Podcast destacados

El equipo del magazín Lo que hay que oír, les recomienda escuchar algunos de los podcast más destacados. Entrevistas en exclusiva con Trevor Pinnock, Joaquín Achúcarro y Nancy Fabiola Herrera.


Entrevista con Trevor Pinnock, pionero en la interpretación historicista. Con motivo de sus recitales en el Caixaforum, charlamos con el clavecinista y director británico acerca del grupo que fundó en 1972, The English Concert, así como indagamos en su concepción del historicismo (podcast emitidos los días 16 y 17 de marzo).




Entrevista con Joaquín Achúcarro, el caballero del piano español; celebra medio siglo de carrera profesional en activo con una gira de conciertos y la presentación de un DVD. Audiciones comentadas por el intérprete; obras de Ravel, Debussy y Brahms… (09/03/10)



Entrevista con Nancy Fabiola Herrera, la Carmen del Siglo XXI. Conversamos con la mezzosoprano canaria sobre la creación del personaje, sus métodos de aprendizaje, así como sus técnicas para proyectar la voz y la energía (11/03/10).



Pueden volver a escuchar estas entrevistas en la siguiente dirección de internet:

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/


*Debido a la duración de nuestro magacín (150 minutos cada día, de lunes a viernes, entre las 9 y las 11:30 de la mañana), seleccionamos algunos contenidos que consideramos de mayor interés para editar los audios de los podcast que volcamos en nuestra página web.

La Orquesta Nacional de España da el salto a la Gran Pantalla

La nueva temporada 2010-2011 de la Orquesta Nacional de España se moverá en torno al séptimo arte. El cine estará presente en todas las actividades que tendrán lugar desde el inicio del ya indispensable Septiembre Sinfónico, hasta el final de esta etapa. Según el director titular y artístico de la Orquesta Nacional, Josep Pons, el cine se presenta en la serie de conciertos de abono de la Orquesta en tres vertientes distintas: por un lado, la música creada expresamente para la banda sonora de películas de todos los tiempos; el género específico del musical, nacido en Broadway y adaptado a la gran pantalla y, por último, obras clásicas extraídas de su contexto y que los directores de cine han utilizado para resaltar algún pasaje o escena en sus cintas.

El cine tendrá una presencia preponderante en la temporada de abono, el proyecto educativo y la gira por Estados Unidos, entre otras actividades. Mención especial merece la Carta Blanca, que en la siguiente edición estará dedicada al compositor judeo-argentino Osvaldo Golijov, el responsable de la música ideada para las dos últimas películas de Francis Ford Coppola.

El apartado dedicado a las grabaciones discográficas viene avalado por uno de los sellos más prestigiosos del mundo, Deutsche Grammophon, con el que la Orquesta Nacional pretende sacar al mercado nada menos que 9 álbumes en un plazo de poco más de dos años.

En el tercer ciclo de música Coral, el Coro Nacional de España también tendrá su propio eje argumental. En esta ocasión, se ha buscado un repertorio centrado en las obras de carácter religioso pero también espiritual, lo cual ofrece mayores posibilidades a la hora de elaborar el programa, según la directora del CNE, Mireia Barrera. Por otra parte, la próxima temporada, el Coro Nacional cumple 40 años de vida y, entre las actividades pensadas para celebrarlo, también está el lanzamiento de un disco en el que el Coro posee todo el protagonismo por primera vez en su historia; un álbum dedicado a la música española.

Con el cine como hilo argumental, a lo largo de la próxima temporada, la Orquesta Nacional interpretará obras de autores como John Williams, Leonard Bernstein, Nino Rota, Micht Leigh o Frederic Loewe, junto a otras de compositores españoles como Alberto Iglesias o Roque Baños. Para elaborar todo este programa en torno a la relación entre la música y el cine, la orquesta recibirá la visita de buenos amigos, como los pianistas Lang Lang, Arcadi Volodos o los violinistas Vadim Repin o Janine Jansen, con otros que el director Josep Pons espera que se conviertan también en habituales, como Benedetto Luppo, Natalie Stuztmann o Sara Mingardo.

En cuanto a los directores que este año se subirán al Podio de la Orquesta Nacional, estará el director emérito, Rafael Frühbeck de Burgos, con un ciclo dedicado a las sinfonías de Brahms. Leonard Stlakin, Andreas Spering, o Giovanni Antonini también visitarán la nueva temporada de la Orquesta y todo ello, cada semana, los domingos, en esta casa, en Radio Clásica, de RNE.

El sacrificio de Cecilia Bartoli

Sacrificium es la última incursión de la mezzosoprano Cecilia Bartoli en la industria Audiovisual… audiovisual porque la cantante italiana presenta el DVD de su último trabajo en disco con el mismo nombre: Sacrificium, La Scuola Dei Castrati. En este nuevo material multimedia Bartoli comparte con todos sus seguidores esa recreación de una época en la que los castrati jugaban un papel primordial en la vida musical. En mitad de su gira de conciertos, Cecilia Bartoli compartió algo de su tiempo con Lo que hay que oír, para descubrirnos algunas de las sorpresas que guarda este dvd.

