300, el secreto de los griegos

    viernes 7.mar.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Creo que si buscas "placer culpable" en el diccionario, te sale el cartel de la película 300. La única manera de que no la conozcas es que hayas vivido en una cueva los últimos 16 años, que es el tiempo que hace que el dibujante y guionista Frank Miller creó el cómic original.

La continuación era inevitable (tanto, que sus productores amenazan ahora con toda una serie de películas). La película original había costado apenas 65 millones de dólares, pero recaudó más de 456 millones en cines de todo el mundo.

Esa es la ventaja, amigos, de rodar una película dentro de una gran caja verde. Te ahorras una pasta en decorados, transporte... e incluso actores, porque a los extras los puedes hacer por ordenador! Eso sí, mantener la dignidad en el rodaje resulta complicado.

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Aunque no nos enamorara en su momento, conforme ha pasado el tiempo a algunos nos ha ido gustando más la película. Y no somos pocos, en Metacritic la nota de las críticas profesionales sigue siendo descorazonadora: un 51%, pero la de los aficionados alcanza un 7 de 10, notable por los pelos.

La nueva 300, el origen de un imperio (dirigida por Noam Murro) intenta replicar el estilo visual de la primera película: mucha cámara lenta, postureo, miradas intensas y batallas interminables (en esta ocasión, en el mar). Un mundo creado casi íntegramente por ordenador y algunos elementos reales rodados en unos estudios virtuales búlgaros

Eso sí, parece que una de las exigencias del casting era que los actores accedieran someterse a un entrenamiento intensivo para conseguir la tableta abdominal que se está convirtiendo en marca de la casa. Nada de efectos visuales aquí.

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Quizá se pueda criticar a Murro no preparar cada plano con la meticulosidad con la que trabajó Zack Snyder en la anterior película, creando en esta ocasión un producto menos preciosista, pero de consumo más fácil

Algunos echarán de menos a los guerreros espartanos, pero en su lugar tenemos muchos más griegos (aunque no tan cachas) y algunos actores que repiten en su papel para dar continuidad.

Entre ellos Rodrigo Santoro, Xerxes, que tuvo que grabar casi todas sus escenas en solitario para luego insertar su imagen a un tamaño mayor que el real.

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Categorías: Actualidad , Cine , VFX

Juan Carrillo    7.mar.2014 08:00    

Pac-Man cumple años

    miércoles 5.mar.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Algunos creadores de videojuegos actuales tienen categoría de estrellas internacionales. Quizá te suene un tal Miyamoto, el creador de Mario Bros. o Zelda. Seguro que has oído hablar de Kojima, autor de Metal Gear Solid. Pero, ¿te has preguntado alguna vez quién creó a Pac-Man?

Se llamaba Tōru Iwatani, un joven empleado de la compañía japonesa Namco, y el juego se terminó gracias al trabajo de un equipo de nueve personas durante todo un año. Su aparición en las salas recreativas fue un éxito y sus personajes pronto se convirtieron en parte de la cultura pop.

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El próximo mes de mayo Pac-Man cumplirá 34 años, y lo celebra con un nuevo videojuego (Pac-Man y las aventuras fantasmales, basado en la serie de animación que puedes ver en el Canal Clan TV) y una exposición multidisciplinar en la galería 6mas1 en Madrid, entre los días 6 y 9 de Marzo.

Si te acercas por allí podrás ver cómo ilustradores, fotógrafos, una diseñadora de joyas y hasta un un cocinero emplean su arte para recrear el mundo de Pac-Man. Y no deja de sorprender lo sugerente que puede resultar un personaje que, tradicionalmente, sólo se ha dedicado a comer puntos mientras emitía un repetitivo y estresante waka-waka.

"Es un clásico", dice el ilustrador Ricardo Cavolo. "Hoy llevo el Pac-Man en mi smartphone, después de tantos años, y eso es porque el juego sigue funcionando como tal. Pac-Man es todo un icono cultural."

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"Quería trasladar la figura de Pac-Man a la del típico guerrero de aire medieval (tipo Conan o Aragorn)", asegura Cavolo. Una imagen nada habitual de este héroe rechoncho que también ha sevido de inspiración para las joyas de Lamalacostumbre.

