FLUIDO DE PASCUA

    viernes 14.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

programa 17.04.17

 

Proponemos un programa para un lunes de Pascua, amenizado con la selección realizada por Rosa Pérez en la cabina de Radio 3.

 

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FLUIDO ROSA 17.04.17

 

NATHAN FAKE. DREGREELESSNESS.

POUPEES ELECTRIQUES. END OF DIVERSION

FLORIAN KRUSE HENDRIK BURKHARD PRES. RAISE YOUR GLASS

SHIFRA RIFKA. LOOK REAL CLOSE AT THE LIE

Shifra rifka

FRANKEY & SANDRINO. POLLOUX

SHANA MOULTON. WHISPERING PINES.

NIET. I SAW THE LIGHT

FISH. DMT USHER.

CARL CRAIG ORCHESTRA

DANTO EEPROM. CONFESIONS OF AN ENGLISH OPIUM EATER.

FRACTAL ARQUITECT. MONOLIT

DIOLYNOIRE. COMPULSIVELY PLEASING.

MARK HOFFEN. COMPLEX-CITY

KRIZ DEAK. BLACK SNAKE

BRUTHKO. SEKOMEN

 

Rosa Pérez   14.abr.2017 09:35    

LILIANA PORTER, DONNA HUANCA, SANTIAGO MORILLA y JANE WEAVER

    viernes 7.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.04.17

 

PORTADA: JANE WEAVER. MODERN KOSMOLOGY. MODERN KOSMOLOGY

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Jane Louise Weaver,  es una cantante inglesa y guitarrista que formó parte de las bandas Kill Laura y Misty Dixon, además de aparecer en la portada del álbum Have You Fed the Fish? de Badly Drawn Boy, participar en el tema Silver Chord, de Coldplay, además de tener seis albumes en el mercado en su carrera en solitario. 

 

El sexto álbum de estudio de Jane Weaver, revela a una artista genuina de pop experimental con total control en la composición, letras y arreglos de las canciones. Modern Kosmology, es un disco lleno de imágenes. Con una discografía que abarca tres décadas, ha utilizado maquinaria vintage para autogestionar un producto que promueve un diálogo entre lo analógico y lo digital.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.howardgreenberg.com/artists/louis-faurer?view=slider#2

MUSICA: WE´VE GOT ENEMIES. SKYLINE

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Louis Faurer NACIDO EN 1916 en el seno de una familia inmigrante de la frontera ruso-polaca, pasó sus primeros años en el sur de Philadelphia. Tras graduarse pasó algunos veranos hacienda caricaturas, pintando cartels o haciendo postales, durante los veranos en Atlantic City, como freelance, antes de comprarse su primera cámara. Un Kodadk Vollenda de 35mm.

MUSICA: JULIA KENT. HELLEBORE APERITIES.

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Louis         Faurer nunca studio fotografía, except un breve curso mientras estuvo en el servicio military donde ejerció como fotógrafo civil.

A finales de los años cuarenta Fuarer y algunos de sus colegas de Philadelphia abrió estudio en N. York.  Como muchos de los fotógrafos de su generación Faurer comenzó a trabajar para revistas. A diferencia de sus compañeros de reportaje fotográfico, que seguían carreras en publicaciones como la revista Life, Faurer gravitó hacia la fotografía de moda. En 1947, se uniria a Harper's Bazaar, donde también estaba otro recién llegado inmigrante de Suiza,Robert Frank, los dos inmediatamente iniciaron una amistad que duraría cincuenta años.

Faurer fue un miembro clave de la Escuela de Nueva York de fotógrafos de la calle , muy activa de los años 1930 a 1950. Diane Arbus, Robert Frank y William Klein, fotógrafos  que  eligieron la vida urbana como tema, preferían cámaras de 35 mm y rechazaron los estilos documentales tradicionales. 

MUSICA: BIG & RUTH. THE HOW OF IT SPED

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Durante la década de 1950, comenzó a centrarse más en reportajes para revistas como Glamour, Charm, y Seventeen, Vogue y Mademoiselle. Momento en el que creó la mayoría de sus fotografías de moda en el estudio. A finales de los sesena se trasladó a Europa, volvió a Estados Unidos e intentó retratar las calles de nuevo, pero todo había cambiado. Falleció    en 2001.

El Centro José guerrero de Granada acaba de inaugurar una exposició que brinda la oportunidad de contemplar por primera vez en España las fotografías de Louis Faurer. Ofrece una oportunidad única para descubrir a uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, cuya visión poética, a la vez documental y vanguardista, es una importante contribución al conocimiento de la vida urbana en la Norteamérica de posguerra y al desarrollo del lenguaje fotográfico.

Surgido en el apogeo de la Generación Beat. Sus imágenes, relacionadas con las del cine negro, hallaron particularmente en Times Square y Union Square un microcosmos ante el que puso su cámara para realizar un examen consciente de la actividad diaria y el comportamiento urbano moderno.

Se podrá ver hasta el 25 de junio.

 

MUSICA: SUNAO INAMI. DECREASES

Entrevista: LILIANA PORTER 

Liliana

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Liliana Porter. Diálogos y desobediencias.
Comisaria: Estrella de Diego
Sala Norte, del 7 de abril al 27 de agosto

Jueves, 6 de abril: Conversación entre Liliana Porter y Estrella de Diego

Exposición coproducida por: Artium (Vitoria-Gasteiz) y el CGAC (Santiago de Compostela)

Patrocinada por: El Correo, Euskaltel, EDP y Fundación Vital.
La exposición Liliana Porter. Diálogos y Desobediencias, reúne alrededor de un centenar de obras de entre los años 1969 y 2016, de colecciones tanto públicas como privadas –vídeos, instalaciones, fotografías, dibujos, pinturas….—, se plantea como una retrospectiva de Liliana Porter que permita ofrecer un panorama del desarrollo de la artista, quien con sus juegos de escalas, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo, es capaz de construir un universo paralelo donde las líneas se quiebran, los diálogos se desbordan, las proporciones se desbaratan y las cosas nunca son lo que parecen.
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 www.artium.org

 

MUSICA: BLACK MASS. 07. HIVE MIND

 

MUSICA: CARL CRAIG ORQUESTRA.

 

Entrevista: DONNA HUANCA.  

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Del 24 de febrero al 29 de abril. Galería Travesía cuatro. Madrid.

Travesía Cuatro presenta LENGUA DE BARTOLINA SISA, primera exposición de la artista Donna Huanca en España. En esta ocasión, explora el territorio del cuerpo en su doble condición de superficie y materia, elementos complementarios de los que se sirve para construir una arquitectura de movimiento y presencia.

La obra de Donna Huanca utiliza una cosmética que tiene mucho de pintura gestual y funciona como instrumento para la transformación. En sus performances, intérpretes pintados de la cabeza a los pies se desplazan inmersos en un estado de trance siguiendo una coreografía glacial. Huanca recurre a formas estéticas como el camuflaje, la simulación y la fusión en una poética que vincula pintura, escultura y performance; una puesta en escena para representar un ensayo sobre la fragmentación de la identidad.

Las esculturas totémicas de Huanca combinan materiales que destacan por sus cualidades táctiles, tejidos de fibra natural y sintética, así como artefactos culturales que pierden su función original y son recolocados para crear una nueva composición descontextualizada.

Partiendo del cuerpo y su armadura como materiales abstractos, Huanca revela la naturaleza atávica del traje en su relación con el cuerpo como forma inmanente de trasmisión cultural.

LENGUA DE BARTOLINA SISA da continuidad a una línea estética que ha caracterizado la obra de la artista en los últimos años. La exposición se inaugurará próximo el 24 de febrero coincidiendo con la próxima edición de la feria ARCOmadrid.

me atas a la cola de tu caballo blanco rompes mi cuerpo
con tu corona de plumas
soy amayra pero pintada blanca con ojos verdes
me pinto la piel
para olvidar como me violaste

Donna Huanca (Chicago, 1980), estudió en el Städelschule, Frankfurt, y en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan, Estados Unidos. Ha recibido las becas DAAD Artista Frankfurt y Fulbright de investigación. Recientes exposiciones incluyen Ice Chrysocolla, Cabaret der Künstler – Zunfthaus Voltaire, Manifesta 11, Zurich; Wild Style: Exhibition of Figurative Art, Peres Projects, Berlin; Sade Room (formerly reclusive), MoMA PS1 en Nueva York; Poly Styrene's Braces, comisariada por Anne Barlow, Art in General, en Nueva York; in collaboration with kim?, Contemporary Art Centre, Riga, LV; Streams of Warm Impermanence, en la David Roberts Art Foundation y Scar Cymbals en la Colección Zabludowicz, en Londres.

MUSICA: INFINÉ 10. RONE_RONE BORA VOCAL.

 

MUSICA :  NARCOLEPTICA. GNITSALREVE

ENTREVISTA: SANTIAGO MORILLA. 

 

del proyecto colectivo PEEP SHOW (3-30 de abril) comisariado por Jordi Pallarés que se inicia esta semana en ARTS SANTA MÓNICA, en el cual participa con el proyecto DERIVAS BABILÓNICAS (10-16 de abril).

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DERIVAS BABILÓNICAS quiere reflexionar sobre la importancia de la exposición pública como motor transformador del espacio de la ciudadanía. Un proyecto que repiensa el modelo de ciudad y cuestiona el equilibrio de convivencia en el espacio público en un momento en que resulta necesario reconquistarlo respecto a sus funciones más básicas.

MUSICA: SOLYST. CATCHING LEAFS

CONTRAPORTADA:  JANE WEAVER. VALLEY. MODERN KOSMOLOGY

Rosa Pérez    7.abr.2017 08:55    

Daniel Canogar, Lev2017, Mulleres do Silencio y We´ve got Enemies

    viernes 31.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 03.04.17

 

PORTADA: WE´VE GOT ENEMIES. Freedom lÿ. Feat Lidia Blanes.

 

Acido angélico: Este ácido debe su nombre de la planta en la que se encuentra, la Angelica archangelica, que, a su vez, lo toma de de la creencia popular de que es un regalo del arcángel San Gabriel. El ácido angélico fue aislado por primera vez en 1842 por el farmacéutico alemán Ludwig Andreas Buchner y se presenta como un sólido volátil con sabor penetrante y olor ligeramente agrio. Las sales derivadas de este ácido son denominadas angelatos.

Angelic  Acid, es el primer album del dúo We´ve got Enemies. Formado por Daniel Sánchez(voz, bajo y guitarras) y Fran Expósito (bases y sintetizadores), lanzaron un primer ep en 2014 (Hundred of you), y es ahora cuando materializan su primer larga duración.

