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Horacio Alcalá: historia e imagen

Horacio Alcalá es un realizador de gran sensibilidad que impregna a sus obras de una personalidad propia, tanto a las de formato grande como a las piezas más recoletas. 

Desde la plataforma Camara Boreal , Horacio ha abordado ambiciosos proyectos documentales pero también desarrolla videos institucionales, obras de ficción, series o pequeñas joyas en forma de video musical. Por esa razón le invitamos a A rienda suelta,  para que nos hable de sus pulsiones y de su especial relación con el formato videoclip

 

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- Te traemos a este blog por tu videoclip para Algora "Dioses y hombres". Un vídeo aparentemente sencillo pero complejo a la vez. ¿Cómo llegaste hasta Algora?

Victor y yo pertenemos el mismo grupo de amigos y solíamos salir de fiesta. Ya hace años que queríamos hacer algo juntos y cuando Victor me habló de Dioses y Hombres me pareció que era el tema perfecto, lo visualicé  como lo que aparece, una mezcla de luz y sombra, el día y la noche, la alegría y la depresión, al final todos estos elementos pertenecen el uno al otro.

 

 

- Es una pieza que mezcla la música con un punto de vista muy experimental, ¿cual fue el proceso creativo para llegar a esa puesta en escena tan coral?

Las ideas principales venían de Victor, quería los retratos y las flores, pensé en integrarlos en sus cuerpos, que las flores fuesen parte de los personajes a los que pronto llamamos “amantes”.  Fue un proceso fácil porque Victor es un artista que aporta mucho.

Nos reunimos varias veces y vimos que queríamos integrar la depresión, la oscuridad y creímos que la depresión la podían representar con los recuerdos de las noches de sexo acompañadas de la culpa o del sentimiento de vacío, así nació la idea de las imágenes de los chicos agobiantes encima de Victor que a la vez crean una danza.

Las flores representan por supuesto la belleza, lo que nos atrae, la naturaleza del sexo, algo con lo que jugamos constantemente, pero que no es ni bueno ni malo, sino cómo lo usamos. Las usamos para acariciar y atraer pero también para hacer daño.

 

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- Hay algunos hallazgos expresivos muy interesantes en la obra como son el uso del plano cenital, o las flores como elemento destructivo, todo en crescendo acompasado con la música...¿cómo trabajaste con estos elementos?¿usaste un dron para la parte final del videoclip?

El videoclip se ha rodado enteramente en un estudio para facilitarnos el control de la luz. Para los planos cenitales usamos una grúa con “cabeza caliente”.  El plano final que se aleja y vemos un mar de gente que emula un concierto en realidad es una animación muy detallada creada por el artista Jon Sbeltza, se realizó durante varios meses porque los personajes en realidad están multiplicados.

Este plano para mí y para el animador representa la soledad, por eso vemos a Victor tratando de escapar de un tumulto, todos sin rostro, distraídos quizás por la música, quizá por su naturaleza de colectivo.

Las flores la belleza, la pasión o el sexo, están siempre presentes ya sea para adornar, para acariciar o para hacer daño, son como un elemento neutro y nuestros personajes deciden usarlas para bien y para mal, tal y como nosotros usamos nuestras intenciones con los demás.

 

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- Horacio, también quería hablar algo de acerca de tu carrera profesional. Te formas en Francia y Alemania y trabajas durante ocho años en el Circo del Sol. De hecho en 2013 realizas un documental, "Grazing the sky", en el que muestras las vidas de varios acróbatas de diferentes compañias. ¿Por qué este documental, cual fue tu pretensión?

 

Compaginé mis estudios de cine con mi trabajo en el circo, cuando terminé mis estudios y decidí quedarme a vivir definitivamente en Madrid, quería mostrar la vida de los acróbatas que había conocido, no solo la vida de acróbatas en cierta compañía, sino en general.

 

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Los acróbatas no son gente famosa  y no conocemos sus nombres, si les vemos en la calle no podríamos reconocerles. Yo quería mostrar las dificultades por las que tienen que pasar, los diferentes caminos que se pueden tomar y sobre todo mostrar sus motivaciones personales. Tardé varios años en encontrar a los acróbatas y otros varios en producir la película.  El tema me fue muy fácil porque era un ambiente que conocía muy bien, me abrieron las puertas porque sentían que yo pertenecía a ese mundo.

La verdad es que cuando empecé no tenía ninguna pretensión clara, solo quería seguirles y ver qué salía de todo esto. Cuando llegó el momento del montaje simplemente dejé que las historias fluyesen.

 

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- Además, el formato documental está presente en otras obras como "Manual de uso para una nave espacial" , "Balkan", o "Tonspuren" ...Algunos de estos proyectos los has realizado desde la productora Camara Boreal, en la que también dais un espacio prioritario a la cooperación internacional. Cuéntanos qué objetivos os planteais y cual es vuestra línea editorial desde esta productora.

En la productora tenemos una línea editorial muy clara, hacemos lo que nos gusta, hacemos proyectos no por su temática o territorio sino por que simplemente el tema nos gusta. Actualmente trabajamos con instituciones como  la Comisión Europea, el Consejo de Europa y programas como TESIM, e INTERREG. Pero también estamos escribiendo ficción y desarrollando series. Nunca nos hemos planteado especializarnos en nada porque lo que nos mueve son las historias y la imagen, por eso no movemos en varias direcciones.

 

 

- Ya para acabar, quería pedirte una reflexión sobre el formato videoclip. Aunque no has sido muy prolífico en él, ¿cómo lo integras y lo asimilas con el resto de tu obra audiovisual? Creo que además del de Algora, realizaste una pieza para los neoyorquinos Hercules & Love Affair. En este caso, ¿cual fue el punto de partida?

 

Cuando Andy Buttler me mostró Painted Eyes en Madrid pensé que era el momento de proponerle un videoclip. Lo rodamos en solo un día porque tenían que ir a Viena y quedaba poco tiempo, se nos ocurrió hacer algo simple, una modelo y maquillaje para todos, llegado al estudio y no teníamos nada claro, así que simplemente planos que se nos iban ocurriendo. Ha sido un proceso divertido porque lo construimos todo durante el rodaje lo que nos liberó de guión o storyboard, esto ha sido para mi lo más interesante, dejar que las cosas fluyan.

Me tomo el formato videoclip como un juego, ya que es un formato totalmente abierto para las ideas, digamos que para mi es un espacio abierto sin fórmulas, también podría llamarlo experimental. Lo he hecho muy poco pero tengo claro que quiero expandir mi carrera con este formato sobre todo porque las dos experiencias que he tenido tanto con Andy como con Víctor han sido muy satisfactorias. 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   23.ago.2018 00:06    

Caostica y van 16!

Vamos con una reseña refrescante, que falta nos hace, para arrancar este verano de 2018. Y nada mejor que repasar el Palmarés de la 16ª Edición del Festival Internacional de Cortos y Videoclips Caostica. Un certamen gamberro y bizarro realizado con pasión y al que le tenemos un especial cariño.

 

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Zuzanna Plisz (Directora) y Wojtek Strzemiński (Productor) recogen el premio al mejor videoclip Caostica 2018

 

El premio al mejor videoclip ha recaído en la realizadora polaca Zuzanna Plisz, que gana por segundo año consecutivo el certamen, en esta ocasión con Troskliwy para el grupo Drekoty, una brillante pieza de extremada sensibilidad que ha reconocido el Jurado compuesto por Raquel Meyers, Gorka Aguirre y Ernesto de Nova.





Desde Caostica también han dedicado una mención especial a Xatiro (Unai Unda) por el videoclip "Hoy no me apetece salir" interpretado y dirigido por él mismo. Como nos comenta Iñigo Portillo desde la organización del Festival:  "Un canto de amor al cine con un montón de referencias que nos han llegado al corazoncito". 

 

 




Y dentro de los Premios Bizarros una mención especial a Ainhoa por Fade de Chloe Bird, sin duda uno de los videoclips más importantes de cuantos se han realizado en España en los últimos años

 

 



Como siempre, desde Caostica siempre presta atención a las actividades paralelas que rodean el Festival. Este año se ha realizado un encuentro especial en torno al videoclip moderado por Borja Crespo en la Universidad del País Vasco con dos participantes de lujo, Beatriz Sánchez y Jesús Hernández (Nysu), que participaban en el festival con clips de Athom Rumba y Guadalupe Plata respectivamente:


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Encuentro con Beatriz Sánchez, Jesús Hernández y Borja Crespo (de izda a dcha)

 

 

 

 


Un año más animamos a los organizadores de Caostica. No es fácil armar un evento de estas características en Bilbao, pero sin duda el resultado merece la pena. Confiamos en que instituciones y patrocinadores sean sensibles y ayuden a dar continuidad a este Festival que mima tanto el videoclip.

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   26.jun.2018 19:59    

Álvaro León: tejiendo el alma

Alvaro León es un artista audiovisual de espíritu renacentista amante del collage, de la ilustración,  del videoclip... y de todo tipo de formatos que contribuyan a expresar las ideas y las emociones humanas de la mejor manera posible.

A Alvaro le admiramos y le tenemos un cariño especial pues fue objeto de nuestro primer post en "A rienda suelta" en febrero de 2013. Por entonces, hablamos de su videoclip para Gastelo, una preciosa pieza de orfebrería basado en sombras chinescas.

Cinco años después su talento sigue evolucionando entre lo analógico y lo digital, en proyectos artesanales en algunos casos en directa colaboración con su pareja Adriana.

El videoclip sigue siendo fuente de inspiración para Álvaro. En este post reflexiona sobre su obra, nos habla del subgénero del lyric video, y de sus extraordinarias contribuciones a varios proyectos de Nysu.

