Sepe: forma y color

    martes 13.feb.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Josep Prat Sorolla, es Sepe, un inquieto creador que se está adentrando poco a poco pero con paso firme en el universo del videoclip. Conversar con Sepe es descubrir un mar de proyectos relacionados con la ilustración, el diseño gráfico, la moda, la animación, y un sin fin de pulsiones , en las que está presente el surrealismo, la estética de los 80, la geometría... todo ello pasado por su tamiz personal e intransferible.

Sepe trabaja desde el Estudio Creativo O, una de las plataformas creativas más innovadoras y originales de cuantas funcionan en España, capitaneada por el inalienable realizador Luis Cerveró.

Hablamos con Sepe de los "porqués" de sus creaciones, centrándonos sobre todo en lo relacionado con el formato del video musical.

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-Josep, eres un artista pluridisciplinar, tu relación con el formato videoclip empieza hace unos  años con trabajos de ilustración y motion graphics para artistas como Javiera Mena, Orax, Breakbot o The Vaccines. Ya más recientemente das el salto a la realización y te descubrimos con "Spinning Over you" para Reyko. En este caso, Emi Fort (productora) te llama para el proyecto, ¿Cómo es ese cambio a la responsabilidad de dirección y cómo surje este proyecto creativo?

Anteriormente a este vídeo, además de mis proyectos como ilustrador, yo ya había codirigido varias piezas audiovisuales junto con mis compañeros de Cubbish, con quienes estábamos acostumbrados a ingeniárnoslas con muy pocos recursos sin renunciar a la creatividad (de lo cual aprendí muchísmo). Poco después entré en O, al principio como ilustrador. Hasta que un día, me dijeron si quería probar con la dirección, que tenían el vídeo de Reyko sobre la mesa y que creían que podía encajar.

El proyecto de Reyko significaba poder trabajar con más medios de lo que estaba acostumbrado, tener un equipo mayor y, lo más importante, tener a una productora detrás que lo hiciera posible. 

Para mí fue un máster de profesionalización muy bueno.

En cuanto a la gestación del vídeo, tuvimos una primera reunión con Mushroom Pillow, la discográfica, y les explicamos un poco cuál era la idea. Les gustó y desde ahí empezamos a trabajar. Lo bonito de este proyecto fue que el vídeo también era la carta de presentación de Reyko, así que por un lado eso conllevaba mucha responsabilidad, pero por otra hizo que todos diéramos lo máximo para que esto saliera bien.

 

 

 

 

- Partiendo de la ilustración, pasas al plano físico de carne y hueso con un look muy de los 80. ¿Cómo has trabajado con Alexandra Jordana el estilo visual de esta pieza?

La verdad es que tener a Alexandra Jordana fue (y es siempre) todo un lujo, porqué captó perfectamente el concepto, la idea y la estética de la pieza. Fue como si estuviera dentro de mi cabeza y eso me dio muchísima tranquilidad. Queríamos algo que remitiera a los 80 pero a la vez fuera actual, con muchas texturas y materiales; casi como si fueran ilustraciones en movimiento. Alexandra también ayudó mucho a engrandecer toda la idea porque intenta siempre dar un porqué a todos los elementos que coloca frente a la cámara. Nada es gratuito. 

De hecho, recuerdo que a los pocos días de nuestra primera reunión vino con un dibujo del set donde todos los elementos tenían un sentido.

 

Resultado de imagen de "Spinning Over you"  Reyko

 

- Siguiendo con tu vídeo musical para Reyko, hay que destacar el conjunto de la obra donde cada departamento tiene un papel importante: texturas, colores, vestuario, coreografía, conforman un todo... Te apoyas en profesionales como Elías M. Félix (fotografía), Cris Quer (vestuario), Tuixén Benet (coreografía), ...¿Cuál ha sido tu criterio para elegir estos colaboradores?

Tenía muy claro que quería hacer un vídeo que integrara distintas disciplinas artísticas y que cada una de ellas reflejara un espíritu muy creativo (desde la fotografia, a la dirección de arte, pasando por el vestuario o la coreografía). Formamos un equipo de artistas y quise darles libertad para aportar su visión a la pieza. Para mí, eso es lo que hace más especial este proyecto.