Definidos por Post Trip-Hop. Sus influencias pasarían por Moderat, Flume o Massive Attack.

 

La música de We´ve got Enemies, no es precisamente angelical. Huye de estereotipos y va buscando ambientaciones diferentes en cada uno de los cortes del álbum, como en Fredom Lÿ, con la participación de Lidia Blanes que aporta frescura y encaja con los melismas de Daniel. So simple that Almost Nobody Understand, con una vocalización claramente nu-soul, pasando por la intensidad de Slowly o finalizando con SKyline, con una ambientación estratosférica, un matra rítmico que ayuda abrir las puertas de la perfección.

 

 

MUSICA: EVIAN KRIST. SALT CAROUSEL

 

EXPOSICIÓN: SIRKKA INGENTIUM.  DANIEL CANOGAR. MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA. 

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Daniel Canogar presenta una vídeo-instalación escultórica formada por 2.400 DVDs reciclados. Esta pieza multitemática está inspirada en los “sikka”, las monedas de oro que en tiempos babilónicos se cosían sobre la ropa y que evolucionaron hasta convertirse en objetos plásticos brillantes, conocidos hoy como lentejuelas. Una superficie que evoca la riqueza y el poder, lo mismo que los DVDs nos recuerdan el glamour de Hollywood, donde la imagen se ha convertido en moneda de cambio. En la instalación, el contenido de los DVDs se proyecta sobre su superficie, otorgando nuevos usos a materiales de desecho y, al mismo tiempo, se combinan las propiedades fantasmagóricas del cine con sus soportes físicos. La banda sonora auto-generada que lo acompaña es la resultante “composición accidental” creada al superponer las bandassonoras de los segmentos reales que se están proyectando. El efecto final es el de un mosaico audiovisual. De esta manera, la instalación de Canogar reflexiona sobre nuestra cultura, los soportes que usamos para almacenar información y la pervivencia de estos en la sociedad actual.

 

http://museo.unav.edu/

 

MUSICA:  CONTAINER. PEPPERED

 

MUSICA : KARA LIS COVERDALE.  TOUCH ME AND DIE.

ENTREVISTA LEV. NUEVA EDICIÓN 2017

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Musica: kiki hitomi. nighwalkers

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MUSICA: JULIA KENT. HELLEBORE. APERITIES

 

www.levfestival.com/17/
 

 

Musica : NIET. FOUR. CAN YOU FEEL IT EP.

Entrevista Rosario Sarmiento . Comisaria de la Exposición Mulleres Do Silencio. Hasta el 17 de abril en el MARCO de Vigo.

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MULLERES DO SILENCIO De Maruja Mallo a Angela de la Cruz 14 octubre 2016 – 16 abril 2017 Salas de exposición de la planta baja Martes a sábados (festivos incluidos), de 11.00 a 14.30 y de 17.00 a 21.00 / Domingos, de 11.00 a 14.30 Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo Comisaria: Rosario Sarmiento Mónica Alonso, Berta Cáccamo, Elena Colmeiro, Mª Carmen Corredoyra y Ruiz de Baro, Mª Antonia Dans, Angela de la Cruz, Mª Victoria de la Fuente, María Xosé Díaz, Dolores Díaz Baliño, Almudena Fernández Fariña, Mª Elena Fernández-Gago, Menchu Lamas, Maruja Mallo, Fina Mantiñán, Tatiana Medal, Julia Minguillón, Rosalía Pazo Maside, Soledad Penalta, Pamen Pereira, Beatriz Rey, Mercedes Ruibal

Síntesis del proyecto expositivo El MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, inicia el último trimestre del año con una nueva muestra de producción propia en los espacios de la planta baja.

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Bajo el título MULLERES DO SILENCIO. De Maruja Mallo a Angela de la Cruz, este proyecto plantea una revisión o relectura actualizada de la exposición A arte inexistente —comisariada por Rosario Sarmiento para el Auditorio de Galicia en 1995—, que reunía obras de artistas mujeres en Galicia en el siglo XX. En aquel momento, el binomio existencia/inexistencia se formulaba en relación con la posibilidad de acceso a una formación académica como vía de profesionalización, con Maruja Mallo y Julia Minguillón como las primeras artistas en iniciar este camino. Veinte años más tarde, cuando la posibilidad de una formación profesional es un hecho indiscutible, la realidad sigue siendo compleja, y esta evolución no ha discurrido en paralelo con la presencia y visibilidad de las mujeres en el entramado artístico. Desde la perspectiva del tiempo transcurrido, nos situamos en el espacio históricotemporal de las primeras décadas del siglo XXI, lo que permite visualizar relatos, protagonismos y visiones más amplias sobre las aportaciones y el papel de algunas artistas en la historia de la creación plástica de la Galicia contemporánea. La exposición recorre diferentes generaciones de artistas hasta llegar a aquellas creadoras que acceden por primera vez en Galicia a una formación académica, tras la creación de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra en 1990. Desde el punto de vista estructural, la exposición se organiza en cuatro ámbitos donde se busca analizar y profundizar en los contextos en los que estas artistas trabajaron, haciendo hincapié en cuestiones como su escaso protagonismo en los movimientos de vanguardia anteriores a la Guerra Civil, la posguerra, y la obligada emigración hacia otros centros artísticos fuera de Galicia, la llegada de la democracia, y los nuevos escenarios culturales y formativos en los que trabajan aquellas artistas cuyas trayectorias comienzan a desarrollarse en los inicios del siglo XXI. La muestra reúne cerca de un centenar de obras procedentes de un gran número de prestadores —instituciones, museos, centros de arte, y colecciones particulares—, que por primera vez se exhiben conjuntamente, además de documentación complementaria —en algunos casos inédita— fruto de la investigación llevada a cabo en archivos y colecciones. Respecto a la selección de obras en exposición, se ha tenido muy en cuenta la relación con el contexto histórico y temporal, eligiendo piezas representativas de cada período, con la intención de mantener y hacer visible un hilo conductor desde el punto de vista cronológico y argumental. MULLERES DO SILENCIO coincidirá en el tiempo con la exposición que se está preparando para el próximo mes de enero en los espacios de la primera planta del MARCO, comisariada por Anxela Caramés, y que supondrá un primer acercamiento a las prácticas artísticas feministas realizadas en Galicia desde los años noventa.

Rosario Sarmiento 

www.rosariosarmiento.gal

MUSICA: JANE WEAVER.VALLEY. MODERN KOSMOLOGY.

 

MUSICA: KILN. PINEMARTEN

ENTREVISTA:  Mikel Belascoain. 

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 ‘Persona’ se podrá ver el viernes 7 de abril en el Teatro Real de Madrid

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7 de abril. Teatro Real (Madrid)

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El Teatro Real de Madrid acogerá el próximo 7 de abril “Persona” de Mikel Belascoain.  Este proyecto de carácter holístico y monumental surge de la colaboración entre el artista navarro y el médico neurólogo Manuel Murie.

Se trata de una innovadora creación artística que engloba una obra pictórica de 7 metros de altura compuesta por 66 lienzos; el documental “Persona: Estructuras Primarias” y una performance audiovisual creada para el Teatro Real.

Este trabajo está inspirado en los encuentros entre pacientes neurológicos y el artista durante año y medio. El cineasta sueco Ingmar Bergman o Pablo Picasso han influido en la concepción de “Persona”, que ofrece una visión holística, monumental y evolutiva de los seres humanos.

Con “Persona” el artista continúa con la trilogía de ‘Arte Nuevo’ que empezó con “Ceremonia” y que también se pudo ver en Madrid (Tabacalera, 2015).

Para esta ocasión se incorpora al equipo artístico la violista Isabel Villanueva, que junto a Cristina Martínez Lana lanzarán una reflexión acerca del tiempo a través del diálogo que establecerán entre la música clásica y la contemporánea. Además se destacará la autonomía de cada una de las partes que componen el proyecto.

Se podrá ver el viernes 7 de abril en diversos espacios del Teatro Real de Madrid. Los bocetos y una selección de cuadros previos se quedarán expuestos en el Teatro Real durante un mes.

La verdad es que para el proyecto se han juntado 4 talentos:

Mikel Belascoain (creador)

Isabel Villanueva (violista, que es una genia!)

Cristina Martínez Lana (voz / performer)

Manuel Murie (neurólogo)

MUSICA: FISH. DMTUSHER FROM PREPARATIONS

 

CONTRAPORTADA: WE´VE GOT ENEMIES CORTE. 10. SKYLINE. ANGELIC ACID.

 

 

Rosa Pérez   31.mar.2017 10:24    

II ENCUENTRO AVLAB 2017 GRSM

    viernes 24.mar.2017    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 27.03.17

 

 

Programa dedicado integramente a la segunda jornada de los Encuentros AVLAB, organizados por el Grupo de Resistencia Sonora de Madrid, en Medialab Prado.

PORTADA: NAThan fake. Degreelessness.

Descarga

Once años han pasado desde que vio la luz su primera grabación en Border Community, la titulada ‘Drowning in a Sea of Love’, que le convirtieron en uno de los artistas más principales del mapa electrónico. Tras cinco años de silencio, regresa con nuevo material, esta vez bajo el manto de Ninja Tune y titulado Provicende. 

 

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El colectivo GRUPO DE RESISTENCIA SONORA DE MADRID nació con la intención de trabajar a favor de la difusión cultural de músicas avanzadas, englobando en este término todas aquellas propuestas sonoras que aporten diferenciación, innovación, puntos de ruptura, filosofías y técnicas de trabajo alejadas (o mutadas) de los flujos de producción musical habitual. Dando gran importancia al proceso de creación, donde la tecnología y los procesos vanguardistas se adaptan no sólo a la parte técnica sino también a la parte compositiva, el resultado de este tipo de creaciones aporta un nuevo enfoque diferenciador, rupturista y aperturista del trabajo sonoro.

Para ello se creo un ciclo que durante tres meses ha mostrado diferentres propuestas, acogidas en el Medialab Prado bajo la etiqueta de Encuentros AVLab, una fórmula que permite acceder a estas propuestas sonoras, a veces dificiles de entender, pero que son mostradas de forma pedagógica por los propios creadores.

 

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El pasado 25 de febrero el GRS reunió tres propuestas bien distintas. Primero la de Juan Antonio Lleó.

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Compositor y artista multimedia, especializado en música electroacústica, arte por ordenador y proyectos ACT (Arte, Ciencia y Tecnología).