 

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Alvaro, este blog tiene un vínculo muy especial contigo, hace más de 5 años publicabamos nuestro primer artículo dedicado a tu videoclip para Gastelo...¿Cómo ha evolucionado tu visión artística desde entonces?

He vuelto a leer aquel artículo (parece que fue hace mas tiempo) y sigo trabajando y pensando bastante igual.

Yo creo que el cambio más sustancial que me ha sucedido desde entonces es el hecho de que ahora (desde hace 4 años) soy padre y eso entre otras cosas me ha cambiado mi valoración del tiempo. Como padre aprendes a optimizar el tiempo y a priorizar proyectos. Con lo cual ahora  intento ser más selectivo. Intento buscar un mejor equilibrio entre proyectos que nos dan de comer y proyectos que nos nutran como familia-equipo.

Con lo cual he trazado una línea mas clara (yo conmigo) entre proyectos internos, que son aquellos proyectos que surgen de una necesidad interna: “Alma” y por otra parte están los proyectos externos que surgen de una necesidad externa llamada cliente.

 
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- Me da la impresión que en lo esencial no ha variado tu filosofía de trabajo, es decir aunar lo artesanal y lo digital. Algo que ya explorabas desde tu época en el Laboratorio Keloide…

Si sigo explorando las posibilidades y ventajas de ese maridaje técnico-estético.

- Siempre has diversificado mucho tu obra, convirtiendo tu actividad en un auténtico taller de artes y oficios, incluso en esta ocasión implicas a tu mujer e hija en el proyecto... Como ha sido esa colaboración?

La colaboración entre Adriana y yo viene como mínimo desde 1999 cuando en Caracas fundé el ahora extinto Keloide Laboratorio Audiovisual (¡larga vida a Keloide!). Es una colaboración bi-direccional porque yo también colaboro con ella en muchas de las intervenciones de yarnbombing que ha hecho como Teje la Araña en las que le ayudo a veces diseñando parte de la instalación o tejiendo y luego montando la instalación para luego documentarla en foto y vídeo.

Nos pasamos la mayor parte del día juntos ya que criamos y trabajamos en un mismo espacio donde lo guay es que nuestros intereses terminan fundiéndose o “entretejejiendose”. Así que siempre estamos “conspirando” para crear un libro ilustrado, un largometraje de animación, un yarnbombing, un poema audiovisual o una colección de juguetes infantiles. Supongo que a medida que nuestra hija crezca irá mezclándose mas en esta amalgama mutante que formamos.  




-Para este lyric video os habéis inspirado en la vida y obra de Violeta Parra. ¿Cual ha sido el enfoque creativo?

Conectamos directamente con la faceta de artista textil de Violeta Parra, que además de cantautora hacia bordados sobre arpillera. De hecho fue la primera latinoamericana en exponer en el Museo del Louvre.

Además la versión de Marilia de Volver a los 17 es una colaboración a dos voces, mujer (Marilia) y hombre (Nacho Vegas) lo cual también nos resultó una similitud. Vamos que cuando te apetece un proyecto comienzas a verle similitudes y ángulos interesantes por todas partes.

Sentimos que esta era otra buena oportunidad para combinar nuestras actividades; tejidos y audiovisual.

Vemos los tejidos muy vinculados a las labores de cuidados y de allí lo asociamos al cariño y al amor que viene a ser el tema central de la canción escrita por Violeta Parra.  

 
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- No es el primer lyric video que dirijes, ya hiciste uno para Joaquín Sabina, ¿Cuéntanos a grandes rasgos cómo surgió este proyecto?¿Hasta qué punto a tu juicio el lyric video es un subgénero en sí mismo?

El lyric video “Las Churumbelas” de Joaquín Sabina surgió como una invitación por parte de Sony para hacer una interpretación de la canción en clave collage. Algunos dentro de Sony me siguen en la cuenta de instagram donde voy publicando los collages que hago, y fue a raíz de uno de estos collages lo que nos animó a hacer el lyric video. Además la canción de Joaquín Sabina  habla del Barrio de Lavapiés en Madrid en el cual viví durante 10 años por lo que me lo conocía bastante bien y pude hacer mis propias fotografías para luego ensamblar los collages.

Si, creo que el lyric video es un subgénero en sí. El lyric video es perfecto para aquellos que nos gusta experimentar las relaciones entre la tipografía y la imagen, son muy de diseño gráfico, aunque curiosamente, (y quizás por que siempre intento darle una vuelta a cada proyecto), estos dos lyric videos que he dirigido he optado por la caligrafía o lettering escrito a mano y no he utilizado tipografías “estándares”. De hecho en el caso particular de Volver a los 17 la caligrafía que se ve, es puño y letra de Marilia, lo cual creo que le aporta un toque muy personal y la hace a ella muy presente en el vídeo.

 



- Además del video musical, sigues tocando muchos palos del audiovisual como el mapping, la imagen corporativa. Recientemente has realizado trabajos para TEDxMadrid, o un videomapping para El dia del libro que se proyectó en la Puerta del Sol. ¿Con qué formato te sientes más cómodo?

 

 

Creo que donde estoy más cómodo es alternando formatos, siento que así se van nutriendo transversalmente  los proyectos unos a otros. Es así como termino desarrollando un videomapping con collages o una identidad corporativa con sombras chinescas y recortes de papel, o una videoinstalación con tejidos. 


 

- Me gustaría mencionar además la serie de collages que llevas desarrollando desde hace tiempo donde expresas muchas ideas y sentimientos, ¿cuál es tu técnica y qué pretendes con esta exploración audiovisual?

El collage para mi, más que una técnica, es una filosofía de trabajo. Es una manera y una actitud para entender muchas cosas. A no tomarme las cosas  tan en serio (cuando se puede) y verlas con nuevos ojos. Las separas en piezas como si fueran recortes de una revista y las reensamblas con nuevos significados.

Los collages que voy publicando en Instagram (@alvaroleon.collage) son hechos a mano partiendo de material impreso, revistas y libros viejos ( y no tan viejos). Los combino con otros materiales y pinturas.  El collage es una manera de conectar y sorprenderme con el misterio de la creación. Es un pequeño regalo que me hago sin un objetivo y más bien me dejo guiar por el divagar.

 

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- Para acabar quiero mencionar tu brillante colaboración con NYSU para los visuales de Archive y también creo recordar un videoclip para Philip Selway dónde hiciste un caleidoscopio gigante

Las colaboraciones con NYSU han sido muy ricas sobre todo creativamente. Nos juntábamos para desayunar o para un café y hacíamos un brainstorming muy bestia, sin filtro, viendo cosas que nos gustan a cada uno porque sí, ideas que siempre hemos querido probar, o referencias y frikeadas en general. Poníamos un montón de ideas técnicas, estéticas y/o narrativas sobre la mesa que luego íbamos combinando estableciendo relaciones entre ellas y también con las canciones. En el proceso muchas  de esas ideas se caían (o archivaban). Entonces ya con esos mapas conceptuales nos repartíamos temas y cada uno se encargaba de seguir desarrollando temas en concreto para luego dirigirlo con el apoyo del otro.


Con NYSU he tenido la oportunidad de colaborar en varios proyectos. De los más interesantes ha sido la creación de las video-proyecciones para los conciertos de la gira “el poder de la tijera” de Love of Lesbian,  para los que conceptualizamos una serie de piezas audiovisuales específicas para la configuración de 4 pantallas cuadradas que tendrían durante la gira.

 

 

Los vídeos, que estaban en sincro con cada tema fueron pensados también en relación al espectáculo por lo que eran una combinación de escenografía, videoclip, y lyric video dependiendo del tema y momento del concierto. Nos dimos mucha libertad creativa y aprovechamos para poner a prueba varias ideas, entre ellas diseñé el caleidoscopio gigante con el que hicimos el clip para la canción “Fantástico”  y que luego Jesús volvió a utilizar de manera fantástica (;P)  para el videoclip de Philip Selway.

 

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El otro proyecto en el que colaboramos  fue para los videoclips y proyecciones para Archive. A este proyecto le tengo mucho cariño ya que salió redondito para mi gusto.

Nysu me invitó a codirigir con él una serie de vídeos que la banda Archive le había encargado. Estos debían, por un lado, servir de videoclips y por otro, plantear cómo sería el diseño escenográfico de su gira Restriction. Ya había tenido oportunidad de trabajar con “Nysu”, codirigiendo los visuales de la gira El poder de la tijera de Love of Lesbian , con los que habíamos quedado muy satisfechos. En esta ocasión, también trabajamos codo con codo, ideando cada vídeo entre los dos. En concreto destacaría tres videoclips: Black and Blue, End of our days y Feel it, en los que pude desarrollar alguna de mis ideas.

El reto creativo era que todo debía suceder en el mismo espacio, como si estuviesen tocando en directo. En los videoclips tenían que aparecer los músicos y unas pantallas traseras en las que se iban proyectando distintos visuales.  Jesús y yo teníamos muy claro que había que diferenciar bien los contenidos de cada proyección y por tanto de cada canción. Al tratarse del mismo espacio y del mismo acting de la banda, que tocaba en playback, las variables con las que podíamos jugar eran las proyecciones y la manera de realizar el vídeo. Es decir, las cámaras debían tener un lenguaje diferenciador de uno a otro videoclip. Además tenían que ser puestas en escena asumibles puesto que tan solo contábamos con dos días para rodar con el grupo.

