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Adrián Nieto: ensoñación granaína

 Como todos sabéis, la magia se respira en el aire de Granada, cuna de talento artístico e inspiración de músicos, poetas, pintores, cineastas...

En este contexto, nos ha parecido oportuno detenernos en la figura de Adrián Nieto Maesso, realizador audiovisual afincado en Granada (si bien es de Úbeda) y que desde hace años pone en imágenes muchas de las canciones de los músicos de la tierra: Los Planetas, Soleá Morente, Pajaro Jack, Antonio Arias y un largo etcétera... pocos se resisten a su mirada incisiva.

Adrián se ha especializado sobre todo en la captación atmósferas y sentimientos en directo, como es el caso del último vídeo grabado para Los Planetas en La Chumbera de Granada, y que analizamos en este post.

Además, es autor de videoclips, promocionales, documentales y se ha embarcado en proyectos muy interesantes como es Milivingroom.

 

 

Maesso es un director que planifica pero que también crea sobre la marcha, inspirándose por la magia del momento, de las localizaciones, de las situaciones...

 

El azar, la ensoñación, el duende... todo es posible en Granada...

 

 


-Nos ha llamado la atención tu trabajo al frente de proyectos audiovisuales en los que la música está en primer término: ya sea en formato videoclip, o como grabaciones de actuaciones en directo,
Adrián, ¿cómo surge en ti esta vocación expresiva, y qué frontera consideras que hay entre el videoclip y las grabaciones en vivo, si crees que realmente se deben diferenciar…?

En Granada existe un gran interés por la música y ésta desarrolla un papel muy importante en la ciudad, tanto a nivel profesional, como social. En la mayoría de los casos, los vínculos y amistades se forman gracias a tu afinidad musical o cultural, así que es fácil involucrarse en proyectos musicales. En este sentido, tuve la suerte de unirme a un proyecto independiente con ideas innovadoras, Milivingroom. Una plataforma que realiza conciertos en espacios privados e íntimos, los cuales se graban para posteriormente difundirlos en internet. Así, de una manera natural y espontánea empecé a realizar mis primeras piezas musicales y esto fue fluyendo hasta el día de hoy. Aunque no haya sido algo premeditado, es un terreno en el que me siento cómodo, así que continuo realizando trabajos musicales siempre que puedo.
Pienso que una actuación en directo es muy diferente a un videoclip. En el primer caso tienes que registrar lo que está pasando y mantenerte fiel a eso, aunque después puedas añadir algunos recursos estilísticos que se salgan un poco de ese directo. En cambio cuando hablamos de un videoclip, existe una libertad total para crear una obra audiovisual desde el principio, con los recursos y la narrativa necesaria. Por ello, considero que son trabajos totalmente diferentes. En una actuación en directo es esencial captar la esencia del momento y aprovechar la coyuntura, el autor del trabajo audiovisual desempaña la función de transmisor entre el espectáculo y el público, entre lo que ocurre de verdad y aquello que los oyentes podrían captar si estuvieran allí. Mientras que, cuando realizas un videoclip, la idea es hacer llegar un mensaje concreto, ideado y trabajado, y aquí el autor deja de ser mero transmisor ya que puede modificar el mensaje a su gusto, siempre que lo dejen.


-Como podemos comprobar tus videos musicales están muy ligados a la ciudad de Granada y a sus bandas: Antonio Arias, Los Planetas, Soleá Morente, Pájaro Jack, son algunos de los artistas para los que has trabajado. Cuando surge un proyecto, ¿cual suele ser la relación con el músico, trabajáis en colaboración, te dejan total libertad de planteamiento?


Siempre que he trabajado con un músico ya había una relación previa de amistad, así que el trabajo posterior ha sido mucho más fácil. Depende de si es una actuación en directo o videoclip se aborda el trabajo de una manera u otra, pero suelen dejarme libertad para crear, aunque no toda la que me gustaría. En algunos proyectos que he hecho, el artista suele plantearme alguna idea y si me parece bien e interesante para la pieza la desarrollamos y trabajamos ese camino. Si no, pensamos desde cero una idea y la desarrollamos. Por ejemplo, en los vídeos de Soleá Morente existía la condición de que la localización del vídeo tenía que ser en su casa, pero por otro lado tenía libertad absoluta para llevarlo a cabo.
En todos los trabajos que he hecho, siempre he tenido la suerte de sentirme muy cómodo, intento adaptarme a los grupos y aquello que les caracteriza —siempre respetando mi perspectiva—. También facilito que los músicos se preocupen por realizar bien su trabajo y se sientan a gusto, que confíen en mi y en mi manera de trabajar. Ésa es una de las razones por las que continúo trabajando en esta ciudad, la gente confía en mí.

 

 

-Hablemos ahora de tu última propuesta, el vídeo para Los Planetas "Seguiriya de los 107 faunos", grabado en La Chumbera. Cuéntanos cómo surge este proyecto y cuál ha sido tu planteamiento estético a la hora de llevarlo a cabo.

Surge a raíz de proyectos anteriores, ya había trabajado con El Volcán Música y pensaron en mí para realizar un trabajo así. Hablando un día con Jota también me dijo que quería que lo hiciera yo. Al principio la localización iba a ser Marruecos, pero acabó siendo en La Chumbera, un sitio espectacular de Granada. Teniendo ese lugar con esas vistas y a ellos en primer término, mi idea estaba clara. El nuevo disco y su música son muy oníricos y atmosféricos, y quería que esto se reflejara en el vídeo. La fotografía es uno de los puntos más importantes en mis trabajos e intento que siempre esté muy cuidada.

-Efectivamente, es una pieza muy cuidada a nivel artístico (imagen/sonido/localizaciones), con un equipo formado por Carlos Díaz (sonido), Aitor Palomo (iluminación) y varios operadores de cámara: Dani Zafra, Fabián García, Juan Carlos Mariano, Zoraida Manzanares y tú mismo. ¿Suele ser tu equipo habitual, o lo has formado especialmente para la ocasión?

Según el trabajo necesitas contar con más gente o no. En este caso son compañeros con los que he trabajado antes en otros proyectos y los conozco bien, algunos también colaboran en Milivingroom. A grandes rasgos, son profesionales con un gran conocimiento de la técnica y una gran sensibilidad (algo muy importante al realizar un trabajo así) con los que se puede trabajar de manera muy eficiente. En el caso de Carlos Díaz, él siempre trabaja con ellos (Los Planetas) el sonido, tanto en las grabaciones de canciones como en directo, es muy bueno.


-A nivel técnico, con qué equipación (cámaras, iluminación, montaje etc...) habéis trabajado, ¿habéis tenido que hacer muchas tomas, o el vídeo es una mezcla de varías captaciones?

El vídeo no es un directo riguroso ya que está hecho en dos tomas, con posiciones de cámara diferentes en cada toma. El resultado es una mezcla de esas dos tomas. El equipo con el que contábamos eran varias cámaras Sony a7S II y Canon C100. En cuanto a iluminación, queríamos grabar con luz natural y con algo de apoyo del interior de la sala. Creo que una de las cosas de las que he quedado más contento del trabajo ha sido esa luz y atmósfera algo rara que tiene, me parece una ensoñación y no hay un gran etalonaje posterior para conseguir eso. Fue algo no tan pensado y me gusta el resultado final.

 

La imagen puede contener: 7 personas, personas sonriendo, texto

 

-En tu carrera profesional también tienes espacio para proyectos muy especiales como Milivingroom, con actuaciones de grupos en espacios singulares. Cuéntanos someramente cómo surge esta propuesta y cómo hacéis la distribución de estos vídeos.


Como comentaba al principio, mi carrera surge prácticamente con Milivingroom. Es un proyecto totalmente independiente iniciado por Fernando Cienfuegos y Raúl Molino, que como dices, trata de llevar a espacios cotidianos como el salón de casa actuaciones de grupos en directo. Me impactó mucho la idea, cómo realizaban los vídeos y lo cuidados que estaban estéticamente, así que me presenté a ellos y empecé a colaborar, primero como cámara y haciendo algunos montajes, y más tarde haciendo tareas de dirección, no sólo de los vídeos, sino en general, del proyecto. Solemos hacer el estreno del vídeo en algún lugar de la ciudad y seguidamente está online en nuestra web para moverlo por redes. No tenemos un proceso fijado, hacemos lo que creemos conveniente en cada momento y lo que nos apetece. Esta semana estrenamos el vídeo del concierto que hicimos de Trepàt hace unos meses y que os animo a ver.

 

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Milivingroom "Trepát" (Foto: Roberto Lacalle)


-Ya para acabar, me gustaría que de los muchos videos/videoclips que has grabado, alguno que sea especial para ti y por qué.

 


Siempre me viene la cabeza uno videoclip que realicé para el grupo Bolívar llamado “Superhombre”, quizá porque durante todo el proceso la libertad para hacer lo que quisiera fue total. Y cómo no, los trabajos musicales de grupos de referencia son especiales para mí, como Los Planetas o Nada Surf. Luego está el directo de Pájaro Jack en la iglesia abandonada de Úbeda, que es mi pueblo. Pero todos tienen algo por los que los recuerdo y les tengo cariño, creo que es normal.

 


-También como vemos en tu web tienes espacio para la fotografía, el documental y los videos promocionales, ¿cómo te enfrentas a esta diversidad de proyectos, de forma muy diferente a los estrictamente musicales?


Desde siempre he intentado hacer todo tipo de trabajos, para sobrevivir mayormente, pero también porque me gusta trabajar en muchos ámbitos. El lenguaje documental es el que más me atrae e intento hacer proyectos de ese tipo, y la fotografía es algo que ha estado presente desde que comencé.
Al final la forma de abordarlos no es muy diferente a los vídeos musicales. Alguien llega a ti porque necesita una pieza audiovisual y a partir de ese momento comienzo la elaboración de la idea y guión. Aunque soy más de elaborar el guión en mi cabeza a medida que se va rodando, es decir, tengo unas líneas e ideas generales e in situ voy pensando, creando y se me van ocurriendo cosas a medida que grabo. No suelo planear todo con antelación porque a veces conviene dejar espacio el azar, aunque tampoco voy a lo loco.