Sus obras musicales se han presentado en conciertos, festivales, emisiones de radio, televisión e internet en diversas partes del mundo, se han editado en publicaciones de discos, videos, películas, multimedia, etc,

En arte por ordenador, ha presentado diversas exposiciones individuales y ha participado en varias exposiciones colectivas (Salón Digital de Nueva York, CAB (Centro de Arte Caja Burgos), entre otros.

 

 

La jornada continuó con  la presentación de Olaf Ladouse

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Olaf Ladousse es un constructor nato, dibujante, ingeniero, diseñador y luthier. Tiene un largo recorrido a sus espaldas como dibujante e ilustrador, sus dibujos aparecen en diversas publicaciones de libros, discos y prensa. La música es una parte importante del desarrollo de su trabajo más experimental con un sinfín de conciertos por todo el mundo con su grupo de música Los Caballos de Düsseldorf (LCDD). También es editor del fanzine Qué Suerte, que reúne a los mejores ilustradores internacionales del momento.Así se presentó en los Encuentros AVLab.

 

Para finalizar la segunda jornada del ciclo Encuentros AVLab organizada por el GRS de Madrid, el dúo formado por Marianela León y Mario Bastián presentaron una performance que combina música y danza butoh.  

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Marianela León y Mario Bastian vienen trabajando conjuntamente desde el año 2013. Sus trabajos no solo se limitan a poner en común sus propios lenguajes expresivos como pueden ser la danza, la improvisación libre, la música experimental o el media art, sino que investigan sobre territorios donde el cuerpo como sujeto político es el punto de partida. Desde el terreno de la representación al de la filosofía en torno a un cuerpo en disputa.

 

Por cierto, la última acaba de celebrarse este pasado sábado de la que esperamos ofreceros también un resumen próximamente donde se ha podido ver entre otros a Poupeés Electrique.

MUSICA:  POUPEES ELECTRIQUES. END OF DIVERSION

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La larga trayectoria de Poupées Électriques ha estado marcada por un vasto recorrido de experiencias, colaboradores, composiciones, conciertos… Formados en 2004 por Carlos A. y Paco F. (posteriormente como MicroPlex) bajo un concepto experimental de conjunción de las últimas tecnologías musicales con la recuperación de los artilugios más ancestrales de la música del siglo XX (intonarumori, theremin).

A través de sus diversos trabajos y espectáculos han desarrollado un lenguaje de expresión particular y en continua evolución, moviéndose libremente por la experimentación sonora, la música industrial, las composiciones rítmicas, la atonalidad…, a lo largo de más de una treintena de actuaciones y varias incursiones en cine y en diversas campañas.

Ahora Poupées Électriques abren una nueva etapa, bajo un nuevo concepto, una nueva formación y nuevas apuestas…

CONTRAPORTADA : NATHAN FAKE. HOURS DAYS MONTHS SEASONS.

Rosa Pérez   24.mar.2017 08:28    

Ren Hang, Momo y Frankey & Sandrino

    viernes 17.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.03.17

 

PORTADA:  FRANKEY & SANDRINO. WEGA.

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Los dj´s y productores Frankey & Sandrino han protagonizado algunos de los momentos más épicos de la electrónica de baile.

Ambos han estado activs en la escena electrónica, de forma individual desde hace más de una década. Sandrino como abanderado del house y Frankey como músico que ha militado en diferentes experiencias musicales y publicado varios albumes en el Mercado.

Tras su encuentro en el Butan club en 2010, el dúo germano no han dejado de colaborar

El pasado 10 de febrero pusieron en circulación su nuevo material en un ep titulado  Wega EP.

Café virtual: http://www.tryffelgrisen.com/artists/ren-hang?view=slider#37

MUSICA: BADUM REMIX 1.

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El fotógrafo chino Ren Hang, es conocido por sus desnudos que exploran los límites de la curiosidad y el tabú. Con composiciones muy elaboradas, sin embargo sus procesos de trabajo nunca fueron excesivamente planificados.

Nacido en Beiging, el poeta y fotógrafo chino conocido por sus  imágenes eróticas fue encarcelado más de una vez por su arte. Ren Hang comenzó a interesarse por la fotografía cuando, aburrido de sus clases de la universidad, en  la que estudiaba publicidad, formó un grupo de buenos amigos con los que comenzó a experimentar y descubrirse a sí mismo como artista.

 

 

 

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La obra, provocativa y explícita, de Re Hang, representó la libertad artística en su máxima expresión. Prisionero de una depresión con la cual tuvo que batallar durante toda su vida y que alcanzó a documentar en su propia página web

Polémico, transgresor y sin miedo, el fotógrafo Ren Hang fue uno de los artistas más reconocidos de la última década por desafiar el concepto de tabú.

 

 

 

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Durante los últimos años, Ren Hang desafió las nociones de la sexualidad en China con imágenes provocativas, que eran consideradas pornográficas en su país, representando los cuerpos humanos en la naturaleza y en poses poco comunes, llenas de tensión y dramatismo. Aunque no se le considera un artista político como  Ai Weiwei y Cheng Li, el gobierno chino lo mantenía censurado  por tratar temas polémicos como la desnudez, el género y la homosexualidad. Aunque no evitó su éxito internacional.

El pasado 24 de febrero se quitó la vida con apenas 29 años.

 

 

 

MUSICA: 11. Evian Christ. Salt carrousel

ENTREVISTA: Laura Calvarro, codirectora de Delimbo Gallery. Sevilla. 

MOMO, ARTISTA RECONOCIDO INTERNACIONALMENTE POR ELABORAR GRANDES MURALES EN ESPACIOS PÚBLICOS, INAUGURA ESTE JUEVES A LAS 21H. SU EXPOSICIÓN "WILDERNESS" EN DELIMBO GALLERY

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El artista norteamericano MOMO trabaja con herramientas caseras, investigando técnicas de albañilería y adaptándolas a su propio modus operandi para elaborar, diseñar y organizar murales en el espacio público. Gracias al reconocimiento internacional de su obra ha recorrido medio mundo, trabajando y viviendo en ciudades como Nueva Orleans, Granada o Nueva York, donde en la actualidad mantiene tanto su estudio como residencia.

Sobre su trabajo con estética reconocible de inmediato, vibrante y no representacionalista, el comisario de arte urbano de la Tate Modern, Rafael Schacter, afirma: “Diluye los límites entre lo digital y lo abstracto, entre la precisión y la practicidad, creando un proceso perfectamente imperfecto en el que se basa tanto su trabajo de estudio como su producción para espacios públicos: dos facetas de su obra en continua retroalimentación”.

Petit Palace Hoteles, en su compromiso con los creadores y con el arte de vanguardia, participa en el proyecto como principal patrocinador a través de su programa de apoyo a la cultura, #Impulsarte by Petit Palace Hoteles.

 

De entre las obras de MOMO, podemos destacar su primera monografía, "03 a.m.-06 a.m.;", publicada por Rojo en 2008; su segundo libro, “In 74 pieces", editado por Studio Cromie en 2012; la instalación inmersiva "Butt Joints (juntas a tope)" en la May Gallery de Nueva Orleans; el mural de 61 metros de largo entre el puente de Brooklyn y el de Manhattan en Dumbo, Brooklyn, encargado por New York DOT; el mural de 80 metros de ancho, realizado en 2015 en el vestíbulo de la Torre John Hancock en Boston; el mural de 80 metros de altura en el centro de Filadelfia o la doble fachada de 5 pisos en Manhattan, producida por la Art Production Fund NY.

" hasta el 30 de Mayo de 2017

MUSICA: Florian Kruse & Hendrik Burkhard Pres. RAISE YOUR GLASS. TheGround.

 

MUSICA:  Lotic. Heterocetera

Loc: Hasta el 2 de abril se presenta la exposición Hecho en Roma. El resultado de las Becas de la Real academia de España en Roma. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, presenta los trabajos de los becados 2015-2016.  Os invitamos a hacer una visita guiada junto a Manuel Blanco, arquitecto y comisario de la muestra que en esta ocasión se extiende por el edificio  inundado los espacios con un amplio catálogo de propuestas artísticas de distintas disciplinas artísticas.

ENTREVISTA: Manuel Blanco, y la artista Gabriela Bettini,

Exposición HECHO EN ROMA. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Calle Alcalá, 13. Madrid

Hasta el 2 de abril 

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La muestra, comisariada por Manuel Blanco, recoge una selección de los trabajos

realizados por los siguientes artistas e investigadores, becados todos ellos en la Academia

de España en Roma durante el periodo 2015--2016: Susana Arenillas (fotografía), Fátima

Bethencourt (arte), Gabriela Bettini (arte), Antonio Blanco Tejero (música), Andrés Catalán

(poesía), Jorge Conde (arte), Alberto Díaz López (cine), Benjamín Domínguez Gómez

(restauración), María Elena Cuenca (música), Jaime Ferrer Fores (arquitectura), Jaime

González y Manuela Pedrón (comisariado), Iñaki Gracenea Zapirain (artes plásticas), José

Guerrero Sánchez (fotografía), Ulises Juárez Polanco (literatura), Martín López Lam

(cómic), Jesús Madriñán Fernández (arte), Inés Molina Fuentes (arte e ilusionismo), Clara

Montoya Vozmediano (escultura), David Muñoz López (cine), Julia Ramírez Blanco

(historia del arte), Rafael R. Villalobos (artes escénicas), Josep Tornero Sanchís (arte), Juan

Zamora González (arte).

Un año más, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, RABASF, acoge la exposición de los artistas e investigadores que disfrutaron de las becas que otorga la

Academia de España en Roma. En esta ocasión, la exposición se articula bajo la mirada de su comisario Manuel Blanco, quien por primera vez ha querido sacar algunos de los trabajos fuera de las salas de Calcografía Nacional e introducir al visitante en el universo de la producción romana desde que éste accede a la RABASF.

Hecho en Roma no es una exposición colectiva sino el resultado de una convivencia en uno de los centros de creación de mayor excelencia que existen. Las estancias en la Academia de Roma permiten a sus becados gozar de un ambiente único para el desarrollo de sus trabajos en una ciudad inspiradora y meta del Grand Tour para los amantes de las artes. La convivencia entre artistas e investigadores de distintas disciplinas es uno de los puntos más enriquecedores que viven los becarios, formando un microcosmos compuesto por formatos, géneros y recorridos vitales distintos. Roma significa para los becarios algo más que una estancia, se trata de un proceso vital que marcará para siempre sus trayectorias.

