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Luis Cerveró: motor cultural

    martes 11.oct.2016    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Probablemente ésta es la entrevista más importante que se ha editado en ARS! (A rienda suelta) desde el nacimiento de este blog, en febrero de 2013.

Se lo debíamos y nos lo debíamos a nosotros mismos, pues hablar de videoclips en España (y también fuera de nuestras fronteras), reflexionar sobre audiovisual y sobre Cultura con mayúsculas,  pasa por abordar la figura de Luis Cerveró.

Luis siempre ha estado ahí, siempre insobornable, en el lado de los realizadores-autores sin miedo a equivocarse y con una visión más allá de toda convención.

Cerveró, con el tiempo, se ha convertido en un hombre del Renacimiento Audiovisual en el mejor sentido de la palabra, más que un mero realizador, se ha erigido en un estudioso, un gestor, un activista, un mecenas creativo, un motor cultural que pone en marcha audaces proyectos audiovisuales y también editoriales a través de su iniciativa Terranova.

Luis ha escrito-filmado algunas de las páginas más interesantes de la historia del videoclip en España, en productoras tan importantes como Nanouk, Common Films o Canada (empresa que fundó junto a los también realizadores Nicolás Méndez y Lope Serrano). A su vez ha participado en proyectos con espíritu enciclopédico como la web Venusplutón! o el libro-dvd Eclectia.

En 2015 Luis funda junto a los productores Emília Fort y Rafa Montilla el Estudio Creativo "O", una suerte de Ágora, de espacio de investigación y experimentación "donde la gente discuta sobre el significado de las imágenes y la esencia de nuestra profesión".

La filosofía de trabajo en "O" encuentra una fuente de inspiración en el teórico de la comunicación  Marshall McLuhan, de quién toman prestado como eslogan el título de uno de sus libros: "Culture Is Our Buisness".

Luis dirige y tutela diversidad de productos y formatos audiovisuales con el  objetivo de "representar y producir a personas y proyectos de personalidad totalmente singular, por encima de crear una imagen de marca. Creemos en las personas por encima de la marca".

Nos adentramos, pues, en su universo, una aventura que nos puede llevar en un viaje asombroso desde un experimento analógico en 16mm para los barceloneses Aliment, al mundo de la sofisticación para el estadounidense Pharrell Williams. Sin complejos, sin renunciar a ninguna herramienta de expresión ya sea digital o analógica.

 Siempre, en cualquier caso, en busca del misterio...

 Luis Cerveró

  

-Luis Cerveró, es sin duda, una de las referencias en nuestro país, en cuanto a la realización de videoclips, publicidad, videoarte. Después de todos estos años de trayectoria profesional. Luis... ¿cómo te gustaría definirte? ¿Cuales son tus pulsiones para seguir en esto del audiovisual, qué formato es en el que te sientes más cómodo?

Empiezas fuerte. A ver, lo de las definiciones es siempre algo muy difícil. A mí mismo me cuesta definir lo que hago, de qué vivo y a qué dedico mis horas. Pero en el momento actual de mi vida, creo que la definición trascendería mi trabajo como realizador. Dedico mucho más tiempo a mis dos empresas, una productora y una editorial, que a mi trabajo como director. Así que seguramente me definiría como algún tipo de motor cultural. Alguien interesado en que se hagan cosas y se hagan bien. Aunque no sea yo el que las haga a nivel autoral.
En cuanto a mis pulsiones creativas, pues es una pregunta incluso más difícil que la de definirse a uno mismo. Y bastante íntima. Mantener la motivación y la necesidad de crear no es algo fácil, y puede llegar a ser doloroso. Pero imagino que al final lo que te hace ser un creador es que, por mucho que racionalmente pienses que deberías dejarlo todo y montar una panadería, algo en tu interior te impulsa a seguir intentándolo aunque sea como darte cabezazos contra un muro. Rollo Minor Threat.

 

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-Después de una interesantísima etapa en CANADA junto a Lope Serrano y Nicolás Méndez, decides dar el paso y fundas la plataforma creativa "O" junto a Emilia Fort y Rafa Montilla, ¿por qué ese cambio, cuales son los los motivos que te llevan a dar ese paso?

