CONCIERTO EXCLUSIVO DE: Teho Teardo & Blixa Bargeld, desde el Espai Sonor del EACC.

    jueves 3.ago.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

FLUIDO ROSA  07.08.17

 

Ya sabéis que en verano ofrecemos formatos diferentes. En esta ocasión vamos a proponeros la escucha del concierto registrado el pasado 4 de julio en el EACC, el espai d´art contemporani de Castelló. Los seguidores de este centro, asi como muchos de vosotros habituales de FR sabéis que desde hace algunas temporadas en el Espai además de exposiciones también vienen desarrollando un interesantísimo ciclo llamado Espai Sonoro, donde a comienzos de julio se pudo disfrutar del concierto de dos grandes de la música y la experimentación, que además tienen un importante bagaje detrás. Hablamos de Teho Teardo & Blixa Bargeld.

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Ambos comenzaron a trabajar juntos con el álbum Still Smiling.

TEMA: TEHO TEARDO & B. BARGELD. STILL SMILING.

En            2013 es cuando se publicó el álbum Still Smiling, del que esta pieza dá titulo al disco.  Tres años después de su debut conjunto, en  2016 lanzaron Nerissimo, con material completamente nuevo.

Pero quizás deberíamos conocer, o  al menos tener alguna referencia de estos dos artistas por separado.

TEMA: TEHO TEARDO - L'etoile de mer ( finale ) - 07 Febbraio 2016 - live @ Santeria Social Club (Milano)

Teho Teardo vive en Roma y es músico, compositor y técnico de sonido. Creó las bandas sonoras de varias películas de los ganadores del Oscar, Paolo Sorrentino y Gabriele Salvatores. Ganó varios premios por su música, como el Premio Ennio Morricone y el David Di Donatello.

Como experimentador, uno de sus logros es haber creado una orquesta de guitarras eléctricas. Esta pieza forma parte de su último disco en solitario el retorno de la razón, donde se incluyen música para tres películas de Man Ray. Si queréis más información os invito a conocer su web:  www.tehoteardo.com

El otro compañero de aventuras es Blixa Bargeld.

Blixa Bargeld nació en 1959 en Berlín Occidental. Trabaja como cantante, escritor, compositor y director. Fue guitarrista de Nick Cave and the Bad Seeds durante más de 10 años y es el jefe y fundador de Einstürzende Neubauten desde 1980. Actualmente reside entre San Francisco, Berlín y Pekín.

TEMA: BLIXA BARGELD. Grand  Hotel Tbilisi


Pues bien tras haber escuchado a los dos creadores por separado. Volvemos a la colaboración de ambos artistas.  Este es el resultado de un vínculo especial, tanto artístico como personal, donde Teho y Blixa reinventan su relación para explorar nuevos territorios.
Nerissimo es el título del ultimo álbum, como dúo. La cubierta se inspiró en una pintura de Hans Holbein el Joven titulada The Ambassadors (1533). En la pintura hay referencias enigmáticas a la filosofía, a la religión, a la mortalidad y a la ilusión, que conectan con algunos de los temas en el álbum.

Nerissimo es el superlativo italiano de negro (el más negro) y hay algo muy negro en la música en este disco: como el color negro contiene todos los colores, la música contiene una multitud de posibilidades.

Escrito y cantado en alemán, inglés e italiano, las canciones se extienden desde los dramas microscópicos, pasando por lo surreal, lo épico y lo cósmico . Una conexión Roma Berlín muy interesante que resume el trabajo realizado durante tres años.
El pasado 4 de julio este proyecto fue presentado en Castellón, el Espai d´art contemporani acogió este concierto que hoy ofrecemos en exclusiva para los oyentes de radio 3.


www.blixa-bargeld.com

 

Sesión final

Playlist:

MICA VAINIO & FRANK VIGROUX . MEMOIRE

VALGEIR SIGURSSON.BIG REVEAL

DRAUMALANGIO. MUSIC BY VALGEIR SIGURSSON

HAUSCHKA. WE LIVE A THOUSAND YEARS

FRANK VIGROUX. CENTAURE.

 

 

 

 

Rosa Pérez    3.ago.2017 02:22    

SESION VERANO II

    jueves 27.jul.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

31.07.17

 

PLAYLIST

 
MATIAS STUBO. OPP. I LUFTA
KILN. ACRE
Kiln_groupphoto
FISH. DMT USHER
ABENÇOADA. UK BORDER
BLUE FIELDS. PAPER CUT
AMELIE LENS. LINGER ON
KILN. STAR FIELD
BRUTKHO.SEKOMEN
FRACTA ARQUITECT. MONOLIT
CARLOS SUERO. CAMARA OSCURA
Carlos-Suero-2-©-Alfonso-Tarancón-1024x683
DIOLYNOIRE. COMPULSIVELY PLEASING
FERNANDO LAGRECA. IMPERFECTIONS.
APPARAT. ARCADA
CLARA MOTO. SILENTLY
AGELINA YERSOVA. BLIND RAIN
BRUCE BRUBAKER. KNEE PLAY
LCC. CALX
ATANA 77. DESAPARECER
DOWLINNERS SEKT. SILENT ASCENT
NARCOLEPTICA. GNITSALREVE
Narcoleptica 2
AGORIA. SPEECHLESS
MURCOFF WAGNER. PIANO PIECE 1952

Rosa Pérez   27.jul.2017 01:19    

SESION DE VERANO I

    jueves 27.jul.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 24.07.17

 

PLAYLIST: 

ANDREA PARKER. MELODIOUS THUNK
Descarga
ALEX SMOKE. MANACLES DUB
NATHAN FAKE. FEELINGS
FOREST SWORDS. THOR´S STONE
WE´VE GOT ENEMIES. SKYLINE
A´BEAR. REBIRTH
BMINOR. INNERSELF
BYETONE. MORNING
Byetone
CARL CRAIG ORCHESTRA
DANIELE PICCIOTO & ALEXANDER HACKE. AWAKE
FLORIAN KHRUSE. RAISE YOUR GLASS
JEKKA. VREMENA
LCC. CALX
JACOB NEWMAN. BATS AND DUSTS
LEE YI. GLACIERS IN FJORD
MAJA OSOJNIK. TELL ME
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MATJAMI & VICTOR YIBRIL. SLEEPING SUN
AITANNA 77. UNA VIDA TRANQUILA
POUPEES ELECTRIQUES. THE END OF DIVERSION
ROBERT HEEL. FINGAL

Rosa Pérez   27.jul.2017 01:15    

Pablo Dread, Beat Love y Lost Twin

    viernes 7.jul.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.7.17

 

 

Continuamos con el Festival a Place  Apart

El  pasado l 9 de junio asistimos a La Térmica de Málaga a conocer las propuestas del ciclo de Becas Creadores 2017. Como recordaréis realizamos un programa especial desde este centro de arte y paralelamente a la presentación de Creadores se celebró el fetival A Place Apart. Un festival que se celebra dos veces al año en dos ciudades Sevilla y Malaga.

