Aitor Oñederra: libertad de movimiento

    martes 12.dic.2017    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Nos gusta en "A rienda suelta" adentrarnos de cuando en cuando en el apasionante mundo de la animación.

En esta ocasión nos detenemos en el singular universo del creador Aitor Oñederra, un artista pluridisciplinar (cineasta, guionista, diseñador...) que se aproxima al formato videoclip con enorme curiosidad y talento. 

Aquí le descubrimos en una pieza de animación para la banda libanesa Loopstache pero también aprovechamos el momento para adentrarnos en otras facetas, como su trabajo como cineasta al frente del excepcional cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics", o su labor como artífice del Festival de cine de animación Animadeba, que por cierto se celebra del 26 al 29 de diciembre.

Pero mejor, pasen y vean, Aitor no os decepcionará!

 

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 Fotografía: Teresa Arilla

Eres guionista, cineasta, animador... Hemos llegado hasta tí por un magnífico videoclip que has realizado para Loopstache, un grupo de electro indie de Beirut.

- ¿Cómo nace este proyecto, para una banda del Líbano?

El grupo Loopstache se puso en contacto conmigo después de ver mi cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics" en el festival de Cine Cabriolet de Beirut. Me enviaron un mail entusiasmados con el cortometraje. Después de una semana volvieron a escribirme y esta vez con la propuesta de hacer un videoclip para su nuevo tema "All I Need Is You".

 



- Me ha parecido escucharte que es un video musical para el que has invertido 8 meses de trabajo. ¿Cuál ha sido tu propuesta estética y con qué herramientas has trabajado a nivel de software?

Sí, fueron 8 meses de creación. Tiene el mismo tratamiento que un cortometraje, no se utilizan repeticiones como en muchos videoclips de animación, por eso me ha llevado tanto tiempo creando diferentes escenas.

A la hora de hacer un videoclip, mi propuesta estética siempre es acercarse a la del grupo. He utilizado una paleta de colores que se aproxima al tono de su logotipo. Tengo mucha influencia del cine Neo Noir y seguramente se note. En cuanto a  los planos, la canción me parece que transmite sensualidad y para potenciarlo he utilizado el travelling y las panorámicas al ritmo de la música.

 
Principalmente, utilizo un software para tratar imágenes y otro software de composición para hacer el montaje de los fotogramas dibujados.


- No es ésta ni mucho menos la única incursión que has hecho en el videoclip, por ejemplo también realizaste hace un par de años "Izarren bila"  del grupo EH Sukarra. ¿Qué significa para tí el género del videoclip y la relación entre imagen y música?

Escucho mucha música, me gusta la cultura de la música popular comercial, videos musicales etc. En general, se utiliza mucha mas creatividad en los videos musicales que en un largometraje, el director es mucho mas libre a la hora de plantear el guión e innovar con nuevas técnicas. También pasa algo parecido con los cortometrajes. 

 

 



- Tu trayectoria está muy ligada al mundo de la animación, de hecho eres uno de los artífices de Animadeba, un Festival especializado en el género y que intenta mostrar los trabajos más significativos. ¿Cual es el espíritu de este certamen?

Animadeba es un festival de cine de animación que creamos hace 10 años para impulsar el cine animado para adultos ( sobre todo ). También hemos querido proyectar películas que el público generalista no está acostumbrado a ver, largometrajes y cortometrajes realizados con técnicas de animación que no son tan habituales en la cartelera de los cines. Educar y estimular a través del cine independiente animado es una de las razones principales de nuestro festival.

 



- Ya por último destacar tu faceta de cineasta con un trabajo tan destacado como I said I would never talk About Politics, un auténtico trallazo a lo políticamente correcto. Creo que, además estás preparando un largometraje donde intentas aunar ficción real y animación. ¿Puedes adelantarnos algo de este proyecto?

El cortometraje I Said I Would Never Talk About Politics  me ha abierto puertas para crear futuros proyectos en formato cine.

Indudablemente mi carrera artística va ligado al cine de animación, pero en este largometraje se van a mezclar imagen real y animación. Antes llegará el cortometraje que estamos preparando pero no puedo dar detalles todavía.