-He leído, que tuviste un plan de rodaje muy exigente y que incluso grabaste en dos sets, condos cámaras simultáneamente. ¿Fue muy complejo grabar con dos monitores, dos equipos...? Suena esquizofrénico

Sí…la verdad es que fue un estreno a lo grande. Por temas de presupuesto, teníamos que rodarlo todo en un día, así que decidimos partir el plató en 2 sets, uno para las escenas con coreografía y otro más pequeño para momentos más concretos. En muchos momentos, teníamos el equipo dividido en 2 rodando a la vez, por lo que resultó, al principio, algo loco tener que controlar dos rodajes al mismo tiempo. Pero bueno, al final es un tema de costumbre. También fue esencial contar con la experiencia de Silvia Martínez, ayudante de dirección, que lleva muchos años haciendo locuras de este tipo.

 

Resultado de imagen de "Spinning Over you"  Reyko

 

- En cuanto a influencias, citas referencias como Magritte, Oskar Schlemmer, Jean-Paul Goude ó artistas de los 80. En algún caso concreto, hablas de Syd Brak como fuente que te inspiró para incorporar el elemento de repetición y canon en las bailarinas. ¿Porqué esta querencia por este imaginario estético?

Desde siempre me ha apasionado todo el imaginario de los 80 y el surrealismo. Creo que, más allá de algo estético, en esos años se crearon nuevas formas de representación de ideas muy directas y potentes, que aún hoy creo que funcionan. Creo que, a nivel creativo, es un universo muy rico.
Para mí, esa es la forma de expresión con la que más cómodo me siento y siempre que puedo me gusta hacer algún guiño a referencias que me han ayudado a inspirarme y desarrollar el vídeo en cuestión.

-Pasamos a tu pieza más reciente para Javiera Mena, a quién ya conocías por tu colaboración en "Espada", dirigido por Luis Cerveró. En "Dentro de tí", de nuevo colabora Alexandra Jordana y optáis por un look más austero, más conceptual ¿Cual es tu propuesta estética, está negociada con Javiera?

Cuando escuché por primera vez “Dentro de ti”, aprecié cierto cambio de rumbo respecto a lo que había sido el anterior disco de Javiera Mena, “Otra Era”. Era una vuelta con algo más introspectivo, menos eufórico que “Espada” pero con un mensaje muy directo a la vez. Con Javiera coincidimos en que esto se debía reflejar estéticamente y, por lo demás, nos dio libertad creativa total. Así que optamos por un look más natural y austero de lo que estoy acostumbrado, pero sin renunciar a los juegos visuales ni al toque surrealista. Fue un vídeo que, para otra persona, era difícil de imaginar sin verlo postproducido, así que tengo que agradecerle mucho su confianza en un proyecto que explicado sonaba, seguro, a locura.

 

 

 

 

- De nuevo, recurres a la figura retórica de la repetición y en este caso supongo que ha sido fundamental la participación del departamento de VFX (Yukio Montilla, Cherrycola) y de 3D (Nico Zarza). Cuéntanos qué dificultades habéis tenido a nivel técnico y con qué herramientas habéis trabajado.


La verdad es que fue el proceso más largo de todos, por razones obvias. Javiera sale, en muchas ocasiones, repetida y eso fue un trabajo de composición e integración muy laborioso. Básicamente porque todo estaba coreografiado, el set giraba, la cámara se movía y además Javiera cantaba en todos los planos, con lo cual no había mucho margen para mover o retocar nada una vez rodado. Por este motivo hubo un gran trabajo de supervisión en rodaje, para que todos esos juegos visuales funcionaran luego en la fase de postproducción. La verdad es que esta parte resultó la más dura para el equipo, ya que estuvimos muchos días y largas noches trabajando para llegar a la entrega. Mil gracias a Yukio Montilla y a Conrado de Cherrycola por esta maratón.
A nivel técnico, se trabajó casi toda la composición en After Effects y la luna se generó en 3D.

 

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- ¿Qué tal el acting con Javiera Mena? Da la impresión que todo parte de indicaciones de dirección muy precisas, o hubo también improvisación?

