(S8) Mostra de Cinema Periferico. Coruña

    viernes 2.jun.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 05.06.17

 

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Programa dedicado a la 8 Edición de la Mostra de Cinema Periférico de A Coruña. Del 31 de mayo al 4 de junio.

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Presentamos la obra de Steve Polta, director artístico de la Cinemateca de San Francisco, cuenta con una filmografía propia que ha construido desde mediados de los 90, utilizando el Super 8. Filmografía que se proyecta por primera vez en el continente europeo.

 

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Luther Price, bebe de su proia historia personal y familiar como autor. La muerte, la familia, la violencia, las operciones quirúrgicas, son algunos de los ingredientes con los que manufactura sus películas, realizadas exclusivamente cn Found Footage.

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MARÍA CAÑAS. Sus obras invitan a reflexionar sobre la extraña mezcla de diversión y tremendismo. Canibal audiovisual, colecionista y archivera., genera sus obras practicando el apropiacionismo.

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http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=55

 

DIANA TOUCEDO. Cineasta. Como directora ha realizado varios cortometrajes documentales y eperimentales mostrados en festivales de cine y centros de arte. En la actualidad está comletando dus dos primeros largometrajes.

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HELENA GIRON Y SAMUEL DELGADO. Sus trabajos indagan en las relaciones entre mitología y materialismo. En La Mostra han presentado su pieza titulada El paisaje está vacío y el vacío es paisaje. Además han comisariado el ciclo dedicado al artista Aldo Tambellini.

 

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MONICA SAVIRÓN. comisaria indeendiente, escritora y cineasta exerimental. Originalmente de Maadrid aunque desde hace años estableción su base en N. York. Su obra explora las posibilidades del sonido en el cine y su vanguardia poética.

 

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https://www.monicasaviron.com/

 

 

 

Rosa Pérez    2.jun.2017 11:21    

Bowie, Manu Arregui, Mariña Núñez, Fluxus y Giovanni Lami

    viernes 26.may.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 29.05.17

 

 

PORTADA: FLUXUS. TASAWUF.

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Fluxus nos enseñan el Arte de la Guerra

Fluxus, es el proyecto que conjuga música experimental y ruidismo de dos artistas de la escena industrial española, como son Mauri Ibañez Sangés y Pedro Peñas Robles aka HIV +,  

Su segundo álbum, titulado Art Of War, llega tras tres años después del lanzamiento de  Mental Illness, primer encuentro en torno a las enfermedades mentales y su traslación a la música. Ahora vuelven con un trabajo que pone el acento en el "totalitarismo islamico que quiere apoderarse del mundo usando de la violencia y del terrorismo" . Tema de plena actualidad al que le han puesto banda sonora. Una vez más demuestran la estrecha colaboración entre ambos artistas y la buena sintonía y acoplamiento sonoro. Mientras Mauri se encarga de la música, los ritmos, la mezcla y la producción en general; Pedro aporta el concepto, las voces, los samples árabes y los paisajes exóticos.. 

Art Of War gustará a los amantes de la música de gente como Muslimgauze, Pan SonicSleeparchiveByetone o Atom TM

http://www.mauridj.com/fluxus-art-of-war-cd/

 

MUSICA : Bowie. Wishful beginnings. Outside

http://www.davidbowieis.es

 

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 El Museu del Disseny de Barcelona será el único centro a nivel estatal que albergará "David Bowie is", la exitosa e innovadora exposición organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres (V&A). La muestra ya ha recibido más de 1 millón y medio de visitas en su gira mundial.

Más de 300 objetos se exhiben de forma conjunta por primera vez en Barcelona: letras de canciones manuscritas, trajes originales, artículos de moda, fotografías, películas, vídeos musicales, escenografías, instrumentos del propio Bowie y portadas de álbumes.

En el marco de la exposición de Barcelona, varios lugares de la ciudad acogerán un gran número de actividades relacionadas con el icónico artista británico: desde la Bowie Opening Party (el 25 de mayo en la Sala Razzmatazz), hasta el extraordinario concierto sinfónico de la OBC del 13 de julio en L'Auditori, con 65 músicos sobre el escenario, así como una serie de películas que mostrarán todas las facetas del legendario artista.

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También tendrán lugar las charlas Bowie Talks en la UPF Barcelona School of Management, un ciclo de conferencias centradas en Bowie que contarán con la participación de destacadas personalidades relacionadas con el artista, entre ellas el carismático diseñador de moda Kansai Yamamoto, el documentalista de la BBC Francis Whately y el fotógrafo oficial de varios de sus tours mundiales, Denis O'Regan, entre otros.

Esta retrospectiva sobre David Bowie supone una experiencia audiovisual completa gracias al uso de la tecnología multimedia del nivel más avanzado.

El V&A disfrutó de un acceso sin precedentes al "David Bowie Archive", con el fin de comisariar la primera retrospectiva internacional sobre la extraordinaria carrera de David Bowie, uno de los artistas más vanguardistas e influyentes de su generación.

“David Bowie is” explora los procesos creativos de David Bowie como músico innovador e icono cultural, para lo que realiza un recorrido por su estilo cambiante y reinvención constante durante cinco décadas.

La exposición también se centra en el trabajo colaborativo de Bowie con artistas y diseñadores, y demuestra cómo su obra influyó y recibió la influencia de movimientos más amplios en los ámbitos del arte, el diseño, la música y el teatro.

Victoria Broackes y Geoffrey Marsh -comisarios del V&A- seleccionaron más de 300 objetos, reunidos por vez primera en esta retrospectiva, entre ellos letras de canciones manuscritas, trajes originales, artículos de moda, fotografías, películas, vídeos musicales, escenografías, instrumentos del propio Bowie y portadas de álbumes.

Desde su concepción en el V&A en 2013, la exitosa exposición “David Bowie is” ha recorrido el mundo en una gira que la ha llevado a nueve ciudades en países como Canadá, Australia, Brasil o Japón.

Más de 1 millón y medio de personas han visitado hasta el momento “David Bowie is”, haciendo de ella la muestra más visitada en los 164 años de historia del V&A.

 

MUSICA. BOWIE. BLACKSTAR

 

MUSICA: CARL CRAIG. SANDSTROM

ENTREVISTA: MANU ARREGUI.

Chelsea; amanecer

  Del 27 de mayo al 22 de julio de 2017

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Esta exposición, el cuarto proyecto individual de MANU ARREGUI en la galería Espacio Mínimo, reúne las últimas producciones del artista: Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado (2014-17) que se muestra por primera vez en su versión instalativa, la presentación en primicia de la videoinstalación Chelsea; amanecer (2017) y la escultura Dating App (2017). Estos tres trabajos, concebidos de forma independiente, generan un diálogo en torno a las construcciones identitarias en una sociedad hipercapitalista en la que la misoginia y la homofobia siguen condicionando los modos de convivencia y representación.
Ejercicios de medición sobre el movimiento amanerado es una instalación construida a partir de dos vídeos y una serie de gráficos con los que se investigan los códigos y connotaciones vinculadas a la gestualidad, tomando como motivo los movimientos amanerados del cuerpo. Unos ademanes que, ejecutados por un varón, resultan censurables desde la hegemonía heteropatriarcal, pero también, en otros entornos presumiblemente concienciados como es el del colectivo gay. Como consecuencia, el artista convierte estos gestos “impropios” e “inútiles” en activadores del derecho a disentir, señalando la marginalización de algunos individuos frente a la sociedad por sus imperativos sexistas de masculinización.

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Este creador santanderino está especializado en el modelado digital en tres dimensiones, asociado a los videojuegos y a la industria del entretenimiento. Pertenece a una nueva generación de artistas que considera esta manifestación como un instrumento de cambio social. Para Arregui, el arte comparte espacio con esferas tan diversas como el cine, la publicidad, la moda o la música popular.

En los últimos años has estado incidiendo en la transmisión de conocimiento dentro del arte contemporáneo y la preocupación por el movimiento, la gestualización de los cuerpos. La danza forma parte de tu imaginario.

http://www.espaciominimo.es/arregui-manu/

 

 

MUSICA : MIMICOF. OPAL. MOON SYNC

 

MUSICA :  PHARMAKON. NAKEDNESS OF NEED

ENTREVISTA :  MARINA NUÑEZ. LA MUJER BARBUDA. GALERIA PILAR SERRA. MADRID. Hasta 26 de junio.

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Marina Núñez expone por primera vez en la galería Pilar Serra. Tras una dilatada trayectoria que comienza en la década de los noventa, su esencia es la pintura que va adaptándose y trasladándose a otros soportes como la fotografía, el vídeo, el lápiz digital, creando un universo propio en el que lo simbólico y lo imaginario están siempre presentes, dando lugar a personajes deformados, monstruosos, cambiantes, y en el que la mujer aparece como ser mutante,.

Hace un año fue protagonista de una retrospectiva presentada en Alcalá 31 en el que llevaba a plantearnos la identidad femenina y su relación con la locura, la histeria, la muerte…

Ahora nos propone un tema tabú, la nueva exposición de Marina Nuñez nos muestra su visión sobre La Mujer Barbuda.

 

En este caso la artista nos presenta un tema tabú, que la sociedad trata de ignorar, el “error” que la naturaleza a veces comete al dotar en un momento dado a ciertas mujeres de un vello facial abundante, recordemos la famosa pintura de José de Ribera, en el Museo del Prado, “La mujer barbuda” (1631) en el que Magdalena Ventura amamanta a su tercer hijo, en presencia de su marido; las mujeres con barba son rechazadas, asustan porque lo diferente siempre ha sido combatido por una parte de la gente que teme la diversidad. ¿Por qué la artista ha escogido este tema ? En el siguiente texto nos da las claves: “El vello facial es uno de los caracteres sexuales secundarios, y las mujeres barbudas, con sus características fenotípicas inesperadas, que complican el rigor de las clasificaciones anatómicas, nos sitúan ante un panorama estimulante. Las representaciones de mujeres barbudas pueden ser intentos naturalistas de corte científico de representar errores o singularidades de la naturaleza, o tener pretensiones simbólicas moralizantes contra el deslizamiento de género o las conductas sexuales inapropiadas, o apelar a una lujuria asociada a los irrefrenables instintos de una mujer-bestia a medio camino entre lo animal y lo humano, o plantear desafíos tipo drag king a la programaciones de género y las certezas identitarias. Esta última opción, se trate de biología o de disfraces, es la que esta exposición plantea. Porque las monstruas hirsutas, contaminadas de otredad, amplían nuestros horizontes respecto a la rigidez de la dicotomía masculino/femenino, por extensión cuestionan la firme imposición social a que escojamos una sola y prefijada identidad (de género, sexual) para toda la vida. Siete mujeres barbudas dibujan con pelo en su rostro y cuerpo sus circunstancias o deseos. Líneas fractales, manchas del test de Rorschach, un bordado de flores, dibujos celtas tipo tattoo, palabras que definen lo monstruoso pero también lo maravilloso y admirable, pestañas y cejas que enmarcan la mirada, o unas manos acariciantes, crecen en mujeres que nos miran serenas, conscientes de que son extraordinarias. En la otra serie de la exposición, el rostro de tres mujeres es definido tan solo por ese vello facial que dibuja sus ojos y bocas, como si el cabello, que tanto se asocia a la belleza femenina, fuese su único atributo. Podrían parecer ciegas y mudas, pero de esos orificios surgen mechones vitales y elocuentes.”