Traemos a este especial el live de  Pablo Dread. Productor de sonidos potentes y pegadizos con los sellos Meltdown Dubs y Upskillz Records, a la par que disc jockey en el colectivo Memory Call. Pablo Dread, desde Malaga, Tiene dos EPS.

PabloDreadMini

 

 

Otra de las propuesta que se presentó fue la de  Beat Love. Un dúo de música electrónica formado en 2009 por el productor Bejamin Jiménez y la cantante Myriam Fernñandez. Definen su música como una explosión de música y amor.

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Tienen varias publicaciones, la última en format cassette. Titulada Save.

http://beatlove.es/

Para finalizar presentamos a  Lost Twin , el proyecto del también sevillano Carlos R Pinto, aunque residente en Brighton. Lost Twin confecciona sonidos, que se remontan al arte de la beatmaking, mientras trasciende una capa subyacente de mística psicodélica.

 

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Rosa Pérez    7.jul.2017 02:48    

Festival Ensems, con Santiago Latorre y A Place Apart con las sesiones de South Vibes Soundsystem y Dj PLM

    jueves 29.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 03.07.17

 

 

Comenzaremos con el concierto de Santiago Latorre, dentro del Festival Ensems, en su edición 2017. Celebrado en Valencia, Ensems, en su propuesta más experimental, ha mostrado el trabajo de una selección de artistas de los que os hemos dado cuenta, aquí en Fluido Rosa y hoy nos centraremos en el concierto de clausura.
El pasado 7 de junio en el centro del Carmen se presentaba Santiago Latorre.

El músico Santiago Latorre y el coreógrafo Carlos María Romero colaboran en la creación de un dispositivo escénico inspirado en la noción de ecosistema. Los materiales que dan origen a esta propuesta provienen o están inspirados en situaciones que abogan y construyen relaciones con el ambiente de tipo no hegemónico y en las que las personas se ven como parte integrada y no como dueños y señores del mismo. Los artistas han buscado relaciones de tipo afectivo o espiritual con el entorno, presentes en ritos, músicas y danzas que celebran tradicionalmente las cosechas, las lluvias, los solsticios, las lunas llenas; así como en los actos de resistencia de comunidades que son afectadas por la privatización, explotación y contaminación de recursos naturales, tanto en Aragón como en la Región del Caribe colombiano. El proyecto propone infundir parte de esa conexión afectiva a la música y el sonido realizado con nuevas tecnologías.

Este trabajo proviene de una exploración del procesado de la voz en directo mediante el uso de sensores sin contacto que Latorre viene realizando desde 2016 bajo el nombre de SLT. Está producido por Etopia - Centro de Arte y Tecnología en Zaragoza, con el apoyo en Colombia de la Plataforma Caníbal, la Fundación Divulgar y la Red de Empoderamiento Ciudadano del Caribe.

Santiago latorre

Santiago Latorre

Santiago Latorre (Huesca - España, 1981) es un artista interesado en cómo lo orgánico y lo vivo participan y pueden afectar todas las fases de la creación musical, desde el momento de la composición y generación del sonido hasta la percepción.

Este interés se inicia en 2004 con su Sonificación del Genoma Humano, proyecto fin de carrera en Ingeniería de Telecomunicaciones, y se desarrolla a través de diversas propuestas sonoras, la más reciente la performance privada A Pie De Cama desarrollada junto a Nieves Arilla, una colección de canciones para cantar al oído, para una o dos personas tumbadas en una cama.
Ha editado dos discos en solitario: Órbita (Accretions, 2008) y Eclíptica (Foehn Records, 2011) utilizando electrónica e instrumentos acústicos como el saxofón, el piano y la voz, que le han llevado a actuar en ciudades de Norteamérica, Asia Oriental y Europa, así como en diversos festivales en España como Sónar y Primavera Sound (Barcelona), LEV (Gijón) y, como participante de la Red Bull Music Academy, en Auditorio Centro Centro (Madrid).
Latorre es comisario de FUGA - Exploraciones Sonoras, un programa de residencias artísticas, plataforma de exhibición e incubadora de contenidos educativos que desde 2015 se aproxima al sonido como una experiencia física, sensorial, espacial, espiritual, social y política; que nutre una comunidad de artistas y tecnólogos; y que apoya el desarrollo de nuevas formas de producir con la tecnología como facilitadora de puentes artísticos.

APLACEAPART

El 9 de junio asistimos a La Térmica de Málaga a conocer las propuestas del ciclo de Becas Creadores 2017. Como recordaréis realizamos un programa especial desde este centro de arte y paralelamente a la presentación de Creadores se celebró el fetival A Place Apart.
Actualmente, A Place Apart tiene lugar durante un día, dos veces al año en dos capitales andaluzas como son Sevilla y Málaga. Desde sus orígenes nació con un concepto itinerante, por lo que no se descarta pueda realizarse en cualquier otro punto de España.
Además este año, A Place Apart celebró un workshop de introducción al sampling impartido por Lost Twin, uno de los proyectos artísticos participantes.
Traemos a este programa Especial sonoro de Fluido Rosa, la sesión de South vibes, con su especial sound system desde Málaga  y la de DJ PLM, el nombre artistico de Victor Palomo de Sevilla.

 

Rosa Pérez   29.jun.2017 18:15    

Pinceles digitales, vanguardias artísticas, Museo de Género y Espacios sonoros.

    jueves 22.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 226.06.17

 

Portada: MURCOF X WAGNER. Piano Piece 1952 / Version 2 (Morton Feldman)

MURCOFXWAGNER

EP02, ofrece tres nueva interpretaciones de piezas de Philip Glass, Morton Feldman y Arvo Pärt, donde las exploraciones analogicas  y las notas de un piano se encuentran con las formas abiertas de canones minimalistas.

