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Rosas en el mar: Igualada en Filipinas

Han pasado más de cuatro años desde que reseñáramos en ARS (A Rienda Suelta) el videoclip "Mi fábrica de baile", un auténtico trallazo dance de Joe Crepúsculo, realizado con talento por Emilio Rebollo.

 Ahora, en el verano de 2017, vuelve a reencontrarse el tándem artístico y dan a luz "Rosas en el mar", una pieza en la que Joe se erige en demiurgo de Karaoke y asistimos a un auténtico melodrama asiático audiovisual.

Puesta en escena cuidada, interpretación exquisita... en el video musical se consigue recrear el ambiente de Filipinas si salir apenas de Igualada.

Ingenio y talento al servicio del videoclip. Esto y más nos lo cuenta Emilio Rebollo en esta entrevista para ARS.

 

- Emilio, repites videoclip con Joe Crepúsculo, después del mítico "Mi fábrica de baile".¿Cómo ha sido la colaboración en este caso para "Rosas en el mar”?

Se unieron varios factores, en ese momento concreto sabía que Joe estaba terminando su ¨Disco Duro” así que hablé con él . Me había quedado con las ganas de hacer un video clip para ¨Flor de Luz¨, un tema del disco Nuevos Misterios que al final se quedó en el papel. Joe me envió ¨Rosas en el Mar¨ y con la primera escucha me sorprendió lo diferente de la propuesta. Me quedé escuchándola una y otra vez a medida que lo hacía más me gustaba. Esbocé una primera idea que es la que al final está en el clip se la envié Joe y le gustó. Por otro lado Juan Blanco productor de Blua tenía interés en producir una pieza, así que le comenté lo que tenía entre manos y le entusiasmó.Todo fue a pedir de boca como se suele decir. No siempre sucede así. 

 

IMG_4004

 

 -Se trata de un "melodrama asiático" con un look y fotografía muy especial. ¿Cual ha sido tu planteamiento estético y dramático a la hora de adaptar la canción de Joe?
Todo parte de un lugar concreto que existe en la calle donde vivo. Suelo ir a comer a La familia del Raval, un restaurante filipino donde te sirven un chop suey que está muy bueno. En alguna de estas ocasiones me he visto rodeado por una familia que cantaba karaoke y enloquecía celebrando un cumpleaños. Claro, te puedes imaginar el despliegue de color, luces y sonidos que hay en esas celebraciones. De ese recuerdo es de donde creo que se me ocurrió la idea de trabajar con filipinos. Luego vienen las referencias cinematográficas a Hou Hsiao-Hsien y su Millennium Mambo y una luz muy cercana a la que propone Nicolas Winding Refn e incluso a Raya Martin director propiamente filipino o a un grupo de música también filipino que descubrí hace años llamado Eye-dress. En el fondo yo lo que quería era ir a Filipinas a rodar el clip pero claro se lo comenté al productor y me dijo: ¨tengo una localización en Igualada que te va a flipar¨  y sí sí que me gustó y finalmente rodamos una parte del clip en Igualada y me olvidé de lo de ir a Filipinas

 

Karaoke

 

Rosas en el Mar es una canción sofisticada y claramente nocturna, eso lo podemos apreciar tanto en la letra como en el tempo. La noche tiene algo que me interesa mucho a nivel visual así que el clip tenía que tener ese look como bien dices con una fotografía especial. Maite Astiz directora de fotografía ,-que ella sí que había estado no hacía mucho tiempo en Filipinas- me propuso tratar los espacios diferenciándolos por colores, así el rojo representaba la amenaza y los azules y amarillos estarían más relacionados con esa idea de esperanza que tiene la protagonista; en el bar se iría mezclando todo ya que es el lugar de encuentro entre los tres personajes principales y Joe . Maite  decía una y otra vez: ¨aquí hay que poner más leds¨ y Alba Urgell que en ocasiones ella era todo el departamento de arte pues los ponía. Ambas realizaron un trabajo impecable.  Así fuimos dándole forma a lo que entendíamos que tenía que ser la estética que contara este ¨melodrama asiático¨ . Para ir en sintonía con el look fotográfico, el atuendo de los personajes debería estar a la altura y Vicente Campillo consiguió integrar y definir a los personajes marcando el carácter de cada uno de ellos de una manera muy precisa.  No sé si esto responde a la pregunta pero supongo que es una multitud de factores, unos más conscientes y otros menos, los que determinan en definitiva como me planteé las imágenes que debían ilustrar un tema tan especial como Rosas en el Mar.

 -Llama la atención el triángulo de actores-actriz con Crepúsculo como demiurgo ¿Dónde habéis ido a por los intérpretes y cual ha sido la consigna para ellos?

 

Trio asiatico


Esta fue la parte más dura, en un inicio quería trabajar con filipinos no profesionales. Diseñamos carteles y digo diseñamos porque Jola Wieczorek - amiga y directora- y yo, nos dedicamos a ir por bares y restaurantes filipinos tratando de reclutar a gente para el casting. Al final pasa lo de siempre, el tiempo se te echa encima y no llegas, acabamos desesperados. Finalmente conseguí el teléfono del director de casting Edu Perez y me salvó, le estoy muy agradecido la verdad.  Conocí a Vanessa Castro la protagonista femenina y quedé encantado; si te soy sincero era igual que los dibujos que había realizado Pedro Espinosa para el story así que todo cuadraba. Luego vinieron Santi Kim y Daniel Kao que cerró el triángulo que daría vida a la historia. Con Crepúsculo la idea vino a raíz de un cuadro que descubrimos en el bar de Igualada -sí esa locali-zación que desmoronó todos mis planes para rodar en Filipinas-.  Se trataba de un cuadro en el que había un lago pintado al óleo, me gustó mucho y decidí que él interpretara la canción con ese fondo. Joe nos cuenta la historia desde el karaoke. 

 

Crepusmonitor

 

-Ya para acabar, aunque no te prodigas mucho con el formato videoclip, también has realizado una pieza para "La banda municipal del Polo Norte", en este caso producida por Malditos Produce. Danos unas pinceladas sobre este proyecto, con ese look tan bailable y ochentero.
Con la Banda municipal del Polo Norte fue diferente, el artífice de todo y al que estoy muy agradecido fue Marc Torrell baterista del grupo, él había visto el trabajo realizado con el clip de Mi fábrica de baile y se puso en contacto con Andreu Vidal y conmigo para hacer un video clip sobre el tema ¨Bailando Mal¨ del álbum Calor.  Ese fue el punto de partida, a continuación vino el toro mecánico, el nerd,el guante de Michael Jackson, las luces negras, el acuerdo en la cocina, el grupo en la bolsa, el cuerpo de baile, en positivo, en negativo, los hombres de traje, el juego de cartas y tantos otros elementos bañados en una luz difusa y aterciopelada obra de Miquel Prohens, todo esto, para referirnos a una Europa raptada y en decadencia que quiere que todo el mundo baile mal, con un toque ochentero y con una banda de música brillando a golpe de filtros promist. 
 

Claqueta

 

-¿Algún video musical más en cartera o proyecto musical confesable digno de mención?

No tengo ningún proyecto de video clip por ahora, pero todo puede cambiar, si alguien me ofrece rodar en Filipinas yo me apunto. 

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   12.sep.2017 01:57    

Pablo Maestres: maestro de sueños

 

 Pablo Maestres, uno de nuestros "niños prodigio" predilectos en ARS, nos ha vuelto a sorprender con un videoclip fascinante para los franceses Polo&Pan.

Rodeado de un magnífico equipo, Maestres hace gala de un pulso narrativo y un gusto estético admirables que le están catapultando como un realizador de referencia con voz propia.

Son ya varias las reseñas que hemos hecho sobre el autor y reconocemos que no nos cansamos de analizar y apreciar su obra.

Nos adentramos sin más dilación en su última creación plena de sensualidad y glamour, evitando lo previsible y potenciando lo onírico. 

Agradecemos,  por adelantado, la cesión de fotos de Lúa Ocaña,  que se ha encargado de la foto fija del rodaje de este clip. Estupendas imágenes que nos han servido para ilustrar la entrevista. 

