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La Perrera de Fernando Alfaro: amplificando el surco

Con este juego de palabras queremos reseñar el videoclip que ha realizado el colectivo La Perrera para la canción que da título al nuevo trabajo de Fernando Alfaro  "Sangre en los Surcos". Fernando ha hecho un disco maduro, austero y emocionante revisitando sus canciones con ese poso que da la perspectiva del tiempo y añadiendo cuatro nuevos temas.

Precisamente "Sangre en los Surcos" es una de las nuevas composiciones que ha dado pie a una pieza visual embriagadoramente bella que juega con el collage, y bebe del blanco y negro y del propio diseño gráfico del disco.

Música e imagen se retroalimentan y amplifican, en una conjunción en la que Alfaro y La Perrera van de la mano... Hablamos con ellos que nos cuentan cómo ha sido esa conjunción de hueso.

 

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 -Hace ya casi 5 años que no hablábamos con vosotros. Por entonces estábais enfrascados en plena efervescencia con proyectos para Anicet y su primer disco "Ensayos para la generación perdida"... Recientemente habéis estrenado el videoclip "Sangre en los surcos" para Fernando Alfaro. En medio, más videoclips, promos, publi. ¿Cómo ha evolucionado aquel colectivo audiovisual "La Perrera"? ¿seguis siendo los mismos: Benjamin Villegas, Áurea Castosa y Jordi Fernández?

Seguimos siendo nosotros, sí. No entendemos el colectivo sin una de las tres partes aunque a veces uno pueda implicarse menos en un proyecto concreto. De todas formas solemos consensuar la idea global de nuestros visuales y como los tres somos bastante versátiles, nos repartimos las tareas de cámara, montaje y posproducción sin la necesidad de mantener un patrón concreto. Lo único que tratamos de mantener es que la dirección sea coral y que los tres podamos complementarnos ahí. En los últimos trabajos hemos podido, además, colaborar con otros profesionales como César Núñez o Olíver Rodríguez que nos aportan un montón de cosas.

-¿Seguís inspirados por la música, el diseño, la fotografía, el vídeo, el periodismo...?

Sí, de hecho son nuestras profesiones y nos gustan. La Perrera nos ayuda a afrontar proyectos más creativos o artísticos.

 

 

-Nos gustaría centrarnos en Sangre en los surcos, una pieza delicada, que recoge a la perfección la sensibilidad de la canción de Fernando. ¿Cómo surgió esta comunión, os conocíais previamente o ha sido flechazo a primera vista?

Pues yo (BENJA) tuve la suerte de coincidir con Fernando en un local de ensayo que él comparte con Piti Elvira aquí en Barcelona. Yo toco con Piti en su proyecto Catarata y por allí nos habíamos saludado alguna vez. Yo me considero un “muy” fan de poca trayectoria de Fernando. Lo descubrí después de Surfin´Bichos y Chucho y me parece una eminencia y uno de los mejores letristas de este país. Yo le seguía en varias redes sociales y un día él me felicitó por un trabajo audiovisual y yo aproveché para entrarle y proponerle hacer algo juntos en su nuevo disco.

-No deja de ser un guiño que os llaméis La Perrera y que hagáis un video para un artista que siempre ha jugado con la nomenclatura alrededor del perro: Chucho, Perruzo, El club de los Perros Felices...¿casualidad, conexión de hueso?

Pues no me lo había planteado… En nuestro caso el nombre del colectivo es heredero de un trozo del guión del viral “Generación Perdida” en el que usábamos a mi perro y la voz en off decía: <<bueno, el perro sí>>. La gente empezó a utilizar esa frase como hashtag cuando el vídeo empezó a compartirse y nos pareció gracioso llamarnos así. Después, con el tiempo, le dimos una vuelta e hicimos evolucionar ese concepto hacia “La Perrera” que nos parecía más comercial. Si para Fernando el uso de conceptos caninos es también por el hecho de haber sido dueño de perro supongo que podríamos hablar de cierta conexión.

 

 

-(Para Fernando) No te has prodigado demasiado a la hora de realizar videoclips de tus canciones. ¿Cual es tu relación con el formato? ¿Qué te lleva a dar el paso de poner imágenes a una determinada composición? ​

Bueno, al final hace uno balance y hay bastantes, aunque algo desperdigados. Se hizo videoclip (oficial, claro está) de "Fuerte", "Un ángel turbio", "Magic", "La mente del monstruo", "Túnel de lavado", "Los cuatro vientos", "Extintor de infiernos", "Velero", "Saariselkä stroll" y "Flores sobre el estiércol". Que yo recuerde. En realidad y para ser sinceros, siempre ha dependido de las circunstancias: hubo un tiempo en que resultaba casi necesario tener videoclip para los programas de TV que los programaban. Luego hubo un hiato en el que tenían salida casi cero. Y ahora se ha ​reactivado el asunto con el consumo online.

 

 

Los videoclips (como la música) son, además de arte, un producto o una herramienta comercial, y esto condiciona muchas cosas. Dicho todo esto, hay ocasiones en que se unen una alta calidad artística con la potencia como herramienta promocional. Yo he tenido la suerte de tener, para canciones mías, videos así. Y esta de ahora es una de esas felices conjunciones. Es un clip emocionante, es increíble cómo amplifica el efecto de la canción.

 

 

-El video musical de Sangre en los surcos es muy conceptual ¿Se trata de una idea original de La Perrera o de Fernando? ¿en qué medida Fernando (incluso la discográfica) os ha dado pautas o es una obra audiovisual totalmente libre?

(BENJA): Fernando tenía claro que quería un clip para esa canción y me pasó el tema por correo con algo del material gráfico del disco. Todo lo visual se basaba en el blanco y negro y la huella. La canción me atrapó en seguida y me pareció casi un mantra. La letra y la rueda de acordes me llevaron rápido a la idea final que hemos plasmado. Cuando nos sentamos Fernando y yo para hablarlo traté de comunicarle mi idea y en seguida me brindó toda la libertad del mundo para que la pudiéramos desarrollar como quisiéramos.

(FERNANDO) El día que quedamos Benja y yo para hablar del vídeo, enseguida me quedé atrapado por su idea, y también por su entusiasmo. Eso uno lo nota: hay gente con la que da gusto estar y trabajar, y ellos, La Perrera, son de este tipo de gente. Además es que noté desde el primer momento con Benja que teníamos la misma idea de lo que debía ser. Yo había explorado su trabajo y venía orientado a confiar en él, pero al explicarme la historia ya le dije: "lo hacemos exactamente como tú lo tienes en tu mente: dime lo que necesites que haga y yo lo hago."

-Nos llama la atención esa mezcla de sencillez pero a la vez complejidad que encierra el videoclip, una auténtica metáfora de la vida, cadenciosa pero inexorable. ¿Cual ha sido el principal reto creativo que os habéis propuesto?

El reto principal quizá era que de alguna manera pasara algo, sabíamos que podía ser bonito pero queríamos un clímax. Al final la canción y el clip van tan de la mano que se genera una emotividad muy chula a medida que el plano se abre y descubres donde está y de donde viene todo lo que has ido viendo.

 

 

 

-Por cierto, ¿por qué el blanco y negro? Sin duda le da un toque existencial y trascendente...

Te podría contar cualquier milonga pero es tan sencillo como lo que te decía antes, la gráfica del disco lo marcaba y me pareció acertado mantenerlo en el clip. Además, no nos engañemos, en un visual que es casi un collage, el blanco y negro ayuda a empastar y que todo quede más unido visualmente.

-Además, ese blanco y negro, entronca con él precioso diseño gráfico del disco, con la huella dactilar como metáfora de los surcos del vinilo. Entiendo que para crear la estética de la pieza se ha tenido en cuenta la ilustración.

Totalmente, sí. Aquí Fernando te lo contará mejor que yo. ​

(FERNANDO)​ Lo del blanco y negro era una de esas cosas, como lo de acabar la frase del otro: yo venía con esa idea, y Benja también. Aparte de la estética de la portada del álbum y el CD, la gran mayoría de las fotos promocionales también son en blanco y negro. Y desde luego, viendo el resultado, es fantástico cómo funciona en el clip.

 

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- Desde el punto de vista gráfico ¿Cómo ha sido la grabación a nivel técnico, con qué herramientas habéis trabajado? ¿cuál ha sido la forma de conseguir esos "Alfaros" multiplicados?

La verdad es que ha sido relativamente sencillo. Fuimos reuniendo footage como las montañas o los árboles y para los Fernandos nos pasamos una mañana en un plató croma buscando diferentes planos de él cantando (o no) que funcionaran. En este aspecto tenemos que destacar el maravilloso trabajo de iluminación de César Núñez que dirigió la fotografía ese día y nos ayudó a conseguir los contrastes que exigía luego el collage. Fotografíamos un vinilo de Fernando y fuimos colocando todo el material en los bordes para luego hacerlo girar todo en After Effects. Quizá es uno de nuestros visuales más artísticos pero técnicamente no ha sido especialmente duro. Nos aferramos a una buena idea y a una excelente canción.