 

 

El proceso creativo fue muy productivo y nutritivo, Jesús y yo hicimos un brainstorming proponiendo los temas e imágenes que nos gustaban, algunas de nuestras obsesiones… Después fuimos repartiendo esas ideas y conceptos a cada tema, viendo cuál nos encajaba mejor con el planteamiento visual que proponíamos por ritmo y temática de la propia canción. Luego, nos repartimos las canciones para plantear en ellas la propuesta visual que habíamos pergeñado entre los dos. Grabar todas las videoproyecciones fue un trabajo intenso de rodaje de unos dos meses de duración.

En este epílogo os enlazamos a los videoclips del proyecto para Archive, en los que Álvaro León da rienda suelta a su creatividad. Podéis profundizar en cada vídeo musical si os adentráis en cada uno de los links.

End of our days 
Un videoclip en el que experimenté con líquidos para crear macro o micro cosmos, según se miren.

Black and blue   

Aquí, los habitantes del bosque cobran vida y salen de las pantallas.

Feel it.  Un videoclip para Archive, en el que me dejo la piel, o al menos me la coso.


Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   12.jun.2018 18:34    

Granajoven y la sensibilidad de Mariquilla Cuevas

Un año más y ya va un lustro hemos conocido el palmarés de Granajoven en un clip, un certamen promovido desde el Ayuntamiento de Granada  al que seguimos la pista desde el principio y que trata de dignificar el formato videoclip.

En esta edición se han presentado 130 trabajos con una participación muy destacada de videos musicales procedentes de Granada.

 

V Concurso GRANAJOVEN EN UN CLIP

 

Destacamos este año "Cumbia Caníbal" de Eskorzo el videoclip ganador dirigido por la jienense María Cuevas (Aka Mariquilla Cuevas).

Una pieza brillante de factura impecable que combina a la perfección el tono documental y el universo del inconsciente.

Hablamos con Mariquilla Cuevas, realizadora de este apasionante proyecto y aprovechamos para reflexionar con ella sobre el universo audiovisual.

- ¿Cual es tu relación con el formato videoclip, este es tu primer trabajo?

Mi relación con el formato videoclip va unida desde un principio a mi relación con la música, siempre me ha acompañado. Y desde mis comienzos en el audiovisual he tenido claro que quería poner imágenes a la música. Me hace feliz poder plasmar con imágenes lo que una canción me hace sentir e imaginar.

“Cumbia caníbal” no ha sido mi primer trabajo del formato videoclip, lo fue mucho antes “Rojo Intenso” de Los 300, éste me abrió el camino para dirigir “Cumbia Caníbal” y muchos otros.

 

 

- Según tus propias palabras, tu mirada parte de la casualidad que lleva a la belleza de la vida: “Sabiendo esperar, la cámara nos hará ver a través de la intuición y la espontaneidad, ..." Cómo trasladas esta filosofía audovisual a tu obra, y en concreto a este video musical?

La forma en que traslado ésa filosofía a mis obras audiovisuales, no es otra que crear un guión abierto, en este guión creo la estética que el tema musical me hace imaginar, creo la historia y el hilo conductor. Y una vez en rodaje, siguiendo más o menos lo establecido voy captando lo que va surgiendo de forma fresca e inesperada.

En concreto con “Cumbia Caníbal” ocurrió así, fuimos al Boomtown, no sabíamos lo que nos íbamos a encontrar con relación a localizaciones, pero lo que si tenía claro era los tipos de planos que quería realizar y la estética que posteriormente el vídeo tendría.

- Se trata de un videoclip que combina lo inconsciente con lo documental, ¿qué planteamiento creativo has llevado adelante, pactaste cuestiones estéticas previamente con la banda o has trabajado con total independencia?

El planteamiento creativo de este tema lo tenía bastante claro desde el principio, no habría playback como tal. En este trabajo he trabajado con total independencia en cuanto a estética se refiere, quería recrear un sueño conjunto pero a la vez independiente, haciendo uso del subconsciente y dándole a cada uno de los componentes de la banda su importancia y su momento. Creando un patrón temporal en forma de bucle, en el que el espectador se sintiera confundido entre la realidad y el sueño.

Lo pactado con el grupo fue el lugar de rodaje, en ningún momento sabían la estética que tendría el videoclip ni el tipo de montaje que se iba a establecer.

 

 La imagen puede contener: 2 personas, personas sonriendo, noche

Fotografía: Javier Martín Ruiz

Mariquilla recoge el galardón de manos del Concejal de Juventud Eduardo Castillo

- Fascina la forma en la que captas el ambiente del Festival Boomtown Fair en Inglaterra, ¿Cómo planificaste esa parte de rodaje y qué tipo de equipo técnico has usado?

El rodaje lo planifiqué de forma que cada uno de los componentes de la banda se desarrollara en una parte concreta del festival, simulando siete sueños diferentes. Tomando los mismos planos como referencia, para luego tener una unión estética en montaje.

El equipo técnico usado fue una cámara Nikon D750 usando diferentes ópticas para cada plano (14-24mm f2.8, 50mm f1.4, 70-200mm f2.8, 24-105mm ART Sigma) y un monopié Manfrotto.

- También todo un hallazgo estético la parte en la que trabajas con luces fluorescentes... ¿con qué intención, fue complejo a nivel técnico?

Esta parte del videoclip surgió a raíz de la sesión que realizamos para hacer las fotos de promoción del nuevo disco de Eskorzo. Se nos ocurrió hacer un “boody paint” con Miriam Martínez y en el desarrollo de ésta sesión también se nos ocurrió grabarlo para en montaje crear una línea de unión entre los sueños creados independientemente en el festival.

A nivel de complejidad, puedo decir que fue un nivel medio. Fue una experiencia muy divertida y de aprendizaje.

- Ya para acabar, ¿porque "Mariquilla"?, ¿qué proyectos confesables tienes ahora entre manos?

Mariquilla” lo he adoptado como nombre artístico, y cada vez me siento más identificada con él. Pero su origen viene de mi pueblo, Rus, allí de pequeña mi Tita Inés me decía “Mariquilla Terremoto”, supongo que era por ser un poco traviesa, sin más.

Actualmente sigo desarrollándome como artista en Granada. Realizando servicios de Imagen Digital a varios grupos musicales y empresas del panorama granadino y alrededores.

También estoy trabajando, junto a un gran equipo de producción, para la realización de mi próximo largometraje como Directora de Fotografía “LA ISLA DE FA” y de forma más individual, desarrollando a largo plazo un proyecto fotográfico de foto periodismo sobre la complicidad y semejanzas de las gentes en diferentes partes del mundo, entre ellas África, Asia y Latinoamérica.

 

 

El palmarés de Granajoven en un clip 2018 se completa con el ganador de la categoría de videoclip "granadino", que ha recaido en Calavera’  canción de Carmencita Calavera que ha contado con la realización de Carmen Caballero. El premio en el apartado universitario se lo adjudicó ‘Necrorofila’ de Rubén Carrillo y Tss-Tss.

 

 

Lo dicho, siempre un placer hacer crónica que festivales como Granajoven que cuidan este formato del video musical, a veces tan olvidado.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   29.may.2018 21:50    

Belako-Lander: videoclip, comida y violencia

Belako es sin duda una de las sensaciones del rock de aquí de los últimos años. Hace unos meses el cuarteto de Munguía (Vizcaya) estrenaba su tercer larga duración "Render me numb, trivial violence" que ha venido acompañado de un excepcional videoclip realizado por Lander Ibarretxe, con el título homónimo de "Render me numb".

Revisitamos esta pieza, sin duda una de las sorpresas audiovisuales de esta temporada.

 

 
- Lo primero que nos sorprende es esa estética trash, muy proxima al videoarte. ¿Cuál ha sido tu proceso creativo desde que escuchaste la canción?
 
Bueno los Belako me pasaron la canción que tiene un tono y un sonido especial, diferente al resto de sus canciones. Es una canción muy de directo que tiene mucho rever parece que el sonido rebota y esta todo el rato sonando como si estuviera en una caja que en este caso es el espacio que se recrea en el videoclip. Por otra parte, la letra habla de la inmunidad ante las imágenes violentas que se consumen  diariamente en los medios de comunicación, en la tele sobretodo. Ellos me dijeron que querían hacer algo con proyecciones, yo les dije que lo tenia muy visto y tal pero que le podíamos dar una vuelta de rosca ya que pegaba muchísimo con el concepto de la canción el tema de las proyecciones. Dandole vueltas, me vino a la cabeza como se consumían estas imágenes diariamente mientras personas y familias comían todos los días viendo este tipo de imágenes las cuales no les creaban repulsión o ganas de vomitar. También me gustaba lo violento que es el acto de comer, morder, digerir y cortar la comida.... Después mezcle estos conceptos con las proyecciones y se me ocurrió  crear este comedor con las paredes retroproyectadas. En este espacio las imágenes van apareciendo mientras el protagonista come sin crearle ningún tipo de efecto aparente hasta que, poco a poco, todo se va revolucionando, come con mas ansiedad y finalmente estas imágenes penetran en la sala abduciendo y deformando al protagonista. De esta manera llegue un poco al concepto y a la estructura narrativa del videoclip.

Respecto a la estética trash, VHS y videoarte no fue elegido por moda. Esto se decidió por que por una parte hacia referencia a la época en la que empezó un poco a haber este tipo de de contenidos e imágenes publicitarias chupa cerebros. Por otra parte, he elegido el rollo vhs, no solamente porque es algo que visualmente me gustaba pero también porque daba esa sensación de descomposición. Las cintas vhs se van deteriorando con el tiempo, a través del uso, y es un poco lo que pasa en el videoclip.


 
 
- Nos recuerda la escena a películas como La gran comilona de Marco Ferreri. ¿Has tenido algún referente concreto, alguna fuente de inspiración?
 