 

POST, TRANS. MARINA NÚÑEZ. Galería RocioSantaCruz<. Barcelona del 25 mayo al 29 julio. Comisaria: Gloria Picazo.

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Post se refiere a después de, Trans nos remite al otro lado de. Post-humanismo y Trans-humanismo son términos muy utilizados enla actualidad, parecen opuestos pero a menudo vienen a significar lo mismo: una superación de la condición humana como se entendió hasta ahora. La exposición oscila entre lo genérico de ambos prefijos, pensando en el cuerpo humano y en su identidad.

 

 

MUSICA : KARA-LIS COVERDALE AND LXV. DISNEY

 

El festival Ensems de Valencia que se celebra dentro del Festival de Música Contemporánea, propone una selección de artistas bien diversos , dentro del campo de la experimentación. La semana pasada traíamos a Clara de Asis, una artista española afincada en Francia.

Italia es uno de los países que cuenta al menos con un museo dedicado al arte sonoro en Roma. La escena italiana tiene una importante presencia internacional. De echo Luigi russolo fue pionero en este género.

Hoy traemos a Giovanni Lami (Ravenna, Italia, 1978) es un artista y músico sonoro que trabaja dentro de los límites del paisaje sonoro y de la ecología del sonido. El universo infinito del sonido es tan largo y ancho como las posibilidades visuales disponibles mediante imágenes, trabajando en grabaciones de campo y procesamiento de señales en tiempo real (analógico o digital); El universo infinito de sonidos que tenemos todos los días a nuestro alrededor y su manipulación es la base del modus operandi de Lami, relacionado hoy con el estudio de superficies resonantes en el campo y el límite o interferencias de cada materia que utilizó para grabar o reproducir un registro sonoro.

 Giovanni Lami, una de las figuras emergentes del panorama experimental italiano, y  en Valencia presentó Bias un proyecto a partir de la manipulación y creación en tiempo real de loops con un magnetofón Nagra.

Artista en Residencia en:

Hotel Pupik (Austria, 2015)

Festival de Cine de Khora / Syros (Grecia, 2015)

CONCIERTO Giovanni lami. FESTIVAL ENSEMS. VALENCIA.

CONTRAPORTADA: FLUXUS. ISTAMBUL

Rosa Pérez   26.may.2017 09:12    

Arte Urbano, Clara Moto y Sesión para el día Internacional de los Museos.

    viernes 19.may.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 22.05.17

 

PORTADA: CLARA MOTO. MY DOUBLE EDGE.SWORD.

Clara Moto - Header Artiste

Clara Moto es el pseudónimo de Clara Prettenhofer, Dj y compositora austriaca. Tras una infancia en la que estudió piano clásico y jazz, Clara Moto ha surgido como una de las propuestas más refrescante de la escena electrónica de su país. Ella cultiva un estilo muy personal en la que la elegancia prevelace sobre una minimalismo estílistico que se mueve entre el microhouse y la electrónica bailable. Su nuevo álbum se titula Blue Distance.

MUSICA: LCC. CALX.

ENTREVISTA:  Amaia Arrazola

AMAIA

Exposición: AMAIA WAS HERE. Amaia Arrazola

Exposición: Del 17 de Mayo al 4 de Junio de 2017

 

Disciplina: Dibujo e ilustración

Técnica: Lápiz y Acuarela

Amaia Arrazola vuelve a Miscelanea, retomando el proyecto con el que 5 años antes se dio a conocer: “Amaia Was Here”. Un proyecto que le sirvió a la ilustradora vasca además de para mejorar su técnica y estilo, también para ampliar su universo artístico.

“El Amaia Was Here es como mi entrenamiento. De vez en cuando me gusta parar de hacer proyectos profesionales, donde tienes poco tiempo para pensar o no, pero hay una

responsabilidad, un cliente, un deadline... para hacer algo puramente divertido. Es dibujo rápido, es no pensar, es espontaneo, si sale mal, sale mal. Acuarela, lápiz, papel y

poco más.”

Esta vez, nos muestra el dia a dia en su viaje a Japón. En concreto, a la ciudad de Matsudo, una especie de Badalona muy cerca de Tokio. Un diario visual dónde cuenta qué come, donde va, o qué hace sin preocuparse de cómo quedara la ilustración fnal. Una prueba gráfca de que Amaia estuvo ahí.

Amaia Arrazzola 1984, Vitoria

Comenzó trabajando como ilustradora y directora de arte en Madrid, pero pronto descubrió que la vida es muy corta para pasarla en un despacho así que hizo las maletas y se vino a Barcelona a buscar su camino como ilustradora.

Le gusta la tipografía, la serigrafía, la cerámica, la escultura, los juguete japoneses, la ilustración, las revistas de diseño, bordar, coser e ir a todas partes en bici.

Le gusta el modernismo, la arquitectura, lo rococó, y casi todo lo que tenga forma orgánica. No le gusta la sangría, la alcachofa, ver como roban a alguien en el metro, mucha gente en poco espacio e ir a una playa abarrotada.

Todo lo que sea espontáneo, rápido y divertido es una inspiración para su trabajo. Lo que sucede a su alrededor: desde una conversación en el Mercadona, en el metro o en el paseo del Born, los cafés en la plaza de la Virreina, señores jugando a la petanca, o guiris que se cuecen en la Barceloneta...

www.amaiaarrazola.com

MISCELANEA - Guardia 10 08001 BCN 933179398 - info@miscelanea.info www.miscelanea.info

MUSICA: ALEX JUNE. ZAFIRO. PLANETÉ HURLANTE

 

MUSICA : EDH. ASHES, PEACHES. SOS SPRING

Sixe-NaturalezaAbstracta

SC Gallery presenta la obra del artista Sixe Paredes (Barcelona, 1975)Naturaleza abstracta” título de la primera exposición individual en la galería Bilbaína.

SC Gallery celebra su IX aniversario con nueva exposición.

La galería SC cumple 9 años de compromiso con el arte contemporáneo. Por eso, el próximo 19 de Mayo a las 19:30h lo celebrará con la inauguración de la muestra Naturaleza abstracta” del artista catalan Sixe Paredes, la exposición  permanecerá  abierta  hasta el  21 Julio.

 

La muestra está conformada por 1 escultura y 10 pinturas sobre tela y papel.

 

 

“NATURALEZA ABSTRACTA”

 

Ignoramos cuándo una forma surge para el lenguaje pictórico o poético, y cómo en torno a ella se acumulan sentidos que terminan por hacerla casi irreconocible. Sixe Paredes comienza un nuevo ciclo con esta muestra, cerrando así la etapa andina que comenzó en el año 2010, y que dejó en su personalidad y obra creativa una gran huella, abriendo infinidad de caminos. En palabras del propio artista “arranco como punto de partida con una reflexión de todo ese mundo imaginario, creado a lo largo de más de 20 años de intenso empeño y pasión, y con el cual me siento tan identificado. He querido retroalimentarme de mi propio mundo, para transmutarlo a nuevas dimensiones, en su camino natural hacia la abstracción, en ese lugar donde se deja un espacio abierto a la imaginación. Algo perdido en los últimos tiempos, saturados de imágenes cerradas, como muros grises que neutralizan nuestra capacidad de expansión”.

Perfilar el aire y fisonomizarlo, hacerlo visible, es una forma de mostrar una elementalidad material donde las fronteras de lo visible y lo invisible se encuentran extraordinariamente próximas. En esta nueva serie de trabajos, Sixe Paredes, maneja dos conceptos como eje principal de sus obras: la abstracción y la naturaleza. Para ello usa como eje medular la naturaleza, somos parte del mundo y junto a ella nos movemos en el cosmos. Ubicado sobre este eje, genera un lenguaje que se refiere a las diferentes dimensiones y direcciones en el espacio. Girando sobre un mismo punto, la perspectiva de las obras varía, ampliando nuestro concepto y visión del espacio en un sinfín de inspiradoras posibilidades, simbolizando con esto la naturaleza, el mundo, el cosmos, todo unido y en movimiento constante. En esta exposición podremos observar obras pictóricas de formato mediano con paisajes que combinan composiciones entre lo rectilíneo y lo orgánico, por las que transcurren infinidad de elementos para conjugarse entre si y formar múltiples reflexiones a partir de una idea primigenia. Encontramos representaciones abstractas de la montaña y el pájaro, el cielo y la tierra, el agua y el pez, seres que transitan entre la tierra y el inframundo situado bajo ella, pero que están unidos en su dualidad, en su naturaleza y espíritu, como un ser animado que forma un todo, un macrocosmos.

Dialogando con otros lenguajes en los que la forma se hace y se deshace, presenta también en esta muestra una pieza escultórica con ensamblaje de varios materiales: lanas y cuerdas, cuentas y barras de madera pintadas.

En este universo propio hacia la abstracción, lo figurativo se desvanece primando la geometría, mientras las demás formas van desmaterializándose, el artista proyecta así una nueva visión más allá de lo físico, a través de múltiples representaciones simbólicas que interactúan en diferentes planos y permiten al espectador entrar en ese universo tan particular y a la vez universal de Sixe, recordando un estado alterado de conciencia, un trance de colores y formas, unidos en un ritual de elementos, todo ello envuelto en una gama cromática luminosa, en una luz de contrastes y energía vibrante.

Destaca el trapecio como forma geométrica que transmuta en puertas tridimensionales, con escaleras hacia la ascensión, hacia la unión de universos entre el ser y el espacio místico o sagrado. Lenguajes de símbolos universales y color. Obras que subrayan la fuerza de los símbolos como motor de cambio y también su importancia como herramientas para recordar, dar continuidad y unidad. Como el propio artista señala “mensajes perdidos en el tiempo, en un tiempo donde los símbolos eran importantes antes de la escritura, símbolos perdidos en una conciencia global, pero grabados en nuestro ser más profundo, hoy dormido" y que el artista quiere rescatar para recordarlos y mostrarlos en sus trabajos para esta exposición. Capaz de mantener erguidas las diferencias o de abolirlas por completo, Sixe Paredes las comparte en una puesta en escena de la maniobra de lo plástico hacia nuestros orígenes ocultos, siempre enigmáticos y a la vez míticos.