 

 


- Salvando las distancias pero cuando veo tus trabajos me recuerdan a cineastas como Ari Folman en Vals con Bashir... ¿Cuáles son tus referentes a nivel creativo?

Admiro Ari Folman por sus películas pero no ha sido mi mayor influencia. Como te decía antes, soy un gran seguidor de videos musicales, de directores que empezaron su trayectoria creando videoclips, instalaciones artísticas y de vez en cuando hacen alguna pieza para cine: Spike Jonze, Michel Gondry, Chris Cunningham, David Fincher... Por nombrar algunos. 

 Estos últimos años he tenido la ocasión de ir a muchos festivales de cine.

Precisamente os dejamos con "Beti bezperako koplak" (Coplas de una noche sin mañana) que ha sido preseleccionado para los Goya 2018.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   12.dic.2017 23:50    

Buñuel y Lagartija Nick: una provocación artística

    martes 21.nov.2017    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Este año el Laboratorio de Creación de Abycine   ha surgido de la alquimia entre las incandescentes imágenes de Luis Buñuel y la música instintiva de Lagartija Nick.

Una propuesta que, un año más, ha armonizado con acertado pulso narrativo el realizador José Manuel Borrajeros.

 

Fragmento Laboratorio Creación Abycine 2017 (Lagartija Nick/Luis Buñuel/Jose Manuel Borrajeros)

 

Un maridaje extraordinario que ha conectado y retroalimentando universos creativos y que se presentó en el último Abycine 2017 y que ójala tenga un recorrido por otras salas de nuestro país (por lo pronto Antonio Arias tiene intención de grabar en estudio las canciones paridas para el Laboratorio).

Esta presentación además, coincide con el estreno del último disco de los granadinos: Crimen, sabotaje y creación, un trallazo a la mente y al corazón que nos conecta con los mejores Lagartija Nick, "seres cálidos" en permanente evolución.

 

Así pues, todos estáis invitados a esta entrevista en la que Antonio Arias (AA) y Jose Manuel Borrajeros (JM) nos acercan al proceso creativo de este fascinante proyecto que es el Laboratorio de Creación de Abycine 2017.

 

Buñuel + Lagartija Nick 02

 

-Antonio, ¿Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

AA: Fue una propuesta del festival Abycine. Me encantó la idea, tratar la figura de Buñuel me dio la oportunidad de profundizar en esa maravillosa generación del 27. Jose Manuel Borrajeros hizo unas ediciones de las películas y sobre ese montaje estuvimos trabajando.

- En cuanto a la relación con Lagartija Nick, ¿cómo surge la colaboración, ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

JM: Se produjo un salto telepático en un momento determinado y pensé: Lagartija Nick y Buñuel son una buena conjunción, me puse en contacto con Antonio y se lo propuse, cuando me dijo que sí empecé a trabajar por bloques en el montaje, y finalmente construimos nuestra propia visión del espectáculo cada cual aportando sus ideas, con tiempo y codo con codo, amplificando la obra. Trabajar con Lagartija Nick ha sido alucinante, es un grupo de gente admirable como personas y como artistas.

 

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- Esta vez habéis elegido el universo de Buñuel como material para el Laboratorio de Creación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor aragonés, imagino que ha sido una enorme complicación elegir entre su amplísima obra?

JM: Desde el Laboratorio de Creación-Abycine nunca habíamos abordado la filmografía de un director español. El universo de Buñuel es muy interesante por diferentes razones, por un lado hay muchos aspectos de su cine que lo sitúan en la modernidad más absoluta, diría que su cine es difícilmente superable por muchos directores actuales, o en caso de querer acercarse a sus constantes, éstas no dejan de estribar en eso que ha venido a llamarse Buñuelesco, es decir, una especie de calificativo de lo que él ya inventó.

