundación Juan March.

La percepción exterior de los edificios se mantiene, mientras que la morfología interior y las conexiones existentes entre las distintas plantas y edificios se han modificado sutilmente para mejorar la accesibilidad, los recorridos y la funcionalidad museística. La escala humana y las proporciones de los espacios no han sufrido modificación alguna.

 

 

 

AMPLIACIÓN DEL ESPACIO CON UNA NUEVA SALA

El antiguo comedor del Mesón de las Casas Colgadas se ha convertido en un nuevo espacio para la colección. Al aumentar su espacio expositivo, la Fundación Juan March ha incorporado ahora ya, en junio, a los fondos expuestos en el Museo en esta presentación obra mayor (lienzos) de artistas insertos en la tradición abstracta española, cuyo espíritu da identidad al Museo de Arte Abstracto Español. Entre ellos, cabe señalar pinturas y esculturas de artistas como Elena Asins, Eduardo Chillida, José Guerrero, Josep Guinovart, José María de Labra, Jorge Oteiza, Gerardo Rueda, Susana Solano, Soledad Sevilla, Gustavo Torner y Fernando Zóbel.

REORDENACIÓN INTELIGENTE Y MODERNIZACIÓN DE LOS ESPACIOS QUE YA ESTABAN ABIERTOS AL PÚBLICO

 El espacio dedicado hasta ahora a exposiciones temporales se ha reconvertido –una vez recuperados todos sus vanos a la luz natural de la hoz del Huécar– en un espacio multiusos, un pequeño auditorio donde podrán celebrarse actos y presentaciones públicas (conciertos, cursos, conferencias) y en el que se instalará la Biblioteca y el archivo y centro de documentación del Museo. Junto a él se encuentra el nuevo taller del programa educativo (por el que pasan más de seis mil escolares al año), con nuevas y amplias instalaciones.

El último de los espacios del recorrido del Museo lo ocupa ahora un nuevo espacio ampliado y técnicamente acondicionado en cuanto a iluminación, humedad relativa y temperatura, destinado a exposiciones temporales.

El Museo cuenta a partir de ahora con una nueva entrada principal y con otra con acceso directo a la Sala Multiusos y al taller del programa educativo, además de con una librería-tienda mejorada y con aseos modernizados.

 

2ª Y ÚLTIMA PRESENTACIÓN, EN NOVIEMBRE

Los resultados de la intervención en los espacios del Museo destinados hasta ahora a servicios y que se dedican de nuevo a uso museográfico podrán verse en noviembre, una vez clausurada la exposición “Arte sonoro en España, 1961-2016” que, entre el próximo 16 de junio y el mes de septiembre, ocupará el Museo en su totalidad.

El 4 de noviembre el Museo presentará reordenada y ampliada su colección en todos los nuevos espacios, antes de uso privado y administrativo; además de la nueva sala con vistas a la hoz del Huécar –habilitada a partir de un antiguo almacén y que muestra parte de la viguería sustentante de las casas colgadas– que acogerá muestras de gabinete, los espacios con restos históricos, antes “escondidos” al visitante (artesonado, “cueva”) –remodelados y abiertos de nuevo al público–, acogerán las más de 2000 obras de la biblioteca donada por Zóbel a la Fundación Juan March (restauradas y catalogadas) y serán destinados a la exhibición de obra gráfica y de pequeños formatos de artistas de la colección, integradas en el recorrido de la colección permanente; también acogerán obras de diferente formato que completarán exposiciones temporales; y servirán para informar sobre la historia del Museo.

Las más de 600 piezas de la colección de dibujo, obra gráfica y libros de artista del Museo –que por la falta de espacio y condiciones han sido custodiadas desde hace años en la sede de la Fundación en Madrid– volverán al Museo, en cuyo seno, ya en los años 60 y con el impulso de Zóbel, tuvo lugar una intensa actividad, verdaderamente pionera, en campo del grabado y la estampación.

En noviembre se presentará también el portal “Zóbel/50 años del Museo de Arte Abstracto Español” (www.march.es), un portal de conocimiento en construcción, alojado en la web de la Fundación, que recogerá la digitalización del fondo bibliográfico especial Zóbel, los diarios y las más de 18.000 páginas de los cuadernos de dibujo de Fernando Zóbel (1948-1984), el archivo histórico del Museo, su fondo fotográfico, una completa cronología documentada del Museo desde sus orígenes hasta hoy, el archivo de prensa, el archivo de artistas abstractos españoles, los libros de firmas del Museo desde 1966 y toda la documentación de apoyo a la investigación sobre el Museo, su historia y la del arte abstracto español.

 

LA FUNDACIÓN JUAN MARCH, COMPROMETIDA CON CUENCA

Actividades durante el Cincuentenario

 

Durante el cincuentenario de la fundación del Museo de Arte Abstracto Español, la Fundación Juan March está teniendo –además de la inversión en la mejora integral del Museo y de las actividades aludidas– una especial presencia en la ciudad: el pasado marzo, Javier Gomá, director de la Fundación, impartió una conferencia sobre Cervantes en el marco de la 55 Semana de Música Religiosa; Manuel Fontán del Junco, director de Exposiciones de la Fundación Juan March y del Museo de Arte Abstracto Español, participó con una ponencia en las Jornadas sobre las CAAC (Colecciones de Arte Contemporáneo de Castilla La Mancha) celebradas en la Facultad de Bellas Artes durante el pasado mes de abril en Cuenca. Sin olvidar que la entrada al Museo es libre y gratuita desde el pasado mes de enero.

El 16 de junio se inaugurará la exposición “Arte sonoro en España, 1960-2016”, tras su paso por el Museu Fundación Juan March de Palma. En octubre, la exposición, ampliada, abrirá la programación de la temporada 2016/2017 en los espacios de la Fundación en Madrid.

MUSICA : BROKEN FABIOLA. SILVER BLIND

CONTRAPORTADA  PY CORNER AUDIO.  ESSENTIAL WANDER . RUN FOR THE SHADOWS EP.

Rosa Pérez    2.jun.2016 18:21    

Bienal Arquitectura Venecia

    viernes 27.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 30.05.16

 

 

 

TITULARES:  Bruce Davidson,  la Bienal de Arquitectura de Venecia, Proyecto  ¨Convención sobre el Uso del Espacio¨ Festival Loop  y  CasaDecor. Escuchamos a  Vessels.

PORTADA:  VESSELS. GLASS LAKE. DEL ALBUM DILATE

VESSELS

No es nuevo que el quinteto de Leeds Vessels se les considere experimentadores. En su tercer álbum añadieron un pulso electrónico y  propusieron realizar un video por cada pista del disco.

Dilate no es sólo un tratamiento de audio, se utilizó material de archivo sacada de una antigua consolo de juegos para utilizarlo como base una vez introducido en su propio sonido.

Ahora lanzan una edición especial  y culmina su transición hacia la electrónica. El disco incluye nuevo material, el tema A4 AM y una remezcla del miso realizada por Faltydl.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL53ZTH6

MUSICA: LET´S EAT GRANDMA. DEEP SIX TEXTBOOK

BRUCEDAVIDSON1

EL CAFÉ VIRTUAL DE FLUIDO ROSA NOS LLEVA HASTA LA AGENCIA MAGNUN DONDE ENCONTRAMOS EL PORTFOLIO DE BRUCE DAVIDSON, el fotógrafo norteamericano, y uno de los más destacados de la fotografía humanista , además de miembro de la citada agencia.

Bruce Davidson comenzó a tomar fotografías a la edad de diez en Oak Park, Illinois. Mientras que asistía al  Rochester Institute of Technology y después a la Universidad de Yale, en la que continuó fomentando su conocimiento y pasión por el medio fotográfico.

MUSICA: SAMARIS. KAELAN MIKLA

BRUCEDAVIDSON2

 Alistado   en el ejerció viajó a Paris, donde conoció a Henri Cartier-Bresson, uno de los fundadores de la conocida agencia de fotografía  Magnum Photos.

A finales de los años 50, Davidson trabajó como fotógrafo independiente para la revista LIFE y en 1958 se convirtió en un miembro pleno de Magnum.Después llegaría series conocidas como  "El Enano", Brooklyn Gang, "y" paseos de la libertad.  Trabajos que avalaron la beca Guggenheim en 1962 , con la que creó una profunda documentación del movimiento de derechos civiles en Estados Unidos. En 1963, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó sus primeros trabajos en una exposición individual.

MUSICA: LIDWINE. PATTERN ON THE PANES

BRUCEDAVIDSON3

El trabajo de Davidson lo describió el mismo como que siempre que busca una historia, el resultado forma parte de la relación que establece con el personaje. Ha retratado las condiciones extremas de barrios como Harlem, los bajos fondos de N. York y las capas de vida que hay en Central Park. Maestro entre maestros de la street photography más genuina, un repaso a sus experiencias fotográficas nos ofrece una mirada  bien alejada  de la estereotipada sociedad americana.

MUSICA: SEELAND. CALL THE INCREDIBLE.

  BRUCEDAVIDSON4

Fundación MAPFRE presenta la primera retrospectiva en España  de Bruce Davidson, este fotógrafo norteamericano que no capturaba historias sino estados de animo. 

La exposición hace un recorrido a lo largo de toda su carrera, más de cincuenta años de trabajo continuado, y presenta algunas de sus más celebres series, como Brooklyn Gang, East 100th Street y Time of Change: Civil Rights Movement. Además, en la selección se han incluido también sus últimos trabajos Nature of Paris y Nature of Los Angeles, por lo que esta muestra supone una oportunidad para conocerlos.

Se puede ver h asta el 28  de agosto 

 

 

La-Biennale-peque  TituloVenecia

 

Reporting from the Front

Entre el 28 de mayo y el 27 de noviembre de 2016 tendrá lugar la celebración de la decimoquinta edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia, que en esta ocasión tiene como tema "Reporting from the Front", bajo la dirección del arquitecto chileno Alejandro Aravena, Premio Pritzker 2016.

Los Comisarios del Pabellón de España, Iñaqui Carnicero y Carlos Quintáns, en la exposición "Unfinished" plantearán una reflexión acerca de las arquitecturas inacabadas con el fin de descubrir virtudes que puedan convertirse en estrategias de diseño. "Unfinished"  pretende recoger el mayor número de ejemplos de arquitecturas que respondan a esta temática.

 

MUSICA: LET´S EAT GRAND MA. DEEP SIX TEXBOOK.(EXTENDED)

 

MUSICA:  THE VANDERER. AXT 3

ENTREVISTA: Alba Folgado 

Convenion01

Dossier:

¨Convención sobre el Uso del Espacio¨. Proyecto iniciado por la artista: Adelita Husni-Bey

Coordinan y acogen: El Cuarto de Invitados / Alba Folgado

Abril-Mayo 2016

Convención sobre el Uso del Espacio

Proyecto iniciado por la artista Adelita Husni-Bey

La “Convención sobre el Uso del Espacio” es un instrumento legal que se redactó entre Marzo y Mayo de 2015 en los Países Bajos como respuesta a la crisis de la vivienda: la falta de casas asequibles, falta de recursos para aquellos sin derecho legal a residir, aumento de las rentas, y la criminalización de la okupación. La convención considera el espacio como un “bien” que no debe de privatizarse para lucrarse. La convención defiende que ciertos usos del espacio crean valores que no pueden ser cuantificados por el mercado, y que los espacios “vacíos” (abandonados o usados para especulación), deben de ser ocupados para producir usos no relacionados con el mercado.

Estos usos cubren un amplio rango de actividades: vivir, compartir conocimientos y habilidades,ocupar el espacio durante protestas, desarrollar sistemas cooperativos en los que se distribuya la riqueza y el trabajo, proporcionar apoyo físico y mental, o tomar el espacio para protegerlo de la destrucción ambiental.

Entre Abril y Mayo de 2016 una serie de encuentros están teniendo lugar en El Cuarto de Invitados para trabajar en torno a la Convención y a su traducción al castellano. En estos encuentros, que contarán con un pequeño grupo de participantes, se investigará sobre las formas en que la convención se expresa, las derivas de su lenguaje y las problemáticas que ésta presenta a la hora de ser traducida. Además, partiendo del material recopilado durante cada sesión, se reflexionará en común, sobre los distintos temas que el documento en cuestión plantea.

* * *

Los encuentros sobre la Convención tienen lugar el ¨El Cuarto de Invitados¨ (Calle Mesón de Paredes 42, 2ºA, Madrid) los días 23 de abril, 14 y 28 de mayo de 11:00 a 14:00 y de 16:00 a 18:00.

En estos encuentros además de realizar una traducción colectiva del documento, se llevan a cabo una serie de debates y toma de notas en los que temas como los comunes urbanos, el activismo o la okupación toman un gran protagonismo planteando cómo la Convención ha de ser insertada en este nuevo contexto y a la vez seguir manteniendo su carácter inclusivo y reivindicativo

* * *

La Convención fue iniciada a través de una colaboración entre Adelita Husni-Bey y Casco-Office for Art, Design and Theory.