Se trata de una nueva entrega que sigue al album Stea realizado por Murcof y Vanessa Wagner en septiembre de 2016.  El Ep01 se trató de una serie de trabajos induviduales realizados  por los dos protoganistas con sus respectivos instrumentos y ahora presentan tres piezas o movimientos no realizados cuya narración sonora es única. Reinterpretan o hacen una nueva lectura a Philip Glass, Morton Feldman y Arvo Pärt.

released June 16, 2017

Vanessa Wagner : piano
Murcof : electronics and production
Piano recorded at Le Plan (France) by Joachim Olaya

Track 1 composed by Philip Glass and published by Dunvagen Music Publishers
Track 2 composed by Morton Feldman and published by Peters
Track 3 composed by Arvo Pärt and published by Universal Edition AG (Wien)

 

Musica:  LEE YI. Glaciers in a fjord.

Entrevista: Sergio del Puerto. de Serial Cut.

PincelesMunch

Adobe da nueva vida a los pinceles centenarios de Edvard Munch.  

Los pinceles del maestro han sido recreados digitalmente con el apoyo del Museo Munch

 Adobe ha anunciado un proyecto innovador y pionero en su clase, Tesoros escondidos de la creatividad (Hidden Treasures of Creativity, en inglés), que recrea digitalmente los centenarios pinceles de Edvard Munch para inspirar a una nueva generación de grandes pintores. Con el apoyo del Museo Munch de Oslo y del premiado Kyle T. Webster, creador de pinceles para Photoshop, Adobe ha replicado siete de los pinceles originales de Munch y los ha puesto a disposición de los usuarios de Creative Cloud para Photoshop y Sketch a nivel mundial.

Con el apoyo de los expertos en conservación del Museo Munch, los pinceles originales del pintor fueron fotografiados en 360 grados utilizando cámaras de ultra alta definición, que capturaron todos los ángulos y detalles de los pinceles para crear una fiel representación en tres dimensiones. El estilo artístico de Munch y sus pinceladas fueron analizados atentamente por especialistas y combinados con la información sacada de las características de los pinceles, incluyendo propiedades físicas como la flexibilidad o el tipo de cerda.

El proceso de convertir la información y los datos digitalizados en pinceles de Photoshop fue llevado a cabo por Kyle T. Webster, considerado por muchos la mayor autoridad en cuanto a pinceles de Photoshop. En colaboración con los expertos del museo, Kyle ha podido capturar la forma exacta y  los atributos de funcionamiento de cada uno de los pinceles, que desde hoy ya se pueden descargar para usarse en Photoshop y Sketch.   

Simon Morris, director senior de campañas de marketing de Adobe dijo: “Hay ciertas obras de arte que todos conocemos y amamos. Estas piezas trascienden en el tiempo influenciando a los creativos modernos y a la sociedad en general. Pero pocas veces pensamos en las herramientas que se usaron para hacer posible la creación de esas obras maestras.”

“Tesoros escondidos de la creatividad trata de dar una nueva vida a estas herramientas y ponerlas en las manos de una nueva generación de artistas. Instituciones como el Museo Metropolitano del Arte en Nueva York y el Rijksmuseum, el museo nacional de Ámsterdam, ya tienen disponibles sus colecciones online para ayudar a que las obras de arte clásicas sigan en la atención del público. Este innovador proyecto es la extensión de este movimiento, haciendo posible que los artistas de hoy en día redescubran y atesoren los pinceles de uno de los maestros y los usen para crear su propia obra maestra.”

Para saber más sobre cómo puedes usar los pinceles de Munch recreados digitalmente para hacer tus propias piezas, Kyle T. Webster presentará junto a Therese Larsson, Suzanne Helmigh y Sebastien Hue, una serie de sesiones online centradas en el tema de pintura digital que podrán disfrutarse en directo vía streaming online del 20 al 22 de junio y a las que ya te puedes apuntar

Musica: MIST. CELESTIALIS. DEEP DIVERSITY VOL 5

 

musica:  DELIA DERBYSHIRE. ZIWZIH

Entrevista MUSEO VOSTELL. JOSE ANTONIO AGUNDEZ. director.

Vostell

Una selección realizada a través de fondos propios,  que recuerda la estrecha vinculación del MVM a la vanguardia artística, con propuestas performativas, intervenciones en el paisaje y la exploración de la imagen del cuerpo humano.

 

 http://museovostell.gobex.es/

 

Musica:JACOB NEWMAN. BATS AND DUSKS.

música: JEKKA. VREMENA. EP YUNOST

Entrevista: María Sánchez

PRESENTACIÓN VONA

El primer videojuego de un museo de género.

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VONA –“Ella” en ucraniano- es un videojuego colaborativo que surge de la unión de Gammera Nest (estudio especializado en la creación de videojuegos para museos) y la investigadora María Sánchez (aka. Pimienta Sánchez) en Factoría Cultural. La intención al desarrollarlo es la de construir una versión virtual del Gender Museum (Járkiv, Ucrania), haciéndolo ubicuo y accesible para todas las personas que posean un dispositivo móvil o un ordenador. De esta forma, VONA difunde el discurso y la colección del museo. El juego invita a la reflexión sobre la identidad, sobre el papel de la mujer en la familia, y de manera indirecta sobre el papel del museo como institución física (y también virtual) en los procesos de cambio social.

VONA es videojuego multiplataforma accesible de 0 a 99 años y gratuito, que quiere sumarse a la campaña #SaveGenderMuseum para evitar el cierre del único museo de género en Europa del este que está en riesgo dada la situación actual.

Con motivo de la presentación del juego, participarán en una mesa redonda: María Sánchez (creadora de #SaveGenderMuseum), Clara Harguindey (diseño y comunicación en Gammera Nest), Ana Gómez (coordinadora y documentalista en Gammera Nest) y Kateryna Palanska (mediadora y traductora). Además, habrá un coloquio con el público asistente moderado por Patricia Horrillo (periodista y coordinadora de Wikiesfera-Wikimujeres)

 

http://savegendermuseum.com/es/

Musica: 04. CLARA MOTO. I SAW YOUR LOVE.

INDICATIVO+ MUSICA:  Danielle de Picciotto & Alexander Hacke. AWAKE

 

 

ENTREVISTA: LORENZA BARBONI

ESPAI SONOR. ESPAI d´ART CONTEMPORANY. CASTELLÓN.