 

Buñuel + Lagartija Nick 01

 

Por otro lado, hay una parte de su filmografía más social que me llamaba mucho la atención, situada en terrenos fuera de lo estrictamente surrealista, temas recogidos en cintas como LAS HURDES, LOS OLVIDADOS o NAZARÍN, que configuran una mirada muy instintiva sobre la pobreza y la supervivencia, y finalmente sobre la perversidad. Yo tenía catorce años cuando vi por primera vez LOS OLVIDADOS y SIMÓN DEL DESIERTO en un programa doble de TVE, recuerdo que lo que vi me dejó impactado y que discutí mucho con un amigo cinéfilo que afirmaba que la etapa mexicana de Buñuel era muy pobre cinematográficamente, supongo que lo decía porque el look visual de la época mexicana no tenía el aspecto tan cool de su etapa francesa, lo cual le llevaba a pensar que era un cine de peor calidad. Mi amigo no tenía ni idea de lo que estaba viendo, él veía un cine pobre, yo veía un cine rico. A mi aquello me cabreaba sobremanera, así que ahora me he tomado mi revancha privada. Las películas hispano-mexicanas de Buñuel son construcciones de infiernos terrenales que nos hacen ver que el surrealismo no es sólo algo propio de los sueños, elegí esta época de la filmografía de Buñuel para el montaje porque de alguna manera representa un mundo cercano al nuestro, España y Latinoamérica, que en muchos aspectos no ha cambiado prácticamente nada.

 

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-Sois una banda en el que el subconsciente juega un papel importante, algo en común con el mundo de Buñuel ¿cúal ha sido vuestra actitud a la hora de acercaros al universo del cineasta?

AA: Lo primero que hice fue buscar poemas de Luís Buñuel en internet, encontré seis y ahí vi el camino. Sus poemas son bastante lorquianos, eróticos y surrealistas, toda una gozada. Cantando sus textos podíamos interactuar sobre las imágenes completando su significado onírico, y al mismo tiempo generando distintos diálogos sobre las mismas.

-¿Cuál es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual?

JM: Siempre que abordo este tipo de trabajos suelo construir un guión de montaje. Previamente reviso toda la filmografía del director en cuestión y busco los lugares comunes entre una película y otra, de esa manera salen a la luz las pulsiones del director, entonces crece un hilo argumental, afluentes que guían al espectador a través de las diferentes secuencias, en el caso de Buñuel propongo un recorrido del resto de sus películas a través del cortometraje documental LAS HURDES.

 

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-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de las imágenes a modo de BSO?

AA: Aparte de sus poemas, mi mujer me regaló un libro de Max Aub sobre Buñuel, muy recomendable. Está hecho en forma de entrevistas y contiene un dvd con todas ellas, así que teníamos testimonios de primera mano. Uno de los audios son los veinte sueños más repetidos de Buñuel, ahí estaba todo su universo freudiano, ahí estaban bastantes de sus referencias fílmicas, todo un hallazgo. Estos sueños fueron la base para tratar la última parte del montaje de las películas que era “Un perro andaluz”.

- De la filmografía de Buñuel, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto? Por lo que he leído te centraste en su obra desde Un perro andaluz hasta Viridiana.

JM: Como he comentado anteriormente me he centrado principalmente en la etapa hispano-mexicana de la filmografía de Buñuel, que es una etapa de un cine más telúrico y polvoriento que el que supone la etapa francesa, la cual es maravillosa pero ofrece otro clímax y otro examen de otra sociedad: la burguesa. El recorrido por las películas de la etapa mexicana se pegaba muy bien al universo de Lagartija Nick o al menos así lo intuí desde el principio, cuando pensé en Lagartija para poner música al montaje. Hay algo telepático en este tipo de trabajos.

 

-Me viene a la mente vuestra obra magna "Val del Omar" alrededor de la inmensa figura del creador granadino, en ese disco ponéis en práctica sus tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este caso con Buñuel, ¿habéis encontrado alguna concomitancia, ha influido aquella relectura que hicístéis allá por 1998?

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AA: Val del Omar es un creador de música concreta formidable y un inventor tanto de sonidos como de aparatos increíblemente imaginativos para llevarlos a cabo. Nada que ver con el odio que Buñuel le tenía a abusar de la música en sus películas. Sabía por sus entrevistas que era un apasionado del jazz de los años veinte, temas como “Limehouse Blues” o el “Foxtrot” eran muy de su gusto. Sobre esas dos canciones compuse la música de los poemas que cantamos.

- De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?

AA: Para la puesta en escena teníamos la limitación del formato de las películas, 4:3. No podíamos interferir con las imágenes así que nos situamos a los lados, arropándolas, algo sencillo, como una especie de banda de jazz, sentados. Creo que podría funcionar en el futuro tocar en un foso, como las orquestas.


- Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto? Por ejemplo, el año pasado Los Pilotos presentaron su opus sobre Miyazaki en la Cineteca del Matadero de Madrid...

AA: Ya es un proyecto en sí muy atractivo como para guardarlo en un cajón, nos lo pasamos muy bien componiéndolo y ensayándolo. Tenemos previsto grabarlo en el estudio en diciembre y presentarlo en un futuro por supuesto.

 

 Os dejamos, finalmente, con esta entrevista que se hizo Lagartija Nick desde Abycine, donde cuentan algunas de sus pulsiones creativas, unas horas antes de presentarlo en el Teatro Circo de Albacete.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Cine , Música

Sarmient Peppers   21.nov.2017 18:37    

Juego de espejos

    martes 7.nov.2017    por Sarmient Peppers    1 Comentarios

¿Cómo se come un videoclip de Julian Casablancas  junto a su banda The Voidz (‘Father Electricity’) íntegramente basado en las imágenes del documental "Lejos de los árboles" del cineasta Jacinto Esteva?

Pues la verdad que algo tan aparentemente distante casa muy bien, producto del talento de Jorge M. Fontana (dirección, producción y montaje) y de Martin Mur (dirección creativa, diseño y producción) que han sabido darle a la pieza una relectura que va más allá de lo estrictamente folclórico.

Hablamos de este fascinante proyecto con los artífices del mismo y os invitamos a visionar esta pieza demoledora en un crudo blanco y negro. 

 

 

-Lo primero de todo es saber cómo tú y Jorge diseñáis este proyecto audiovisual a partir de una canción de Julian Casablancas.

Jorge y yo seguimos los pasos de Casablancas desde hace algún tiempo. Más allá de su música, nos ha interesado el contenido gráfico-audiovisual que ha desplegado hasta ahora, que por su visión y su tono crítico, han sido una serie de decisiones que hemos admirado y respetado. En 2014, Jorge visita una retrospectiva de Jacinto Esteva Grewe y queda impregnado por su obra. Además coincide que por esas fechas, escucha el álbum de Tyranny día y noche en modo loop con una obsesión meticulosa. Una mañana se despierta con los retazos de un sueño que le mantienen en ascuas durante horas, en una lucha con la memoria tratando una y otra vez de volver a ese lugar confuso y descifrar lo que ha vivido durante esa noche. En ese proceso de regresión, consciente o inconsciente, ya no importa, las imágenes de ‘Lejos de los árboles’, y el sonido de The Voidz y Casablancas se funden en una misma voz, un desgarrador mensaje que parece provenir de un mismo lugar. Es sólo la imagen de un sueño, pero ya una asociación indivisible en su cabeza. Poco después, Jorge consigue el material del documental en internet y lo edita con la música, dando por fin forma a esa cantinela en su cabeza. Yo veo un mensaje suyo desde un ciber en Perú en el que adjunta un primer borrador del videoclip a una resolución nefasta, pero que es una maravilla. Una joya en bruto que parece que lleve años tratando de salir a la superficie.

 

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- Entiendo que no es un encargo sino que lo hacéis de motu propio y me gustaría que me contarás cómo llegáis al artista y cuál ha sido su reacción al ver el videoclip.

Si. Ha sido un proyecto surgido completamente de iniciativa personal. Cuando tuvimos terminada una primera versión del montaje escribimos a Cult Records con la pieza, al equipo parece que les gusta mucho y proponen que hagamos de él un Lyric Video. La propuesta la recibimos como una carta blanca y da el pistoletazo de salida para la producción. Nos embarcamos y el proceso de creación dura algunos meses antes de tener algo definitivo ya que le dedicamos el tiempo que podemos. Al terminar, sin embargo, volvemos a ponernos en contacto con Cult Records, llamamos a números de teléfono distintos, erróneos, y pasan algunas semanas hasta que por fin damos con Nasa Hadizadeh, responsable de proyectos. A ella le le encanta la pieza y es quien se encarga de mostrárselo a Casablancas. Tras el visionado de la nueva pieza por parte de Casablanca y su equipo, nos transmiten su entusiasmo e intención de publicarlo. Al mismo tiempo, Daria Esteva llega a un acuerdo junto con la Filmoteca de Barcelona y la distribuidora Cameo para publicar por primera vez la filmografía de su padre. Anunciando que ésta se realizará a lo largo del año 2017 y que la edición de “Lejos de los árboles” incluirá en exclusiva el videoclip: “Father Electricity”.