El material que Cecilia Bartoli pone ahora en el mercado viene precedido por el éxito de su cd homónimo, el cual, durante las pasadas navidades se convirtió en uno de los discos más vendidos, llegando a superar las 350.000 copias. Una respuesta que ha llegado por parte del público ante una propuesta arriesgada de la cantante: en Sacrificium, Bartoli recuerda que los castrati eran y son admirados hoy en día, por tratarse de personas con un elevado nivel de técnica interpretativa pero que también debían poseer una expresividad extraordinaria que lograse que la gente que acudía a verlos fuese capaz de atisbar en ellos al personaje que estaban encarnando.

Sacrificium u Ópera Prohibita, ópera prohibida, son trabajos en los que Cecilia Bartoli bucea en las partituras olvidadas o que han sido relegadas por no seguir unos cánones imperantes en la época en la que fueron escritas. Por una parte, la mezzosoprano italiana aporta con estos álbumes un patriomonio desconocido a la labor de recuperación, pero al mismo tiempo, indagar en estos tipos de música, que en otros momentos de la Historia se ha considerado Tabú, bien podría poseer cierto toque provocador, aunque en este punto, Bartoli se muestra contundiente: "Es información". Junto a esta labor de recuperación de obras poco conocidas, Cecilia también mira por aquello que más le convenga al cuidado de su voz y afirma que, al mismo tiempo que se afana en la interpretación de obras poco habituales, las piezas de repertorio, ayudan a su vez a que su instrumento no se fuerce.

Sacrificium cuenta con la participacíon de Il Giardino Armónico, el conjunto comandado por Giovanni Antonini, y uno de los grupos puntales en la interpretación con criterios historicistas. Junto a ellos, Cecilia Bartoli colabora de forma asidua y reconoce que, tanto el disco como el DVD que ahora sale a la venta, son un proyecto redondo, surgido de la armonía de todos ellos a la hora de trabajar juntos: Todos son italianos (o casi todos) interpretando música italiana, pero, cuidado, grabada en España, en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, donde Il Giardino Armónico tiene fijada su residencia.

Adiós a Antonio Rodríguez Moreno, un referente en el periodismo musical

El miércoles día 3 fallecía el que, durante más de 30 años ha sido director de la revista Ritmo. Antonio Rodríguez Moreno murió a los 86 años tras una carrera dedicada a la publicación de artículos, entrevistas, crónicas y críticas nacionales e internacionales. Abrió la información musical española fuera de nuestras fronteras y llevó las riendas de una de las revistas más veteranas de cuantas se dedican a la música clásica y al disco en toda Europa: RITMO.

Antonio Rodríguez Moreno desarrolló toda su vida profesional dentro del ámbito de la música clásica. Colaboró con esta casa, con RNE, en diversos programas informativos de corte cultural y musical y ejerció como agente de conciertos de un buen número de solistas y agrupaciones en nuestro país. En 1976, al fallecer su padre, asumió la dirección de la revista RITMO, que mantuvo hasta el verano de 2008.

Su labor como director de RITMO durante más de 30 años estuvo siempre marcada por su empeño en la difusión de la música clásica española, de sus artistas y de sus autores, y no sólo en nuestro país, sino en todo el mundo. RITMO, bajo su dirección, adquirió una notoriedad que la ha llevado a mantenerse, con sus 81 años de historia, como una de las publicaciones líderes del sector musical en lengua española en todo el mundo.

A lo largo de todos estos años al frente de Ritmo, el trabajo de Antonio Rodríguez Moreno ha sido distinguido con diversos galardones y menciones, entre los que hay que destacar la Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes y la Medalla Johann Strauss de Viena.

Ritmo se fundó en 1929. Desde su aparición, ha ofrecido al lector un punto de vista cercano y cordial con los protagonistas del mundo de la música clásica a través de entrevistas y reportajes en los que el ámbito discográfico ocupa un lugar destacado con comentarios, críticas y listas de novedades mensuales. El proyecto ideado por Fernando Rodríguez del Río siguió constante en las directrices de su hijo Antonio, quien supo aunar el trabajo firme con los cambios tecnológicos y sociales que han ido marcando las etapas de esta publicación a lo largo de más de 80 años.

Ariel, adiós...

Ariel encuentra a su Alfonsina en el mar…

Ariel Ramírez, la voz del nativismo argentino de corte clásico, fallecía el pasado 18 de febrero a la edad de 88 años, tras una vida de completa entrega a la difusión del acervo musical iberoamericano. En su carrera como pianista, compositor y pedagogo, Ramírez reivindicó sin descanso, el valor de las raíces folklóricas y populares, una herencia que después él recreaba alumbrando obras de envergadura compleja. Su condición de compositor académico, le permitió por tanto, trascender los límites del localismo para apelar a un mensaje universal.