Hubo más improvisación de la que parece, a nivel de interpretación. En algunos momentos concretos, donde ella bailaba o tenía que realizar alguna acción concreta, sí que lo habíamos preparado y ensayado bien, pero a nivel general, quería que se sintiera cómoda con sus gestos y que su interpretación fuera natural. Al fin y al cabo, la idea del vídeo era mostrar sólo a Javiera cantando, casi como si estuviera en uno de sus directos, solo que en este caso el espacio cambiaba lo largo de su interpretación.
Ella nos lo puso muy fácil porque es super profesional y enseguida encontró ese punto de equilibro entre algo estudiado pero sin perder la frescura de lo improvisado.

 

 

 

-Además de los videoclips no quiero dejar de mencionar proyectos más personales como"Sparks", un maravilloso ejercicio de estilo donde das rienda suelta a elementos como geometría, movimiento, color, mutación... ¿Cómo nació ese juego visual?

Sparks” ha sido un proyecto que se ha gestado a fuego lento. Muy lento, de hecho. La idea me surgió en 2015, cuando empecé la serie de ilustraciones “Deconstructed Portraits.Ese mismo año rodé a la modelo para este proyecto (Anna Benet). Quería hacer una pequeña animación en esa línea, explorando la relación entre el cuerpo y la geometría, deconstruyéndolo en piezas que se dispersaban y juntaban de repente y que a su vez interaccionaban con los colores. Fue un proyecto que pensé para mis tiempos libres, sin prisas, algo que pudiera ir desarrollando sin ningún tipo de atadura. Es una pieza pequeña, pero a la que tengo mucho cariño.Por otro lado, nos encontramos tu proyecto personal de retratos "Deconstructed Portraits", ¿a qué pulsión responde esta serie y con qué técnica has trabajado?
Empecé a hacerlo como regalo de cumpleaños para mis amigos. De repente, me encontré con un proyecto-serie abierta sin quererlo ni pensarlo.
Como ya habrás notado, tengo una obsesión por la geometría, las formas “básicas” y “simples”(al igual que los colores) y me gusta jugar a construir objetos, personajes y escenas a partir de ellas. El reto es conseguir que los retratos sean reconocibles con pocas formas y trazos. En este proyecto trabajé con texturas tipo spray, pero es todo digital.

 

 

 

-En tu faceta multidisciplinar, destacan también tus inquietudes por la moda y el diseño de vestuario, con tus creaciones para LOTTO ICON Collection FW17 ó la mini-colección para Printalloverme ¿Por qué la moda, qué aporta a tu personalidad creativa? Por lo que he leído, además tienes intención de sacar una colección, más completa y producida por tí.

 

 

Siempre me ha llamado bastante la atención el mundo de la moda, creo que es una herramienta muy potente para expresarse. Desde mi punto de vista, veo las piezas como un lienzo en blanco en el que poder plasmar ideas. Me resulta muy interesante como, por ejemplo, el mundo de la moda puede ir de la mano con el de la ilustración o el audiovisual. Así que, en algún momento de mi vida, sí que me gustaría adentrarme más en este terreno.

-Tu perfil también se completa con spots para marcas tan diversas como Adidas(en Sónar) o Akade. ¿Qué diferencias has encontrado a la hora de enfrentarte a proyectos de marcas tan distintas en su filosofía? ¿Hasta qué punto la publicidad es permeable a tu visión personal?

Depende un poco del caso. De si el encargo tiene un enfoque artístico o no . Algunas veces, te tienes que adaptar, eres más un ejecutor. Otras, la marca directamente te contacta porque le gusta lo que haces y precisamente por eso te da mucha libertad. Así que depende un poco de cómo el cliente te vea, si como a un ejecutor o un artista.

 

 

 

-Ya para ir acabando, en otro orden de cosas y desde Cubbish junto a O. Peig, Álvaro Peñalta os habéis encargado de los Main Titles de FIU un festival que reúne a jóvenes talentos creativos. Por no citar tu obra "Culto al baile" para la Sala Apolo, y tu artwork y diseño del ultimo álbum de Betty Belle, “Black To The Future”... Y es que parece que nada se te resiste, ¿en qué disciplina te sientes más a gusto?