Recuerdo perfectamente esa película que estas mencionando y no la tuve presente en mis referentes pero creo que si que me influyo subconscientemente. Por otra parte tuve otras referencias de cine y arte como Funny games de Michael Haneke.  Siempre recuerdo una escena, lo siento por hacer spoiler, en la que matan al niño con una escopeta  y en vez de mostrar la violencia se muestra a uno de los asaltantes rebuscando en la nevera. Aquí Haneke crea una relación entre la comida y la violencia y de esta forma banaliza esta violencia. También ha sido un gran referente el artista Daniel Spoerri que a través de sus instalaciones también trataba un poco esta relación entre el acto de comer y la violencia. Y bueno, otros cuantos que me habrán influenciado inconscientemente.
 
- Cómo llegas a Belako, ¿Os conociais previamente? El clip ha sido un encargo o ha sido iniciativa propia?
 
Bueno a Belako los conozco ya de hace años, he participado en otros videos con ellos. Les he hecho fotos de grupo y de directo, nos llevamos muy bien. Son gente muy familiar y hacen música muy guay, como hay confianza y afinidad entre nosotros me propusieron hacer el videoclip de este primer adelanto de su ultimo disco.   

 
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- El ritmo narrativo de "Render me Numb" va in crescendo... da la impresión de que el rodaje ha tenido que ser cronológico y que el/la script se lo ha tenido que currar, con ese totum revolutum final. ¿Cómo ha sido lo de trabajar con tanta comida en escena?
 
Fue un rodaje muy sensorial y experimental, el montaje ha tenido mucho peso en este trabajo. no hubo ningún tipo de script aunque había mucha comida seguro que hay muchos fallos de raccord pero no afectan a la pieza. Lo rodamos en tres días. En el primero montamos toda la estructura y probamos todos los proyectores y, en los siguientes dos, nos pusimos a rodar. Lo hicimos cronológicamente respetando un mínimo los tres actos que tiene el videoclip: la habitación vacía, la comilona y el totum revolutum final en el que entran las proyecciones en la sala. Pensé en diferentes maneras de rodarlo e íbamos probando zooms multicamaras, proyectar y grabar con la misma cámara travellings con zooms bueno un poco todo lo que se ve en el vídeo. Como solo era un escenario pues tuve que pensar muchas maneras de filmar lo mismo.

-  Por otro lado, están las proyecciones, que juegan un papel muy importante. ¿Con qué criterio has elegido esas proyecciones, en las que además, como en juego de espejos, aparece duplicada la imagen del protagonista? Supongo que ha habido trabajo multicamara...
 
Bueno la canción como dije anteriormente habla de la inmunidad de esas imágenes violentas e impactantes, no quise poner cosas muy explícitas, aunque hay algunas que si que lo son un poco mas. Pensé en imágenes que  sugieren otro tipo de violencia ya que la violencia no son solo guerras y muertos y bueno fui pensando qué otras imágenes sugerían violencia y tenían potencia visual. También les pregunte a los Belako qué cosas les daban repulsión en la televisión o les resultaban violentas y bueno pues llegamos a éstas que se ven en el videoclip. Respecto a  lo de los espejos, sugiere un poco cómo él entra en ese juego y empieza a aparecer en su propia  tele creando una relación entre el personaje y los contenidos que consume .
 
 
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- Ya para acabar, ¿tramas algún nuevo videoclip o proyecto audiovisual?
 
Pues lo siguiente que voy a sacar es otro videoclip de Belako que incluye dos canciones, saldrá dentro de poco y trata sobre cómo se crea el imaginario histórico a través de la ficción, no puedo decir mucho más. Va a ser totalmente diferente ya veréis, pero bueno sigue con la misma linea de algo artesanal y diferente que transmite un mensaje con la canción y la letra induciendo a una reflexión. También estoy elaborando un dossier de un cortometraje de ficción para ver si me dan dinero para poder rodarlo, y preparando un documental que rodare con un compañero en Nepal  en julio.
 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   17.may.2018 10:46    

La Perrera de Fernando Alfaro: amplificando el surco

Con este juego de palabras queremos reseñar el videoclip que ha realizado el colectivo La Perrera para la canción que da título al nuevo trabajo de Fernando Alfaro  "Sangre en los Surcos". Fernando ha hecho un disco maduro, austero y emocionante revisitando sus canciones con ese poso que da la perspectiva del tiempo y añadiendo cuatro nuevos temas.

Precisamente "Sangre en los Surcos" es una de las nuevas composiciones que ha dado pie a una pieza visual embriagadoramente bella que juega con el collage, y bebe del blanco y negro y del propio diseño gráfico del disco.

Música e imagen se retroalimentan y amplifican, en una conjunción en la que Alfaro y La Perrera van de la mano... Hablamos con ellos que nos cuentan cómo ha sido esa conjunción de hueso.

 

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 -Hace ya casi 5 años que no hablábamos con vosotros. Por entonces estábais enfrascados en plena efervescencia con proyectos para Anicet y su primer disco "Ensayos para la generación perdida"... Recientemente habéis estrenado el videoclip "Sangre en los surcos" para Fernando Alfaro. En medio, más videoclips, promos, publi. ¿Cómo ha evolucionado aquel colectivo audiovisual "La Perrera"? ¿seguis siendo los mismos: Benjamin Villegas, Áurea Castosa y Jordi Fernández?

Seguimos siendo nosotros, sí. No entendemos el colectivo sin una de las tres partes aunque a veces uno pueda implicarse menos en un proyecto concreto. De todas formas solemos consensuar la idea global de nuestros visuales y como los tres somos bastante versátiles, nos repartimos las tareas de cámara, montaje y posproducción sin la necesidad de mantener un patrón concreto. Lo único que tratamos de mantener es que la dirección sea coral y que los tres podamos complementarnos ahí. En los últimos trabajos hemos podido, además, colaborar con otros profesionales como César Núñez o Olíver Rodríguez que nos aportan un montón de cosas.

-¿Seguís inspirados por la música, el diseño, la fotografía, el vídeo, el periodismo...?

Sí, de hecho son nuestras profesiones y nos gustan. La Perrera nos ayuda a afrontar proyectos más creativos o artísticos.

 

 

-Nos gustaría centrarnos en Sangre en los surcos, una pieza delicada, que recoge a la perfección la sensibilidad de la canción de Fernando. ¿Cómo surgió esta comunión, os conocíais previamente o ha sido flechazo a primera vista?

Pues yo (BENJA) tuve la suerte de coincidir con Fernando en un local de ensayo que él comparte con Piti Elvira aquí en Barcelona. Yo toco con Piti en su proyecto Catarata y por allí nos habíamos saludado alguna vez. Yo me considero un “muy” fan de poca trayectoria de Fernando. Lo descubrí después de Surfin´Bichos y Chucho y me parece una eminencia y uno de los mejores letristas de este país. Yo le seguía en varias redes sociales y un día él me felicitó por un trabajo audiovisual y yo aproveché para entrarle y proponerle hacer algo juntos en su nuevo disco.

-No deja de ser un guiño que os llaméis La Perrera y que hagáis un video para un artista que siempre ha jugado con la nomenclatura alrededor del perro: Chucho, Perruzo, El club de los Perros Felices...¿casualidad, conexión de hueso?

Pues no me lo había planteado… En nuestro caso el nombre del colectivo es heredero de un trozo del guión del viral “Generación Perdida” en el que usábamos a mi perro y la voz en off decía: <<bueno, el perro sí>>. La gente empezó a utilizar esa frase como hashtag cuando el vídeo empezó a compartirse y nos pareció gracioso llamarnos así. Después, con el tiempo, le dimos una vuelta e hicimos evolucionar ese concepto hacia “La Perrera” que nos parecía más comercial. Si para Fernando el uso de conceptos caninos es también por el hecho de haber sido dueño de perro supongo que podríamos hablar de cierta conexión.

 

 

-(Para Fernando) No te has prodigado demasiado a la hora de realizar videoclips de tus canciones. ¿Cual es tu relación con el formato? ¿Qué te lleva a dar el paso de poner imágenes a una determinada composición? ​

Bueno, al final hace uno balance y hay bastantes, aunque algo desperdigados. Se hizo videoclip (oficial, claro está) de "Fuerte", "Un ángel turbio", "Magic", "La mente del monstruo", "Túnel de lavado", "Los cuatro vientos", "Extintor de infiernos", "Velero", "Saariselkä stroll" y "Flores sobre el estiércol". Que yo recuerde. En realidad y para ser sinceros, siempre ha dependido de las circunstancias: hubo un tiempo en que resultaba casi necesario tener videoclip para los programas de TV que los programaban. Luego hubo un hiato en el que tenían salida casi cero. Y ahora se ha ​reactivado el asunto con el consumo online.

 

 

Los videoclips (como la música) son, además de arte, un producto o una herramienta comercial, y esto condiciona muchas cosas. Dicho todo esto, hay ocasiones en que se unen una alta calidad artística con la potencia como herramienta promocional. Yo he tenido la suerte de tener, para canciones mías, videos así. Y esta de ahora es una de esas felices conjunciones. Es un clip emocionante, es increíble cómo amplifica el efecto de la canción.

 

 

-El video musical de Sangre en los surcos es muy conceptual ¿Se trata de una idea original de La Perrera o de Fernando? ¿en qué medida Fernando (incluso la discográfica) os ha dado pautas o es una obra audiovisual totalmente libre?

(BENJA): Fernando tenía claro que quería un clip para esa canción y me pasó el tema por correo con algo del material gráfico del disco. Todo lo visual se basaba en el blanco y negro y la huella. La canción me atrapó en seguida y me pareció casi un mantra. La letra y la rueda de acordes me llevaron rápido a la idea final que hemos plasmado. Cuando nos sentamos Fernando y yo para hablarlo traté de comunicarle mi idea y en seguida me brindó toda la libertad del mundo para que la pudiéramos desarrollar como quisiéramos.