Ariel Ramírez alcanzó la inmortalidad gracias a obras como la Misa Criolla, Navidad Nuestra o el ciclo de Mujeres Argentinas, al que pertenece Alfonsina y el Mar, uno de los títulos sagrados de la canción latinoamericana, inspirado en la figura de la poetisa Alfonsina Storni, quien se adentró en el Mar del Plata para no regresar jamás. De la misma manera en que ya no volverán ni Mercedes Sosa, la cantante mítica fallecida el pasado mes de octubre, ni su amigo Ariel Ramírez, quien nos dejaba hace tan sólo unos días.




Nacido en Santa Fe, en 1921, Ramírez se crió en una familia con inquietudes intelectuales; de hecho, su padre era maestro, periodista y escritor. En su ciudad natal comenzó sus estudios musicales alcanzando un nivel de pianista solista, al tiempo que se licenció como profesor de escuela. Radicado en Córdoba, con apenas veinte años, conoció al mismísimo Atahualpa Yupanqui, el oráculo de la música indígena, quien lo impulsó a viajar por las provincias de Tucumán, Salta y Jujuy, para poder investigar de primera mano, la cantera inagotable de la música folklórica.

Pero Ariel Ramírez era consciente de la necesidad de formarse al más alto nivel académico, para poder dar forma a esa materia prima que emanaba del pueblo. Así que a su conocimiento de la canción popular, los ritmos y las melodías de las diferentes regiones argentinas, había de integrar una sólida base armónica y compositiva. Es por ello, que acude al Conservatorio Nacional de Buenos Aires para asistir a las clases del maestro Luis Gianneo, uno de los pioneros en la reelaboración del material autóctono como lo demuestran las Danzas Argentinas que les ofrecemos en versión del Trío Arbós.

Con el bagaje aprendido en el conservatorio, Ramírez cruza el Atlántico y desde Roma viaja por diferentes países europeos llevando sus propias creaciones, así como parte del repertorio pianístico argentino, presentándose en auditorios de prestigio como la Academia de la Música de Viena, la Musikhalle de Hamburgo, el Wigmore Hall de Londres o la Radio Vaticano donde fue recibido tras su concierto por el Papa Pio XII. En 1951 se instala en Madrid, donde fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para emprender estudios sobre la música de tradición oral española. Al regresar a Sudamérica, primero se establece en Lima y después, vuelve a la Argentina donde funda la Compañía de Folklore Ariel Ramírez, al frente de la cual, recorre Iberoamérica durante más de dos décadas.

A mediados de los años sesenta, Ariel Ramírez afronta la tarea de integrar los ritmos, danzas, temas y melodías indígenas con la estructura de dos formas sacras de la tradición europea clásica, como son la cantata y la misa. Junto con afamada Navidad Nuestra, la obra que consagra a Ramírez en el ámbito internacional es la Misa Criolla, un canto de paz y compasión que escuchamos en la voz del tenor José Carreras junto al Grupo Huancara, la Coral Salve de Laredo y la Sociedad Coral de Bilbao a las órdenes de José Luis Ocejo y Gorka Sierra. A lo largo de los números canónicos de la misa, Ariel Ramírez daba forma a los siguientes aires folklóricos como son: comenzaba con un Kyrie que respetaba el patrón rítmico de la Vidala y después seguía con el Gloria que sonaba a Carnavalito y Yaraví; el Credo recordaba a una chacarera trunca, el Sanctus recreaba un carnaval cochabambino y para finalizar, un Sanctus Dei al estilo pampeano.

Esta grabación de la Misa Criolla tuvo lugar en la Iglesia de la Bien Aparecida, Santander, en 1987, casi veinte años después de la composición original. Con esta Misa, Ramírez emprendió numerosas giras por Europa que le llevó a dirigir esta obra hasta en el propio Vaticano. Entre los conciertos emblemáticos cabría destacar la presentación de la Misa Criolla en la Expo Sevilla 92, o el estreno en Londres con motivo del 125 aniversario del Royal Festival Hall, ocasión en la que Ramírez dirigió su Misa Criolla ante 3000 espectadores. Sin duda, este canto de esperanza y concordia entre los seres humanos es una de las obras religiosas del siglo XX iberoamericano más singulares, debido a la fusión entre las formas sacras de la tradición europea con los ritmos y las danzas de los indígenas andinos.

Según informa la prensa argentina, la última vez que ha sonado en directo esta Misa Criolla fue el pasado sábado, cuando antes de llegar al Salón de los Pasos Perdidos del Congreso Nacional, el féretro de Ariel Ramírez fue velado en plena calle Lavalle de Buenos Aires, frente a la sede de la Sociedad General de Autores (SADAIC), de la cual fue presidente en varias ocasiones. El silencio de la comitiva se rompió con algunos fragmentos de esta Misa Criolla y cómo no, de su Alfonsina y el Mar… Su hijo, el también pianista Facundo Ramírez, cree que el maestro hubiera querido ser recordado como “aquél que lo dio todo por la música folklórica de su país, Argentina”.