Es difícil de decir, porque creo que lo bonito surge cuando se generan esas mezclas entre campos artísticos que, por alguna razón, siempre se ha tendido a separar y clasificar. Me gusta aprender de todo lo que me llama la atención.
Creo que esto te permite elegir, con menos prejuicios, cuál es la vía, la forma, el soporte, la técnica etc. más adecuada para cada proyecto.

 

 

 

-Antes de finalizar, quería mencionar tu relación con "O Estudio Creativo", ¿cómo llegas a esta plataforma, cual es tu relación con Luis Cerveró y resto de los miembros del estudio?
Cuando se formó O, yo conocía ya a Luis por “Espada” y también a otra de sus fundadoras, Emi Fort. Ellos, junto con Rafa Montilla, me propusieron formar parte del roster de artistas.
Un día cualquiera en las oficinas-estudio de O es un entrar y salir constante de fotógrafos, realizadores, directores creativos, productores…es la sede de operaciones de muchos proyectos a la vez. Es muy enriquecedor ese contacto constante entre los distintos creativos, se generan siempre colaboraciones. El espíritu de O es fomentar precisamente esa multidisciplinariedad por la que me preguntabas antes.

 

 

-Ah, y una última curiosidad ¿por qué "Sepe" como nombre artístico?

No sé cuando ni de dónde salió, era muy pequeño. En todo caso, se ha propagado hasta hoy y ya no lo he podido evitar. Va conmigo. Es muy útil en mi familia, siendo 3 generaciones de Joseps.

 

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   13.feb.2018 15:18    

Joan Galo: cabaret postmoderno

    martes 30.ene.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Joan Galo se estrena en el formato videoclip con "Itaca Tropical", una brillante pieza para Noia, la artista de Barcelona afincada en Brooklyn. Joan trabaja desde lo orgánico y el inconsciente y nos propone un imaginario onirico en el que se inspira en varios codigos estéticos: teatral, movimiento camp, lenguaje televisivo, etc... El realizador reflexiona sobre las diferencias que encuentra cuando se enfrenta a un proyecto publicitario, cinematográfico, o de video musical.

 "Me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine" nos cuenta... y otras cuestiones  muy interesantes que podéis descubrir en esta charla.

 

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- Joan, Itaca Tropical es tu primer videoclip para Noia, la artista afincada en Brooklyn. ¿Cómo surge este proyecto de colaboración?

Conocí a Gisela en Barcelona por una amiga en común. Luego mantuvimos el contacto y empecé a seguir lo que hacía. Cuando sacó su EP le lancé la propuesta con el tema que más me había gustado: Ítaca tropical. Empezamos a compartir ideas y nos dimos cuenta que teníamos referentes muy parecidos a nivel visual, así que acabó siendo una colaboración muy órganica y fácil.

 

 

- La pieza es elegante a la par que enigmática e inquietante. Nos vienen ecos de David Lynch, Almodóvar, pero también de Bob Fosse, o el propio Michel Gondry en cuanto a la fragmentación del espacio. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración conscientes o inconscientes?

Todas las imágenes surgen de un modo inconsciente. En este proyecto en cuestión sólo había un par de referentes concretos; Showgirls de Verhoeven en la dirección de arte y Almodóvar en una imagen en particular; la de la luz que parpadea en el escenario cuando NOIA actúa, que es un guiño visual a un plano de Mujeres al borde de un ataque de nervios. El resto de referentes que me comentas son siempre fuentes de inspiración, pero realmente no los tuve presentes durante el proceso de creación del video, al menos de un modo consciente.

 

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- Es una pieza muy evocadora que amplifica la letra de la canción ¿cómo definirías la propuesta estética y narrativa de este video musical?

La letra habla sobre los sueños y el paso del tiempo. Quería que la pieza tuviera un punto atemporal, con cierto decalage y que mezclara distintos códigos estéticos; al principio, por ejemplo, hay una estética muy teatral, propia del cine de los 60, pero vemos a un actor con un móvil haciéndose selfies. Hay también cierta sensibilidad camp en la exageración e inspiración en el lenguaje televisivo, en el modo en que se grababan las actuaciones musicales en televisión, con esos encadenados de montaje típicos de los años 80 y 90. El global podría quizá definirse como una estética de cabaret actualizado; con más color y más pop, pero honestamente me cuesta ubicar la pieza en una estética concreta.