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La muestra se compone de las obras emblemáticas realizadas en Roma de cada uno de sus

24 becarios. A las disciplinas tradicionales de la Academia – pintura, escultura, música,

arquitectura, literatura, poesía y restauración – este año se unen otras como el cine, el

comisariado, el cómic, la fotografía o el ilusionismo. Aun así, el comisario ha querido

otorgarles a todas el mismo valor y por ello serán expuestas bajo un formato común.

Hecho en Roma cuenta con un catálogo escrito por Manuel Blanco, quien describe sus

impresiones y analiza los procesos creativos de cada uno de los becarios. Un texto

imprescindible para adentrarse en la obra de artistas e investigadores y para conocer de cerca

lo realizado en Roma.

Manuel Blanco Lage, Doctor Arquitecto, es Catedrático del Departamento de Composición Arquitectónica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. Fue comisario del Pabellón de España en la X Biennale di Architettura di Venecia 2006, donde presentó España [f] Nosotras, las Ciudades. Ha comisariado y diseñado numerosas exposiciones concebidas como instalaciones, entre las que se encuentra la serie sobre Campo Baeza en MAXXI de Roma, GalleryMa de Tokyo, BasilicaPalladiana de Vicenza, Basilica Bizantina de Santa Irene, Urban Center of New York, Mies Van der Rohe’s Crown Hall, IIT Chicago.

Roma3

GABRIELA BETTINI. 
Artista visual, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Fine Arts por la University of East London (Beca de la Fundación La Caixa y British Council para estudios de posgrado en el Reino Unido).
Entre sus últimas exposiciones individuales se incluyen “Paisajes de excepción” (Galería Silvestre, Madrid, 2016), “Larga distancia” (Galería Silvestre, Tarragona, 2015) y “La casa roja” (Galería Mundo Nuevo, Buenos Aires, 2013; La Fresh Gallery, Madrid, 2013). Ha participado en exposiciones colectivas en Europa y Sudamérica y en la Muestra de Arte INJUVE (2005). Obtuvo una beca del Centro Cultural de España en Buenos Aires (Residencia URRA, 2010) y el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid (2007).
Desarrolla su trabajo mediante el dibujo, la pintura y el vídeo. En sus últimos proyectos se ha centrado en las dimensiones sociales, históricas y culturales del paisaje y en revisar la relación que entablan determinados lugares con la memoria que albergan.

 

 MUSICA: CLAPTONE. THE DRUMS

 

MUSICA . Niet. Nonsense Yessense. Can you feel it ep

ENTREVISTA: MAU MONLEON , comisaria de la exposición  WOMEN IN WORK . Dona, art i treball en la globalització. Universidad     Politécnica de Valencia. Hasta el 19 de mayo.

Artistes PARTICIPANTS
Xoán Anleo
Ursula Biemann
Claudia Brenlla
Brigada de Propaganda Feminista
Mar Caldas
Maribel Doménech
Marga Ferrer
Xisela Franco
Yolanda Franco
Julia Galán
Guerrilla Girls
Núria Güell
Valentina Paz Henríquez
Yolanda Herranz
Ideadestroyingmuros
INVASORIX
Anja Krakowski
Cristina Lobaiza
Eva Máñez
José Juan Martínez
Las mitocondria
Mau Monleón
Olga Olivera-Tabeni
Pau Orts
Pedro Ortuño
Alba Pascual Benlloch
Uqui Permui
Javier Pistani
Precarias a la deriva
María Ruido
La reparadora de sueños
Mar Reykjavik
Salomé Rodríguez
Dionisio Sánchez
Danka Stepan
Anna Maria Staiano
Magui Suárez
María Zárraga
Washas del Sistema
Faith Wilding

Womwn

Más de 40 artistas y colectivos reflexionan sobre la situación laboral desde un punto de vista de género en la globalización. Para ello se ha contado con la visión de artistas consolidadas como la suiza Ursula Biemann, las norteamericanas Faith Wilding o Guerrilla Girls, así como con artistas nacionales de reconocido prestigio como la artista catalana Nuria Güell, la artista de Bilbao Marisa González, o las valencianas María Zárraga o Maribel Doménech, entre otras, así como con colectivos emergentes internacionales y nacionales como el mexicano Invasorix o el colectivo Ideadestroyingmuros & Anna Maria Staiano. Tiene especial relevancia la selección de obra gráfica de los colectivos chilenos Washas del Sistema y Brigada de Propaganda Feminista.

La globalización no ha sido capaz de superar la antigua ordenación de las esferas socio-económicas definidas por la división sexual del trabajo productivo y reproductivo. Muy al contrario, si bien la mujer se ha incorporado al mercado laboral productivo de forma masiva, no ha dejado de realizar las tareas reproductivas invisibles (el trabajo de cuidados que permite la reproducción de la vida).

Las mujeres acceden al mercado laboral de forma asimétrica respecto a los varones debido principalmente al “impuesto reproductivo”, como observa Rosa Cobo en su análisis sobre la globalización y las nuevas servidumbres de las mujeres. Otros problemas son el aumento del trabajo gratuito, la brecha salarial y la segregación del mercado global de trabajo, así como la feminización de la pobreza.

La exposición Women in Work. Mujer, arte y trabajo en la globalización ofrece una revisión de algunas prácticas artísticas que desde los años 1990 en España y a nivel internacional han abarcado y abarcan esta temática. La mayoría de los proyectos expuestos (instalaciones, videoinstalaciones, fotografías, vídeos, videodocumentales, performances y obra gráfica) tienen un carácter feminista, y es por ello que están realizados tanto por hombres como por mujeres, superando el lugar común de que únicamente las mujeres están interesadas en estas cuestiones.

El referente y precedente fundamental de nuestra propuesta es la exposición Women and Work (1975), del colectivo británico Hackney Flashers, donde se reconocía la contribución invisible de las mujeres a la economía en el hogar y fuera de él.

La actual exposición parte del momento de la disolución de este colectivo en 1980, y se estructura, atendiendo a cuestiones temáticas y conceptuales, en cinco grandes bloques programáticos:

Los y las artistas dentro de los circuitos de género en la era global que utilizan la crítica feminista y/o que proponen algunas subversiones de la economía. Coordinación del bloque realizada por Mau Monleón.

El ciclo de vídeo Working, cuya tensión se instala principalmente en torno a la crítica al monopolio machista de la cultura. Este ciclo se encuentra coordinado por Mau Monleón, Dionisio Sánchez y Valentina Paz Henríquez.

El ciclo de vídeo Feminismos, mujer y trabajo en Galicia coordinado por Anxela Caramés (originalmente comisariado para la exposición Alén dos xéneros/Más allá de los géneros. Prácticas artísticas en Galicia), cuyo carácter monográfico aporta la visión concreta de las mujeres trabajadoras gallegas en el ámbito español.

El ciclo de vídeo de carácter documental Nuestro orgullo, nuestra lucha, acerca de las mujeres trabajadoras peruanas y sus diferentes luchas, coordinado por Valentina Paz Henríquez.

Por último, la selección de gráfica feminista Mujer no me gusta cuando callas: movimiento estudiantil y lucha feminista en Chile, realizada por el Núcleo de estudios sobre gráfica política y movimiento estudiantil en Chile, y coordinada por Carolina Olmedo Carrasco y Javiera Manzi.

Dentro de estos cinco bloques se abarcan diversas problemáticas, que podemos agrupar en torno a distintos ejes temáticos.

El afianzamiento de la economía globalizada poscolonial que produce nuevas servidumbres domésticas, entre las que se encuentran, por ejemplo, las mujeres migrantes filipinas tiradas en las calles (Marisa González, Ursula Biemann, Julia Navarro); la deslocalización donde las industrias estadounidenses montan sus equipos electrónicos y digitales que produce una sexualización de las regiones fronterizas a través de la división del trabajo de género y que incluye la prostitución, la expresión de deseos femeninos en la industria del entretenimiento y la violencia sexual en la esfera pública, así como el tráfico de mujeres y las transacciones transfronterizas (Ursula Biemann); la migración de las mujeres vinculadas a las economías ilícitas y a la implementación de nuevas tecnologías, el paro, la precariedad laboral y la explotación de las mujeres (Precarias a la deriva, María Zárraga, Ursula Biemann); la explotación sexual infantil dentro de la creciente industria del turismo sexual y también la división sexual del trabajo transmigratorio (Nuria Güell).

Los nuevos trabajos surgidos a raíz de las tecnologías de la comunicación como el de teleoperadoras, la influencia de las TIC y de la robótica en la vida de las mujeres (Faith Wilding, Mar Reykjavik); el techo de cristal, la brecha laboral y los roles adquiridos (Maribel Doménech, Mar Caldas, Julia Galán, María Zárraga, José Juan Martínez, La reparadora de sueños, Anna Maria Staiano & Ideadestroyingmuros).

La reivindicación así como la crítica hacia diversos trabajos manuales donde las mujeres han desarrollado un papel importante y sustentador de las economías familiares, como son el trabajo con el tejido, el esparto, las mujeres que trabajan en la economía sumergida como chaqueteras, o el trabajo en el campo de las mujeres rurales (Marga Ferrer, Xisela Franco, Pedro Ortuño, Eva Máñez, Maribel Doménech, Olga Olivera-Tabeni, Yolanda Franco & Magui Suárez); el simbolismo de la bata como prenda de trabajo que acompañó a nuestras madres durante décadas (Claudia Brenlla); o el avance y la pérdida de los derechos laborales en la industria textil (Anja Krakowski).

La crisis de los cuidados, las maternidades globalizadas, el trabajo emocional y las nuevas crisis migratorias de jóvenes mujeres graduadas e incluso doctoras de España y de toda Europa; el trabajo doméstico frente al trabajo productivo, los límites entre lo personal-doméstico y lo público-político (Yolanda Herranz, Las mitocondria, Julia Navarro, Olga Olivera-Tabeni).

La crítica a la dominación masculina de la cultura, del lenguaje y del imaginario colectivo; la propia cuestión de las trabajadoras del arte que cobra de nuevo relevancia hacia finales de los años 1980 y que en la década posterior y hasta hoy en día se ha ocupado extensamente de la demografía artística, así como de los patrones y estadísticas de empleo y representatividad frente a los hombres. Dentro de ello los Big Data y el carácter machista de buscadores como Google (Guerrilla Girls, Valentina Paz Henríquez & Mau Monleón & Dionisio Sánchez, Maribel Domenéch, INVASORIX, Pau Orts & Dionisio Sánchez, R. S. y P. A.).