- Se trata de una pieza basada en el found footage a partir de un documental de Jacinto Esteva, ¿qué os llevo a seleccionar ese largometraje y cuál ha sido la labor de selección de imágenes de archivo?

No fue una selección premeditada. Fue un encuentro fortuito que se cruzó en nuestro camino. Acabo de ver recientemente la película “La cueva de los sueños olvidados” y fue algo así como descubrir una cueva de pinturas rupestres, legado de nuestra huella y nuestro paso, en este caso fotogramas de nuestra historia reciente durante algunos años extraviados. Volver a exponer esas imágenes a una nueva luz y acompañarlas de algún modo al presente fue como una misión que vino como una suerte de regalo. La labor de selección de imágenes vino dada por un pulso entre el ritmo, la música y las imágenes, hasta que todas las partes encontraron su lugar en su debido momento. En cuanto a éste proceso y el de todo el proyecto podríamos decir que en grandes rasgos perseguimos algo que ya era, que ya existía, hasta dar con ello y descubrirlo.
“Todo el mundo lo sabe: la libertad no existe (aunque todos tenemos la vaga esperanza de equivocarnos). Pero existen pequeñas libertades como, por ejemplo, escupir”. Jacinto Esteva Grewe

 

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-Supongo que en este caso habéis contado con la colaboración de la familia y herederos del cineasta para poder usar con libertad el metraje ¿En qué ha consistido esa colaboración con los propietarios de los derechos de la película? Creo que su hija Daría Esteva jugado un papel fundamental...


En efecto, Daria Esteva ha jugado un papel imprescindible y formó parte del proceso desde el principio. Jorge contactó con ella y ella le invitó a su productora (Unicamente Severo Films). Una vez ahí Jorge le explica su plan de realizar un videoclip basado en la película de su padre. Daria Esteva se queda unos segundos en silencio y pregunta si puede escuchar la canción. Jorge había traído 'Father Electricty' en un reproductor y le ofrece a Esteva un auricular y luego el otro, y a los 7 minutos y pico, terminada la reproducción, se los quita solemnemente y dice: “Me parece horrible... Pero precisamente por eso tengo curiosidad de ver qué es lo que tienes metido en la cabeza”. A pesar, creo, de cierta incertidumbre por su parte, e imagino que por el gesto de respeto hacia la obra de su padre, dio un voto de fe y aceptó la propuesta.
Semanas más tarde volvemos a encontrarnos con Daria Esteva para que vea la pieza re-editada y ensamblada con la música. Al terminar el visionado, en su temple particular y midiendo sus palabras justas dice: “La pesadilla se ha multiplicado”. Cómo si las imágenes tan reconocidas y cercanas para ella hubiesen cobrado, en este formato, un nuevo significado, amplificado, quizás más aterrador e inquietante. Para nosotros claramente fue un gran halago, quizás el mejor que podría habernos dado.
Esta semana entrante hay una presentación en la Filmoteca de Catalunya en la que presentan la obra de Jacinto editada en DVD, así que será un buen momento para clausurar el proyecto a modo de evento oficial.

 

 

-Entiendo que una de las dificultades ha sido seleccionar entre tanta imagen potente, cuál ha sido vuestro criterio y sobre todo qué ha sido primero la imagen o la música a la hora de armar el montaje?

 