 

 

 

 

Polo&Pan_039Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

 

-Lo primero de todo es preguntarte sobre cómo llegas a la banda francesa...en otras ocasiones te han llegado las propuestas a través de la productora Friend ¿Cómo ha sido en este caso?

 

En este caso fue a través de Frenzy, la productora que me representa en Francia. Fue uno de estos vídeos que tal cual llegó lo escribí, no siempre pasa esto, pero lo vi bastante claro, tenía que ser esta historia en este mundo. 

 

- Se trata de un trabajo elegante y preciosista, desde el plano inicial y hasta los créditos finales.

Dentro de la armonia del conjunto, lo primero que salta a la vista es esa coreografía entre naif, kitchs y glamourosa, realizada por Tuixén Benet, habitual del género¿Cómo llegas hasta ella y cual fue el planteamiento de trabajo?

 

Tuixén es amiga desde hace tiempo, hemos trabajado en otros vídeos juntos y tratándose de un vídeo de coreografías tenía claro desde el principio que quería proponérselo. Hicimos varias reuniones, hablando del estilo de baile, de como lo rodaríamos y de la historia del vídeo, para que todo fuera en conjunto. El referente principal era Bob Fosse, era el tipo de baile que pegaba dentro de este mundo de los años 60, queríamos ser fieles a la época en varios aspectos y huir de las coreografías más contemporáneas

 

 

 

 

-También destacaría la historia, sencilla e hipnótica con citas a películas como American Beauty y fantasías visuales en la linea de El Gran Lebowsky de los Coen. ¿Cuál ha sido tu concepción para la puesta en escena?

 

En general quería hacer un vídeo elegante. La historia tiene un punto bastante sexual, pero me parecía muy interesante que este punto no fuera explícito sino que se convirtiera en un juego tanto para los actores y bailarines como para el espectador. Por ello partía del tono de películas como “The Party” de Blake Edwards o “How to succeed in business without really trying” de David Swift, comedias de los años sesenta facilonas pero altamente estéticas. 

 

 

Polo&Pan_187Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- Uno de los aspectos que siempre me impresiona de tus piezas es el cuidado en la selección de actores/actrices, muy en sintonía con la historia. En este clip, Yulia y Laurent junto al resto de secundarios están magníficos...¿Cómo fue el proceso de casting y las indicaciones de dirección por tu parte?

 

El proceso de casting fue complicado, los videoclips siempre tienen recursos bastante limitados. Trabajamos con Edu Pérez, con quien he trabajado ya otras veces, y con Jessica Gómez coordinando todo el casting. Intentamos ir a lo grande, buscando los actores perfectos, aunque no estuvieran en España, sabiendo que podrían no aceptar o no estar interesados, ¡pero tuvimos suerte!. Fue uno de los procesos más costosos del vídeo

 

 

Polo&Pan_284Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

Las indicaciones, o más bien los personajes, ya tenían forma a través del guión. La anfitriona debía ser mística, alguien que no sabes muy bien de que época o cultura procede, alguien sensual pero con mirada fuerte, con poder. El camarero debía estar a la altura de la anfitriona, es su cómplice, y tener siempre un punto canalla pero contenido, es el personaje que nos guía a lo largo del vídeo, y debía mantener una actitud chulesca y con la intención de tramar algo.

 

Los invitados/bailarines debían comenzar de una forma más contenida, más naïf, e ir desmadrándose a lo largo del vídeo, a medida que se embriagan. En cualquier caso, quería mantener el punto contenido, me parecía muy interesante jugar con lo políticamente correcto de las comedias de los años sesenta, y utilizar la parte más sexual a través de perspectivas subliminales, como si no hubiera pasado nada pero está pasando. 

 

 

Polo&Pan_064Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- La localización, por cierto, es un personaje más ¿Dónde habéis rodado, se ha intervenido mucho el espacio, en cuanto a decoración y atrezzo?

 

Rodamos en el antiguo casino de Sitges, el cual tenía muchos espacios que nos servían y de gran tamaño, para poder hacer los movimientos de cámara que queríamos. La base ya estaba perfecta, pero nos remitía más a un casino o un hotel que a una mansión particular. Así que fuimos acotando espacios, cambiando suelos, e intervenido en gran medida cada una de las escenas con mobiliario y detalles de color. Fue un trabajazo por parte de Anna Colomer y su equipo, ¡nunca fallan!

 

 

Polo&Pan_254Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- Ya para acabar, no quería dejar de citar a tu imprescindible equipo como Anna Colomer, Marc Miro, etc... ¿Alguna mención especial en este trabajo?

 

La mención se la hago a ellos, al equipo con el que trabajo siempre que puedo, Marc, Anna, que junto con Laia Barot hacen posible lo imposible. En esta ocasión trabajé por primera vez con el tandem de estilistas Poliéster, y el resultado fue genial! Desde entonces ya hemos repetido en otros trabajos. También tuvieron un gran trabajo que hacer en Metropolitana, encargados de la postproducción y el color, con Marc Morató, con quienes estuvimos buscando e investigando formas de darle un look especial a la pieza. 

 

 

Polo&Pan_117Fotografía: Lúa Ocaña

 

- Creo que habéis rodado con Alexa, y que para la estética final habéis tenido un arduo proceso de colorimetria. ¿Puedes comentarnos a grandes rasgos las claves de ese proceso de postproducción?

 

Polo&Pan_255Fotografía: Lúa Ocaña

 

Rodamos con Alexa si, y ópticas vintage. Como decía antes, hicimos muchas pruebas para conseguir el look. En cuanto al color, intentamos tratar cada tono por separado, separando así los colores de cada uno de los vestidos y detalles del arte. Intentamos también oscurecer las pieles de hombre y aclarar las de las mujeres, tomando como referencia las películas de Hitchcock de los años 60. Tras esto jugamos con máscaras de enfoque y grano

 

 

Polo&Pan_291Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   29.ago.2017 14:38    

Xaime Miranda: gotelé audiovisual

Vamos con un post eminentemente galego. En la localidad de Fonsagrada (Lugo) nos encontramos a Xaime Miranda, un realizador audiovisual que entiende el videoclip como una herramienta de experimentación, una auténtica exploración estética, un medio de expresión artística para grupos como The Brosas, Agoraphobia, Mequetrefe, Oh! Ayatollah... Sus trabajos son variados, al servicio de los diferentes estilos musicales, pero también muestran una personalidad muy marcada.

Nos adentramos en el "universo Miranda", un "Gotelé" audiovisual rompedor que aporta gran frescura al panorama del videoclip español.

 

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-Xaime, eres un realizador con una trayectoria de varios años en los que has desarrollado diversos proyectos: videoclips, trailers, ensayo audiovisual, documental,...

¿Cómo surge tu vocación y con qué formato te sientes más cómodo?


La verdad es que acabé en esto de forma un poco accidental. Empecé a estudiar la carrera de medicina, pero la dejé porque no me sentía capaz de sacarla adelante. No tenía ninguna otra opción en mente, pero sí una afición por el cine. Así que, un poco a ciegas, decidí matricularme en Comunicación Audiovisual. Durante la carrera descubrí que del audiovisual me interesaba sobretodo su capacidad como herramienta narrativa, no solo en el cine, también en otros medios como el videojuego o el videoclip.

En cuanto a los formatos, el videoclip es el único que he realizado con una vocación más o menos profesional. Los otros han sido experimentos puntuales, o en el caso del documental un trabajo universitario. De todas formas, y aunque tengo pensado continuar realizando videoclips siempre que alguien me los pida, mi intención es realizar algún cortometraje en cuanto sea posible.

 

- El videoclip es fundamental en vuestra carrera. Habeis trabajado con bandas muy variopintas arraigadas en Galicia  como The Brosas, Agoraphobia, Mequetrefe, Oh! Ayatollah... os habéis convertido  en cierto modo, en cronistas audiovisuales de la escena galega.¿Cómo es el ambiente músical y qué papel estáis desempeñando en este contexto?

 

Pues lo cierto es que, aparte de los videoclips que realizo, no tengo mucha más conexión con la escena musical.