El reconocimiento del trabajo silenciado de las mujeres tanto en el ámbito privado como en el público, la educación silenciada, los trabajos emocionales en la transmisión oral de la cultura (Javier Pistani & Cristina Lobaiza); de lo íntimo a lo público: los relatos privados de mujeres de distintas generaciones que hacen visible la estructura histórica desde la República al cambio socialista en España (Uqui Permui & Xoán Anleo); el pensamiento transformador de género, el trabajo positivo de cambio a través de la creación como metáfora (Danka Stepan); al mismo tiempo que la reflexión sobre el trabajo como producción frente al outsourcing, al just in time, a la hiperflexibilidad o al biotrabajo; la redefinición del trabajo a partir de la propia experiencia de la autora como trabajadora cultural (María Ruido).

MUSICA: Olivia Louvel. The four Marys.  Data Regina.

CONTRAPORTADA:  FRANKEY & SANDRINO. POLLOUX.

Rosa Pérez   17.mar.2017 10:48    

Justin Mortimer,entre la belleza y el horror. Facba 17 en Granada. Edurne Herrán en Centro Montehermoso de Vitoria. Sesión Radio Encendida y lo nuevo de Bing & Ruth.

    viernes 10.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 13.03.17

 

TÍTULARES:  Justin Mortimer, Facba 17 en Granada. Edurne Herrán en Centro Montehermoso de Vitoria. Sesión Radio Encendida y lo nuevo de Bing & Ruth.

 

PORTADA: BING & RUTH. Is Drop.   NO HOME OF THE MIND.

Big &ruth

Bing & Ruth han anunciado su tercer álbum de estudio No Home of the Mind.Continuando con el hábil minimalismo que los ha marcado en círculos críticos en los últimos años, el nuevo récord del grupo de Nueva York se publicó  el 17 de febrero de 2017. Fundado en 2006, Bing & Ruth es un colectivo en constante evolución dirigido por el compositor y pianista David Moore . Con Moore en su núcleo, la formación de Bing & Ruth se ha ido transformando desde su  álbum  debut City Lake  hasta llegar a este  No Home of the Mind, donde en forma de quinteto continuan explorando un lenguaje contemporáneo a través de instrumentos clásicos e incorporando texturas electrónicas.

CAFÉ VIRTUAL: http://justinmortimer.co.uk/

MUSICA: 09 KILN. BORO

Mortimer1

"Justin Mortimer es un artista británico cuyas pinturas constantemente nos invitan a cuestionar la relación entre el tema y el contenido, la belleza y el horror, y entre la figuración y la abstracción. Si bien la imagen es casi exclusivamente despiadada, la textura de la pintura, el juego entre la luz y la sombra y los pasajes que conducen de la definición fotorrealista a la ausencia de forma abstracta casi abstracta son tan sensibles que hacen que la obra de Justin Mortimer se encuentre en una dimensión filosófica  entre la evidencia y la interpretación.

MUSICA: NIET!. NONSENSE YESSENSE REMIX

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La pintura violenta de Justin Mortimer Nada tiene una sola lectura en los óleos desasosegantes y extraños de este pintor que ha recibido numerosos premios en su país, entre ellos el codiciado BP de la National Portrait Gallery en 1991, que conllevó su salto a la fama y que recibiera encargos para retratar a celebridades como el dramaturgo Harold Pinter, la Reina Isabel a la que representó con la cabeza cortada montando una pequeña escandalera y David Bowie, a quien desgarró la piel de la cara en un cuadro turbador.

Para cada una de sus pinturas Justin Mortimer hace hasta cuarenta collages de Photoshop. A medida que cada pintura se desarrolla a través de iteraciones sucesivas de su material fuente, Mortimer sigue ciertas posibilidades y rechaza a otras, regresando y refinando constantemente, introduciendo nuevos motivos y eliminando elementos que son extraños.
 
Trabajando de este modo, Mortimer ha construido una vasta reserva de imágenes a través del tiempo, un compendio visual que refleja sus obsesiones y su visión muy particular e idiosincrásica de nuestros tiempos.

MUSICA: BEATE BARTEL/GUDRUM GUT. SHELLS AND BELLS.

Mortimer3

Hasta aquí la sesión de FR, para conocer la obra de Justin Mortimer que reflexiona sobre un mundo en un estado en constente desorde, combinando imágenes procedentes de internet con material de archivo de viejos libros y revistas con el fin de visualizar un mundo en el que nada es estable haciéndose eco de las grietas tectónicas que aparecen en el viejo orden mundial.

La galería Parafin de Londres, presenta su segunda exposición con el pintor británico Justin Mortimer, ampliamente considerado como uno de los principales pintores figurativos que trabajan hoy y una figura emblemática para una generación más joven de artistas. Mortimer es un artista que ha perseguido constantemente una visión y una manera particulares de trabajar independientemente de los caprichos de la moda.

MUSICA: AIRHEAD. PYRAMID LAKE

ENTREVISTA  .Marisa Mancilla y Juanje Torres.

Facbaok

FACBA es un proyecto cultural que llega a 2017 a su novena edición diseñando una estructura de colaboración interinstitucional para generar un gran evento en torno a la investigación y producción en arte contemporáneo. Este acontecimiento presentará en distintas salas de la ciudad de Granada durante el próximo mes de marzo 2017 una constelación coordinada de exposiciones en las que se presentarán proyectos realizados por una selección de artistas vinculados de distintos modos a la Universidad de Granada.

FACBA 2017 se propone impulsar investigaciones artísticas basadas en el uso de fondos y trabajos realizados en centros de investigación y departamentos de la Universidad de Granada. Por ello buscamos artistas que desarrollen su trabajo en el método investigativo y que establezcan vías de colaboración con las instituciones universitarias dedicadas a ello. FACBA girará en su edición de 2017 sobre el siguiente eje temático “Emancipación, perspectiva e intervención. Hacia una investigación artística”.

Los proyectos de investigación desarrollados serán expuestos en diferentes espacios culturales y artísticos de la ciudad de Granada adscritos al programa FACBA entre los que se incluyen el Centro José Guerrero, la Sala Zaida de Caja Rural, el Museo CajaGranada, la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes, el Centro Cultural Gran Capitán y distintos espacios expositivos gestionados por el Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la Universidad de Granada.

FACBA es un programa cultural impulsado por la Facultad de Bellas Artes de Granada. Cuenta con el apoyo en la organización del Área de Artes Visuales de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea, el Secretariado de Bienes Culturales de la Universidad de Granada, la Asoc. Ongoing, el Centro José Guerrero, la Concejalía de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de Granada, la Fundación CajaGRANADA y la Fundación Caja Rural. Colaboran el Vicerrectorado de Estudiantes de la Universidad de Granada, la Corrala de Santiago, Ínsula Sur y El Rapto Espacio Taller.

FACBA 2017. Emancipación, perspectiva e intervención. Hacia una investigación artística

El comisario de la presente edición, Juan Jesús Torres (Marmolejo, 1984) y el equipo de dirección de FACBA han diseñado un programa de becas para tres artistas invitados (Albert Corbí, David Escalona y Jacobo Castellano), y tres seleccionados (Carmen Oliver, Carlos Aguilera y María Dávila) que a lo largo del curso 2016/2017 desarrollarán una serie de proyectos inspirados en las colecciones de la Universidad de Granada, eje temático de la edición 2017. Estos trabajos se exhibirán a partir del mes de marzo en distintos espacios expositivos de la ciudad. El Centro José Guerrero acogerá los proyectos de Albert Corbí y Jacobo Castellano, mientras que en el Hospital Real podremos disfrutar del trabajo de David Escalona. La Sala Zaida de Caja Rural, el Centro Cultural de Caja Granada (BMN) y el Centro Cultural Gran Capitán completan el circuito expositivo con los artistas invitados: Oliver, Aguilera y Dávila. El espacio expositivo de la Facultad de Bellas Artes se convierte este año en una especie de “centro de interpretación” en el que el espectador puede aproximarse al proyecto FACBA y entender mejor en qué consiste.

De este modo, FACBA 2017 ha puesto en marcha una estructura de colaboración interinstitucional sostenible (participan distintos departamentos de la Universidad de Granada, entidades bancarias, instituciones públicas como el Ayuntamiento de Granada o el Centro José Guerrero, etc.) que genere diversos eventos en torno a la investigación y la producción en arte contemporáneo. Una constelación coordinada de exposiciones en las que anualmente se presenten proyectos realizados por una selección de artistas de alto prestigio profesional junto a artistas emergentes vinculados de distintos modos a la Universidad de Granada.

 

MUSICA: JULIANE WOLF. CAT LADY

VIDEO:

 

 

 

MUSICA: WARPCENSOR. MUSIC FROM THE OTHER ROOM

ENTREVISTA: EDURNE HERRÁN. CENTRO MONTEHERMOSO. VITORIA.

 

 
 

Futuro Perfecto [Work in progress 2014-2017]

 
El futuro perfecto es un tiempo verbal que indica que una acción se habrá completado (terminado o "perfeccionado") en algún momento del futuro. 
 
 

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) Entiendo la idea de identidad como un proceso de elaboración constante. Somos la suma de nuestros yoesanteriores, y con cada decisión que tomamos o acto que realizamos, continuamente estamos transformándonos. Los demás también forman parte de este proceso personal, y ayudan a que nos maleemos a medida que transcurre el tiempo y las experiencias vividas (o deseadas). Comencé a preguntarme acerca de la plasticidad del futuro; al igual que modificamos y moldeamos nuestro aspecto exterior, nuestro futuro también se (de)forma. Cada acto que realizamos tiene sus consecuencias, y cada decisión que tomamos nos abre una nueva puerta.
 
En este trabajo, como en gran parte de mi obra anterior, el transcurso del tiempo y la autobiografía están presentes. Planteo una serie de acciones, casi a modo de juego; algo que denomino ‘experimento sociológico a pequeña escala.’ Me proyecto hacia el futuro desde distintos presentes; analizo, imagino y transformo ese tiempo que está por llegar. No se trata de una cuestión de exploración del autorretrato, sino que utilizo mi imagen y referente para convertirme en un medio que  busca varios fines. Cuestiono temas personales y universales: cómo nos prejuzgan y prejuzgamos, el miedo y la inseguridad ante un futuro laboral incierto, las preocupaciones que retumban en nuestra psique, la maleabilidad del futuro y de nuestra imagen personal, la necesidad de aprobación ante los demás…
 
http://pinkblood-globulosrosas.blogspot.com.es/
 

 

Como sabéis este fin de semana hemos celebrado los 15 de radio encendida, ese encuentro con la música, la cultura y la radio en la casa encendida de Madrid. Allí hemos estado pinchando en una sesión de la que ahora os ofrecemos una aproximación, para aquellos que no pudisteis disfrutarla en directo. Con Rosa Pérez en Cabina.