4 de julio: Teho Teardo & Blixa Bargeld

7 de julio: Danielle de Picciotto & Alexander Hacke

www.eacc.es

MUSICA: Teho Teardo & Blixa Bargeld - The Beast

 

CONTRAPORTADA: MURCOFF X WAGNER. Spiegel Im Spiegel (Arvo Pärt)

Rosa Pérez   22.jun.2017 11:15    

ECOESTÉTICAS + concierto Isabel Latorre homenaje a Pauline Oliveiros.

    viernes 16.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 19.06.17

 

PORTADA: COM TRUISE. CORTE 10 SYRTHIO. ITERATION

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El       amante de los teclados vintage, Seth Haley conocido como Com Truise, vuelve a la actualidad con nuevo material desde 2011. Iteraction  es el segundo álbum de este artista con base en Los Angeles, editado en su sello habitual Ghostly International.  El disco esta repleto de ritmo, grooves robóticos y  teclados chirriantes que nos traen cierta nostalgia en una selección de piezas que hablan del personal mundo de Com Truise.

MUSICA: ROBERT HEEL. FINGAL. DEEP DIVERSITY VOL. 5

 

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ENTREVISTA: JUANLI CARRION (Artista)  Y BLANCA DE LA TORRE. (Comisaria)

Hybris: A Possible Approach to Ecoaesthetics

Hybris

17 de junio de 2017 – 7 de enero de 2018
Salas / Halls: 4 - 5

MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. 24003, León. Spain.
www.musac.es

Comisariado: Blanca de la Torre


Artistas: Elena Aitzkoa, Amy Balkin, Zigor Barayazarra, Jorge Barbi, Guillem Bayo, Basurama, Luna Bengoechea Peña, Joseph Beuys, Juanli Carrión, Jacobo Castellano, Carma Casulá, Agnes Denes, Nicole Dextras, Bárbara Fluxá, Regina José Galindo, Nilo Gallego / Felipe Quintana, Fernando García-Dory, Andy Goldsworthy, Newton & Helen Mayer Harrison, Basia Irland, Patricia Johanson, Maider López, Lucia Loren, Ana Mendieta, Pablo Milicua, Fina Miralles, Santiago Morilla, Vik Muniz, Amor Muñoz, Xavi Muñoz, Teresa Murak, Katie Paterson, Asia Piaściky / Monika Brauntsch, Herman Prigann, Vegonha Rodríguez, Adolfo Schlosser, Alan Sonfist, Hiroshi Sunairi, Juan Zamora

Hybris crea un paisaje que habla de ecología política, económica y social a partir de las miradas de una cuarentena de artistas internacionales, nacionales y locales. La propia exposición actúa de un modo respetuoso con el medio ambiente, en una actitud de respuesta hacia la hybris que caracteriza el presente, con una intención de búsqueda de un cambio de paradigma y a colaborar en aras de un futuro más habitable para todos.

Con el fin de realizar un proyecto coherente con este planteamiento, se han establecido directrices tales como atender criterios de cercanía, huella ecológica del transporte de las obras, materiales y procesos ecológicos, reciclaje de dispositivos expositivos, rechazo de la construcción de nuevos muros, etc. 

Hybris reflexiona así sobre los modos posibles a la hora de pensar términos tan complejos como el de “ecología”, y propone una aproximación al arte como un modo de posicionarse ante la realidad que abra camino hacia una posible estética ecológica. Desde el arte se debe contribuir a desarrollar propuestas creativas que —tanto en forma como en fondo— propongan modos alternativos —desde lo simbólico y desde lo práctico— de trabajar con el medio ambiente de manera justa y sostenible.

La Edad de Indio, Juanli Carrión es un proyecto en el que mapéo diferentes panaceas económicas, vinculadas a la explotación de recursos naturales, que han dado forma a la ciudad de León a lo largo de la historia.

El primer fin de semana de julio comienza Agrikultura Triennial en Malmo, donde he trabajado en colaboración con los vecinos del barrio de Holma para la creación de OSS#HL un jardín curativo que pretende conmemorar los 25 años de autogestión de la comunidad a través de la jardinería.  

Finalmente quería compartir el programa de actividades públicas de OSS#MH que dará comienzo en julio en Marble Hill y continuará hasta Septiembre.  

MUSICA : R.A.N. NO CRYSTAL OCEAN. DEEP DIVERSITY VOL. 5

 

MUSICA : 03. CLARA MOTO. HEDONIC TREADMILL.

ENTREVISTA: NEKANE ARAMBURU. ES BALUDARD.

Ciutat

 

LA EXPOSICIÓN 'CIUTAT DE VACANCES' EN EL MUSEO ES BALUARD, ANALIZA EL FENÓMENO DEL TURISMO DE LO LOCAL A LO GLOBAL.
 
Tras una primera presentación-exhibición en el Museo di Palazzo Grimani de Venecia, coincidiendo con la Bienal de Arte, en estos meses se avanza en esta propuesta con una metodología novedosa. 

El proyecto ‘Ciutat de vacances’, en el que se integran, Es Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma, Arts Santa Mònica (Barcelona), el IED -Istituto Europeo di Design (Venecia) y el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA, Alicante) a través del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, se presenta en el museo Es Baluard (Palma), desde el 26 de mayo, en una versión amplificada donde las producciones artísticas propias llevadas a cabo por diferentes artistas y colectivos se relacionan con obras de artes nacionales e internacionales.
 

Bajo el comisariado de la directora de Es Baluard, Nekane Aramburu, el proyecto se inició en 2015 como un trabajo en proceso cuyos análisis y reflexiones se desarrollan a través de participaciones colectivas relacionales en diálogo con diferentes agentes, propuestas creativas e intervenciones analíticas en red.

 

La ciudad de Palma revela así uno de los ejes de la exposición, en comparación con ejemplos que anteceden su dinámica en Barcelona y Miami, evidenciando presentes y futuribles.

 

Artistas en exposición: Left Hand Rotation, Marina Planas, Miguel Trillo, Neus Marroig, Ana A. Ochoa, Juan Aizpitarte, Ángel Marcos, Idensitat (Gaspar Maza-Ramon Parramon), Irene Pittatore., Irene de Andrés, Xisco Bonnín, MélissaEpaminondi, Daniel Gasol, Adrian Melis, Joan Miró y Massimo Vitali. Obra analítica a cargo de: Jana Leo, Marc Morell, Fran Simó y Tomás Ruiz-Rivas.

La exposición podrá verse en Es Baluard hasta el 22 de octubre 2017.

 

‘Ciutat de vacances’ cuenta con el apoyo de: Acción Cultural Española (AC/E);  Vicepresidencia y Consejería de Innovación, Investigación y Turismo de las Islas Baleares (Agencia de Turismo de las Islas Baleares - ATB); Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, la colaboración de la Federación Empresarial Hotelera de Mallorca (FEHM) y Polo Museale del Veneto.