-Hablando un poco de vuestra trayectoria en La Perrera, en estos años habéis seguido haciendo videoclips para artistas como Elphomega, Santos, Kubiak... también las Arctic Sessions. ¿De qué proyectos os sentís especialmente orgullosos en estos años?

De todos un poco. Hace unos días Áurea creó una playlist en Spotify con todas las canciones a las que le hemos puesto frames estos años y eran cerca de veinte. Me la puse y me pareció una lista súper chula y heterogénea. Me iban viniendo a la cabeza todos los clips a medida que avanzaba y me pareció que tenemos un videobook muy molón. Si tuviera que destacar uno sería “La ecuación de la mediocridad” de Anicet que fue el primer clip que hicimos después del éxito de “Generación Perdida”. Nos cedieron la capilla del colegio en el que estudié de pequeño y tuvimos el honor de dirigir a Laia Marull en un vídeo con más de veinte extras.

 

 

-Ya para concluir, ¿continuáis con la firma "Buenoelperrosí Films" y el sello discográfico Guau Records?

Como te decía antes, en lo visual hemos evolucionado a La Perrera. Estamos trabajando en un documental sobre la escena punk en los 80 en El Paso, Texas y seguimos abiertos a hacer clips de músicos a los que admiramos y queremos. En los discográfico aquello evolucionó en Navaja Suiza que es el sello que montamos con Piti Elvira (ex-Standstill) y el rapero Elphomega. Ahí publicamos música y compartimos experiencias e ideas. Para nosotros haber empezado con visuales de nuestra propia música y haber llegado a ganarnos la confianza de gente como Fernando, Elphomega, Santos o Pau Alabajos, es todo un orgullo.

(La ultima para Fernando) - Fernando, más allá de lo estrictamente musical, y en relación al audiovisual ¿tienes algún realizador de videoclips fetiche? ¿Alguna obra que te haya impactado especialmente dentro del género?

​ Mmmm lo siento. Soy bastante lego en la materia. Claro que hay videoclips que me encantan, pero no soy de informarme mucho sobre quién lo ha hecho y esto. ¡Lo siento! (quizá, ¿obviamos esta pregunta–respuesta? jajaja)

Y tienes planes para adaptar alguna canción más de Sangre en los surcos? Nos parece que en ocasiones, las canciones tienen una segunda vida cuando encuentran su huella en imágenes... Todavía resuena Extintor de Infiernos en nuestra memoria, indisoluble del plano secuencia de Vicente Gil Ginestar.

Otra cosa que es para mí un misterio. No sé qué será en el futuro... mis disculpas otra vez. 

 Como colofón os dejamos con este magnífico EPK en el que el músico reflexiona sobre su trayectoria y cómo se gestó Sangre en los surcos.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   17.abr.2018 18:11    

Electrolírica: investigación poética

Electrolírica es un proyecto musical gallego integrado por Xan Solo (cantautor, actor, poeta) y por Cristina Morquillas (compositora y pianista) que trabaja desde el compromiso y la experimentación.  En ARS nos ha llamado la atención este tándem porque la videocreación está muy presente en todas sus actuaciones en directo.

 

Aquí  nos detenemos en su videoclip "Somos luces" dirigido por Javier Romo que representa muy fielmente lo que Electrolírica transmite en sus actuaciones en vivo.

 Xan y Morqui nos cuentan su universo.

-Han pasado prácticamente dos años desde la creación de Xan Solo's y vuestro proyecto Electrolírica, en el que se combinan la electrónica, la poesía y también las artes visuales. Desde el principio habéis prestado mucha atención a la imagen en vuestra puesta en escena con proyecciones en directo. ¿Por qué surge esta atención por las cuestiones visuales y no solo musicales?

Acabamos de cambiar el nombre del grupo a Electrolírica porque pensamos que nos representa mejor, define lo que somos. Cristina es música y Xan es actor, como facetas primordiales, por eso es tan importante el aspecto visual como el musical. Desde le principio quisimos darle mucha importancia a la imagen en el directo, y la providencia hizo el resto, las cosas surgieron por sí mismas, desde desarrollar un proyecto electrónico en vez de acústico, hasta lanzar videocreaciones en directo sincronizadas. Tenemos todo el directo sincronizado mediante Ableton Live, la música, las proyecciones y las luces. 

Este proyecto seguirá creciendo con ideas nuevas que iremos desarrollando para crear directos más sorprendentes. Ahora estamos trabajando con imágenes en 3D y tenemos muchas ideas nuevas que iremos incluyendo en los directos según la tecnología y la economía nos lo permitan.

 

La imagen puede contener: una persona, en el escenario

 

- En el diseño de esas proyecciones han participado artistas como Señor No, en canciones como "A evolución non entiende de nostalxias", "No limbo dun pasillo" o "Composición 38". ¿Cómo ha sido esa colaboración a partir de vuestra música, qué buscáis con esa interacción? 

Cuando comenzamos con este proyecto teníamos muchas ganas de incluir visuales. No teníamos experiencia en este tema y no sabíamos cómo empezar. Recibimos una llamada de Argentina, y surgió. "El Señor No" dijo que había escuchado nuestro trabajo que le gustaría colaborar con nosotros haciendo videocreaciones. Por suerte "El Señor No" vivía en Corcubión, y cuando volvió a Galicia nos pusimos a trabajar juntos creando visuales para nuestro proyecto y acompañándonos en los directos para diseñar las proyecciones. Fue una bonita colaboración que ha terminado puesto que él ha regresado a Argentina, pero nos ha dejado un bonito legado que son sus enseñanzas, a raíz de las cuales hemos podido ponernos a crear nuevas propias visuales y proyectarlas en los directo.

 

 

- Recientemente nos habéis sorprendido con el videoclip "Somos luces" realizado por Javi Romo. Volveis a dar importancia al directo... esta pieza se ha grabado en el Auditorio de Negreira, ¿cómo ha sido el proceso creativo? 

Queríamos un videoclip que pudiera representar lo que somos en directo. En principio era una idea sencilla. Localizar un sitio y contar con el buen hacer de Javi Romo. En donde vivimos, Negreira, contamos con un auditorio con unas muy buenas características, así que utilizando solamente el escenario, telón cerrado, un par de espejos, unos troncos para darle un carácter más orgánico y un excelente realizador, y también con la colaboración de dos grandes técnicos del audiovisual gallego, Rodolfo Ansede y Roberto Domarco. En un día preparamos y grabamos el videoclip. 

 

 

- Además de la parte de iluminación hay un componente de post-producción muy interesante ¿se había desarrollado previamente a la grabación o ha surgido sobre la marcha? 

Con respecto a la posproducción ha sido Romo el ideador y creador de montaje y posproducción. También la iluminación. Dejamos todo en manos de Javi que ha superado las expectativas que teníamos con este videoclip y nos ha sorprendido con un vídeo muy dinámico con una sola localización.

- Supongo que una de las dificultades habrá sido grabar el video con música en directo y con la sincronización de las propias proyecciones, ¿Podéis contarnos cuales han sido los aspectos técnicos más complejos? 

Nosotros en directo siempre llevamos todo sincronizado. Hemos tenido que trabajar muchas horas e investigado muchísimo para conseguir sincronizar proyecciones y luces pues no hay mucha información en internet. En la grabación del videoclip hemos lanzado música y videocreaciones sincronizadas como hacemos en los directos. Los aspectos técnicos más complejos han sido la colocación de los proyectores y la iluminación, puesto que teníamos dos grandes espejos delante de nosotros, y los tiros de cámara. Por suerte contamos con un equipo de trabajo con mucha experiencia en TVG y no hubo mayores complicaciones. 

 

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Fotografía: Bou-Diadelei

- Ya para acabar me da la sensación que vuestros espectáculos son indisolubles de las creaciones visuales, ¿hasta qué punto cuando componéis música pensáis en imágenes o viceversa?

Como dijimos antes somos dos personas que nos complementamos en ese aspecto. Xan tiene la visión escenográfica y lírica y Cris la visión musical, aunque los dos participamos activamente en todos los aspectos de la creación. Los dos componemos, los dos creamos visuales. Xan si se ocupa de las letras él exclusivamente y Cris trabaja más activamente en los arreglos musicales.

Tanto uno como otro traemos primero propuestas musicales. Una vez desarrollada ésa propuesta comenzamos a trabajar en las visuales del mismo modo, trayendo propuestas por separado y desarrollándolas luego. Primero la música y la letra y después la imagen.

Las letras de Xan son muy subjetivas, surrealistas, profundas e íntimas. Por lo tanto dan pie a un abanico muy grande y también bastante abstracto de ideas, lo cual nos da mucha libertad para crear visuales.

Seguiremos con interés esas nuevas propuestas de Electrolírica.

 

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers    3.abr.2018 13:59    

Carlos Bayona: jugando con el videoclip

Os presentamos "We never say die", primer videoclip de Carlos Bayona, un trabajo sorprendente que nos sumerge en el universo de los videojuegos y de la estética de los años 80. 

Carlos, además, ejerce de músico junto a  Oblique (el dúo barcelonés de synth-pop) y nos presentan su último trabajo "A Song For", precedido por el single "Stop the world" al que ya acompañaba un maravilloso videoclip dirigido por Lyona y que también aprovechamos para reseñar.