En junio y septiembre de 2016 Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) organizará una serie de encuentros públicos entre Móstoles y Madrid para presentar el “capítulo español” de la Convención.

* * *

Acogen estos encuentros:

El Cuarto de Invitados es una iniciativa que se enmarca en el espacio de un piso del céntrico barrio de Lavapiés, en él se desarrollan encuentros entre diferentes agentes del arte contemporáneo y el público general.

El Cuarto de Invitados es una iniciativa que pretende enriquecer el contexto artístico local a la vez que formula alternativas a las lógicas del mercado artístico y de la gestión cultural. Trabajando desde un posicionamiento microsocial y micropolítico, el espacio apuesta por construir colectivamente nuevas formas de entender el arte contemporáneo.

Alba Folgado, formada en Bellas Artes y gestión cultural, trabaja como comisaria independiente. Le interesan los modos en que los artistas y colectivos conectan con temas de actualidad social en su entorno inmediato. Sus áreas de investigación son, entre otras, la cultura crítica, el tratamiento de los comunes desde el arte, y la integración de modelos pedagógicos alternativos en los discursos artísticos contemporáneos.

 

MUSICA : INSIDEOUT. WATERMARK. MEETING BY CHANCE

 

MUSICA : SOLYST. ATOMIUM

Loop

Faraway, So Close. La nueva edición del festival de referencia de la imagen en movimiento LOOP reúne el cine y videoarte más actual y amplía sus fechas.

[video] art & cinema en la XIV edición de LOOP

  • La participación de los artistas británicos Malcolm Le Grice (1940) y Anthony McCall (1946), figuras históricas de la experimentación y la performance, además de la retrospectiva que la Fundació Antoni Tàpies dedica a Harun Farocki (1944–2014), destacan en un programa con más de 400 vídeos, 58 exposiciones y 28 actividades en un centenar de espacios de la ciudad.
  • LOOP Barcelona 2016 incluye LOOP Festival (del 26 de mayo al 10 de junio),

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LOOP Fair (del 2 al 4 de junio) y LOOP Studies (del 1 al 4 de junio).

  • LOOP Fair mostrará medio centenar de vídeos de artistas de los cinco continentes con numerosos estrenos de obras inéditas. • LOOP Studies ofrece un espacio de conocimiento y relación que se materializará en una serie de conferencias, mesas redondas y talleres.

Barcelona, 23 de mayo de 2016–La decimocuarta edición de LOOP Barcelona amplía su número de jornadas, 16 en total (del 26 de mayo al 10 de junio) y crece en número de

propuestas. En tanto que plataforma que aborda los debates más relevantes en el sector,LOOP Festival se interesará por las conexiones entre los campos del cine y la imagen en

movimiento en el arte. El título Faraway, So Close (¡Tan Lejos, tan cerca!), remite a la película de 1993 del director alemán Wim Wenders que resume claramente el objetivo de

la XIV edición de LOOP: explorar las relaciones entre los vídeos y films de artista y el cine.

El público de la ciudad podrá disfrutar de lo mejor del panorama creativo artístico con más de 400 vídeos y 58 exposiciones, un programa de cine que incluye algunos de

los autores más relevantes de la escena actual, y una selección especial de 47 obras en videoarte presentadas por galerías procedentes de 20 países en LOOP Fair. El programa

de exposiciones incluye el estreno en Arts Santa Mònica de la obra Wonders de Carles Congost, ganador del Premio de Videocreación, y la exposición de los 11 vídeos

finalistas del Premio Discovery en la Antiga Fàbrica Estrella Damm. Las actividades, con una treintena de propuestas, cuentan con la participación de dos figuras

internacionales de renombre como Malcolm Le Grice e Hito Steyerl. En respuesta a las necesidades de la comunidad, LOOP Studies propone encuentros profesionales, talleres

centrados en la producción y el comisariado audiovisual, así como el programa LOOP Talks, unas jornadas de debate a cargo de Erika Balsom, Raymond Bellour, Sabine

Breitwieser, Caroline Burgeois, Filipa César, David Claerbout, Jacqui Davies, Antje Ehmann, Gabriela Galcerán, Malcolm Le Grice, Anthony McCall, Ani Molnár, Gloria

Moure, Anthony Reynolds, Stefanie Schulte Strathau y Christine Van Assche.

Hace tiempo que la práctica del videoarte ha dejado de ser periférica. El número de artistas, instituciones, galerías y coleccionistas que trabajan con la imagen en movimiento, unido a la gran aceptación que tiene por parte del público, la convierten en un espacio recurrente de la creatividad contemporánea. El videoarte ha configurado un contexto especializado en el que cada año LOOP contribuye como punto de encuentro profesional de primer orden y foro internacional.

En ese sentido, LOOP crea alianzas estratégicas con diversas entidades locales e internacionales, de las que surgen proyectos comisariados en conjunto. Es el caso de la reciente itinerancia de la exposición This is Not a Love Song, comisariada por Javier Panera en el Pera Museum (Estambul) o la participación de LOOP en ferias alrededor del mundo, como el Festival de documentales CPH: DOX Market (Copenhague). Este año destaca la colaboración en la exposición Harun Farocki. Empatia, comisariada por Antje Ehmann y Carles Guerra en la Fundació Antoni Tàpies, dedicada a un artista que participó en anteriores ediciones de LOOP y cuya praxis supone un claro ejemplo de los debates que ocupan LOOP 2016 entre cine y arte.

LOOP es, asimismo, un laboratorio experimental desde el cual se propone una constante reflexión acerca del estado y la situación del vídeo y el cine de artista hoy, el lugar que ocupan las imágenes en la cultura y sociedad contemporánea, así como la situación actual del arte. A través de sus diferentes secciones (Feria, Festival, Studies), este año LOOP pretende otivar reflexiones en torno a la historia compartida entre videoarte y cine, sus economías, sus instituciones, sus lenguajes y públicos. En última instancia, se aspira a un mestizaje, a una interdisciplinaridad que estimule la aparición de dinámicas positivas que amplíen y enriquezcan ambas prácticas.

 

Conrado Uribe, Director Artístico

 

MUSICA: KSENIA KAMIKAZA. GOING AFTER

 

MUSICA :  PROMISE & THE MONSTER.  FINE HORSEMEN.

Casadecor2

Hablamos con Raquel Simón,  directora de la Escuela Madrileña de Decoración, con Aitor Viteri, uno de los dos diseñadores de Viteri/Lapeña, que tiene un espacio en Casadecor bajo el título El Salón de Música, en el que realizan conciertos todos los fines de semana y Ander Eguía de Nyova nueva mar a de mobiliario basada en el apoyo a nuevos diseñadores.

 

MUSICA : BACHAR MAR KHALIFÉ. BALCOON.

CONTRAPORTADA: VESSELS.  4AM. FATYDL REMIX DEL ALBUM DILATE.

Rosa Pérez   27.may.2016 11:05    

Tratados de Paz

    viernes 20.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

 

Programa 23.05.16

 

 

 

PORTADA: SOLYST. Autumm. Del álbum The Steam Age

Solyst_2013_(credit_Anika_Potzler)

El Nuevo trabajo de Solyst ahonda en las esteticas mecanicas de la música como Como base para el tercer álbum del  batería de Düsseldorf Kreidler, Thomas Klein. En The Steam Age, , un piano abandonado sirvió como fuente de sonido. Al tocar, rayar, raspar, y  trabajar con diferentes elementos  ha construido  un amplio espectro sonoro, que Klein luego transformó  con su sampler. La fusión de todo ello junto a la genialidad de Thomas Klein conforman un disco hipnótico.

 

CAFÉ VIRTUAL: https://www.dma.org/art/exhibitions/irving-penn-beyond-beauty

MUSICA: KSENIA KAMIKAZA. WONDERFUL WORLD.

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bLANco y negro y estudiada teatralidad. Esos son dos de los principales rasgos del trabajo de Irving Penn (1917), el "Everest de la fotografía" según Bruce Weber y uno de esos hombres que con sus instantáneas ha contribuido a construir el imaginario colectivo del siglo XX.

MUSICA:  DUBSPEEKA.

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Licenciado en diseño industrial, pintor de vocación y neoyorquino de adopción, Penn comenzó a trabajar para la revista Vogue USA en los años cuarenta. La cabecera supuso su consagración como fotógrafo y el mejor escaparate desde el que mostrar sus fotografías a las tendencias de la Alta Costura parisina, sus bodegones y sus retratos de algunos de los personajes más célebres de la Historia reciente. Truman Capote, Marlene Dietrich, Marcel Duchamp o Salvador Dalí habitan en nuestras cabezas con la pose y el encuadre con el que Penn los capturó.

MUSICA: POSTMAN. EVIL

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El fotógrafo Iving Penn, nacido en Nueva Jersey es uno de los más grandes artistas de la disciplina en el siglo XX. Durante siete décadas cambió varias veces los cánones de belleza, ejerció con pasión los oficios de documentalista, retratista de moda y reportero y se comportó con una humildad basada en una sola ley: "Una buena foto es la que comunica un hecho, toca el corazón y convierte en otra persona a quien la observa. En una palabra, es efectiva

MUSICA: NOVAK. ALHEMA

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Auténtico precursor de la fotografía entendida como arte y documento, Irwing Penn,mezcló vanguardia y moda abriendo el paso a otras figuras como Richard Avedon y viajó por todo el mundo realizando fotografías, de España a Guinea Ecuatorial. Casado con la modelo Lisa Fonssagrives y hermano del cineasta Arthur Penn, Irving se mantuvo fiel a Vogue USA, cabecera con la que colaboró hasta el final de sus días.

Irving Penn es protagonist de una importante exposición que se presenta bajo el epigrafe Beyond Beauty y que se puede ver en el Dallas Museum of Art.

 

MUSICA : MARIAN HAMMOUD & MUNMA. WASAYA

ENTREVISTA:  Pedro G. Romero .

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'Tratado de paz', el proyecto más ambicioso de la Capital Europea de la Cultura San Sebastián 2016

- El proyecto ofrecerá desde el 18 de junio una visión multifacetada de cómo la paz ha sido representada por el arte y el derecho.
 
- El proyecto, cuya exposición central en San Sebastián incluye piezas de 21 museos como el Louvre o el Prado, estará compuesto además por otras otras siete muestras distribuidas en museos de Bilbao, Vitoria o Baiona, entre otros.
 
- La exposición central incluye obras canónicas y trabajos contemporáneos de autores como Goya o Rubens, Picasso, Kokoschka, Leger, Arteta o Sokurov.
 
- La iniciativa contempla asimismo un estudio monográfico y siete producciones artísticas contemporáneas.
 


 
Tratado de paz es un proyecto de Donostia/San Sebastián 2016, Capital Europea de la Cultura de alcance internacional que articula distintas exposiciones, laboratorios, publicaciones y formatos en torno a la representación de la paz en la historia del arte, la cultura y el derecho. Comenzará a finales de mayo y se prolongará hasta enero de 2017. La concepción de la idea corresponde a Santiago Eraso y el comisariado a Pedro G. Romero.

 

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El proyecto comprende una exposición central, 1516-2016. Tratados de paz, que se situará en Donosti/San Sebastián, que se podrá visitar desde el 18 de junio hasta el 2 de octubre; siete intervenciones de artistas contemporáneos (Casos de estudio), desde mayo de 2016 hasta enero de 2017; un estudio monográfico sobre José María Sert y la Sociedad de las Naciones y siete exposiciones sobre episodios históricos; (Afueras), que se desplegarán en más de diez localidades y ciudades desde junio hasta octubre de 2016. Estará presente en una veintena de localizaciones de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés, así como Salamanca y Barcelona.