"Para crear mi pieza he usado la estructura de los laberintos por los que se movía Pac-Man. Si vemos el laberinto como un conjunto de líneas, hace unas formas geométricas muy bonitas, que desde el primer momento pensé usar como base. Y a esa base le he añadido a Pac-Man y a los fantasmas como si fueran las perlas que centran la atención y adornan la pieza."

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Pocos personajes de videojuego han envejecido tan bien. Parece que Pac-man sea inmortal, y no deja de fascinar a todo tipo de artistas, como el ilustrador Iván Solbes, que también participa en esta exposición: "Al igual que hace 100 años muchos cineastas sin ser conscientes de ello hacían obras de arte precursoras de lo que ha sido el arte del siglo XX, hoy en día hay gente que trabaja en el mundo del videojuego y sin querer están inventando el arte del siglo XXI."

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Juan Carrillo    5.mar.2014 08:00    

Monsieur Cok, animación con mensaje (VIDEO)

    lunes 3.mar.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

El dibujante y realizador francés Franck Dion es un artista inquieto, curioso, exquisito con los detalles y a la vez consciente del mensaje que desea transmitir. Estudió arte dramático antes de dedicarse a la escultura y la pintura, lo que ha acabado dotando a sus cortos animados de una cualidad pictórica muy particular.

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Mezclando stop-motion con recortes de papel y animación tradicional, Dion es el autor de Monsieur Cok, uno de esos personajes que se queda en tu memoria. Cock, respetable dueño de una fábrica de bombas, va sustituyendo a sus empleados por robots para aumentar la eficiencia y productividad. Sin embargo, uno de sus trabajadores se resistirá ferozmente...

Ya hace unos años que Dion creó este corto y que lo presentó con éxito en el Festival de Cine de Sundance. Su recorrido por multitud de festivales internacionales ha hecho que seamos muchos los que esperábamos el momento en que su autor lo colgara íntegro en internet.

Hasta la fecha, el último corto de Franck Dion es otra historia con mensaje, Edmond était un âne (Edmon era un burro, ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival de Annecy 2013).

Para la edición de 2014, la organización del festival le ha encargado la realización del póster oficial, y Dion ha respondido dibujando este cartel, con el que ha querido rendir un homenaje a la técnica del stop-motion, a la que se dedica este año el Festival de Annecy.


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Juan Carrillo    3.mar.2014 08:00    

Sin esmoquin para los Oscar (VIDEO)

    viernes 28.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Hace unas semanas Dan Scanlon, el director de Monsters University, anunció en Twitter que su película no había sido nominada a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación con el siguiente mensaje:

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La lista de aspirantes se había reducido dramáticamente hasta los cinco nominados finales, y entre ellos no aparecía la última película de Pixar (que, por cierto, me pareció sobresaliente).

Esa misma situación (¡decepción, sorpresa, drama!) se ha dado también entre los seleccionados para aspirar al Oscar a los Mejores Efectos Visuales. Era de esperar en un año en el que se han estrenado tantas películas de primer nivel en este campo.

Simplemente, era imposible nominarlas a todas.

Mucho tienen que estropearse las cosas para que Gravity no se lleve el premio gordo en este apartado, y sinceramente creo que lo merece. Si quieres disfrutar con un buen número de vídeos en los que la compañía Framestore muestra varios trucos visuales empleados en la película te aconsejo que hagas click aquí.

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El resto de los nominados, bueno... ya sabes lo que dicen todos en la alfombra roja, mientras guardan en un bolsillo el papel que leerían en caso de ganar... "Estar nominado es premio suficiente"...

Así que estas nominadas se llevan su mención especial (Iron Man 3, Star Trek: En la oscuridad, El Hobbit: La desolación de Smaug y El llanero solitario) mientras que otras cinco películas se quedaron a las puertas, y algunas de ellas seguro que estaban entre tus favoritas...

OBLIVION

Quizá sea el plan de invasión extraterrestre más ridículo jamás ideado, pero le sirvió de excusa al director Joseph Kosinski para recrear un futuro postapocalíptico en el que los escenarios creados por ordenador eran tan protagonistas como el mismísimo Tom Cruise.