En este caso, "We never say die" es una pieza audiovisual muy interesante porque integra imagen real con animación generada por ordenador, haciendo un guiño a las máquinas de videojuegos Arcade que tanto proliferaron en los años 80.

Carlos nos cuenta sus pulsiones creativas y cómo se ha planteado este proyecto desde el punto de vista de producción.

 

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-Carlos, "We never say die" es tu estreno como director de videoclips, dinos, ¿cómo surge el proyecto para poner en imágenes esta canción de Oblique y tuya, perteneciente a vuestro último disco A song for...?

Mi proyecto junto a Oblique es un tributo a los años 80. A su sonido, su estética y sus películas. Es por esto que para nosotros es muy importante el papel que juega el videoclip con cada uno de los temas. Con el primer single “Stop The World” tratamos de recrear la película “La Chica de Rosa” y, como dice la canción, cambiarle el final. Era algo difícil pero teníamos en mente a la realizadora Lyona y sabíamos que ella podría hacer un gran trabajo y así fue. Para el segundo single “We Never Say Die” volvimos a tratar de hacer algo con la idea que maneja la canción. El tema habla de qué sucedería en una hipotética reunión de los Goonies 30 años después y qué sucedería si una de las chicas le dice a otro de los protas que lleva 30 años enamorada de él. En el vídeo la historia es similar salvo que cambiamos al chico por un personaje de videojuego. Mi idea era que la pieza la dirigiera un determinado realizador pero al serle imposible la hice yo que tenía muy claro lo que quería hacer y un equipo muy capacitado para hacerlo. Gracias a Laura Pedro, Txetxu Garcia, Felipe Bravo y Toni Buenadicha por la ayuda.

 

 

-El vídeo musical es un homenaje al cine de los 80, con películas como Los Goonies, E.T. el extraterrestre, Tiburón, Cuentos Asombrosos... entiendo que esta época es para ti una fuente de inspiración, ¿cuál ha sido el proceso creativo a la hora de elaborar el guión de este videoclip?

Por mi edad, 42 años, los 80 e inicios de los 90 significan mucho para mí. Efectivamente el vídeo está enfocado con la idea de que se pudiera tratar de una historia fácilmente englobable en “Cuentos Asombrosos”. Es una historia bonita pero que acaba mal pues la chica desaparece dentro de la máquina por lo que llega a tener ese humor negro propio de películas como “Cuentos Asombrosos” y “Creepshow”. El guión trabajé a medias con Ibán Manzano y Toni Buenadicha y para mí ha sido un lujo.

-También hay un hallazgo estético al combinar imagen real con imagen animada, rememorando las máquinas arcade ¿cómo ha sido esa labor de recreación con Toni Buenadicha?

Es fantástico trabajar con él. Es muy bueno y muy rápido. Le pasé mi idea de tener una animación pixelada tipo videojuego donde fueran reconocibles los personajes y no tuve que preocuparme de nada más. Ha sido una maravilla trabajar con él. Fuimos tan rápido que nos pudimos adornar y es por esto que el vídeo está lleno de pequeños guiños a los años 80 por todas partes. La combinación de imagen real y animación es algo también característico en películas de la época como Tron, Roger Rabbit o Cool World y nos apetecía repescarlo.

 

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-Para grabar la parte de imagen real os habéis desplazado a Hospitalet y habéis contado con la colaboración de la Asociación Arcade. ¿Qué fue primero el huevo o la gallina, la grabación de la imagen real o la elaboración del videojuego?

Ha sido un proceso muy en paralelo si bien la elaboración del videojuego llevó un poco más de tiempo. Comenzamos a trabajar en la animación al inicio de la preproducción y terminamos una semana más tarde que los efectos visuales que han sido muy importantes y que corren a cargo de Laura Pedro de El Ranchito, una compañía que está realizando los efectos de Juego de Tronos actualmente.

-En cuanto de la actriz principal Aída Qui, ¿cómo ha sido el casting hasta llegar a ella? Hemos visto que ha participado en cine y televisión así como otros videoclips como Qué electricidad para Carlos Sadness, o incluso algún corto para tu hermano JA Bayona.

Ella participó en nuestro anterior clip y por su físico que nos cuadraba con el personaje siempre fue una de nuestras primeras opciones. Es muy expresiva y da muy bien a cámara por lo que trabajar con ella ha sido un acierto.

 

 

 

-JA ha sido un consumado realizador de videoclips durante muchos años, allá por 2007 dirigió la pieza "Te recuerdo" para Lorena , contigo como alias Monosexy, recreando el mundo de Tron, teniendo en cuenta su experiencia ¿has consultado con él puntualmente alguna cuestión de este proyecto?

Yo le iba mandando diferentes montajes y él me iba dando su opinión. Le ha gustado mucho el resultado final.

-Tampoco quería dejar pasar la ocasión sin mencionar un videoclip anterior realizado para vosotros por Lyona, hablamos de Stop the world, inspirado en La chica de rosa de Howard Deutch.¿Podría decirse que hay un hilo conductor en vuestros trabajos musicales y audiovisuales, con los años 80 sobrevolándolo todo a nivel estético?

Sí. Como te contaba cada pieza está pensada para ser acompañada de imágenes. Veremos si es posible hacerlo porque nuestro nivel de exigencia es muy grande y el presupuesto muy pequeño.

 

 

-Ya para acabar Carlos, ¿ésta ha sido una incursión puntual o te planteas más creaciones como realizador de videoclips?

En principio no me veo volviendo a dirigir. Ha sido interesante y divertido pero respeto mucho la profesión como para hacerlo de manera habitual.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   13.mar.2018 12:45    

Pablo Nieto: cocktail transgresor

Pablo Nieto desde la plataforma creativa Zissou.tv nos presenta el último videoclip que ha realizado para Los Punsetes, "Miedo" una pieza transgresora, original y paródica,  convirtiéndose en el primer video musical "screener" de la historia. Pablo analiza los entresijos creativos de esta obra y nos cuenta sus nuevos proyectos para Zissou. También descubrimos su blog Murmur, un rincón audiovisual y musical desde el que nos deleita con grabaciones en directo en el que la localización y la naturalidad son señas de identidad.

 

 

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-En Zissou.tv os dedicais sobre todo a la publicidad ¿Cómo surge esta plataforma creativa de la que eres miembro fundador?

 

Iván Franco y yo, creamos Zissou hace 5 años para dar respuesta a proyectos diferentes que se empezaban solicitar en el sector de la publicidad, como proyectos interactivos, desarrollo tecnológico…  Para ello fundamos un equipo de realizadores que no se dedican solo a publicidad, sino también a diferentes ámbitos como videoarte, cortometraje, instalaciones, programación… Estos realizadores cuando trabajan en publicidad aportan una visión diferente a los proyectos, más rica y adaptada a nuestro tiempo.

  


-Acabas de realizar un video musical para Los Punsetes, ¿Por qué para la banda madrileña y cuál ha sido el espíritu con el que nace esta pieza?

 

No es un proyecto fácil para un grupo. Cuando la idea es empezar en un cine donde la canción al principio se  escucha mal y se superponen voces, es decir, se actúa también sobre el audio, tienes que encontrar a un grupo con mentalidad abierta, que tenga una visión artística que vaya más allá de los estándares, que valore la idea y dé prioridad al concepto del vídeo como pieza independiente. Los Punsetes es el grupo perfecto para esto, un grupo transgresor de referencia en el mundo del videoclip.

 

- "Miedo" es un videoclip que lo defines como el "primer screener" de la historia del formato videoclip. ¿Cómo surge esta propuesta, hasta cierto punto irreverente, rompiendo el relato clásico de la canción?

 

Siempre me ha sorprendido que los videoclips sigan un formato y unas estructuras tan parecidas y “standars”, siendo un formato perfecto para romper todas las normas, transgredir e innovar.

 

Una forma original de romper estas normas era hacer el primer videoclipScreener” de la historia, estructurar el videoclip sin importarnos que la canción se escuche mal al principio, que se escuchen a personas hablando en medio de la canción, o se pare en un determinado momento para retomarla luego.

 

Las películas “Screener” son parte ya de nuestra cultura audiovisual, el formato pertenece a nuestro inconsciente colectivo.

 

 

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-Uno de los juegos interesantes que propones es el paso de la proyección de la película gore en pantalla grande, a su visionado en internet...¿Cuál ha sido a nivel narrativo y estético tu planteamiento, y hasta qué punto el grupo ha influido en tu toma de decisiones?

 

Teníamos claro que no podía ser todo el videoclip “Screener” escuchándose mal la canción de principio a fin, ya que la música es, por supuesto, el eje creativo sobre el que se vertebra todo el concepto. La solución perfecta era pasar por el escritorio de un ordenador para acceder a otro “Mirror” de mayor calidad y poder disfrutarlo en “HD” y así escuchar fielmente la canción y ver la película con calidad. Esta solución hizo crecer el videoclip, ya que podíamos incluir más códigos típicos del formato, nos encantaba la idea de plasmar cómo es la experiencia de navegar en estas páginas piratas,  recrear los insoportables banners y audios típicos de estas páginas , banners de sexo, tragaperras, ventanas emergentes de “gana fácilmente dinero por Internet”…

 

La idea original surgió en un momento cotidiano de trabajo junto a Alberto Miranda, diseñador gráfico de Zissou, con el cual trabajo mano a mano en los videoclips. Nos pareció muy interesante y empezamos a trabajar en ella, a construir la estructura y escribir el guión. En las primeras fases de trabajo ya nos dimos cuenta de que el grupo perfecto para este videoclip eran Los Punsetes y su canción Miedo. Le contamos la idea al grupo, les encanto y nos dieron libertad absoluta para hacerla.