(FERNANDO) El día que quedamos Benja y yo para hablar del vídeo, enseguida me quedé atrapado por su idea, y también por su entusiasmo. Eso uno lo nota: hay gente con la que da gusto estar y trabajar, y ellos, La Perrera, son de este tipo de gente. Además es que noté desde el primer momento con Benja que teníamos la misma idea de lo que debía ser. Yo había explorado su trabajo y venía orientado a confiar en él, pero al explicarme la historia ya le dije: "lo hacemos exactamente como tú lo tienes en tu mente: dime lo que necesites que haga y yo lo hago."

-Nos llama la atención esa mezcla de sencillez pero a la vez complejidad que encierra el videoclip, una auténtica metáfora de la vida, cadenciosa pero inexorable. ¿Cual ha sido el principal reto creativo que os habéis propuesto?

El reto principal quizá era que de alguna manera pasara algo, sabíamos que podía ser bonito pero queríamos un clímax. Al final la canción y el clip van tan de la mano que se genera una emotividad muy chula a medida que el plano se abre y descubres donde está y de donde viene todo lo que has ido viendo.

 

 

 

-Por cierto, ¿por qué el blanco y negro? Sin duda le da un toque existencial y trascendente...

Te podría contar cualquier milonga pero es tan sencillo como lo que te decía antes, la gráfica del disco lo marcaba y me pareció acertado mantenerlo en el clip. Además, no nos engañemos, en un visual que es casi un collage, el blanco y negro ayuda a empastar y que todo quede más unido visualmente.

-Además, ese blanco y negro, entronca con él precioso diseño gráfico del disco, con la huella dactilar como metáfora de los surcos del vinilo. Entiendo que para crear la estética de la pieza se ha tenido en cuenta la ilustración.

Totalmente, sí. Aquí Fernando te lo contará mejor que yo. ​

(FERNANDO)​ Lo del blanco y negro era una de esas cosas, como lo de acabar la frase del otro: yo venía con esa idea, y Benja también. Aparte de la estética de la portada del álbum y el CD, la gran mayoría de las fotos promocionales también son en blanco y negro. Y desde luego, viendo el resultado, es fantástico cómo funciona en el clip.

 

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- Desde el punto de vista gráfico ¿Cómo ha sido la grabación a nivel técnico, con qué herramientas habéis trabajado? ¿cuál ha sido la forma de conseguir esos "Alfaros" multiplicados?

La verdad es que ha sido relativamente sencillo. Fuimos reuniendo footage como las montañas o los árboles y para los Fernandos nos pasamos una mañana en un plató croma buscando diferentes planos de él cantando (o no) que funcionaran. En este aspecto tenemos que destacar el maravilloso trabajo de iluminación de César Núñez que dirigió la fotografía ese día y nos ayudó a conseguir los contrastes que exigía luego el collage. Fotografíamos un vinilo de Fernando y fuimos colocando todo el material en los bordes para luego hacerlo girar todo en After Effects. Quizá es uno de nuestros visuales más artísticos pero técnicamente no ha sido especialmente duro. Nos aferramos a una buena idea y a una excelente canción.

-Hablando un poco de vuestra trayectoria en La Perrera, en estos años habéis seguido haciendo videoclips para artistas como Elphomega, Santos, Kubiak... también las Arctic Sessions. ¿De qué proyectos os sentís especialmente orgullosos en estos años?

De todos un poco. Hace unos días Áurea creó una playlist en Spotify con todas las canciones a las que le hemos puesto frames estos años y eran cerca de veinte. Me la puse y me pareció una lista súper chula y heterogénea. Me iban viniendo a la cabeza todos los clips a medida que avanzaba y me pareció que tenemos un videobook muy molón. Si tuviera que destacar uno sería “La ecuación de la mediocridad” de Anicet que fue el primer clip que hicimos después del éxito de “Generación Perdida”. Nos cedieron la capilla del colegio en el que estudié de pequeño y tuvimos el honor de dirigir a Laia Marull en un vídeo con más de veinte extras.

 

 

-Ya para concluir, ¿continuáis con la firma "Buenoelperrosí Films" y el sello discográfico Guau Records?

Como te decía antes, en lo visual hemos evolucionado a La Perrera. Estamos trabajando en un documental sobre la escena punk en los 80 en El Paso, Texas y seguimos abiertos a hacer clips de músicos a los que admiramos y queremos. En los discográfico aquello evolucionó en Navaja Suiza que es el sello que montamos con Piti Elvira (ex-Standstill) y el rapero Elphomega. Ahí publicamos música y compartimos experiencias e ideas. Para nosotros haber empezado con visuales de nuestra propia música y haber llegado a ganarnos la confianza de gente como Fernando, Elphomega, Santos o Pau Alabajos, es todo un orgullo.

(La ultima para Fernando) - Fernando, más allá de lo estrictamente musical, y en relación al audiovisual ¿tienes algún realizador de videoclips fetiche? ¿Alguna obra que te haya impactado especialmente dentro del género?

​ Mmmm lo siento. Soy bastante lego en la materia. Claro que hay videoclips que me encantan, pero no soy de informarme mucho sobre quién lo ha hecho y esto. ¡Lo siento! (quizá, ¿obviamos esta pregunta–respuesta? jajaja)

Y tienes planes para adaptar alguna canción más de Sangre en los surcos? Nos parece que en ocasiones, las canciones tienen una segunda vida cuando encuentran su huella en imágenes... Todavía resuena Extintor de Infiernos en nuestra memoria, indisoluble del plano secuencia de Vicente Gil Ginestar.

Otra cosa que es para mí un misterio. No sé qué será en el futuro... mis disculpas otra vez. 

 Como colofón os dejamos con este magnífico EPK en el que el músico reflexiona sobre su trayectoria y cómo se gestó Sangre en los surcos.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   17.abr.2018 18:11    

Electrolírica: investigación poética

Electrolírica es un proyecto musical gallego integrado por Xan Solo (cantautor, actor, poeta) y por Cristina Morquillas (compositora y pianista) que trabaja desde el compromiso y la experimentación.  En ARS nos ha llamado la atención este tándem porque la videocreación está muy presente en todas sus actuaciones en directo.

 

Aquí  nos detenemos en su videoclip "Somos luces" dirigido por Javier Romo que representa muy fielmente lo que Electrolírica transmite en sus actuaciones en vivo.

 Xan y Morqui nos cuentan su universo.

-Han pasado prácticamente dos años desde la creación de Xan Solo's y vuestro proyecto Electrolírica, en el que se combinan la electrónica, la poesía y también las artes visuales. Desde el principio habéis prestado mucha atención a la imagen en vuestra puesta en escena con proyecciones en directo. ¿Por qué surge esta atención por las cuestiones visuales y no solo musicales?

Acabamos de cambiar el nombre del grupo a Electrolírica porque pensamos que nos representa mejor, define lo que somos. Cristina es música y Xan es actor, como facetas primordiales, por eso es tan importante el aspecto visual como el musical. Desde le principio quisimos darle mucha importancia a la imagen en el directo, y la providencia hizo el resto, las cosas surgieron por sí mismas, desde desarrollar un proyecto electrónico en vez de acústico, hasta lanzar videocreaciones en directo sincronizadas. Tenemos todo el directo sincronizado mediante Ableton Live, la música, las proyecciones y las luces. 

Este proyecto seguirá creciendo con ideas nuevas que iremos desarrollando para crear directos más sorprendentes. Ahora estamos trabajando con imágenes en 3D y tenemos muchas ideas nuevas que iremos incluyendo en los directos según la tecnología y la economía nos lo permitan.

 

La imagen puede contener: una persona, en el escenario

 

- En el diseño de esas proyecciones han participado artistas como Señor No, en canciones como "A evolución non entiende de nostalxias", "No limbo dun pasillo" o "Composición 38". ¿Cómo ha sido esa colaboración a partir de vuestra música, qué buscáis con esa interacción? 

Cuando comenzamos con este proyecto teníamos muchas ganas de incluir visuales. No teníamos experiencia en este tema y no sabíamos cómo empezar. Recibimos una llamada de Argentina, y surgió. "El Señor No" dijo que había escuchado nuestro trabajo que le gustaría colaborar con nosotros haciendo videocreaciones. Por suerte "El Señor No" vivía en Corcubión, y cuando volvió a Galicia nos pusimos a trabajar juntos creando visuales para nuestro proyecto y acompañándonos en los directos para diseñar las proyecciones. Fue una bonita colaboración que ha terminado puesto que él ha regresado a Argentina, pero nos ha dejado un bonito legado que son sus enseñanzas, a raíz de las cuales hemos podido ponernos a crear nuevas propias visuales y proyectarlas en los directo.

 

 

- Recientemente nos habéis sorprendido con el videoclip "Somos luces" realizado por Javi Romo. Volveis a dar importancia al directo... esta pieza se ha grabado en el Auditorio de Negreira, ¿cómo ha sido el proceso creativo? 

Queríamos un videoclip que pudiera representar lo que somos en directo. En principio era una idea sencilla. Localizar un sitio y contar con el buen hacer de Javi Romo. En donde vivimos, Negreira, contamos con un auditorio con unas muy buenas características, así que utilizando solamente el escenario, telón cerrado, un par de espejos, unos troncos para darle un carácter más orgánico y un excelente realizador, y también con la colaboración de dos grandes técnicos del audiovisual gallego, Rodolfo Ansede y Roberto Domarco. En un día preparamos y grabamos el videoclip. 