Mi salida de CANADA no fue algo del todo voluntario, sino fruto de la constatación, bastante traumática, de que esa etapa se había terminado. La tensión entre los tres socios fundadores era insostenible. CANADA se había fundado sobre los cimientos de la amistad, y esos cimientos estaban hechos trizas. Con uno de ellos llevaba meses sin hablarme y para mi eso no era vida. Me pareció que lo más coherente era abandonar el barco y que hicieran con él lo que estaban deseando hacer, porque yo claramente me había convertido en un obstáculo para sus planes.
Una vez fuera, empecé a recibir un montón de llamadas de productoras que querían que trabajase para ellos, como un realizador más. Y me di cuenta de que era un escenario imposible. Después de haber sido tu propio productor, haber tenido un control total sobre todas las decisiones creativas y económicas, la idea de dar un paso atrás y volver a ser únicamente director me parecía de otro planeta. Viéndolo con perspectiva, tal vez estaba equivocado, pero en ese momento era evidente que lo que la cabeza me pedía era volver a empezar de cero a construir un nuevo hogar profesional. Muy pronto empecé a hablar de planes con Emilia Fort, con la que había trabajado como jefa de producción en mucho de mis proyectos en CANADA. Y a los pocos meses, Rafa se incorporó al proyecto, para nuestra sorpresa. Tardamos un año y medio en dar forma a lo que acabó siendo O. Y todavía estamos trabajando, día tras día, en acabar de perfilarlo y que la gente entienda el concepto. Es una aproximación radicalmente opuesta a la anterior. Mis dos socios son productores, Emi es muy joven y Rafa es muy veterano. Y nuestro objetivo es representar y producir a personas y proyectos de personalidad totalmente singular, por encima de crear una imagen de marca. Creemos en las personas por encima de la marca. Y no nos limitamos a realizadores audiovisuales, sino que tenemos fotógrafos, ilustradores, directores de arte y algunas personas que no sabemos ni definir. Esta heterogeneidad voluntaria es un concepto mucho más difícil de comunicar y vender a la hora de levantar proyectos y conseguir trabajo. La gente quiere que se lo pongas fácil, y cualquier propuesta que obligue a cierto esfuerzo de reflexión o interpretación tiene muchos puntos de asustar o simplemente ahuyentar a público y clientes.

 

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- "O" es más que una productora, un Estudio Creativo en el que tienen cabida expresiones audiovisuales (desde lo comercial a lo experimental), creaciones editoriales, reflexiones sobre arte e ilustración... Salvando las distancias "O" pareciera un Ágora, una suerte de Academia "Socrática" donde se discute y se experimenta con las nuevas formas en el siglo XXI. Bueno, pero mejor háblanos tú de "O" y de lo que significa para tí como creador.

Me parece precioso que compares O a un Ágora, me halaga mucho. La idea de reflexión y experimentación esta en el origen del proyecto. Para nosotros es importante no limitarse a hacer anuncios y subirlos a una web para hacer más anuncios. Queremos realmente convertir la empresa en un punto de encuentro creativo y teórico donde la gente discuta sobre el significado de las imágenes y la esencia de nuestra profesión. Toda nuestra empresa está basada en teóricos de la comunicación, en especial Marshall McLuhan, de quién tomamos prestado el título de uno de sus libros, Culture Is Our Buisness, como motto o emblema de nuestra empresa. La imagen de alguien vestido de negocios con un parche de pirata que todos nuestros representados lucen en nuestra web está directamente tomada de la portada de ese libro. Porque esa es la esencia misma de lo que hacemos: la cultura como negocio. Parece que es implanteable que puedas ganarte la vida haciendo cultura y que tengas que ser o un bohemio arrastrado que vive de las escasas ayudas públicas o un pijo vendido al capital. Y no debería ser así. La cultura comercial debería tener calidad y la cultura autoral debería tener recursos. Y en el centro de todo eso está lo teórico, la reflexión, y el debate. Que además como demostró el propio McLuhan se puede hacer de forma atractiva y desenfadada, casi Pop.

 

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- Me gustaría hablar de algunos de tus últimos videoclips, en concreto de este último año me ha fascinado "Razors"para Aliment, un trallazo de imágenes estroboscópicas directas a la retina, rodado con 11 cámaras de 16mm. En la web de "O" explicas muy bien la gestación de este proyecto. A mí particularmente me seduce mucho la idea de cómo has conseguido la idea de fragmentación a partir de un rodaje analógico, algo que le da una crudeza y fisicidad muy potentes... Hasta qué punto Luis Cerveró se considera un realizador "analógico-enciclopédico" o un "creador-digital" del siglo XXI.