*En la imagen: Mercedes Sosa (cantante), Félix Luna (escritor) y Ariel Ramírez (compositor y pianista); intérprete y autores de la canción "Alfonsina y el Mar".

*Pueden volver a escuchar este monográfico en la edición del espacio América Mágica (22/02/10)

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/america-magica/

Vilde Frang, fresco sonido del violín



La joven violinista noruega Vilde Frang lanza su último trabajo discográfico a la vez que ha pasado estos días por nuestro país para presentarlo ofreciendo una gira de conciertos por distintas ciudades de nuestra geografía. Sibelius y Prokofiev son los autores elegidos por Vilde Frang para este álbum en el que se rodea de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia a las órdenes de Thomas Sondergard.

Nacida en Noruega en 1986, Vilde Frang comenzó sus estudios en Oslo. A los 10 años realizó su debut con la Orquesta de la Radio de Noruega y dos años más tarde, el prestigioso director Mariss Jansons la invitó para debutar con la Filarmónica de Oslo. Vilde Frang recuerda su paso por España como una experiencia que cataloga de manera contundente:

«Absolutamente fantástica. Ya había estado en España antes, recientemente y esta vez hemos venido a pasar una semana entera. Hemos viajado por el país visitando varias ciudades: Vigo, León, Zaragoza, Castellón… Yo disfruté especialmente el concierto de Zaragoza, fue fantástico, pero, en general, la gira ha sido una experiencia muy bonita y muy interesante porque desde que vi Carmen, con ese aire que representaba la ópera española yo siempre había querido participar de esa atmósfera.»

Becada por la fundación de la gran dama del violín de nuestros días, Anne Sophie Mutter, Vilde Frang desarrolla una carrera fructífera en Europa con apariciones junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, a las órdenes de prestigiosos directores como Guidon Kremer. Sobre su reciente incursión en el mundo del disco, Vilde Frang comenta las obras que integran su última producción:


«Sí, recientemente he grabado los conciertos de Sibelius y Prokofiev con EMI, un trabajo que sale a la calle ahora y que ha sido muy emocionante para mí porque ambas piezas son obras que yo verdaderamente adoro tocar y con las que tengo una relación muy especial. Sibelius, en concreto, presenta un modo muy difícil, con una manera de escribir muy propia de los países del norte, lo cual hace también que encuentre su música muy romántica y pasional. Prokofiev es muy distinto. Hace uso de todos los elementos y características propias de la música rusa, pero, en general, creo que soy una privilegiada al tener la doble oportunidad de grabar estos dos conciertos de estos autores para mi primer álbum…»


El reportaje acerca de Vilde Frang, pueden volver a escucharlo en:

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/

Lang Lang, el mago del piano

«Las crisis te aportan fortaleza para luchar; la actitud que tomamos cada uno, para afrontar los desafíos es la clave para superarlos; (…) hay que enfrentarse a los problemas en lugar de huir de ellos»

Lang Lang, pianista


El mago del piano actual, Lang Lang, visita España en una gira que lo lleva a los principales auditorios del país siguiendo una apretada agenda de compromisos con los medios de comunicación. A sus 27 años, el pianista chino, cuyo primer nombre “Lang” significa “brillante y luminoso”, y el segundo, “educado”; se ha constituido en un auténtico fenómeno de masas. Cuando aún era menor de edad, con diecisiete años, ya levantaba de sus asientos a los 30.000 espectadores que abarrotaban el Festival de Ravinia de Chicago. Ahora, todavía en la veintena, cuenta con una autobiografía que ha resultado ser un best seller en su país. Por eso, le preguntamos cuáles son sus estrategias para que el éxito no se le suba a la cabeza:

«No tengo verdaderamente un ego… quiero decir, por algo innecesario. Tendría ego si en mis recitales, en los que, por supuesto, siempre quiero hacer algo de calidad, quisiera sentir que no hay nadie más que yo. Pero necesito de la colaboración del público, y creo que es importante conservar esa unión para mantener el ego a raya y, si puede ser, olvidarlo. Tienes que respetar a otros intérpretes y plasmar las experiencias de otros músicos. Por ejemplo, Misha Maisky ha interpretado muchos otros tríos anteriormente y de eso, se puede aprender mucho. Por lo tanto, no tengo ningún interés en tener un ego enorme. Todo lo que quiero hacer es aprender y aprender de otros».

La repleta agenda de Lang Lang lo obliga a pasar largas temporadas fuera de su casa y en constantes viajes. Un sacrificio en su vida personal que el pianista compensa con otras estrategias a la hora de sentirse lo más cómodo posible.

«Es muy duro… no resulta nada fácil. Al inicio de mi carrera pensé que no sería difícil pero con el paso del tiempo, te das cuenta de que cada vez viajas más y eso es duro. Creo que la clave para mí es hacer varios parones y separar unas parcelas de otras. Creo que eso me ayuda a pensar. Además, soy muy afortunado de poder viajar con mi madre, porque si sólo viajas con tus compañeros de trabajo, sientes que no estás llevando ningún tipo de vida más allá de lo profesional: siempre hablando de negocios, tocando en conciertos, regresas al hotel y otra vez, vuelta a empezar (lo cual no es muy saludable). Pero por suerte, tengo a un miembro de mi familia que se preocupa, alguien con quien hablar sinceramente, contándonos siempre la verdad».