 

 

- Además de la parte de iluminación hay un componente de post-producción muy interesante ¿se había desarrollado previamente a la grabación o ha surgido sobre la marcha? 

Con respecto a la posproducción ha sido Romo el ideador y creador de montaje y posproducción. También la iluminación. Dejamos todo en manos de Javi que ha superado las expectativas que teníamos con este videoclip y nos ha sorprendido con un vídeo muy dinámico con una sola localización.

- Supongo que una de las dificultades habrá sido grabar el video con música en directo y con la sincronización de las propias proyecciones, ¿Podéis contarnos cuales han sido los aspectos técnicos más complejos? 

Nosotros en directo siempre llevamos todo sincronizado. Hemos tenido que trabajar muchas horas e investigado muchísimo para conseguir sincronizar proyecciones y luces pues no hay mucha información en internet. En la grabación del videoclip hemos lanzado música y videocreaciones sincronizadas como hacemos en los directos. Los aspectos técnicos más complejos han sido la colocación de los proyectores y la iluminación, puesto que teníamos dos grandes espejos delante de nosotros, y los tiros de cámara. Por suerte contamos con un equipo de trabajo con mucha experiencia en TVG y no hubo mayores complicaciones. 

 

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Fotografía: Bou-Diadelei

- Ya para acabar me da la sensación que vuestros espectáculos son indisolubles de las creaciones visuales, ¿hasta qué punto cuando componéis música pensáis en imágenes o viceversa?

Como dijimos antes somos dos personas que nos complementamos en ese aspecto. Xan tiene la visión escenográfica y lírica y Cris la visión musical, aunque los dos participamos activamente en todos los aspectos de la creación. Los dos componemos, los dos creamos visuales. Xan si se ocupa de las letras él exclusivamente y Cris trabaja más activamente en los arreglos musicales.

Tanto uno como otro traemos primero propuestas musicales. Una vez desarrollada ésa propuesta comenzamos a trabajar en las visuales del mismo modo, trayendo propuestas por separado y desarrollándolas luego. Primero la música y la letra y después la imagen.

Las letras de Xan son muy subjetivas, surrealistas, profundas e íntimas. Por lo tanto dan pie a un abanico muy grande y también bastante abstracto de ideas, lo cual nos da mucha libertad para crear visuales.

Seguiremos con interés esas nuevas propuestas de Electrolírica.

 

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Sarmient Peppers    3.abr.2018 13:59    

Carlos Bayona: jugando con el videoclip

Os presentamos "We never say die", primer videoclip de Carlos Bayona, un trabajo sorprendente que nos sumerge en el universo de los videojuegos y de la estética de los años 80. 

Carlos, además, ejerce de músico junto a  Oblique (el dúo barcelonés de synth-pop) y nos presentan su último trabajo "A Song For", precedido por el single "Stop the world" al que ya acompañaba un maravilloso videoclip dirigido por Lyona y que también aprovechamos para reseñar.

En este caso, "We never say die" es una pieza audiovisual muy interesante porque integra imagen real con animación generada por ordenador, haciendo un guiño a las máquinas de videojuegos Arcade que tanto proliferaron en los años 80.

Carlos nos cuenta sus pulsiones creativas y cómo se ha planteado este proyecto desde el punto de vista de producción.

 

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-Carlos, "We never say die" es tu estreno como director de videoclips, dinos, ¿cómo surge el proyecto para poner en imágenes esta canción de Oblique y tuya, perteneciente a vuestro último disco A song for...?

Mi proyecto junto a Oblique es un tributo a los años 80. A su sonido, su estética y sus películas. Es por esto que para nosotros es muy importante el papel que juega el videoclip con cada uno de los temas. Con el primer single “Stop The World” tratamos de recrear la película “La Chica de Rosa” y, como dice la canción, cambiarle el final. Era algo difícil pero teníamos en mente a la realizadora Lyona y sabíamos que ella podría hacer un gran trabajo y así fue. Para el segundo single “We Never Say Die” volvimos a tratar de hacer algo con la idea que maneja la canción. El tema habla de qué sucedería en una hipotética reunión de los Goonies 30 años después y qué sucedería si una de las chicas le dice a otro de los protas que lleva 30 años enamorada de él. En el vídeo la historia es similar salvo que cambiamos al chico por un personaje de videojuego. Mi idea era que la pieza la dirigiera un determinado realizador pero al serle imposible la hice yo que tenía muy claro lo que quería hacer y un equipo muy capacitado para hacerlo. Gracias a Laura Pedro, Txetxu Garcia, Felipe Bravo y Toni Buenadicha por la ayuda.

 

 

-El vídeo musical es un homenaje al cine de los 80, con películas como Los Goonies, E.T. el extraterrestre, Tiburón, Cuentos Asombrosos... entiendo que esta época es para ti una fuente de inspiración, ¿cuál ha sido el proceso creativo a la hora de elaborar el guión de este videoclip?

Por mi edad, 42 años, los 80 e inicios de los 90 significan mucho para mí. Efectivamente el vídeo está enfocado con la idea de que se pudiera tratar de una historia fácilmente englobable en “Cuentos Asombrosos”. Es una historia bonita pero que acaba mal pues la chica desaparece dentro de la máquina por lo que llega a tener ese humor negro propio de películas como “Cuentos Asombrosos” y “Creepshow”. El guión trabajé a medias con Ibán Manzano y Toni Buenadicha y para mí ha sido un lujo.

-También hay un hallazgo estético al combinar imagen real con imagen animada, rememorando las máquinas arcade ¿cómo ha sido esa labor de recreación con Toni Buenadicha?

Es fantástico trabajar con él. Es muy bueno y muy rápido. Le pasé mi idea de tener una animación pixelada tipo videojuego donde fueran reconocibles los personajes y no tuve que preocuparme de nada más. Ha sido una maravilla trabajar con él. Fuimos tan rápido que nos pudimos adornar y es por esto que el vídeo está lleno de pequeños guiños a los años 80 por todas partes. La combinación de imagen real y animación es algo también característico en películas de la época como Tron, Roger Rabbit o Cool World y nos apetecía repescarlo.

 

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-Para grabar la parte de imagen real os habéis desplazado a Hospitalet y habéis contado con la colaboración de la Asociación Arcade. ¿Qué fue primero el huevo o la gallina, la grabación de la imagen real o la elaboración del videojuego?

Ha sido un proceso muy en paralelo si bien la elaboración del videojuego llevó un poco más de tiempo. Comenzamos a trabajar en la animación al inicio de la preproducción y terminamos una semana más tarde que los efectos visuales que han sido muy importantes y que corren a cargo de Laura Pedro de El Ranchito, una compañía que está realizando los efectos de Juego de Tronos actualmente.

-En cuanto de la actriz principal Aída Qui, ¿cómo ha sido el casting hasta llegar a ella? Hemos visto que ha participado en cine y televisión así como otros videoclips como Qué electricidad para Carlos Sadness, o incluso algún corto para tu hermano JA Bayona.

Ella participó en nuestro anterior clip y por su físico que nos cuadraba con el personaje siempre fue una de nuestras primeras opciones. Es muy expresiva y da muy bien a cámara por lo que trabajar con ella ha sido un acierto.

 

 

 

-JA ha sido un consumado realizador de videoclips durante muchos años, allá por 2007 dirigió la pieza "Te recuerdo" para Lorena , contigo como alias Monosexy, recreando el mundo de Tron, teniendo en cuenta su experiencia ¿has consultado con él puntualmente alguna cuestión de este proyecto?

Yo le iba mandando diferentes montajes y él me iba dando su opinión. Le ha gustado mucho el resultado final.

-Tampoco quería dejar pasar la ocasión sin mencionar un videoclip anterior realizado para vosotros por Lyona, hablamos de Stop the world, inspirado en La chica de rosa de Howard Deutch.¿Podría decirse que hay un hilo conductor en vuestros trabajos musicales y audiovisuales, con los años 80 sobrevolándolo todo a nivel estético?

Sí. Como te contaba cada pieza está pensada para ser acompañada de imágenes. Veremos si es posible hacerlo porque nuestro nivel de exigencia es muy grande y el presupuesto muy pequeño.

 

 

-Ya para acabar Carlos, ¿ésta ha sido una incursión puntual o te planteas más creaciones como realizador de videoclips?

En principio no me veo volviendo a dirigir. Ha sido interesante y divertido pero respeto mucho la profesión como para hacerlo de manera habitual.

 

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Sarmient Peppers   13.mar.2018 12:45    

Pablo Nieto: cocktail transgresor

Pablo Nieto desde la plataforma creativa Zissou.tv nos presenta el último videoclip que ha realizado para Los Punsetes, "Miedo" una pieza transgresora, original y paródica,  convirtiéndose en el primer video musical "screener" de la historia. Pablo analiza los entresijos creativos de esta obra y nos cuenta sus nuevos proyectos para Zissou. También descubrimos su blog Murmur, un rincón audiovisual y musical desde el que nos deleita con grabaciones en directo en el que la localización y la naturalidad son señas de identidad.

 

 

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-En Zissou.tv os dedicais sobre todo a la publicidad ¿Cómo surge esta plataforma creativa de la que eres miembro fundador?

 

Iván Franco y yo, creamos Zissou hace 5 años para dar respuesta a proyectos diferentes que se empezaban solicitar en el sector de la publicidad, como proyectos interactivos, desarrollo tecnológico…  Para ello fundamos un equipo de realizadores que no se dedican solo a publicidad, sino también a diferentes ámbitos como videoarte, cortometraje, instalaciones, programación… Estos realizadores cuando trabajan en publicidad aportan una visión diferente a los proyectos, más rica y adaptada a nuestro tiempo.