 

MUSICA : GLOBAL GROOVE LAB (AUSTRIA). GLOBAL COCKER (DJ PANKO REMIX)

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DEL 9 AL 16 DE AGOSTO 2017 . BUDDAPEST. HUNGRIA. Más información en : http://spain.szigetfestival.com/

 

MUSICA :  Andy stot. selfish

ENTREVISTA: MILENA MUZQUIZ. IN THE MORNING, IN THE EVENING. GALERÍA TRAVESÍA CUATRO. MADRID.

 

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In the morning, in the evening, es la segunda exposición individual de Milena Muzquiz en Travesía Cuatro; esta muestra representa una reflexión sobre la importancia del proceso desarrollado por la artista que conecta de manera íntima la performance, la cerámica y ahora también la pintura.

Estos medios resultan en formas de vincular el estudio con la vida cotidiana, Muzquiz resalta la porosidad de los materiales y su capacidad de recibir contenidos anecdóticos, esto desarrolla un proceso de acumulación narrativa y de capas de contenido simbólico.

Milena Muzquiz ha seleccionado al jarrón como la forma recurrente de su práctica escultórica, esta decisión no puede interpretarse como algo casual. El jarrón es un objeto fácilmente reconocible y cuya función decorativa resulta obvia en toda situación, de cierta forma está condenado por su utilidad. Muzquiz reconfigura esta escasez conceptual y simbólica como una plataforma receptiva y generosa que puede recibir una infinidad de contenidos. Los jarrones se mantienen tensos entre la contemplación y el uso, provocando el reacondicionamiento de lo cotidiano como un espacio teatral y performático; las flores que los habitan son un recuerdo de su simple función como contenedores pero también se involucran en esta nueva vida de actividad protagónica.

Este acto de transformar algo fácilmente reconocible y cotidiano en un experimento poético y performativo, ha sido una constante en la práctica artística de Muzquiz; durante su proyecto de performance en el dúo musical Los Super Elegantes, sucedía algo similar con las estructuras de la música pop. Ahora con la pintura, la artista reclama y hace tambalearse la pasividad y comodidad de la naturaleza muerta a través del humor y el movimiento. La artista siempre ha buscado una “materialidad generosa” que responda a sus dinámicas de acumulación y a la necesidad de incitar la acción humana.

In the morning, In the evening también es la historia de cómo la práctica artística funciona como una expansión de la experiencia cotidiana, de las rutinas más simples. La artista revisita la idea de lo decorativo precisamente por su condición de acompañamiento de las actividades humanas diarias. Lo decorativo se disloca de su condición útil, ya no es una mera utilería, reclama una voz y se transforma en un protagonista.

MILENA MUZQUIZ 
Milena Muzquiz (Tijuana, México, 1972) vive y trabaja en Mérida, México. Ha tenido exposiciones individuales en Travesía Cuatro, Madrid, España (2014); Travesía Cuatro, Guadalajara, México (2014); Pantaleone Gallery, Palermo, Italia (2010); Interior Projects, Los Ángeles (2008) y Deitch Projects, Nueva York, Estados Unidos (2000). La artista ha presentado su obra en proyectos individuales en Frieze New York (2015) y ARCO Madrid (2016). También ha participado en exposiciones colectivas en las siguientes instituciones, galerías y bienales: Peter Kilchmann (2015); 6th Liverpool Biennial (2010); 28th Bienal de Sao Paulo (2008); Musée d’art moderne de la Ville de Paris (2007); Museum of Contemporary Art Chicago (2007); Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, Nueva York.

La artista también hizo una incursión en la performance con el grupo Los Super Elegantes, el cual fundó junto con Martiniano López Crozet en los años noventa; esto resultó en una combinación de instalación, video-arte y música, que circuló tanto en ambientes institucionales como museos y ferias de arte, pero también participando en festivales de música en diversos países de Latinoamérica. En este proyecto los artistas utilizaban la fantasía de la música entendida como entretenimiento masificado a manera de una posibilidad abierta y moldeable, esto se verá reflejado posteriormente en la obra individual de Muzquiz, pues comenzará a alterar las dinámicas del espacio expositivo incorporando aspectos performativos y participativos.


 

MUSICA : INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO. YO DIGO BAILA.

 

Pauline Oliveriros fue  una de las máximas exponentes del arte sonoro y las músicas experimentales , a través de sus pizas y de su investigación sobre la escucha y aquello que ella denominaba Deep Listening. Pauline Oliveiros murió el pasado año y es por ello que desde el festival ensems de valencia, sobre arte sonoro y musicas experimentales que se ha celebrado en el centro del Carmen y al que hemos dedicado varios espacios aquí en FR, hoy proponemos la escucha del homenaje que la acordenonista y compositora  Isabel Latorre ofreció, en el mencionado festival. Un trabajo desarrollado por encargo: reinterpretar el pensamiento, lenguaje y música de Pauline Oliveiros, en un concierto único e irrepetible.  No se trata de un programa con obras de la artista norteamericana, sino una nueva pieza para Pauline Oliveiros hecha por Isabel Latorre.

Así sonó en ese concierto ofrecido para el festival Ensems en su edición de 2017.

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CONCIERTO ISABEL LATORRE. ENSEMS 2017.

CONTRAPORTADA: CD COM TRUISE. CORTE 3. DRYSWCH.  ITERATION

Rosa Pérez   16.jun.2017 09:45    

CREADORES 2017. LA TÉRMICA. MÁLAGA

    jueves 8.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 12.06.17

 

Un año más volvemos a La Térmica de Málaga para realizar el programa en directo, con motivo de la presentación de Creadores 2017, el resultado de las residencias artísticas.

Además en esta ocasión nos hacemos eco del festival Aplace Apart, que reúne a creadores de la electrónica y presentamos en directo a LEE YI.

 

Los Creadores de La Térmica, artistas en residencia desde el pasado mes de febrero, muestran los trabajos artísticos que han desarrollado gracias a este programa de La Térmica y patrocinado por la Fundación Unicaja. Para la inauguración, además de la muestra, los artistas intervendrán distintos espacios y se realizarán distintas actividades paralelas, como conferencias y conciertos… Estos seis artistas forman parte de la cuarta edición de este programa, y fueron elegidos de entre más de 300 participaciones el pasado mes de enero cuando se reunió el Comité de Selección, compuesto por Doña Paloma González Dotor, Directora de F2 Galería; Don Mario Martín Pareja, Director y comisario de Contemporánea; Don Fernando Francés, Director del CAC Málaga; Doña María Ángeles Díaz, Profesora de la Facultad de Bellas Artes de la UMA y artista; y Don Salomón Castiel Abecasis, Director de La Térmica. Esta edición, el jurado ha destacado la alta calidad e los proyectos presentados, el alto número de participación así como su internacionalización y la multidisciplinariedad de dichas participaciones

 

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Creadores 2017

Proyectos

Fernando Clemente Peláez, con el proyecto ‘No lineal, acceso aleatorio’.