 

Desde la distancia, y a través de lo que me llega por las redes sociales, tengo la sensación de que hay una proliferación de grupos y de que se hacen muchas cosas.  Pero, por un lado, vivo en un pueblo bastante alejado de los centros culturales en los que hay conciertos y por otro, mis intereses musicales personales son bastante antagónicos a lo que  hoy en día se prodiga. A pesar de eso, me resulta interesante realizar videoclips de bandas con las que, en un principio, no tengo nada en común y a las que normalmente no escucharía de no ser por los videoclips que me encargan.

 

 

 

-Es difícil quedarse con uno solo de vuestros trabajos, por un lado destacan vuestros vídeos musicales para una banda como Oh!Ayatollah. En Nunca Mais tiras de psicodelia, gamberrismo, mezclando formatos y con toques de postproducción.  ¿cómo surge este proyecto?

 

Nunca Máis surge después de haber trabajado con Oh!Ayatollah en Mi Re La.

Por un lado, queríamos volver a hacer un vídeo sencillo que se pudiese rodar en un par de tardes.  Por otro, Oh!Ayatollah querían profundizar en un universo referencial que conectase con el público millennial, ya que en Mi Re La habíamos tirado más de referencias ochenteras, y ellos, que son muy jóvenes, no se sentían del todo identificados. Así que nos pasamos un par de días viendo vídeos de trap e intentamos hacer nuestra propia versión. Tanto en el rodaje como en la postproducción nos dejamos llevar por un espíritu de hacer las cosas a la primera y sin pensarlas demasiado. Además, mi hermano Antón, que es más joven y está más familiarizado con las referencias que manejábamos, se encargó de los diseños y de la postproducción.

 

 

 

-También para ellos realizáis Mi Re La, un relato ochentero,  plagado de referencias cinematográficas y apelando a las imágenes de archivo. Es una pieza narrativa, de tono lo-fi. En que os habéis inspirado y como surge la idea de este videoclip?

 

La realización de Mi Re La fue un proceso bastante caótico. Desde Oh! Ayatollah me presentaron la idea de un detective que investiga el robo de corazones. A partir de ahí elaboramos un guión rudimentario. Realmente, la idea era copiar descaradamente la estética y las formas de Sabotage de los Beastie Boys.

Así que compramos unas pelucas en un chino, llamamos a unos amigos y nos pusimos a rodar.

Pero era la primera vez que rodaba sin ayuda de un equipo y, al no tener nada planificado, todo se fue descontrolando. Al final rodaba sin tener ni idea de cual seria el resultado. Además, dada la falta de organización, el rodaje se iba alargando y teníamos que hacer las cosas a toda prisa. Al final el material resultante era un desastre: todo estaba desenfocado, los planos no montaban… Para intentar arreglarlo decidimos aderezarlo con postproducción en exceso y así disimular nuestra ineptitud. Un gotelé audiovisual a base de acabado en VHS, imágenes de archivo, aberraciones de color y rotoscopia cutre.

 

- Otro de vuestros grupos fetiche es Mequetrefe,  para los que diriges magníficas creaciones como Floating  (relato psicótico con toques de psicodelia), o el reciente Finlandia, un trallazo visionario y erótico.¿ cual suele ser vuestro método de trabajo con la banda de Santiago?

 

El proceso de trabajo con Mequetrefe se basa en intentar plasmar en imágenes el universo que el grupo crea con sus canciones. Primero solemos discutir las intenciones, influencias y significados detrás del tema y buscamos un marco de referencias básico. A partir de ahí, me dan total libertad para crear lo que el tema en cuestión me sugiera.

 

 

 

En el caso de Floating, creamos un relato psicodélico y violento que incorpora elementos que son frecuentes en la estética de Mequetrefe, como las atmósferas inquietantes y las vacas.

 

Por su parte, Finlandia es un tema en el que hay mil cosas pasando a la vez, que necesita varias escuchas para poder digerir todas sus capas sonoras. Así que me propuse hacer lo mismo con el vídeo. Traté de crear una historia con diferentes influencias cinematográficas, y después desmontarla, trocearla y presentarla de nuevo de la forma más confusa posible para que el espectador activo trate de sacar algo en limpio de ese aparente caos. Además, otra parte de la idea era elaborar una mitología alrededor de el Esmelgador, un personaje inventado por Mequetrefe, que sale en videos anteriores de la banda, y que lleva una máscara de apicultura.

 

 

-En este sentido y atendiendo a otras piezas que habéis hecho para grupos como Agoraphobia o The Brosas ¿hasta qué punto consideráis que tenéis un estilo definido?

 

Lo cierto es que he realizado vídeos para grupos con estilos muy diferentes y en cada caso he intentando conectar con la estética y los gustos del grupo a la hora de plantearme qué hacer.

 

A su vez, he querido aprovechar para explorar cosas diferentes en cada ocasión sin tener nunca la intención de mantener ningún tipo de coherencia estética o definir un estilo.

 

 

 

-Por cierto,  hace más de siete años ya diriges un documental titulado "Galiza Bravú", una pieza dedicada al rock galego. ¿ Podría estar en este trabajo el germen de lo que ha sido luego todo?

Como comentaba antes, Galiza Bravú fué un trabajo universitario que dirigimos Elena Lombao, Sabela Sampredo y yo. A pesar de que, efectivamente, se trata de una pieza que está relacionada con el mundo de la música, nunca lo había visto como un germen de nada, pero lo cierto es que con Elena he vuelto a trabajar en varias ocasiones y Sabela es guitarrista de Agoraphobia, para las que realicé el video de City of Alexandria. Así que algo hay.

 

 

-No quería finalizar sin mencionar alguno de los nombres que aparecen de manera constante en los títulos de crédito de tus obras. Antón Miranda o Elena Lombao supongo que son parte imprescindible de tu equipo de trabajo, cuéntanos brevemente cómo soléis distribuiros las funciones para alcanzar la estética final qué buscáis…

 

Creo que un videoclip es un trabajo colaborativo y aunque el reparto de funciones es muy variable de un proyecto a otro, me parece importante que todos aporten su visión, aunque cada uno se enfoque en su departamento concreto. En nuestro caso, Elena aporta su experiencia de dirección de fotografía y Antón sus conocimientos en diseño gráfico e ilustración.

 

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   15.ago.2017 09:40    

Al meu ritme 2017: música y memoria

En A rienda suelta llevamos tiempo siguiendo la pista a una iniciativa titulada "Al meu ritme", un proyecto que aúna las inquietudes de músicos y vecinos del Prat de Llobregat.

Este año el desafío ha sido más ambicioso ya que desde La Capsa, la Escuela Municipal de Música y la productora Tots Sants se pretendía reivindicar el valor espiritual y humano de la música a través de las voces de los propios vecinos de la localidad.

Así pues nos encontramos ante un documental o más bien un ensayo audiovisual trufado de entrevistas y de actuaciones musicales que suponen un auténtico canto a la música en toda su extensión.

Merece la pena adentrarse en este visionado a caballo entre el reportaje, el videoclip, la actuación en vivo, ... que nos transporta por vivencias irrepetibles y melodías insustituibles.

Os dejamos con esta pieza entrañable, realizada con cariño y criterio que hace un recorrido por la memoria colectiva musical de El Prat de Llobregat.

Y es que sin música "no seríamos nada",  "la música es todo" y además "alegra el corazón",...como dicen algunos de las participantes en este documental.

 Además, hablamos con los responsables de esta pieza, que nos cuentan cómo se ha gestado este Al meu ritme.

 

- Este año la edición de Al meu ritme ha sido muy ambiciosa con una especie de ensayo documental de más de media hora que profundiza en la música y en la memoria. ¿Cómo surge este proyecto que va más allá de la habitual selección de una canción y su consiguiente interpretación?
 
Pues precisamente surge de la necesidad de no repetirse y profundizar un poco más en la relación entre la música y la sociedad. Después de la epopeya del año pasado, nos pareció que no tenía demasiado sentido repetir la fórmula pues corríamos el riesgo de caer en un cierto manierismo, así que nos pareció interesante explorar una vía que nos permitiese un contacto más directo con la gente de la calle. Una fórmula clásica y senzilla, la de pregunta y respuesta micrófono en mano, pero que bajo nuestro modesto punto de vista sigue siendo una fuente inagotable de conocimiento.
 