 

 

 

- ¿Qué ha sido lo más complicado en este rodaje gore?¿Dónde grabásteis la sala de proyección con público viendo el clip?

 

Para darle forma a esta idea necesitamos hacer una mezcla entre videoclip y cine para que la imagen nos cuadrara con la idea del original de película “Screener”, para ello quisimos hacer un homenaje a las primeras películas “Gore” de los años 60, cuya maravillosa estética nos funcionaba a la perfección  con la canción y el grupo, obteniendo así el “Coktail ”  transgresor que buscamos.

 

Al ser “Serie B” el rodaje es sencillo, las películas se rodaban en pocas semanas con muy pocos medios e iluminación. Quizás lo más complicado fue encontrar a los actores perfectos y hacer un buen trabajo de estilismo y maquillaje para recrear  fielmente los años 60.

 

 

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Para nosotros era muy importante que todo el vídeo fuera muy real, por este motivo la última fase del videoclip fue rodar en un cine de verdad y evitar la postproducción. Nos fuimos a los cines “Metropol” con el videoclip rodado y post-producido para proyectarlo, con todos los personajes que necesitábamos, las cabezas de los espectadores, el personaje que llega y se cruza por medio de la pantalla, acomodador.. Y le dimos realismo a la escena grabando con una cámara doméstica volviendo a imitar los arquetipos del género, la cámara se mueve porque el pirata ajusta el trípode, pierde y coge foco porque es automática, reencuadra…

 

 

- Ya para acabar...no te has prodigado en videoclips, ¿Algún proyecto reciente en este formato, o alguna iniciativa confesable que se pueda contar desde Zissou?

 

La verdad es que hemos empezado a trabajar en el formato videoclip hace muy poco aunque mi interés por captar a músicos en vídeo no es nada nuevo, viene de lejos. Esta inquietud queda documentada en el blog murmur, en el que grabo a músicos en entornos especiales aunque cotidianos. En esta larga experiencia en el blog de casi 10 años, se me iban ocurriendo ideas de ficción para grupos y esta limitación autoimpuesta en el blog de los espacios cotidianos, me ha hecho madurar algunas ideas a fuego lento hasta hacerme entrar en el videoclip de manera natural pero muy intensa, te puedo adelantar que tenemos un videoclip ya acabado que saldrá en abril del nuevo disco de “Nothing Places” del sello Foehn/el Segell del Primavera y que estamos trabajando en dos más muy interesantes que estoy seguro de que darán mucho de qué hablar.

 

 

Bart Davenport "Girl Gotta Way " 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   27.feb.2018 14:46    

Sepe: forma y color

Josep Prat Sorolla, es Sepe, un inquieto creador que se está adentrando poco a poco pero con paso firme en el universo del videoclip. Conversar con Sepe es descubrir un mar de proyectos relacionados con la ilustración, el diseño gráfico, la moda, la animación, y un sin fin de pulsiones , en las que está presente el surrealismo, la estética de los 80, la geometría... todo ello pasado por su tamiz personal e intransferible.

Sepe trabaja desde el Estudio Creativo O, una de las plataformas creativas más innovadoras y originales de cuantas funcionan en España, capitaneada por el inalienable realizador Luis Cerveró.

Hablamos con Sepe de los "porqués" de sus creaciones, centrándonos sobre todo en lo relacionado con el formato del video musical.

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-Josep, eres un artista pluridisciplinar, tu relación con el formato videoclip empieza hace unos  años con trabajos de ilustración y motion graphics para artistas como Javiera Mena, Orax, Breakbot o The Vaccines. Ya más recientemente das el salto a la realización y te descubrimos con "Spinning Over you" para Reyko. En este caso, Emi Fort (productora) te llama para el proyecto, ¿Cómo es ese cambio a la responsabilidad de dirección y cómo surje este proyecto creativo?

Anteriormente a este vídeo, además de mis proyectos como ilustrador, yo ya había codirigido varias piezas audiovisuales junto con mis compañeros de Cubbish, con quienes estábamos acostumbrados a ingeniárnoslas con muy pocos recursos sin renunciar a la creatividad (de lo cual aprendí muchísmo). Poco después entré en O, al principio como ilustrador. Hasta que un día, me dijeron si quería probar con la dirección, que tenían el vídeo de Reyko sobre la mesa y que creían que podía encajar.

El proyecto de Reyko significaba poder trabajar con más medios de lo que estaba acostumbrado, tener un equipo mayor y, lo más importante, tener a una productora detrás que lo hiciera posible. 

Para mí fue un máster de profesionalización muy bueno.

En cuanto a la gestación del vídeo, tuvimos una primera reunión con Mushroom Pillow, la discográfica, y les explicamos un poco cuál era la idea. Les gustó y desde ahí empezamos a trabajar. Lo bonito de este proyecto fue que el vídeo también era la carta de presentación de Reyko, así que por un lado eso conllevaba mucha responsabilidad, pero por otra hizo que todos diéramos lo máximo para que esto saliera bien.

 

 

 

 

- Partiendo de la ilustración, pasas al plano físico de carne y hueso con un look muy de los 80. ¿Cómo has trabajado con Alexandra Jordana el estilo visual de esta pieza?

La verdad es que tener a Alexandra Jordana fue (y es siempre) todo un lujo, porqué captó perfectamente el concepto, la idea y la estética de la pieza. Fue como si estuviera dentro de mi cabeza y eso me dio muchísima tranquilidad. Queríamos algo que remitiera a los 80 pero a la vez fuera actual, con muchas texturas y materiales; casi como si fueran ilustraciones en movimiento. Alexandra también ayudó mucho a engrandecer toda la idea porque intenta siempre dar un porqué a todos los elementos que coloca frente a la cámara. Nada es gratuito. 

De hecho, recuerdo que a los pocos días de nuestra primera reunión vino con un dibujo del set donde todos los elementos tenían un sentido.

 

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- Siguiendo con tu vídeo musical para Reyko, hay que destacar el conjunto de la obra donde cada departamento tiene un papel importante: texturas, colores, vestuario, coreografía, conforman un todo... Te apoyas en profesionales como Elías M. Félix (fotografía), Cris Quer (vestuario), Tuixén Benet (coreografía), ...¿Cuál ha sido tu criterio para elegir estos colaboradores?

Tenía muy claro que quería hacer un vídeo que integrara distintas disciplinas artísticas y que cada una de ellas reflejara un espíritu muy creativo (desde la fotografia, a la dirección de arte, pasando por el vestuario o la coreografía). Formamos un equipo de artistas y quise darles libertad para aportar su visión a la pieza. Para mí, eso es lo que hace más especial este proyecto.

-He leído, que tuviste un plan de rodaje muy exigente y que incluso grabaste en dos sets, condos cámaras simultáneamente. ¿Fue muy complejo grabar con dos monitores, dos equipos...? Suena esquizofrénico

Sí…la verdad es que fue un estreno a lo grande. Por temas de presupuesto, teníamos que rodarlo todo en un día, así que decidimos partir el plató en 2 sets, uno para las escenas con coreografía y otro más pequeño para momentos más concretos. En muchos momentos, teníamos el equipo dividido en 2 rodando a la vez, por lo que resultó, al principio, algo loco tener que controlar dos rodajes al mismo tiempo. Pero bueno, al final es un tema de costumbre. También fue esencial contar con la experiencia de Silvia Martínez, ayudante de dirección, que lleva muchos años haciendo locuras de este tipo.

 

Resultado de imagen de "Spinning Over you"  Reyko

 

- En cuanto a influencias, citas referencias como Magritte, Oskar Schlemmer, Jean-Paul Goude ó artistas de los 80. En algún caso concreto, hablas de Syd Brak como fuente que te inspiró para incorporar el elemento de repetición y canon en las bailarinas. ¿Porqué esta querencia por este imaginario estético?

Desde siempre me ha apasionado todo el imaginario de los 80 y el surrealismo. Creo que, más allá de algo estético, en esos años se crearon nuevas formas de representación de ideas muy directas y potentes, que aún hoy creo que funcionan. Creo que, a nivel creativo, es un universo muy rico.
Para mí, esa es la forma de expresión con la que más cómodo me siento y siempre que puedo me gusta hacer algún guiño a referencias que me han ayudado a inspirarme y desarrollar el vídeo en cuestión.

-Pasamos a tu pieza más reciente para Javiera Mena, a quién ya conocías por tu colaboración en "Espada", dirigido por Luis Cerveró. En "Dentro de tí", de nuevo colabora Alexandra Jordana y optáis por un look más austero, más conceptual ¿Cual es tu propuesta estética, está negociada con Javiera?