Es una instalación artística dónde la imagen fotográfica es el elemento central, acompañado por volúmenes escultóricos. En el apartado conceptual se muestra como un discurso que juega con la construcción de una nueva memoria a partir de recuerdos existentes, de la deriva de pensamientos del autor. Pretende contar una historia a partir de imágenes elegidas por su carga emocional, imágenes sencillas y como en un juego entrecruzar todos sus elementos de forma casi aleatoria y así poder dar al observador una nueva visión del recuerdo, quizás adaptado sus propias experiencias. La intención es la de compartir las imágenes con el espectador, hacerlas suyas y de esta forma continuar caminos nuevos.

Almudena Fernández Ortega, con el proyecto ‘Seti 1989′

Es un proyecto de pintura que trata de abordarla en su más amplio sentido, es decir: desde el clásico soporte de tela sobre bastidor extendiéndose hacia lo arquitectónico, creando una intervención en uno de los espacios dados de La Térmica a través de la pintura mural. SETI 1989 pretende materializar mi inquietud más temprana hacia lo desconocido. Enfocado hacia la astronomía más furtiva y fantástica relacionada con los ovnis y los diferentes modos que existen para contactar con inteligencias alienígenas.

Orlando Rojas Gutiérrez, con el proyecto ‘Desde otras esquinas’

Práctica, en el sentido -por ejemplo- de que las esquinas son puntos de referencia espacial y lugares de gran importancia arquitectónica. Simbólica, porque la esquina en sí misma es también una noción cultural. Algo así como la proyección de un modo de mirar, trazado sobre el espacio -natura-. La esquina es, originalmente, un lugar mental, una idea, antes que un espacio físico. Y cómo toda idea, tiene un punto de origen, un alguien. Constituye una zona de afirmación ontológica que no cumple únicamente el papel de nodo estructural palpable. Es, de esta manera, un “lugar de legitimación”. Las intervenciones pictóricas apuntan a la liberación de esas esquinas o rincones olvidados del espacio, conceptualmente atascados. Esas pinturas que se expanden imaginan, unas veces, el “reverdecer de las geometrías”, otras, sospechan de la tridimensionalidad del espacio.

Victoria Maldonado, con el proyecto ‘WELTINNENRAUM —el cobijo—

El proyecto Weltinnenraum—el cobijo— toma como punto de partida las conclusio¬nes adquiridas en mis anteriores exposiciones individuales, explicadas anteriormen¬te, Vestigio e impotencia y Something must break. Weltinnenraum—el cobijo— se centra en el concepto de “paisaje utópico”, el no lugar. En la deriva emocional y entrópica de mi trabajo en el estudio—cobijo—. Paisajes generados a partir de los vestigios en barro que representan las zonas desconocidas (no transitadas) de la ciudad, de mi rutina. El paisaje se convierte en una aventura interior.

AAron, con el proyecto ‘Volcanes de agua’

Volcanes de Agua parte de la idea de colección como lugar de completud, conservación, pérdida, nostalgia y destrucción concebida por Susan Sontag. El título de este proyecto hace referencia a la continuidad de los procesos de creación-destrucción como juegos generadores de cultura. La ilusión de permanencia cultural, ensoñación y reconstrucción como signos de identidad personal y colectiva. Un proyecto centrado en la imagen real e icónica del volcán –acontecimiento ligado a mi vivencia e ideario personal- como referencia constante que se convierte en crisol de imágenes y fecundidad. Elemento de enlace común, acontecimiento y memoria entre el imaginario simbólico colectivo y mi propio imaginario

Mac Svary, con el proyecto ‘Guetto Symphony’

El proyecto busca la creación de una estética y universo personal teniendo como punto de partida la so¬ciedad y cultura del Hip Hop norteamericano. Este proyecto tiene mucho que ver con el underground, el mainstream, la multiculturalidad y la identidad. A través de libros, catálogos, internet y cualquier medio que se preste se realizará una investigación sobre la historia del hip hop norteamericano, para hacer una recopilación de imágenes. Sobre éstas, se crearán futuras composiciones. También se relizarán autorretratos y retratos de familiares que serán llevadas a la pintura y video.

Residencias artísticas

El programa ‘La Térmica Creadores’ permitirá a seis creadores de cualquier parte del mundo alojarse en sus instalaciones desde febrero hasta junio de 2017, y disponer de los medios técnicos y económicos necesarios para desarrollar sus ideas, que servirán, además, para dotar de contenidos al centro. De esta forma, cada uno de los participantes recibirán una ayuda de 2.400 euros de apoyo a la producción.

La edición del 2017 supondrá la cuarta edición de un proyecto en el que participado artistas jóvenes de reconocida trayectoria como Miguel Gómez Losada, Emmanuel Lafont, Omar Víctor Diop, Mamen Morillas, Carmen González Castro, Ana Barriga, Marta Beltrán, Nekane Manrique, Fernando Bayona, Florencia Rojas, José Luis y Javier Valverde, Jean Philippe Illanes, Dadi Dreucol, laconjunciónY, Gala Knörr y Katharina Fitz. Todos ellos desarrollaron sus proyectos artísticos a lo largo de cuatro meses, y pudieron mostrarlos al público en las Jornadas de la Creación de La Térmica celebradas en 2014, 2015 y 2016,

http://www.latermicamalaga.com/creadores-2017/

Rosa Pérez    8.jun.2017 10:50    

(S8) Mostra de Cinema Periferico. Coruña

    viernes 2.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 05.06.17

 

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Programa dedicado a la 8 Edición de la Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Del 31 de mayo al 4 de junio.

Descarga 

Presentamos la obra de Steve Polta, director artístico de la Cinemateca de San Francisco, cuenta con una filmografía propia que ha construido desde mediados de los 90, utilizando el Super 8. Filmografía que se proyecta por primera vez en el continente europeo.

 

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Luther Price, bebe de su proia historia personal y familiar como autor. La muerte, la familia, la violencia, las operciones quirúrgicas, son algunos de los ingredientes con los que manufactura sus películas, realizadas exclusivamente cn Found Footage.