 

MUSICA : QLUSTER. WEG AMM HANG

ENTREVISTA: DAVID HERAS VERDE 

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II FERIA DE ARTE EN MI CASA Feria de Arte Contemporáneo Efímera. 28/05/2016 de 10:00 a 15:00 y de 16:30 a 21:00 h C\ Azorín, 20, Cobeña, Madrid. www.feriadearteenmicasa.com #FAC2016 prensa@feriadearteenmicasa.com El artista David Heras Verde realiza la segunda edición de la “Feria de Arte en mi Casa”, un proyecto colectivo y multidisciplinar que reúne más de 15 propuestas artísticas el sábado 28 de mayo. FAC presenta un planteamiento expositivo sugerente, poco convencional en la actualidad y alejado de los clásicos espacios de ferias, galerías y museos. A lo largo de las diferentes plantas de la residencia del artista, los visi tantes irán descubriendo las piezas y podrán charlar directamente con los artistas, quienes estarán presentes el día de la celebración de la Feria. La creación artística invade durante tan sólo un día todos los recovecos de la casa de un artista: esto es FAC. Una locura entre broma y veras, una osadía quizá que se vuelve a repetir pero, por encima de todo, un proyecto inspirador cuyo objetivo principal se fundamenta en el deseo de aproximar realmente el arte contemporáneo a las personas y con ello, sino reventar, al menos rasgar las costuras del disfraz del cerrado circuito artístico. Bajo el formato expositivo y el programa de comisariado diseñados, cómplices entusiastas se convierten los artistas participantes: Javier Ayuso, David Delgado, Julio Fálagan, el propio David Heras, Antonio Labella, José Luis López Moral, Patricia Mateo, los creadores moversinmover, Santiago Pani, Carlota Pereiro Cendón, Luis Pérez Calvo, el comisariado de El Pez Globo, Rubén Rodrigo Silguero y Anthony Stark. Las habitaciones, el salón, la cocina, los baños, el hall, el garaje-taller, las escaleras y los pasillos serán, así, campos que activarán todo tipo de situaciones, reflexiones y placeres generados por las intervenciones artísticas. Se presentarán distintas actitudes ante el hecho creativo a través de muchos lenguajes, cada uno en busca de sus investigaciones, reflejo de sus inquietudes, vivencias o compromisos, conformando una suerte de diálogo simultáneo dentro un marco experimental desenfadado. Asimismo, será un foco de conocimiento y una oportunidad única para conocer a todos los artistas. Esta feria declara franca y sorprendentemente su afán por difundir el arte; podría decirse incluso que FAC lo grita: el arte hace más habitable este mundo. Un proyecto dirigido por David Heras Dirección de Comisariado: David Heras y Sara Zambrana Marketing y Comunicación: David Delgado y Sara Zambrana Dirección técnica: Juan José Rodriguez Soler Contacto: prensa@feriadearteenmicasa.com II FERIA DE ARTE EN MI CASA Feria de Arte Contemporáneo Efímera. 28/05/2016 de 10:00 a 15:00 y de 16:30 a 21:00 h C\ Azorín, 20, Cobeña, Madrid. www.feriadearteenmicasa.com #FAC2016 prensa@feriadearteenmicasa.com El artista David Heras Verde realiza la segunda edición de la “Feria de Arte en mi Casa”, un proyecto colectivo y multidisciplinar que reúne más de 15 propuestas artísticas el sábado 28 de mayo. FAC presenta un planteamiento expositivo sugerente, poco convencional en la actualidad y alejado de los clásicos espacios de ferias, galerías y museos. A lo largo de las diferentes plantas de la residencia del artista, los visi tantes irán descubriendo las piezas y podrán charlar directamente con los artistas, quienes estarán presentes el día de la celebración de la Feria. La creación artística invade durante tan sólo un día todos los recovecos de la casa de un artista: esto es FAC. Una locura entre broma y veras, una osadía quizá que se vuelve a repetir pero, por encima de todo, un proyecto inspirador cuyo objetivo principal se fundamenta en el deseo de aproximar realmente el arte contemporáneo a las personas y con ello, sino reventar, al menos rasgar las costuras del disfraz del cerrado circuito artístico. Bajo el formato expositivo y el programa de comisariado diseñados, cómplices entusiastas se convierten los artistas participantes: Javier Ayuso, David Delgado, Julio Fálagan, el propio David Heras, Antonio Labella, José Luis López Moral, Patricia Mateo, los creadores moversinmover, Santiago Pani, Carlota Pereiro Cendón, Luis Pérez Calvo, el comisariado de El Pez Globo, Rubén Rodrigo Silguero y Anthony Stark. Las habitaciones, el salón, la cocina, los baños, el hall, el garaje-taller, las escaleras y los pasillos serán, así, campos que activarán todo tipo de situaciones, reflexiones y placeres generados por las intervenciones artísticas. Se presentarán distintas actitudes ante el hecho creativo a través de muchos lenguajes, cada uno en busca de sus investigaciones, reflejo de sus inquietudes, vivencias o compromisos, conformando una suerte de diálogo simultáneo dentro un marco experimental desenfadado. Asimismo, será un foco de conocimiento y una oportunidad única para conocer a todos los artistas. Esta feria declara franca y sorprendentemente su afán por difundir el arte; podría decirse incluso que FAC lo grita: el arte hace más habitable este mundo. Un proyecto dirigido por David Heras Dirección de Comisariado: David Heras y Sara Zambrana Marketing y Comunicación: David Delgado y Sara Zambrana Dirección técnica: Juan José Rodriguez Soler Contacto: prensa@feriadearteenmicasa.com

MUSICA: JOREM BOUBLES. GHOST WORLD

 

MUSICA : SOULSSAVERS. DAX. KUBRIK

ENTREVISTA: ANGEL RUEDA

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FESTIVAL SUPER 9. CORUÑA

 El (S8) Mostra de Cinema Periférico celebra del 1 al 5 de junio su séptima edición. Una edición especial bajo el nombre de “Los nuevos impresionistas” que reunirá a reconocidos cineastas como el canadiense Stephen Broomer y el francés Jacques Perconte, artista del ‘glitch’, que presentará una ‘performance’ con música en directo y una exposición de su obra. Asimismo, el festival presentará una panorámica que incluye los nuevos trabajos de artistas internacionales en torno a la idea del impresionismo en el cine y un programa histórico dedicado a la cineasta, teórica y crítica Germaine Dulac.

La séptima edición del festival arrancará con un cine-concierto a modo de gala inaugural el 30 de mayo en el Teatro Rosalía de Castro (A Coruña) en el que se podrá ver la copia restaurada de ‘El acorazado Potemkin’. La proyección de la obra maestra de Sergei M. Eisenstein y piedra angular de la modernidad del montaje cinematográfico será sonorizada en directo por el estadounidense Chris Jarrett, autor de una partitura original inspirada en la película.

LOS NUEVOS IMPRESIONISTAS

“Impresionista”: en su origen, esta palabra fue un término despectivo acuñado por un crítico de arte para descalificar el trabajo de Monet. Es improbable que el crítico imaginara que este sería el nombre adoptado para hablar de una de las corrientes pictóricas más revolucionarias de la historia, que dejó atrás la imitación de la vida y de las formas para intentar capturar, en su pureza, la luz con sus pinceles. “Los nuevos impresionistas” es el nombre con el que este año el (S8) bautiza su edición especial, en la que confluyen cineastas (emergentes y veteranos) para los que la experimentación con la luz y las cualidades pictóricas del cine es esencial. Investigando los límites de la percepción sensorial y de la subjetividad, este grupo de cineastas firman algunas de las obras visualmente más estimulantes de los últimos años.

Es el caso de Jacques Perconte, uno de los artistas franceses más solicitados de la actualidad, que trae al (S8) una exposición, una performance sonorizada en directo y el estreno internacional de su último film, Save my Heart from the World. Utilizando el vídeo digital y explotando todas las posibilidades plásticas del llamado glitch (es decir, las alteraciones de la imagen causadas por la manipulación del código), Perconte abre puertas a paisajes imposibles de colores y formas insólitas. (S8) 7ª Mostra Internacional de Cinema Periférico www.s8cinema.com · info@s8cinema.com 4

Este artista y cineasta francés, cuya obra se ha podido ver en las más prestigiosas galerías, instituciones y festivales del mundo, ha colaborado con artistas como Leos Carax (en Holy Motors), Jean-Benoît Dunckel (integrante del grupo de música de vanguardia Air) y Jeff Mills.

También visita por primera vez España Stephen Broomer, joven y, sin embargo, ya consagrado cineasta, conservador y téorico canadiense. Broomer, cuyas películas se han podido ver en Views from the Avant-Garde (New York Film Festival), la sección Wavelengths del Festival de Toronto y la Berlinale, traerá a Coruña sus trabajos en 16mm. Películas en las que los colores y las texturas evocan el trabajo de los primigenios impresionistas, en una búsqueda formal cuyo embriagador resultado lo acerca también a los autores más abstractos dentro de esta corriente.

El apartado dedicado al impresionismo se completa con una selección de trabajos recientes de artistas internacionales como los estadounidenses Jodie Mack y Robert Todd, el argentino Pablo Mazzolo, los canadienses John Price, Alexandre Larose y Eva Kolcze o la británica Charlotte Pryce. El (S8) también ofrecerá una sesión dedicada a Germaine Dulac, pionera del cine y parte de la corriente vanguardista de los años 20 designada como “impresionistas franceses”, a la que también pertenecieron Jean Epstein, Louis Delluc y Abel Gance. El trabajo de Dulac se proyectará en formato fílmico, contando con las recientes restauraciones en 35mm de Étude Cinématographique sur une Arabesque y Thèmes et Variations.

Pintura: ‘Impression, soleil levant’, óleo, Claude Monet (1872) Película: ‘Spirits in Season’, 16mm, Stephen Broomer (2013)

CINE-CONCIERTO: EL ACORAZADO POTEMKIN

Esta nueva edición del (S8) arrancará el 30 de mayo en el Teatro Rosalía de Castro (A Coruña), como cada año, con una gala de inauguración en forma de cine-concierto que recupera algunas de las obras claves del cine mudo. En este caso, se trata de El acorazado Potemkin del maestro Sergei M. Eisenstein. El festival proyectará la copia restaurada por el Filmmuseum Berlin-Deutsche Kinematek. Se trata de la versión más apegada a la obra original estrenada en 1925, más completa incluso que aquella exhibida durante la década de los ochenta en el MoMa o el British Film Institute, incluyendo planos olvidados tras la censura alemana de los años 20 y recuperando los intertítulos y tamaño de encuadre originales.

La proyección será sonorizada en directo por el pianista Chris Jarrett, autor de una partitura original inspirada en la obra de Eisenstein. Tomando en cuenta el tema del filme, la rebelión rusa de 1905, Jarrett compone una banda sonora completamente libre y parcialmente improvisada para resaltar el mensaje anti-militarista planteado en la película. Su música, más que un acompañamiento, es un comentario personal dirigido a la defensa de los que fueron (y son) políticamente maltratados y oprimidos.

Chris Jarrett es hermano de Keith Jarrett, uno de los músicos de jazz vivos más influyentes a día de hoy. Su estilo se define por la mezcla equilibrada del riff jazzístico y una marcada predilección por la música clásica. Compositor de vocación, Chris Jarrett fue discípulo del reconocido pianista austríaco Vincenz Ruzicka y estudiante de la mítica pedagoga y compositora ucraniana Rosina Lhevinne. En la actualidad alterna sus actuaciones como solista con sus giras acompañando a la violinista Luca Ciarla y al cuarteto Four Free.

MUSICA : YAN PECHIN. SAVE MY HEART FROM THE WORLD.

 

 

MUSICA : APPELSCAL. AIRPORTS

ENTREVISTA:  PEPE FRISUELAS. ENTREFOTOS. 

Entrefotos

Los fotógrafos, noveles y consagrados, pueden apuntarse hasta el 13 de junio

Abierto el plazo de inscripción para participar en entreFotos 2016, que cumple 18 años

  • El encuentro, el veterano de fotografía de la capital y referencia nacional de la imagen de autor, se celebrará esta vez en el mes de diciembre
  • 35 artistas serán elegidos por un comité seleccionador independiente en base al portfolio presentado de forma presencial o en formato digital

entreFotos, la feria de fotografía veterana de la capital, alcanza en 2016 su mayoría de edad y la organización ha abierto el plazo de inscripción para participar en esta edición. Hasta el próximo 13 de junio los fotógrafos, tanto emergentes como consolidados, nacionales o internacionales, pueden apuntarse en este encuentro convertido, desde hace años, en una referencia de la fotografía de autor en España y que tiene la peculiaridad de que es la primera feria sin intermediarios; son los propios creadores los exponen y explican sus obras al público. La XVIII edición de entreFotos se celebrará en esta ocasión a principios de diciembre en su habitual espacio de la Casa del Reloj del Matadero de Madrid.

Los autores interesados en formar parte de esta clásica cita del otoño pueden presentar sus portfolios, compuestos de 15-20 fotografías, de forma presencial en la sede de la asociación entreFotos (Prudencio Álvaro, 41, Madrid), o en formato digital a través de un link de descarga (presidente@entrefotos.net). Asimismo, deberán adjuntar la ficha de inscripción (www.entrefotosferia.com).

 

CONTRAPORTADA:  SOLIST. AI TI M.  DEL ALBUM THE STEAM AGE.

Rosa Pérez   20.may.2016 09:01    

Warhol

    viernes 13.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 16.05.16

 

 

 

PORTADA. KSENIA KAMIKAZA. WONDERFUL WORLD (KINIL BAGUS REMIX)

Kseniakamikaza

Ksenia Kamikaza es de Riga. Dj, presentadora de radio, fundadora del sello  'Platz für Tanz' . Comenzó  con un estilo sofisticado y oscuro de musica de baile y ha ido ampliado su propuesta sonora hacia terrenos más melódicos . Su estilo abarca un amplio panorama musical que va del jazz al IDM, pasando por la música lounge el tecno o el el house.

Hace unos años decidió que era hora de hacer producciones por si misma

Su ultimo disco Japanese Georgians fue publicado el pasado año y ahora lanza una versión remezclada.