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PACIFIC RIM

Hubiera apostado porque su nominación era segura, pero no pasó de esta ronda. Como alguien que creció en los 80, al ver esta mezcla loca entre Mazinger Z y cualquier película de Bud Spencer me explotó la cabeza. SUPERFAN.

 

ELYSIUM

Era una película que lo tenía todo para prometer un buen rato en el cine, especialmente a Neill Blomkamp, un director que había demostrado solvencia y buenas ideas con Distrito 9A pesar de todas sus virtudes, esta aventura de Matt Damon en un futuro caca dominado por Jodie Foster nos dejó a todos con un sabor agridulce, en el mejor de los casos.

Me quedo con el uso intensivo de las maquetas, algo cada día menos habitual, y la recreación de las decrépitas ciudades terrestres.

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THOR: EL MUNDO OSCURO

El director Alan Taylor tomó el relevo de Kenneth Branagh y se marcó una película mucho más ruidosa que la anterior. El éxito de Los Vengadores había señalado el camino a las nuevas películas de Marvel: menos Shakespeare y más acción.

 

WORLD WAR Z

Vale, en su versión estrenada en cines no tenía sangre (algo que se corrigió posteriormente en una edición especial), el guión no tiene demasiado sentido y es evidente que no guarda relación alguna con la novela en la que está basada... pero llevó al límite el concepto de zombis rápidos y nos ha dejado algunas escenas para el recuerdo. 

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Hasta aquí las diez películas que formaron parte de la long list antes de que se conocieran las nominadas definitivas al Oscar a los Mejores Efectos Visuales, pero otras muchas quedaron fuera de esta selección. Como te decía, 2014 ha estado repleto de efectos visuales increíbles en cantidad y calidad.

También fue el año de Oz, un mundo de fantasía, Lobezno inmortal, El gran Gatsby, El juego de Ender, After Earth, Los juegos del hambre: En llamas y la gran perdedora del año: El Hombre de Acero.

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Juan Carrillo   28.feb.2014 17:34    

Junk Head, el futuro caca (VIDEO)

    miércoles 26.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Como bien aprendió Anakin Skywalker, el lado oscuro es poderoso. Y atractivo. 

Quizá por eso nos gusta que nos cuenten historias ambientadas en futuros distópicos, siniestros, amenazantes... lo que mi hermana llama futuro caca.

El futuro caca implica un reseteo general, la destrucción de la rutina actual a todos los niveles y una llamada a la acción.  Si nuestra civilización fuera reducida a cenizas por los extraterrestres, los zombis o dinosaurios resucitados genéticamente... ¿Seríamos capaces de hacer una sociedad mejor?

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Durante cuatro años, con la imagen de un futuro post-apocalíptico en la cabeza e influenciado por el manga ciberpunk Blame! de Tsutomu Nihei, el japonés Takahide Hori (también conocido como Yamiken) se dedicó a convertir en realidad un proyecto de animación en el que volcó toda su creatividad y pasión: Junk Head 1.

Un corto de ciencia-ficción ambientado en futuro caca no, lo siguiente, que supuso su primer trabajo de stop-motion. Hori dedicó unas horas todos los días a finalizar este vídeo de poco más de 30 minutos, en el que volcó todo su talento como pintor y escultor.

 

Ahora que ha conseguido reconocimiento internacional, Hori sueña con crear una segunda parte que continúe y cierre la historia. Le gustaría dedicarse al mundo del cine, pero considera que su vida actual no le permite dedicar el tiempo y esfuerzo que exige el rodaje en stop-motion.

Y es que Hori es ambicioso. Quiere rodar un largometraje, nada menos. Así que ha pedido ayuda a través de una plataforma de crowdfunding para ver si logra la ansiada financiación con la que grabar Junk Head 2. ¿Le echas una mano?

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Categorías: Animación , Cine , Video , Zombis

Juan Carrillo   26.feb.2014 09:40    

Discos con videoclip incorporado (VIDEO)

    lunes 24.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Si te gusta la literatura, la música o el cine sabes que antes o después llegará ese día en el que debes elegir: te mudas a una casa más grande, haces limpieza o corres peligro de morir bajo toneladas de CD, libros o cajas de videojuegos.

Los artistas ingleses Reuben Sutherland y Dan Hayhurst han decidido complicarnos la vida. Si ya resulta difícil deshacerse de los preciados y preciosos discos de vinilo, con trabajos como Plastic Infinite nos condenan por el resto de nuestra existencia.