-¿Alguna novedad que nos puedas adelantar de cara a los próximos meses?

Que no sólo se grabó una canción de Los Planetas.

 

Esperaremos esas nuevas canciones... mientras ...

Hasta la próxima aventura!

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Sarmient Peppers   25.abr.2017 11:12    

Nysu-Guadalupe Plata: aire de western

La última vez que NYSU  pasó por ARS fue con motivo del estreno del videoclip "Restless" para New Order, un proyecto ambicioso que les ha catapultado de lleno, aún más si cabe, al mercado anglosajón

En el interludio han pasado muchas cosas y buenas: piezas para Love of Lesbian, Ivan Ferreiro, Bastille (clip "Good Grief"" Nominado en los Berlin MVA), visuales para Archive (Driving in Nails), un exitoso proyecto en VR para el chef Dabiz Muñoz (nominado en Tribeca)...

 

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Jesús Hernández dirigiendo "Bajo el volcán" (Love of Lesbian)

Fotografía: Quique Santamaría

 

En este capítulo de ARS os descubrimos, además, que no sólo de videoclip vive Nysu; en esta entrevista Jesús Hernández (alma mater) nos cuenta su reciente creación para Guadalupe Plata, pero también nos muestra su vertiente cinematográfica y musical (como integrante del grupo Jessica).

Todo un universo poliédrico que nos disponemos a descifrar...

 

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-Ahora, se estrena "Qué he sacado con quererte", el video musical para Guadalupe Plata, una banda con la que mantenéis una relación muy especial. Ahí están explosivos y viscerales videoclips como "Milana", "Pollo Podrío", o el "directoalavena" de "Como una serpiente" una grabación mítica para Venus Plutón que perpetrásteis en un club de alterne de León.
¿Cómo es esa relación con la banda de Úbeda, y en esta ocasión cúal ha sido el germen del proyecto?


Guadalupe Plata es una de mis bandas favoritas. Me parece uno de los grupos más auténticos del país y que dan una gran importancia al apartado audiovisual.
Me siento muy identificado con su mundo, sus referencias y sus letras así que es un auténtico placer haber “aportado” tres clips a su imaginería.

 

 

-El videoclip es un friso "goyesco" de tintes trágicos (una suerte de "pintura negra contemporánea") que acompaña el ritmo de la canción, una letanía que se mueve según la cadencia que marca la banda. No falta el torero, la folclórica, la benemérita, los flagelados... ¿Cúal ha sido el proceso creativo para llegar a esta postal, a este aguafuerte claroscuro?


El proceso es el mismo de siempre y no puede ser más natural. Me mandan el tema y… ya. Confían en lo que haga y casi no escribo tratamiento ni explico demasiado la idea. Creo que eligen muy bien con quien quieren trabajar y lo dejan hacer. La primera vez que escuchas el tema imaginas un western. Esa guitarra Morricone te lleva a imaginar áridos desiertos y gente ahorcada. Pero quería darle una vuelta y alejarnos del regusto americano así que dije: contemos una historia plenamente española pero con aire de western sustituyendo los elementos.

-Creo que una de las virtudes del videoclip es el equilibrio que mantiene entre lo formal y lo narrativo. En este caso, ¿qué te ha "arrastrado" más: lo estético, los personajes "simbólicos", la intrahistoria que recorre soterradamente el video…?

Para mí siempre es más fácil definir la forma y después el contenido. En la mayoría de mis vídeos tengo mucho más claro cómo lo quiero contar que lo que voy a contar. Así que el guión lo voy montando como un puzzle donde sólo tengo el marco. “La magia está en el proceso entonces...” me dijeron una vez y no le faltaba razón. Yo hago una escaleta con imágenes sueltas y voy rellenando las lagunas. Como en Bajo El Volcán: estaban las hermanas Halley y estaban los volcanes que a su vez son desastres naturales…. ¿y si los desastres los provocan ellas?…. Siempre se parte de una fina línea narrativa que se va retorciendo formalmente hasta que también el guión es retorcido.

 -En un primer visionado se me han venido a la mente algunos "ecos": Lorca, Buñuel, Goya, el western crepuscular... todo tamizado por vuestra visión postmoderna, ¿has tenido en mente algunas referencias concretas a la hora de retratar esta "España Profunda”?
Las referencias más claras son Los Santos Inocentes de Camus, toda la fotografía de Cristina García Rodero y, como no, mi amado Zbigniew Rybczyński.


- Por otro lado y analizando formalmente la pieza me asaltan zarpazos de anteriores trabajos Nysu, como "Diplomat" (2013) para Itch (esqueleto incluido, jeje) "Dead Bodies" (2011) para Void Camp, "Todo el tiempo" para Glez. donde son "marca" de la casa algunas figuras retóricas como: el bucle, el loop, la repetición, la lectura en vertical (como sucedía en "Sirens" para Boat Beam), el uso del catch circular a modo de zoom... Y no lo digo como crítica, más bien como un ejemplo de cómo se va depurando un estilo y la paleta de recursos estéticos se va redefiniendo. ¿Hasta que punto, Jesús, eres consciente de esas técnicas o forman parte de un magma creativo inconsciente?

Bueno, soy bastante obsesivo con ciertos mecanismos y temáticas (por no decir que me repito más que el ajo), pero, si te fijas hemos pegado bastantes volantazos estilísticos estos dos últimos años (la inspiración brit del video de New Order o el softporn noventero en Love Of Lesbian) donde eran vídeos más narrativos. Este clip para Guadalupe es un Back To The Basic en toda regla. Es una vuelta a lo que me hace feliz: la vuelta de tuerca, el truco dentro del truco, el in crescendo hasta lo absurdo y todo con un rodaje muy simple.

  

 

-Volviendo al friso de personajes del videoclip, tengo curiosidad por cómo has realizado la composición, hasta qué punto has utilizado found footage o son grabaciones ex-profeso, con qué técnicas de postproducción has trabajado…

No hay nada found footage! Todo se rodó sobre un croma verde en Adisar Estudios en Madrid. Y lo mismo no te has dado cuenta pero exceptuando a Silvia Vacas es la misma banda la que interpreta todos los personajes. Siempre he dicho que tienen unos rostros muy cinematográficos así que les tiré el desafío para que interpretaran dos o tres personajes cada uno. Por ejemplo, Paco Luis hace de los campesinos y de las campesinas.

-Veo que vuelves a contar con vuestra musa Silvia Vacas, que le da gran autenticidad a la historia, ¿de donde has sacado el resto de "paisaje humano”?


Silvia es un diamante por descubrir. De las actrices más inteligentes que conozco. Nuestros proyectos no son nada fáciles de entender y ella los lee a la primera. Sabe perfectamente para qué estamos haciendo este plano y exactamente cuál es el papel del actor dentro del caos formal que proponemos. Hay que ser bastante buena y con un punto masoquista para aguantarnos.

 

 

-Ya para acabar me gustaría preguntarte por dos temas de los que hemos tratado por encima en anteriores entrevistas:
¿Cómo va ese proyecto de primera película? ¿Vamos a poder celebrar un auténtico "NYSU DAY" en breve?

Pues excepto el dinero para rodar está todo. jajajaja La verdad es que estamos ilusionados porque es una peli muy NYSU y a su vez bastante de género. Mantiene un pie en la realidad pero a su vez, como imaginarás, es un buen rompecabezas. Así que estamos a la espera que conseguir el poco de financiación que falta y rodar.

-Tambien quería preguntarte por tu proyecto musical Jessica, que has llevado con cierta discreción...¿Tenéis intención de darle continuidad?


La verdad es que de repente saltó la liebre aunque intentamos llevarlo en secreto. Soy un “músico" frustrado así que hace un par de años empezamos a quedar en un estudio de Madrid como hobby, una manera de descargar tensiones aporreando sintes. Pero poco a poco fue tomando forma y personalidad así que decidimos lanzar el proyecto y no ha ido nada mal. Hemos tocado en sitios bastante top (Valle Electrico, Matadero y Music&Dealers) y hemos mejorado la puesta en escena con visuales (la cabra tira al monte) en directo.  El nuevo EP se llama Reina La Barbarie y está bien reshulón: 

 

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                     Portada Jessica EP: Reina la Barbarie

 

-Y ahora sí, ya por último y volviendo al principio, tras la exitosa experiencia de grabar en VR para Dabiz Muñoz ¿os planteáis este recurso para llevar a otros proyectos, en concreto al formato videoclip?

 

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Para mí la VR es un formato en el que todo está por inventar narrativamente. Me encantó la experiencia porque tiene que ver mucho con nuestra manera de trabajar: buscar herramientas y mecanismos para contar un guión de una forma especial. Fue una experiencia increíble y estoy deseando volver a trabajar en un proyecto de Realidad Virtual. De hecho, tenemos un proyecto para una película de terror en VR que el que ponga la pasta se lleva un caramelo. Ya promocioné la peli, el disco y el proyecto de VR. La entrevista va a parecer todoanuncios.com

 

Hasta la próxima aventura "nysuyesca"!

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Sarmient Peppers   17.abr.2017 22:57    

Pérez y Stein: botijo y martini

Hace más de dos años, en febrero de 2015, supimos de la existencia del tándem creativo "Pérez y Stein", un soplo de aire fresco en el panorama del videoclip en España. Estilo personal y arriesgado, alejado del mainstream, que han mantenido a lo largo de este tiempo.

 

Perezystein

 Ahora nos vuelven a sorprender con "As Harmful as a hive" de nuevo para Julien Elsie, un trabajo aún si cabe más experimental y rompedor.

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-¿Cual ha sido el giro de tuerca creativo en este videoclip respecto a vuestras piezas anteriores?