Cuando escuché por primera vez “Dentro de ti”, aprecié cierto cambio de rumbo respecto a lo que había sido el anterior disco de Javiera Mena, “Otra Era”. Era una vuelta con algo más introspectivo, menos eufórico que “Espada” pero con un mensaje muy directo a la vez. Con Javiera coincidimos en que esto se debía reflejar estéticamente y, por lo demás, nos dio libertad creativa total. Así que optamos por un look más natural y austero de lo que estoy acostumbrado, pero sin renunciar a los juegos visuales ni al toque surrealista. Fue un vídeo que, para otra persona, era difícil de imaginar sin verlo postproducido, así que tengo que agradecerle mucho su confianza en un proyecto que explicado sonaba, seguro, a locura.

 

 

 

 

- De nuevo, recurres a la figura retórica de la repetición y en este caso supongo que ha sido fundamental la participación del departamento de VFX (Yukio Montilla, Cherrycola) y de 3D (Nico Zarza). Cuéntanos qué dificultades habéis tenido a nivel técnico y con qué herramientas habéis trabajado.


La verdad es que fue el proceso más largo de todos, por razones obvias. Javiera sale, en muchas ocasiones, repetida y eso fue un trabajo de composición e integración muy laborioso. Básicamente porque todo estaba coreografiado, el set giraba, la cámara se movía y además Javiera cantaba en todos los planos, con lo cual no había mucho margen para mover o retocar nada una vez rodado. Por este motivo hubo un gran trabajo de supervisión en rodaje, para que todos esos juegos visuales funcionaran luego en la fase de postproducción. La verdad es que esta parte resultó la más dura para el equipo, ya que estuvimos muchos días y largas noches trabajando para llegar a la entrega. Mil gracias a Yukio Montilla y a Conrado de Cherrycola por esta maratón.
A nivel técnico, se trabajó casi toda la composición en After Effects y la luna se generó en 3D.

 

JavieraMena_DentroDeTi_PRORES (1-02-10-00)

 

 

- ¿Qué tal el acting con Javiera Mena? Da la impresión que todo parte de indicaciones de dirección muy precisas, o hubo también improvisación?

Hubo más improvisación de la que parece, a nivel de interpretación. En algunos momentos concretos, donde ella bailaba o tenía que realizar alguna acción concreta, sí que lo habíamos preparado y ensayado bien, pero a nivel general, quería que se sintiera cómoda con sus gestos y que su interpretación fuera natural. Al fin y al cabo, la idea del vídeo era mostrar sólo a Javiera cantando, casi como si estuviera en uno de sus directos, solo que en este caso el espacio cambiaba lo largo de su interpretación.
Ella nos lo puso muy fácil porque es super profesional y enseguida encontró ese punto de equilibro entre algo estudiado pero sin perder la frescura de lo improvisado.

 

 

 

-Además de los videoclips no quiero dejar de mencionar proyectos más personales como"Sparks", un maravilloso ejercicio de estilo donde das rienda suelta a elementos como geometría, movimiento, color, mutación... ¿Cómo nació ese juego visual?

Sparks” ha sido un proyecto que se ha gestado a fuego lento. Muy lento, de hecho. La idea me surgió en 2015, cuando empecé la serie de ilustraciones “Deconstructed Portraits.Ese mismo año rodé a la modelo para este proyecto (Anna Benet). Quería hacer una pequeña animación en esa línea, explorando la relación entre el cuerpo y la geometría, deconstruyéndolo en piezas que se dispersaban y juntaban de repente y que a su vez interaccionaban con los colores. Fue un proyecto que pensé para mis tiempos libres, sin prisas, algo que pudiera ir desarrollando sin ningún tipo de atadura. Es una pieza pequeña, pero a la que tengo mucho cariño.Por otro lado, nos encontramos tu proyecto personal de retratos "Deconstructed Portraits", ¿a qué pulsión responde esta serie y con qué técnica has trabajado?
Empecé a hacerlo como regalo de cumpleaños para mis amigos. De repente, me encontré con un proyecto-serie abierta sin quererlo ni pensarlo.
Como ya habrás notado, tengo una obsesión por la geometría, las formas “básicas” y “simples”(al igual que los colores) y me gusta jugar a construir objetos, personajes y escenas a partir de ellas. El reto es conseguir que los retratos sean reconocibles con pocas formas y trazos. En este proyecto trabajé con texturas tipo spray, pero es todo digital.

 

 

 

-En tu faceta multidisciplinar, destacan también tus inquietudes por la moda y el diseño de vestuario, con tus creaciones para LOTTO ICON Collection FW17 ó la mini-colección para Printalloverme ¿Por qué la moda, qué aporta a tu personalidad creativa? Por lo que he leído, además tienes intención de sacar una colección, más completa y producida por tí.

 

 

Siempre me ha llamado bastante la atención el mundo de la moda, creo que es una herramienta muy potente para expresarse. Desde mi punto de vista, veo las piezas como un lienzo en blanco en el que poder plasmar ideas. Me resulta muy interesante como, por ejemplo, el mundo de la moda puede ir de la mano con el de la ilustración o el audiovisual. Así que, en algún momento de mi vida, sí que me gustaría adentrarme más en este terreno.

-Tu perfil también se completa con spots para marcas tan diversas como Adidas(en Sónar) o Akade. ¿Qué diferencias has encontrado a la hora de enfrentarte a proyectos de marcas tan distintas en su filosofía? ¿Hasta qué punto la publicidad es permeable a tu visión personal?

Depende un poco del caso. De si el encargo tiene un enfoque artístico o no . Algunas veces, te tienes que adaptar, eres más un ejecutor. Otras, la marca directamente te contacta porque le gusta lo que haces y precisamente por eso te da mucha libertad. Así que depende un poco de cómo el cliente te vea, si como a un ejecutor o un artista.

 

 

 

-Ya para ir acabando, en otro orden de cosas y desde Cubbish junto a O. Peig, Álvaro Peñalta os habéis encargado de los Main Titles de FIU un festival que reúne a jóvenes talentos creativos. Por no citar tu obra "Culto al baile" para la Sala Apolo, y tu artwork y diseño del ultimo álbum de Betty Belle, “Black To The Future”... Y es que parece que nada se te resiste, ¿en qué disciplina te sientes más a gusto?

Es difícil de decir, porque creo que lo bonito surge cuando se generan esas mezclas entre campos artísticos que, por alguna razón, siempre se ha tendido a separar y clasificar. Me gusta aprender de todo lo que me llama la atención.
Creo que esto te permite elegir, con menos prejuicios, cuál es la vía, la forma, el soporte, la técnica etc. más adecuada para cada proyecto.

 

 

 

-Antes de finalizar, quería mencionar tu relación con "O Estudio Creativo", ¿cómo llegas a esta plataforma, cual es tu relación con Luis Cerveró y resto de los miembros del estudio?
Cuando se formó O, yo conocía ya a Luis por “Espada” y también a otra de sus fundadoras, Emi Fort. Ellos, junto con Rafa Montilla, me propusieron formar parte del roster de artistas.
Un día cualquiera en las oficinas-estudio de O es un entrar y salir constante de fotógrafos, realizadores, directores creativos, productores…es la sede de operaciones de muchos proyectos a la vez. Es muy enriquecedor ese contacto constante entre los distintos creativos, se generan siempre colaboraciones. El espíritu de O es fomentar precisamente esa multidisciplinariedad por la que me preguntabas antes.

 

 

-Ah, y una última curiosidad ¿por qué "Sepe" como nombre artístico?

No sé cuando ni de dónde salió, era muy pequeño. En todo caso, se ha propagado hasta hoy y ya no lo he podido evitar. Va conmigo. Es muy útil en mi familia, siendo 3 generaciones de Joseps.

 

EL-GIF

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   13.feb.2018 15:18    

Joan Galo: cabaret postmoderno

Joan Galo se estrena en el formato videoclip con "Itaca Tropical", una brillante pieza para Noia, la artista de Barcelona afincada en Brooklyn. Joan trabaja desde lo orgánico y el inconsciente y nos propone un imaginario onirico en el que se inspira en varios codigos estéticos: teatral, movimiento camp, lenguaje televisivo, etc... El realizador reflexiona sobre las diferencias que encuentra cuando se enfrenta a un proyecto publicitario, cinematográfico, o de video musical.

 "Me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine" nos cuenta... y otras cuestiones  muy interesantes que podéis descubrir en esta charla.

 

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- Joan, Itaca Tropical es tu primer videoclip para Noia, la artista afincada en Brooklyn. ¿Cómo surge este proyecto de colaboración?

Conocí a Gisela en Barcelona por una amiga en común. Luego mantuvimos el contacto y empecé a seguir lo que hacía. Cuando sacó su EP le lancé la propuesta con el tema que más me había gustado: Ítaca tropical. Empezamos a compartir ideas y nos dimos cuenta que teníamos referentes muy parecidos a nivel visual, así que acabó siendo una colaboración muy órganica y fácil.