Hayhurst se encarga del contenido, de la música que podemos escuchar al poner el disco en el plato, mientras que Sutherland se ha encargado de la parte visual. Y en ambas cosas han decidido salirse de lo normal. No soy crítico musical, pero te aviso de que los sonidos electrónicos de Hayhurst no son para todos los gustos.

Sutherland por su parte ha trabajado en crear una ilustración que se anime al girar el disco... sólo bajo unas ciertas condiciones. Si no se cumplen, sólo verás un disco de vinilo con manchas borrosas de colores.

Pero bajo una luz estroboscópica o grabando un vídeo a 25 frames por segundo surge la magia.

La primera edición salió a la venta en enero y ya está agotada. Si te hace sentir mejor, piensa que nadie sabe exactamente cómo van estas cosas y quizá la animación lave el cerebro a sus poseedores, convirtiéndoles en esclavos de una organización criminal secreta.

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En la misma línea, pero mucho más inocuo, parece el vídeoclip del tema Life is music de la banda japonesa Sour

En este caso la animación la forman las imágenes impresas en 189 CDs, que giran al ritmo de la música (105 bpm) y utilizan el principio de la persistencia retiniana. En definitiva, una versión modernizada del clásico Fenaquistiscopio de Joseph-Antoine Ferdinand (1829).

El vídeo, dirigido por Masashi Kawamura y Kota Iguchi, toma como punto de partida el concepto del círculo de la vida para crear una ilusión óptica cuyos detalles de rodaje puedes ver en este interesante making of.

Categorías: Animación , Arte , Música , Video

Juan Carrillo   24.feb.2014 10:42    

WI-FI en un mar de colores

    viernes 21.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Al verle por primera vez caminando por las calles de Pittsburg, todos pensaban que le faltaba un tornillo. Andaba a saltitos, como cazando al vuelo seres juguetones que sólo él era capaz de adivinar, y sostenía sobre su cabeza un mugriento router Wi-Fi que parecía guiar sus extraños pasos de baile.

Para empeorar su fama en el barrio, hacía poco que había empezado a hablar consigo mismo en voz alta, farfullando cálculos matemáticos mientras avanzaba por la calle mecido por olas invisibles.

Dicen que una mañana se le vió hablando con un joven estudiante aficionado al arte y la tecnología, un tal Nickolay Lamn, que le escuchaba con sorprendente paciencia. Y también se rumorea que, al día siguiente, Lamn había creado esta imagen.

Wifi-chicago

No sé si esta historia es cierta, porque la persona que me la contó se quedó dormida con una botella de vodka en el regazo, pero lo que sí parece demostrado es que Lamn habló con dos profesores universitarios para crear una representación fiel de las ondas Wi-Fi en una gran ciudad.

En otras palabras, sus visualizaciones recrean el aspecto de nuestras ciudades si estas ondas Wi-Fi fueran visibles para el ojo humano.

Apenas a unos cientos de kilómetros de Lamn, en Nueva York, el arquitecto y artista austriaco Peter Jellitsch decidió dar volumen físico a esas ondas. Durante 45 días midió las variaciones en la intensidad de la señal en el interior de su pequeño apartamento.

Wifi_escultura

El resultado es una extraña representación que no guarda relación con la forma con la que se transmite una onda Wi-Fi, pero aún así resulta sugerente. Podría decirse que esta instalación (en tres partes) es casi un calendario tridimensional, al que su autor ha bautizado como Bleecker Street Documents en honor a la calle donde relizó las mediciones.

Un espacio en 3D que nos hace preguntarnos cuál podría ser el aspecto de nuestra ciudad si tuviéramos en cuenta las señales de radio, de televisión, de satélites...

Quizá sea mejor no darle muchas vueltas o terminaremos danzando mecidos por las ondas y sosteniendo un mugroso router sobre nuestras cabezas.

  Wifi-washington

Juan Carrillo   21.feb.2014 08:30    

Del gramófono al reproductor digital (VIDEO)

    miércoles 19.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Fue en la segunda mitad del Siglo XIX cuando se empezaron a desarrollar aparatos que registraban y reproducían sonido. Hoy esas grabaciones ponen los pelos de punta, parecen psicofonías, pero fueron el primer paso de un camino que aún continúa.