Lang Lang visita España coincidiendo con el estreno del Concierto para piano y orquesta “El Fuego”, de su compatriota Tan Dum junto con la Orquesta Nacional de España y además, en pleno lanzamiento de su primera aventura camerística junto a intérpretes de la talla del violinista Vadin Repin y del violonchelista Misha Maisky.

Cada vez que el nombre de Lang Lang aparece en un cartel, en breve se ha de colgar el letrero de no hay billetes. Su calidad interpretativa reconocida por la crítica más exigente y su tirón mediático, generan unas expectativas entre la audiencia:

«No puedes estar pensando en lo que la gente espera de ti, eso sí, debes tener en cuenta que el público tiene unas expectativas sobre el concierto; por lo tanto has de ser agradecido y concentrarte en tu trabajo».

Lang Lang nació en Shenyang, China en 1982, comenzó a tocar el piano con tres años y dos más tarde, ganó el Concurso de Piano de su ciudad natal, ofreciendo el primer recital público. A los nueve, ya destacaba entre los alumnos mayores del Conservatorio Central de Música de Pekín y con once, se alzó con el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas en Alemania. Pero justo antes de aquel salto a Europa, Lang Lang sufrió el desengaño al recibir el maltrato de una profesora que le dijo que “no tenía talento para seguir con la carrera de piano”; es más, llegó a decirle un niño de apenas diez años que “tocaba el piano, como un samurai japonés que al final acaba suicidándose”. El padre de Lang Lang se disculpó ante la profesora y le indicó que siguiera esforzándose, que si se sentía tan mal, lo mejor que podía hacer es “suicidarse bien tirándose por el balcón o tomándose un frasco de pastillas”. Lang Lang reaccionó golpeándose con rabia las manos contra una pared y su padre le advirtió que si seguía así, no iba a poder tocar el piano nunca más. Ante el rechazo, el niño Lan Lang se negó a tocar el piano y le retiró la palabra a su padre.

«Debo contar lo que viví durante las Olimpiadas de Barcelona 92, justo coincidió con el momento más oscuro de toda mi carrera; casi abandono el piano, acababa de trasladarme a Beijing; estudiaba con una profesora que me odiaba y que me dijo que no tenía talento… Los Juegos Olímpicos me dieron impulso para superar el mayor sufrimiento de mi vida; el esfuerzo de los deportistas y la impresión que me causó la Ceremonia de Inauguración (…). Los deportes siempre me han aportado energía para luchar contra los obstáculos, me ha inspirado para afrontar los desafíos de la vida, así que Barcelona 92 me ayudó para hacerle frente al peor momento de mi vida».

Dieciséis años más tarde de Barcelona 92, Lang Lang sería la estrella en la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, un evento histórico que alcanzó una audiencia potencial de 4000 millones de personas a través de los diferentes medios de comunicación. Aquella experiencia impactó al joven pianista, pero no le quitó un ápice de su sentido del humor: «Y por algunas razones de seguridad, los organizadores de la Gala de Inauguración no quisieron poner mi nombre en la puerta del camerino, así que me buscaron un sobrenombre en clave, algo así como Piano Dos, no, no, ya recuerdo, el Hombre Doble del Piano, y claro, era un chiste por el hecho de que mi nombre es repetido, Lang Lang… Bueno, y lo más gracioso es que al cantante que intervenía en la Gala y que bajaba al escenario en globo aerostático lo apodaron como el Hombre del Aire, para ocultar su identidad… Sí, sí, recuerdo anécdotas muy divertidas durante los Juegos Olímpicos de Pekín».


A pesar de su juventud, Lang Lang ya a publicado una autobiografía “Un Viaje de miles de kilómetros”, en la que en lugar de alimentar su ego, no cuenta la dureza de la educación recibida en China, las diferencias culturales entre oriente y occidente, la separación de su madre desde los nueve años para poder estudiar en Pekín, la vida itinerante de gira permanente, y sus propios miedos y angustias ante el error y el fracaso. Ahora Lang Lang es una persona mentalmente brillante y de una fortaleza interior asombrosa porque desde muy pequeño está acostumbrado a no dejarse vencer por las crisis.