El gran giro ha sido la apuesta formal al rodarla en analógico, un soporte que nos fascina y que llevábamos un tiempo rumiando, la libertad de la música de Julien Elsie y el propio giro que ha dado él en la concepción de su música;  así que en cuanto vimos que canción, artista y soporte encajaban no lo dudamos dos veces. Nos lanzamos a probar algo un poco más libre, menos contenido.

 

 

 -A primer golpe de vista, diría que lo que más sorprende de este trabajo es la textura de la Bolex en 16mm, mezclada con esos toques digitales glitch, que le dan un aire inquietante a la obra ¿Cual ha sido vuestra apuesta visual en este sentido?

Éramos conscientes de que la textura que iba a aportar el 16mm reversible en blanco y negro era ya una carta de presentación potente,
es casi una declaración de intenciones. La cadencia de los fotogramas, las oscilaciones e imperfecciones en la luz al tratarse de un negativo que llevaba 14 años caducado, lejos que asustarnos, nos animaban a ir más allá. Mezclar algo aparentemente caduco como es rodar en cine, en contraposición con algo tan artificial y actual como es esa máscara digital en los rostros de los personajes aportaba ese toque surreal e inquietante. Una forma de mezclar la decadencia de dos mundos, el fallo como elemento creativo, el error como arte.

 

  Perezystein

 
-Por otro lado, nos presentáis a la pareja protagonista de la que en ningún momento vemos las caras pues las tapáis usando técnicas digitales. Una decisión radical a nivel artístico pero que considero uno de los aciertos estéticos del videoclip. ¿Cómo surgió esa intención expresiva?

Había una cierta necesidad de anular la identidad de los personajes, simplificándolos y despojándolos de ese carnet de identidad que es el rostro humano. Sólo queríamos ver dos cuerpos que bailan y vibran de manera muy rota, casi a destiempo, sin ritmo que siga algo lógico. También tiene mucho que ver el ritmo que otorga al tema de Elsie. La manera de arrastrar las frases, la languidez de la voz, la percusión a destiempo y por encima de todo el misterio. Somos un poco sociópatas y defensores a ultranza de la diferencia, anular las máscaras que nos convierten en seres humanos estándar.

 

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-Además debo añadir que, aún sin ver sus caras, considero que la interpretación es extraordinaria a nivel de lenguaje corporal. ¿Cual ha sido la consigna para los actores, en este sentido?

Somos dos personas que no bailan ni en las bodas, nos declaramos fans incondicionales de esa forma tan eléctrica que tenía Ian Curtis de moverse en el escenario, mezcla entre robótico, timidez y epilepsia que hipnotizan a quien lo observa . El movimiento tiene una cadencia como de letanía, de ciclo, desde el principio sabíamos que sus caras tendrían una vida digital y sus cuerpos tenían que decirlo todo.

 

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-Destacaría también las localizaciones, muy conceptuales y que le dan entidad al videoclip ¿dónde habéis rodado?

El video se rodó en plena ola de calor, fue una jornada larga a pleno sol y con unos 40 grados zumbando sobre todo el equipo de rodaje. Ese sol tan violento que todo lo aplasta y deforma necesitaba de unos espacios despoblados, enigmáticos pero estéticamente necesitaban tener fuerza. Buscamos esa sensación distópica que nos permitiera fortalecer el universo del videoclip. Hemos rodado en sitios que se ven desde la carretera pero en los que normalmente no te detienes. El blanco y negro y el grano también constituye en si mismo una localización, una geografía mental.

 

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-Dede el punto de vista expresivo vuestra propuesta me retrotrae a autores como Buñuel, Man Ray, ... Al ver la pieza no puedo evitar pensar en "La edad de oro" de Buñuel. Creo que tenéis la capacidad de generar imágenes muy potentes en sí mismas. ¿Dónde están vuestra fuentes de inspiración?


La inspiración viene en forma de fotos, de palabras, mensajes de texto y de pasear mucho con los auriculares puestos, ver la calle, el adolescente en chándal, el señor que pasea al perro pasado por un filtro perverso.
Buñuel es un referente, un guía en muchas de las decisiones a la hora de plantear ideas y crear nuevos conceptos para los videoclips, por su economía narrativa. Está claro que el surrealismo es una fuente inagotable de donde beber una y otra vez. Añadiríamos a Cocteau, Berlanga, Warhol, Jarmusch Kubrick, Azcona, , Wenders, Lathimos, Glazer, Corbjin, Jonas Mekas…. pero somos igualmente adeptos a Paco Martínez Soria, Rafaela Aparicio o Alfredo Landa. Pérez y Stein son devotos del botijo y del martini, del hotel Palace y de la pensión Pepita.

- También tengo la sensación de que vuestras propuestas se están radicalizando en el mejor sentido de la palabra, y que os abandonáis a la experimentación, al trazo libre... Buena prueba de ello es cuando el efecto glitch lo usáis incluso en los títulos de crédito, una opción estética que la lleváis hasta sus últimas consecuencias. ¿Qué opináis al respecto?

Creemos que hay mucho talento ahora mismo en el campo audiovisual de este país, pero lamentablemente también pensamos que hay mucho de lo mismo. Las imágenes se han ido agotando hasta limites preocupantes, tenemos la sensación de que cada vez hay más gente que imita a otra gente y ahora mismo hay una gran masa de realizadores a los que siempre se les pide hacer lo mismo. Hay una fórmula visual que no falla y gusta al productor y al espectador. Pérez y Stein intentan huir de todo esto y esa es una de las razones por las que hay apretamos un poco e incluimos un ingrediente de radicalidad en todos los proyectos en los que nos embarcamos, de otra manera el aburrimiento se apodera de nosotros. Puede parecer petulante pero hacer lo que está ahora mismo de moda es muy fácil, pero a nosotros nos da pereza.

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-Ya para acabar, dos cuestiones más. Me decíais que habéis realizado más piezas con la Bolex y que estáis enganchados al 16mm. ¿Qué os aporta esta opción analógica a diferencia del digital? ¿Qué tipo de proyectos estáis haciendo en 16mm?

Rodar en cine tiene algo de sagrado, hay un protocolo diferente en rodaje a la hora de afrontar cada plano que se rueda, una cierta tensión añadida que pone a todo el equipo al límite, la adrenalina por las nubes, nos encanta y hemos encontrado un equipo dispuesto a seguirnos. Lo que nos aporta rodar en soporte fotoquímico es un respeto hacia lo que a todos nos mueve a la hora de rodar, el cine. Somos cinéfilos y amamos el cine. Rodar es adictivo, los tiempos cambian, los ritmos cambian, la espera y la posibilidad constante de que todo falle, confiar en el trabajo de cada miembro de la cadena. Sin olvidar que la plasticidad de una imagen rodada en cine o grabada en digital la diferencia es abismal, pero no somos talibanes del cine. Todos los formatos son interesantes, expresivos y necesarios.

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Ya hemos rodado tres proyectos en 16mm, pero solo uno de ellos se ha estrenado. Tenemos en la recámara ya rodados otros dos proyectos (uno en Súper 16mm y otro en 16mm) de los que no podemos hablar todavía, uno de ellos es un videoclip bastante arriesgado y el otro el germen de lo que será un largometraje en el que llevamos bastante tiempo trabajando.

 

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-Y por último, me hablábais de una versión acústica de esta canción de la que habéis rodado un clip en 4k ¿en qué consiste esa nueva reflectora?

Es una variación de la versión rodada en cine. Ambos videos se rodaron a la vez, en soportes diferentes, relaciones de aspecto muy opuestas y para rematar la faena uno en blanco y negro y otro en color . Julien preparó dos versiones del tema, el que ha salido ahora con esa textura electrónica y una versión acústica más "clásica". Decidimos mezclar las formas digital acústico, electrónico analógico, había algo de juego travieso en afrontar el proyecto de esa manera que suponemos absurda para unos y brillante para otros.

 

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Esperamos con fruición esos nuevos proyectos, como ellos mismos proclaman: "Todos somos Pérez y Stein".

Hasta la próxima aventura!

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Sarmient Peppers   11.abr.2017 11:52    

Premios MIN: Las Bistecs al poder

Se ha celebrado recientemente ( y ya van nueve ediciones) la ceremonia de entrega de los Premios MIN (Música Independiente), unos galardones que toman el pulso a los proyectos más audaces del mercado musical español . 

 

 

En la categoría de videoclip son variadas las piezas que han llegado a la fase final si bien ha resultado ganador el proyecto "Señoras Bien" dirigido por Carla Parmenter para Las Bistecs.

Una pieza que recoge a la perfección la frivolidad y el toque kitsch del dúo barcelonés.

 


 La producción ha sido obra de Pandora We Produce, the other side of the story, una compañía con amplia experiencia en audiovisual y que ya ha realizado en el pasado videos musicales destacados, dirigidos en algún caso por César Pesquera.

 

THE SUICIDE OF WESTERN CULTURE: Amor De Madre from César Pesquera on Vimeo.

 

Nos despedimos hasta una próxima edición de ARS, no sin antes desear que los Premios MIN se sigan celebrando, son muy saludables para el colectivo de música en España y contribuyen a reforzar la autoestima dentro del talento patrio.

Por cierto, a algunos videoclips anteriores de Las Bistecs, ya dedicamos algún alegre post en el pasado donde comentábamos el trabajo de la realizadora Gema Briones para clips como Historia Del Arte o Universio.

Transgresión y diversión a raudales.

Hasta los próximos MIN y Viva el electrodisgusting!

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Sarmient Peppers    4.abr.2017 00:50    

Laura Iturralde: jugar con luz

 Laura Iturralde y la magia del espacio y de la luz. Nos adentramos en el universo de esta artista visual que realiza proyecciones en directo para diversos proyectos (teatro, conciertos) dándole una vuelta de tuerca a la relación entre la imagen y la música.

Videoclip, performance, videoarte..., los márgenes están difuminados, pero en cualquier caso hablamos de artesanía y poesía visual al servicio de las imágenes.