La IFPI (asociación que representa a más de 1300 compañías musicales en todo el mundo) ha decidido crear un vídeo para celebrar la evolución tecnológica que ha hecho posible grabar y reproducir música a lo largo de la historia, cada vez con mayor calidad y menor coste.

Para ello, los responsables del vídeo (el director creativo Steve Milbourne y el director Martin Stirling) han decidido hacerlo a través de una máquina de Rube Goldberg.

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Goldberg era un dibujante americano cuyo nombre ha quedado asociado para siempre a las complicadas máquinas que ideó para realizar las actividades más sencillas. Inspirados por él, muchas piezas audiovisuales han jugado con la idea de encadenar acciones de la manera más barroca e inesperada posible, desde videoclips hasta spots de televisión.

En el vídeo creado por la IFPI, titulado Music Remains, una reacción en cadena nos lleva desde un gramófono hasta una tablet en 90 segundos, atravesando décadas de música en un sólo plano. 

  

Se necesitaron dos días para grabar el proceso completo, sin errores. En esas 48 horas se montó el circuito, se ensayó y se repitió la grabación hasta 48 veces hasta que todo salió perfecto en la sala 2 de los famosos estudios de sonido de Abbey Road.

Si te interesa el proceso de creación, tienes un vídeo con el making of aquí.

¿Cuántos aparatos hemos usado para escuchar música a lo largo de las últimas décadas? Recuerdo la primera cadena de música que entró en casa, todo un acontecimiento familiar. Los discos de vinilo inevitablemente rayados, los exóticos cartuchos de ocho pistas, los resistentes cassettes, la llegada del CD, el primer y enorme reproductor MP3 (¡de 64 Mb!)... 

Sea cual sea tu edad, hay un buen número de reproductores musicales que forman parte de tu vida. ¿Cuáles han sido tus preferidos?

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Categorías: Actualidad , Arte , Ciencia , Música , Video

Juan Carrillo   19.feb.2014 12:02    

Sexo y creatividad en el avión (VIDEO)

    lunes 17.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Estoy acostumbrado a volar, ya sea por cuestiones de trabajo o por afición personal a desaparecer en cuanto tengo oportunidad. Aprovecho los minutos previos al despegue mandando los últimos mensajes con mi móvil, mientras las amables azafatas señalan dónde están las salidas de emergencia y la postura a adoptar en caso de que caigamos desde miles de metros de altura, convertidos en una gigantesca bola de llamas

Brace, brace!!

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Es en esos momentos cuando la mayoría de las compañías ponen un vídeo explicativo con las medidas de seguridad. Y aunque muchos son bastante asépticos, los hay que consiguen engancharme hasta el final.

A veces sucede por sus valores de producción (quizá una historia dibujada o incluso una combinación ilustración-imagen real) mientras que otras se debe a su planteamiento creativo.

Air New Zealand ha conseguido ganar una imagen internacional de originalidad y simpatía gracias a una serie de vídeos de seguridad que se salían de lo común. Pero de repente, así es la vida, tan sólo con un vídeo titulado Seguridad en el paraíso pueden haber echado por tierra esa imagen, acusados de sexismo:

 

Quizá parte del problema sea que, en vez de emitir una y otra vez el mismo vídeo que grabaron en los 80 y que todavía guardan en VHS, Air New Zealand genera nuevos vídeos con relativa frecuencia o por algún evento especial (en este caso una alianza con Sports Illustrated con motivo de su 50 aniversario). 

Parece que en esta ocasión, las andanzas de modelos internacionales (Ariel Meredith, Chrissy Teigen, Hannah Davis, Jessica Gomes o Christie Brinkley) en bikini han levantado ampollas entre el público más sensible a este tema, que por otro lado se queja de que el modelo cachas que limpia la piscina sólo aparezca durante un par de segundos.

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Como me mueve un insusual espíritu periodístico, enlazaré aquí salomónicamente tanto un artículo crítico con este vídeo como el Making of, que ya lleva varios cientos de miles de visitas en YouTube.