Además participa en las actividades Off Sonar en el Born. En Barcelona.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.davidrocaberti.com

MUSICA: BROKEN FABIOLA. SILVERS BLIND

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David Rocaberti estudió sociología y aprovechó el tiempo haciendo un curso en la escuela de fotografía EFTI donde definió lo que iba a ser su carrera como fotógrafo.

La obra de este madrileño fascina por su fuerza visual y su valor artístico, gracias una habilidad en atrapar con el disparador lo excepcional en la vida cotidiana, invitándonos a realizar una visualización de lo que nos rodea de forma diferente.

MUSICA: TOMISLAV. TEADROP SPIN

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Detrás de las fotografías de David Rocaberti, hay un cuidadoso trabajo que va más allá, evitando cualquier tipo de modificación o retoque, adaptando lo natural a su particular forma de ver el mundo. Siempre alerta su cámara alcanza a ver lo que otros no pueden, atrapando delicadas escenas a través de su especial mirada.

MUSICA: MATHIAS STUBO. OP I LUFTA

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David   Rocaberti se defini como coleccionista de luz selectiva, cuyo objetivo es transmitir sensaciones, haciendo tangible y material la fugacidad de las imágenes. Fascinado por la capacidad que tiene la fotografía de arrancar un instante del devenir de los tiempos. Se trata, en definitiva, de congelar en una fracción de segundo momentos únicos llamados a perpetuarse y asimismo, que sea el fotógrafo el que tenga el maravilloso privilegio  de decidir que sea ése mismo momento y no ningún otro, el que quiere conservar para la eternidad

MUSICA: ZELLER. ORBITAL.

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Paisaje habitado, es el título de la exposición que David Rocaberti acaba de inaugurar en el Palacio de Pimentel de Valladolid, donde la luz, los personajes y todos los demás factores compositivos juegan un papel fundamental en la elección de ese fragmento de tiempo que quedará guardado para siempre gracias a la cámara de Rocaberti. Se podrá ver hasta el 10 de junio.

 

MUSICA: BRUCE BRUBAKER. METAMORPHOSIS (PLAID REMIX)

ENTREVISTA.  SEMIRAMIS GONZALEZ.

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EN LO SALVAJE

Una exposición comisariada por Semíramis González. Dentro del ciclo de exposiciones Bienvenido Comisario.


Miren Pastor, Elena Fernández Prada, Cristina Ferrández, Ángela Losa, Lucía Antebi.

“En lo salvaje” se plantea como un diálogo transversal entre los trabajos de cinco artistas distintas, con intereses diferentes y formatos diversos, pero con algunas líneas de reflexión en común. Esta exposición presenta los trabajos de 

Elena Fernández Prada, Cristina Ferrández, Ángela Losa, Miren Pastor y Lucía Antebi para pensar en torno a ideas como lo natural y lo humano, la construcción y la esencia. “En lo salvaje” es una exposición para reflexionar sobre la naturaleza como espacio simbólico para el crecimiento; de un lugar como rito de paso en la transformación del ser humano, y en cómo lo humano, parapetado bajo la rigidez de las normas, los roles y los estereotipos, puede subvertir todo esto volviendo al origen.

Tradicionalmente se ha opuesto lo natural y lo racional considerando al primero el espacio de lo mágico, de la superstición, de las posibilidades misteriosas, de la brujería. Ese espacio indeterminado del bosque y del paisaje no controlado por el hombre es, también, parte de lo que el ser humano es sin ataduras, sin la norma establecida por la razón.

Esta exposición traza un recorrido entre lo más salvaje del ser humano pasando por los cambios que este sufre a lo largo de su vida, en consonancia con el propio paisaje, para terminar en lo que de humano hay en la naturaleza y en la necesidad de preservarla ante la destrucción industrial. Cinco discursos diferentes para hablar, al final, de la existencia misma.

LA PUNTUAL. Sant Cugat del Vallés

lapuntual.org

 

MUSICA: ELLIOTT MOSS. BEST LIGHT

 

MUSICA. JOHN CALE & LOU REED. FACES AND NAMES. SONGS FOR DRELLA.

 

ENTREVISTA : Boyer Tresaco, comisario 

Galería Theredoom. Madrid.

ANDY WARHOL “Todo empezó así...” del 7 de mayo – 30 de julio 2016

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Mao, el mayor asesino de la historia -se le atribuyen más muertes que a Stalin, Hitler y Pol Pot juntos-, convertido en un osito de peluche, un viejecito gordito con cara de simpático bonachón pintado con vistosos colores… Esta última es la percepción visual, y en muchos casos también la percepción emocional, que las nuevas generaciones tienen de semejante ser:

“Este es el poder de Warhol”.

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Andy Warhol, (1928-1987), se dedicó a convertirse en mito, transformando en mito, a los que ya eran mito, sin duda con increíble acierto. Repetir hasta el infinito, que no hasta la saciedad, los rostros de Marilyn, Jacqueline, Elvis, Deam, Mao, y un amplio y conocido elenco, objetos incluidos.

Fantástico Warhol, seguramente el artista más reproducido de la historia, que consigue mediante un bucle sin fin, conseguir lo conseguido a base de reconseguirlo… una y otra vez.

Antes de ello, sin duda construyó sus propios cimientos; dibujó y pintó piezas únicas, obras en las que la repetición, litográfica, serigráfica o grabada, no hizo mella; y es allí, expresamente allí, donde nos hemos centrado en esta exposición; en esas piezas únicas.

“Así empezó todo” reúne pinturas y dibujos realizados en la década de los años cincuenta, con diferentes técnicas: tinta, lápiz, acuarela, gouache… 

Muchas de ellas expuestas en Gagosian Gállery, N.Y.; Robert Miller, N.Y.;

Paul Kasmin, N.Y.

Incluimos también en la muestra obras en las que ya se adivina y en algunas se manifiesta (años 80), esa tendencia a la reiteración y a la búsqueda del mito que acabaría definiendo la carrera del artista.

 

Musica: JOHN CALE & LOU REED. SMALL TOWN

 

Entrevista: Javier Panera, COMISARIO

All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987) MUSAC. LEÓN. SALA 3 7 de mayo, 2016 - 4 de septiembre, 2016 

Comisariado: F. Javier Panera 

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All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (1949-1987) traza una genealogía de las relaciones entre el arte y la música popular de la segunda mitad del siglo XX a través de más de doscientas piezas, incluyendo portadas de discos, libros, revistas, carteles, fotografías, serigrafías, dibujos, películas, videoinstalaciones, screen tests, videoclips musicales y diversos objetos y documentos relacionados con el universo artístico de Warhol a lo largo de casi cuatro décadas.

El punto de partida para esta exposición es un aspecto de la producción artística de Andy Warhol (Pittsburgh, EE.UU., 1928 – Nueva York, EE.UU., 1987) que hasta no hace mucho tiempo se consideraba marginal: su aportación a la historia del diseño gráfico musical a través de las portadas de discos. Andy Warhol realizó entre 1949 y 1987 más de 60 portadas para discos de 33 y 45 RPM de todos los géneros musicales. El diseño gráfico musical fue una actividad que le acompañó a lo largo de toda su carrera, desde su juventud —su primer diseño data de 1949, cuando tenía tan solo veintiún años y aún no era reconocido como artista—, hasta la plena madurez. En sus últimos meses de vida, entre 1986 y 1987, realizó portadas de discos para artistas de la talla de John Lennon, Aretha Franklin o Debbie Harry. Analizando estos diseños se revela que en muchas de estas portadas se anticipan soluciones formales e iconográficas que Warhol incorporaría posteriormente a su producción pictórica y cinematográfica, lo que les dota de especial valor para los investigadores y plantea lecturas transversales de su trabajo.

A través de estas portadas se podría escribir una historia de los gustos musicales en Estados Unidos desde la posguerra hasta el último tercio de la década de los ochenta, abarcando la música clásica, la ópera y el ballet, y pasando por el jazz, el minimalismo, la música experimental, el rock, el pop, el soul, la música disco, el punk o la new wave.

All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y Vinilos (1949-1987) intenta demostrar que la música —y particularmente la música pop— fue uno de los sustratos emocionales, iconográficos y conceptuales sobre los que se construyó la producción artística del padre del pop art. Un componente, a veces invisible, pero esencial para entender su proceso creativo y algunos de los más significativos ejes temáticos de su trabajo.

De la apropiación y la seriación —nacidas bajo la influencia de músicos como John Cage y LaMonte Young a principios de los años sesenta— a la puesta al día del concepto wagneriano de “obra de arte total” —materializado en espectáculos multimedia pioneros como Exploding Plastic Inevitable, con The Velvet Underground—; del culto a las celebridades —plasmado en sus retratos de estrellas del pop y el rock como Mick Jagger, Diana Ross o Debbie Harry— a su activa participación en medios de comunicación vinculados de modo directo o colateral a la industria musical, a través de proyectos editoriales como la revista Interview, la dirección y producción de videoclips para bandas de los ochenta —como The Cars o Curiosity Killed The Cat— o innovadores programas de televisión, como Fifteen Minutes para la cadena de televisión por cable MTV.

Al igual que otros artistas coetáneos, como Ray Johnson, Richard Hamilton o Peter Blake, Andy Warhol forma parte de la primera generación de artistas que se educaron desde su juventud escuchando música pop y rock. Wahrol es también uno de los primeros en incorporar a las estrellas del rock a la iconografía de sus cuadros. Así, el retrato de Elvis Presley ya aparece en sus primeras serigrafías de 1962. Pero Warhol demostró a lo largo de su carrera una vasta cultura musical que abarca tanto la ópera wagneriana o el musical hollywoodiense, como la música de vanguardia o la música pop. De Elvis Presley a Maria Callas, de John Cage a The Velvet Underground y de Count Basie a Michael Jackson, pasando por iconos como Nico, Mick Jagger, John Lennon o Debbie Harry, una de sus últimas musas.

La exposición está estructurada en varios ejes temáticos ordenados cronológicamente que se entrecruzan a fin de dar una visión lo más completa posible del papel jugado por la música en el proceso creativo de Andy Warhol. En cada capítulo, las portadas de discos se exhiben junto obras sobre diferentes soportes —fotografías, dibujos, serigrafías, carteles, películas, videoinstalaciones— del propio Warhol y de artistas que colaboraron con él en diferentes periodos de su carrera como Ronald Nameth, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Hervé Gloaguen, Richard Bernstein o Dan Munroe, y que permiten comprender el modo en que el diseño gráfico musical y la producción plástica de este artista se retroalimentaron en los momentos más significativos de su vida.

MUSICA:  KHORAL MERCENARIES

 

MUSICA: DALHOUS.  SHE WAS HUMAN

ENTREVISTA:  CHUS MARTINEZ DOMINGUEZ. COMISARIA

Mónica Cabo : There Will Be a Sea Battle Tomorrow. PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto Ciclo de exposiciones comisariado por Chus Martínez Domínguez

Fechas   29 abril – 26 junio 2016 .   Anexo [vestíbulo principal]  MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo. 

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PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto

Ciclo de exposiciones comisariado por Chus Martínez Domínguez

Lugar: Anexo (vestíbulo principal)

A partir del 29 de abril se estrena un nuevo ciclo expositivo en el Anexo del MARCO, un lugar que desde 2015 se convirtió en sala de proyectos. Siguiendo uno de los signos distintivos del MARCO, la línea de programación del Anexo pone especial énfasis en la producción propia, tanto en lo que se refiere a las obras en sí —nuevas producciones realizadas específicamente para este espacio— como al comisariado —ciclos de exposiciones con periodicidad anual. En esta ocasión, y a lo largo de 2016, la crítica de arte y comisaria Chus Martínez Domínguez presenta el ciclo ‘PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto’.

Tomando como punto de partida las circunstancias y realidades problemáticas que se producen en la interacción entre las artistas y el sistema del arte, este ciclo plantea, a través de cuatro proyectos específicos, diferentes cuestiones de la teoría y la práctica artística, concretando las investigaciones, conceptos y poéticas sobre las que giran los trabajos de cada una de las participantes.

Un programa articulado en las propuestas de Mónica Cabo (Oviedo, 1978), Pascuala Campos de Michelena/Ana Gallego Palacios (Jaén, 1938/Cáceres, 1975), Xisela Franco (Vigo, 1978) y Elena Blasco (Madrid, 1950), creadoras de distintas generaciones procedentes de las artes visuales, la arquitectura y el audiovisual, que tejerán relatos y acciones particulares en torno a la representación, la identidad, la política y el territorio, desde una perspectiva no exenta de humor y crítica, de subversión y memoria. Apenas algunas cuestiones de un largo discurso sobre el trabajo de las artistas que siempre parece dispuesto, o impuesto, en un estadio inacabado, en construcción y reivindicado.