 

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 Laura Iturralde tiene un perfil muy multidisciplinar: fotografía, grafismo, diseño de luz y espacio... En ARS nos ha llamado especialmente la atención tu faceta de "video en vivo" en teatro pero sobre todo en conciertos en directo.
¿Cómo nace en tí esa inquietud por realizar visuales en tiempo real?

Pues verás, fui por primera vez al festival L.E.V en Gijón allá por 2009. En esa edición vi a Aphex Twin, Peter Greenaway y a Micro Audio Waves (con puesta en escena de Rui Horta), entre otro montón de artistas. Así pues, creo que mi interés por el mundo de las visuales en directo viene derivado de mi interés por la música electrónica, ya que hace años no eran muy comunes las visuales en espectáculos de otros estilos. Después empecé a estudiar Escenografía y me dí cuenta también del gran potencial que tienen las proyecciones o el videomapping a la hora de complementar una narrativa teatral. Fue ahí cuando empecé a interesarme por proyectos de teatro y danza que utilizan este soporte.

 

 

-Quería destacar, por ejemplo, los visuales que has realizado para el grupo Trilitrate en vivo. De alguna manera se podría decir que eres una integrante más de la banda aportando una lectura complementaria a lo estrictamente musical. ¿Cual es tu relación con el grupo y qué método de trabajo empleas a partir de las canciones?

 

 

Pertenezco a Trilitrate desde 2013, de hecho fue con ellos con los que empecé a hacer visuales y, a partir de ahí, fueron surgiendo otros proyectos. La banda va componiendo sus temas y en cuanto tienen un poco de forma los comparten conmigo para que pueda ir pensando la mejor forma de complementarlos visualmente. Al principio utilizaba imágenes de archivo, o videos que yo misma grababa y lanzándolos en directo pero, poco a poco, fui “complicándolo” todo introduciendo la cámara en directo. La música de Trilitrate es muy evocadora, así pues no me resulta complicado seleccionar los elementos con los que quiero trabajar. Además, tiene parte de improvisación, por lo que yo también cuento con libertad a la hora de experimentar recursos en directo y no me tengo que ceñir a unos tiempos y ritmos rígidos. Desde que uso la cámara en directo durante los conciertos me sitúo junto a ellos para que el público pueda observar cómo se desarrolla la manipulación de objetos.

 

 

-Uno de los aspectos más complejos de los visuales en directo es la sincronización con la música y que el resultado final sea un todo. En ese sentido tu labor es muy artesanal, ¿con qué elementos trabajas (cámara, manipulación y proyección de objetos, tratamiento digital...) y cual suele ser la mayor dificultad que tienes al poner en pie un espectáculo?

Generalmente uso cámara en directo y acostumbro a tratar digitalmente las imágenes a tiempo real mediante software. A su vez, mezclo estas imágenes generadas en directo con otras previamente grabadas. Me gusta trabajar con loops, capturando imágenes en el momento y relanzándolas de igual forma que se hace con la música, me parece una forma muy divertida de “jugar” con el vídeo. Los materiales que utilizo, ya sean objetos que manipulo en directo o vídeos pregrabados, varían mucho en función del espectáculo pudiendo utilizar desde líquidos con infusiones hasta acetatos, lentes, tinta... presto especial atención a la luz, pues mediante el ángulo y la dureza de ésta se puede transformar totalmente un elemento. Para mi, la mayor complejidad de todo esto es la adaptación a diferentes espacios: cómo y dónde proyectar, situar el proyector, adaptar la imagen...Sin embargo, la creación me resulta muy gratificante pues es algo que puedo hacer en casa o en ensayos contando con tiempo y tranquilidad para probar y experimentar con texturas, objetos, materiales y luz.

-¿Hasta qué punto los videos en directo que haces se pueden considerar un videoclip o una videocreación, o se podrían considerar un género en sí mismo? Aprovecho para preguntarte qué piensas sobre estos formatos.

Aunque las visuales en directo están cobrando muchísima relevancia en la última década también creo que las líneas están ya muy desdibujadas entre los diferentes géneros en lo que a vídeo se refiere. Por ejemplo, Trilitrate tiene un videoclip de animación que hizo nuestro amigo Nelo (Pálida) cuyas imágenes yo pincho durante los conciertos . Por otra parte, durante los directos suelo capturar imágenes que después utilizo como promoción. Así pues, los flujos de trabajo se entrelazan y evolucionan, deja de existir un orden lógico a la hora de la creación de visuales.

 -Además de los mencionados Trilitrate, también has diseñado visuales para Orquesta Metamovida, proyecciones en formato circular en Festipousa, videocreaciones en el encuentro Onda Vital... Cada proyecto tiene su personalidad, pero ¿sientes que para tí es un medio de expresión en el que, más allá de las singularidades, hayas encontrado un estilo propio?¿La poesia, la ensoñación, el surrealismo...en qué registro te mueves?

Sí, además de ser “fija” en Trilitrate colaboro con otros proyectos musicales, algunos de ellos pertenecientes al colectivo gallego Metamovida. No creo haber encontrado un estilo propio, si bien creo que las técnicas que utilizo son poco frecuentes, aún me queda mucho camino que recorrer y tiempo que dedicarle.

 

Metamovida

 -En cuanto a los materiales visuales que usas ¿son propios, o buceas también en imágenes de archivo?¿Algún autor-creador de cabecera que sea inspirador de tu obr

Además del material que yo misma grabo o genero en directo utilizo material de archivo, generalmente películas o anuncios de dominio público. Hay páginas como archive.org que ayudan a hacerse con material audiovisual de todo tipo. También hay muchas películas americanas de serie B que, por descuido de las productoras que debían que renovar los derechos periódicamente y no lo hacían, se pueden utilizar libremente. Y muchas películas soviéticas (las de Tarkovsky por ejemplo) se encuentran bajo licencias libres. En la red puedes encontrar de todo, hay por ejemplo un montón de anuncios publicitarios de los 50-60 sobre modales, normas de comportamiento, seguridad, dietética...muy curiosos y peculiares.

Con respecto a los autores de cabecera, sigo el trabajo de un colectivo alemán llamado Transforma, aunque nunca tuve la oportunidad de verlos en directo, utilizan cámara de una forma muy sencilla y elegante desde mi punto de vista.

 

 

Hay un dúo japonés afincado en Berlín cuyo trabajo me parece muy inspirador también, se llaman Usaginingen y se hicieron sus propios instrumentos de música y visuales, no emplean ningún efecto digital, crean las capas de imagen mediante la superposición de cristales... muy creativo e imaginativo.

 

 

-También me gustaría preguntarte someramente sobre tus trabajos para la escena como las videocreaciones "Leixaprem", "OOPS...! I did it again" "Insulto ao público", etc... ¿Cambia mucho tu forma de trabajar respecto a cuando haces video en vivo en conciertos?

Dependiendo de muchos factores. Por ejemplo, en Leixaprem de la compañía de danza A Artística, yo estaba en escena y tenía que controlar la cámara, el ordenador y todo esto coordinarlo con lo que estaba sucediendo. Estos casos siempre requieren mayor preparación porque tienes que definir cosas como la posición de la cámara, las marcas para lanzar los vídeos... pero en general creo que la diferencia estriba en el grado de improvisación y en la cantidad de cambios que contenga la pieza, lo mismo que en música. También es importante la relación entre lo que está pasando en escena y las visuales ya que, en ocasiones éstas definen el principio de una acción o cambio de luz, y un error puede suponer un cambio de ritmo en todo lo que conforma la pieza.

HALO


-¿Hasta que punto en tus creaciones visuales hay sitio para la improvisación en vivo o está todo muy pautado?

Pues de nuevo debo decir que depende :-). Por ejemplo, la semana pasada participé por primera vez en una sesión HALO, que se celebran en diferentes espacios de Vigo una vez por semana, y en las cuales se suelen juntar 3 músicos para improvisar. En esta ocasión compartí sesión con Xavier Nuñez (Cró!, Orquesta Metamovida), Mateo Mena (Hypercubes, Orquesta Metamovida) y Nacho Muñoz (Igmig, Orquesta Metamovida) y las visuales, obviamente, fueron también improvisadas. Surgieron momentos muy interesantes y fue muy divertido tanto para nosotros como para el público, ¡ espero poder repetirlo pronto! Sin embargo con otros proyectos como Nostoc todos los cambios están muy marcados; es un trabajo muy minucioso y elaborado que exige muchos ensayos y coordinación con la música. Esto también sucede en muchos proyectos escénicos, no hay mucho margen de error y debo estar muy atenta a las marcas para que no se descoordine todo.

 

Nostoc



-Ya para acabar, ¿algún proyecto audiovisual que estés preparando digno de mención?

Si! Antes nombré a Nostoc, la nueva formación que tengo junto con Mateo Mena, desarrollador de los Hypercubes. Nuestra primera pieza, Taxón, se basa en la evolución de diferentes organismos naturales y usamos recursos escenográficos, lumínicos, sonoros y visuales. La pieza fue estrenada en un festival estupendo, el Festival de Experimentación Sonora y Visual TESLA, que se celebra anualmente en León. Pudimos disponer de una sala en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) para llevarlo a cabo y la verdad es que el resultado fue más que satisfactorio, esperamos poder repetir la experiencia.

 

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Por otro lado, en Junio se estrena Salvador, de Borja Fernández (Es un árbol, Cía Voadora, Cía Chévere, Orquesta Metamovida...) obra que trata sobre los movimientos migratorios, las desapariciones y los encuentros en la que también llevo la parte de visuales.

 

Salvador

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   28.mar.2017 10:59    

Primavera festivalera

En torno a estas fechas primaverales son varios los festivales que en nuestra geografía dedican espacio al universo del videoclip: Medina del Campo, Barcelona Visual SoundFestival Cara B en la ciudad condal,  son algunos de los certámenes que en estas últimas semanas se han celebrado con éxito. Otras citas videocliperas como los Premios MINGranajoven en un clip esperan su oportunidad en próximas fechas y en ARS os daremos cumplida crónica de ambos.