SESIÓN LA CASA ENCENDIDA.

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LA FRACHEUR. CONFUSION EDIT

NOCTURNAL SUNSHINE. FOOTSTEPS

LCC. CALX

AMELIE LENS. LINGER ON

MATHEW DEAR. GUN MAN COMETH

INFIÉ 10. DANTON EEPROM. CONFESIONS OF AN ENGLISH OPIUM EATER

KRISZ DEAK. BLACK SNAKE

THROWING SNOW. ONE FOR THE BOOTH

 

CONTRAPORTADA: BING AND RUTH. Chonchos. . No home on the mind.

 

Rosa Pérez   10.mar.2017 09:28    

Valladolid, ciudad para la cultura

    viernes 3.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 06.03.17

 

 

Portada: NIET. NONSSENSE YESSENSE. CAN YOU FEEL IT (EP)

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Can you Feel it, es el segundo Ep de la artista madrileña conocida como Niet!. Se trata de una colección de cinco temas  que se mueven entre el ambient oscuro, las melodías synthpop  y la densidad sonora. Un disco emocional en el que las voces, en sus diversas variantes, vuelven a jugar un papel importante, aderezadas de sonidos de cristal, agua o percusiones orgánicas.

 

Más info en http://hypersunday.com/

Musica: OLIVIA LOUVEL. MY CROWN. DATA REGINA

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Entrevista:  RAFA PEÑA. 

 

La III Conferencia Estatal de la Cultura es un encuentro de profesionales de distintos ámbitos del sector cultural como las artes plásticas y visuales, artes escénicas, audiovisuales, diseño, libro, música y patrimonio dirigido a todas las personas interesadas en el estado actual de la gestión cultural en nuestro país.
La Conferencia tendrá lugar en Valladolid los días 8, 9 y 10 de marzo en el Teatro Calderón y en el Centro Cultural Miguel Delibes.

El período de inscripcionesestá abierto y estaremos encantados de contar con el mayor número de profesionales posibles. Os animamos a seguir nuestras novedades en esta web así como en redes sociales a través del hashtag #3Ccultura.

http://conferenciacultura.es/

Musica : VALENTIN STIP. NWIA

 

Musica: INFINÉ 10. MURCOF. PALOMA IV

Descarga

 

Desde 2011 La Gran ha buscado acercar el arte contemporáneo a todos los públicos. En nuestros inicios mediante la producción de ediciones y objetos asequibles diseñados por artistas destacados que hicieran accesible su trabajo y su reflexión a quienes aprecian el arte pero consideraban inalcanzable cualquier posibilidad de “poseer” y "aprehender" una creación artística.

En marzo de 2015 abrimos sede en Valladolid, en una vivienda que se convierte en símbolo de nuestros objetivos y nos permite trabajar en una concepción más amplia de la producción de arte. La Gran quiere ser más que una galería e ir más allá de la promoción de nuestros artistas y la venta de sus obras, implicándonos en todas las fases de conceptualización y de producción y promoviendo, desde el espacio íntimo de una casa y en contacto estrecho con cada artista, un mayor acercamiento con quienes están interesados en su trabajo.

Con el objetivo de transmitir que el entorno del arte puede ser algo aprehensible y cálido y sin perder la reflexión didáctica y cercana sobre el arte contemporáneo que ha sido nuestra marca, en nuestra casa-galería rompemos con la frialdad del cubo blanco utilizando como espacio expositivo el salón, reuniéndonos en la cocina o convirtiendo los dormitorios en residencia de artistas o talleres.

 

Trabajamos con artistas que cuentan historias, que se comprometen y sobre todo, que buscan que el espectador mire con otros ojos lo que le rodea, lanzando preguntas que hagan pensar, dudar de nuestras certezas o incluso perturben nuestro confort. Es el caso de Marina Núñez, Enrique Marty, Ignacio Pérez-Jofre, Laura Salguero, Guillermo Peñalver, Elisa Terroba, Paloma Pájaro, Verónica Vicente o Luis Pérez Calvo, con los que aspiramos a ir creando un proyecto —galería, editora, espacio de producción— diferente a lo habitual, que use las redes y medios de difusión para mostrar la capacidad transformadora de sus obras y sus ideas.

La Gran está dirigida por Pedro Gallego de Lerma, quien puso en marcha el proyecto en 2011.

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http://www.lagran.eu/

Musica: DAVID AUGUST. JBY

 

MUSICA: ASGEIR. UNBOUND.

Entrevista: LETICIA MARTINEZ

Atomica

GALERÍA  LA ATÓMICA.  VALLADOLID

Galería de Arte y Estudio.  http://www.laatomica.es/

 

MUSICA: BLACK MASS. Hive mind. World Eater

 

Musica:  AWARH. ETHNOS LOGOS.

Entrevista: MARIO MARTIN PAREJA. 

"SHADI GHADIRIAN.
COMO TODOS LOS DÍAS"

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Sala de Exposiciones San Benito

del 1 de marzo al 16 de abril

La Fundación Municipal de las Artes de Valladolid y Contemporánea presentan por primera vez en España la exposición retrospectiva “Como todos los días“ de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian; muestra comisariada por Mario Martín Pareja y formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación que explora las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y que mezclan tradición y modernidad. 

A través de las contradicciones en la vida cotidiana, la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura, y en su condición de mujer para crear la obra. Nacida en 1974 en Teherán, en la República Islámica del Irán, Ghadirian “cae en fotografiar a la mujer” después de completar una licenciatura en la Universidad de Azad. 

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Gharidian se ha ganado al público internacional por sus imágenes innovadoras que representan a las mujeres iraníes en marcado contraste con la forma en la que la mayoría de medios de comunicación occidentales las retrata, lo cual es lo que más sorprende al espectador. Alejada de ese concepto de retrato occidental, Ghadirian representa a la mujer iraní en todos sus aspectos, iluminando con el color zonas de un mundo que de otra manera se antojaría oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Gracias a su habilidad artística, lograr enviar un mensaje sutil y poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

SHADI GHADIRIAN (Teherán, Irán, 1974) se gradúa en fotografía por la Universidad Azad de Teherán en 1998. Su obra se ha exhibido en Oriente Medio, Europa, Estados Unidos, Canadá y Rusia y forma parte de colecciones como las de los museos Británico y Victoria & Albert de Londres, el de Arte Moderno Centro Georges Pompidou de París, el LACMA de Los Ángeles, el Smithsonian de Washinton, el de Bellas Artes de Boston, el de Arte Moderno de Viena o el de Teherán.

Musica: INFINÉ 10- BACHAR MAR KHALIFÉ. YA NAS.

 

Musica: ERICA ALVES. FRESH PRINCE OF BARAO

Entrevista: EL CARRUSEL. El Carrusel . Valladolid

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El Carrusel es un taller de fotografía creado por Cristina R. Vecino y Ricardo Suárez, dos fotógrafos profesionales y especializados en reportaje de autor. Dentro de la fotografía de bodas o eventos en general realizamos trabajos totalmente personalizados llenos de espontaneidad y realismo, que con el tiempo se convierten en  un recuerdo muy especial y emotivo del día.

Somos un equipo de profesionales que ofrecemos una mirada personal, buscando la espontaneidad y el realismo. Nuestro trabajo se mueve entre el documental, avalado por nuestra experiencia previa en medios de comunicación y una faceta más artística que hace a cada pieza única. Realizamos un número limitado de reportajes en cada temporada, para de esta manera poner en cada trabajo el tiempo y la dedicación que merece.

Con ese mismo planteamiento encaramos cualquier otro tipo de encargo de carácter comercial, publicitario o editorial. Cada propuesta en este ámbito es un reto nuevo que afrontamos desde el primer momento en comunicación directa con el cliente, estudiando cada proyecto  y aportando ideas y creatividad propias, específicas para cada uno. Hemos trabajado con clientes como el grupo de música Arizona Baby, la actriz Sara Rivero o el Laboratorio de las Artes de Valladolid – LAVA.

PROYECTO PERSONAL / ESPACIO EL CARRUSEL

Además de la parte comercial de nuestro trabajo, ambos Cristina y Ricardo desarrollamos proyectos personales de fotografía. Los dos estamos representados por la galería de arte contemporáneo Javier Silva y formamos parte de su programación estable.

En el espacio ‘El Carrusel’ confluyen los dos enfoques sobre el hecho fotográfico que  entendemos como el desarrollo de un lenguaje personal y una búsqueda constante. Tenemos una programación mas o menos regular de exposiciones de otros autores y recientemente hemos puesto en marcha una pequeña librería especializada en fotolibros. La idea es realizar desde una perspectiva local una tarea divulgativa en torno a la fotografía contemporánea.

http://fotografiaelcarrusel.com/

MUSICA: DIOLYNOIRE. COMPULSIVELY PLEASING

Contraportada: NIET!. FOUR. CAN YOU FEEL IT EP.

Rosa Pérez    3.mar.2017 10:37    

De Ferias y Arte en Madrid (Arco, Urvanity, ArtMadrid, Drawing room, Hybrid..... )

    jueves 23.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.02.17

 

 

Centramos el programa en las múltiples opciones que ofrece la Semana del Arte en Madrid. 

Visitamos Arco  

Opening



 

Yann leto. Galería T20. Murcia

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Yann Leto [Burdeos, 1979], artista francés residente en España. Ha trabajado con importantes galerías, exponiendo en numerosas ferias de Arte Contemporáneo. Su obra se encuentra presente en colecciones como el MOMA de San Francisco, Benetton Foundation o CAC de Malaga. Su medio principal es la pintura pero trabaja también con la instalación. Su pintura es densa, detallada y tiene un claro fondo crítico y funciona a modo de collage donde varios elementos tipográficos, conviven con elementos clásicos y modernos. Actualmente, se encuentra preparando su primera exposición individual en EEUU, y trabajando en una obra de gran tamaño, precisamente la obra más grande de la pintura española prevista para 2015 y titulada Mother of all battles.

 

PREMIOS ARTE EMERGENTE. 

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Cervezas Alhambra lanzó en el mes de octubre el I Premio Cervezas Alhambra de arte emergente. Se trata de un premio de producción artística destinado a cinco artistas nacionales que se centra en dos conceptos fundamentales: el trabajo artesanal y la inspiración en la Alhambra. 

Un comité de expertos formado por Manuela Villa, Juan Antonio Álvarez Reyes, Iñaki Martínez y Alicia Ventura seleccionó en una primera fase a 20 artistas que prepararon un proyecto específico para la convocatoria, de entre todos los proyectos presentados finalmente se seleccionaron 5 artistas que producirán su obra para mostrarla en el stand Cervezas Alhambra durante la Feria ARCOmadrid. 