El Anexo del MARCO se convierte en metáfora idónea de los espacios en los que demasiadas veces operan las creadoras; en los márgenes, en la resistencia, en los recovecos del sistema. Este proyecto, sin embargo, quiere volver a preguntar e insistir en esos lugares, transformarlos en relatos guionizados por las propias artistas, enfrentándose a ellos como un escenario en el que proponer nuevas realidades, reaccionando frente a aquellas circunstancias que las limitan, condicionan y vulneran. Reflexiones transversales en forma de acciones desde una actualidad en la que la cuestión de género sigue siendo problemática.

 

Mónica Cabo

There Will Be a Sea Battle Tomorrow

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Mónica Cabo se fija en la normalidad. No en cualquiera; en aquella que resulta peligrosa por su planteamiento. La artista sospecha de los modos en los que codificamos, agrupamos y valoramos la vida. La suya y la del resto. Paradoja sistemática con la que aproximarnos a la realidad, siempre escudriñándola para reducir cualquier forma de incertidumbre; etiquetando nuestros deseos, comportamientos y rutinas. Una relación de compartimentos estancos favorecidos por una escenografía que a la artista le resulta tan problemática como determinante y atractiva de cara a la activación del arte.

Sus obras logran alcanzar al espectador. Lo introducen en un juego subversivo, para forzarlo a encarar sus conflictos lejos de la coherencia de su experiencia en el mundo, desembocando en una nueva perturbación. El proyecto específico para el MARCO propone una tesis estructurada alrededor de cuestiones coincidentes en trabajos anteriores —integradores de experiencias políticas y sociales, lúdicas, sexuales e identitarias— que, sin embargo, obligan a interpretarlas ahora desde un lugar complementario.

There Will Be a Sea Battle Tomorrow toma su título de una proposición de Aristóteles sobre el futuro contingente: “mañana habrá una batalla naval/mañana no habrá una batalla naval” a partir del cual, la artista crea un sugerente paisaje alrededor de la idea de posibilidad. De este modo, la ilusión se vuelve a colar en su trabajo como concepto, pero en esta ocasión más próxima a la fatalidad. El Anexo se anega de necesidad pero nada en él es necesario. Articulan el espacio cuatro piezas que existen en una eventualidad que actúa fuera, contra y desde cada objeto. La escultura, una bicicleta ensimismada en su duplicidad especular; el vídeo con la escena de un secador colgado de su cable que golpea de lado a lado cuando se activa; el andamio, instalado sobre pequeñas peanas de madera, sirve de cuerpo para colgar un pañuelo de tela.

Cuatro obras con las que logra crear un presente accidental que increpa al futuro. ¿Ciertamente éste tendrá lugar? La respuesta parece angustiosamente lejana, abstracta en el circunstancial aislamiento de las representaciones; golpeando en el ilógico cuerpo de la bicicleta, en la repetición del imprevisible secador, en la erótica del pañuelo, en la inactividad del andamio, con el fin de desencadenar una serie de asociaciones en confrontación. Ser inquietantes, imperfectos, simbólicamente negros, irónicos con el propio espacio. El relato se asimila desde la certeza y la simulación, quizás entendido como metáfora del sistema del arte. También de la propia artista autorretratada en el inquietante vídeo Self Portrait (2013); trasponiendo su propio cuerpo colgado de un hilo, en riesgo.

La exposición alterna momentos de dinamismo y de quietud que sitúan al público en un estado de ansiedad y de extrañeza frente a lo anómalo/desconocido, con la inestabilidad y la tensión propias de una acción que no existe más allá del propio gesto en que se realiza: igual que acontece con el sexo, con el género, con una discusión, con el acto creativo. Mide estructuras ambiguas e imprevisibles. Piezas que añaden un cierto humor a situaciones cotidianas, que se ensayan y se representan para revelar la conexión de mundos distanciados, en las que la cuestión de género sigue siendo el telón de fondo como metáfora política de cualquier práctica generada fuera de la línea marcada como “normal”.

Esta muestra en el MARCO será su sexta exposición individual. En la primera de ellas, Ridy tu pley (Sala Alterarte, 2006) Mónica Cabo hizo una declaración de intenciones, advirtiendo que estaba preparada para jugar. Por suerte, desde entonces no ha dejado de hacerlo. Ha contribuido de manera excepcional a desarrollar un discurso activo y renovado en las artes visuales desde la perspectiva de género, tomando prestados los símbolos y procedimientos de la teoría queer. Situada desde y frente a lo que está en el margen, en los bordes de lo legitimado, de lo correcto, de lo bueno y de lo homogéneo. De la singularidad y talento de su trabajo es testigo esta muestra.

Chus Martínez Domínguez

Sobre la artista

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, Mónica Cabo (Oviedo, 1978) vive y trabaja en Barcelona. Ha recibido varios premios y reconocimientos como la Beca Taller de creación Fabra i Coat, San Andreu Contemporani, Barcelona (2013); 1º Premio de Artes Plásticas del Principado de Asturias (2012); y Bolsa San Martín Pinario para la producción de obra artística, Xunta de Galicia (2005).

Entre sus exposiciones y proyectos individuales destacan: Crossover (Sala Borrón, Oviedo, 2013); A Justine (Espacio In situ, Fundación Granell, Santiago de Compostela, 2009); Una pieza para tu mundo… (Sala LAI. Gijón, 2008); Safe Word (DF Galería de arte contemporáneo, Santiago de Compostela, 2007); Ridy tu pley (Sala Alterarte, Campus de Ourense, Universidad de Vigo, 2006).

Entre 2005 y 2016 participó en varias muestras colectivas en centros e instituciones como Museo Provincial de Lugo, Sant Andreu Contemporani (Barcelona), MUSAC (León), Fundación Luis Seoane (A Coruña), Blissland Gallery (Berlín), Sala Espacio AV (Murcia), MACUF (A Coruña), Espacio Menosuno (Madrid), Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), DF Galería (Santiago de Compostela), Museum Kloster Asbach (Alemania), Museo Miquel Casablancas (Barcelona).

 

PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto

Programación y calendario

Mónica Cabo

29 abril – 26 junio 2016

Pascuala Campos de Michelena/Ana Gallego Palacios

8 julio – 11 septiembre 2016

Xisela Franco

23 septiembre – 20 noviembre 2016

Elena Blasco

2 diciembre 2016 – 26 febrero 2017

Sobre la comisaria

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela, Chus Martínez Domínguez (Tui, 1976) es especialista en artes visuales contemporáneas. En su actividad profesional destaca su labor como crítica de arte, siendo colaboradora habitual del suplemento cultural Babelia del diario El País y de la revista Tempos Novos, además de haber colaborado en otras publicaciones especializadas gallegas y estatales, como ArtNotes, Arte y Parte y Artecontexto. Es autora de textos y ensayos de investigación en el ámbito de la creación contemporánea y de la mujer en el sistema del arte, participando en diferentes proyectos de investigación, catálogos y ensayos de instituciones públicas e privadas como el Centro Galego de Arte Contemporánea, Consello da Cultura Galega, Museo Barjola de Gijón, Diputación de Ourense, Diputación de Lugo, Universidad de Vigo, Universidad de Santiago o Universidad de A Coruña. Ejerce como comisaria independiente de exposiciones, experiencia que tuvo como resultado muestras en el CGAC, Auditorio de Galicia, Sala Alterarte y Casa da Parra, entre otras. Destaca su labor como coordinadora del espacio www.espazodocumental.net (CGAC, 2008), un sitio web pionero dedicado a artistas gallegos y editora de la publicación homónima que dio como resultado espazodocumental.net. Pertenece desde 2012 a la Sección de Creación y Artes Visuales Contemporáneas do Consello da Cultura Galega, en Santiago de Compostela.

 

MUSICA: BACHAR MAR KHALIFE. BALCOON

 

CONTRAPORTADA:  KSENIA KAMIKAZA. DD1

Rosa Pérez   13.may.2016 11:02    

COLLAGE CONTEMPORÁNEO

    viernes 6.may.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 09.05.16

 

 

PORTADA: murkof & Wagner. GNOSIEENNE 3. ERIK SATIE. MURCOF VERSION

MURCOF& WAGNER

Murcof  construye loops y texturas sonoras, mientras que Vanessa Wagner toca el piano a tiempo real llevándonos desde la electrónica ambiental a la clásica contemporánea. Ep01, es un disco intemporal en el que ambos músicos interpretan piezas del compositor Erik Satie  asi como de David Moore, aportando una nuevo perspectiva a su música y adelantando un álbum que se editará a través del sello francés Infiné.

CAFÉ VIRTUAL: http://gajicamra.tumblr.com/

Musica: SAMARIS. HRAFNINN

MARA GAJIC1

Las fotografías de Mara Gajic son el mejor  engaño. A primera vista parecen agradables, casi alegres, con un saldo de composición positivo de estética cercano a los libros de texto. Sus fotografías se presentan limpias. Pero en una segunda mirada,la tristeza se cuela.

MUSICA: RONE. MEMORY

MARA GAJIC2

Mara Gajic acaba de terminar sus estudios en  la Universidad OCAD, donde se ha graduado en fotografía. Su trabajo explora narrativas abiertas de auto-construcción, donde propone una lectura de la psicología personal y el espacio silencioso entre la imaginación y la realidad. A menudo, usándose a sí misma como protagonista del objetivo de su cámara, imponiendo nuevas realidades a través de la realización de una función performativa para comunicar estados personales e iniciar un diálogo tácito entre el espectador y el artista.

MUSICA: ARURE. SENSUAL LIQUID

MARA GAJIC3

Las fotografías de Gajic son como de cristal, comprometidas  con la perfección,

La artista emergente con sede en Toronto a menudo utiliza su propia forma delante de la cámara. En su serie Bounderies, su último trabajo, Gajic capta las fronteras estériles que construimos entre nuestros vecinos y nosotros mismos.

MUSICA:LAPALUX. DON´T MEAN A THING

MARA GAJIC4

Pues hasta aquí la sesión para conocer la obra de esta joven realidad de la fotografía Canadiense. Sus fotografías muestran estados personales de ánimo a través de narrativas visuales buscando la complicidad con el espectador. Mara Gajic acaba de iniciar su carrera fotográfica con fuerte impacto, asi que abrá que seguir de cerca sus movimientos.

 

MUSICA: GISELA FRICK. RAINDROP LULLABY

 

 

El escultor murciano Lidó Rico presenta en el Rectorado de la Universidad de Murcia la exposición 'The Wedding' Reflexiona sobre la importancia de las buenas experiencias en la lucha contra el Alzheimer

La exposición forma parte del proyecto 'Genoarquitecturas', fruto de la colaboración iniciada hace dos años por el artista murciano con el neurofisiólogo Kuei Y. Tseng, profesor del Departamento de Farmacología Celular y Molecular de la Universidad de Chicago, y con el neurobiólogo José Luis Ferrán, profesor del Departamento de Anatomía y Psicobiología de la Universidad de Murcia. Lidó Rico ha realizado una serie de Neuroesculturas obtenidas a partir de varios cerebros humanos reales, con las que el autor establece una nueva visión sobre nuestra maquinaria de pensamiento, según informaron fuentes de la institución docente en un comunicado. Rico considera de vital importancia la función activa y social que debe desempeñar el arte como vehículo de conocimiento, de aquí el especial interés de que una de sus obras vaya destinada a la Facultad de Medicina. Lidó Rico habló, en su presentación de la misión actual del artista, que a su parecer debe ser "interconectar diversas disciplinas", y afirmó que "el arte siempre ha visto el cerebro de lejos, desde un punto de vista paisajista, pero a mí me interesa la realidad" "no busco la estética, sino el hombre". " la Universidad tiene un papel definitivo para el desarrollo del hombre, es la empresa que reparte el conocimiento", ha añadido

 

 Los recuerdos como experiencias de vida 'The Wedding' pretende hacer reflexionar sobre la importancia de acumular buenas experiencias, ya que éstas se guardan en nuestro cerebro y contribuyen a las decisiones cotidianas que toma nuestra mente. Según relata Lidó Rico, las experiencias vitales, ingresan en el cerebro como un dato que se almacena a nivel de sinapsis neuronales.En la exposición, Lidó Rico despliega una serie de recursos, tanto plásticos como sonoros, que hacen viajar al visitante a la exposición a través del tiempo y de nuestra memoria. Psicólogos y personas relevantes de la vida pública prestan su voz, junto a otras anónimas, para relatar su experiencia con el Alzheimer. A ello se unen testimonios, canciones, fragmentos de diálogos y bandas sonoras de películas, juramentos, discursos y noticias que han marcado la historia. "Un collage sonoro pretende concienciarnos sobre cómo está construida nuestra memoria.

The Wedding’ nos ayuda a replantearnos el Alzheimer como un problema grave y latente en nuestra sociedad. El escultor sumerge al espectador en un viaje sensorial que rompe todas las barreras y distancias haciéndonos tomar conciencia de las conexiones que nos unen a la realidad, frente a la frecuentemente inconsciente fragilidad humana. Exposición abierta en la Sala La Capilla, Edificio Convalecencia, Rectorado de la Universidad de Murcia, hasta el 24 de junio de 2016.