 

 

- La pieza es elegante a la par que enigmática e inquietante. Nos vienen ecos de David Lynch, Almodóvar, pero también de Bob Fosse, o el propio Michel Gondry en cuanto a la fragmentación del espacio. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración conscientes o inconscientes?

Todas las imágenes surgen de un modo inconsciente. En este proyecto en cuestión sólo había un par de referentes concretos; Showgirls de Verhoeven en la dirección de arte y Almodóvar en una imagen en particular; la de la luz que parpadea en el escenario cuando NOIA actúa, que es un guiño visual a un plano de Mujeres al borde de un ataque de nervios. El resto de referentes que me comentas son siempre fuentes de inspiración, pero realmente no los tuve presentes durante el proceso de creación del video, al menos de un modo consciente.

 

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- Es una pieza muy evocadora que amplifica la letra de la canción ¿cómo definirías la propuesta estética y narrativa de este video musical?

La letra habla sobre los sueños y el paso del tiempo. Quería que la pieza tuviera un punto atemporal, con cierto decalage y que mezclara distintos códigos estéticos; al principio, por ejemplo, hay una estética muy teatral, propia del cine de los 60, pero vemos a un actor con un móvil haciéndose selfies. Hay también cierta sensibilidad camp en la exageración e inspiración en el lenguaje televisivo, en el modo en que se grababan las actuaciones musicales en televisión, con esos encadenados de montaje típicos de los años 80 y 90. El global podría quizá definirse como una estética de cabaret actualizado; con más color y más pop, pero honestamente me cuesta ubicar la pieza en una estética concreta.

- Tu eres también actor, en el videoclip se aprecia una dirección de actores muy cuidada. ¿Cómo fue el casting y cuáles han sido las consignas interpretativas para los actores/actrices?

Para el papel de los dos jóvenes vedettes que interactúan al principio me imaginaba dos rostros con un punto comercial y americano. Obviamente tenían que ser actores y debían tener perfiles versátiles a los que les quedara bien cualquier disfraz que les pusiera.

-Desde Garaje Films también eres realizador de publicidad y cortometrajes (Radiografía de una mujer joven). ¿Cómo te planteas estos formatos?¿Muy diferente el proceso a como te enfrentas al videoclip?

No tiene nada que ver. La publicidad tiene un ritmo rapidísimo y requiere de un trabajo inmediato en todos los sentidos. En el caso del cine o del videoclip, especialmente en el primero, depende principalmente del factor económico y por lo tanto el proceso de producción puede alargarse durante meses o años. Esto afecta también al proceso creativo, convirtiendo el guión en un “cuadro” que puedes pintar cada día, a medida que creces y cambias. Pero en todo caso, la publicidad es un campo en el que, como realizador, debes luchar para aportar y conservar tu voz y estilo, mientras que en el mundo del cine y el videoclip siempre he tenido libertad y he hecho exactamente lo que he querido hacer, más allá de las limitaciones económicas.

 

 

- Ya por último, no sé si sigues el panorama nacional o internacional, ¿tienes algunos referentes dentro del universo del video musical? ¿Algún proyecto de videoclip que te plantees actualmente?

Sí, sigo el panorama internacional y nacional, y es increíble la de talento que hay. Aunque hay muchos videos musicales que me gustan y a los que vuelvo constantemente, no tengo ningún referente concreto del mundo videoclip. Cuando me encuentro en el proceso creativo de un video me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine. A día de hoy no tengo ningún proyecto de videoclip en el horizonte y espero que venga alguno muy pronto.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   30.ene.2018 14:29    

Daniel Moreno: tocar el alma

Nos acercamos a la obra audiovisual de Daniel G. Moreno (realizador, músico, arquitecto...) un artista pluridisciplinar que se aproxima a los proyectos sobre todo a través de la técnica de la animación, una disciplina que le otorga capacidad de expresión y libertad creativa.

Nos detenemos sobre todo en su videoclip "Magnolia" para Rufus T. Firefly, sin duda una de las sorpresas de este recién acabado 2017. En esta pieza, Daniel propone un fascinante viaje psicodélico que se ajusta como un guante al espíritu de la canción.

Además, hablamos con Daniel de otras creaciones como su proyecto personal Atoms en el que imagen y música se retroalimentan, o su primer videoclip en 3D "I'm falling"  para su banda The Go! Brothers, un despliegue técnico y creativo. 

Daniel G. Moreno concibe el formato videoclip desde una perspectiva narrativa cercana al mundo del cortometraje. Al final de lo que se trata es de "tocar el alma" del espectador. Para el realizador, "la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional".

  DANIEL MORENO

 

Hemos llegado a tí a través de un videclip de animación para Rufus T. Firefly "Magnolia", en el que das rienda suelta a la imaginación en una especie de viaje psicodélico, que ilustra a la perfección la canción y haciendo guiños a la estética de George Dunning, entre otros autores. ¿Cómo surge este proyecto para la banda de Aranjuez?

Fue una situación curiosa porque yo no conocía al grupo antes hacer el videoclip. Rufus estaba buscando a un realizador para hacer una animación con aires psicodélicos y publicaron en facebook con el objetivo de encontrarlo. Un amigo en común, Xavi Lopez (también conocido como Xavito DeVito) me etiquetó en la publicación. Busqué información sobre el grupo y tengo que decir que en cuanto me puse a escuchar su música, me pareció increíble y me cautivó de inmediato. Me invadió una sensación muy fuerte de que me debía involucrar en el proyecto. Diría que varios realizadores respondieron a la llamada del grupo pero finalmente contaron conmigo para hacer el videoclip. Fui muy efusivo sobre mi convicción de que era la persona adecuada para trabajar con ellos y puede que el hecho de que yo también soy músico influyera en este sentido para convencerlos. Aunque que esa es una teoría que sólo podrían confirmar ellos.

 

 

-Es una canción larga y recurres a técnicas variadas: animación, imagen real con tratamiento de color, etc... Diría que un look POP envuelve el videoclip pero cuéntanos:

¿Cual ha sido tu idea a la hora de trasladar la música a imágenes y en qué tecnología te has apoyado?

Lo primero que tengo que contar es que el grupo me dio libertad creativa total. Me mostraron varias referencias que les gustaban, sobretodo animaciones setenteras muy psicodélicas, y me dijeron "haz lo que quieras". Ese es un lujo con el que no se puede contar muy a menudo y tengo que agradecérselo enormemente, ya que hizo que me involucrara aún más, tomándomelo como un proyecto personal. Mi enfoque desde el principio fue hacer del videoclip un cortometraje, en el que no había diálogo, pero sí una banda sonora increíble. Para mí era importante contar una historia, aunque fuese sencilla, aparte de mostrar las imágenes psicodélicas. Contemplé varios enfoques hasta que di con la clave para crear ese mundo psicodélico que transmite la canción, y fue jugar con la escala de los objetos a la hora de crear los diferentes escenarios. Esto quiere decir que el videoclip está plagado de objetos cotidianos pero aumentados a un tamaño mucho mayor del natural para convertirlos en el paisaje de la historia. Eso me ayudó a dar la sensación de estar en un viaje raro y psicodélico, aumentado y un poco surreal.

La gran mayoría del videoclip es 3D, pero con un acabado al estilo de dibujo animado. La parte técnicamente más complicada fue la de integrar a los miembros del grupo dentro de ese mundo de dibujo. Para resolver esto les pedí que grabaran varios planos y rotoscopié sobre el video original, y en otros casos traté la imagen para darle el look que necesitaba. También la mezcla de técnicas responde a una obsesión personal por conseguir atrapar al espectador de tal manera que no pueda despegar los ojos del video, y ofrecer diferentes texturas en ese sentido me parecíó una buena manera de conseguirlo.

Para acabar usé alguna de las imágenes que se desprenden de la propia letra de la canción e investigando sobre Rufus di con otras referencias que eran importantes para ellos y su universo como los Beatles, Led Zeppelin, David Bowie, vinilos, cinta analógica y la furgoneta como guiños setenteros... cogí todos estos elementos y los agité bien fuerte. Lo que puedes ver en el videoclip es el resultado de esta mezcla de sensaciones.

 

 

-También nos llama la atención tus creaciones visuales en las que pones en relación música e imagen animada en 3D. Es el caso de ATOMS. Cuéntanos en qué consiste este proyecto de experimentación.

Atoms vino justo tras acabar el videoclip para Rufus, y después de meses de trabajar en ese proyecto me apetecía hacer algo diferente, incluso oscuro en contraposición a esa explosión de color y psicodelia que es Magnolia. A esto se le suma el hecho de que llevaba tiempo sin componer música y quería crear algo muy entrelazado con la imagen, una especie de banda sonora. Así que salió este experimento en el que creé las imágenes y la música a la vez y una cosa retroalimentaba a la otra. Tenía una idea general de crear atmósferas y fragmentar elementos con la que trabajaba un día en la parte de imagen, al día siguiente en la música, y cada una de las partes iba modificando la otra en términos de tempo y estructura. La nueva música me hacía cambiar las imágenes y viceversa. Fue estimulante crear de esta manera y me obligó a avanzar de en un sentido diferente al habitual para mí. De vez en cuando hago proyectos así simplemente por la curiosidad de ver hasta dónde llegan y por ver cómo reacciona la gente al verlos y escucharlos... quizás sea la semilla para otro futuro proyecto, lo tengo ahí y es posible que lo recupere más adelante. Puede que esa magnolia termine germinando, o puede que no.