  


-Acabas de realizar un video musical para Los Punsetes, ¿Por qué para la banda madrileña y cuál ha sido el espíritu con el que nace esta pieza?

 

No es un proyecto fácil para un grupo. Cuando la idea es empezar en un cine donde la canción al principio se  escucha mal y se superponen voces, es decir, se actúa también sobre el audio, tienes que encontrar a un grupo con mentalidad abierta, que tenga una visión artística que vaya más allá de los estándares, que valore la idea y dé prioridad al concepto del vídeo como pieza independiente. Los Punsetes es el grupo perfecto para esto, un grupo transgresor de referencia en el mundo del videoclip.

 

- "Miedo" es un videoclip que lo defines como el "primer screener" de la historia del formato videoclip. ¿Cómo surge esta propuesta, hasta cierto punto irreverente, rompiendo el relato clásico de la canción?

 

Siempre me ha sorprendido que los videoclips sigan un formato y unas estructuras tan parecidas y “standars”, siendo un formato perfecto para romper todas las normas, transgredir e innovar.

 

Una forma original de romper estas normas era hacer el primer videoclipScreener” de la historia, estructurar el videoclip sin importarnos que la canción se escuche mal al principio, que se escuchen a personas hablando en medio de la canción, o se pare en un determinado momento para retomarla luego.

 

Las películas “Screener” son parte ya de nuestra cultura audiovisual, el formato pertenece a nuestro inconsciente colectivo.

 

 

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-Uno de los juegos interesantes que propones es el paso de la proyección de la película gore en pantalla grande, a su visionado en internet...¿Cuál ha sido a nivel narrativo y estético tu planteamiento, y hasta qué punto el grupo ha influido en tu toma de decisiones?

 

Teníamos claro que no podía ser todo el videoclip “Screener” escuchándose mal la canción de principio a fin, ya que la música es, por supuesto, el eje creativo sobre el que se vertebra todo el concepto. La solución perfecta era pasar por el escritorio de un ordenador para acceder a otro “Mirror” de mayor calidad y poder disfrutarlo en “HD” y así escuchar fielmente la canción y ver la película con calidad. Esta solución hizo crecer el videoclip, ya que podíamos incluir más códigos típicos del formato, nos encantaba la idea de plasmar cómo es la experiencia de navegar en estas páginas piratas,  recrear los insoportables banners y audios típicos de estas páginas , banners de sexo, tragaperras, ventanas emergentes de “gana fácilmente dinero por Internet”…

 

La idea original surgió en un momento cotidiano de trabajo junto a Alberto Miranda, diseñador gráfico de Zissou, con el cual trabajo mano a mano en los videoclips. Nos pareció muy interesante y empezamos a trabajar en ella, a construir la estructura y escribir el guión. En las primeras fases de trabajo ya nos dimos cuenta de que el grupo perfecto para este videoclip eran Los Punsetes y su canción Miedo. Le contamos la idea al grupo, les encanto y nos dieron libertad absoluta para hacerla.

 

 

 

- ¿Qué ha sido lo más complicado en este rodaje gore?¿Dónde grabásteis la sala de proyección con público viendo el clip?

 

Para darle forma a esta idea necesitamos hacer una mezcla entre videoclip y cine para que la imagen nos cuadrara con la idea del original de película “Screener”, para ello quisimos hacer un homenaje a las primeras películas “Gore” de los años 60, cuya maravillosa estética nos funcionaba a la perfección  con la canción y el grupo, obteniendo así el “Coktail ”  transgresor que buscamos.

 

Al ser “Serie B” el rodaje es sencillo, las películas se rodaban en pocas semanas con muy pocos medios e iluminación. Quizás lo más complicado fue encontrar a los actores perfectos y hacer un buen trabajo de estilismo y maquillaje para recrear  fielmente los años 60.

 

 

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Para nosotros era muy importante que todo el vídeo fuera muy real, por este motivo la última fase del videoclip fue rodar en un cine de verdad y evitar la postproducción. Nos fuimos a los cines “Metropol” con el videoclip rodado y post-producido para proyectarlo, con todos los personajes que necesitábamos, las cabezas de los espectadores, el personaje que llega y se cruza por medio de la pantalla, acomodador.. Y le dimos realismo a la escena grabando con una cámara doméstica volviendo a imitar los arquetipos del género, la cámara se mueve porque el pirata ajusta el trípode, pierde y coge foco porque es automática, reencuadra…

 

 

- Ya para acabar...no te has prodigado en videoclips, ¿Algún proyecto reciente en este formato, o alguna iniciativa confesable que se pueda contar desde Zissou?

 

La verdad es que hemos empezado a trabajar en el formato videoclip hace muy poco aunque mi interés por captar a músicos en vídeo no es nada nuevo, viene de lejos. Esta inquietud queda documentada en el blog murmur, en el que grabo a músicos en entornos especiales aunque cotidianos. En esta larga experiencia en el blog de casi 10 años, se me iban ocurriendo ideas de ficción para grupos y esta limitación autoimpuesta en el blog de los espacios cotidianos, me ha hecho madurar algunas ideas a fuego lento hasta hacerme entrar en el videoclip de manera natural pero muy intensa, te puedo adelantar que tenemos un videoclip ya acabado que saldrá en abril del nuevo disco de “Nothing Places” del sello Foehn/el Segell del Primavera y que estamos trabajando en dos más muy interesantes que estoy seguro de que darán mucho de qué hablar.

 

 

Bart Davenport "Girl Gotta Way " 

 

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Sarmient Peppers   27.feb.2018 14:46    

Sepe: forma y color

Josep Prat Sorolla, es Sepe, un inquieto creador que se está adentrando poco a poco pero con paso firme en el universo del videoclip. Conversar con Sepe es descubrir un mar de proyectos relacionados con la ilustración, el diseño gráfico, la moda, la animación, y un sin fin de pulsiones , en las que está presente el surrealismo, la estética de los 80, la geometría... todo ello pasado por su tamiz personal e intransferible.

Sepe trabaja desde el Estudio Creativo O, una de las plataformas creativas más innovadoras y originales de cuantas funcionan en España, capitaneada por el inalienable realizador Luis Cerveró.

Hablamos con Sepe de los "porqués" de sus creaciones, centrándonos sobre todo en lo relacionado con el formato del video musical.

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-Josep, eres un artista pluridisciplinar, tu relación con el formato videoclip empieza hace unos  años con trabajos de ilustración y motion graphics para artistas como Javiera Mena, Orax, Breakbot o The Vaccines. Ya más recientemente das el salto a la realización y te descubrimos con "Spinning Over you" para Reyko. En este caso, Emi Fort (productora) te llama para el proyecto, ¿Cómo es ese cambio a la responsabilidad de dirección y cómo surje este proyecto creativo?

Anteriormente a este vídeo, además de mis proyectos como ilustrador, yo ya había codirigido varias piezas audiovisuales junto con mis compañeros de Cubbish, con quienes estábamos acostumbrados a ingeniárnoslas con muy pocos recursos sin renunciar a la creatividad (de lo cual aprendí muchísmo). Poco después entré en O, al principio como ilustrador. Hasta que un día, me dijeron si quería probar con la dirección, que tenían el vídeo de Reyko sobre la mesa y que creían que podía encajar.

El proyecto de Reyko significaba poder trabajar con más medios de lo que estaba acostumbrado, tener un equipo mayor y, lo más importante, tener a una productora detrás que lo hiciera posible. 

Para mí fue un máster de profesionalización muy bueno.

En cuanto a la gestación del vídeo, tuvimos una primera reunión con Mushroom Pillow, la discográfica, y les explicamos un poco cuál era la idea. Les gustó y desde ahí empezamos a trabajar. Lo bonito de este proyecto fue que el vídeo también era la carta de presentación de Reyko, así que por un lado eso conllevaba mucha responsabilidad, pero por otra hizo que todos diéramos lo máximo para que esto saliera bien.

 

 

 

 

- Partiendo de la ilustración, pasas al plano físico de carne y hueso con un look muy de los 80. ¿Cómo has trabajado con Alexandra Jordana el estilo visual de esta pieza?

La verdad es que tener a Alexandra Jordana fue (y es siempre) todo un lujo, porqué captó perfectamente el concepto, la idea y la estética de la pieza. Fue como si estuviera dentro de mi cabeza y eso me dio muchísima tranquilidad. Queríamos algo que remitiera a los 80 pero a la vez fuera actual, con muchas texturas y materiales; casi como si fueran ilustraciones en movimiento. Alexandra también ayudó mucho a engrandecer toda la idea porque intenta siempre dar un porqué a todos los elementos que coloca frente a la cámara. Nada es gratuito. 

De hecho, recuerdo que a los pocos días de nuestra primera reunión vino con un dibujo del set donde todos los elementos tenían un sentido.

 

Resultado de imagen de "Spinning Over you"  Reyko

 

- Siguiendo con tu vídeo musical para Reyko, hay que destacar el conjunto de la obra donde cada departamento tiene un papel importante: texturas, colores, vestuario, coreografía, conforman un todo... Te apoyas en profesionales como Elías M. Félix (fotografía), Cris Quer (vestuario), Tuixén Benet (coreografía), ...¿Cuál ha sido tu criterio para elegir estos colaboradores?

Tenía muy claro que quería hacer un vídeo que integrara distintas disciplinas artísticas y que cada una de ellas reflejara un espíritu muy creativo (desde la fotografia, a la dirección de arte, pasando por el vestuario o la coreografía). Formamos un equipo de artistas y quise darles libertad para aportar su visión a la pieza. Para mí, eso es lo que hace más especial este proyecto.