Lang Lang es un artista con un don recibido en la lotería del universo, pero que además, es consciente de cómo la excelencia hay que ganársela con disciplina, trabajo y muchas horas al piano… Tras revelarnos algunos detalles de su infancia, si cree que merece la pena el sacrificio invertido en el arte del piano:

«Si algún día tuviera un hijo, y éste amara la música realmente, por supuesto que le apoyaría al ciento por ciento pero, en ningún caso le forzaría para que fuera un pianista por obligación; claro que esto dependería de él, si me lo pide, le daría todos los medios a mi alcance para ayudarle; independientemente de si eres un profesional o no, tener una buena educación musical, es muy positivo en múltiples aspectos de la vida. Algunos niños desean ser músicos, como yo, que estaba convencido de querer dedicarme al piano, pero claro ser un profesional es un sacrificio; si no practicas de muy pequeño, a cierta edad, entonces tus dedos no te vuelven a escuchar nunca más; incluso hoy en día, yo mismo, si no practico en tres días mi mente no controla mis dedos… así que no hay alternativa, no es una regla ni una norma, es una realidad; ser profesional implica sacrificio. No obstante, puedes disfrutar con la música sin necesidad de dedicarse 8 horas al día».




Durante la hora que estuvimos charlando con Lang Lang en su hotel madrileño, nos sorprendió la cercaría y frescura de su trato; un chico de nuestra edad con inquietudes y con muchas ganas de disfrutar de los pequeños detalles de la vida cotidiana: pasear, estar con su familia, ir al cine (es un cinéfilo empedernido), seguir la Champions League de Fútbol y la Liga española que no se pierde detalle o retar a sus amigos en un partido de ping-pong. Lang Lang pasa con total normalidad de lo humano a lo divino (durante la entrevista comenta cómo siente una conexión espiritual al tocar el piano) pero al momento, se troncha de risa contándonos situaciones comprometedoras o anécdotas divertidas que ha vivido a lo largo de su carrera…

«Recuerdo algunas situaciones divertidas como aquella ocasión en la que ya estaba fuera, en el escenario a punto de dar un recital y el piano no había llegado, así que no sabía qué hacer frente a la audiencia; estaban boquiabiertos porque no sabían quién era yo, si un cantante o qué…bueno, y cuando finalmente llegó el piano estaba fuera de tono y tardaron un buen rato en afinarlo. Otro día, el piano sí que estaba en el escenario, el director en el podio y yo preparado para tocar, pero lo que pasaba es que la orquesta no había llegado (porque al parecer les habían retenido en el control de migración del aeropuerto). El director y yo, esperando en el escenario a que la orquesta se bajara del autobús… y claro, tronchados de risa… fue realmente divertido…».

Para nosotros sí que fue divertido compartir un café con Lang Lang y compartir con ustedes el lado más humano de una estrella.

Antes de despedirnos le hicimos entrega de un detalle, el álbum que el sello de esta casa RTVE Música editó con las grabaciones históricas de Alicia de Larrocha, la dama del piano español recientemente desaparecida a la que Lang Lang admira profundamente; nos cuenta que coincidió con ella en su bautismo de fuego en Ravinia. El por aquel entonces adolescente. se dio cuenta de que Larrocha además de ser una pianista de categoría, era una persona cercana y dulce, que le ayudó a comprender la profesión. Otro de los álbumes que le regalamos, es la edición que RTVE realizó del concierto que Javier Perianes ofreció en el marco del Festival Internacional de Música de Granada. Lang Lang pronunció palabras de elogio para el compañero español, y dijo que se trataba de un ser humano excepcional y un pianista con un sonido puro y hermoso.

Así que deberíamos unir el adjetivo de “humilde” al significado del doble nombre que sus padres le asignaron en el momento de su nacimiento: el primer “Lang” significa "brillante y luminoso", y el segundo “Lang”, "educado”; sin duda, una premonición de lo que sería su carácter y su destino.



Las obras que ilustraban esta entrevista reportaje proceden del último trabajo discográfico de Lang Lang en colaboración con el violinista Vadin Repin y el violonchelista Mischa Maisky. El Trío Elegíaco, núm. 1 en sol menor, de Rachmaninov. También pudimos escuchar el Concierto para piano y orquesta número 1 en sol menor, Op. 25, de Mendelssohn, junto con la Orquesta Sinfónica de Chicago a las órdenes de Daniel Barenboim.


*Pueden volver a escuchar este reportaje entrevista realizado por Diego Requena y Mikaela Vergara en el podcast: 29/01/10 LO QUE HAY QUE OÍR


Links para descargar el Audio del programa

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/

Vicent Egea plasma sus 'Reminiscencias' en el nuevo trabajo discográfico de La Pamplonesa

Con motivo del 90 aniversario de la Banda La Pamplonesa, llega hasta nuestros oídos, Reminiscencias, una novedad discográfica en la que la formación de Pamplona reúne Cinco pasajes oníricos de su director Vicent Egea. Reminiscencias presenta un auténtico colage de indagaciones musicales que el director de la Pamplonesa ha encontrado en su camino por el mundo de la música. El primer acercamiento en nuestro espacio Contra Viento y Madera a este cd que La Pamplonesa presenta ha sido a través del último movimiento de la Suite Céltica que Vicent Egea compuso en 1999. Por aquél entonces, la formación ya rondaba los 80 años de vida. Ahora, a sus 90 primaveras, La Pamplonesa celebra esta onomástica con un tesoro para el recuerdo, una nueva grabación discográfica.