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- Uno de los aspectos más interesantes ha sido la participación de los habitantes de El Prat contando sus impresiones y cómo es su relación con la música. ¿ qué criterio habéis seguido a la hora de seleccionar a los encuestados?
 
No hemos seguido ninguna pauta concreta, más allá de la obligación moral de seguir un criterio de representatividad lo más amplio posible, sobretodo en cuanto a la edad. Salíamos a la calle, por la mañana, e íbamos charlando con la gente que nos cruzábamos, intentando cubrir el máximo territorio posible.
 
- De la misma forma todo el metraje está trufado de actuaciones de las distintas canciones que va seleccionando el pueblo del Prat... ¿ contadnos brevemente cómo ha sido el método de trabajo, una vez que se había determinado que canciones iban a formar parte del documental?
 
Ensayar un montón fuera del horario laboral, cuando la disposición de los músicos lo permitía y contar para ello con su altruismo, entusiasmo y alegría. Sus ganas de participar son sin duda una de los motores del proyecto, junto con el empuje y la impecable dirección musical de Ignasi Cama por parte de l’Escola Municipal de Música del Prat y Willy Macià por parte de La Capsa.
 
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- En cuanto al reportero que va haciendo las preguntas. ¿hasta qué punto se trata de algo preparado o se ha improvisado?
 
Mitad y mitad. Teníamos unos cuantos temas claros en la cabeza sobre los que preguntar a la gente, pero partiendo siempre de la base que una de las principales virtudes del formato es la espontaniedad y frescura de la gente y que por tanto siempre hay que dejar un margen amplio para dejarse llevar por nuevos hilos que nacen de respuestas inesperadas.
 
- Uno de los aspectos más interesantes del proyecto ha sido la combinación de juventud y madurez en los participantes. Al final conseguis un crisol en el que además se profundiza en la memoria musical de la localidad del Prat. ¿Hasta que punto los proyectos de La Capsa están retroalimentando ese espíritu musical de la localidad?
 
Ésto os lo deberían contestar los responsables de la Capsa, puesto que no estamos en disposición de hablar en su nombre, lo único que os podemos decir al respecto es que nos sentimos muy cómodos trabajando con La Capsa y trabajando en el Prat. Nos sentimos cómodos porqué compartimos una misma pasión por la música como una de la formas más potentes y bellas de expresión y comunión que posee nuestra sociedad, y porqué es un placer comprobar como esa pasión se aplica a diario a la realidad immediata del Prat, cosiendo barrios y comunidades.
 
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-  Desde el punto de vista técnico y de realización con qué material habéis trabajado y cuáles han sido los mayores retos a la hora de hacer la captación de imagen y sonido?
 
Dos Canon 5D Mark III en mano grabando simultáneamente, alternando ópticas de 50 y 35 mm para los planos generales y medios, y un 70-200 mm para los planos cortos y detalles. Intentando con ello tener la máxima agilidad de movimientos para poder seguir la realidad mientras sucede. Por lo que a la captación de audio se refiere, hemos usado una grabadora portátil de cinta Uher 4200, en un pequeño homenaje a la Encuesta sobre el Amor de Pasolini. Para la grabación de las canciones la cosa se complica un poco más: cinco cámaras y mayor variedad de objetivos. Los retos son siempre los mismos, no volverse demasiado loco a la hora de lidiar con metrajes largos y varias cámaras, más cuando el sonido ha sido captado a parte y de forma analógica. Sin embargo, creemos que el hecho de grabar en cinta va más allá del capricho fetichista y permite, en estos tiempos de unos y ceros, legar un testimonio físico de la historia del Prat.
 
-Ya para finalizar nos gustaría saber si esta pieza audiovisual va a tener algún recorrido comercial más allá de su exhibición en Youtube.
 
Aunque el espíritu de “Al meu ritme” no es otro que la celebración del Día de la Música en El Prat de Llobregat mediante la participación de sus habitantes, nuestra intención es siempre llegar al máximo número de personas posible, así que, tal como planteas, sería muy bonito poderle dar un cierto recorrido más allá del Baix Llobregat.
 
Almeuritme a La Capsa
 
¿ Podéis adelantarnos novedades de Al meu ritme del año que viene? Con cuánto tiempo se planifican estas actividades qué implica una movilización de personas tan grande?
 
Otra vez quién puede responderte a esta pregunta son los responsables de La Capsa. Nosotros hemos tenido el placer de participar en este proyecto durante dos años consecutivos, pero no sabemos si va a tener continuidad, ni si vamos a tener la fortuna de seguir encargándonos de la parte audiovisual. Dejando eso a un lado, la producción de “Al meu ritme” conlleva unos seis meses de trabajo. Des de la gestación de la idea, pasando por la coordinación de los músicos y el rodaje, hasta la post-producción y organización del estreno de la pieza en La Capsa. Un proceso laborioso que sería imposible sin la buena sintonia de todas las partes.

 

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers    1.ago.2017 11:55    

Perez y Stein: culto al ektachrome

Vamos con un post eminentemente fresco, breve y veraniego,  otro videoclip de nuestros amados Perez y Stein, una pieza rodada en 16 mm para la banda instrumental Forastero, un combo "jazz funk electrónico cinemático bailable"....

Qué mejor que dejaros con las notas de producción de los realizadores, un tándem creativo que profundiza aún  más en su estilo analógico y experimental.

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"Habíamos descartado la posibilidad de rodar en negativo infinidad de veces, pero hay ideas que se te pegan al cerebro y cada cierto tiempo vuelven. Ahí, entre el impulso creativo y el formato  se encuentra gran parte del misterio de crear imágenes. Acabamos de rodar un videoclip con negativo  caducado traido de New York y el resultado nos encantó. Las texturas e imperfecciones aportaban algo más que pura estética. Nos atraía mucho la textura y color del ektachrome un negativo que hacía décadas que no se fabricaba. Nos pusimos a la caza de algunas latas perdidas por el mundo.

Un día comiendo en un mesón castizo, reunido con el equipo con el que colaboramos siempre, la estética del lugar nos embargo... Cazuelas de barro, figuras de porcelana y un aroma a los 70 que echaba para atrás, los años del destape, Nadiuska, Alfredo Landa y la Serie S. El invierno nos hacía pensar en lana, en sexo suavecito y en música instrumental, fantaseabamos con unir ese maravilloso negativo caducado con una historia de lujuria y sexo enmarcada en una atmósfera de los 70.

Conseguimos una Arri Sr3 un zoom Zeiss y sólo nos faltaba la banda sonora: el sello Lovemonk tiene a las bandas más cool y nos presentaron el sonido electrónico  punk jazz rock cinemático bailable de la banda Forastero.

Es picante, es sensual y es suave.

El resto es Frenesí."

 

 

 

 Buen veranito y recordad:

  "Todos somos Pérez y Stein".

Hasta la próxima aventura!

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Sarmient Peppers   18.jul.2017 00:20    

Granajoven: los clips más "granados"

Hablar de Granajoven en un clip es hablar de un certamen al que hemos visto crecer desde el principio y con el que desde "A rienda suelta" colaboramos habitualmente.

Parece que fue ayer pero ya son cuatro años de este Concurso que se ha ido convirtiendo en una referencia nacional por la cantidad y la cantidad de los vídeos musicales que concurren.

 La Gala de entrega de premios tendrá lugar el viernes 30 de junio en el Centro Cultural Caja Granada, en el que se proyectarán las obras seleccionadas y para poner el colofón actuarán los grupos granadinos Lemon Parade y Apartamentos Acapulco.

 

GALA CLAUSURA DE LOS PREMIOS IV CONCURSO GRANAJOVEN EN UN CLIP

 

Para ir abriendo boca os dejamos con algunos de los mejores videoclips de esta edición, que, una vez más, han destacado las creaciones nacionales, pero también las específicas de Granada y del mundo universitario.

El primer premio (1850 euros) ha recaído en "Fade" de Chloé Bird, dirigido por Ainhoa Rodríguez, uno de los videos más destacadas del último año, a la que le dedicamos un post específico en ARS y que está recogiendo multitud de galardones, tanto en España como fuera de nuestras fronteras.