Laura García-Borreguero Gómez. Antropóloga Social y Cultural.

 

 

“Naturaleza abstracta”.  

Artista: Sixe Paredes. 19 Mayo– 21 Julio

Lugar: SC gallery (Bilbao)

www.scgallery.es

 

MUSICA: MAYA JANES COLES. WONT LET YOU DOWN

 

MUSICA : ROZZMA. BABY

Anna dimitrova

Anna Dimitrova, una mujer  empresaria, comisaria y galerista especializada en arte urbano y una  de las personas que mejor conoce el panorama tanto nacional como 
internacional del street art, sobre todo, a lo que mercado se refiere. 
Con su empresa Nobulo, una suerte de puente entre culturas, ha  organizado más de 50 exposiciones y 40 eventos relacionados con el  graffiti y el street art repartidos por cuatro continentes. Hace un  año organizó el primer lote de arte urbano español y latinoamericano  que salía a subasta en la casa de subastas más antigua del mundo, la  parisina Casa Drouot.  

Nació en Bulgaria y se crió en Marruecos, pero desde hace 20 años está  afincada en España, entre Madrid y Barcelona, desde donde se mueve por  todo el mundo llevando a cabo diferentes proyectos relacionados con el  arte urbano.

Es una mujer con una historia muy interesante, sobre todo en un mundo  tan masculinizado como es el arte urbano. De hecho, una de las  condiciones para aceptar dirigir Montana Gallery fue tener libertad  para dar visibilidad y espacio a mujeres artistas.

MUSICA: DR. DAS. FRECUENCIE PREJUDICE. CAUSTIC.

SESIÓN DÍA DE LOS MUSEOS.

Play-list:

LCC. CALX.

NIET. NONSSENSE YESSENSE.

IREEN ANNES. . RESPONSE

SARAH BADR. LEVIATAN WAVES

ROB CLOUTH. ISLAND OF GLASS

LOTIC. HETEROCETERA

LCC. HOTH

LAY LEE. IN THE RING

NINA GEORGIEVA.

NATHAN FAKE. DEGRELESSNESS

ZELLER.

KILN. KOPPERCOSMO

CONTRAPORTADA: CLARA MOTO. HOLY

Rosa Pérez   19.may.2017 11:18    

Transhumancias

    viernes 12.may.2017    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 15.05.17

 

PORTADA: DR. DAS. RE- ALINEATE. CAUSTIC.

 

  Drdas

Dr Das, es un bajista e xtraordinario. Sus fuertes melodias , a veces se tornan minimalistas y ocasionalmente sucumben a la distorsión. 'Su distintivo musical ahora se complementa con loops de percusiones o dubnoiz, transitando siempre hacia la electrónica militante y urgente.

Musica para aliens, outsiders y gente de pensamiento poco convencional. 

Dr. Das fue miembro fundador de Asian Dub Foundation, pero desde hace años tiene una carrera en solitario con discos francamente atractivos. El último titulado Caustic.

MUSICA: CRISTAL FIGHTERS.

 

Presentamos el festival Pirineos Sur. Su director artístico Luis Lles, nos hace una introducción de la próxima edición.

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el Festival Pirineos Sur, un punto de encuentro entre continentes, culturas y sonidos, que ya en sus primeras ediciones se convirtió en la  referencia nacional de su género musical antes de que en España se hablara de multiculturalidad o globalización. Es también una apuesta por potenciar el turismo cultural en la provincia de Huesca y más concretamente en las comarcas del Valle de Tena y Serrablo.

Tras dos décadas  conserva la filosofía que lo vio nacer. El Festival Internacional de las Culturas Pirineos Sur ha recorrido musicalmente casi todo el mundo. Músicas y culturas provenientes de los cinco continentes y ediciones monográficas dedicadas  a los creadores de diversos países, regiones y movimientos musicales.

http://www.pirineos-sur.es/

 

MUSICA

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57 edicion de la Exposición Internacional de Arte. La BIENAL DE VENECIA. Pabellón Español.  Unete!!" Join Us!. Es una reivindicación del nomadismo como acción colectiva. Errancia, transhumancia, viaje, extravío o ajetreo son las claves de un  pabellón que toma como referencia las utopías de ciudades que han explorado el movimiento como una forma radical de pensar sobre el imaginario social. 

Comisariado por Manuel Segade, y con la participación del artista Jordi Colomer , toman como punto de partida los vidos de ficción de un grupo que se traslada por diferentes puntos geográficos, guiados por tres mujeres: la actriz Laura Wissmahr, la compositora Lydia Lunch y la bailarina Anita Deb.

El proyecto Ciudad de bolsillo, del artista Jordi Colomer y el comisario Manuel Segade, representará a España en la 57ª Exposición Internacional de Arte, que tendrá lugar del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017.

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Ciudad de Bolsillo ha sido la seleccionada, entre un total de cuatro propuestas: Circulaciongeneral, del artista Luis Bisbe y la comisaria Alicia Chillida; Mecánica del progreso continuo, del artista Eugenio Ampudia y la comisaria Blanca de la Torre; First round (revisited), de la artista Cristina Lucas y el comisario Gerardo Mosquera son los tres proyectos que competían con Ciudad de bolsillo para representar a España en la próxima Bienal.

 

Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Reside y trabaja entre Barcelona y París. Su obra abarca múltiples medios, con especial dedicación a la fotografía, el vídeo y la puesta en escena dentro del espacio expositivo.

Tras "Alta Comèdia" (Tinglado 2, Tarragona, 1993), en 1997 presenta "Simo", su primera obra de vídeo en una sala de proyección site-specific construida dentro del Museu d'Art Contemporani de Barcelona -MACBA. De este periodo surgen obras como "Pianito" (1999), "Les Jumelles" (2000) o "Le Dortoir" (2001), que completarán un periodo marcado por el trabajo en sets de rodaje.

A partir de 2001, la investigación escenográfica de Jordi Colomer se abre al espacio urbano: "Anarchitekton" (2002-2004), proyecto itinerante a través de Barcelona, Bucarest, Brasilia, Osaka; "No? Future!" (rodada en Le Havre, 2006 y reactivada en Manifesta X, St. Petersburgo, Rúsia, 2014), "Arabian Stars" (Yemen, 2005), "En la Pampa" (desierto de Atacama, Chile, 2008), "Avenida Ixtapaluca" (México, 2009) o "The Istanbul Map" (Istanbul, 2010), el tríptico "What will come" (Nueva York, 2010), "Medina-Parkour" (Tetuán, Marruecos, 2013) y "Sjobadet Alphabet" (Trondheim, Noruega, 2014).

Entre sus trabajos recientes destacan "L'avenir" (2010), "Prohibido Cantar / No Singing"(2012), "La Soupe Americaine / The American Soup" o "The Svartlamon Parade" (Trondheim, Noruega, 2014).

Su obra ha sido expuesta, entre otros lugares, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2005), en el Jeu de Paume de París (2008), en el Bronx Museum of the Artsde Nueva York (2010), en el Argos Center for Art and Media de Bruselas (2011), en Matadero de Madrid (2012) o en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona (2015). Está presente en las colecciones de, entre otros, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Fundació La Caixa de Barcelona, Museu d'Art Contemporani de Barcelona -MACBA, Instituto Valenciano de Arte Moderno –IVAM, Centre Pompidou de París o Bronx Museum of the Arts de Nueva York

 

Manuel Segade (A Coruña, 1977). Es licenciado en Historia del Arte por la  Universidad de Santiago de Compostela, con doctorado en la misma universidad. Actualmente es Honorary Visiting Research Fellow en el Posgrado en Cultural and Visual Studies of the Art and Humanities Research Board de la Universidad de Leeds en Reino Unido.

En el ámbito institucional es actualmente el director del Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles, Madrid. Anteriormente, fue comisario jefe del Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela entre 2007 y 2009, y coordinador de programación de Metrònom. Fundació Rafael Tous d'Art Contemporani en Barcelona, entre 2005 y 2006.

Su extensa trayectoria de comisario incluye proyectos realizados con diversas instituciones como TENT (Rotterdam), ArteBA (Buenos Aires), Fundació Joan Miró (Barcelona), ARCOMadrid (Madrid), MUSAC (León), Centre d'Art La Panera (Lérida), Pavillon Vendome (Clichy), La Casa Encendida (Madrid), Espai Cultural Caja Madrid (Barcelona), Centre d'Art Santa Mònica (Barcelona) o la Fundación Luis Seoane (A Coruña), en las que ha comisariado exposiciones de artistas como Lara Almarcergui, Wendelien van Oldenborgh, Hudinilson Jr, Carme Nogueira, Susan Philipsz, Mariona Moncunill, Éric Sauvé, Itziar Okariz, Azucena Vieites, entre otros, y diversas exposiciones colectivas.

A estas actividades se suma una larga experiencia docente, con múltiples talleres, cursos y seminarios en instituciones españolas e internacionales, además de participaciones en jurados y comités de arte contemporáneo y de publicaciones de libros, artículos y críticas de arte.

 

 

 

 

MUSICA:

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REVELA-T

Festival de fotografía analógica

Del 19 al 28 de mayo - Vilassar de Dalt

Revela-T 2017, el festival de fotografía analógica, celebra su quinta edición

La quinta edición del Revela-T, el festival de fotografía analógica, tendrá lugar del 19 al 28 de mayo en Vilassar de Dalt. El certamen por primera vez propone un tema común HIDDEN, que dará coherencia a las más de 50 exposiciones de destacados fotógrafos y galeristas de primera línea internacional y nacional. Revela-T reivindica la fotografía sin prisas o Slow Photo, y va dirigido a los amantes de la fotografía en general, especialmente a los amantes de la fotografía química o analógica, por quien el tempo también forma parte del proceso y del resultado.



Entre las exposiciones destacadas, hay las de Kazuma Obara, Munemasa Takahashi, Manabu Yamanaka, Juanan Requena, Estrella de Castro, Albarrán & Cabrera, Tagomago Collectors, Eduardo Momeñe, Jordi Esteva, Pam/Plossu y Peter de Graaf.

El grueso del festival es principalmente expositivo, pero paralelamente, también se organizan otras muchas actividades como talleres, charlas, demostraciones, proyecciones... 

El festival Revela-T, que tendrá lugar del 19 al 28 de mayo en Vilassar de Dalt, cuenta en esta edición con un total de 50 exposiciones de destacados fotógrafos y galeristas de primera línea nacional e internacional.