MUSICA: BACHAR MAR KHALIFÉ . maree noire

pRÓXIMA ACTUACIÓN: 19 de julio. Color Café. Polideportivo Sallent de Gallego.  Pirineos Sur.

 

MUSICA : POSTMAN. BAD BLOOD

 

www.angelgarciaroldan.es

https:/www.facebook.com/angelgarciaroldan.arte

Espacio iicono

C/Santa Barbara. nº4.

  1. Granada.

www.iicono.es

Del 16 de abril hasta el 20 de mayo. 2016

Tote Kojoten1

¿Cuantos ‘yo’ perseguimos tras la muerte del coyote?

No somos partidarios de la desaparición porque siempre hay un paraíso que nos atrapa.

Las imágenes de la serie Tote Kojoten (Coyote muerto), nos ofrecen desde el espacio del realismo, la tragedia e

ironía del sacrificio. Cuestionan la evidencia de un rostro deformado para acceder desde él a la evidencia de una

estrategia del rapto y su consecuencia más dramática: El Ecce Homo contemporáneo.

Nos situamos ante el instinto ciego y mecánico del Pathos en la supervivencia. Ese animal que habitamos niega

cualquier suerte de conciencia y de espiritualidad. Donde la realidad es el desenlace físico de cualquier presión

manifestada a través de la sangre o su simulacro: El destino del coyote es su muerte en la cuneta de cualquier carretera.

El carácter performativo de estas imágenes seducen al mismo tiempo que ofrecen la sospecha del artificio: Nada

es real salvo en el instante justo de su transformación. Cuando me planteo una fotografía en la que me voy a

situar a ambos lados de la cámara, necesito despojarme de todos los atributos e ideas que puedan conducirme

a controlar la propia situación. Por eso prescindo del artilugio y solo me muestro, o más bien me presento

intentando escapar a la idea de ser representado. No actúo, solo me dejo llevar por la acción de lo físico.

Mi cuerpo, mi rostro, es acorralado ante los límites necesarios que consensúan lo que podríamos denominar

como una ‘realidad auténtica’. A pesar de ello sigo pensando que cualquier acto humilde de fotografiarme, se

convierte finalmente en una farsa, porque las certezas son tan intangibles que cuando me veo como un otro ya

no puedo considerar propia mi verdadera imagen.

Como ante las imágenes de cualquier depredador, la serie Tote Kojoten plantea esa interrogante: la del personaje, la de su

acción, su situación y como deseo dominarlo: capturándolo en su máxima expresión y la exageración de su movimiento.

¿Qué es lo que sucede?¿Porqué tanto dolor? ¿Para qué tanto sufrimiento?

 

MUSICA: KHORAL. MERCENARIES (JOHN CALE)

 

MUSICA: ANDREA PARKER. MEOLOIOUS THUNK

LAATOMICA

INTERNATIONAL WEIRD COLLAGE SHOW . En La Atómica, C/Constitución,8 2ºD · Valladolid.

Tras pasar por ciudades como New York, Berlín, Montreal, Barcelona

o Madrid, entre otras, The Weird Show trae a Valladolid el

International Weird Collage Show, la exposición colectiva de collage

itinerante más importante del mundo.

El 21 de abril se inaugura en La Atómica la primera colectiva

internacional de collage en Valladolid.

Los artistas Rubén B y Max-o-matic, fundadores de este proyecto, se han

unido para comisariar esta exposición con el artista vallisoletano Cless.

El International Weird Collage Show enseña lo más relevante en el

panorama internacional del collage buscando realizar una lectura

contemporánea a una práctica que se ha ido resignificando desde inicios del

siglo XX.

El International Weird Collage Show se ha convertido, en sus 11

exposiciones realizadas durante los últimos seis años, en el mejor

representante de la nueva voz del collage contemporáneo

internacional, rompiendo con los estereotipos y clichés que estaban

haciendo del collage un recurso gráfico más que un lenguaje artístico. Los

artistas seleccionados por los comisarios son los que representan este

espíritu de búsqueda incansable y de transgresión. Artistas que llevarán la

creación del "nuevo collage" más allá de los gestos vacíos de contenido que

intentan, cien años más tarde, revivir a Dadá y hacer como si en todo este

tiempo nada nuevo hubiera pasado.

Los artistas de Valladolid participando en la exposición son: Cless, David

Fresno, Julio Falagán y Pinapardo.

Listado completo de los artistas participantes (A-Z) :

Alan Ganev (Canadá), André Bergamin (Brasil), Anthony Zinonos (EEUU),

April Gertler (Alemania), Ashkan Honarvar (Noruega), Bill Noir (Francia),

Charles Wilkin (EEUU), Cless (VLL), David Fresno (VLL), Dennis Busch

(Alemania), Eduardo Recife (Brasil), Fred Free (EEUU), Goster (Perú),

Grande (Suecia), James Gallagher (EEUU), Joe Castro (EEUU), Jorge

Chamorro (Alemania), Julia Busch (Alemania), Julio Falagán (VLL), Max-omatic

(España), Pinapardo ( VLL), Rubén B (España), Sylvia Stølan

(Noruega), {Ths} (Alemania).

Comisariada por: Rubén B, Max-o-matic y Cless.

Constitución, 8, 2 D D

47001 Valladolid

Entre los artistas internacionales participantes en el IWCS Valladolid es

importante destacar a:

James Gallagher: (New York, EEUU) Uno de los principales

responsables del resurgimiento del collage en la última década como

comisario de las renombradas Cutters (en New York, Berlin y Cork -

Irlanda), exposiciones colectivas de collage. Su trabajo ha sido expuesto en

prestigiosas galerías de las principales ciudades de América y Europa.

Dennis Busch: (Alemania) Editor de los libros The Age of Collage (1 y 2),

publicados por la prestigiosa editorial alemana Gestalten, recopilando lo

más destacado del collage mundial. Busch es uno de los artistas más

versátiles del collage contemporáneo.

Ashkan Honarvar: (Irán / Noruega) Uno de los artistas contemporáneos

de collage más reputados a nivel mundial. Su trabajo enseña cómo el

cuerpo humano se enfrenta a la irracionalidad, violencia y lujuria, dando

forma a una paradoja donde lo bello y lo grotesco forman parte de nuestra

identidad.

Charles Wilkin: (New York, EEUU) Con un estilo único, Wilkin es uno de

los artistas de collage más influyentes de la actualidad. Su obra ha sido

expuesta en América y Europa y su trabajo lo han publicado las editoriales

más influyentes a nivel mundial.

Eduardo Recife: (Belo Horizonte, Brasil). Uno de los precursores del

collage contemporáneo, Recife ha sido una de los artistas más influyentes

de inicios del siglo 21 trabajando con esta técnica. Su trabajo ha sido

expuesto en EEUU, Japón, Bélgica, Australia, Dinamarca, Brasil y México.

Sobre los comisarios

Rubén B (Madrid, 1975)

Amateur profesional, flaneur y bon vivant.

Con base en Madrid y Trasmonte, ha sido arquitecto y ahora explorador y

naturalista. Trabaja en la recuperación del tamaño original de la Apis

mellifera.

Creador y comisario de International Weird Collage Show, co-fundador de

The Weird Show.

Miembro fundador de la Sociedad Glacial Internacional.

Ex-Miembro fundador de la Sociedad de Collage de Madrid.

Max-o-matic (Buenos Aires, 1975)

Ilustrador y artista. Desde el 2002 vive y trabaja en Barcelona, creando

mundos imaginarios a partir de trozos del mundo real. Su enfoque oscila

entre lo salvaje y lo racional , confrontando el carácter intuitivo del collage

con un racionalismo casi matemático que se impone como fuente creativa

para lograr nuevos resultados.

Ha expuesto su obra artística en galerías de Barcelona, Nueva York, Tokyo,

Berlín, Rotterdam, Amberes, Lima o México DF, entre otras ciudades y ha

desarrollado proyectos para Nike, Wired Magazine, Sunday Times, EA o

Gestalten.

Es uno de los dos miembros fundadores de The Weird Show, colectivo que

reúne (en exposiciones, internet y publicaciones impresas) lo más

destacado del collage internacional.

Cless (Valladolid, 1979)

Escritor de Graffiti, Diseñador Gráfico y Artista collage. Su trabajo se ha

desarrollado en los campos del diseño y la ilustración. Ha expuesto y

comisariado proyectos y muestras dentro del Circuito de Arte Alternativo

tanto en territorio nacional como internacional, mostrando trabajos en

galerías y centros de medio mundo. Actualmente trabaja como freelance en

su estudio de Valladolid.

MUSICA: DIE ANTWOORD. GIRL I WANT 2 EAT U

 

PRÓXIMO CONCIERTO: 17 JUN. MadCOOL. MADRID

CONTRAPORTADA: MURCOFF & WAGNER. GNOSSIENNE 3. Vanessa Wagner  versión.

Rosa Pérez    6.may.2016 10:00    

Encuentro Artístico Colectivo

    viernes 22.abr.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 25.04.16

 

 

PORTADA: Recop. KEROXEN. TUPERWARE. BANANA PLANTS.

Tomas-de-la-Rosa

Néstor Torrens, director del festival Keroxen , artista multimedia y polifacético desde hace años ha venido promoviendo un evento que aúna   arte, música, performance, danza, poesía, etc en Tenerife. Keroxen nace como un encuentro multidisciplinar que, después de seis ediciones, se ha convertido en un referente para quienes buscan festivales distintos, donde el riesgo se plasma a través de un cartel que mezcla sin prejuicios el rock, el jazz, la música contemporánea o la electrónica.

Keroxen, se celebra en un espácio único y peculiar, un viejo tanque de queroseno reconvertido en centro  cultural. Desde Fluido Rosa hemos venido apoyando este festival, desde sus orígenes y hemos viajado en varias ocasiones hasta el epicentro del mismo para vivir y grabar algunos de sus conciertos más extraordinarios. 

Ahora Keroxen es noticia porque lanza un pequeño sello discográfico con músicos y propuestas afines al festival. Acaba de ser presentado en Sevilla y os adelantamos algunas de las perlas que esconde.

Keroxen ya había llevado a cabo algunas acciones editoriales, fundamentalmente poemarios, pero éste es quizás el paso más definitivo y el que tiene más sentido: mostrar lo que musicalmente sucede en las Islas Canarias. 

 

CAFÉ VIRTUAL: https://www.google.es/search?q=rus+anson&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ved=0ahUKEwjUyqbQ4pzMAhWGHxoKHR05DREQsAQIPw&biw=1680&bih=949

 

MUSICA: PETER BAUMANN. CROSSING THE ABBYS.

Rusanson1

RUS ANSON estudio publicidad y diseño grafico en la Universidad de Barcelona. Inició una carrera fulgurante ganando un primer premio organizado por el diario El Pais, con el que consiguió su primera cámara  y la validación de su entusiamo por el medio obteniendo una beca para estudiar en San Francisco.

MUSICA: Project skyward. Holographic Universe.

Rusanson2

Anson idolabraba a Tim Walker y Paolo Roversi y rapidamente desarrolló un vibrante estilo, bebiendo de sus maestros. Su energía joven hace de Anson una fótografa especial para retratar niños. Haciendose cargo de campañas como la de Guesskids y otras para importantes publicaciones y revistas internacionales.

MUSICA: INSIDEOUT. STAY

Rusanson3

Tras residir dos años en N. York , ha encontrado en Los Angeles, el modo de vida más relajado y una nueva oportunidad para acercarse al mundo de la moda. Pero su carrera sigue en expansion. Rus Anson, ha finalizado su campaña sobre arquitectura e interiors.

MUSICA: DAUGHTER. DOING THE REIGHT THING.

Rusanson4

Rus Anson nació en Tossa de Mar, se considera una persona paciente, algo fundamental dedicándose al mundo de la fotografía. El pasado año ganó el premio PDN, y está considerada uno de los fotógrafos nuevos y emergentes a los que no hay que perder de vista.

 

- See more at: http://www.pdns30.com/gallery/2015/#1-Rus_Anson

 

MUSICA:  GENUIS. ROUNDS. DEL ALBUM  VITRUEA

 

Concentrico02

Architectus Omnibus?

Dentro de la segunda edición del Festival de Arquitectura y Diseño de Logroño Concéntrico 02 (28 de abril a 1 de mayo de 2016) el Museo Würth La Rioja acoge la exposición Architectus Omnibus? en el atrio principal del museo entre el 20 de abril y el 29 de mayo de 2016. La exposición reúne un conjunto de diez proyectos seleccionados en una convocatoria pública dirigida a arquitectos españoles y alemanes en el marco del VI Encuentro Hispano-Alemán de Cultura organizado por el Goethe-Institut y el Instituto Cervantes. El objetivo del encuentro era favorecer el intercambio de ideas y estrechar la cooperación entre agentes culturales alemanes y españoles.