 

 A continuación, os proponemos una panorámica por las diferentes categorías que han recibido premios.

PREMIO AL MEJOR VIDEO CLIP GRANADINO  

- Título: "NM". Autora: Leocricia  Díaz Saban. Interprete: Niños Mutantes

 Una pieza que juega magistralmente con el uso de la pantalla partida, la geometría y la abstracción.

 

 

PREMIO AL MEJOR VIDEO CLIP UNIVERSITARIO

Título: TONIGHT IS THE NIGHT. Autor: Javier Chacártegui. Interprete: Jump in the River

Un canto a la libertad y a la rebeldía, todo captado a través de los ojos de un joven, rodado con nervio y vigor.

 

 

El resto del Palmarés (accesit, nominados, etc...) lo podéis consultar aquí.

Como siempre, animamos a que desde el Ayuntamiento de Granada se siga promocionando esta actividad, que se nos antoja ya imprescindible dentro del calendario de videoclips en nuestro país.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   27.jun.2017 01:35    

Caostica 2017

Caostica es sin duda uno de los Festivales de referencia de cuantos se celebran en España dedicados al audiovisual en múltiples facetas.

Por experiencia (ya son 15 ediciones) y por línea editorial (siempre alejado del mainstream) es un certamen que nos sorprende por sus originales propuestas y la variedad de iniciativas.


Desde hace varios años en ARS! seguimos la pista a Caóstica, y esta edición tampoco nos ha decepcionado.

 

3-ARTXANDA VIERNES _ NITYA LOPEZ

 

Os mostramos el Palmarés ganador dentro de la sección de videoclips.

 

Primer premio: 
Mrozu-Duch (Zuzanna Plisz, Polonia)

 Una bella historia de amor que trascurre en un mundo distópico, donde la narración conjuga la tensión dramática pero también la poesía.

 

La imagen puede contener: texto

 

 

 

 

Videoclip Mención Bizarro:
Wedding Night-Ursus Factory (Enrico Butelli, Estonia)

 Un mundo delirante con músicos vestidos de novia, hamburguesas, sexo y demás personajes de peluche...

 

 

Mención Videoclip:
My Private Dance Alone - Aaron Rux (Pablo Hernando, Euskadi)

Y por último esta mención especial que ya estrenamos en la web de Radio 3 y que apela a lo bizarro y a lo carnal.

 

 

Os dejamos con estas fotos que nos sirve para tomar el pulso a esta reciente edición.

 

4-ARTXANDA VIERNES _NITYA LOPEZ

5-ENTREGA DE PREMIOS _ CARLOS GIL

Por muchos Caósticas y a por 2018!

Os dejamos con el resumen de la presente edición:

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   20.jun.2017 11:12    

Beatriz Sánchez: descubrirse constantemente

Volvemos a la carga con una de nuestras videocreadoras de cabecera (Beatriz Sánchez aka Beatroz/Loopita...), hace un año que hablábamos con ella a propósito de su videoclip "Calle 24" para Guadalupe Plata.
En estos últimos meses su actividad ha sido frenética y en esta entrevista nos cuenta algunos de sus inclasificables nuevos proyectos para Cabezafuego, Atom Rhumba, Las Rosas o Sonic Trash.

Beatriz sigue siendo una "outsider" con ese tono gamberro, bizarro, desprejuiciado... En esta última hornada de videoclips sigue, aún más si cabe, fiel a su estilo primigenio y se ha "des-digitalizado" . Todo es más analógico y hay una intención premeditada en reciclar errores y revelar el truco:

El truco visto también es magia porque tiene su ‘encanto’, nos confiesa.

 
Además se ha lanzado a la realización de visuales en conciertos,  "una especie de Art Attack en directo; todo bastante gamberro, nada tiene de Disney"

Performance, intuición, experimentación, provocación, ... pocos artistas visuales en nuestro país pueden lucir estas expresiones como Beatriz Sánchez en todo su esplendor, una activista cultural que no deja de descubrirse a sí misma constantemente.

 


-Beatriz, te has trasladado hace un tiempo a Bilbao donde sigues con tu actividad artística y da la impresión que este cambio de aires ha revolucionado tu biorritmo creativo. Últimamente has realizado piezas audiovisuales para Iñigo Cabezafuego, Atom Rhumba, Sonic Trash y otros grupos vascos (y no solo vascos) que vendrán. ¿Cómo está afectando este cambio de ciudad de residencia a tu obra?

Está afectando mucho. Vine a Bilbao con la idea de seguir desarrollando mi obra artística personal. Todo pintaba ser una buena oportunidad para dedicarme cien por cien a ello. Curiosamente, mi intención era apartarme del mundo digital y regresar a mi origen más gráfico pero, de la noche la noche a la mañana, como nos sucede a todos los freelances, me empezaron a surgir ofertas para realizar videoclips a cuatro bandas. Reconozco que me cuesta decir que no y, claro, cuando ya estaba en el ajo me vi con una lluvia de curro videoclipero solapado que ha provocado que ese biorritmo se dispare.

Y sí, la residencia artística que iba a realizar aquí era para seis meses y cinco se me han comido con estos trabajos. Aún así, creo que no me no me he alejado tanto de mis propias intenciones, porque la gran suerte que tengo siempre es que los grupos que me encargan vídeos saben cómo opero y nunca intentan forzar que maneje otro tipo de estilo. Quieren que sea yo, y esto me permite no abandonar mis propias investigaciones/procesos formales. De hecho, algo que distingue esta nueva hornada de vídeos es que he sido leal a mi propósito inicial y siento que me he des-digitalizado bastante. Los efectos especiales que ahora uso son físicos, a base de prótesis, animaciones analógicas, pinceladas y manos visibles que manipulan las figuras que aparecen. Siempre me ha gustado reciclar errores y revelar el truco. El truco visto también es magia porque tiene su ‘encanto’.

 


-Nos detenemos ahora en alguno de tus nuevos trabajos, por ejemplo, "Caramelos 6 de Julio" para Cabezafuego, con quien ya habías colaborado anteriormente. Es un videoclip que tienen mucho de videoarte, diría que es más una performance que un clip propiamente dicho. Me encanta ese cabezudo gigante y cómo interactúa con la gente, los niños. ¿Cual es es germen de esta pieza y qué mensaje hay detrás?

El germen es una interpretación basada en la historia que narra la canción, que va de una especie de psyco-killer de medio pelo. Un perro desgraciado, más ladrador que mordedor. El hecho de que el personaje lleve a cuestas esa cabeza monstruosa va con esa idea. Se supone que el protagonista es normal, pero él se ve deforme. Con esa cabeza le cuesta caminar, socializar, entrar por las puertas, tomarse un bloody mary, santiguarse, se deja el sueldo de un mes en champú... todo le sale mal. La gente le toma a guasa porque él mismo no se respeta. Se supone que esa cabeza está en su cabeza, por eso en algunos fragmentos se intercala el humano real. El protagonista no es Íñigo pero lo interpreta él, portando esa caricatura grotesca que me llevó más de una semana construir. Algunos momentos del rodaje se nos fue de madre porque realmente la cabeza era un trasto enorme. El pobre no veía ni oía nada, y hubo un par de hostias en las grabaciones (hostias que, por cierto, aparecen). Fue tan complicado rodar con ese cabezón que al final decidí que en el montaje hubiese una mezcla entre la narrativa planteada y los accidentes acontecidos por el camino. De algún modo, aumentaba la tragedia y la comedia de la historia.
Juego mucho a improvisar sobre la marcha y a veces, cosas que no estaban previstas es lo mejor que tienes grabado. Por ejemplo, cuando hice la cabeza se me fue de las manos la dimensión, y en el guión teníamos pensadas tomas en interior que ni de coña pudimos realizar porque literalmente no entraba por las puertas. Pues nada, la escena inicial en la que él se despierta de una pesadilla en la cama tuvo que ser grabada en la calle, con un plano cenital desde el balcón de la casa de Íñigo Cabezafuego.
Otra anécdota casual es la del cierre. Esos niños empezaron a gritar “que se tire, que se tire” de modo espontáneo y decidí usarlo para terminar el clip.