Foteros


El público asistente podrá conocer las exposiciones de autores internacionales como But who or what are we dealing with? de Frank Falckenhaus, Mr.G. de Gilbert Garcin, Jannah de Giulia Iacolutti, 30 de Kazuma Obara, Stenoscopes de Laurie Baggett, Gyahtei: Resigned to Death de Manabu Yamanaka, Visa me de Martin Brandau, Pam/Plossu de Max Pam & Bernard Plossu, El lado oscuro de la luz (o lo que esconden las luces invisibles) de Camilo Sabogal, Lost&Found de Munemasa Takahashi, La cuarta pared de Diego Ballestrasse, Retratos del textil de Markus Kaesler & Jesús Joglar, Half way to low tide de Peter de Graaf, Ipseity de Pierre Van de Vliert, Hidden Within de Steve Lovegrove, We are back de Tagomago Collectors Project, La vida de los ángeles de Wara Vargas y Zdjęte de Tomasz Kowalczyk.

Y las exposiciones de autores nacionales como: This is you d'Ángel Albarran & Ana Cabrera, Hidden Humanity d'Alberto Ros, 'Paisajes' emocionales de Alfonso Fornes, Cero de Alfonso Moral, A limbo for the youth de Álvaro Gómez-Pidal, Historias incompletas de Amaia Hodge, Blanco Roto de Cristobal Benavente, Papel de plata de Daniel Casares Román, Las fotografías de Burton Norton de Eduardo Momeñe, Paradiso d'Eduard Ripoll, Tres perros y San Cristóbal d'Enrique Escandell, Zoocosis d'Estela de Castro, Fotografía Post-Mortem de la Fototeca de Asturias, Socotra, the islands of Djinns de Jordi Esteva, Tomorrow Yes? de Jesse Oaks, Escenografías indefinidas de Jorge Otero, Blank de Josep Maria de Llobet, Retrato Genealógico Compuesto de Juan González Fornés, Al borde de toda emoción de Juanan Requena, Las fotografías perdidas de Barcelona de Milagros Caturla, Galería Imaginaria de Lorena Capdevila, 'Tout est possible' Victor Lustig, Paris 1925 de Maite Caramés, Herbarium de Manel Armengol, F_mil_ Alb_m (Álbum de Familia) de Montse Morcate, La piel del aguade Nuria Oreja, Reflexiones de Pepe Buitrago & Narcís Rovira, y Las olas no preguntan de Santos Montes. También Exhibition of the project for cooperation and artistic exhange Revela-t 2016de once artistas nacionales e internacionales que utilizan diferentes técnicas analógicas.

Dentro del Off Revela-t, la programación paralela del festival, se podrán ver las exposiciones Más allá del bosque de Dani García Sarabia, Selected work de Taichi Gondaira y Un día en Revela-t de Xavier Gómez.

El nivel expositivo general se supera año tras año y a cada nueva edición la selección de exposiciones es de mejor calidad gracias a la buena acogida del llamamiento a la participación. Para esta edición, la elección se ha hecho en base a las 270 propuestas recibidas de fotógrafos de todo el mundo. A pesar de que el grueso del festival es principalmente expositivo, paralelamente, se organizan otras muchas actividades, algunas formativas que ayudan a concienciar al público de la importancia de la fotografía analógica en el mundo del arte y la cultura.

Los talleres tendrán lugar en Barcelona, en la Escuela Fotoespai CBI, vinculada al festival desde sus inicios y en varios espacios de Vilassar de Dalt. Habrá el taller Daguerrotipo Becquerel sobre vidrio, impartido por el colombiano Camilo Sabogal,  el taller combinado 2 en 1 Polaroid transportada / Retratos al cafenol de Urizen Freaza y Estudio Cahuté. También el taller Specialized Laboratory Workshop de Steve Anschell, experto de los EE.UU. en técnicas de laboratorio, el de Los secretos de la Cianotipia de la mano de Lux Darkroom (Constanza Isaza & Andrés Pantoja) y se contará con la presencia de uno de los grandes teóricos de la fotografía en España, Eduardo Momeñe que impartirá el taller La Práctica Fotografica.

El sábado 27 de mayo, habrá charlas y ponencias a cargo de la Asociación Nacional de Fotografía Analógica, Pepe Buitrago & Narciso Rovira, Eduardo Momeñe & Estela de Castro, Steve Anchell, Steve Lovergrove & Cristóbal Benavente y Juanan Requena, Fernando Peracho & Fuji. 
El domingo 28 se harán demostraciones de diferentes técnicas como la Lúmen (Jorge Otero) y la de retratos en positivo revelados a el Cafenol (Estudio Cahute). También se hará una demostración de cianotipia gigante (Lux Darkroom en colaboración con la Escuela de la Inmaculada de Vilassar de Dalt), fotografía de grupo (Nicolás Llasera) y polaroid transportada (Urizen Freaza). 

Además, el público asistente podrá visionar dos documentales: Socotra, la isla de los genios de Jordi Esteva y Mapplethorpe: Look at the Pictures de Fenton Balley y Randt Barbato que se proyectarán en la Sala Casal.

Para el público infantil, habrá talleres de cámara oscura a las escuelas y visitas guiadas a las exposiciones. También se ofrecen estas visitas para las escuelas de fotografía de Barcelona, las empresas colaboradoras y entidades relacionadas con la fotografía. Durante el fin de semana principal (del 26 al 29 de mayo) también habrá visitas guiadas abiertas a todo el mundo, pero contando con la presencia de muchos de los autores, un valor añadido que aprecian muchos visitantes. 

Durante el fin de semana del 26 al 29 de mayo se celebrará una feria comercial con reconocidas marcas del sector como Fuji, Lomography, Disefoto, Quimics Dalmau y con un gran número de vendedores de material, cámaras, carretes, químicos... En total habrá 21 carpas. Algunas de las marcas y col•lectivos también harán demostraciones de productos o técnicas. Otras muchas actividades lúdicas como el espectáculo La Linterna Mágica, encuentros de diferentes colectivos, y la ya tradicional foto de grupo, la Paella Popular y la Fiesta ReBela-T en la carpa gigante del Parc de Can Rafart, un espacio de networking, donde conocer a gente de todo el mundo, practicar idiomas, divertirse y compartir la pasión por la fotografía.

exposición de las llamadas “fotografías perdidas de Barcelona” de Milagros Caturla, "la Vivian Maier catalana".

http://revela-t.cat/2017

MUSICA: MIMICOF. OPAL

 

 


Os invitamos a conocer la obra de http://miguelolmo.wordpress.com. Presente en Mucho Más Mayo (M+M) es un festival público de arte emergente que organiza el Ayuntamiento de Cartagena.

Miguel olmo


M+M desarrolla sus propuestas en cualquier espacio público o privado, evitando expresamente los espacios convencionales dedicados a la actividad cultural; y en cualquier registro o dimensión creativa. Desde la edición de 2016 el festival elige un tema que estará muy presente en su programa. En 2017 el tema es “Comunidades Imaginadas”.

Miguel Olmo aborda su obra de forma poliédrica y  abarca el video, las imágenes digitales, instalación, escultura, nuevos medios, fotografía y diseño gráfico.

 

Para más información sobre M+M:
http://www.muchomasmayo.com
https://youtu.be/YRPHV7R1qkU

 

Abrimos un captiulo dentro de FR al festivan Ensems, de arte sonoro i musicas experimentales que se está desarrollando en el Centro del Carmen de Valencia, comisariado por Edu Comelles. El pasado 6 de mayo en la sala dormitori se presentó Clara Asis.

Clara Asis es de origen gaditano aunque afincada en Marsella. Su propuesta parte de la manipulación no convencional de la guitarra eléctrica, cob la que construye paisajes sonoros a partir de resonancias, efectos, etc. Asi sonó la propuesta de Clara Asis.

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CONCIERTO CLARA DE ASIS. Sesems 2017

 

CONTRAPORTADA: DR. DAS. DARK MILLION. CAUSTIC

Rosa Pérez   12.may.2017 11:08    

ARTE SONORO Y MÚSICAS EXPERIMENTALES

    viernes 5.may.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 08.05.17

 

Los festivales Ensems, Radical db, la música de Synkro grabada en el LEV, o una entrevista a Eugenio Merino que nos presenta su nueva obra sobre Pablo Picaso.

 

PORTADA: HAUSCHKA. Familiar things desappear. What if.

Hauschka

Desde 2004, Volker Bertelmann - aka Hauschka -, ha ganado constantemente una notable reputación como proveedor de música de piano imaginativa, distintiva y preparada. Bertelmann amplía aún más su gama, desafiando las expectativas y ofreciendo lo que sin duda es su álbum más ingenioso.

Es algo asombroso, que Bertelmann ha encontrado tiempo para grabar este octavo álbum de estudio en solitario. Desde el año 2014 en el que publicó,  Abandoned City, el compositor de Düsseldorf ha lanzado una colección de remixes y tomas de Abandoned City (A NDO C Y), así como un álbum en vivo (2.11.14). Swan de Tuonela lo encontró reinterpretando el poema de Tom de Jean Sibelius junto a Samuli Kosminen y Markus Hohti para un ballet coreografiado por el artista de circo finlandés Ville Walo - y trabajó con una variedad de músicos y conjuntos. Además, Bertelmann ha encontrado una cantidad cada vez mayor de trabajo como compositor de bandas sonoras, desarrollando partituras para varios documentales y largometrajes, entre ellos James Franco, adaptación de John Steinbeck In Dubious Battle y, junto a Dustin O'Halloran, Lion, Han sido nominados para un Globo de Oro. Sin embargo, a pesar de esta ráfaga de actividad -o tal vez inspirada por ella.

Para Bertlemann, la oportunidad de grabar otro disco fue bienvenida. "Mi trabajo en solitario", explica, "es autónomo, y puedo elegir cada paso desde el principio sin ninguna influencia externa. Definitivamente decidí con What If hacer un disco que podría ser mi más radical. El piano lírico ha desaparecido y los sonidos que me fascinan -como el ruido y los elementos electrónicos- han tomado el relevo. Más importante aún, sin embargo -y en una ruptura con su metodología tradicional- programó piezas para pianos reproductores, explotando la velocidad con la que podían jugar, manipulando los sonidos resultantes y construyendo capas para enfatizar el contador de una composición.

En particular, What If representa la primera vez que Bertelmann ha trabajado con alguien en uno de sus álbumes en solitario. "La mitad del disco se grabó con Francesco Donadello", que también mezcló el álbum entero - "en su Estudio Vox-Ton en Berlín", dice Bertelmann, "donde nuestra base fue la primera grabación de mis improvisaciones, antes de que yo lo hiciera Overdubs La segunda mitad fue grabada en mi estudio con un Yamaha Disklavier, donde capturé capas de pianos programados y trabajé con mis manos como un filtro para el sonido ".

 

Musica:PHYCHIC OPERATIONS. HADES. MONARCH

ENTREVISTA: EUGENIO MERINO.