Ha sido sobre todo un proceso visceral, instintivo. Nunca ha primado más la música o la imagen sino más bien una armonía que fluctúa entre ambos. Inmerso en un proceso de éste tipo, en la turbulencia de unas imágenes con tanta fuerza y bajo el peso de una canción como 'Father Electricity’, lo que hicimos fue tratar de respetar lo que cada uno retrata y paso a paso, fuimos hilvanando un discurso que diese el protagonismo a cada cosa en su momento preciso, tanto a la imagen como a la música, a veces conducidos por la narración de uno y a veces por la del otro. Nuestro trabajo ha sido de pura manipulación, tratando sobre todo de escuchar lo más atentamente posible el material que nos venía dado. Philip Glass dijo en una declaración que cuando compone no piensa en la estructura, ni en la armonía ni en el contrapunto, ni en nada de lo que aprendió, sino que piensa música. Algo similar sucede en el proceso de montaje, un ritmo interno guía la pauta y cuando eso no te ayuda utilizas otro juego de herramientas, quizás más objetivas, pero a fin de cuentas escuchar lo que te cuentan las imágenes o lo que te pide la música es creo lo más importante. Y así fue con el juego de espejos entre la música y la imagen, la realización de los lyrics, etc. Lo más maravilloso es que éste minucioso trabajo de diálogo y costura entre lo sonoro y lo visual a veces te brinda hallazgos y errores dónde el encuentro de ambos te revela nuevos significados, nuevos caminos no preconcebidos que pueden redefinir por completo la intención de las imágenes y en definitiva convierten éste proceso en una de las partes más sugerentes del proyecto.

 

 

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-El videoclip ha tardado prácticamente 2 años en ver de la luz y el disco de Casablancas está publicado también hace tiempo, porque tanto tiempo en estrenarse? Al igual que el documental de Jacinto que estuvo muchos años en el ostracismo parece que ha sido un parto doloroso…


Habían pasado meses del lanzamiento de Tyranny cuando parecía que el presunto videoclip oficial de Father Electricity no llegaría a formalizarse, y dada la situación, se dió el encuentro, surgió la idea y más tarde la propuesta, la proposición a Cult. Imagino que habrían tenido en mente hacer una pieza para esa canción con lo que recibieron nuestra propuesta con los brazos abiertos aunque ya hubiesen pasado algunos meses desde el lanzamiento del álbum. Ha sido sin duda un parto lento. Y también doloroso. Cuando Cult Records propuso a Jorge llevar a cabo el Lyric Video, Jorge me contactó para hacer frente a la nueva fase del proyecto y hacerme cargo de la concepción gráfica de la pieza, en búsqueda de una solución que dialogase tanto con el contexto histórico de las imágenes como hiciese referencia al universo de Voidz. A partir de allí nos zambullimos en un estudio de distintas técnicas artesanales gráficas para formalizar el universo visual de la pieza. Dedicamos días a experimentar con los caracteres y el valor expresivo concreto de cada una de las palabras de la canción. Hicimos pruebas animadas de rotoscopia, nos obsesionamos con el trazo vivo y alegre con el que Picasso delinea el elegante toro del documental de Clouzot, practicamos una caligrafía propia de un trazo analfabeto, desgarrado y psicótico. Proyectamos las letras retro-iluminadas sobre la imagen, dibujamos los caracteres con tubos dispensadores de chocolate para pasteles, arrojamos líquidos sobre papeles de arroz pintado y un largo etcétera. El estudio se llenó de papeles, pinturas, plásticos, jeringas y bisturíes, hasta que no cupieron ya más testimonios del ensayo y error. Incluso pensamos en hacer cada frase de la canción con una técnica distinta. Finalmente volvimos a nuestro cauce y dimos con una técnica que respondía tanto a las imágenes como a la música, conviviendo con ellas sin entorpecer su lectura. Fue un proceso delicado por la mera razón que intervenir sobre las imágenes tenía siempre el riesgo implícito de interrumpirlas o la posibilidad de eclipsarlas, hecho que queríamos evitar.

 

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Siendo algo reduccionistas esta narración audiovisual de “Father Electricity” podríamos entenderla a modo simbólico como el retrato del fin de una era, el fin de la era del fuego y el principio de la era tecnológica, el padre de la electricidad. Nuestra última solución gráfica, fue retratar estos últimos vestigios de fe y tradición utilizando el propio fuego, revelando las letras sobre la imagen con una llama parpadeante muy cerca de su último fin. Fue una idea que nos funcionaba muy bien tanto a nivel conceptual como a nivel estético y así lo aplicamos a todo el video, haciendo que las palabras apareciesen a la vez que ya empezaban a desaparecer. Una vez estuvo terminada la propuesta la entregamos y muy a nuestro pesar la propuesta fue declinada. El equipo finalmente redirigió la solución hacia unos subtítulos más discretos que reposasen en la parte inferior del cuadro. Tras el momento de duelo y asumir que nuestra interpretación quedaba relegada, daño colateral cuando pasa a ser un encargo, terminamos la propuesta cómo nos la habían pedido y la entregamos a Cult Records.
Luego vino además una última etapa, de ultimar detalles, con una expectación infinita y una comunicación imposible, que pospuso la entrega algunos meses más de los esperados. Parece que “Father Electricity”, como sucedió con el largo rodaje y las múltiples versiones de montaje de “Lejos de los Árboles”, no hubiese sido posible de otra forma, sin este forcejeo, sin estas desviaciones y deambulaciones a veces desesperantes, a veces reveladoras, tan propias del proceso de la gestación.