 


-Me ha sorprendido mucho el guiño que haces al final en los créditos firmando como Jeanne Weber, una serial Killer francesa de principios del S. XX. Cómo eres Beatriz! una provocadora nata...¿a qué se debe usar ese seudónimo?


¡Qué agudo! Creo que poca gente se ha dado cuenta del detalle.
La canción, al ir sobre una especie de psicópata, me pedía en los créditos poner nombres de asesinos o delincuentes famosos. Entre otros, puse Bertín Osborne pero Íñigo me dijo que eso sonaba asquerosamente español y que no lo pusiera. Fue el único cambio que me pidió.

 


-Continuamos con otro de tus videos musicales: Automatically Updated para Atom Rhumba, que acaban de editar single adelanto de lo que será su nuevo disco (previsto para después del verano). En este caso apuestas por el collage frenético y jugando con el metalenguaje de la informática. ¿Que has buscado con la propuesta visual de Automatially?

Con esta canción pega una bomba sucesiva de collages frenéticos. Animaciones rudimentarias (cuando digo rudimentarias digo prescindiendo al máximo posible de efectos digitales) empleando recortes, rayajos, pintura, materias, mecanismos, juguetes, objetos...
Muchas ideas locas fragmentas, consecutivas, vibrantes. Es como si un disco duro fuera a morir pero antes le pasara toda su vida en imágenes relampagueando en su mente. Lo típico de “vi toda mi vida pasar en un instante” versión ciber-muerte random informático.

Básicamente he buscado hacer algo que encaje bien con ellos sin quebrar mi modo de hacer. Pensar qué puede haber de mí en el sonido de ellos, ir a por ello, fundirlo y explotarlo sin límites. No me costó mucho, la canción Automatically Updated tiene partes muy divertidas, grotescas y absurdas que encajan perfecto con mis incoherencias representativas.

El tema de la computadora y el metalenguaje de la informática no es casual. Está porque la letra, que tampoco tiene mucho sentido, habla como de una especie de tipo que está muy cableado con todo. Tan cableado que, como si fuera Robocop, le da una especie de ataque donde sin permiso alguno se le restaura el sistema y se vuelve todo loco.

 


-Siempre me pregunto cuando veo uno de tus videos-collage, la cantidad de trabajo artesanal (recortes de prensa, tijeras, pegamento, fotomontaje...) que lleva. ¿Cuánto hay de artesanal y cuanto de digital en este videoclip, y qué software sueles usar para la animación?

Lo único digital que hay en ese videoclip es la edición, que la suelo hacer con Premiere. La captura y secuenciación de las imágenes las realicé con un programa de stopmotion, hay varios. El que yo usé se llama DragonFrame, y espero que me den una propina por promocionarles en esta entrevista.

 


Lo demás todo analógico: las animaciones están hechas fotograma a fotograma. Y elementos son de fuentes de internet pasadas por la impresora, siluetas de revistas antiguas recortadas a mano y fotos que realicé a los chicos de la banda, también impresas para animarlas y putearlas.

Lo que se me escapó un poco con este vídeo es que gozaba tanto explorando el mundo -nada novedoso- del ‘collage stopmotioneado’, que acabé animando unos veinte minutos de metraje. La canción dura menos de 2’30”. Lo de trabajar por intuición, experimentando por antojo, a veces se me escapa y me multiplico yo solita la faena.
Le pregunto muchas veces a Rober! de Atom que qué hago yo con todos esos fragmentos animados que han sobrado. No lo sabemos bien, sólo sé que para septiembre quiere que haga otra pieza diferente.

 


-Otra pieza destacada de este último año es la que has realizado para los neoyorquinos Las Rosas "Bad universe". Me ha subyugado esa obra, en la que demuestras que se puede hacer algo muy creativo con elementos muy sencillos. Aunque me da la sensación que engaña este video, pues es todo un plano secuencia (iluminado solo por tí cual "minera asturiana") que sospecho tiene una preparación previa muy exhaustiva. Me encanta la propuesta, y esa animación que haces sobre la marcha. Cuéntame cómo has pergeñado esta pieza y cómo accedes a un grupo nada menos que de Nueva York.

Este encargo fue algo bastante improvisado y me surgió en medio de toda la faena de los vídeos de Atom Rhumba y Sonic Trash. Acepté, pero como penitencia decidí no moverme de Bilbao en Semana Santa y así darle caña a todo.
Las Rosas es una banda que conocí en uno de los espectáculos en directo que hago con Cabezafuego (BUMAYE!).

 

 

Compartimos escenario en Bermeo y fue como un flechazo mutuo. Ellos vieron lo que hago en directo y me contactaron un mes después para que les hiciera algo así de sencillo, casual e inmediato. Me daban una semana y me pareció un disparate que me pidieran algo así, pero lo que hago con Cabezafuego y con Severine Beata en los directos es igualmente instantáneo… me dije ¿por qué no?
Así que este vídeo que acabé haciendo para ellos tiene mucho que ver con las cosas que ahora hago en los directos.
Tuneé una pared del estudio que tengo para trabajar en la Fundación Bilbaoarte con toda clase de cacharrería (recortes, muñecos, cartones, bengalas). Tardé un par de tardes en armarlo, lo hice todo un poco al tuntún sin pensar (muchas veces salen así mejor las cosas). Dos tardes para armar todo el cacharraje en el muro, una tarde para grabarlo. Mejoraría aspectos de ese vídeo, pero teniendo en cuenta la precariedad temporal con la que se hizo estoy contenta con el resultado.

-También me gustaría que me hablaras de los visuales en directo, igual una faceta tuya menos conocida pero que me parece muy interesante.
Haces vídeos para los conciertos en directo para Cabezafuego y para Severine Beata, entre otros... Cuéntame cual suele ser el método de trabajo con los músicos de cara a las actuaciones en vivo.


Para explicar este tipo de visuales que realizo en los conciertos suelo decir que es una especie de Art Attack en directo; todo bastante gamberro, nada tiene de Disney. Podría compararse con un videotutorial de recetas, ya que lo que se construye es totalmente manual y casero. Trae mucha tensión porque no llevo ningún guión fijo. Tengo una estructura general de elementos a usar, sólo eso. Voy dejándome llevar sobre la marcha, y lo mejor es cuando logro meterme en la burbuja y me olvido de la mirada ajena, como si estuviera sola en mi estudio haciendo pruebas, componiendo y jugando con todos esos elementos que suelo llevar en un carro de la compra petado de gilipolleces. Muchas veces pienso que si me robaran ese carro el ratero fliparía porque sólo encontraría: recortes, muñecos, pinceles, rotuladores, tijeras, gominolas, cartulinas de purpurina, estampas antiguas, reliquias de mi abuela, revistas de cotilleos o de música. Dispongo una webcam en cenital enfocando la mesa y mis manos. Esa es mi paleta.

 



-Ya para acabar, tu hiperactividad no cesa, y me consta que preparas nuevos clips para Atom Rhumba, Cabezabuego, Los Tupper (Santander) y otras peticiones que creo no puedes atender por falta de tiempo...Cómo encaja el formato videoclip en medio de tu experiencia creativa, porque no nos olvidemos que también realizas obras en el el seno de la Fundación BilbaoArte, sigues siendo una videoartista de pro... ¿Cómo se come todo eso Beatriz, cómo lo digieres?

Este es un tema que da para mucho, que me hace darle muchas vueltas a la eterna pregunta de qué es arte y qué no lo es. Muchas veces, el tipo de obra que hago se encuentra en un terreno de nadie, en la delgada línea que separa el “arte mayor” del “arte menor”. Esa frontera entre el cómic y el dibujo artístico, entre el videoarte y el videoclip, entre el meme y el arte político. Al final, ni los del cómic te aceptan porque es demasiado arty. A los curators tampoco les encajas porque eres demasiado graciosilla para casar con sus teorías herméticas. No me quejo tampoco, en el fondo les agrado pero no me sitúan bien en sus campos. Lo entiendo de algún modo y he asumido con mucho orgullo mi “outsiderismo”.