Picaso

El cuerpo de Picasso descansará en Málaga

La capital de la Costa del Sol completa su oferta turístico cultural con la atracción definitiva: la muerte del genio universal

Desde el 4 de mayo se podrá visitar el cuerpo de Picasso en la sede de la Alianza Francesa de Málaga. Una experiencia espectacular, una ruta que lleva al visitante desde el nacimiento del genio universal a su muerte, de suelo español a suelo francés sin cambiar de ciudad. El artista que nació en Málaga y murió en Mougins descansará en la sala de la institución cultural y educativa francesa, en la calle Beatas, 36.

Esta experiencia viene a completar un itinerario que empieza en su casa natal, continúa en su colegio, prosigue en el museo que alberga su obra y acaba en el escenario de su muerte, con el cuerpo reposando y recibiendo a vecinos y turistas.

Aquí murió Picasso es una instalación creada por Eugenio Merino que se compone de una escultura hiperrealista del pintor malagueño yacente, una lápida de mármol de Carrara y, por supuesto, el folleto informativo indispensable para la movilización del turista. Una oportunidad única para inmortalizarse junto a Picasso con un selfie.

 

El proyecto, comisariado por Los Interventores, llena un vacío biográfico en la vida  del autor del Guernica con la escenificación de lo que los turistas desean ver, su muerte de cerca, como el visitante que asistía a la morgue de París a finales del siglo XIX.

 

La pieza es una crítica al turismo de masas y a la industria cultural de la ciudad marca, en la que el turismo entra en conflicto con las necesidades de la población residente, donde lo real da paso a escenarios recreados para el visitante. La ciudad de cartón piedra.

El proyecto invita a reflexionar sobre nuestro modelo urbanístico. ¿Una ciudad para la mercantilización destinada al ocio y consumo turístico, o una urbe habitable que controle los procesos de gentrificación y disneyficación?

Ici repose Picasso. Aforo limitado.

¿Qué?: Aquí murió Picasso

¿Dónde?: Alianza Francesa de Málaga, calle Beatas, 36

¿Cuándo?: Desde el 4 de mayo de 2016

Horario de visita: de 10:00 a 14:00 horas y de 16:30 a 19:30, sábados de 10 a 13:30

Un proyecto de Eugenio Merino comisariado por Los Interventores.

MUSICA: ABENÇOADA. INTOXICATED AIR.

 

MUSICA: CLARA ASIS/BRUNO DUPLANT. LA PARESSE.(FRAGMENT)

ENTREVISTA: EDU COMELLES.

FESTIVAL ENSEMS.  ARTE SONORO Y MUSICAS EXPERIMENTALES.

Ensems

+ info: http://www.ensems.com//search/label/ArtSonor2017

En esta ocasión presento una selección de artistas, músicos y proyectos transdisciplinares que exploran territorios que van desde el ruido extremo hasta los aledaños del pop o la electrónica, pasando por la improvisación, la danza contemporánea, el ambient y demás territorios sonoros. Esta programación además de ofrecer una panorámica, abierta, plural y multifacética; presta especial atención a la creación en femenino a nivel local, nacional e internacional contando con la presencia de destacadas creadoras en el panorama.
 
La programación, que alcanza un tercio de la programación global del festival, se desarrollará íntegramente en el Centro del Carmen de Valencia y se alargará durante el mes de Mayo y principios de Junio. Cada fin de semana, dos propuestas artísticas se presentarán en la Sala Dormitori del Centre del Carmen y en el Claustro Gótico de dicho centro.
 
La programación viene encabezada por la actuación del trio noruego Camille Norment Trio. Norment es una de las artistas sonoras más interesantes del panorama europeo. En 2015 saltó a la fama internacional al ser la encargada del pabellón Noruego de la Biennal de Venecia con una obra a caballo entre lo escultórico, lo performativo y lo musical. A Ensems viene con un singular instrumento: la Glassarmonica, un instrumento de cristal que se toca con las yemas de los dedos. 
 
En el plano internacional nos visita también el italiano Giovanni Lami una de las figuras emergentes del panorama experimental italiano. A Ensems presenta "Bias" un proyecto a partir de la manipulación y creación en tiempo real de loops con un magnetofón Nagra.
 
Desde Francia, aunque nacida en Cadiz, Clara de Asis presentará sus más recientes exploraciones sónicas a través de su minucioso, quirúrgico y bello trabajo sobre la guitarra eléctrica. En las antípodas de los procesos analógicos se encuentra el zaragozano Santiago Latorre en colaboración con el performer colombiano Carlos Maria Romero cuyo trabajo transdisciplinar aborda la palabra, la voz y el gesto como mecanismos de disrrupción a través de lo digital. 
 
Venido de Roma pero natural del País Vasco, Alex Mendizábal es uno de los artistas sonoros más invisibles pero con una obra extremadamente interesante, asertiva y compleja en su simplicidad. Mendizábal creará una instalación sonora site-specific que transformará el Claustro Gótico del Centro del Carmen en una caja de resonancia.
 
En el plano nacional, Ensems 2017 reúne por vez primera fuera de Madrid a dos pesos pesados de la electrónica en nuestro país. Javier Piñango y Juan Antonio Nieto, la unión de ambas fuerzas de la naturaleza nos llevará a abismos sonoros extremos. La experiencia, saber hacer y contundencia de la propuesta no ha dejado indiferente a nadie y especialmente después de su reciente trabajo de debut para el sello barcelonés Marbre Negre. 
 
En la estela de extremos sonoros el valenciano Josué Coloma presenta su proyecto más experimental e impredecible: Alozeau. El de Valencia lleva años afincado en Barcelona en donde sigue su laberíntica carrera musical y sonora, era de recibo que Ensems le invitara a actuar. Coloma es sin duda un claro ejemplo del talento local y de un creador trabajando en libertad total, sin límites ni fronteras estilísticas.
 
De Valencia nos llega también el proyecto Persona, improvisación sonora a partir de guitarras eléctricas planeadoras y efectos que en esta ocasión se combinan con la danza y el movimiento de Lorenza di Calogero, bailarina afincada en Valencia. El conjunto, una trama compleja de hilos, tensiones y complicidades entre sonido y movimiento.
 
Siguiendo en el plano local y en la necesidad de apoyar a los proyectos gestados en el territorio, la programación de Ensems se completa con la actuación de, probablemente, uno de los músicos castellonenses de mayor proyección internacional: Rauelsson. Tal es así que para esta ocasión le acompaña el prestigioso percusionista finlandés Tattu Rönkkö quién, entre muchas cosas es colaborador habitual de la mítica banda de post-rock EfterKlang. 
 
Por último y no menos importante, uno de los conciertos más especiales y emotivos que se esperan será el de la joven compositora valenciana Isabel Latorre. Por encargo de quién suscribe estas palabras, Isabel Latorre presentará un homenaje a la recientemente fallecida Pauline Oliveiros una de las creadoras más importantes de la historia de la música electrónica y experimental. Latorre a través del minucioso estudio de la obra de Oliveiros presentará un concierto con acordeón y electrónica para recordar y homenajear a la que fuera la encargada de formular el cuerpo teórico de aquello que llamamos Deep Listening.
 
En definitiva, esta programación dentro del conjunto del festival Ensems, es un reflejo de las tensiones, sinergías y interconexiones existentes en las músicas experimentales y el arte sonoro, un territorio con las fronteras desdibujadas y los límites difusos. 
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MUSICA: NIETO/PIÑANGO. SULTRY NIGHT

 

Musica: LEAFCUTTER JOHN. GULPS.

Radical

Festival Radical dB (festival de música y tecnología) que tiene su sede en Etopía, centro de arte y tecnología del ayuntamiento de Zaragoza, y que también se desarrolla en otros espacios de la ciudad. 

Este festival incluye también un concurso de arte sonoro performativo de carácter internacional  y en estos dos eventos se muestran todas las tendencias más actuales de las prácticas musicales con nuevas tecnologías: desde el live-coding, nuevos interfaces, espectáculos multimedia, y performance en vivo. 

Del 11 al 20 de mayo de 2017 celebraremos la cuarta edición del festival

www.radicaldb.es

 

 

 

Llegados a este punto abrimos un Nuevo capítulo a los conciertos del LEV celebrado el pasado fin de semana. Dada la cantidad de artistas participantes tenemos aún muchas sorpresas que daros. Hoy traemos a Synkro.

Synkro

Synkro es el alias de Joe McBride, un británico de clasificación compleja. Lo suyo es construir paisajes sonoros, con los que nos deleitó el sábado cerrando la programación de las canchas de La Laboral. Un espacio poco dado a la ensoñación, pero que Synkro superó con una propuesta que logró difuminar las barreras entre géneros. Asi sono Synkro.

 

SYNKRO LEV (extracto concierto de Las Canchas de la Laboral)

 

CONTRAPORTADA. HAUSCHKA. TRESS ONLY EXIST IN BOOKS.  

Rosa Pérez    5.may.2017 16:11    

ESPECIAL LEV 2017

    jueves 27.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 01.05.17

 

 

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Hoy dedicamos nuestro espacio al LEV,  el laboratorio de electrónica visual vuelve un año más con propuestas que sorprenden por su complejidad y riesgo en muchos casos. Asi que vamos a hacer un recorrido personal por lo que ha dado de sí el LEV en su edición de 2017.

 

Daniel iregui contro no control

Presentamos las instalaciones de los artistas Daniel Iregui: Control no Control y Carlos Corona : Lampyridae.

 

Escuchamos fragmentos de Kara Lis Coverdale, Maotik , Container o Kiki Hitomi LEV_2017_Kiki-Hitomo_600-495x400

 

http://www.levfestival.com/17/

 

Rosa Pérez   27.abr.2017 12:09    

PHARMAKON, MISHA BIES GOLAS, MIRIAM VEGA O RUTH QUIRCE y músicas del LEV 2017

    viernes 21.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 24.04.17

 

 

PORTADA: PHARMAKON. TRANSMISSION. CONTACT

Pharmakon-oya-1

La fecha de lanzamiento de Contact, marca el décimo aniversario del proyecto de Margaret Chardiet, Pharmakon. Mientras trabajaba en su último disco, comenzó a evaluar el proyecto como un todo. Aunque el contenido de cada pieza ha sido muy diferente y específico, la pregunta omnipresente, que los ha subrayado a todos, es lo que significa ser humano. Su último álbum, Bestial Burden, se centró en la desconexión entre la mente y el cuerpo, mirando al ser humano como una conciencia aislada atascada dentro de un vaso podrido. Para Contact, quería mirar al otro lado del espectro - los momentos en que nuestra mente puede salir y trascender nuestros cuerpos.