Para la producción de obra estos cinco artistas (Jacobo Castellano, Miren Doiz, Alegría y Piñero, Teresa Solar y José Miguel Pereñiguez) han contado cada uno con el apoyo de un mentor que ha reforzado sus trabajos y un artesano que les ha realizado una masterclass y les ha proporcionado ayuda con la producción de la obra a nivel artesanal. 

 

 

"Whispering Pines" by Shana Moulton from Bronx River Art Center (BRAC) on Vimeo.

 

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La Trastera es un espacio de producción y critica artística fuera del contexto académico basado en la espontaneidad y la inmediatez y con plena libertad de ensayo.

 

Nos parece vital un espacio que apoye y dé cabida a la experimentación más allá del propio resultado, que fomente el ensayo e inevitablemente también el error.

 

Como nuevo espacio auto gestionado periférico actuamos desde una absoluta precariedad, sin otros recursos que los que cada uno de nosotros es capaz de aportar. La Trastera es un garaje, lugar de ensayo por excelencia, muy alejado de la producción artística que se lleva en Barcelona. Pero por estar en la periferia no nos consideramos marginales ni nos apartamos del circuito artístico si no queremos aportar cosas diferentes desde lugares nuevos. De hecho estamos creciendo y consolidando una red de relaciones con otros centros a nuestro alrededor.

 

 

 

URVANITY

http://urvanity-art.com/

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ES MANIFIESTO que desde hace algunas décadas operan tanto nuevas prácticas como usos y códigos nuevos en el paisaje cultural de las ciudades, los cuales dibujan a su vez un lugar propio en la esfera del arte contemporáneo. La cuestión es cómo hilvanar todo ello. Y no proceder mediante una feria de arte urbano, sin embargo. Urvanity se concibe, así, como plataforma para un Nuevo Arte Contemporáneo.


Hablar de nuevo arte es impulsar un proyecto contemporáneo con una perspectiva histórica, porque resulta claro que «todo lo que no es tradición es plagio». En particular, Urvanity reivindica propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad y, por ello, ofrecen un escenario donde explicar el mundo. Puesto que no se trata sólo de atender el conjunto de elecciones formales que un artista asume sino de comprender el lugar público donde configura su trabajo y también de que este último comunique al menos una experiencia del orden de lo estético.


Con todo, Urvanity quiere explorar e imaginar asimismo posibles escenarios venideros para este Nuevo Arte Contemporáneo, gracias a la complicidad con otras iniciativas y con los distintos agentes culturales de la ciudad. En aras de apoyar una producción y la divulgación de ideas, así como de facilitar el acceso de una amplia audiencia a esas prácticas de creación contemporánea que esbozan un vasto paisaje cultural y urbano.​

 

Urvanity,

Madrid

 

Hablamos con Susso 33

 

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Descubrimos al artista MESA. 

- descampado en montreuil ii -,95-145cm, acrylique sur toile, 2016, mesa

PDP -GALLERY.COM

 

Otras ferias que se han celebrado a lo largo de la Semana del Arte en Madrid. 

 

ARTMADRID

http://www.art-madrid.com/

 

ART MADRID 12ª FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

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Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo, celebrará su decimosegunda edición del 22 al 26 de febrero de 2017 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles: Art Madrid’17. En este espacio, durante cinco días, alrededor de 50 galerías de arte contemporáneo presentarán sus propuestas artísticas en pleno corazón cultural de Madrid.

Art Madrid se ha consolidado en estos años como una feria multidisciplinar en la que participan galerías dedicadas a la pintura, escultura, obra gráfica y fotografía desde el siglo XX en adelante, sin olvidar disciplinas como la performance, el videoarte, instalaciones artísticas y proyectos site-specifc. Art Madrid defiende un modelo de feria realista, dinámica, abarcable y humana, con un variado programa paralelo de actividades para todo tipo de público y que apuesta por las sinergias y colaboraciones con diversas instituciones y agentes culturales.

 

DRAWING ROOM

http://drawingroom.es/

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La segunda edición de DRAWING ROOM MADRID se desarrollará en el corazón del madrileño barrio de Salamanca, desde el miércoles 22 hasta el domingo 26 de febrero, coincidiendo con la semana más excitante del arte contemporáneo en la capital.

Durante cinco días, coleccionistas, profesionales y amateurs del mundo del arte presentes en Madrid están invitados a descubrir la escena artística contemporánea a través de los proyectos de una treintena de artistas, presentados por 20 galerías de arte contemporáneo, nacionales e internacionales, invitadas por un comité curatorial integrado por comisarios y galeristas.

El dibujo y sus códigos vive actualmente una vibrante evolución. Las galerías más atentas a los cambios lo reflejan en sus programaciones y los coleccionistas y museos más perspicaces y dinámicos lo integran en sus colecciones.

 

Hybrid Festival

http://www.hybridfestival.es/

Espacio-Trapézio

Hybrid es un festival urbano multisede de acceso gratuito que reivindica el valor de los espacios de arte híbridos, aquellos que apuestan por un formato más transversal donde el arte convive con otras disciplinas. El objetivo de Hybrid es dar visibilidad a los espacios alternativos de iniciativa privada que han dejado atrás el concepto clásico de galería de arte como lugar meramente expositivo para convertirse en espacios culturales que logran abrir las puertas a un público más diverso y activo.

Hybrid celebró su primera edición el 16 y 17 de septiembre de 2016 y contó con la participación de 20 espacios que durante dos días formaron parte de un recorrido de exposiciones y actividades dentro y fuera del centro de Madrid.

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http://justmad.es/

La Feria de Arte Emergente JUSTMAD que tendrá lugar en el Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM) la semana del 21 al 26 de febrero. En esta nueva edición se mantienen los principios y objetivos que sustentan este gran evento artístico, a saber, el fiel compromiso con las propuestas galeristicas y la apuesta por espacios alternativos y emergentes que destacan en el panorama nacional e internacional. Al igual que en las anteriores ediciones además del programa general de galerías y artistas, se realizará el JUST TECH dedicado al arte electrónico, el programa de residencia artística y se otorgarán los Premios JustMAD. Para la presente edición se va a recuperar la sección Solo Projects rebautizada con el nombre de Curated Venture y que tendrá al célebre Tim Goossens como comisario. Por tercer año consecutivo, Gregorio Cámara, dirige la feria y estrena un nuevo recorrido concentrando las propuestas de galerías en la planta entrada y planta jardín con el fin de facilitar la visita. El factor internacional sigue siendo clave en JustMAD8 y este año contará con la presencia de galerías y artistas de 14 países: Alemania, Bélgica, Brasil, China, Colombia, Cuba, Eslovaquia, EEUU, España, Italia, Polonia, Portugal, Rusia y Venezuela. La apuesta internacional llega también del lado de los comisarios colaboradores Isabela Villanueva y Tim Goossens.

 

 

Rosa Pérez   23.feb.2017 09:39    

URVANITY, CAAM, ESTÉTICA MASIVA Y OLIVIA LOUVEL

    jueves 16.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.02.17

 

PORTADA: OLIVIA LOUVEL.  GOOD QUEEN BESS  . DATA REGINA

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Olivia Louvel es compositora, productora y artista que generar piezas en torno a la voz, la música digital y la narrativa. Su musica aborda la voz, la composición digital y la narrativa . Su trabajo también se amplia en el videoarte y las actuaciones en directo. 2011 ganó el premio de álbum del año en los  Qwartz Electronic Music Awards por 'Doll Divider'

Data Regina es su nuevo álbum, un trabajo multimedia en formato suite que Louvel  aborda enfrentando a dos mujeres que reinaron en el siglo 16 como son la Reina María de Escocia y Elisabeth I.

Fascinada por la existencia de dos reinas que reinaron al mismo tiempo en la isla, en un mundo extremadamente dominado por hombres, como era el existente en el siglo 16, Olivia Louvel  explora los reinas de ambas haciendo una transposición personal en el disco Data Regina. 


Data Regina dibuja la vida y los escritos de la Reina María de Escocia, poeta, considerada una de las mujeres más leidas de su tiempo. Louvel ensambla una narrativa digital a través de  17 composiciones campturando las diferentes paletas y tonos entre dos mujeres, dos reinas que nunca llegaron a encontrarse. 

El disco combina piezas electrónicas con voz, con otras exclusivamente instrumentales. Además de la edición del CD, el trabajo interactivo que nos proponen lo podéis disfrutar en www.dataregina.com, plataforma para mostrar además las animaciones 3D realizadas popr Antoine Kedall. 

 

 

MUSICA : MILENA KRIEGS. EREMITORIUM

 

ENTREVISTA: ORLANDO BRITO, director CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria

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EXPOSICIONES: 

8s2i7msgd3NgEUS6 El IRIS DE LUCY. Colectiva. Hasta el 4 de Junio.

 

CxLr1auvqcoGsUIN Oswaldo Maciá. Ecuaciones. Hasta el 18 de junio

http://www.caam.net/

 

 

MUSICA : LAST REDOUBT. RESTITUTE. REQUIREMENTS EP

 

MUSICA: FRACTAL ARQUITECT. MONOLIT

 

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URVANITY es la primera feria que se celebrará en España dedicada íntegramente al Nuevo Arte Contemporáneo. La edición inaugural tendrá lugar en el céntrico Palacio de Neptuno de Madrid, del 23 al 26 de febrero, coincidiendo con la semana de ARCO.

Una visita imprescindible para quienes deseen conocer cuanto ocurre en el panorama artístico de reciente creación. URVANITY reunirá, además de las propuestas nacionales, un elenco de galerías internacionales de primer nivel, provenientes de Londres, Bruselas, Zúrich, París, Washington o Dusseldorf. Hasta la capital se desplazarán varios de los mejores artistas urbanos del mundo, algunas de cuyas obras se mostrarán  por primera vez en España.

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URVANITY es la feria que visibilizará aquellas prácticas artísticas que configuran la cultura urbana en la actualidad. Ese Nuevo Arte al que ya no se le puede discutir ni su fuerza ni su envergadura, y no sólo por una evidente presencia en el espacio público, ni por el creciente atractivo que genera a su alrededor, sino también por el lugar que ocupa en el ámbito del arte contemporáneo.