- Tu eres también actor, en el videoclip se aprecia una dirección de actores muy cuidada. ¿Cómo fue el casting y cuáles han sido las consignas interpretativas para los actores/actrices?

Para el papel de los dos jóvenes vedettes que interactúan al principio me imaginaba dos rostros con un punto comercial y americano. Obviamente tenían que ser actores y debían tener perfiles versátiles a los que les quedara bien cualquier disfraz que les pusiera.

-Desde Garaje Films también eres realizador de publicidad y cortometrajes (Radiografía de una mujer joven). ¿Cómo te planteas estos formatos?¿Muy diferente el proceso a como te enfrentas al videoclip?

No tiene nada que ver. La publicidad tiene un ritmo rapidísimo y requiere de un trabajo inmediato en todos los sentidos. En el caso del cine o del videoclip, especialmente en el primero, depende principalmente del factor económico y por lo tanto el proceso de producción puede alargarse durante meses o años. Esto afecta también al proceso creativo, convirtiendo el guión en un “cuadro” que puedes pintar cada día, a medida que creces y cambias. Pero en todo caso, la publicidad es un campo en el que, como realizador, debes luchar para aportar y conservar tu voz y estilo, mientras que en el mundo del cine y el videoclip siempre he tenido libertad y he hecho exactamente lo que he querido hacer, más allá de las limitaciones económicas.

 

 

- Ya por último, no sé si sigues el panorama nacional o internacional, ¿tienes algunos referentes dentro del universo del video musical? ¿Algún proyecto de videoclip que te plantees actualmente?

Sí, sigo el panorama internacional y nacional, y es increíble la de talento que hay. Aunque hay muchos videos musicales que me gustan y a los que vuelvo constantemente, no tengo ningún referente concreto del mundo videoclip. Cuando me encuentro en el proceso creativo de un video me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine. A día de hoy no tengo ningún proyecto de videoclip en el horizonte y espero que venga alguno muy pronto.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   30.ene.2018 14:29    

Daniel Moreno: tocar el alma

    martes 16.ene.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Nos acercamos a la obra audiovisual de Daniel G. Moreno (realizador, músico, arquitecto...) un artista pluridisciplinar que se aproxima a los proyectos sobre todo a través de la técnica de la animación, una disciplina que le otorga capacidad de expresión y libertad creativa.

Nos detenemos sobre todo en su videoclip "Magnolia" para Rufus T. Firefly, sin duda una de las sorpresas de este recién acabado 2017. En esta pieza, Daniel propone un fascinante viaje psicodélico que se ajusta como un guante al espíritu de la canción.

Además, hablamos con Daniel de otras creaciones como su proyecto personal Atoms en el que imagen y música se retroalimentan, o su primer videoclip en 3D "I'm falling"  para su banda The Go! Brothers, un despliegue técnico y creativo. 

Daniel G. Moreno concibe el formato videoclip desde una perspectiva narrativa cercana al mundo del cortometraje. Al final de lo que se trata es de "tocar el alma" del espectador. Para el realizador, "la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional".

  DANIEL MORENO

 

Hemos llegado a tí a través de un videclip de animación para Rufus T. Firefly "Magnolia", en el que das rienda suelta a la imaginación en una especie de viaje psicodélico, que ilustra a la perfección la canción y haciendo guiños a la estética de George Dunning, entre otros autores. ¿Cómo surge este proyecto para la banda de Aranjuez?