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MARÍA CAÑAS. Sus obras invitan a reflexionar sobre la extraña mezcla de diversión y tremendismo. Canibal audiovisual, colecionista y archivera., genera sus obras practicando el apropiacionismo.

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http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=55

 

DIANA TOUCEDO. Cineasta. Como directora ha realizado varios cortometrajes documentales y eperimentales mostrados en festivales de cine y centros de arte. En la actualidad está comletando dus dos primeros largometrajes.

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HELENA GIRON Y SAMUEL DELGADO. Sus trabajos indagan en las relaciones entre mitología y materialismo. En La Mostra han presentado su pieza titulada El paisaje está vacío y el vacío es paisaje. Además han comisariado el ciclo dedicado al artista Aldo Tambellini.

 

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MONICA SAVIRÓN. comisaria indeendiente, escritora y cineasta exerimental. Originalmente de Maadrid aunque desde hace años estableción su base en N. York. Su obra explora las posibilidades del sonido en el cine y su vanguardia poética.

 

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https://www.monicasaviron.com/

 

 

 

Rosa Pérez    2.jun.2017 11:21    

Bowie, Manu Arregui, Mariña Núñez, Fluxus y Giovanni Lami

    viernes 26.may.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 29.05.17

 

 

PORTADA: FLUXUS. TASAWUF.

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Fluxus nos enseñan el Arte de la Guerra

Fluxus, es el proyecto que conjuga música experimental y ruidismo de dos artistas de la escena industrial española, como son Mauri Ibañez Sangés y Pedro Peñas Robles aka HIV +,  

Su segundo álbum, titulado Art Of War, llega tras tres años después del lanzamiento de  Mental Illness, primer encuentro en torno a las enfermedades mentales y su traslación a la música. Ahora vuelven con un trabajo que pone el acento en el "totalitarismo islamico que quiere apoderarse del mundo usando de la violencia y del terrorismo" . Tema de plena actualidad al que le han puesto banda sonora. Una vez más demuestran la estrecha colaboración entre ambos artistas y la buena sintonía y acoplamiento sonoro. Mientras Mauri se encarga de la música, los ritmos, la mezcla y la producción en general; Pedro aporta el concepto, las voces, los samples árabes y los paisajes exóticos.. 

Art Of War gustará a los amantes de la música de gente como Muslimgauze, Pan SonicSleeparchiveByetone o Atom TM

http://www.mauridj.com/fluxus-art-of-war-cd/

 

MUSICA : Bowie. Wishful beginnings. Outside

http://www.davidbowieis.es

 

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 El Museu del Disseny de Barcelona será el único centro a nivel estatal que albergará "David Bowie is", la exitosa e innovadora exposición organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres (V&A). La muestra ya ha recibido más de 1 millón y medio de visitas en su gira mundial.

Más de 300 objetos se exhiben de forma conjunta por primera vez en Barcelona: letras de canciones manuscritas, trajes originales, artículos de moda, fotografías, películas, vídeos musicales, escenografías, instrumentos del propio Bowie y portadas de álbumes.

En el marco de la exposición de Barcelona, varios lugares de la ciudad acogerán un gran número de actividades relacionadas con el icónico artista británico: desde la Bowie Opening Party (el 25 de mayo en la Sala Razzmatazz), hasta el extraordinario concierto sinfónico de la OBC del 13 de julio en L'Auditori, con 65 músicos sobre el escenario, así como una serie de películas que mostrarán todas las facetas del legendario artista.

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También tendrán lugar las charlas Bowie Talks en la UPF Barcelona School of Management, un ciclo de conferencias centradas en Bowie que contarán con la participación de destacadas personalidades relacionadas con el artista, entre ellas el carismático diseñador de moda Kansai Yamamoto, el documentalista de la BBC Francis Whately y el fotógrafo oficial de varios de sus tours mundiales, Denis O'Regan, entre otros.

Esta retrospectiva sobre David Bowie supone una experiencia audiovisual completa gracias al uso de la tecnología multimedia del nivel más avanzado.

El V&A disfrutó de un acceso sin precedentes al "David Bowie Archive", con el fin de comisariar la primera retrospectiva internacional sobre la extraordinaria carrera de David Bowie, uno de los artistas más vanguardistas e influyentes de su generación.

“David Bowie is” explora los procesos creativos de David Bowie como músico innovador e icono cultural, para lo que realiza un recorrido por su estilo cambiante y reinvención constante durante cinco décadas.

La exposición también se centra en el trabajo colaborativo de Bowie con artistas y diseñadores, y demuestra cómo su obra influyó y recibió la influencia de movimientos más amplios en los ámbitos del arte, el diseño, la música y el teatro.

Victoria Broackes y Geoffrey Marsh -comisarios del V&A- seleccionaron más de 300 objetos, reunidos por vez primera en esta retrospectiva, entre ellos letras de canciones manuscritas, trajes originales, artículos de moda, fotografías, películas, vídeos musicales, escenografías, instrumentos del propio Bowie y portadas de álbumes.

Desde su concepción en el V&A en 2013, la exitosa exposición “David Bowie is” ha recorrido el mundo en una gira que la ha llevado a nueve ciudades en países como Canadá, Australia, Brasil o Japón.

Más de 1 millón y medio de personas han visitado hasta el momento “David Bowie is”, haciendo de ella la muestra más visitada en los 164 años de historia del V&A.

 

MUSICA. BOWIE. BLACKSTAR

 

MUSICA: CARL CRAIG. SANDSTROM

ENTREVISTA: MANU ARREGUI.

Chelsea; amanecer

  Del 27 de mayo al 22 de julio de 2017

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Esta exposición, el cuarto proyecto individual de MANU ARREGUI en la galería Espacio Mínimo, reúne las últimas producciones del artista: Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado (2014-17) que se muestra por primera vez en su versión instalativa, la presentación en primicia de la videoinstalación Chelsea; amanecer (2017) y la escultura Dating App (2017). Estos tres trabajos, concebidos de forma independiente, generan un diálogo en torno a las construcciones identitarias en una sociedad hipercapitalista en la que la misoginia y la homofobia siguen condicionando los modos de convivencia y representación.
Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado es una instalación construida a partir de dos vídeos y una serie de gráficos con los que se investigan los códigos y connotaciones vinculadas a la gestualidad, tomando como motivo los movimientos amanerados del cuerpo. Unos ademanes que, ejecutados por un varón, resultan censurables desde la hegemonía heteropatriarcal, pero también, en otros entornos presumiblemente concienciados como es el del colectivo gay. Como consecuencia, el artista convierte estos gestos “impropios” e “inútiles” en activadores del derecho a disentir, señalando la marginalización de algunos individuos frente a la sociedad por sus imperativos sexistas de masculinización.