 

 

-Tampoco queríamos dejar pasar por alto otros proyectos, como el primer videoclip que hiciste para The Go! Brother, tu propia banda, en la que procedes a una "deconstrucción digital" a través de la animación 3D. Un trabajo que combina la técnica depurada sin renunciar a la emoción de las máquinas. ¿Qué particularidades tiene este video musical? Imagino que tiene algo de especial al estar hecho para tu grupo.

Sí, fue una época especial ya que formamos el grupo con mi hermano Alex y componíamos los temas juntos. Él estaba en la guitarra y yo en la voz y esa química musical ha funcionado siempre muy bien entre nosotros. En cuanto al tema "I'm falling" del que hice el videoclip, grabamos varios temas en estudio y este es el que nos pareció mejor para promocionar el grupo. Intenté transmitir la idea bastante sencilla de la historia de amor de la que habla la canción y a la hora de plasmarlo, como la voz era toda en falsete, pensé que sería divertido hacerlo con los personajes como de juguete. Quería que el punto álgido de la animación estuviese en el estribillo, e hice explícita la letra del tema con la caída literal de los personajes. Este videoclip tiene ya cuatro o cinco años y me suele pasar que con el paso del tiempo veo los proyectos un poco viejos y mejorables. Pero en su momento quedé contento con el resultado.

 

 

- Ya para acabar, quería destacar otras creaciones de visuales para otras disciplinas: teatro (Henry), arquitectura (recreación MACBA), motion graphics para tv y cortos... Entiendo que tienes una formación muy multidisciplinar, no en vano eres arquitecto, músico, realizador... ¿Hacia donde van tus inquietudes y siguientes proyectos?¿cómo encaja tu visión del videoclip como formato en el contexto de la creación audiovisual?

Siempre tengo varios proyectos entre manos y ahora mismo estoy adaptando un cómic a cortometraje de animación y también creando la banda sonora. No puedo profundizar mucho sobre el tema ya que aún está en una fase inicial, pero es un proyecto con el que estoy muy motivado y creo que puede llegar lejos. Me gustaría trabajar en más videoclips ya que es un tema que me apasiona y estoy en conversaciones con algún grupo para ponernos manos a la obra.

El formato del videoclip me fascina en parte por ser también músico y unir de una manera tan especial imagen y música. Me parece de lo más interesante dentro de la creación audiovisual en general, ya que normalmente es un espacio con una mayor libertad creativa frente a otras disciplinas en las que también trabajo como la publicidad o el cine. Al ser un formato pequeño puede convertirse en un laboratorio de ideas para crear historias, que al final, para mí, es de lo que se trata. Me alucina lo que directores como Michel Gondry o Spike Jonze han hecho con sus videoclips en los que una idea brillante y unos medios mínimos, dan un resultado espectacular.

 

 

Ya que me preguntas sobre mi formación en varios campos, tengo una teoría que diría que se puede extrapolar a cualquier disciplina creativa, y es que la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional. Por ejemplo, si observas un cuadro de cerca, podrás admirar la precisión o destreza del pintor en el trazo, pero a medida que te alejas el detalle de la técnica pierde importancia frente al significado del cuadro, a la sensación global que te transmite. La parte técnica tiene que estar bien resuelta, pero es más superflua ya que con el paso del tiempo las técnicas cambian, se perfeccionan y mejoran. Pero la parte emocional, el sentido de la obra o la idea que el artista quiere transmitir en cambio permanecen a lo largo del tiempo, porque llegan hasta una parte más profunda del observador. Los grandes artistas son capaces de crear obras en las que hay una idea muy potente que predomina sobre todo lo demás. Una emoción o una historia es lo que realmente nos llega y con un poco de suerte, nos hace ver el mundo de una manera distinta a cómo lo hemos visto hasta entonces. Ése es el motivo por el que hay ciertas obras que nos llegan, las hacemos nuestras y las recordamos con el paso del tiempo. Ese es mi objetivo cada vez que creo algo; tocar el alma del que está observando.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   16.ene.2018 08:14    

Gabe Ibáñez: al servicio de la música

Gabe Ibáñez es uno de los realizadores más interesantes del audiovisual español que, aunque no se ha prodigado en el género videoclip, tiene una visión muy audaz del formato. Recientemente ha firmado "Foto Aérea" para Ibon Errazkin, un prodigio de sutileza y creatividad visual al servicio de la música. Atrás (han pasado diez años) queda aquella obra maestra que fue "Canción de todo va mal" para Le Mans y que se incluyó en Eclectia (libro-dvd sobre video musical español coordinado por Luis Cerveró) como uno de los trabajos más brillantes del género en España.  Entre clip y clip, Gabe ha dirigido un corto (Máquina), dos largometrajes (Hierro y Autómata, también prepara nuevos proyectos cinematográficos), ha realizado publicidad, además de ser uno de los gurús de la postproducción en nuestro país desde la plataforma USER T38.

Pero mejor nos cuenta Gabe, que sorprende por su lucidez y su crítica constructiva acerca del audiovisual y de cómo éste se ha transformado con la llegada de youtube y las redes sociales. 


 

-Gabe, no eres un director especialmente prolífico en la realización de videoclips. Lejos queda aquella magnífica pieza "Canción de todo va mal" para Le Mans, una obra de orfebrería que se incluyó en el recopilatorio Eclectia. Posteriormente  vídeos musicales para Single (Pío pío) y recientemente para Ibon Errazkin (Foto Aérea). ¿Cuál es a dia de hoy tu visión del formato y por qué estas apariciones tan esporádicas?

Pues la verdad es que como realizador, me parece un mundo formalmente bastante complicado al que además rara vez tengo la oportunidad de acceder.

También es verdad que la mayoría de la música que me gusta  y que escucho no es actual y es previa a la industria del videoclip,  lo cual no ayuda mucho a estar al tanto de lo que sucede en ese formato. En general, creo que para mi oír música es más una experiencia sonora que de cualquier otro tipo.

 

 

- En estos últimos años has trabajado como director de cine y realizador publicitario  ¿cómo crees que ha evolucionado el vídeo musical con la llegada de youtube, facebook y las redes sociales?

 

Tengo la impresión, y esto no es algo que afecte solo al videoclip, de que la forma en la que se utilizan  las redes sociales ha disminuido la capacidad de concentración de las personas, y de manera un poco sorprendente, ha tendido a restringir la disposición para conocer cosas nuevas o exponerte a opiniones estéticas diferentes. Creo que en general esas redes tienden a rodearte de lo que ya te gusta, de lo que conoces y de lo que te interesa, haciendo de tu gusto algo más homogéneo y menos permeable.

Además, el tiempo que dedicas como espectador a cada mensaje es cada vez menor...las piezas audiovisuales de cualquier tipo tienen pocos segundos para captar la atención de la audiencia por lo que han de ser más evidentes y contundentes, perdiendo terreno lo sutil y lo complicado, que suele exigir mas tiempo de exposición.

Por otro lado mucha gente utiliza youtube para oír música, por lo que supongo que en estos momentos se reproducen más videoclips que en ningún otro momento de la historia; lo cual no quiere decir en mi opinión que la gente realmente preste atención a esos videoclips.

Sin embargo, a otro nivel, ese mundo abre una posibilidad que creo que antes no existía de acceder a gente que hace cosas pequeñas, extravagantes o fuera de lo  convencional. Así que creo que es un mundo que facilita lo obvio y que perjudica lo complejo, pero que al mismo tiempo permite de manera minoritaria la existencia y el acceso a contenidos más raros.

 

 

-Hablando más específicamente del videoclip "Foto Aérea", ¿cómo surge el proyecto, entiendo que guardas una relación muy especial con Ibon Errazkin?

 

Pues la verdad es que solo he hecho videoclips para Ibon Errazkin, ya sea en solitario, con Teresa Iturrioz en Single o con el resto del grupo en Le Mans. Ibon hizo la música de un cortometraje que yo rodé llamado Máquina y participó en la banda sonora de mi segunda película, Autómata. El hecho de conocer a alguien y de haber trabajado con él, hace que para mi sea mucho más fácil hacerle un vieoclip.

El proyecto del video surgió un día que Ibon nos puso Foto Aérea a mi y a unos amigos. Nos gustó mucho y entusiasmados hablamos de la posibilidad de hacer un videoclip. La verdad es que lo que pensaba hacer en ese primer momento no tuvo nada que ver con lo que finalmente hicimos, pero bueno, así son estas cosas.

Después de pensarlo un poco le planteé una idea a Ibon y a Luis de Elefant; les pareció bien. Así que empezamos a prepararlo. Juntamos un pequeño equipo y lo rodamos. La verdad es que es estupendo trabajar con tanta libertad.

 

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- Desde el punto de vista estético, es un vídeo conceptual con una visión sinestésica de la música. Utilizas la repetición como figura retórica con elementos muy sencillos, en una pieza eminentemente instrumental. ¿Qué has querido transmitir y por qué esa visión naif tan contemplativa próxima al surrealismo? 