La Pamplonesa se fundó en 1909 por un grupo de músicos de la ciudad a pesar de que por aquél entonces, ya había formaciones musicales de prestigio como la Orquesta Pablo Sarasate. Hoy en día es una banda de referencia en el norte de España. Su actividad presenta más de 50 actuaciones al año en las que cumple, tanto con la labor de ampliación de su repertorio, como con la difusión de la creación contemporánea para banda sinfónica.

Su director, Vicent Egea, nace en la localidad alicantina de Cocentaina. Entre otros logros, ha ganado en tres ocasiones el Premio Internacional Gobierno de Navarra. Desde su constante trabajo como director y compositor ha mostrado su preocupación por la búsqueda de esa nueva sonoridad pero sin dejar de un lado la música amable que mejor percibe el público. Vicent Egea es el director, desde 1996 de la Pamplonesa con la que, un año después, graba para el sello discográfico RTVE-Música su Poema Sanférmico. Su obra Reminiscencias, que da título genérico al disco, es una pieza escrita, según comenta el propio autor, teniendo en cuenta el grado de virtuosismo que ha alcanzado la Banda.

A lo largo de estas Reminiscencias que dan título al disco, Vicent Egea presenta diferentes momentos vividos como director de la agrupación a través de citas musicales transformadas y desarrolladas, entre las que se encuentran temas relacionados con los sanfermines y otras obras que la Pamplonesa ha interpretado como los Preludios de Liszt o El Murciélago de Strauss.

Pueden escuchar el Podcast del programa Contra viento y madera en el que escuchamos el nuevo cd de la Pamplonesa en:

http://www.rtve.es/mediateca/audios/20091216/contra-viento-madera-16-12-09/650947.shtml

Avri Levitan: el resurgir de la viola

«La música no es propiedad exclusiva de ningún instrumento. La viola se ha convertido en un solista cada vez más virtuoso». Avri Levitan


Dos virtuosos de la cuerda, el violinista Roi Shiloah y el violista Avri Levitan, se unen para formar un singular dúo de cámara. Charlamos con Avri Levitan, uno de los mejores violistas del panorama actual quien expresa su satisfacción por tocar con uno de sus mejores amigos, Roi Shiloah, violinista del afamado Trío Jerusalén:

«Tocar junto a Roi es una experiencia muy especial para ambos, porque nos conocemos desde hace mucho tiempo desde la infancia, de hecho, estudiamos con el mismo profesor en Israel. Además, para mí, Shiloah es una referencia interpretativa en nuestros días, es una personalidad musical única: cuando tenía doce años ya actuaba con Bernstein. Hemos tocado muchas veces juntos y además, formamos un dúo. Crear un dúo es un desafío muy gratificante, porque el repertorio que elegimos es completo, no adolece de ninguna omisión, aunque no tengamos ni violonchelo ni piano, interpretamos el mensaje musical completo de los grandes maestros como Mozart, Bach, Martinu entre otros».




Avri Levitan nació en Israel en 1973 y ha actuado junto algunos de los músicos más solicitados del momento como Claude Franck, Pnina Salzman o Ronald Pontinen, en las principales salas y festivales internacionales. Nominado a los Premios de la Música que otorga la BBC en la presente edición, Levitan ha obtenido entre otros galardones, el Primer Premio del concurso Rubin Academy y el de Música de Cámara concedido por el Conservatorio Nacional Superior de París. Una de sus especialidades es por tanto, la música de cámara, una actividad que demanda una empatía particular entre los distintos miembros del conjunto, pues deben respirar juntos y sentir el mismo pulso, de igual a igual, sin un director al que supeditarse:

«La música es un lenguaje que tiene casi más capacidad de comunicación que un idioma; es mucho más preciso que las palabras. Si me preguntas por la empatía, debo decir que en un conjunto de cámara, no siempre los intérpretes se llevan bien, muchos ni siquiera se hablan o se soportan, pero la música hace que la gente conecte a otro nivel, es un nivel emocional diferente al que utilizamos en las relaciones habituales. Con Roi tengo una conexión especial, nos conocemos desde hace mucho tiempo y además, somos muy buenos amigos, sentimos la música de la misma manera, pero esto sucede independientemente de que seamos amigos o no, aunque claro, ayuda a ello».




El dúo formado por Avri Levitan y Roi Shiloah participará en el Festival Internacional de Música de Cámara de Calahorra, el próximo mes de enero de 2010, un evento promovido por el Centro Internacional de Excelencia de Cuerda que se ha inaugurado recientemente en la citada localidad de La Rioja y donde Avri Levitan es catedrático de viola:

«Es un centro musical nuevo muy interesante, con un número muy reducido de estudiantes seleccionados que proceden de todas las partes del mundo. Viven aquí en la residencia y además de recibir formación, tienen muchas oportunidades para tocar en conciertos, una actividad crucial para convertirse en un músico profesional. Porque hacemos música realmente, sólo cuando alguien nos está escuchando: si tocamos en nuestra casa o en una clase del conservatorio y nadie nos escucha entonces no tiene sentido; el intérprete es tan sólo un puente entre el compositor y el oyentes; la audiencia es en última instancia, el intérprete final de la obra».