-He leído, que tuviste un plan de rodaje muy exigente y que incluso grabaste en dos sets, condos cámaras simultáneamente. ¿Fue muy complejo grabar con dos monitores, dos equipos...? Suena esquizofrénico

Sí…la verdad es que fue un estreno a lo grande. Por temas de presupuesto, teníamos que rodarlo todo en un día, así que decidimos partir el plató en 2 sets, uno para las escenas con coreografía y otro más pequeño para momentos más concretos. En muchos momentos, teníamos el equipo dividido en 2 rodando a la vez, por lo que resultó, al principio, algo loco tener que controlar dos rodajes al mismo tiempo. Pero bueno, al final es un tema de costumbre. También fue esencial contar con la experiencia de Silvia Martínez, ayudante de dirección, que lleva muchos años haciendo locuras de este tipo.

 

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- En cuanto a influencias, citas referencias como Magritte, Oskar Schlemmer, Jean-Paul Goude ó artistas de los 80. En algún caso concreto, hablas de Syd Brak como fuente que te inspiró para incorporar el elemento de repetición y canon en las bailarinas. ¿Porqué esta querencia por este imaginario estético?

Desde siempre me ha apasionado todo el imaginario de los 80 y el surrealismo. Creo que, más allá de algo estético, en esos años se crearon nuevas formas de representación de ideas muy directas y potentes, que aún hoy creo que funcionan. Creo que, a nivel creativo, es un universo muy rico.
Para mí, esa es la forma de expresión con la que más cómodo me siento y siempre que puedo me gusta hacer algún guiño a referencias que me han ayudado a inspirarme y desarrollar el vídeo en cuestión.

-Pasamos a tu pieza más reciente para Javiera Mena, a quién ya conocías por tu colaboración en "Espada", dirigido por Luis Cerveró. En "Dentro de tí", de nuevo colabora Alexandra Jordana y optáis por un look más austero, más conceptual ¿Cual es tu propuesta estética, está negociada con Javiera?

Cuando escuché por primera vez “Dentro de ti”, aprecié cierto cambio de rumbo respecto a lo que había sido el anterior disco de Javiera Mena, “Otra Era”. Era una vuelta con algo más introspectivo, menos eufórico que “Espada” pero con un mensaje muy directo a la vez. Con Javiera coincidimos en que esto se debía reflejar estéticamente y, por lo demás, nos dio libertad creativa total. Así que optamos por un look más natural y austero de lo que estoy acostumbrado, pero sin renunciar a los juegos visuales ni al toque surrealista. Fue un vídeo que, para otra persona, era difícil de imaginar sin verlo postproducido, así que tengo que agradecerle mucho su confianza en un proyecto que explicado sonaba, seguro, a locura.

 

 

 

 

- De nuevo, recurres a la figura retórica de la repetición y en este caso supongo que ha sido fundamental la participación del departamento de VFX (Yukio Montilla, Cherrycola) y de 3D (Nico Zarza). Cuéntanos qué dificultades habéis tenido a nivel técnico y con qué herramientas habéis trabajado.


La verdad es que fue el proceso más largo de todos, por razones obvias. Javiera sale, en muchas ocasiones, repetida y eso fue un trabajo de composición e integración muy laborioso. Básicamente porque todo estaba coreografiado, el set giraba, la cámara se movía y además Javiera cantaba en todos los planos, con lo cual no había mucho margen para mover o retocar nada una vez rodado. Por este motivo hubo un gran trabajo de supervisión en rodaje, para que todos esos juegos visuales funcionaran luego en la fase de postproducción. La verdad es que esta parte resultó la más dura para el equipo, ya que estuvimos muchos días y largas noches trabajando para llegar a la entrega. Mil gracias a Yukio Montilla y a Conrado de Cherrycola por esta maratón.
A nivel técnico, se trabajó casi toda la composición en After Effects y la luna se generó en 3D.

 

JavieraMena_DentroDeTi_PRORES (1-02-10-00)

 

 

- ¿Qué tal el acting con Javiera Mena? Da la impresión que todo parte de indicaciones de dirección muy precisas, o hubo también improvisación?

Hubo más improvisación de la que parece, a nivel de interpretación. En algunos momentos concretos, donde ella bailaba o tenía que realizar alguna acción concreta, sí que lo habíamos preparado y ensayado bien, pero a nivel general, quería que se sintiera cómoda con sus gestos y que su interpretación fuera natural. Al fin y al cabo, la idea del vídeo era mostrar sólo a Javiera cantando, casi como si estuviera en uno de sus directos, solo que en este caso el espacio cambiaba lo largo de su interpretación.
Ella nos lo puso muy fácil porque es super profesional y enseguida encontró ese punto de equilibro entre algo estudiado pero sin perder la frescura de lo improvisado.

 

 

 

-Además de los videoclips no quiero dejar de mencionar proyectos más personales como"Sparks", un maravilloso ejercicio de estilo donde das rienda suelta a elementos como geometría, movimiento, color, mutación... ¿Cómo nació ese juego visual?

Sparks” ha sido un proyecto que se ha gestado a fuego lento. Muy lento, de hecho. La idea me surgió en 2015, cuando empecé la serie de ilustraciones “Deconstructed Portraits.Ese mismo año rodé a la modelo para este proyecto (Anna Benet). Quería hacer una pequeña animación en esa línea, explorando la relación entre el cuerpo y la geometría, deconstruyéndolo en piezas que se dispersaban y juntaban de repente y que a su vez interaccionaban con los colores. Fue un proyecto que pensé para mis tiempos libres, sin prisas, algo que pudiera ir desarrollando sin ningún tipo de atadura. Es una pieza pequeña, pero a la que tengo mucho cariño.Por otro lado, nos encontramos tu proyecto personal de retratos "Deconstructed Portraits", ¿a qué pulsión responde esta serie y con qué técnica has trabajado?
Empecé a hacerlo como regalo de cumpleaños para mis amigos. De repente, me encontré con un proyecto-serie abierta sin quererlo ni pensarlo.
Como ya habrás notado, tengo una obsesión por la geometría, las formas “básicas” y “simples”(al igual que los colores) y me gusta jugar a construir objetos, personajes y escenas a partir de ellas. El reto es conseguir que los retratos sean reconocibles con pocas formas y trazos. En este proyecto trabajé con texturas tipo spray, pero es todo digital.

 

 

 

-En tu faceta multidisciplinar, destacan también tus inquietudes por la moda y el diseño de vestuario, con tus creaciones para LOTTO ICON Collection FW17 ó la mini-colección para Printalloverme ¿Por qué la moda, qué aporta a tu personalidad creativa? Por lo que he leído, además tienes intención de sacar una colección, más completa y producida por tí.

 

 

Siempre me ha llamado bastante la atención el mundo de la moda, creo que es una herramienta muy potente para expresarse. Desde mi punto de vista, veo las piezas como un lienzo en blanco en el que poder plasmar ideas. Me resulta muy interesante como, por ejemplo, el mundo de la moda puede ir de la mano con el de la ilustración o el audiovisual. Así que, en algún momento de mi vida, sí que me gustaría adentrarme más en este terreno.

-Tu perfil también se completa con spots para marcas tan diversas como Adidas(en Sónar) o Akade. ¿Qué diferencias has encontrado a la hora de enfrentarte a proyectos de marcas tan distintas en su filosofía? ¿Hasta qué punto la publicidad es permeable a tu visión personal?

Depende un poco del caso. De si el encargo tiene un enfoque artístico o no . Algunas veces, te tienes que adaptar, eres más un ejecutor. Otras, la marca directamente te contacta porque le gusta lo que haces y precisamente por eso te da mucha libertad. Así que depende un poco de cómo el cliente te vea, si como a un ejecutor o un artista.

 

 

 

-Ya para ir acabando, en otro orden de cosas y desde Cubbish junto a O. Peig, Álvaro Peñalta os habéis encargado de los Main Titles de FIU un festival que reúne a jóvenes talentos creativos. Por no citar tu obra "Culto al baile" para la Sala Apolo, y tu artwork y diseño del ultimo álbum de Betty Belle, “Black To The Future”... Y es que parece que nada se te resiste, ¿en qué disciplina te sientes más a gusto?

Es difícil de decir, porque creo que lo bonito surge cuando se generan esas mezclas entre campos artísticos que, por alguna razón, siempre se ha tendido a separar y clasificar. Me gusta aprender de todo lo que me llama la atención.
Creo que esto te permite elegir, con menos prejuicios, cuál es la vía, la forma, el soporte, la técnica etc. más adecuada para cada proyecto.

 

 

 

-Antes de finalizar, quería mencionar tu relación con "O Estudio Creativo", ¿cómo llegas a esta plataforma, cual es tu relación con Luis Cerveró y resto de los miembros del estudio?
Cuando se formó O, yo conocía ya a Luis por “Espada” y también a otra de sus fundadoras, Emi Fort. Ellos, junto con Rafa Montilla, me propusieron formar parte del roster de artistas.
Un día cualquiera en las oficinas-estudio de O es un entrar y salir constante de fotógrafos, realizadores, directores creativos, productores…es la sede de operaciones de muchos proyectos a la vez. Es muy enriquecedor ese contacto constante entre los distintos creativos, se generan siempre colaboraciones. El espíritu de O es fomentar precisamente esa multidisciplinariedad por la que me preguntabas antes.

 

 

-Ah, y una última curiosidad ¿por qué "Sepe" como nombre artístico?

No sé cuando ni de dónde salió, era muy pequeño. En todo caso, se ha propagado hasta hoy y ya no lo he podido evitar. Va conmigo. Es muy útil en mi familia, siendo 3 generaciones de Joseps.

 

EL-GIF

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   13.feb.2018 15:18    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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