Qué pregunta más extraña, Oscar. Me alegra que te haya gustado Razors, no hay mucha gente que me lo haya dicho, porque imagino que es un video sencillo y menor. Y una vez empiezas a hacer videos con más recursos la gente no se fija en los pequeños. Pero yendo a tu pregunta, y voy a intentar no ser victimista-pesismista, lo que ha pasado con mi generación y el cine es algo devastador. Me gustaría que recurrir a técnicas analógicas no fuera considerado enciclopedista o revisionista o nada que tenga que ver con lo impostado. Pero me temo que es una batalla perdida. Para mí el cine y el digital no tienen nada que ver. Nada. Y no sólo esto, sino que toda mi educación y mis primeros diez años de profesional he podido emplear unas herramientas plásticas que de repente me han sido arrebatadas. No hay nada comparable a esto. Nada. Es como si a un pianista después de diez años le dijeran que sólo puede tocar con un sintetizador o a un pintor que sólo puede usar una paleta gráfica y una pantalla. De repente me he quedado desarmado. Y tener que aceptar que lo que haces es feo por imperativos capitalistas (porque el único, el ÚNICO, motivo de la implantación del cine digital es el económico) es duro. Y lo llevo lo mejor que puedo. Pero siempre que tengo ocasión de volver al analógico, pues lo hago. Y Razors es una celebración del celuloide y la plata. De la misma manera en que Aliment reivindican las guitarras en tiempos de electrónica y samplers.

 

 

-En este video, además de las referencias a Orson Welles "The other side of the wind" y a la grabación en directo de Joe Cocker para "How it is", utilizas imágenes de archivo, siempre has sido un apasionado de la arqueología audiovisual y del found footage, ¿con qué sentido lo usas en esta pieza?

La verdad es que no me gusta haberlas usado. Era un ejercicio de intentar añadir una segunda capa de disrupción que hiciera el video todavía más agresivo. Y apelaba al concepto de la canción, que se basa en una experiencia en la que Edu, el cantante de Aliment, se cortó un ojo con una cuerda de guitarra. Con lo que esas imágenes están ahí para apoyar lo de ese corte. tanto por lo fisiológico que tiene como por generar un corte en la continuidad del video. Pero seguramente ahora no habría incluido esas imágenes. Creo que el video sería mejor sin ellas.

- Para contrastar me gustaría hacer referencia a otro de los grandes proyectos de tu carrera como profesional. Y me refiero a dirigir una pieza para una estrella del POP como Pharrell Williams. Desde CANADA ya habíais sido pioneros en dar el salto a dirigir clips para el mercado anglosajón. ¿Han sido muy diferentes las cosas en el caso de Williams, cómo se materializa una obra de estas características, se ve muy afectada la libertad del realizador?

Creo que lo que me pasó con Pharrell Williams fue una inmensa marcianada. Yo acababa de empezar con una nueva productora inglesa, Colonel Blimp, después de mi salida de CANADA. Y me dijeron que participase en el pitch de Pharrel Williams sin avisarme de que era un open pitch, es decir, que podía escribir absolutamente cualquier realizador de la galaxia. Tres días antes del deadline atropellé a mi propia perra entrando en mi casa. Fue, como podrás imaginar, una de las experiencias más extremas que he tenido en mi vida. Y estuve tres días en el veterinario, con operaciones y cuidados de rehabilitación (mi perra hoy está bien, es indestructible). El mismo día del deadline me llamó mi productora para insistirme en que presentase algo y escribí algo bastante rápido y poco elaborado. Lo envié y me olvidé completamente. Y unas dos semanas más tarde, mientras cenaba con una amiga en un restaurante, me llamaron para decirme que había sido el elegido y que en dos días volaba a Los Angeles para rodar en una semana. Todo esto creo que es una excepción como la copa de un pino. Normalmente, en casos como los de Pharrell, la estrategia comercial y promocional está cerradísima y planificada por un grupo relativamente extenso de personas que se encargan exclusivamente de planificar dicha estrategia. Que alguien como yo, completamente ajeno y lejano al círculo de Pharrell y al mainstream norteamericano se llevase el trabajo habla muy bien de cómo Pharrell y todo su entourage trabajan. Y por supuesto no digo esto porque me cogieran a mí, sino porque demuestra una total independencia y libertad a la hora de tomar decisiones creativas. Todo esto se confirmó cuando volé a Los Angeles y comencé a trabajar con él y su equipo. Era un grupo de personas muy reducido, de tal vez cuatro o cinco. Y eran increíblemente amables, sencillos y cercanos. Fue muy fácil trabajar con todos ellos y Pharrell en cuestión es un amor y una persona que se esfuerza realmente porque todo el mundo esté a gusto trabajando a su lado. Y esto, por lo que tengo entendido por otras experiencias que he escuchado de gente trabajando en el mainstream también es una excepción.
En resumen, y volviendo a tu pregunta, esta obra se materializó de manera sorprendentemente natural y rutinaria, y mi libertad no se vio afectada más que por restricciones económicas y temporales (como siempre, vaya) pero creo que todo ello constituye una enorme excepción a cómo pasan las cosas generalmente en la industria del mainstream norteamericano.