Los proyectos seleccionados tienen una filosofía cercana al decálogo de Freshlatino2 (10 conceptos ideados por el arquitecto Andrés Jaque, Premio León de plata en la Bienal de Venecia 2014). El proceso de selección lo llevó a cabo un grupo de trabajo liderado por el director del Architekturmuseum y catedrático de Historia de la Arquitectura y prácticas curatoriales de la Technische Universität München Andres Lepik, la arquitecta y comisaria de exposiciones sobre arquitectura Ariadna Cantis, y el arquitecto y teórico Andrés Jaque, actualmente profesor en la Universidad de Columbia y en la School of Architecture de Princeton University.

La exposición de estos diez proyectos de Architectus Omnibus? muestra diversas propuestas de arquitectos de ambos países, que reivindican la conciencia sostenible de la arquitectura a través de nuevas actitudes y maneras de entender la profesión. Los diez proyectos seleccionados ofrecen ejemplos de respuestas creativas a las necesidades actuales de la sociedad, arquitecturas que se posicionan en el contexto de la responsabilidad social y en las que la creatividad se manifiesta tanto en los resultados como en los métodos de trabajo. La multidisciplinariedad, las prácticas colaborativas, el reciclaje, la sostenibilidad, la innovación, la ecología, la experimentación, la recontextualización o la autoconstrucción son algunos de los perfiles de estas propuestas que apuestan por volver a lo cercano y lo local, al empoderamiento ciudadano y la reactivación de la ciudad.

La exposición se presentó por primera vez durante el VI Encuentro Hispano-Alemán de Cultura en el Instituto Cervantes de Berlín acompañada de unas conferencias y mesas redondas que abordaron la definición del arquitecto del siglo XXI. Posteriormente se mostró en la sala de exposiciones La Arquería en Madrid, con el apoyo del Ministerio de Fomento, la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo, coincidiendo con la XII Semana de la Arquitectura 2015 y con actividades relacionadas a la temática. La muestra en el Museo Würth La Rioja está organizada por Concéntrico 02, el Goethe-Institut y el Instituto Cervantes con apoyo del Ministerio de Fomento

Inauguración:

20 DE ABRIL 20:00h

Asistencia

Programación:  

20 DE ABRIL 20:00h
Presentación Tejiendo la Calle, Marina Fernández Ramos

29 DE ABRIL 19:30h

Visita comentada a exposición, Rebeca Castellanos y Javier Peña. Presentación de proyecto, Centro de día para niños, TALLERDE2 y Gutiérrez-DelaFuente

http://www.museowurth.es/Architectus_Omnibus.html

 

MUSICA : MONYA. PUNK FOR PRESIDENT. (ELECTRIC INDIGO REMIX)

 

MUSICA :  CALIDO LEHAMO. MADRID EN DAVID.

ENTREVISTA: GANADOR VIDEOCLIPS MEDINA DEL CAMPO con , Madrid en David de Cálido Lehamo dirigido por . NACHO A VILLAR. 

Nacho a villar

Nacho A. Villar se titula en el taller de escritura de largometrajes en la ECAM. Ese mismo año trabaja como auxiliar de producción en “La voz dormida”. En septiembre de 2011, comienza sus estudios de Dirección en la ECAM. En 2012, trabaja como auxiliar de dirección en la película “Libertador”. En 2013, realiza el curso de crítica cinematográfica impartido por la revista “Caimán. Cuadernos de cine” en la cual trabaja actualmente como crítico colaborador.

 

REEL 2015. from Nacho A. Villar on Vimeo.

 

MUSICA: NOCTURNAL SUNSHINE. DOWN BY THE RIVER.

 

MUSICA: AGNES PE. MYTILIADE.

PROYECTO AVLAB.  MEDIALAB PRADO. MADRID.

La escena madrileña de músicas experimentales y artes afines ha visto nacer en los últimos años (incluso décadas) interesantes propuestas creativas que por circunstancias han quedado en la sombra en cuanto a su difusión al público general, en gran medida debido a la dispersión y aislamiento de alguno de sus integrantes. A pesar de ello, dichas pro-puestas generan un rico tejido de proyectos, ideas, propuestas y marcos experimentales de la más variada entidad. Desde el colectivo GRS (www.grsmadrid.com) queremos hacernos eco de esta variedad y hemos confeccionado tres programaciones para los meses de Abril, Mayo y Junio para los eventos AVLAB de Medialab-Prado.

Con estas agendas hemos tratado de aglutinar y plasmar en tres instantáneas, un paisaje representativo del trabajo actual de algunos de los artistas más importantes de Madrid, mostrando en cada una de ellas planteamientos dispares pero unidos por el enfoque común de la experimentación.

AGNES PE

Además estas programaciones se han diseñado en su formato y cobertura de contenidos a partir del propio concepto original de los AVLAB que durante varios años se realizaron en Medialab, cumpliendo el triple objetivo de cubrir una parcela performativa, atraer público y contextualizar adecuadamente en cada evento la participación de los artistas programados, ofreciendo una charla introductoria acerca de proyectos concretos en los que están trabajando actualmente, ofreciendo claves de su metodología, producción y herramientas utilizadas.

También hemos prestado especial atención a la programación de contenidos de carácter variado y transversal, de modo que los objetivos planteados en torno a esta cuestión queden completamente cubiertos: experimentación sonora (analógica y digital) + audiovisual + improvisación… A partir de estos perfiles y disciplinas artísticas, hemos confeccionado programaciones de artistas afincados en Madrid en las que ha sido prioritaria además la presencia femenina en todos los AVLAB así como el objetivo de contribuir específicamente a la dinamización de la escena de creación sonora madrileña.

- ELÍAS MERINOELÍAS MERINO (Madrid) charla + concierto

Radicalización compositiva en los actuales tiempos de la espacialización sonora.

- AGNÈS PEAGNÈS (Madrid) charla + concierto

Otros procesos sonoros en la era digital: lo residual como  materia.

- CARLOS SUERO (Madrid) charla + concierto

Músicas perecederas, proyecto basado en la improvisación electrónica en tiempo real.

- WADE MATTHEWSWADE (Francia_USA / Madrid) charla + concierto

Realización de un concierto de libre improvisación con medios electroacústicos interac-tuando con el espacio, sus dimensiones físicas, su acústica y el propio ambiente de la sala.

- EDITH ALONSO  (Madrid) charla + concierto.

 Procesos de exploración del sonido en los que se cuestionan fragmentos de nuestra vida cotidiana.

- JOAQUÍN MENDOZA SEBASTIÁN  (Venezuela / Madrid) charla + concierto

Creación sonora con Pure Data, un acercamiento instrumental y lúdico.

- TUBE TENTACLES (Madrid) charla + concierto

Experimentación con sintetizadores analógicos de válvulas: aplicación en campos ruidis-tas y estéticas no habituales del revival modular.

- PELAYO ARRIZABALAGA. (Madrid) charla + concierto

 Manipulacion de tocadiscos y aparatos analógicos bolsillo

–COLECTIVO GRS (Grupo de Resistencia Sonora de Madrid) (Madrid) charla + concierto

Presentación del colectivo + improvisación electracústica a cargo de los 9 componentes del GRS, siendo la primera vez que se realiza esta improvisación colectiva:

Maryah Gamboa, músico y matemático especializado en investigación sonora.

Javier Piñango, músico y director de Experimentaclub.

Marta Sainz, músico y actriz.

David Area, improvisador y editor en Ex – Nihilo / Mattoid Records.

Lucas Bolaño, compositor y diseñador sonoro.

Juan Antonio Nieto, músico y codirector del festival Acúfenos y eventos Latimeria.

Almudena Villar, arqueóloga y codirectora del festival Acúfenos y eventos Latimeria.

Tomás Gris, improvisador y filósofo.

Enrique Zaccagnini, no músico y magister en estética y teoría de las artes.

www.grsmadrid.com

 

MUSICA: ELIAS MERINO. KEGA. PAISAJES ABSOLUTOS.  ( para saxo bajo y barítono y electrónica)

 

MUSICA :  DASHA RUSH.

 

”DEAD AT HOME”

Exposición y encuentro artístico colectivo

Del 15 de abril al 13 de mayo de 2016. Casa del abuelo de Paloma Pájaro, Paseo del Rollo 34/36,

Salamanca; y diversos espacios distribuidos por Salamanca.

Del 7 de mayo al 10 de junio. La Gran. Calle Claudio Moyano 16, 2º, 47001 Valladolid; y diversos espacios distribuidos por Valladolid.

DEADATHOME2

 “DEAD AT HOME”, es una exposición colectiva alrededor de la que gira un encuentro artístico que se realizará en Salamanca y Valladolid con la participación de Enrique Marty, Marina Núñez, Marta Serna, Jennifer Custodio, José Luis Serzo, Daniel Verbis, Paloma Pájaro, Laura Salguero, Chema Alonso, Jesús Portal, Alejandro Lorenzo, Eva Díez, Carlos TMori, Jesús Padilla, Juan Carlos Quindós, Carmen González, Ignacio Pérez-Jofre, Luis Pérez Calvo, Rosadora, Iría Díaz Manzano, Teresa Martín Lorenzo… El viernes 15 de abril se inaugura en Salamanca la segunda edición del proyecto DEAD AT HOME, un evento focalizado en los distintos aspectos de la cultura contemporánea que propone el uso de espacios domésticos como lugares de encuentro entre creadores, gestores y público. En esta segunda convocatoria se pondrá en marcha un programa expositivo y de encuentros que tendrá como sedes principales dos viviendas urbanas: la casa del abuelo de su directora, Paloma Pájaro, en Salamanca y un hermoso piso del centro de Valladolid, sede de La Gran, galería de arte y editora.

Las dos viviendas se unirán casi físicamente para explorar el potencial del entorno doméstico con el objetivo común de construir y experimentar en torno al arte contemporáneo. Con dos exposiciones, pero también acciones, conferencias, eventos… en un programa que girará en torno al binomio “muerte y deseo” y que cuenta con artistas y creadores como Enrique Marty, Marina Núñez, Marta Serna, Jennifer Custodio, José Luis Serzo, Daniel Verbis, Paloma Pájaro, Laura Salguero, Chema Alonso, Jesús Portal, Alejandro Lorenzo, Eva Díez, Carlos TMori, Jesús Padilla, Juan Carlos Quindós, Carmen González, Ignacio Pérez-Jofre, Luis Pérez Calvo, Rosadora, Iría Díaz Manzano, Teresa Martín Lorenzo y otros que se irán sumando en las próximas semanas. Este año DEAD AT HOME 2016 vuelve con la firme voluntad de remunerar económicamente a todos los profesionales participantes. Por ello hace varias semanas activamos una campaña Crowdfunding que, unos días antes de finalizar, ya nos ha permitido lograr el objetivo previsto: conseguir financiación para al menos el 55 % del presupuesto total. Junto a ello, este año contamos con el apoyo de la Casa de las Conchas y el Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Salamanca.

DEADATHOME1

DEAD AT HOME se presenta bajo el comisariado “muerte y deseo”. Dicho binomio estructura el montaje expositivo en las casas, poniendo en relación parejas de artistas en un mismo espacio doméstico con el fin de activar el diálogo entre ellos así como las tensiones, conflictos o bienaventuranzas que puedan surgir de esa co-habitación.

Los espacios expositivos son habitaciones —espacios íntimos, por otro lado— y es esa co-habitación la que justifica, por tanto, el formato expositivo. Esta idea de co-habitación puede remitirnos, asimismo, al tipo de tensiones que ocurren al encontrarnos con un desconocido en un ascensor, a todo lo que surge de forma subterránea y que dura tan solo unos segundos: tensiones eróticas, incomodidad física, sentimientos de violencia ante la invasión del espacio propio, etc. Llevada la metáfora al otro extremo, estaríamos hablando de la pareja humana en términos afectivos, dos entidades independientes condenadas a comunicarse entre sí, para bien o para mal, incluidos los hallazgos y frustraciones que acompañan el proceso.

MUSICA: BIOSPHERE. T SHOP

CONTRAPORTADA: CD KEROXEN. POSTMAN. ANIMAL

Rosa Pérez   22.abr.2016 10:19    

MAQUINAS DE DESEO

    viernes 15.abr.2016    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.04.16

 

 

PORTADA: PETER BAUMANN. Ordinary wonder. Del album  Machines of Desire

Peter_Baumann_portrait  Minimoogvoyager

Entre 1971 y 1977, Peter Baumann fue miembro de la legendaria banda alemana, Tangerine Dream, inventores y por lo tanto pioneros de la electrónica. Ha producido discos seminales en su estudio de grabación asi como varios discos en solitario.

A finales de 2014 tuvo la idea de adentrarse en el mundo de la filosofía y la psicología, tras años de estar inmerso en el mundo de la música y de esa exploración surgieron nuevas fuentes de inspiración para hacer música, de nuevo.

Machines of Desire es el resultado. Un disco a que recopila todas las experiencias sonoras de su larga trayectoria pero que incorpora esas reflexiones sobre el ser humano. El disco que se publicará el 20 de mayo  incluye ocho piezas ambientales de excelente factura que harán volar tu imaginación.