Debido a que un álbum es en sí mismo un objeto, ella luchó con la forma de transmitir la trascendencia de lo físico, a través de un medio físico. Comenzó a estudiar estados de trance y equiparar sus actuaciones en vivo a ellos. En los estados de trance, la música y el cuerpo se utilizan para trascender la forma física y hacer contacto con alguna fuerza exterior. En el ambiente en vivo, utilizó el sonido y su cuerpo para crear un intercambio de energía y hacer contacto con fuerzas externas - la humanidad, la empatía, la audiencia. Este intercambio de energía / empatía siempre ha estado en el corazón de las actuaciones de Pharmakon, pero ella sentía que en los registros, no se estaba traduciendo. Eran declaraciones unilaterales y planas en vez de conversaciones. Decidió estructurar las composiciones en las cuatro etapas del trance: preparación, inicio, clímax y resolución. Al utilizar estas etapas como un biorritmo para el álbum, lo anima e inculca la intención de la comunión en la música.

MUSICA: infine10: BACHAR MAR KHALIFÉ. YA NAS

ENTREVISTA Hiuwai Chu . 

El MACBA inaugura Akram Zaatari. Contra la fotografia. Historia anotada de l’Arab Image Foundation

Akram

 Los archivos de la Arab Image Foundation en Beirut, Líbano, contienen una plétora de material fotográfico procedente de Oriente Medio, el norte de África y la diáspora árabe. Creada y desarrollada por artistas preocupados por la preservación fotográfica, la AIF surgió como un centro dedicado al estudio de la fotografía y las prácticas del coleccionismo, la preservación y la divulgación de imágenes. La colección inicial de la AIF fue el resultado de la investigación generada por proyectos artísticos, que desembocó en un nuevo tipo de institución y una aproximación diferente al patrimonio fotográfico. Desde entonces el archivo ha ido aumentando hasta incluir una gran diversidad de colecciones, que van desde instantáneas familiares hasta composiciones de estudio de carácter formal.

Más allá de mostrar un amplio espectro de representaciones visuales del mundo árabe, los artistas que constituyeron o recurrieron a la colección de la AIF plantearon cuestiones radicales referidas a los documentos fotográficos y su función en nuestro tiempo. Los proyectos comportaban la escritura de historias sobre la práctica de la gente corriente, pequeños eventos y acontecimientos sociales en general, y generaron nuevos discursos en relación con el medio.

Lejos de ofrecer un relato histórico de la AIF, esta exposición presenta la perspectiva de un artista, que es fundamental para entender la práctica de la organización. A través de Akram Zaatari, miembro fundador de la AIF que tuvo un papel clave en su desarrollo, la exposición reflexiona sobre los veinte años de historia de la AIF y las múltiples condiciones de la fotografía, como documento, objeto, valor material, estética y memoria. El expansivo trabajo de Zaatari sobre fotografía y coleccionismo adopta una perspectiva arqueológica: excava en el pasado, hace aflorar nuevas narrativas y las resitúa en la contemporaneidad.

La exposición analizará la AIF tomando en consideración su carácter dual: por un lado, como archivo de prácticas fotográficas y de coleccionismo y, por el otro, como una iniciativa liderada por artistas que dejó una huella visible en el paisaje artístico de la época. Señalará los momentos significativos en su historia y los debates críticos generados a lo largo de su evolución, y se presentarán antiguos proyectos y nuevas producciones vinculadas a su colección.

Con motivo de la muestra, se publicará un catálogo con un ensayo de Mark Westmoreland sobre la práctica artística de Akram Zaatari y su relación con la AIF, una conversación entre Chad Elias y Akram Zaatari, y una selección de fichas comentadas e ilustradas de materiales del archivo de la AIF, por Ian B. Larson. El libro también incluye una selección de la nueva producción del artista.

Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

Comisarios: Hiuwai Chu y Bartomeu Marí

*Crédito de la foto: Akram Zaatari, Safety Film, 2017. Close-up of a 35mm negative by Antranick Bakerdjian, Jerusalem, 1950s. Courtesy of the artist.

MUSICA: SOUP AND SKIN. NAWAL JAMAR.

 

 

MUSICA: JANE WEAVER. VALLEY

El cuerpo expuesto. Miriam Vega. FUNDACION EVARISTO VALLE. Gijón

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El Cuerpo expuesto es la primera exposición de la artista multidisciplinar leonesa Miriam Vega, realizada ya en el Centro Leonés de Arte en 2015 con extraordinario éxito de público y repercusión mediática.

La muestra, comisariada por Araceli Corbo, Responsable de la Biblioteca-Centro de Documentación en MUSAC, se compone por 31 fotografías de gran formato que configuran cuatro espacios diferenciados, El cuerpo. Un molde incierto; Acción poética. La desfragmentación del cuerpo; Todo transgrede debajo de la piel. [Un órgano textual] y Recoger los pliegues de un recuerdo. [Muda de piel]. Complementa la exposición un audiovisual y una instalación en la que el espectador podrá participar.

A lo largo de la exposición, se realizarán diversas visitas guiadas en las que los espectadores tendrán la oportunidad de comunicarse con la artista a través de videoconferencia.

Mirian Vega (León, 1980) inicia su formación en Artes Escénicas a la vez que trabaja como educadora artística y teatral colaborando en diferentes proyectos y colectivos dentro de las artes vivas. En 2012 comienza su formación autodidacta a través de la cámara. Dentro de su trabajo multidisciplinar utiliza la fotografía experimental, el video, la performance y la escritura para investigar conceptos como identidad, género y bio-políticas del cuerpo. Documenta el proceso de búsqueda para indagar en la percepción de como el cuerpo se desarrolla y resuelve a través de su estructura más frágil.

La exposición  podrá visitarse hasta el 18 de junio.

MUSICA: NATHAN FAKE. HOURS DAYS MONTHS SEASONS

 

ESPECIAL MUSICAS LEV.

MUSICA: BYETONE. MORNING.

Descarga (1)

Abrimos aquí un capitulo dedicado a la música del LEV, el laboratorio de electrónica visual se celebra del 27 al 30 de este mes de abril y a pocos días del evento, que como en años anteriores estaremos haciendo un seguimiento exhaustivo, os adelantamos algunas de las propuestas sonoras. Ya hablamos hace unas semanas con los responsables de este festival que se celebra en Gijón y que siempre sorprende por la selección de los artistas participantes.

Hemos comenzado este recorrido con Byetone, el alias de Olaf Bender, que junto a Carsten Nicolai es el fundador del sello Raster-noton además de responsable de diseño gráfico del mismo.

Actualmente Bender trabaja en su nuevo larga duración, “Universal Music”, que se publicará a finales de 2017.

En su actuación en el L.E.V. colaborará con Markus Heckmann, de la compañía canadiense de software Derivative/TouchDesigner, en un set audiovisual especial, e inédito, en el que interpretará en directo su material más reciente. Continuamos con otro de los directos audiovisuales que nos propone la edición de 2017 del LEV.

MUSICA: AMMNESIA. SCANNER.

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Podremos ver a Amnesia junto a Bill Kouligas La combinación entre ambos artistas ha dado como resultado Lexachast, un proyecto colaborativo que tuvo su debut como un website con imágenes generativas programadas para transmitir imágenes capturadas aleatoriamente en la red en tiempo real. Las imágenes fueron descritas por The Guardian como “imágenes aparentemente al azar –desde pájaros patinando a selfies surrealistas– que llegan a ser aterradores por el significado dislocado”.

El proyecto ha mutado a una espectacular performance audiovisual en directo de la que podremos disfrutar en el L.E.V.

Sin duda uno de los momentos más sugerentes de esta edición será la presentación de Kara Lis Coverdale.

MUSICA: Kara-Lis Coverdale and LXV — Disney

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Considerada “una de las más emocionantes jóvenes compositoras de Norte América” y una “exploradora única del universo electrónico”, Kara-Lis Coverdale es una voz ferozmente independiente en el contexto de la música contemporánea y que defiende el aprovechamiento omnívoro del sonido.
Kara crea arreglos coloridos y densos que desdibujan la línea entre lo humano y lo divino con una brillantez única para la melodía, la armonía y los matices sonoros.

Después de un primer lanzamiento en 2014 basado en piezas compuestas para voz procesada con las que reivindicaba el uso la voz natural en plena era digital, Kara-Lis edita su obra maestra Aftertouches (Sacred Phrases, 2015), considerado mejor disco del año por The Quietus, The Wire, y NPR, y también su álbum Sirens (Umor Rex, 2015) junto a LXV.

Kara también es conocida por sus colaboraciones con Tim Hecker (Virgins, y Love Streams) y su trabajo en la producción producción para How To Dress Well y ha actuado en prestigiosas instituciones y festivales de todo el mundo, entre ellas Barbican y el Theatre du Chatelet in Paris.

En LEV estará presentando una nueva versión de su aclamado directo audiovisual junto a un viejo conocido del Festival, MFO aka Marcel Weber.

 

MUSICA: Factory Floor "Wave" - DFA RECORDS

Factoryfloor

Factory Floor (Nik Void y Gabriel Gurnsey) regresó en 2016 con 25 25, su segundo álbum para DFA, un esperado regreso después de su aclamado debut en 2013.

25 25 es el producto de tres años de actividad musical intensiva: conciertos, colaboraciones artísticas, nuevas composiciones y la reconfiguración de los límites de su sonido. Así, inspirada por un número cada vez mayor de sus explosivos directos, la música de la pareja se convirtió gradualmente en su actual encarnación en vivo: un pulso que invita al baile en la pista con tintes ultra minimalistas plagado de referencias noise y al postpunk

De sus colaboraciones con artistas como Chris Carter y Cosey Fanni Tutti de Throbbing Gristle / Chris y Cosey, Perc, Optimo, New Order y Simon Fisher Turner surgen las características más inconfundibles del sonido de Factory Floor: una repetición hipnótica de intensidad afilada. 25 25 recoge el deseo de capturar la energía cruda de esas actuaciones y el resultado es una mezcla entre las melodías, la hipnotizante percusión y su fragmentada voz. Todo ello caracteriza la  siguiente etapa vital de uno de los grupos más inquietos, influyentes y exploratorios del Reino Unido.

MUSICA: Hauschka - Familiar Things Disappear

Hauschkat

Volker Bertelmann – alias Hauschka cada vez trabaja más como compositor de bandas sonoras: ha puesto música a varios documentales y películas, entre ellas Lion, junto a Dustin O’Halloran, trabajo con el que ambos han conseguido una nominación al Oscar a la mejor Banda Sonora. Su nuevo álbum, What If se presenta como una obra que quiere explorar nuevos sonidos, experimentar nuevos enfoques .

Bertelmann explica que quería un disco más radical, donde el piano lírico desapareciera y el protagonismo lo tuvieran sonidos que le fascinan, como el ruido y los elementos electrónicos.

MUSICA: JOHN BELTRAN. EVERYTHING AT ONCE

John beltran

Beltran es un maestro de la música Ambient vinculado al nacimiento de la escena Detroit junto a artistas Carl Craig y Derrick May. A persar de que han pasado más de 25 años, desde sus inicios  y de que la tecnología digital se ha vuelto mucho más accesible, ahora John se vale de sintetizadores modulares para seguir evolucionando su sonido característico y llevarlo un paso más allá. En Everything at Once, su nuevo disco, nos propone un viaje por sensaciones, emociones y algunos de los sonidos más cristalinos y espaciales de toda su carrera.