¿Son las supermodelos en ropa de baño un reclamo censurable? Puede. Pero, ¿es más defendible el vídeo de seguridad de Turkish Airlines con los futbolistas del Manchester United? A mí me parece abominable.

Volviendo a Nueva Zelanda, la alianza entre Air New Zealand y Weta Digital (la compañía de efectos visuales de Peter Jackson) ha dado lugar a imágenes impactantes como la del dragón Smaug (la estrella de la película El Hobbit: La desolación de Smaug) volando impreso en un Boeing 777-300.

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En el interior de los aviones, dicha alianza estratégica se ha traducido en algunos de los más impresionantes vídeos de seguridad jamás vistos en un avión. Una combinación exquisita de información, efectos especiales, humor y la aparición estelar de Gollum o el mismísimo Peter Jackson. Para verlo una y otra vez.

 

 

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Juan Carrillo   17.feb.2014 13:00    

RoboCop, Made in America

    viernes 14.feb.2014    por Juan Carrillo    0 Comentarios

Vi por primera vez Robocop en un cine que ya no existe.

Te hablo de la película de 1987, la de Paul Verhoeven. El estreno de una nueva versión (dirigida por el director brasileño José Padilha) me sirve de excusa para recordar el magnífico trabajo de dos maestros de los efectos visuales pre-digitales en la película original: Rob Bottin y Phil Tippett.

El diseño del traje de Robocop fue creado por Bottin, un genio excéntrico responsable también de las deformidades de los mutantes en Desafío Total (1990) o las criaturas monstruosas de The Thing (1982).

Robocop_bottin

Bottin se inspiró en varios personajes del mundo del cómic para dar forma a su Robocop y durante meses propuso diferentes ideas que fueron rechazadas.

Como pasa demasiado a menudo, al final se retomó uno de los primeros conceptos y el traje definitivo fue entregado el mismo día del rodaje. El actor Peter Weller necesitó unas 10 horas para meterse en él, sólo para descubrir que apenas podía moverse.

Grande, pesado, industrial... americano. Una de las ideas principales de la película se veía así representada perfectamente en el diseño del protagonista.

Robo

Robocop no era un policía con un traje futurista. Era un policía al que, básicamente, unos científicos le pegaban la cabeza a un cuerpo de robot. E incluso su cerebro era en parte cibernético, lo que justificaba las dudas sobre su naturaleza humana.

Ésto lo alejaba de referencias como Iron Man y lo acercaba al de justicieros más hieráticos y desalmados como el Juez Dredd, que también tuvo mucho que ver en su diseño final.

Robocop_dredd

Mientras Bottin creaba diferentes versiones del traje, dependiendo de la escena a rodar, Phil Tippett se encargaba de animar al robot malvado de la película: el ED-209.

Hace unas semanas, en la última edición de los premios Annie en Hollywood, Tippett fue homenajeado junto a Otomo y Spielberg por su contribución al mundo de la animación. Ya en sus primeros trabajos ganó fama con el stop-motion, la técnica del fotograma a fotograma, con la que consiguió su primer Oscar en 1984 gracias a El Retorno del Jedi, antes de pasarse a la animación digital.

Robocop_tippett

Los tiempos han cambiado y el nuevo diseño de este Robocop del Siglo XXI tiene muy en cuenta las actuales tendencias de moda entre los superhéroes de acción, aunque José Padilha asegura que el nuevo aspecto del protagonista tiene una justificación dramática.

Ahora, 27 años después de la primera película, Robocop se inspira más que nunca en Iron Man pero también toma elementos de otros héroes modernos del cine, por lo que Internet no ha sido amable con su nuevo traje. No han corrido muchos riesgos, la verdad.

Robocop_redesign

Yo sólo digo que en la pre-producción de Robocop 2 (1990) el director Irvin Kershner y Rob Bottin trabajaron duro para cambiar radicalmente la imagen del protagonista, y acabaron desistiendo. Bottin dijo entonces: "No puedes cambiar el traje. Sería como cambiarle el traje a Superman."

Categorías: Actualidad , Animación , Arte , Cine

Juan Carrillo   14.feb.2014 08:00    

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GENX es Interactividad, Píxeles y Magia. Los artistas digitales más originales, novedosos y arriesgados comparten el GENX, un rasgo genético común que les hace destacar del resto de los mortales.
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