Reseñamos a continuación el Palmarés de Medina del Campo (categoría de videoclip) cuya Semana de Cine se ha celebrado del 10 al 18 de marzo, llegando a su edición número treinta.

-Premio de Jurado para "Fade" de Chloé Bird, dirigido por Ainhoa Rodríguez.

Se trata sin duda de uno de los trabajos más inspirados de esta temporada, un videoclip que ya reseñamos en ARS y que está recibiendo multitud de premios tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

 

  Medina premio para Fade

  En la imagen Chloé Bird (cantante, a la izquierda) y la directora del videoclip, Ainhoa Rodríguez (derecha) reciben el premio de manos de José Daniel Posadas (Gadisa)

 

Por otro lado, el premio del público ha recaido en el videoclip "Lo niego todo" de Joaquín Sabina, dirigido por Adrián Ramos y Oriol Segarra, una aproximación en blanco y negro muy sentida al universo del cantautor de Ubeda.

 

 

Medina premio para Lo niego todo

 Los directores Adrián Ramos y Oriol Segarra y los productores Félix Tussell y Carmela M. Oliart recogen el premio del Público al mejor videoclip en Medina del Campo.

Un año más la selección de videoclips ha tenido un altísimo nivel como se puede comprobar aquí.

Por último, no queríamos dejar de mencionar la Exposición ‘Exploding Plastic Inevitable. Andy Warhol y The Velvet Underground (Remake II)’, comisariada por Javier Panera. Como siempre, la organización de la Semana de Cine de Medina del Campo se muestra muy sensible a la relación entre música y artes visuales. En este caso en la Sala Luis Vélez se ha podido rememorar la serie de actos multimedia que organizó Andy Warhol entre 1966 y 1967, con las actuaciones musicales de The Velvet Underground y Nico.

Para acabar recopilamos en este link el Palmarés completo de Medina del Campo, que viene encabezado por el corto ganador "Ni una sola línea" dirigido por Víctor E.D. Somoza.

En próximas entradas de ARS daremos cuenta de algunas citas ineludibles del calendario videoclipero en España.

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   21.mar.2017 00:59    

Dedo Ciego: hacedores "mixed-media"

 Joaquín Urbina y Ana Gale son Dedo Ciego, como a ellos les gusta autodefinirse  una "dupla de realizadores o más bien hacedores mixed-media”.

Desde este estudio radicado en Barcelona se afrontan proyectos personales y de encargo desde una perspectiva que aúna lo orgánico y lo digital.

El experimento audiovisual, el error, el accidente, todo juega en las piezas audiovisuales de este tándem creativo que transita con audacia desde el formato videoclip, pasando por el video corporativo, el ensayo audiovisual, el diseño de proyecciones para conciertos en directo... Collage, After Effects, super 8, papel, tijeras, dibujo, mesa de luz, todo vale en esta mezcla talentosa de innovación y tradición.

 Así pues, hacemos un recorrido por su videografía deteniéndonos en algunas piezas excepcionales para JMII, Femi Kuti, o Pola Tog (proyecto electrónico del propio Joaquín Urbina), con homenaje incluido a la figura de Marcel Duchamp.

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-Dedo Ciego sois un tándem creativo que trabajáis a partir del universo del motion graphics y la animación. ¿Cuál suele ser el reparto de roles entre Joaquín Urbina y Ana Gale?

Digamos que somos una dupla de realizadores o más bien hacedores “mixed-media” y como tal no tenemos roles asumidos, preferimos estar en todas las partes del proceso, nos entendemos desde nuestras capacidades, limitaciones, ideas y gustos por lo que modulamos y adaptamos nuestros roles en cada proyecto que hacemos.

-Nos gustaría centrarnos en algunos de vuestros últimos trabajos audiovisuales, sin embargo y aunque el proyecto Dedo Ciego como tal nace en septiembre de 2016, Joaquín Urbina ya venía de una amplia trayectoria bajo el nombre No-Domain, además de adentrarte en proyectos musicales como TBN202. ¿Cual era el espíritu de aquella etapa y en qué ha cambiado con la nueva era Dedo Ciego?

No-Domain era un estudio audiovisual, abordábamos los proyectos con un espíritu colectivo, hace unos 5 años dejamos de entendernos como estudio, cada uno se fue por su lado y yo continué con el proyecto pero trabajando solo como director, dándole una visión más personal y explorando un lenguaje propio. Se podría decir que ese proceso evolutivo sumado a los años que Ana y yo llevamos colaborando han cristalizado en una nueva andadura, una nueva “era” llamada Dedo Ciego. Por cierto, ¿como es que recuerdas a TBN202? ;-)

 

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-Como decía, nos gustaría hablar de algunas de vuestras últimas piezas en formato videoclip, como "Bailar" para JMII, o los proyectos para Pola Tog (proyecto electrónico de Joaquín). En líneas generales se podría decir que la experimentación es vuestra principal seña de identidad. En el caso de JMII apostáis por un video sinestésico, en la línea de Norman McLaren. ¿Cómo nace ese videoclip conceptual, y con qué herramientas habéis trabajado la animación?

Nos contactó Dani Baughman de Hivern Discs para encargarnos un vídeo del nuevo Ep de JMII. Desde la primera escucha el tema ya nos sugería un juego rítmico entre la imagen y el sonido, es muy gráfico, minimalista, de ritmo sincopado, palmas espasmódicas, sonidos de sintes raros e intermitentes samplers vocales, les propusimos la idea de crear una serie de patrones gráficos y usarlos de la misma manera como se usa una caja de ritmos: redobles, repeticiones, cortes, acentos, etc. Visualmente, la crudeza del sonido nos pedía el uso del blanco y negro, geometrías y formas primitivas, también una orgánica textura de papel, luego fueron surgiendo las manos y las cebras, estaba cogiendo forma. Lo animamos digitalmente en After Effects y analógicamente con cámara y papel. Escaneamos decenas de páginas de libros viejos de donde extrajimos pequeños elementos para luego construir patrones y composiciones gráficas, hicimos muchos experimentos con manos y tinta, secuencias en fotografía y video (como las zebras hechas con tela) que luego imprimimos en papel para animarlas cuadro a cuadro. Fue un proceso entretenido y terapéutico.

 

 

-En el caso de Pola Tog, se trata del proyecto musical electrónico del propio Joaquín Urbina, que presentó "Rayogrammes" en 2016, editado por Doméstica Records. En "Rrose Sélavy" hacéis un homenaje a Duchamp en un video que combina digital, super 8mm, animación en papel. ¿qué tiene vuestro estilo de digital y qué de analógico? En otra creación como "Late aspirations", por ejemplo, os inspirais en metraje en 8mm encontrado en mercados, tiendas de segunda mano...

No tenemos un estilo en particular pero si en una manera propia de aproximarnos a lo que hacemos con un visible gusto por lo orgánico y analógico, e incluso lo que es digital lo tratamos de una forma “manual”. Muchas veces no sabemos a donde vamos, solo descubrimos lo que buscamos haciéndolo, como podría ser el caso de este video clip. Si bien la canción es un claro homenaje a Marcel Duchamp, el vídeo no estamos seguros de que lo sea, jugamos con un desdoblamiento o distorsión de la identidad por eso trabajamos con NES, nos gusta su particular forma de mezclar danza, performance y teatro, de la experiencia con ellos sacamos un material con la cámara digital, pero necesitábamos llevarlo a otro lugar, a un terreno visual indefinido, disparamos varios cartuchos super8 caducados con muy poca luz, al revelarlo teníamos una imagen más abstracta y poética, con un grano enorme, lo combinamos con textura de print, imprimiendo las secuencias vocales cuadro a cuadro para escanearlo y distorsionarlo en el scanner, nos gusta tratar la imagen en busca de resultados únicos.

 

 

Late Aspirations” esta hecha con carretes de super 8 encontrados y planos experimentando con la propia proyección, derritiéndola literalmente, es una pieza muy antigua pero le tenemos un cariño enorme.

 

 

-Por otro lado, en Username jugáis con la textura, el color, el glitch.¿cual ha sido el proceso creativo en esta pieza?

El proceso de esta pieza fue absolutamente libre y espontáneo, un tratamiento casi plástico de la imagen, basado en la digitalización de unas viejas cintas de video hi8, unas propias y otras encontradas en una vieja cámara que nos regalaron, la regla fue romper, procesar y mezclarlo todo hasta mas no poder. Nos encanta el error, el accidente.

 

 

-Aunque ya tiene años, no quería dejar de pasar vuestro videoclip para Femi Kuti, una pieza donde se combina gráfismo, collage, found footage...¿Cómo surgió este proyecto?

Fue un proyecto muy especial, nos contactó el productor francés Nicolas Benac junto a Juan Gelas, quien había trabajado en el documental Day by Day de Femi Kuti, era cercano a él y de alguna manera su interlocutor. Querían  hacer un “lyric video”, para una canción practicante de protesta, que va del desbalance del mundo, del norte y el sur, ricos y pobres, armas y música, querían un mensaje explícito, leído, rabioso y a la vez que visibilizará su forma de hablar, el inglés nigeriano. Visualmente es un trabajo de collage visceral y muy salvaje combinado con material que nos enviaron, no es “found footage”, usamos vídeo que ellos mismos hicieron donde aparece Femi cantando por ejemplo, es de un teléfono, cintas de mini DV con imágenes de él tocando, del club y lo más importante, los vertederos de basura, la idea era mostrar que el mundo y los pobres están jodidos, pero hacerlo sin transmitir lástima, sino con color, con música, baile, eso es África, la gente que aparece dentro de la basura en los vertederos es la misma que hace cola para entrar a el club y aparecen bailando en el vídeo.