Fue una situación curiosa porque yo no conocía al grupo antes hacer el videoclip. Rufus estaba buscando a un realizador para hacer una animación con aires psicodélicos y publicaron en facebook con el objetivo de encontrarlo. Un amigo en común, Xavi Lopez (también conocido como Xavito DeVito) me etiquetó en la publicación. Busqué información sobre el grupo y tengo que decir que en cuanto me puse a escuchar su música, me pareció increíble y me cautivó de inmediato. Me invadió una sensación muy fuerte de que me debía involucrar en el proyecto. Diría que varios realizadores respondieron a la llamada del grupo pero finalmente contaron conmigo para hacer el videoclip. Fui muy efusivo sobre mi convicción de que era la persona adecuada para trabajar con ellos y puede que el hecho de que yo también soy músico influyera en este sentido para convencerlos. Aunque que esa es una teoría que sólo podrían confirmar ellos.

 

 

-Es una canción larga y recurres a técnicas variadas: animación, imagen real con tratamiento de color, etc... Diría que un look POP envuelve el videoclip pero cuéntanos:

¿Cual ha sido tu idea a la hora de trasladar la música a imágenes y en qué tecnología te has apoyado?

Lo primero que tengo que contar es que el grupo me dio libertad creativa total. Me mostraron varias referencias que les gustaban, sobretodo animaciones setenteras muy psicodélicas, y me dijeron "haz lo que quieras". Ese es un lujo con el que no se puede contar muy a menudo y tengo que agradecérselo enormemente, ya que hizo que me involucrara aún más, tomándomelo como un proyecto personal. Mi enfoque desde el principio fue hacer del videoclip un cortometraje, en el que no había diálogo, pero sí una banda sonora increíble. Para mí era importante contar una historia, aunque fuese sencilla, aparte de mostrar las imágenes psicodélicas. Contemplé varios enfoques hasta que di con la clave para crear ese mundo psicodélico que transmite la canción, y fue jugar con la escala de los objetos a la hora de crear los diferentes escenarios. Esto quiere decir que el videoclip está plagado de objetos cotidianos pero aumentados a un tamaño mucho mayor del natural para convertirlos en el paisaje de la historia. Eso me ayudó a dar la sensación de estar en un viaje raro y psicodélico, aumentado y un poco surreal.

La gran mayoría del videoclip es 3D, pero con un acabado al estilo de dibujo animado. La parte técnicamente más complicada fue la de integrar a los miembros del grupo dentro de ese mundo de dibujo. Para resolver esto les pedí que grabaran varios planos y rotoscopié sobre el video original, y en otros casos traté la imagen para darle el look que necesitaba. También la mezcla de técnicas responde a una obsesión personal por conseguir atrapar al espectador de tal manera que no pueda despegar los ojos del video, y ofrecer diferentes texturas en ese sentido me parecíó una buena manera de conseguirlo.

Para acabar usé alguna de las imágenes que se desprenden de la propia letra de la canción e investigando sobre Rufus di con otras referencias que eran importantes para ellos y su universo como los Beatles, Led Zeppelin, David Bowie, vinilos, cinta analógica y la furgoneta como guiños setenteros... cogí todos estos elementos y los agité bien fuerte. Lo que puedes ver en el videoclip es el resultado de esta mezcla de sensaciones.

 

 

-También nos llama la atención tus creaciones visuales en las que pones en relación música e imagen animada en 3D. Es el caso de ATOMS. Cuéntanos en qué consiste este proyecto de experimentación.

Atoms vino justo tras acabar el videoclip para Rufus, y después de meses de trabajar en ese proyecto me apetecía hacer algo diferente, incluso oscuro en contraposición a esa explosión de color y psicodelia que es Magnolia. A esto se le suma el hecho de que llevaba tiempo sin componer música y quería crear algo muy entrelazado con la imagen, una especie de banda sonora. Así que salió este experimento en el que creé las imágenes y la música a la vez y una cosa retroalimentaba a la otra. Tenía una idea general de crear atmósferas y fragmentar elementos con la que trabajaba un día en la parte de imagen, al día siguiente en la música, y cada una de las partes iba modificando la otra en términos de tempo y estructura. La nueva música me hacía cambiar las imágenes y viceversa. Fue estimulante crear de esta manera y me obligó a avanzar de en un sentido diferente al habitual para mí. De vez en cuando hago proyectos así simplemente por la curiosidad de ver hasta dónde llegan y por ver cómo reacciona la gente al verlos y escucharlos... quizás sea la semilla para otro futuro proyecto, lo tengo ahí y es posible que lo recupere más adelante. Puede que esa magnolia termine germinando, o puede que no.