Además, de participar como solista en las principales orquestas europeas, Avri Levitan es uno de los profesores de viola más demandados en su especialidad, Y es que la viola ha sido un instrumento infravalorado, siempre a la sombra del violín y del violonchelo. Sin emabrgo, las posibilidades técnicas y expresivas de la viola, así como su repertorio específico, corroboran la entidad y peso de su solvencia. De hecho, la viola es un instrumento que en los últimos tiempos está viviendo su particular renacimiento:

«La viola se ha convertido en un instrumento solista cada vez más virtuoso; un proceso que arranca desde el último siglo y especialmente desde las últimas décadas. La viola tiene una gran calidad tímbrica pues su rango abarca ese espacio entre el violín y el violonchelo, por eso ofrece una paleta de colores muy amplia; una calidad sonora que personalmente encuentro muy envolvente y con capacidad para empastar con otros instrumentos».

«Cuando concibes un sonido en tu imaginación, entonces puedes crearlo a través de un instrumento, y esto es posible con la viola a pesar de no tener esos grandes conciertos de repertorio como los escritos para violín, por ejemplo… Sin embargo, a lo largo de la historia se han creado numerosos conciertos para viola, aunque sólo se hayan tocado una sola vez. Además, existe una literatura para viola muy variada en música de cámara así como múltiples arreglos; la música no es una propiedad exclusiva de ningún instrumento».




El pasado 3 de diciembre, el violista Avri Levitan y el violinista Roi Shiloah prepararon para su debut en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, un monográfico titulado como “Virtuoso diálogo entre el violín y la viola”, con un brillante programa que gira en torno a Mozart, Bach y Martinu. Ambos participarán en el Calahorra International Chamber Music Festival que tendrá lugar en enero de 2010, un evento organizado en colaboración con el Festival Internacional de Música de Seúl (que conmemorará el 60 aniversario de las relaciones diplomáticas entre Corea y España, reuniendo a los mejores músicos coreanos e internacionales, junto a más de un centenar de estudiantes que se acercarán hasta La Rioja). Roi Shiloah continuará con su gira española con el Jerusalem Trio y Avri Levitan actuará como solista con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia.


Pueden volver a escuchar esta entrevista con Avri Levitan en los podcast de Lo que hay que oír 03/12/09:

Links para descargar el Audio del programa

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/


Exclusiones y resistencias en la música hispánica

Retrato de los mulatos de esmeraldas: Don Francisco de Arobe y sus hijos Pedro y Domingo (1599). Andrés Sánchez Galque. Museo del Prado. Madrid.



En nuestro espacio América Mágica visitamos el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza (Jaén), que celebra su Decimotercera edición con una programación organizada bajo el título “Exclusiones y Resistencias: Las otras músicas hispánicas creadas a ambos lados del Atlántico desde el siglo XVI al XVIII”. Conciertos y actividades pedagógicas desarrolladas por especialistas internacionales del repertorio renacentista y barroco español e iberoamericano.


La Edad de Oro de la Música Española comienza hacia 1492, lo cual coincide con el momento del encuentro entre las diferentes culturas procedentes de ambas orillas transatlánticas. Este fenómeno supone un choque étnico, político, religioso, y cómo no, también musical. A partir de entonces, se engendra un proceso de convivencias, luchas, conflictos y asimilaciones, en las que se detecta una dinámica de exclusión por parte de los poderosos vencedores y, otras fuerzas de resistencia por parte de los excluidos y vencidos, tal y como afirma Javier Marín López, director del Festival.

Esta Decimotercera edición del Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza coincide con sendas efemérides acaecidas en 1609: la expulsión de los moriscos de la Península Ibérica y la llegada a América de los Jesuitas, quienes desarrollaron una labor pedagógica y musical de largo alcance. Esto explica, la variedad de la programación, integrando obras procedentes de los márgenes del Imperio Español: moriscos, sefardíes, indígenas, afroamericanos y asiáticos.

Cada uno de los programas de concierto presentados en el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, es resultado de una estrecha colaboración entre musicólogos, intérpretes y gestores culturales, lo cual es más que necesario, especialmente en el contexto de las músicas nómadas y perifericas creadas durante la época colonial. Gracias a la labor de investigadores y músicos, hemos asistido a una revisión del enfoque conceptual con el que estudiamos nuestro pasado, origen de una realidad multicultural y compleja como lo es la hispanidad.


Pueden volver a escuchar la entrevista con Javier Marín, director del Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza (emitido el pasado 30 de noviembre dentro de los contenidos de Lo que hay que oír) en los podcast de este espacio temático América Mágica:

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/america-magica/


Lo que hay que oír


Lo que hay que oír es el magazín de actualidad de Radio Clásica, Radio Nacional de España que se emite en directo de lunes a viernes desde las 9 hasta las 11:30 de la mañana
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