 

 

-Ya para acabar, nos detenemos en vuestras piezas más allá de los videoclips. Me parece muy interesante vuestra versatilidad...cómo hacéis para compatibilizar los trabajos por encargo (publicidad, promos...) con creaciones más personales como el video-ensayo Sotavento, la performance Delirios Automáticos o los visuales para el Sónar (Dave Clark...)?

Tu mismo lo has dicho, unos son encargos y otros son personales, nos ganamos la vida con los encargos pero los trabajos personales son vitales, lo interesante es cuando se juntan y te hacen un encargo comercial basado en tu trabajo personal. “Delirios Automáticos” fue un performance comisionado por el Xcentric del CCCB para un festival dedicado al collage, el reto fue hacer collage en directo, el resultado fue único y la experiencia adrenalínica trajo como encargo el videoclip de Femi Kuti.

 

 

Sotavento” surgió de un viaje que hicimos Ana y yo a Fuerteventura, buscabamos sol pero estuvo nublado y lluvia todo el rato, eso nos hizo sentir la isla de otra manera, desde la contemplación visual, pasamos días recorriendo aquel desierto volcánico con la cámara y el trípode, haciendo planos fijos, podría decir que eso nos ayudó más adelante a centrar o calmar nuestra forma de componer.

 

 

 

Es curioso que menciones los visuales de Dave Clarke en el Sonar, fue una experiencia brutal pero aquello fue hace 12 años, ha llovido mucho desde entonces, seguimos haciendo visuales en directo, es algo que nos encanta, agregarle el factor adrenalina a la creación visual siempre aporta algo nuevo.

 

 

Los últimos años hemos explorado nuevas cosas, siempre desde una perspectiva orgánica y analógica combinada con lo digital, como por ejemplo convertir una mesa de luz en una rudimentaria máquina de hacer fotocopia / stencil en movimiento, en tiempo real, recursos que luego aplicamos a nuestros proyectos, encargos y personales. Actualmente Ana lleva la parte visual del show de Pola Tog y yo el de Sunny Graves, es por amor al arte claro y al experimento audiovisual.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   14.mar.2017 10:54    

Querido Antonio: simple diversión

Bajo el nombre de guerra Querido Antonio se esconde Alberto González Vázquez guionista, ilustrador, publicista, dibujante de comics, director de cortometrajes de animación, productor de cine y ocasionalmente realizador de videoclips, además de otros insospechados menesteres.

 

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Un crisol de ocupaciones en las que, independientemente del formato, el autor se expresa con ingenio y enorme sentido del humor.

Alberto González se encarga, por ejemplo, de las piezas cómicas memorables que separan las diferentes secciones de El Intermedio (La Sexta), amén de otros contenidos fruto de su incontenible hiperactividad.

 

 

Creaciones que se pueden apreciar en su canal de youtube y en las que, como denominador común, destaca el uso original que hace del found footage a partir de un estilo sobrio y sencillo. Digamos que es fiel al eslogan: dar más por menos.

En este sentido, hemos querido adentrarnos en sus videos musicales, especialmente en su último videoclip para Joe Crepúsculo y su canción "Música para adultos" donde están destilados muchos de sus hallazgos visuales y que es particularmente brillante desde el punto de vista del uso del lenguaje audiovisual, con guiños al código de las redes sociales y de los propios medios de comunicación.

Pero mejor nos lo cuenta nuestro Querido Antonio en persona...

 

 

-Eres un "hombre orquesta" del audiovisual con inquietudes variadas: televisión, publicidad, comic, animación... ¿cómo se enmarca el formato videoclip en este maremagnum?

Es un formato que me interesa muchísimo pero al que me acerco con cautela. Sólo he realizado cuatro videoclips y creo que todavía no he abandonado la fase de aprendizaje. Tengo la sensación de que es un lenguaje que no llegaré a dominar hasta que haga veinte o treinta. Soy cauteloso porque creo que un videoclip es un instrumento que debe estar al servicio de una canción y me preocupa que el exceso de información que hay a menudo en las cosas que hago pueda ir en contra de ese propósito. En realidad los videoclips que a mí me gustan no se parecen demasiado a los míos. Me gustan cosas orgánicas y sencillas como "Lost Cause" de Beck o "No Surprises" de Radiohead.

 

 

Cosas más poéticas que narrativas que consiguen aportar un sentido nuevo a las canciones y multiplicar su poder evocador. Quizá algún día consiga hacer un videoclip así.


- En tu último videoclip para Joe Crepusculo juegas con el espectador y con el lenguaje de internet, redes sociales.¿Cómo surgió la idea y desarrollaste el proyecto creativo junto a Joe Crepusculo?

Joël y yo nos conocemos desde hace unos años y alguna vez habíamos hablado de esta posibilidad. Hace unos meses coincidimos en una cena y me comentó que el disco estaba a punto de salir y que le apetecía que hiciera uno de los videoclips. Poco después nos reunimos para hablar del asunto y me repitió unas treinta veces que lo único que quería era que me sintiera cómodo. Tener libertad absoluta es una bendición, pero tiene su lado negativo, porque los límites a veces te ayudan a centrarte. En el momento en que te dicen "haz lo que quieras" las opciones son infinitas. Tuve muchas dudas. Descarté cuatro o cinco ideas por distintos motivos y finalmente me decidí por ésta sin tener del todo claro si tendría tiempo suficiente para expresar con claridad lo que pretendía. También me preocupaba que el exceso de información desviara la atención de la canción, como decía antes. La canción me parece maravillosa y no quería presentarme de repente como una especie de acróbata plasta que se pone delante de tus narices y te dice: "Eh, esa canción que suena es genial, pero mira lo que hago". Cuando le envié el vídeo a Joël todavía conservaba algunas de estas dudas, pero su reacción fue tan positiva que automáticamente se despejaron.

 


-Indagando en tus trabajos anteriores para Los Punsetes o Tigres Leones me da la impresión de que uno de tus rasgos de estilo es tratar de manera creativa el found footage, encontrando nuevos sentidos a imágenes de archivo. En cierto modo, también es lo que haces en tus piezas para El Intermedio. ¿Cuáles a tu juicio son tus señas de identidad a la hora de expresarte?

 

 

No soy nada analítico con mi trabajo. El que señalas probablemente sea una de esos rasgos de identidad, puesto que es algo muy presente en lo que hago. Por una parte, porque es un juego que me divierte y, por otra, porque es una manera muy económica de contar una historia. Creo que en esto se resumen un poco las claves de mi trabajo: contar historias que me divierten o me estimulan con la menor cantidad de recursos posible.

 


-El humor, la crítica política, la provocación... están presentes también en tus obras, como en tu videoclip animado "La ratonera" para Amaral, o el propio "Música para adultos" de Crepus. ¿Cómo ha sido el feed-back con este tipo de trabajos? No me refiero tanto a censura, como a si has tenido represalias o quejas de políticos, organizaciones, empresas anunciantes...

No, nada de eso. Sería ridículo recibir represalias por plantear situaciones ficticias, ¿verdad? Lo cierto que estos comportamientos se producen cada vez con más frecuencia, pero debemos actuar como si no fuera así, porque de lo contrario los estaríamos justificando. Si pasado mañana se me ocurriera representar una catástrofe en una obra de ficción y me negara a hacerlo por miedo a interpretaciones delirantes estaría apuntalando el razonamiento del que confunde la representación de la catástrofe con la catástrofe misma. Debemos negarnos a ser cómplices de esta lógica demente.

 

 


-Para acabar, los videoclips no son muy numerosos en tu carrera pero cuando te decides ¿qué pulsión te lleva a trasladar a imágenes una determinada canción?

No tengo ni idea. Supongo que es un proceso bastante intuitivo. Como dices, no he hecho demasiados videoclips y sería prematuro hablar de un sistema. Unas veces escucho una canción y estoy atento a las imágenes que me sugiere y a partir de ahí intento dar con un argumento. Otras veces me agarro tozudamente a un concepto visual e intento forzarlo hasta el extremo. Y otras veces el proceso es una especie de escritura absurda y rítmica, tomo recortes de aquí y allá y acabo elaborando una especie de collage abstracto. Es bastante anárquico y variable todo.

 

 Nos despedimos no sin antes recomendaros alguna de sus obras como "Humor Cristiano".

 

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    7.mar.2017 01:44    

Fantasear con imágenes

Desde Valencia y para todo el mundo nos llega un auténtico latigazo de imágenes en forma de videos musicales, conciertos en directo, documentales... Kill the tv son Iñaki y Ferran, un tándem que se mueve con enorme pericia y creatividad en los amplios márgenes del "Music Film".

Ésta sería su declaración de principios: "Nuestra filosofía es disfrutar con cada uno de los proyectos en los que nos embarcamos. Da igual que sea un spot para una marca, un videoclip o un documental. Creo que si no te gusta lo que haces difícilmente vas a crear un producto que interese a alguien".

Iñaki Antuñano, como realizador, nos confiesa que le gusta "fantasear con imágenes" con las canciones que escucha. "Para mi un video musical no se diferencia mucho de un cortometraje en lo que se refiere a la construcción narrativa".

 Desde Kill the tv suelen trabajar con libertad creativa incluso en los proyectos de encargo siempre con la consigna de hacer "suyas" las propuestas y eso pasa por "creer en el grupo y en sus canciones".

Hablamos con Iñaki y Ferrán y nos centramos en su video musical "Jodidamente loco" un "delirio" creativo para Los Bengala, clip premiado recientemente en el Festival Cara B de Barcelona.

 

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-Kill the TV sois una plataforma creativa con casi una década de actividad, integrada por Iñaki Antuñano (director) y Ferrán Toledo (productor). Ya el nombre "Kill the tv" es una declaración de principios, y en vuestros genes la música y la imagen están perfectamente integrados. En vuestra web citáis a Bowie, Lou Reed, pero también a Radio Futura, Chucho y Joe Crepúsculo como fuentes de inspiración...¿Cual es vuestra filosofía de trabajo y cómo nace Kill the TV?