 

 

-Tampoco queríamos dejar pasar por alto otros proyectos, como el primer videoclip que hiciste para The Go! Brother, tu propia banda, en la que procedes a una "deconstrucción digital" a través de la animación 3D. Un trabajo que combina la técnica depurada sin renunciar a la emoción de las máquinas. ¿Qué particularidades tiene este video musical? Imagino que tiene algo de especial al estar hecho para tu grupo.

Sí, fue una época especial ya que formamos el grupo con mi hermano Alex y componíamos los temas juntos. Él estaba en la guitarra y yo en la voz y esa química musical ha funcionado siempre muy bien entre nosotros. En cuanto al tema "I'm falling" del que hice el videoclip, grabamos varios temas en estudio y este es el que nos pareció mejor para promocionar el grupo. Intenté transmitir la idea bastante sencilla de la historia de amor de la que habla la canción y a la hora de plasmarlo, como la voz era toda en falsete, pensé que sería divertido hacerlo con los personajes como de juguete. Quería que el punto álgido de la animación estuviese en el estribillo, e hice explícita la letra del tema con la caída literal de los personajes. Este videoclip tiene ya cuatro o cinco años y me suele pasar que con el paso del tiempo veo los proyectos un poco viejos y mejorables. Pero en su momento quedé contento con el resultado.

 

 

- Ya para acabar, quería destacar otras creaciones de visuales para otras disciplinas: teatro (Henry), arquitectura (recreación MACBA), motion graphics para tv y cortos... Entiendo que tienes una formación muy multidisciplinar, no en vano eres arquitecto, músico, realizador... ¿Hacia donde van tus inquietudes y siguientes proyectos?¿cómo encaja tu visión del videoclip como formato en el contexto de la creación audiovisual?

Siempre tengo varios proyectos entre manos y ahora mismo estoy adaptando un cómic a cortometraje de animación y también creando la banda sonora. No puedo profundizar mucho sobre el tema ya que aún está en una fase inicial, pero es un proyecto con el que estoy muy motivado y creo que puede llegar lejos. Me gustaría trabajar en más videoclips ya que es un tema que me apasiona y estoy en conversaciones con algún grupo para ponernos manos a la obra.

El formato del videoclip me fascina en parte por ser también músico y unir de una manera tan especial imagen y música. Me parece de lo más interesante dentro de la creación audiovisual en general, ya que normalmente es un espacio con una mayor libertad creativa frente a otras disciplinas en las que también trabajo como la publicidad o el cine. Al ser un formato pequeño puede convertirse en un laboratorio de ideas para crear historias, que al final, para mí, es de lo que se trata. Me alucina lo que directores como Michel Gondry o Spike Jonze han hecho con sus videoclips en los que una idea brillante y unos medios mínimos, dan un resultado espectacular.

 

 

Ya que me preguntas sobre mi formación en varios campos, tengo una teoría que diría que se puede extrapolar a cualquier disciplina creativa, y es que la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional. Por ejemplo, si observas un cuadro de cerca, podrás admirar la precisión o destreza del pintor en el trazo, pero a medida que te alejas el detalle de la técnica pierde importancia frente al significado del cuadro, a la sensación global que te transmite. La parte técnica tiene que estar bien resuelta, pero es más superflua ya que con el paso del tiempo las técnicas cambian, se perfeccionan y mejoran. Pero la parte emocional, el sentido de la obra o la idea que el artista quiere transmitir en cambio permanecen a lo largo del tiempo, porque llegan hasta una parte más profunda del observador. Los grandes artistas son capaces de crear obras en las que hay una idea muy potente que predomina sobre todo lo demás. Una emoción o una historia es lo que realmente nos llega y con un poco de suerte, nos hace ver el mundo de una manera distinta a cómo lo hemos visto hasta entonces. Ése es el motivo por el que hay ciertas obras que nos llegan, las hacemos nuestras y las recordamos con el paso del tiempo. Ese es mi objetivo cada vez que creo algo; tocar el alma del que está observando.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   16.ene.2018 08:14    

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Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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