Javi Álvarez (Poderes Mentales), es un buen amigo que trabaja en una situación parecida con el que comparto estas cuestiones y pensamos igual. Sobre este tema, el otro día me contaba que los del rap dicen que lo que hace con Fluzo es muy arte para ser rap y a los de la música experimental les parece demasiado rap para ser arte sonoro. Pues ahí te quedas, Contreras, funambulismo contradictorio en las fronteras!

No voy a ser yo quien diga que lo mío es arte o no, pero sí sé que voy con la cabeza alta. Que me gano la vida siendo creativa y que todo tiene pinta de ir hacia adelante. Que los videoclips me permiten explorar y ampliar mi propio lenguaje, que una cosa no anula a la otra. Que me siento muy contemporánea y que soy leal en mi modo de hacer.
Mis primeras videocreaciones ya parecían videoclips, así que no creo que me esté apartando en ningún momento de mi desarrollo artístico.

 

 

-Tu trabajo más reciente es para los también bilbainos Sonic Trash, que estrenamos gentilmente en este post. Una pieza "medio Sun Ra (Space is the Place), Kenneth Anger y videoclips de Yello" en palabras de la propia Beatriz.
Aquí has optado por la pantalla partida, el found footage y un tratamiento muy psicodélico, con referencias a lo onírico... ¿Por qué ese tratamiento tan esotérico? A nivel visual has jugado con proyecciones, el glitch..., con que intención?

 
En la misma búsqueda de aparcar los efectos digitales, pensé en hacer un vídeo psicodélico que prescindiera del uso de los chromas. Sin tampoco inventar nada nuevo, opté por hacer los fondos del clip proyectando imágenes de archivo desde atrás. Para ello compré unas cortinas de la ducha color blanco, que van muy bien para retroproyecciones. ¿Qué pasó? que al ensamblarlas se ve el parche, ese rasgo low-tech que tanto caracteriza muchas de mis producciones.
El found footage fue una labor que también se me escapó y llegué a exportar unas tres horas de material extraído de internet. Las temáticas para esos fondos se dividían en cuatro bloques: dioses, catástrofes, arte, galaxias. Obviamente, no luce la paliza que hay detrás... ni falta que hace.
El tratamiento esotérico viene en parte por el texto de la canción, que habla de deidades, alabanzas y mitos caídos. Según mi interpretación, David canta casi como si fuera un profeta visionario. La idea que planteé es que ellos fueran una especie de dioses invasores, con aspecto entre secta setentera y adivino chungo-rappeliano de la tele.
El vídeo no tiene ningún tipo de filtro. Intenté cuidar que la iluminación original de los figurantes (varios filtros de color) funcionara como efecto. Lo más digital que tiene es el montaje compuesto por ventanas que se animan, con la intención inicial de darle un aspecto de teletienda ochentero.
El glitch no es intencionado tampoco, al extraer mucho material de internet es lo que tienes.. y como el glitch es mi amigo no me molesta.

Soy autocrítica y pienso que muchas cosas podrían estar mejor, eso puede ser eterno. Pero bueno, de lo positivo que me quedo con toda esta intensa etapa videoclipera es que he conseguido que sean muy míos al tiempo que son también muy diferentes entre los cuatro. Creo que he logrado cumplir dos objetivos importantes: evitar repetir los recursos y abusar del After Effects (que me encanta y seguiré indagando) pero sienta bien salir y probar otras cosas. Descubrirse constantemente.

Os recordamos que Cabezafuego y Beatriz Sánchez (BUMAYE!) actúan el jueves 15 de junio en el Fun House Music Bar de Madrid y el sábado  en el Monkey Week del Puerto de Santa María.

Abuela

 

Hasta la próxima aventura de ARS!

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Sarmient Peppers   13.jun.2017 10:57    

Anímic: todo coherente

Sin duda nos encontramos ante uno de los proyectos artísticos del año, el álbum conceptual "Skin" (Bcore,2017) de los catalanes Anímic se publicó el pasado febrero como un proyecto audiovisual colectivo, en el que cada una de las canciones del disco se transformó en videoclip.
En total ocho joyas dirigidas por diversos realizadores que ofrecen una visión caleidoscópica del disco y otorgan a la obra una nueva dimensión estética.
 
Hablamos con Louise Sansom, cantante de Anímic, que nos cuenta con detalle cómo se forjó esta iniciativa y cómo ha sido la colaboración con los distintos realizadores, con propuestas visuales muy diferentes pero que, paradójicamente, conforman un todo muy coherente.
 
 
 
 
 
-"Skin" es un disco conceptual, no solo en lo sonoro, sino también en lo visual. Nos ha sorprendido que cada canción vaya acompañada de su videoclip, realizados por distintos autores (algo no muy habitual en nuestro país). ¿Cómo nace esta idea y cual es vuestro propósito al plantear esta propuesta audiovisual?
 
El propósito es totalmente artístico como no podía ser de otra manera, todo ocurrió porque planeamos muy bien el tiempo entre grabación y salida, de repente teníamos casi tres meses en medio, teníamos master en una mano y demasiado tiempo en el otro y eso hace que la cabeza de vueltas y pienses bien las cosas, sabíamos que queríamos un video pero no nos decidíamos con la canción, en cambio ya eran varios los directores con quienes hacía tiempo hablábamos. Nuestra música siempre ha tenido un componente cinematográfico y las imágenes siempre potencian la música, con tanto móvil y ordenador, muchas veces el oyente ve tu música antes de oírla así que nos apeteció que el público pudiera entender la música de forma visual desde el primer momento. Yo soy un poco culo inquieto y sentía que el disco no estaba completo sin los vídeos, así que me puse a contactar con todos los directores, a todos les dijimos, no hay dinero, solo la posibilidad de pasar un buen rato juntos creando un proyecto donde la música no será lo importante, solo será la llama que encienda la mecha, por eso hemos querido dar mucha importancia a los vídeos y sus directores ya que al final el disco ha quedado como la banda sonora de todo un proyecto conjunto.
 


-Los vídeos musicales se han ido estrenando progresivamente en diversos medios. ¿Cual ha sido vuestro criterio, a la hora de seleccionar los realizadores que se han hecho cargo de cada canción, que recordemos son: Juanjo Montañés, Nikita Routchenko, Marc Ortiz, Marta Busquets, Maria Padró, Laura Sisteró, Jazz Rodríguez & Carla Pérez Vas y Biel Andrés?
 
El criterio en realidad ha sido sencillo, Juanjo es parte de Anímic y hace unos videos chulísimos así que estaba claro que no podía faltar, Nikita hace ya un par de discos que trabaja con nosotros, a mi me flipa su forma de trabajar, es muy ‘guerrero’, trabaja como a mi me gusta porque no tiene limites, que no hay dinero da igual, esto lo enganchamos con celo y lo otro lo aguanto yo el pie… es lo más! Me gusta mucho la gente que puede crear algo de la nada y siempre con positivismo.
 
 


 
Con Marta y Biel pasaba prácticamente lo mismo porque ya habían hecho cosas con nosotros y les tenemos mucho amor y cariño. Marta tiene el don de captar los sentimientos con muy pocos planos, una sola mirada te pone los pelos de punta y Biel es un amigo de toa la vida que vive en Copenhague, nos parecía muy acertado rodar Whales, un tema frío, allí.
 


 
Las últimas tres directoras sí fueron más buscadas, a Maria Padró la conocía Juanjo de unos años antes y nos habían dicho que vivía en Londres, enseguida conectamos con la idea de hacer Inhuman allí, quizás es la que hemos podido más plantear una idea en concreto porque lo teníamos bastante claro. Con Jazz y Carla fue por amor a su estilo y proyectos, encontré un día hace mucho tiempo un mini-vídeo en youtube de Jazz haciendo pruebas con una cámara en una serie llamado Llums, me fliparon las sombras y la intimidad que se creaba y sabía que era lo que necesitaba el tema de Hidden, la canción más íntima y personal del disco. Y por último está Laura Sisteró, es una directora impresionante y ha hecho uno de los vídeos más fascinantes, grabado totalmente con un iphone 7 en un hotel de Benidorm, ella era alguien con quien me apetecía trabajar hacía tiempo, pero había que encontrar la excusa :)
 

 

- Una de las virtudes del proyecto es que, aún teniendo en cuenta la variedad de estilos, los clips conforman un todo integral que va más allá de cada individualidad.
 