 En esta edición del L.E.V. Oscar Sol combinará sus trabajos visuales con la música de John Beltrán. Se trata de una colaboración única del artista español que ha sido comisariada exclusivamente por el Festival para la ocasión.

 

MUSICA: POUPEES ELECTRIQUES. END OF DIVERSION.

ENTREVISTA: Misha Bies Golas .

MISHABIESGOLAS

EXHIBICIONES Y PROYECTOS: MISHA BIES GOLAS.

la Exposición que se abrió el  miércoles 19 de abril a las 22 horas en Appleton Square (Lisboa) bajo el título de Recordo.  Recordo es fruto de la colaboración entre DIDAC (Santiago de Compostela) y Appleton Square, comisariado por David Barro y que podrá verse hasta el 11 de mayo. A partir de junio este proyecto viajará a Santiago de Compostela donde se presentará en la sede de DIDAC.

​Además, me gustaría compartir con vosotras y vosotros otros dos proyectos en los que participo y que podéis visitar actualmente.

Por una parte, mi instalación Cuadro de costumbres 2 forma parte de la exposición Apuntes para una psiquiatría destructiva, un proyecto de Alfredo Aracil que puede verse en la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid hasta el próximo 21 de mayo.

Por último, participo en el proyecto Muro Dochán que desarrolla Juan de Nieves en la librería Chan da Pólvora (Santiago de Compostela) con un trabajo titulado Polos pelos i outros sinais. Además de presentarse con un formato expositivo, se ha materializado como una edición limitada a 50 copias que pueden adquirirse allí.


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MUSICA: FLORIAN KRUSE & HENDRIK BURKHARD PRESS. RAISE YOUR GLASS.

 

EXPOSICIÓN THE BEST PLACE TO BE. RUTH QUIRCE. GALERÍA BLANCA SOTO. MADRID

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CONTRAPORTADA: PHARMAKON. NAKEDNESS OF NEEDS. CONTACT

Rosa Pérez   21.abr.2017 09:16    

FLUIDO DE PASCUA

    viernes 14.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

programa 17.04.17

 

Proponemos un programa para un lunes de Pascua, amenizado con la selección realizada por Rosa Pérez en la cabina de Radio 3.

 

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FLUIDO ROSA 17.04.17

 

NATHAN FAKE. DREGREELESSNESS.

POUPEES ELECTRIQUES. END OF DIVERSION

FLORIAN KRUSE HENDRIK BURKHARD PRES. RAISE YOUR GLASS

SHIFRA RIFKA. LOOK REAL CLOSE AT THE LIE

Shifra rifka

FRANKEY & SANDRINO. POLLOUX

SHANA MOULTON. WHISPERING PINES.

NIET. I SAW THE LIGHT

FISH. DMT USHER.

CARL CRAIG ORCHESTRA

DANTO EEPROM. CONFESIONS OF AN ENGLISH OPIUM EATER.

FRACTAL ARQUITECT. MONOLIT

DIOLYNOIRE. COMPULSIVELY PLEASING.

MARK HOFFEN. COMPLEX-CITY

KRIZ DEAK. BLACK SNAKE

BRUTHKO. SEKOMEN

 

Rosa Pérez   14.abr.2017 09:35    

LILIANA PORTER, DONNA HUANCA, SANTIAGO MORILLA y JANE WEAVER

    viernes 7.abr.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.04.17

 

PORTADA: JANE WEAVER. MODERN KOSMOLOGY. MODERN KOSMOLOGY

Jane weaver

Jane Louise Weaver,  es una cantante inglesa y guitarrista que formó parte de las bandas Kill Laura y Misty Dixon, además de aparecer en la portada del álbum Have You Fed the Fish? de Badly Drawn Boy, participar en el tema Silver Chord, de Coldplay, además de tener seis albumes en el mercado en su carrera en solitario. 

 

El sexto álbum de estudio de Jane Weaver, revela a una artista genuina de pop experimental con total control en la composición, letras y arreglos de las canciones. Modern Kosmology, es un disco lleno de imágenes. Con una discografía que abarca tres décadas, ha utilizado maquinaria vintage para autogestionar un producto que promueve un diálogo entre lo analógico y lo digital.

 

CAFÉ VIRTUAL: http://www.howardgreenberg.com/artists/louis-faurer?view=slider#2

MUSICA: WE´VE GOT ENEMIES. SKYLINE

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Louis Faurer NACIDO EN 1916 en el seno de una familia inmigrante de la frontera ruso-polaca, pasó sus primeros años en el sur de Philadelphia. Tras graduarse pasó algunos veranos hacienda caricaturas, pintando cartels o haciendo postales, durante los veranos en Atlantic City, como freelance, antes de comprarse su primera cámara. Un Kodadk Vollenda de 35mm.

MUSICA: JULIA KENT. HELLEBORE APERITIES.

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Louis         Faurer nunca studio fotografía, except un breve curso mientras estuvo en el servicio military donde ejerció como fotógrafo civil.

A finales de los años cuarenta Fuarer y algunos de sus colegas de Philadelphia abrió estudio en N. York.  Como muchos de los fotógrafos de su generación Faurer comenzó a trabajar para revistas. A diferencia de sus compañeros de reportaje fotográfico, que seguían carreras en publicaciones como la revista Life, Faurer gravitó hacia la fotografía de moda. En 1947, se uniria a Harper's Bazaar, donde también estaba otro recién llegado inmigrante de Suiza,Robert Frank, los dos inmediatamente iniciaron una amistad que duraría cincuenta años.

Faurer fue un miembro clave de la Escuela de Nueva York de fotógrafos de la calle , muy activa de los años 1930 a 1950. Diane Arbus, Robert Frank y William Klein, fotógrafos  que  eligieron la vida urbana como tema, preferían cámaras de 35 mm y rechazaron los estilos documentales tradicionales. 

MUSICA: BIG & RUTH. THE HOW OF IT SPED

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Durante la década de 1950, comenzó a centrarse más en reportajes para revistas como Glamour, Charm, y Seventeen, Vogue y Mademoiselle. Momento en el que creó la mayoría de sus fotografías de moda en el estudio. A finales de los sesena se trasladó a Europa, volvió a Estados Unidos e intentó retratar las calles de nuevo, pero todo había cambiado. Falleció    en 2001.

El Centro José guerrero de Granada acaba de inaugurar una exposició que brinda la oportunidad de contemplar por primera vez en España las fotografías de Louis Faurer. Ofrece una oportunidad única para descubrir a uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, cuya visión poética, a la vez documental y vanguardista, es una importante contribución al conocimiento de la vida urbana en la Norteamérica de posguerra y al desarrollo del lenguaje fotográfico.

Surgido en el apogeo de la Generación Beat. Sus imágenes, relacionadas con las del cine negro, hallaron particularmente en Times Square y Union Square un microcosmos ante el que puso su cámara para realizar un examen consciente de la actividad diaria y el comportamiento urbano moderno.

Se podrá ver hasta el 25 de junio.

 

MUSICA: SUNAO INAMI. DECREASES

Entrevista: LILIANA PORTER 

Liliana

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Liliana Porter. Diálogos y desobediencias.
Comisaria: Estrella de Diego
Sala Norte, del 7 de abril al 27 de agosto

Jueves, 6 de abril: Conversación entre Liliana Porter y Estrella de Diego

Exposición coproducida por: Artium (Vitoria-Gasteiz) y el CGAC (Santiago de Compostela)

Patrocinada por: El Correo, Euskaltel, EDP y Fundación Vital.
La exposición Liliana Porter. Diálogos y Desobediencias, reúne alrededor de un centenar de obras de entre los años 1969 y 2016, de colecciones tanto públicas como privadas –vídeos, instalaciones, fotografías, dibujos, pinturas….—, se plantea como una retrospectiva de Liliana Porter que permita ofrecer un panorama del desarrollo de la artista, quien con sus juegos de escalas, sus combinaciones inesperadas y su sentido irónico del mundo, es capaz de construir un universo paralelo donde las líneas se quiebran, los diálogos se desbordan, las proporciones se desbaratan y las cosas nunca son lo que parecen.
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 www.artium.org

 

MUSICA: BLACK MASS. 07. HIVE MIND

 

MUSICA: CARL CRAIG ORQUESTRA.

 

Entrevista: DONNA HUANCA.  

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Del 24 de febrero al 29 de abril. Galería Travesía cuatro. Madrid.

Travesía Cuatro presenta LENGUA DE BARTOLINA SISA, primera exposición de la artista Donna Huanca en España. En esta ocasión, explora el territorio del cuerpo en su doble condición de superficie y materia, elementos complementarios de los que se sirve para construir una arquitectura de movimiento y presencia.

La obra de Donna Huanca utiliza una cosmética que tiene mucho de pintura gestual y funciona como instrumento para la transformación. En sus performances, intérpretes pintados de la cabeza a los pies se desplazan inmersos en un estado de trance siguiendo una coreografía glacial. Huanca recurre a formas estéticas como el camuflaje, la simulación y la fusión en una poética que vincula pintura, escultura y performance; una puesta en escena para representar un ensayo sobre la fragmentación de la identidad.

Las esculturas totémicas de Huanca combinan materiales que destacan por sus cualidades táctiles, tejidos de fibra natural y sintética, así como artefactos culturales que pierden su función original y son recolocados para crear una nueva composición descontextualizada.

Partiendo del cuerpo y su armadura como materiales abstractos, Huanca revela la naturaleza atávica del traje en su relación con el cuerpo como forma inmanente de trasmisión cultural.

LENGUA DE BARTOLINA SISA da continuidad a una línea estética que ha caracterizado la obra de la artista en los últimos años. La exposición se inaugurará próximo el 24 de febrero coincidiendo con la próxima edición de la feria ARCOmadrid.

me atas a la cola de tu caballo blanco rompes mi cuerpo
con tu corona de plumas
soy amayra pero pintada blanca con ojos verdes
me pinto la piel
para olvidar como me violaste

Donna Huanca (Chicago, 1980), estudió en el Städelschule, Frankfurt, y en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan, Estados Unidos. Ha recibido las becas DAAD Artista Frankfurt y Fulbright de investigación. Recientes exposiciones incluyen Ice Chrysocolla, Cabaret der Künstler – Zunfthaus Voltaire, Manifesta 11, Zurich; Wild Style: Exhibition of Figurative Art, Peres Projects, Berlin; Sade Room (formerly reclusive), MoMA PS1 en Nueva York; Poly Styrene's Braces, comisariada por Anne Barlow, Art in General, en Nueva York; in collaboration with kim?, Contemporary Art Centre, Riga, LV; Streams of Warm Impermanence, en la David Roberts Art Foundation y Scar Cymbals en la Colección Zabludowicz, en Londres.