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Este creador santanderino está especializado en el modelado digital en tres dimensiones, asociado a los videojuegos y a la industria del entretenimiento. Pertenece a una nueva generación de artistas que considera esta manifestación como un instrumento de cambio social. Para Arregui, el arte comparte espacio con esferas tan diversas como el cine, la publicidad, la moda o la música popular.

En los últimos años has estado incidiendo en la transmisión de conocimiento dentro del arte contemporáneo y la preocupación por el movimiento, la gestualización de los cuerpos. La danza forma parte de tu imaginario.

http://www.espaciominimo.es/arregui-manu/

 

 

MUSICA : MIMICOF. OPAL. MOON SYNC

 

MUSICA :  PHARMAKON. NAKEDNESS OF NEED

ENTREVISTA :  MARINA NUÑEZ. LA MUJER BARBUDA. GALERIA PILAR SERRA. MADRID. Hasta 26 de junio.

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Marina Núñez expone por primera vez en la galería Pilar Serra. Tras una dilatada trayectoria que comienza en la década de los noventa, su esencia es la pintura que va adaptándose y trasladándose a otros soportes como la fotografía, el vídeo, el lápiz digital, creando un universo propio en el que lo simbólico y lo imaginario están siempre presentes, dando lugar a personajes deformados, monstruosos, cambiantes, y en el que la mujer aparece como ser mutante,.

Hace un año fue protagonista de una retrospectiva presentada en Alcalá 31 en el que llevaba a plantearnos la identidad femenina y su relación con la locura, la histeria, la muerte…

Ahora nos propone un tema tabú, la nueva exposición de Marina Nuñez nos muestra su visión sobre La Mujer Barbuda.

 

En este caso la artista nos presenta un tema tabú, que la sociedad trata de ignorar, el “error” que la naturaleza a veces comete al dotar en un momento dado a ciertas mujeres de un vello facial abundante, recordemos la famosa pintura de José de Ribera, en el Museo del Prado, “La mujer barbuda” (1631) en el que Magdalena Ventura amamanta a su tercer hijo, en presencia de su marido; las mujeres con barba son rechazadas, asustan porque lo diferente siempre ha sido combatido por una parte de la gente que teme la diversidad. ¿Por qué la artista ha escogido este tema ? En el siguiente texto nos da las claves: “El vello facial es uno de los caracteres sexuales secundarios, y las mujeres barbudas, con sus características fenotípicas inesperadas, que complican el rigor de las clasificaciones anatómicas, nos sitúan ante un panorama estimulante. Las representaciones de mujeres barbudas pueden ser intentos naturalistas de corte científico de representar errores o singularidades de la naturaleza, o tener pretensiones simbólicas moralizantes contra el deslizamiento de género o las conductas sexuales inapropiadas, o apelar a una lujuria asociada a los irrefrenables instintos de una mujer-bestia a medio camino entre lo animal y lo humano, o plantear desafíos tipo drag king a la programaciones de género y las certezas identitarias. Esta última opción, se trate de biología o de disfraces, es la que esta exposición plantea. Porque las monstruas hirsutas, contaminadas de otredad, amplían nuestros horizontes respecto a la rigidez de la dicotomía masculino/femenino, por extensión cuestionan la firme imposición social a que escojamos una sola y prefijada identidad (de género, sexual) para toda la vida. Siete mujeres barbudas dibujan con pelo en su rostro y cuerpo sus circunstancias o deseos. Líneas fractales, manchas del test de Rorschach, un bordado de flores, dibujos celtas tipo tattoo, palabras que definen lo monstruoso pero también lo maravilloso y admirable, pestañas y cejas que enmarcan la mirada, o unas manos acariciantes, crecen en mujeres que nos miran serenas, conscientes de que son extraordinarias. En la otra serie de la exposición, el rostro de tres mujeres es definido tan solo por ese vello facial que dibuja sus ojos y bocas, como si el cabello, que tanto se asocia a la belleza femenina, fuese su único atributo. Podrían parecer ciegas y mudas, pero de esos orificios surgen mechones vitales y elocuentes.”

 

POST, TRANS. MARINA NÚÑEZ. Galería RocioSantaCruz<. Barcelona del 25 mayo al 29 julio. Comisaria: Gloria Picazo.

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Post se refiere a después de, Trans nos remite al otro lado de. Post-humanismo y Trans-humanismo son términos muy utilizados enla actualidad, parecen opuestos pero a menudo vienen a significar lo mismo: una superación de la condición humana como se entendió hasta ahora. La exposición oscila entre lo genérico de ambos prefijos, pensando en el cuerpo humano y en su identidad.

 

 

MUSICA : KARA-LIS COVERDALE AND LXV. DISNEY

 

El festival Ensems de Valencia que se celebra dentro del Festival de Música Contemporánea, propone una selección de artistas bien diversos , dentro del campo de la experimentación. La semana pasada traíamos a Clara de Asis, una artista española afincada en Francia.

Italia es uno de los países que cuenta al menos con un museo dedicado al arte sonoro en Roma. La escena italiana tiene una importante presencia internacional. De echo Luigi russolo fue pionero en este género.

Hoy traemos a Giovanni Lami (Ravenna, Italia, 1978) es un artista y músico sonoro que trabaja dentro de los límites del paisaje sonoro y de la ecología del sonido. El universo infinito del sonido es tan largo y ancho como las posibilidades visuales disponibles mediante imágenes, trabajando en grabaciones de campo y procesamiento de señales en tiempo real (analógico o digital); El universo infinito de sonidos que tenemos todos los días a nuestro alrededor y su manipulación es la base del modus operandi de Lami, relacionado hoy con el estudio de superficies resonantes en el campo y el límite o interferencias de cada materia que utilizó para grabar o reproducir un registro sonoro.

 Giovanni Lami, una de las figuras emergentes del panorama experimental italiano, y  en Valencia presentó Bias un proyecto a partir de la manipulación y creación en tiempo real de loops con un magnetofón Nagra.

Artista en Residencia en:

Hotel Pupik (Austria, 2015)

Festival de Cine de Khora / Syros (Grecia, 2015)

CONCIERTO Giovanni lami. FESTIVAL ENSEMS. VALENCIA.

CONTRAPORTADA: FLUXUS. ISTAMBUL

Rosa Pérez   26.may.2017 09:12    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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