Iñaki: Kill The Tv nace en un momento de desencanto con la televisión, medio para el que he dedicado gran parte de mi carrera. Al principio era una manera de firmar mis trabajos al margen de este medio. No tenía el objetivo de que se convirtiera en el modo de ganarme la vida. Pero con la llegada de Ferran la cosa se hizo más seria. Llegó un momento en que ni él ni yo teníamos un trabajo fijo y nos lanzamos de lleno a consolidar el proyecto. Nuestra filosofía es disfrutar con cada uno de los proyectos en los que nos embarcamos. Da igual que sea un spot para una marca, un videoclip o un documental. Creo que si no te gusta lo que haces difícilmente vas a crear un producto que interese a alguien.

 


-En vuestras creaciones acuñáis el concepto Music Film, que englobaría formatos como la película musical, el Rockumental, el videoclip, la publicidad musical, los conciertos en directo, after-movies de festivales y eventos, etc... Hay un post muy interesante de Ferrán desarrollando esta idea. En este sentido, ¿cual es vuestra forma de aproximaros a la música y a los grupos para que la imagen trascienda y se pueda construir una estructura narrativa a partir de una canción?

Iñaki: los dos somos consumidores compulsivos de música y en mi caso me gusta fantasear con imágenes en cada grupo o tema que escucho. Para mi un video musical no se diferencia mucho de un cortometraje en lo que se refiere a la construcción narrativa. A veces hay una historia que contar y otras simplemente hay que mostrar a la banda, pero en cualquier caso debe haber una estructura lógica. En mi opinión, en un videoclip la música y la imagen deben ir de la mano.

Ferran: Lo primero que hay que hacer es creer en el grupo y en sus canciones. Nosotros afrontamos los trabajos desde una óptica muy profesional pero desde el punto de vista de un fan y eso, al final se acaba notando. Amor a la música y a las imágenes. Siempre hemos estado en primera fila dándolo todo. Ahora nos movemos por el foso y el backstage pero la esencia es la misma: respeto máximo al artista y a su música.



-En Kill the tv os habéis especializado sobre todo en grabaciones en directo, como la serie de conciertos para Jagermeister u otros clientes como Deleste, Ambar, etc... ¿Cómo se compatibiliza un trabajo por encargo con vuestras inquietudes personales?

Iñaki: Intento que cada trabajo, aunque sea un encargo, se convierta también en inquietud personal. Además tenemos la suerte de que los clientes con los que trabajamos nos suelen dar libertad total en la parte creativa, de manera que nos resulta sencillo empatizar con el proyecto al 100%.

Ferran: Tu sello siempre está ahí. Y es por eso mismo que el cliente recurre a tu trabajo.

 


-Algunas de las piezas que hacéis en directo tienen un trabajo multicámara muy elaborado, con grabaciones en varias localizaciones y festivales, integrándolo en un todo. ¿Podéis resumirnos a nivel técnico y de planificación cual suele ser vuestro método de trabajo?

Iñaki: En la serie de videos en directo para Jägermusic el proceso fue el siguiente: en primer lugar la banda elegía el tema. Rodamos ese tema del tirón a tres cámaras con una realización muy pensada. Además grabamos otros planos del resto del concierto para integrarlos en el montaje final. Además, algunos grupos tocaban en varios festivales, de manera que repetimos el proceso en cada fesival. Eso nos proporcionaba una riqueza de imágenes muy grande. Después en la sala de montaje tratamos de unir las piezas como si fuera un rompecabezas.

 


-Os traemos también a A rienda suelta por vuestro último videoclip para Los Bengala "Jodidamente loco" (premiado recientemente en el Festival Cara B) en el que conseguis trasladar el espíritu del grupo a imágenes. Es un trabajo gamberro, rompedor pero también técnicamente impecable, con guiños al gif, planos realizados con dron. Además con Los Bengala ya habíais tenido experiencias anteriores. De forma sintética, ¿contadnos cómo ha sido el proceso creativo del clip, por lo que decís parte de un "delirio" del grupo que vosotros habéis hecho realidad?

Iñaki: Conocimos a Los Bengala en el Festival SOS de Murcia. Nos flipó su propuesta y a nivel personal hubo conexión desde el primer momento. Luego volvimos a coincidir en el Vida y en el Low. Allí nos propusieron la idea de rodar el videoclip. Ellos lo tenían muy claro, de hecho el guión es prácticamente suyo, salvo la escena del boxeo y la del atasco. Rodamos durante tres días con un equipo muy reducido. También tenían claro que en las secuencias del mar y de la azotea se fuera descubriendo la escena de un plano corto a un plano general. El incorporar el dron para estas secuencias vino luego, cuando planteamos el videoclip desde el punto de vista técnico.

 

 

Ferran: La primera vez que oí hablar de Los Bengala fue cuando entraron a formar parte del roster de grupos de Jägermeister, ya que eran una de las bandas que teníamos que grabar. Cuando escuché "Jodidamente loco" me pareció tal temazo que la oí decenas de veces consecutivas durante esa tarde. Esa es la primera clave para hacer un buen videoclip: creer en el grupo y en sus canciones.



-Desde el punto de vista técnico, qué ha sido lo más complicado, ¿planos áereos en el mar, grabación en las vias del tren, en la azotea, en el ring, en medio de la noche entre coches...?

Iñaki: curiosamente las escenas con el dron fueron las más rápidas. Se hicieron prácticamente en 3 horas y aún nos quedó tiempo para rodar algún plano improvisado (el de los créditos). La gente de Aereal fueron muy profesionales y nos bastaron tres o cuatro tomas en cada escena.

 

 

 

La escena del ring fue la más complicada. Era la que llevaba un trabajo más concienzudo de iluminación, maquillaje y planificación. En la azotea trabajamos mucho la seguridad, obviamente. Borja estaba sujeto con arneses a un soporte metálico. La escena del atasco fue rodaje-guerrilla total. Elegimos una gran avenida en hora punta y rodábamos cada vez que el semáforo se ponía en rojo.

 


-No me gustaría acabar sin citar vuestra faceta de producción de eventos, como es "Kill the Fest" en el que organizásteis conciertos de música electrónica en Russafa. ¿Vais a dar continuidad a este tipo de actividades? ¿cómo se trabaja en el audiovisual desde una ciudad como Valencia?
- Alguna novedad que podáis contar para lo que queda de año?

Iñaki: En Valencia hay una oferta musical muy grande y un buen puñado de salas que ofrecen propuestas muy interesantes. Kill The Fest nació como un festival de Kill The Tv, con la intención de aportar nuestro granito de arena a esta escena. En la primera edición trajimos a dos bandas amigas: We Are Not Brothers y The Suicide of Western Culture. Fue una noche electrónica en uno de los clubes más underground de la ciudad. Estamos trabajando ya en la segunda edición, pero seguramente cambiaremos el concepto radicalmente. Probablemente haremos un festival diurno, pero aún estamos trabajando en ello.

 

Kill the fest

 

Valencia es una ciudad perfecta para vivir y trabajar, aunque curiosamente la mayoría nuestros clientes son de fuera.

 

Ferran: Valencia es una ciudad pequeña, pero nosotros decidimos quedarnos a vivir aquí a pesar que la mayoría de compañeros emigró a Madrid y Barcelona, los dos grandes focos de creación audiovisual en nuestro país. Nos gusta nuestra ciudad, aunque la grandísima mayoría de trabajos los hacemos fuera.

Ahora mismo estamos trabajando en otro videoclip que grabaremos en breve y llevamos entre manos un documental de largo recorrido con grandes dosis de música. Empezamos a grabarlo en octubre y se prolongará, como mínimo, hasta el verano.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   28.feb.2017 11:09    

Artesano digital

Recalamos en este capítulo  en la figura de Alex Guimerà (aka Guime), un auténtico "artesano digital" que diseña proyectos desde la pasión, la experimentación y el compromiso.

Alex, primero desde Several Studio y  ahora desde su plataforma Hic&Nunc, es la prueba palpable que desde disciplinas como la postproducción y el motion graphics se puede ser extraordinariamente creativo realizando publicidad, documentales, videoclips y todo tipo de expresiones artísticas que no se le resisten.

Además de ser un ingenioso realizador también tiene visión de producción, algo que le hace ser versátil y tener los pies en la tierra sobre lo que se puede y no se puede llevar a cabo.

Nos adentramos pues en el universo Guimerà, un viaje cosmopolita
en el que nos detenemos especialmente en su último videoclip para  Slow Joe & The Ginger Accident, una joya del collage y la animación.

También hablamos de otro ambicioso proyecto como el excepcional documental "Un día vi 10000 elefantes" que está recibiendo premios por todo el mundo.

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-Alex, como tu propia abuela te define, eres un "culo inquieto", con proyectos audiovisuales muy variados alrededor del videoclip, la publicidad, el documental, el diseño... ¿te sientes más realizador, productor, diseñador...Cómo nace en tí la pasión por el audiovisual?


Desde pequeño crecí rodeado de VHS y de Beta, en mi casa siempre ha habido multitud de pelis. Recuerdo que mi padre tenia un armario lleno y perfectamente catalogado de pelis que ocupaba todo el pasillo de casa. También me contagié de su pasión por la fotografía y la música. Mi madre también es muy cinefila y ama la música, aunque le tira mas la pintura. No estudió Bellas Artes, pero de joven realizó algunas expos individuales y colectivas. Recuerdo que de pequeño la acompañaba y hacia las fotos del evento con la ‘Werlisa Club Color’ que me regalaron. Todavía la conservo… ;)


Y mi abuelo, muy vinculado también durante toda su vida al mundo de la televisión y gran amante de la música, me enseñó a trabajar con la manos. Siempre que podia me llevaba con él a los Encantes de Barcelona a trastear entre todos los cacharros. Así que trabajábamos con madera, papel, hierro, etc… Siempre hacia cosas espectaculares, recuerdo los barcos llenos de detalle que hacia con las latas de envases de bebidas, olivas o sardinas… después los pintaba y los regalaba.