MUSICA: INFINÉ 10. RONE_RONE BORA VOCAL.

 

MUSICA :  NARCOLEPTICA. GNITSALREVE

ENTREVISTA: SANTIAGO MORILLA. 

 

del proyecto colectivo PEEP SHOW (3-30 de abril) comisariado por Jordi Pallarés que se inicia esta semana en ARTS SANTA MÓNICA, en el cual participa con el proyecto DERIVAS BABILÓNICAS (10-16 de abril).

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DERIVAS BABILÓNICAS quiere reflexionar sobre la importancia de la exposición pública como motor transformador del espacio de la ciudadanía. Un proyecto que repiensa el modelo de ciudad y cuestiona el equilibrio de convivencia en el espacio público en un momento en que resulta necesario reconquistarlo respecto a sus funciones más básicas.

MUSICA: SOLYST. CATCHING LEAFS

CONTRAPORTADA:  JANE WEAVER. VALLEY. MODERN KOSMOLOGY

Rosa Pérez    7.abr.2017 08:55    

Daniel Canogar, Lev2017, Mulleres do Silencio y We´ve got Enemies

    viernes 31.mar.2017    por Rosa Pérez    0 Comentarios

 

PROGRAMA 03.04.17

 

PORTADA: WE´VE GOT ENEMIES. Freedom lÿ. Feat Lidia Blanes.

 

Acido angélico: Este ácido debe su nombre de la planta en la que se encuentra, la Angelica archangelica, que, a su vez, lo toma de de la creencia popular de que es un regalo del arcángel San Gabriel. El ácido angélico fue aislado por primera vez en 1842 por el farmacéutico alemán Ludwig Andreas Buchner y se presenta como un sólido volátil con sabor penetrante y olor ligeramente agrio. Las sales derivadas de este ácido son denominadas angelatos.

Angelic  Acid, es el primer album del dúo We´ve got Enemies. Formado por Daniel Sánchez(voz, bajo y guitarras) y Fran Expósito (bases y sintetizadores), lanzaron un primer ep en 2014 (Hundred of you), y es ahora cuando materializan su primer larga duración.

Definidos por Post Trip-Hop. Sus influencias pasarían por Moderat, Flume o Massive Attack.

 

La música de We´ve got Enemies, no es precisamente angelical. Huye de estereotipos y va buscando ambientaciones diferentes en cada uno de los cortes del álbum, como en Fredom Lÿ, con la participación de Lidia Blanes que aporta frescura y encaja con los melismas de Daniel. So simple that Almost Nobody Understand, con una vocalización claramente nu-soul, pasando por la intensidad de Slowly o finalizando con SKyline, con una ambientación estratosférica, un matra rítmico que ayuda abrir las puertas de la perfección.

 

 

MUSICA: EVIAN KRIST. SALT CAROUSEL

 

EXPOSICIÓN: SIRKKA INGENTIUM.  DANIEL CANOGAR. MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA. 

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Daniel Canogar presenta una vídeo-instalación escultórica formada por 2.400 DVDs reciclados. Esta pieza multitemática está inspirada en los “sikka”, las monedas de oro que en tiempos babilónicos se cosían sobre la ropa y que evolucionaron hasta convertirse en objetos plásticos brillantes, conocidos hoy como lentejuelas. Una superficie que evoca la riqueza y el poder, lo mismo que los DVDs nos recuerdan el glamour de Hollywood, donde la imagen se ha convertido en moneda de cambio. En la instalación, el contenido de los DVDs se proyecta sobre su superficie, otorgando nuevos usos a materiales de desecho y, al mismo tiempo, se combinan las propiedades fantasmagóricas del cine con sus soportes físicos. La banda sonora auto-generada que lo acompaña es la resultante “composición accidental” creada al superponer las bandassonoras de los segmentos reales que se están proyectando. El efecto final es el de un mosaico audiovisual. De esta manera, la instalación de Canogar reflexiona sobre nuestra cultura, los soportes que usamos para almacenar información y la pervivencia de estos en la sociedad actual.

 

http://museo.unav.edu/

 

MUSICA:  CONTAINER. PEPPERED

 

MUSICA : KARA LIS COVERDALE.  TOUCH ME AND DIE.

ENTREVISTA LEV. NUEVA EDICIÓN 2017

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Musica: kiki hitomi. nighwalkers

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MUSICA: JULIA KENT. HELLEBORE. APERITIES

 

www.levfestival.com/17/
 

 

Musica : NIET. FOUR. CAN YOU FEEL IT EP.

Entrevista Rosario Sarmiento . Comisaria de la Exposición Mulleres Do Silencio. Hasta el 17 de abril en el MARCO de Vigo.

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MULLERES DO SILENCIO De Maruja Mallo a Angela de la Cruz 14 octubre 2016 – 16 abril 2017 Salas de exposición de la planta baja Martes a sábados (festivos incluidos), de 11.00 a 14.30 y de 17.00 a 21.00 / Domingos, de 11.00 a 14.30 Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo Comisaria: Rosario Sarmiento Mónica Alonso, Berta Cáccamo, Elena Colmeiro, Mª Carmen Corredoyra y Ruiz de Baro, Mª Antonia Dans, Angela de la Cruz, Mª Victoria de la Fuente, María Xosé Díaz, Dolores Díaz Baliño, Almudena Fernández Fariña, Mª Elena Fernández-Gago, Menchu Lamas, Maruja Mallo, Fina Mantiñán, Tatiana Medal, Julia Minguillón, Rosalía Pazo Maside, Soledad Penalta, Pamen Pereira, Beatriz Rey, Mercedes Ruibal

Síntesis del proyecto expositivo El MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, inicia el último trimestre del año con una nueva muestra de producción propia en los espacios de la planta baja.

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Bajo el título MULLERES DO SILENCIO. De Maruja Mallo a Angela de la Cruz, este proyecto plantea una revisión o relectura actualizada de la exposición A arte inexistente —comisariada por Rosario Sarmiento para el Auditorio de Galicia en 1995—, que reunía obras de artistas mujeres en Galicia en el siglo XX. En aquel momento, el binomio existencia/inexistencia se formulaba en relación con la posibilidad de acceso a una formación académica como vía de profesionalización, con Maruja Mallo y Julia Minguillón como las primeras artistas en iniciar este camino. Veinte años más tarde, cuando la posibilidad de una formación profesional es un hecho indiscutible, la realidad sigue siendo compleja, y esta evolución no ha discurrido en paralelo con la presencia y visibilidad de las mujeres en el entramado artístico. Desde la perspectiva del tiempo transcurrido, nos situamos en el espacio históricotemporal de las primeras décadas del siglo XXI, lo que permite visualizar relatos, protagonismos y visiones más amplias sobre las aportaciones y el papel de algunas artistas en la historia de la creación plástica de la Galicia contemporánea. La exposición recorre diferentes generaciones de artistas hasta llegar a aquellas creadoras que acceden por primera vez en Galicia a una formación académica, tras la creación de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra en 1990. Desde el punto de vista estructural, la exposición se organiza en cuatro ámbitos donde se busca analizar y profundizar en los contextos en los que estas artistas trabajaron, haciendo hincapié en cuestiones como su escaso protagonismo en los movimientos de vanguardia anteriores a la Guerra Civil, la posguerra, y la obligada emigración hacia otros centros artísticos fuera de Galicia, la llegada de la democracia, y los nuevos escenarios culturales y formativos en los que trabajan aquellas artistas cuyas trayectorias comienzan a desarrollarse en los inicios del siglo XXI. La muestra reúne cerca de un centenar de obras procedentes de un gran número de prestadores —instituciones, museos, centros de arte, y colecciones particulares—, que por primera vez se exhiben conjuntamente, además de documentación complementaria —en algunos casos inédita— fruto de la investigación llevada a cabo en archivos y colecciones. Respecto a la selección de obras en exposición, se ha tenido muy en cuenta la relación con el contexto histórico y temporal, eligiendo piezas representativas de cada período, con la intención de mantener y hacer visible un hilo conductor desde el punto de vista cronológico y argumental. MULLERES DO SILENCIO coincidirá en el tiempo con la exposición que se está preparando para el próximo mes de enero en los espacios de la primera planta del MARCO, comisariada por Anxela Caramés, y que supondrá un primer acercamiento a las prácticas artísticas feministas realizadas en Galicia desde los años noventa.

Rosario Sarmiento 

www.rosariosarmiento.gal

MUSICA: JANE WEAVER.VALLEY. MODERN KOSMOLOGY.

 

MUSICA: KILN. PINEMARTEN

ENTREVISTA:  Mikel Belascoain. 

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 ‘Persona’ se podrá ver el viernes 7 de abril en el Teatro Real de Madrid

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7 de abril. Teatro Real (Madrid)

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El Teatro Real de Madrid acogerá el próximo 7 de abril “Persona” de Mikel Belascoain.  Este proyecto de carácter holístico y monumental surge de la colaboración entre el artista navarro y el médico neurólogo Manuel Murie.

Se trata de una innovadora creación artística que engloba una obra pictórica de 7 metros de altura compuesta por 66 lienzos; el documental “Persona: Estructuras Primarias” y una performance audiovisual creada para el Teatro Real.

Este trabajo está inspirado en los encuentros entre pacientes neurológicos y el artista durante año y medio. El cineasta sueco Ingmar Bergman o Pablo Picasso han influido en la concepción de “Persona”, que ofrece una visión holística, monumental y evolutiva de los seres humanos.

Con “Persona” el artista continúa con la trilogía de ‘Arte Nuevo’ que empezó con “Ceremonia” y que también se pudo ver en Madrid (Tabacalera, 2015).

Para esta ocasión se incorpora al equipo artístico la violista Isabel Villanueva, que junto a Cristina Martínez Lana lanzarán una reflexión acerca del tiempo a través del diálogo que establecerán entre la música clásica y la contemporánea. Además se destacará la autonomía de cada una de las partes que componen el proyecto.

Se podrá ver el viernes 7 de abril en diversos espacios del Teatro Real de Madrid. Los bocetos y una selección de cuadros previos se quedarán expuestos en el Teatro Real durante un mes.

La verdad es que para el proyecto se han juntado 4 talentos:

Mikel Belascoain (creador)

Isabel Villanueva (violista, que es una genia!)

Cristina Martínez Lana (voz / performer)

Manuel Murie (neurólogo)

MUSICA: FISH. DMTUSHER FROM PREPARATIONS

 

CONTRAPORTADA: WE´VE GOT ENEMIES CORTE. 10. SKYLINE. ANGELIC ACID.

 

 

Rosa Pérez   31.mar.2017 10:24    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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