Así nos encontramos el ritmo trepidante de "Glass” (Marc Ortiz), la animación psicodélica de "TV" (Nikita Nikita Routchenko), el formato vertical y las nuevas tecnologías en "Slave" (Laura Sisteró), la deconstrucción en Blanco y Negro de "Gem" (Juanjo Montañés, que además se encarga de los samplers en la banda).
¿Qué diseño estético global habéis planteado, alguna pieza que queráis destacar particularmente?
 
Lo fuerte es que casi ninguno se conocía entre ellos, ni hablaron sobre que hacía cada uno, les dimos total libertad artística, sin pautas ni ideas (solo en Inhuman y Hidden a nivel de idea principal, luego cada uno hizo su interpretación), de hecho hubo algún vídeo que ni sabíamos de qué iba hasta casi un par de semanas antes de la entrega, así que realmente hubo una gran coincidencia y vimos que lo que queríamos transmitir a nivel de mensaje y estética se había transmitido a través de la música!
 

 

Fue muy emocionante ver cómo un hilo conductor creaba todas esas ideas y los ponían en común sin una relación previa! No se puede destacar a ninguno por que para nosotros cada uno es un universo muy diferente unidos por un mismo punto, igual que nuestras canciones.
 


- Otra cuestión interesante es lo que tiene que ver con la planificación de esta obra colectiva, imagino que ha habido un gran trabajo coreográfico de cara a los distintos estrenos que se han ido sucediendo. ¿Cómo se ha diseñado este proceso creativo?
 
Pues en realidad fue muy fácil, no las sacamos progresivamente pero somos conscientes de que al publico se acaba llegando todo poco a poco. Con el anterior disco nos cansamos un poco de la sensación de estar pendiente de la prensa que salía, te vuelves un poco obseso de leer lo que se escribe y estar organizando las entrevistas (yo me dedico a prensa en el sello BCore así que me ocupaba yo misma de ello). Así que con este disco decidimos que queríamos sacar el disco y pasar página lo antes posible para centrarnos de nuevo en la vida, no hicimos adelantos, programamos todos los videos en 8 medios diferentes para que salieran de golpe a las 12 del mediodía el 1 de febrero, sin adelanto ni más compilaciones. Además hicimos un par de días de promo un mes antes para que salieran las entrevistas mensuales el mismo día 1 de febrero, rollo hoy sacamos disco, vídeos, entrevistas y todo de golpe y mañana ya podemos pensar en lo siguiente que nos apetece hacer. Y así pasó, nos dio un espacio mental brutal y la posibilidad de hacer una de las cosas que más me gusta hacer, pasar página y empezar algo nuevo!
 



- Ya para acabar, usáis los videoclips en vuestros conciertos en directo, hay intención de que trasciendan el universo youtube de alguna forma?
 
No, el hecho de que salgamos en muchos de los vídeos hace que no las veamos bien para los directos, preferimos jugar con iluminación o proyecciones que jueguen con la temática en esos momentos, pero somos bastante austeros en directo, dedicamos buena parte de nuestro cache al viaje, técnicos y lo que haga falta para que salga bien el bolo así que no queda mucho para añadir más detalles! Los vídeos quedan como la forma perfecta de vernos a través de la pantalla.
 

Hasta la próxima aventura de ARS!

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Sarmient Peppers    6.jun.2017 01:49    

Björk Digital: más allá del videoclip

Si hay alguna artista que ha estado y sigue estando más allá de la vanguardia musical, audiovisual, estética... esa es indudablemente la islandesa Björk.

A partir del próximo miércoles 14 de junio y hasta el 24 de septiembre tendremos la oportunidad de revisitar su universo audiovisual en la exposición inmersiva que nos propone el CCCB (Centro de Cultura Contamporánea de Barcelona) que recoge lo mejor de sus trabajos digitales y en video con grandes artistas contemporáneos. La muestra ha recorrido varias ciudades del mundo como Londres, Tokyo, Montreal... y se podrá apreciar tal y como la ha diseñado y concebido la propia artista.

 

BjörkDigital(Poster) Photo by Nick Knight_Typography by MMParis

 

Hablamos con Rosa Ferré, directora de Exposiones y Actividades Culturales del CCCB, que nos adentra en una de las propuestas creativas y sensoriales más interesantes de este 2017.

-Bjork digital es más que una exposición al uso, es una experiencia inmersiva con la que se pretende sumergir al espectador en el universo de la artista islandesa...¿Cómo surge este proyecto y de qué manera se ha elaborado la propuesta audiovisual?

La propuesta nace directamente de Björk.

Como se puede ver en la exposición, que al final de su recorrido presenta una antología de los vídeos musicales de la artista, algunos de ellos de hace veinticinco años,  Björk desde el principio de su carrera se lanza al experimento en  el ámbito audiovisual. Trabajando con artistas multidisciplinares, realizadores, animadores y programadores de primer orden; desde los reconocidísimos  Spike Jonze, Michel Gondry, Nick Knight,  Alexander McQueen o Stephane Sedanaoui  a los más jóvenes, como Enciclopedia Pictura o Jesse Kanda  se ha empeñado en realizar piezas que superen el genero del vídeo musical, que lo transformen en algo nuevo.  

 

 

Björk ha propuesto desde siempre audiovisuales en los que se mezcla la performace, los tratamientos visuales innovadores, la animación, y la música. Así que la artista llega a la realidad virtual como una evolución natural de este interés por crear nuevos dispositivos con los que comunicarse con su audiencia.

 

 

Esta exposición Björk Digital es  sobre todo eso, la oportunidad de experimentar cinco instalaciones nuevas de realidad virtual que Björk ha hecho exclusivamente para este proyecto trabajando con cinco canciones de su último àlbum Vulnicura.

Björk Digital es una  especie de ópera tecnológica en diferentes actos.

-¿Habéis contado con la colaboración de Björk, hasta qué punto se ha prestado para concebir este proyecto?

Björk ha diseñado personalmente la experiencia. Se trata de una visita pautada que dura unos 90 minutos donde el público se mueve en un grupo muy reducido. En cuando al formato se parece más a una performance u obra teatral que a una exposición convencional. Tienes que reservar tu sesión y comprar tu entrada por adelantado para un día y un horario determinado, como si fueras a un concierto. De hecho la artista considera  que la experiencia teatral que ofrece la realidad virtual es una manera única y íntima  de conectarse con su público, de uno a uno.

Por ejemplo en Mouth Mantra VR una pieza de Jesse Kanda viajas por el interior de la boca del artista mientras canta, entrando en la intimidad de su garganta que es para ella la metáfora de su fragilidad.

 

 

Otra de las obras NotGet VR es una impactante y alucinante experiencia de gráficos generativos que presenta a Björk transformada digitalmente en un insecto, una polilla gigante.

 

 

Otras piezas son enormemente interactivas. Esta tecnología de RV propicia una experiencia inmersiva, la penetración física en el universo en metamorfosis del artista, en sus paisajes, en su propio cuerpo, en su voz. Eso es lo que propone Börk, una especie de comunión.

-Ya para acabar, el CCCB es coproductor de Björk digital, junto con Sold Out, DG y colaboración del Sonar, ¿Habéis diseñado productos exprofeso para este evento, como el clip Black Lake, realizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York?

El CCCB, Sold Out, DG Enterteiment junto con el Festival Sonar se encargan de la producción de la exposición en Barcelona, pero las nuevas piezas han sido producidas por la propia Björk.

 

 

Björk estará presente con esta exposición en Sónar 2017 junto con otras actividades que se han programado desde el Festival, que se encargará de inaugurar en Fira Montjuic el mismo 14 de junio.

Además, la islandesa intervendrá en la sección Sónar+D, que este año versa sobre realidad virtual, arte e inteligencia artificial.

Una buena excusa, sin duda, para darse un garbeo por la Ciudad Condal!

Os recordamos que este es el enlace para adquirir las entradas a la exposición.

http://bjorkdigital.cccb.org/es/


Hasta la próxima aventura de ARS!

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Sarmient Peppers   23.may.2017 13:34    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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