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Yo estudié dirección y producción de tv y cine, y me especializé en postproducción y motion graphics. Empecé en analógico y terminé en digital. He tenido la suerte de trabajar en muchos y variados proyectos audiovisuales, mayoritariamente documentales. Para mi es casi indivisible el diseño del cine, van muy ligados. Por ese motivo mis trabajos siempre tienen algo de los dos. Así que me siento muy cómodo dirigiendo o realizando un docu, un videoclip o una publi, y también desarrollando la imagen gráfica de una marca, un packaging o un poster. De hecho, me gusta compaginar proyectos diferentes, me sirve para coger distancia y ser más objectivo. Cambiar de tarea o dejar reposar, siempre he pensado que es bueno para el proyecto.


También me siento muy cómodo cuando me pongo la gorra de productor. Un buen productor debe de conocer todos los procesos y tareas de una producción, y con los años he ido adquiriendo la experiencia necesaria para ser capaz de producir y conseguir cualquier cosa que precise sea qual sea su formato final…

 

-La música está muy presente en tus creaciones desde el principio, como por ejemplo la serie de documentales para el grupo The Peppers Post, o el documental Living in a song, por citar dos ejemplos. ¿cual es tu relación con la música y la pulsión que te lleva a emprender este tipo de proyectos?


El destino o la casualidad ha sido lo que me ha llevado a trabajar en este tipo de proyectos y es genial…! Me gusta trabajar con grupos independientes porque tienen mucha fuerza y talento, se dedican profesionalmente a la música gracias al esfuerzo que requiere hacer las cosas bien hechas… En este sentido, con la parte audiovisual exigen lo mismo y con ellos encontré la confianza necesaria para poder proponer y experimentar. Suelen ser proyectos de larga duración, y donde llegas a ser casi uno mas del grupo, aprendes a pasar desapercibido, sin hacer ruido y es cuando de verdad se capta la esencia, lo mejor de ellos. ​ ​
Detrás de cada grupo, siempre hay grandes historias.

 

 

-Te traemos a ARS, sobre todo, por tu videoclip "My Sway" para Slow Joe & The Ginger Accident un homenaje póstumo a Slow y The Ginger Accident (Cedric de la Chapelle y su grupo) tras seis años de relación. A estos músicos ya los conocías de tu documental "Living in a song". ¿Cómo surge el proyecto, es un encargo o una iniciativa personal?


Conocí al grupo de la mano de Romain Clement, por aquel entonces productor de Slow Joe… eso fue en 2013. Un día mientras estábamos comiendo me explico el fascinante encuentro entre Cedric y Joe. Me explicó la gran aventura de sacar a Joe de la India, un largo y complejo proceso burocrático y también la azaña de montar la primera gira de Slow Joe & The Ginger Accident por la India.

 

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Desde un primer momento Joe me pareció una persona carismática, tenia algo especial, además de una voz desgarradora! Tuvo un pasado muy duro, de vivir en la calle, de alcoholismo y de adicción a todo tipo de drogas desde muy joven y durante casi 40 años. De alguna manera creo que fue su manera de auto exiliarse de la sociedad… y sus letras y su actitud frente a la vida, son consecuencia de esa etapa.


Así que después de conocer la historia detrás del grupo, nos propusimos levantar el proyecto documental musicalLiving in a song’ que por cierto, todavía no está terminado y no se si terminaremos… Espero que si porque es una gran historia ya no solo musical, sino una lección de vida: Nada es imposible si uno quiere…como se suele decir, ¡Querer es poder! Entre Cedric y Joe, había mas que una relación de amistad o de trabajo. Ese encuentro casual cambió la vida de ambos e inició una fascinante aventura humana y profesional mas que va mas allá de las diferencias de edad, cultura o condición social.


Poco después de terminar la grabación del que seria su último álbum, Joe falleció. Al cabo de un tiempo, Cedric me propuso dirigir el videoclip del tema que mas me gustase del nuevo disco. El encargo fué: Con los materiales que tienes se te ocurre alguna cosa para hacer un videoclip? Tengo algunos materiales grabados, conciertos y entrevistas desde 2013, pero con una intención documental para la producción de la peli. Muy interesantes para el docu pero con poco interés para el videoclip. Así que después de elegir ‘My Sway’ entre los temazos del nuevo disco, le propuse a Cedric construir una historia en formato collage animado a partir de viejas fotos y videos, fotos personales, de amigos, de conciertos y también solicitamos la colaboración de todos aquellos fotógrafos profesionales que habían cubierto giras de la banda, para que nos cedieran sus materiales para la producción. Conseguimos reunir cerca de 2.000 fotos y videos, en topo tipo de formatos, calidades y también de momentos.

 

 


-Este video musical es un híbrido a caballo entre el collage, el documental, pero también con una textura muy POP. Cuéntanos ¿cúal ha sido tu intención creativa y con qué técnicas has trabajado?


Es cierto,’My Sway’ tiene un estilo muy pop siempre he estado muy influenciado por la cultura pop, sus colores, sus texturas y los collage… todos mis trabajos respiran algo de pop.
​ Tiene técnicas de motion graphics, de stopmotion o de cut out.​


 

Ha sido un trabajo de 3 meses, no de dedi​ca​ción exclusiva pero casi, para recortar y animar las cerca de 1.000 fotos que se han usado en el videoclip. Partiamos de diferentes texturas, tamaños y resoluciones de archivos. Lo mismo sucedía con los videos, algunos de rodajes profesionales y otros grabados con móviles o cámaras de fotos. También habíamos recopilado notas y escritos de Joe, recortes de prensa, etc. Así que la decisión fue resaltar las imperfecciones en vez de disimularlas, sacar texturas y jugar con ellas. La técnica mas usada ha sido la paciencia…;) Organizar y seleccionar entre todas las fotos para darle coherencia a la historia. Cortar y pegar, restaurar, recrear elementos de unas fotos a otras… para crear las composiciones animadas de los componentes del grupo a partir de los diferentes materiales​.

 

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La caligrafía ​​también es una parte importante de esta pieza, ​es de Ricardo Rousselot, el supo a la perfección cómo plasmar la identidad de Joe a través de la letra ​
manteniendo sus rasgos ​característicos. Joe escribía sus letras en cualquier lugar, siempre llevaba una libreta encima y en cualquier momento podía surgir la inspiración. En un primer momento quise usar su propia caligrafía pero no tenia buena lectura para pantalla, así que por esa razón acudí a Ricardo.

 

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-En este sentido, ¿cual es tu relación con el formato videoclip? Hace ya cinco años nos encontramos una pieza para la canción “Time to live” de The Pepper Pots, en el que también el collage y la animación son señas de identidad. ¿Podría decirse que tu estilo y creatividad tiene su punto de partida en la postproduction & motiongraphics?

 

 
Mi relación con el videoclip es de amor y odio.
​... ;)

Me encanta trabajar este formato, ya que te permite ser creativo y experimentar con técnicas, formatos y lenguajes diferentes, pero hacer un videoclip tiene mucho trabajo y muchas veces no puedes asumirlo por los bajos presupuestos que se destina a la producción. También es cierto, que esta limitación presupuestaria en ocasiones te motiva a plantear el proyecto desde una perspectiva diferente, a buscar opciones y en este sentido la animación y la postproducción es una super solución por las posibilidades que te ofrece.


El collage y la animación son técnicas muy sugerentes y atractivas con las que me siento muy cómodo trabajando. Por ese motivo en la medida de lo posible, suelo incorporarlos en la gran mayoria de producciones ya sea videoclip, documental o publicidad. Desde que empecé ha realizar motion, siempre me ha interesado la animación con fotos de archivo, me gustan las texturas y me gusta mezclar formatos y técnicas para explicar una historia.

 


Por ejemplo en el videoclip ‘You’re still in my mind’ para The Pepper Pots, utilicé por primera vez maquetas de papel con chroma. Recreamos diferentes escenarios como el conocido programa de Ed Sulivan e hice una sesión de fotos para crear las animaciones en stopmotion de los integrantes del grupo. Más tarde esta técnica me sirvió para aplicarla en la última película documental de animación que he dirigido.
​ ​

 


-No quería dejar de mencionar vuestro último documental "Un día vi 10000 elefantes" desde Several Studio, una película apasionante que está funcionando muy bien en Festivales de todo el mundo, ¿qué hay detrás de ese documental, en cierto modo es un homenaje a los aventureros como Manuel Hernández?


Es un proyecto de cerca de cuatro años de producción y otros tantos de investigación. Lo dirigí con Juan Pajares y está producido desde nuestra anterior productora, SeveralStudio (2009-2015). De los muchos enfoques posibles que nos planteamos a la hora de encarar un proyecto como este, escogimos el más audiovisual. “Un día vi 10.000 elefantes” es una película documental sobre fotografías, películas y los hombres que las hicieron, sus vivencias, sus experiencias… La animación ha permitido recrear situaciones que no hubiéramos podido tener, ya que, aunque el material de archivo de Sanjuán es muy amplio, cerca de 5.500 fotografías y 35 cortometrajes de cine, estos fueron creados con intenciones propagandísticas. Así, con las ilustraciones de Dulk, las fotografías y el cine de archivo o las animaciones “stop motion” del presente nos han permitido ir más allá de la representación convencional que se suele hacer con las imágenes del pasado.

En esta peli la música también tiene un papel muy importarte durante todo el transcurso de la historia. La banda sonora original fue producida por ‘Benjamin Fert’, un compositor parisino. Y para el desenlace de una de las secuencias finales de la peli, le pedimos a ‘El Chojín’ su colaboración junto con el productor español afincado en Londrés ‘Fábel’.

 

-Ya para acabar, ¿algún videoclip en la chistera?

Por ahora no… ;)

​Pero tengo muchas ganas de hacer un videoclip de Hip Hop!

 

guime es el portfolio online de Alex Guimerà, diseñador y productor audiovisual de Barcelona

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   21.feb.2017 11:09    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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