 

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Lo más fascinante del proyecto fue la primera etapa en la que nos dimos el tiempo y el espacio para experimentar con lo que nos sugirió el propio proceso de búsqueda hasta dar con la solución última y definitiva, a pesar de que ésta no haya terminado siendo elegida como definitiva. La podéis chequear si os interesa en el siguiente enlace, que a pesar de su estado primigenio transmite, creo, la esencia de la visión original.

 

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-Por cierto, Lejos de los árboles es un documental abrupto y a flor de piel que nos recuerda a obras de Val del Omar, Buñuel ...en breves palabras ¿qué significa para vosotros esta pieza que sin duda es una obra fundamental de la cinematografía española y una carga de profundidad en la línea de flotación del régimen de los años 70?


Las imágenes del documental, cómo tantas otras de pensadores y creadores coetáneos, están impregnadas de un ímpetu rebelde y un espíritu insurrecto que trata proponer una vía alternativa a lo que el lenguaje audiovisual estaba ofreciendo.

 

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Honorando la intención de Esteva y sin duda la de los visionarios cómo los que mencionas, nos honra pensarnos como acreedores o misionarios de esa voz insumisa que trata de reavivar en el imaginario colectivo una alternativa y una lectura más profunda de nuestra identidad, muchas veces oculta en favor de una apariencia más progresista y pulcra de nosotros mismos. Los ritos atávicos y las costumbres retrógradas que se muestran en el documental no son una visión de un pasado oscuro, bárbaro e ignorante sino que nos muestran hasta qué punto es oscura nuestra alma moderna. Que las personas de hoy son en realidad las personas de entonces y que tan sólo han cambiado sus hábitos y costumbres de exorcizar la culpa y el miedo. Ésta es una simple impresión de las que pueden sugerir estas imágenes. Hay un ensayo recomendable, escrito por Manuel Delgado llamado “El Arte de Danzar sobre el Abismo” donde, entre otras muchas cosas, el antropólogo renuncia de la lectura trivial de la película como una exposición de lo ancestral y antiguo de España, y apuesta por una lectura sobre la alteridad y lo alterno. Para aquel que le interese, es un texto revelador. Norberto Chaves, amigo, ensayista y docente, al ver la pieza comentó algo muy en sintonía con la anterior lectura: “Todos esos ritos - monstruosos desde nuestra ética - no son sino liturgias para exorcizar la muerte. O sea, constituyen la manifestación más profunda y trágica de la cultura. Poco a poco vamos desprendiéndonos de ellos. Poco a poco, va creciendo una pregunta alarmante: ¿qué ritos estamos poniendo en el vacío que aquéllos dejan? Pues el horror a la muerte sigue intacto, quizá lo único que ha quedado intacto desde el primer hombre.” El logro definitivo ha sido que las imágenes puedan ser vistas, comentadas, y en definitiva poder provocar e invitar a alguna que otra confrontación ideológica.

 

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-Ya para acabar me gustaría saber si tenéis algún proyecto más en cartera o cuáles son vuestros planes audiovisuales de futuro.


De momento vamos a seguir dedicándonos a la expresión audiovisual, cada uno con su propias herramientas y tratando de dinamizar nuevas ocasiones para colaborar juntos en proyectos cómo éste, y de otros tipos. Sí hay una colaboración conjunta con la banda todavía confidencial respecto al nuevo disco, pero que pronto podremos ver en las redes. Agradecemos mucho vuestro interés. Os mantendremos al día!

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    7.nov.2017 13:05    

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Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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