 

 

-Es un videoclip con más de 55 millones de visitas en VEVO, en el que te has inspirado en obras de Vicente Minelli, Bob Fosse, ¿hasta qué punto te ha condicionado en este video que deba aparecer la figura del artista en imagen?

Bueno, no recuerdo que se especificase en el briefing de la discográfica, pero con artistas de este tipo creo que está implícito que tienen que tener un papel central en el video. Sí, seguramente me condicionó a la hora de escribir mi propuesta, pero en realidad los condicionantes ayudan más que entorpecen. A mí me viene bien tener que atenerme a algunas reglas o limitaciones para pensar.

- Además de esta pieza, hace un par de meses has colgado en tu vimeo una pieza "casting" también para ilustrar una canción de Pharrell Williams "Come get It Bae", un juego visual sencillo pero que funciona a la perfección. Cuéntame cómo surge esta colaboración.

Bueno, en realidad eso fue un segundo videoclip oficial, pero no entiendo muy bien por qué no ha tenido tanta difusión como los anteriores. Fue algo un poco extraño. Después de la experiencia de Marilyn Monroe, el propio Pharrell me llamó para que pusiese en imágenes una idea suya. Yo fui reticente, porque en mi experiencia con músicos, cuando intentas hacer algo que ellos tienen en la cabeza estás condenado al fracaso. Nadie puede adivinar cómo imagina otra persona las cosas. Pero él insistió y mis productores me empujaron a aceptar. Fue una experiencia mucho más sencilla y satisfactoria que el primer video. Porque lo que teníamos que hacer era mucho más sencillo. La verdad es que, aunque nadie habla nunca de ese video, a mi es de los que más me gustan de los que he hecho. Me encanta la localización, el casting, el montaje, y el planteamiento de luces y cámara. Y para rematarlo todo, dos o tres días antes de rodar me dijeron que Miley se pasaría por el set para hacer algún plano improvisado y rodar con ella acabó siendo uno de los momentos más felices de mi carrera. Sentí un verdadero éxtasis rodando con Miley Cyrus.
Pero después vi que no se le daba mucho bombo al video. Nunca sabes...

 

 

- En estos últimos años descubrimos videoclips extraordinarios como los que has realizado para Liars, Justice o Ratatat... ¿es muy distinta la forma de trabajar para el mercado anglosajón comparándola con los proyectos que has realizado en España (Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro, Christina Rosenvinge...

No. Y tampoco es que económicamente haya tanta diferencia, porque la exigencia de calidad es infinitamente mayor. Al final todo se reduce a las relaciones humanas y al grado de control que tengan los músicos sobre sus videos. Justice fueron extremadamente pesados durante todo el proceso de creación del video, lo que seguramente habla bien de ellos, y es en parte el motivo de que todo lo que hacen a nivel visual sea tan bueno. Liars me dejaron hacer con total libertad sin ni siquiera acabar de entender el video hasta que lo vieron acabado. Y Ratatat pues tuvieron una actitud intermedia, ni muy laxa ni muy intervencionista. Pero la única diferencia real que veo entre los videos de aquí y los de fuera es que fuera tienes que presentarte a un pitch y ganarlo, mientras que aquí con los presupuestos que se manejan tienen la decencia al menos de no someterte a un concurso.

 

 

- Me llama la atención que tu videoclip favorito sea una pieza como "Suena Brillante" para Joe Crepúsculo, ¿por qué es así?

Hay muchos motivos. Para empezar adoro a Joel, y fue haciendo Suena Brillante donde realmente empezamos a tratarnos y descubrirnos mutuamente. Joe es un semidios a la altura de Jim Morrison o Dr. John, y la gente parece no darle ninguna importancia. No creo que haya habido alguien tan magnético en la música nacional desde Santiago Auserón. Es realmente un ser especial, que levita a otro nivel que el resto de los mortales. Pero lo que pasó con Suena Brillante, por resumirlo muchísimo, es que se coló el misterio. Después de años haciendo esto, he llegado a la conclusión de que en realidad nadie decide si algo es bueno o malo. Es decir, tú como director puedes intentar que algo salga bien, pero en realidad eso no depende de ti más que en un porcentaje increíblemente bajo. He hecho cosas convencido de que eran la ostia y luego me he dado cuenta de que eran una absoluta basura, y al revés. Suena Brillante es un caso extremo de esto. El rodaje fue un despropósito. Todo el mundo llegó tarde, Joe estaba tan borracho que ni se tenía en pie, la figuración estaba desbocada, era como una fiesta en la que dejaban entrar cámaras pero el equipo realmente no podíamos ni hablar del ruido que había en la sala. Todo duró como tres horas, un tiempo ridículo para un rodaje, y cuando terminó yo estaba convencido de que lo que habíamos hecho era un montón de basura radioactiva. Pensé que había tirado el dinero y que eso sería inmontable. Y cuando luego vi el material y empecé a probar cosas me pareció que todo tenía una coherencia y una verdad fuera de lo común. Suena Brillante no se parece a nada que haya visto antes o después en videoclips. Se parece a TV Party, el programa de Glenn O'Brien que tomé como inspiración, lo cual también me parece un gran triunfo, porque no es fácil clavar una referencia como esa. Y por último tiene varios niveles de lectura que para alguien iniciado en alta alquimia hace que sea un video muy entretenido y gracioso de ver.