URVANITY

Palacio de Neptuno

Calle de Cervantes, 42. Madrid

Del 23 al 26 de febrero 2017

www.urvanity-art.com

 

MUSICA: INFINE 10. THE HIPOTETICAL PROPHETS . WALLENBERG

 

MUSICA: CIANURO. MIST. DROWNED

ENTREVISTA: CARLOS TRASPADERNE. Presentación de Riberia en Madrid


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Riberia, de Carlos Traspaderne (Logroño, 1983) es el último título publicado por la editorial Aloha. Pueden leer un artículo sobre Riberia en Clavoardiendo.

El libro está compuesto por un recorrido de sesenta imágenes analógicas tomadas entre el 2012 y el 2016, con una Hasselblad 500 C/M. Fotografías que rinden tributo a los grandes referentes del género documental: Eugène Atget, Walker Evans o Carlos Cánovas. Este último, además, firma el prólogo de libro

Cada ejemplar va acompañado de un mapa desplegable con las localizaciones de las fotografías.

Es una edición limitada de 200 ejemplares numerados y firmados por el autor. El proyecto ha sido premiado en la XXXI Muestra de Arte Joven de La Rioja. 



MUSICA: NARCOLEPTICA. GNITSALREVE

MUSICA: LAMLIKI. 27TH JUNE. 

 

ESPACIO: ESTÉTICA MASIVA. Las Matas, Las Roza. Madrid. WWW.ESTETICAMASIVA.

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Sofía Táboas se enfrenta en este nuevo proyecto a un espacio exterior:  el jardín de la sede de Estética Masiva. Trabajar en un espacio abierto como éste ofrece a la artista la posibilidad de jugar con diversos elementos que incidirán en la obra de manera activa y determinante.  Toda obra in situ conlleva retos interesantes y complejos que de hecho Sofía busca con frecuencia para alimentar sus incesantes deseos de ponerse retos a sí misma. Reconocer las características del espacio, sus cualidades y limitaciones son parámetros sobre los que opera la pieza que estará visible a partir del 21 de febrero.  

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Este nuevo trabajo específico de la creadora mexicana para Estética Masiva tiene en cuenta los dos elementos naturales primordiales del sitio:  la luz del sol y 8 pinos, que situados en un espacio claramente delimitado por ser térreo, hacen exagerados equilibrios para mantenerse erguidos. 
 
Junto a los árboles, a partir del momento en que la artista se sitúe frente a ellos, 8 nuevos elementos resultantes de su impulso, entraran a formar parte de un solar, que desde ese mismo momento, pasará a ser azul.

 

 

MUSICA: KELLY FRANCES CORRADO. A NIGHTINGALE SONG

 

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Hybrid será escenario del ciclo de performances 'Acciones Hybridas' comisariadas por Mario Gutiérrez Cru
 

En 'Acciones Hybridas' el comisario Mario Gutiérrez Cru ha reunido a seis accionistas que trabajan desde una búsqueda híbrida de conceptos, espacios de trabajo y personajes. Este ciclo presentará en los espacios comunes del hotel Petit Palace Santa Bárbara propuestas nuevas y/o creadas site specific para la programación de la feria internacional de arte emergente, Hybrid.

Andrés Montes y Laura Flores realizarán acciones continuadas en los pasillos y escaleras del hotel apartir de las 11:00 del sábado 25. De 17:30 a 19:30 horas se sucederán el resto de las acciones en el salón Santa Bárbara: Miguel Andrés, Víctor Colmenero Mir, Paula Lafuente en colaboración con Kike Medina Galán, Andrés Montes, Pan (Alberto Chinchón y Miguel Palancares).


MUSICA: FRANCESCO TRISTANO.  THE MELODY

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CONTRAPORTADA: OLIVIA LOUVEL. FAREWELL. DATA REGINA

 

 

Rosa Pérez   16.feb.2017 16:41    

ENCUENTROS AVLAB Y MEDIALAB MADRID

    viernes 10.feb.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 

 

 

 

 

Logo medialab

Medialab-Prado es un laboratorio ciudadano de producción, investigación y difusión de proyectos culturales que explora las formas de experimentación y aprendizaje colaborativo que han surgido de las redes digitales. Es un proyecto perteneciente al Área de Gobierno de Cultura y Deportes (antes Área de Las Artes, Deportes y Turismo) del Ayuntamiento de Madrid.

Sus objetivos son:
" Habilitar una plataforma abierta que invite y permita a los usuarios configurar, alterar y modificar los procesos de investigación y producción.
" Sostener una comunidad activa de usuarios a través del desarrollo de esos proyectos colaborativos.
" Ofrecer diferentes formas de participación que permitan la colaboración de personas con distintos perfiles (artístico, científico, técnico), niveles de especialización (expertos y principiantes) y grados de implicación.

Para alcanzar estos objetivos Medialab-Prado ofrece:
" Un espacio permanente de información, escucha y encuentro atendido por mediadores culturales que explican la naturaleza del espacio y ponen en contacto a personas con personas, a personas con proyectos, a proyectos con proyectos.
" Convocatorias abiertas para la presentación de propuestas y la participación en el desarrollo colaborativo de proyectos.
" Un programa de actividades compuesto por talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conferencias y otros eventos como conciertos y performances.
" Una atmósfera de trabajo pensada especialmente para el encuentro, la cooperación y el intercambio, donde caben la vida y los afectos, el valor de lo informal y de la cercanía.

http://medialab-prado.es

 

Encuentros AVLAB. Enero 2017

28.01.2017 18:00h - 21:00h

Lugar: Auditorio

Os presentamos la propuesta  del encuentro AVLAB que tendrá lugar el 28 de enero. El colectivo "Grupo de Resistencia Sonora" GRS, en esta ocasión nos sorprende con la presencia de Gema Fernández-Blanco, Narcocléptica y ElectikTronik.

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Dr. Gema Fernández-Blanco Martín
Música, avatares y procesos creativos (charla/coloquio)

La charla explora diversos entornos virtuales y los procesos creativos en torno a la música que en ellos tienen lugar.

Tras una breve introducción de algunos de los conceptos clave, navegaremos por Second Life, metaverso creado en 2003 por Philip Rosedale, y veremos qué queda de él en 2016. En concreto, veremos el estudio de caso, o cybercase, de la Avatar Orchestra Metaverse (AOM), una orquesta virtual de avatares, fundada en 2007, cuyos avatares se encuentran geográficamente distribuidos alrededor del mundo.

Conceptos como el de ficción, magia o realidad virtual estarán presentes durante el coloquio.

Debido al fallecimiento de la gran Pauline Oliveros, miembro de la Avatar Orchestra Metaverse, se realizará una escucha atenta, como pequeño homenaje.

Como cierre, se hará una relación de lo expuesto con las nuevas herramientas digitales de las que hoy disponemos y se invitará a los asistentes a preguntar y dialogar sobre cualquier inquietud.

Gema Fernández-Blanco, con su tesis doctoral, "Procesos creativos en entornos musicales inmersivos: un estudio de caso a través del análisis de metaversos. La Avatar Orchestra Metaverse en Second Life" abre una línea de investigación que aúna psicología, etnografía virtual y arte. En ella, estudia los procesos creativos grupales de una orquesta de avatares y plantea cuestiones acerca de la conciencia, el Flow o las cibercepciones.

RNE FLUIDO ROSA - Outlook Web App

 

 

 narcoléptica

Narcolécptica
Laboratorio loop (charla y demostración teórico-práctica)

Charla y demostración teórico-práctica donde explorar de forma creativa las posibilidades de la técnica Live-looping en la composición e interpretación de música experimental.

Se abordarán los temas: mezcla de orígenes sonoros, métodos de composición experimentales (superposiciónde capas, azar, error, construir en negativo, cambio de instrumento como recurso compositivo, etc.), Live-looping o grabación y reproducción de bucles sonoros en tiempo real [mediante software (AbletonLive, Reason, Logic) y pedales (Loop Station Roland)], performatividades alternativas, etc.

Live-looping es la técnica de grabar y reproducir bucles sonoros en tiempo real, pudiendo distinguirse dos tipos: live-looping del simulacro y live-looping como recurso creativo. En el caso de Narcoléptica (Beatriz Vaca) su interés radica especialmente en activar el directo musical desde esta técnica, pero también en reflexionar sobre su dimensión conceptual: presente, pasado y futuro coexisten en el live-looping, produciéndose una fractura temporal y la generación de un tiempo y espacio continuos, infinitos en potencia.

Beatriz Vaca (Sevilla, 1985) es licenciada en Bellas Artes y música autodidacta. Desde 2006, desarrolla su proyecto unipersonal de música experimental Narcoleptica.

Cuenta con tres álbumes autoproducidos: ‘The Modular Explanation’, ‘Narcoleptica’ y el aún inédito ‘The Abyss’. Aparece en numerosos recopilatorios, álbumes colaborativos, bandas sonoras y piezas escénicas de Performance y Teatro Experimental, en las cuales suele actuar en vivo.

 eclectiktronik

EclectikTronik
Found tap
es - Archivo de grabaciones encontradas en la basura (Performance de música improvisada)

Se utilizará un "arsenal" de aparatos analógicos modificados como tocadiscos, magnetofones de carrete y reproductores de cassette, "materia prima" analógica, encontrada en las basuras y mercadillos de varios países.

Se propone realizar una performance de música improvisada, medienate técnicas de manipulación y distorsión: alterando su frecuencia (pitch) de un modo simple, o creando drones (colchones ambientales ligeramente siniestras, paisajísticas) marcando en los discos el punto de salto de la aguja y repetición para crear un bucle (loop), y haciendo cortes y empalmes de cintas de magnetofón.

Otro elemento clave es la construcción de narrativas, incorporando fragmentos de cintas de grabaciones personales (entrevistas, contestadores automáticos, dictáfonos, etc.).

El proyecto curatorial Found Tape Archive (grabaciones caseras no-comerciales realizadas por desconocidos) consiste en toda clase de grabaciones en formatos analógicos obsoletos (bobinas de magnetofón, minicassettes, cartuchos de 8 pistas, Betamax, 8mm, etc.) encontrados por casualidad en las calles y mercadillos de segunda mano de medio mundo, acumulados desde 1985. Realiza actuaciones en directo denominados ‘analogue happening’, utilizando múltiples tocadiscos modificados, televisores de tubo y otro material electrónico.

Ben Roberts - "EcletikTronik"- artista residente en Madrid, hace uso de material electónico de desecho y formatos audiovisuales obsoletos/semiobsoletos en la producción de piezas sonoras e instalaciones de audio y vídeo.

Ben Roberts ha colaborado con GRS en los anteriores Encuentros AVLAB de 2016.

Rosa Pérez   10.feb.2017 10:46    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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