 

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.cemreyesil.com

 

MUSICA: Volutes. Sparrow

CEMRE1

Cemre Yesil es una fotógrafa turca que reparte su residencia entre Londres y Estambul. Con una excelente formación internacional su obra ha merecido el reconocimiento de una amplia selección de instituciones y organismos como el AGM Magnunm o  ser nominada por el Amsterdam Photography Museum, para el premio Paul Huff.

MUSICA: Volutes. The Stranger

CEMRE2

La              fotografía de Cemre Yesil está basada en experiencias personales, intentando procurar una mirada que los ojos no pueden capturar a primera vista. Caminando entre lo indispensable e imposible en la contrucciones de relaciones,para Cemre el acto de fotografiar se convierte en un respiro en el flujo y reflujo de la vida.

MUSICA: Dj Ipek. Sakina Teyna Trio

CEMRE3

la fotografía ES PARA Cemre        Yesil, como una herramienta para comunicarse e interactuar con con su entorno, así como una investigación del ser humano  y sus maneras desarrollar las relaciones entre ellos y el mundo en que viven.

Cree en las fotografías como objetos que tienen un gran poder de crear vías para repensar acerca de las conexiones que compartimos como seres humanos. Su objetivo es crear una conversación íntima entre ella y la gente que fotografía y, finalmente, facilitar una conversación similar entre sus fotografías y el espectador.

MUSICA:  Spryk. Fresh

CEMRE4

 

Desde el pasado 14 de abril a las 19:30 hrs., La Fábrica propone la  exposición: For Birds' Sake de las fotógrafas Cemre Yesil y Maria Sturm. Un trabajo que ha sido publicado como fotolibro por La Fábrica y ahora se presenta en su vertiente expositiva

For Birds’ Sake es el resultado de un proyecto llevado a cabo por estas dos autoras durante el año 2014 y que se dio a conocer en la pasada edición de Descubrimientos PHotoEspaña. La muestra reúne una quincena de fotografías de las artistas que profundizan en una de las prácticas más arraigadas entre los hombres turcos durante siglos: la custodia y crianza de pájaros cantores.

 

MUSICA: RUBY TUESDEY.

 

TERRY O´NEILL. BREAKING STONES. A Band on the Brink of Supertardom. Exposición de fotografías y edición limitada Jose Cuervo dedicada a los Rolling Stones. Mondo Galeria. Madrid. 

 

Un grupo tocaba en el verano del 62 en el Marquee de Oxford Street  llamados The Rollin Stones, sin tener idea de que pronto serían parte de la historia de la música.

Breaking Stones. A Band on the Brink of Superstardom, es una  es un docmento temprano de los principios de su carrera. De 1963 a 1965, dos jóvenes fotógrafos también inician sus carreras artísticas, Terry O´Neil y Gered Mankowitz.

Terri O´neill vino a presentar el libro que da título también a la exposición   que muestra Mondo Gallery en Madrid.

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Con esta exposición, MONDO GALERIA presenta y pone a la venta en España el libro que lleva el mino nombre, Breaking Stones, a band on the brik of Supertrardom 1963-1965, que contiene cientos de fotografías y muchas anécdotas de los fotógrafos asi como textos de introducción  escritos por cada uno de los miembros de la banda y otros personajes. La muestra se puede ver hasta el 30 de mayo.

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Coincidiendo y supongo que como preámbulo a su nueva gira en otro espacio de Madrid,

EL HOTEL ROOM MATE ÓSCAR RINDE HOMENAJE A DAVID BOWIE

Gift Coffee, el espacio de ocio que el hotel relanzó a principios de 2016, alberga una exposición de Terry O’Neill (el fotógrafo apodado “el rostro de las leyendas”) con algunas imágenes inéditas del artista. La exposición se puede visitar desde el 14 de abril al 30 de mayo.

MUSICA : Soulsavers. Delarge. Kubrick

 

MUSICA : MARCOS CRUZ.

 

ENTREVISTA.  

Arts Libris | Barcelona 
Feria Internacional
de la Edición Contemporánia

 

En 1994, la editora Rocío SC Santa Cruz (ES, 1967), formada, entre otras, en la Escuela Estienne de París, puso en marcha la galería y el sello editorial Raíña Lupa en la capital francesa. La interconexión entre arte y literatura a través de diversos proyectos, la edición de libros ilustrados y la difusión de obra gráfica original constituyó el ADN de su proyecto. En 2002, Raíña Lupa se trasladó a Barcelona, desarrollando una nueva línea editorial que se articula en base a la fotografía y las técnicas digitales. Paralelamente, los comisariados de exposiciones y proyectos han complementado su labor como galerista y editora. En 2009, Rocío SC Santa Cruz puso en marcha la Feria Internacional de Edición Contemporánea Arts Libris, que dirige y produce desde entonces y que se celebra en Arts Santa Mònica, en Barcelona. En 2015 abre la galeria RocioSantaCruz en Barcelona.

Moritz Küng (CH, 1961) es comisario de exposiciones y editor, y trabaja sobre todo en la intersección entre el arte, la arquitectura y la edición de libros. Ha sido jefe del campus de arte internacional deSingel en Amberes (2003-2011), y director en funciones del Canódromo en Barcelona (2010-2012). Además de comisariar y editar numerosas exposiciones y publicaciones, ha sido comisario del pabellón belga en la 25 Bienal Internacional de São Paulo (2002) y la 11 Bienal de Arquitectura de Venecia (2008), donde en 2010 también fue jurado de los Leones de Oro.

Antonio Zúñiga ( ES, 1964) es docente, comisario especializado en obra múltiple y editor. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte. UB . Colaborador y creador de proyectos educativos para La Fundació “la Caixa”, CaixaForum. Es profesor asociado en la Universidad de Barcelona UB, Facultad de Educación. Miembro del grupo de investigación de la Universidad de Granada, SOBRELab. Prácticas artísticas y políticas de la edición (sobrelab.com). Director de EdicionesOriginales (www.edicionesoriginales.com). Ha editado la obra de Ahlam Shibli, Perejaume, Hans – Peter Feldmann, Joan Rabascall, Peter Friedl o Rogelio López Cuenca.

 http://artslibris.cat/es/

 

 

MUSICA : PROJECT SKYWARD. HOLOGRAPHIC UNIVERS (ULRICH SNAUSH REMIX) DEL HOLOGRAPHIC UNIVERS EP.

 

MUSICA : ORCHESTRA OF SPHERES.  DIVINE HORSES

ENTREVISTA: GUILLERMO JACK. 

Sala de Exposiciones del Club Financiero Atlántico 
Avda. Salvador de Madariaga 76, bj.
A Coruña, España . Hasta el 27 de abril

BEA_DIPTICO

Síntesis y Biografía

El creador gráfico y audio-visual se deja arrastrar imbuído por la natural magia de la pintura, lugar de acción complementario a los quehaceres digitales.

Volver a cierta esencia y mancharse las manos le aporta un campo de expresión paralelo donde realizar el innegable deseo puramente plástico.

Partícipe de un mundo en el que el grafista multidisciplinar convive con todo tipo de imagínerías, maquinarias y engranajes tecnológicos; la plataforma multimedia

convergente en los tiempos presentes, los tiempos de lo inmediato. Esto provoca una reivindicación natural de la plástica en una generación de autores que se toparon

con el diseño y las artes digítales pasándoles por delante, cuando tenían en una mano unas tijeras, y en la otra un bote de cola.

Así aparece la pintura del autor, directamente vinculada como consecuencia de forma y acto a su tiempo. En un mundo donde los mensajes

emitidos por una gigantesca pluralidad de medios y soportes actuan como legión en una marea incesante de impactos visuales ante los que nos volvemos material

sensible, nos revelamos ante ello como consecuencia y por medio de la expresión artística.

Guillermo Jack se forma como diseñador gráfico en el Madrid de mediados de los noventa. A finales de la citada década empieza a pintar y a exponer

en circuitos alternativos de La Coruña, y habituales espacios culturales y de ocio nocturno de la ciudad.

En los que presenta pinturas con dispares influencias directas: el comic, el pop, la neoplástica, nuevo realismo norteamericano...

Desde un principio se le vincula directamente al arte pop, y a una influencia marcada por la estética de las décadas de los sesenta y setenta. Algo que no es acatado

del todo por el pintor. " Aunque te resulte algo un poco tópico, lo cierto es que me veo como una herramienta que la pintura utiliza, viviendo dentro de una cultura pop

que nos es comun a todos: El cine, la publicidad, el rock, etc.me mueven como influencia, pero no soy un pintor al uso de esta tendencia, sinó una esponja susceptible

de influencias muy dispares que utilizo para llegar a un fin, y no al contrario."

Atrás quedaron aquellas alusiones y excesivos a la par que recurrentes símiles de la prensa a Andy Warhol.

Hoy, después cierta actividad, con bastante carretera sobre las espaldas; este autor sigue siendo utilizado por el color y la fuerza de impactos visuales directos.

Lo estético y lo crítico, el juego de lo superficial y lo profundo. El trasfondo psicológico y la mirada captada, como en un click fotográfico que te deslumbra por un instante.

Manel Flowers para aoxomoxoaworld.blogspot.com

MUSICA: ALADIN. GIRLS IN UNIFORM. TREVORN  JACKSON REMIX.

 

MUSICA:  Dorothy Parker. Cola

ENTREVISTA: 

Symphonos

HÉROES Y ANTIHÉROES
SYMPHONOS 16

Inauguración 14 de abril de 19,00 a 21,00 horas

Exposición abierta del 14 al 23 de abril de 2016
Sala Polivalente Centro Cultural Conde Duque
C/ Conde Duque, 11. Madrid.

La Asociación Cultural Entorno Conde Duque es una plataforma multidisciplinar que nace en

2015 con el espíritu de promover la cultura y el diálogo entre las distintas expresiones artísticas

en un escenario único. En abril de 2015 surge el Festival Symphonos (De común acuerdo,

con una sola voz) como el gran evento cultural del Entorno Conde Duque.

Del 14 al 23 de abril tendrá lugar Symphonos 16, la segunda edición del festival que organiza

la Asociación Cultural Entorno Conde Duque, que ofrecerá conciertos, conferencias,

visitas guiadas, cine... en los distintos espacios del “Barrio de la Música”: Conservatorio

Amaniel, Biblioteca Musical Víctor Espinós, Museo ABC, Música Creativa, Cines Renoir,

Escuela Superior de Canto, Museo Cerralbo, y en la Sala Polivalente de Conde Duque tendrá lugar la muestra colectiva de galerías “Héroes y antihéroes” en la que participan Blanca Berlín, Twin Gallery y Movart, junto a la galería invitada Pilar Serra.

Los artistas que expondrán en la muestra colectiva “Héroes y antihéroes” son: Pep Carrió (Galería Blanca Berlín), Manuel Gracia y Mónica Aranegui (Galería Movart), Yani Alonso, Rosalía Banet, Iván Cantos, Javier Chozas, Marla Jacarilla, Salim Malla, Ubay Murillo, Tito Pérez Mora, Gema Rupérez, Noé Serrano y Daniel Vega Borrego (Twin Gallery). Además la exposición contará con obra de Concha García, por parte de la galería invitada Pilar Serra.

La muestra reflexiona en torno al conflicto del Bien y el Mal, la dualidad humana y natural entre el equilibrio y el caos; contextualiza, cuestiona y propone una amplia definición del llamado acto heroico. Estará acompañada por la propuesta de arte de acción a cargo de la artista Mónica Aranegui y los conciertos de los alumnos del Conservatorio Profesional de Música Amaniel, aunando arte y música, como la apuesta de diálogo entre distintas disciplinas culturales que promueve la Asociación Entorno Conde Duque.

Más información: entornocondeduque.es

UBAY MURILLO

"Estudio sin título (héroes/antihéroes)"

Ubaimurillo

John Currin cuenta esto de uno de nuestros héroes españoles

del s. XX: Cubism was perverse when Picasso first did it.

People justify it by talking about looking at an object from

three sides and so on, but it always seemed to me much more

about seeing the ass and the breast at the same time. That's

basically what Picasso used it for, and even after he gave up

Cubism, he still habitually drew the ass crack, the pussy and

the breast on the front. The metaphor was not about time

travel, it was about total sexual domination.

¿Qué relación podrían tener los movimientos de la vanguardia

clásica con el mundo presente de producción de capital y

deseos? ¿Podría ser la vanguardia una figura antiheróica en

la modernidad? Las ideas e imágenes de la vanguardia se

encuentran en las revistas de tendencias. Unos movimientos

que aspiraban a modelar la mente del hombre occidental o

de unir arte y vida terminaron anunciando numerosas campañas

de ropa, colonia o lencería. Warhol, creando la revista

Interview, fue clarividente en este sentido.

MUSICA: EMPTY TAXI. ESKIM O

 

CONTRAPORTADA: PETER BAUMANN. The blue dream. Del álbum Machines of Desire.

Rosa Pérez   15.abr.2016 10:40    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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