 

 

- En este orden de cosas, además de tu faceta de realizador siempre te has mostrado interesado no solo por la dirección, también por la investigación: Venusplutón, el recopilatorio "Eclectia, un panorama del videoclip nacional contemporáneo" en el que colaboramos junto a María del Puy Alvarado y Jordi Duró. Se han cumplido ya diez años de "Eclectia", ¿crees que se ha transformado mucho el mercado del videoclip en España? La sensación es que más que una industria nos encontramos creadores-francotiradores... ¿Cual es tu diagnóstico? ¿Qué jóvenes talentos crees que están renovando el formato en nuestro país?

El mercado del videoclip en España siempre ha sido inexistente. Creo que Eclectia ya lo demostraba entonces. Y todo ha ido a peor. La verdad es que no hay nadie inventando nada. Hay buenos realizadores, claro. Pero nadie que a mi me llame especialmente la atención en cuanto a su aproximación al formato. No quiero ser muy agresivo, pero toda esta ola de videos de mierda hechos con el teléfono como una especie de postura ante el establishment me parecen una aberración. El establishment está encantado de que los cantantes de trap se gasten 50 euros en un videoclip. Es como el truco perfecto del capitalismo: hemos conseguido que los chavales hagan bandera de su miseria. Es todo muy, muy retorcido.

 

Portada eclectia

                                Cartel Proyecto Eclectia comisariado por Luis Cerveró (2006)

- Ya para acabar, me gustaría que me dieras unas pinceladas sobre "Terranova" tu editorial en la que das rienda suelta a otra de tus facetas.

Bueno, una pincelada, no sé... llevo casi tres años trabajando en ello, no sé si puedo definirlo de una pasada... Pero bueno, siendo lo más breve posible Terranova es una editorial de libros de arte que intenta visualizar toda una serie de talento latente y oculto en este país. Trabajamos cada libro de manera completamente autónoma e individual, intentando darle el formato adecuado a la idea que cada artista tiene en la cabeza. Y la verdad es que estoy sufriendo de lo lindo para implantar Terranova porque seguramente en ningún momento de la Historia desde Gutenberg la sociedad había vivido tan de espaldas al papel impreso. Es desolador. Pero ahí estamos, recibiendo ostias día tras día pero con nuestra mejor sonrisa.

 

Terranova

                      Proyecto de la editorial Terranova para la artista Blanca Miró Skoudy

 

- Y por último, si es confesable, ¿algún proyecto más allá del videoclip o la publicidad? En el pasado has coqueteado con la ficción experimental (Taxidermia, otro proyecto con Arnau Sala, por ejemplo), ¿alguna peli en cartera? ¿Qué hay de cierto en un proyecto junto al productor Enrique López Lavigne?

Uyvá, ¿de dónde habrás sacado lo de Enrique? Pues yo encantado de un proyecto con él, pero jamás hemos hablado de ello. Igual te confundes porque ambos hemos colaborado como productores en el cortometraje Nuestra Amiga La Luna, de César Velasco Broca.
A ver, siendo totalmente sincero, mi prioridad 100% ahora mismo es desarrollar no uno, sino varios proyectos de largometraje, para que vayan avanzando como las carreras de caballos esas mecánicas de las ferias ambulantes. Y el primero que llegue, pues me pongo con él. Pero ahora mismo estoy construyendo esos caballos, y digamos que aun ni he fundido el hierro. Es prioritario y espero que inminente, pero esto me recuerda a la última entrevista que le leí a Zulueta donde decía lo mismo, así que me está dando mal rollo.

Solo deseamos que alguno de esos caballos llegue a buen puerto y que Luis Cerveró siga sorprendiéndose y sorprendiéndonos!

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 Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   11.oct.2016 01:22    

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Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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