Como he dicho antes, me gustó mucho la pieza de Ibon la primera vez que me la escuché. Me pareció muy evocadora. Pero cuando empecé a darle vueltas a como hacer un videoclip con esa canción, me di cuenta de que se trataba de un tema muy sutil y muy "sencillo" y que si hacíamos una narración convencional, una ficción, corríamos el riesgo de que la imagen se convirtiera en el centro de la experiencia y que en el espectador se diluyera un poco la sensación musical.

Entonces empezamos a buscar la forma de hacer una pieza que estuviera al servicio de la música, que ayudara a pensar en la música y que no te sacara en ninguna dirección narrativa, que no contara nada de nada, que simplemente “encajara” visualmente con lo que estaba ocurriendo en la canción. Una serie de situaciones tan cotidianas, anodinas e inconexas que hicieran muy difícil al espectador hilar una historia, hilar una narración...y la idea era que esa ausencia de narración y de trama, te llevara a la música.

 

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Por otro lado, y a nivel visual, queríamos hacer algo que nada tuviera que ver con el estilo de la canción, algo que no se acercara a las imágenes que sugería la música a priori (en mi caso, verano, mar, viaje...). De esta manera, alejándome de las sensaciones que a mi me provocaba, intentaba dejar al espectador más oportunidades de sentir el mismo la música, e interpretarla de una manera propia. Me pareció que al plantear unas imágenes tan inocuas y lejanas al tono de la música, dejábamos al espectador mas posibilidades de un disfrute personal del tema de Ibon, generando cada uno sus propias imágenes y sensaciones.

Contestando a tu pregunta Oscar, la verdad es que no he querido transmitir nada concreto, si no más bien crear unas imágenes que te llevaran a la música y te ayudaran a disfrutar de ella evidenciando de una manera visual cómo estaba construido el tema, la estructura de la canción. En cierta medida, es una repetición del video clip de Canción de todo va mal, pero en un mundo fotográfico.

 

 

-¿Alguna fuente de inspiración especial? en los fotogramas de la pieza se respira aire de Bresson, Tati ... clásico y moderno a la vez. 

Si, esos son referentes posibles...en mi caso más Bresson que es muy sobrio y preciso. A nivel visual, Luis Guijarro, el director de fotografía y Adriana Solé la colorista, manejaban como referencia algunos fotogramas de películas de Aki Kaurismäki.

En cualquier caso, la referencia principal para el videoclip es sin duda la fotografía de los manuales de instrucciones, los catálogos técnicos, los videos demostrativos; formatos que tratan de ser muy claros, de mostrar como algo funciona de una manera aséptica y sencilla pero que siempre me han parecido muy elegantes y meritorios. Como una simplificación esencial y precisa del lenguaje visual.

También hablamos antes del rodaje de  Lo infraordinario de Georges Perec que a nivel conceptual era una referencia muy buena porque hablaba de lo esencial que es aquello que parece trivial.

 

 

- Ya para acabar, Gabe, ¿nos puedes desvelar algún nuevo proyecto cinematográfico o de tv después de Hierro y Autómata, o tú participación como director en El Ministerio del tiempo?

Pues ando preparando dos proyectos de ciencia ficción. Escribiendo los guiones y desarrollándolos  visualmente. Dos proyectos muy interesantes. A ver que pasa...

 

 

- Por cierto, este año Abycine ha dedicado una retrospectiva a algunos de vuestros trabajos en User T38.  Diseño de carteles, Vfx, postproducción para publicidad, cine... Fuisteis pioneros y seguis a la vanguardia. Después de estos años de trayectoria, ¿cuál crees que es la salud del audiovisual español?

Yo diría que muy precaria. Lo cual es más una descripción de la vida de mucha gente que se dedica a ello, que de los resultados, que independientemente de la precariedad, a veces pueden ser brillantes.

Es una época rara para el cine que se proyecta en salas; parece que es difícil salirse de unos estándares muy rígidos marcados por la industria y los espectadores. Sin embargo, las series se están convirtiendo en un formato donde si se encuentras la variedad de propuestas que al menos yo, echo en falta en los cines.

Como siempre, y desde el punto de vista del trabajo creativo que hacemos en User T38 (desarrollo visual, pospo y diseño gráfico) te encuentras con proyectos y gente muy interesante a la que se le ha ocurrido una buena y idea y que tiene muchas ganas de que quede muy bien. Y eso es estupendo.

  

 

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Sarmient Peppers    2.ene.2018 14:38    

Aitor Oñederra: libertad de movimiento

Nos gusta en "A rienda suelta" adentrarnos de cuando en cuando en el apasionante mundo de la animación.

En esta ocasión nos detenemos en el singular universo del creador Aitor Oñederra, un artista pluridisciplinar (cineasta, guionista, diseñador...) que se aproxima al formato videoclip con enorme curiosidad y talento. 

Aquí le descubrimos en una pieza de animación para la banda libanesa Loopstache pero también aprovechamos el momento para adentrarnos en otras facetas, como su trabajo como cineasta al frente del excepcional cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics", o su labor como artífice del Festival de cine de animación Animadeba, que por cierto se celebra del 26 al 29 de diciembre.

Pero mejor, pasen y vean, Aitor no os decepcionará!

 

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 Fotografía: Teresa Arilla

Eres guionista, cineasta, animador... Hemos llegado hasta tí por un magnífico videoclip que has realizado para Loopstache, un grupo de electro indie de Beirut.

- ¿Cómo nace este proyecto, para una banda del Líbano?

El grupo Loopstache se puso en contacto conmigo después de ver mi cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics" en el festival de Cine Cabriolet de Beirut. Me enviaron un mail entusiasmados con el cortometraje. Después de una semana volvieron a escribirme y esta vez con la propuesta de hacer un videoclip para su nuevo tema "All I Need Is You".

 



- Me ha parecido escucharte que es un video musical para el que has invertido 8 meses de trabajo. ¿Cuál ha sido tu propuesta estética y con qué herramientas has trabajado a nivel de software?

Sí, fueron 8 meses de creación. Tiene el mismo tratamiento que un cortometraje, no se utilizan repeticiones como en muchos videoclips de animación, por eso me ha llevado tanto tiempo creando diferentes escenas.

A la hora de hacer un videoclip, mi propuesta estética siempre es acercarse a la del grupo. He utilizado una paleta de colores que se aproxima al tono de su logotipo. Tengo mucha influencia del cine Neo Noir y seguramente se note. En cuanto a  los planos, la canción me parece que transmite sensualidad y para potenciarlo he utilizado el travelling y las panorámicas al ritmo de la música.

 
Principalmente, utilizo un software para tratar imágenes y otro software de composición para hacer el montaje de los fotogramas dibujados.


- No es ésta ni mucho menos la única incursión que has hecho en el videoclip, por ejemplo también realizaste hace un par de años "Izarren bila"  del grupo EH Sukarra. ¿Qué significa para tí el género del videoclip y la relación entre imagen y música?

Escucho mucha música, me gusta la cultura de la música popular comercial, videos musicales etc. En general, se utiliza mucha mas creatividad en los videos musicales que en un largometraje, el director es mucho mas libre a la hora de plantear el guión e innovar con nuevas técnicas. También pasa algo parecido con los cortometrajes. 

 

 



- Tu trayectoria está muy ligada al mundo de la animación, de hecho eres uno de los artífices de Animadeba, un Festival especializado en el género y que intenta mostrar los trabajos más significativos. ¿Cual es el espíritu de este certamen?

Animadeba es un festival de cine de animación que creamos hace 10 años para impulsar el cine animado para adultos ( sobre todo ). También hemos querido proyectar películas que el público generalista no está acostumbrado a ver, largometrajes y cortometrajes realizados con técnicas de animación que no son tan habituales en la cartelera de los cines. Educar y estimular a través del cine independiente animado es una de las razones principales de nuestro festival.

 



- Ya por último destacar tu faceta de cineasta con un trabajo tan destacado como I said I would never talk About Politics, un auténtico trallazo a lo políticamente correcto. Creo que, además estás preparando un largometraje donde intentas aunar ficción real y animación. ¿Puedes adelantarnos algo de este proyecto?

El cortometraje I Said I Would Never Talk About Politics  me ha abierto puertas para crear futuros proyectos en formato cine.

Indudablemente mi carrera artística va ligado al cine de animación, pero en este largometraje se van a mezclar imagen real y animación. Antes llegará el cortometraje que estamos preparando pero no puedo dar detalles todavía.

 

 


- Salvando las distancias pero cuando veo tus trabajos me recuerdan a cineastas como Ari Folman en Vals con Bashir... ¿Cuáles son tus referentes a nivel creativo?

Admiro Ari Folman por sus películas pero no ha sido mi mayor influencia. Como te decía antes, soy un gran seguidor de videos musicales, de directores que empezaron su trayectoria creando videoclips, instalaciones artísticas y de vez en cuando hacen alguna pieza para cine: Spike Jonze, Michel Gondry, Chris Cunningham, David Fincher... Por nombrar algunos. 

 Estos últimos años he tenido la ocasión de ir a muchos festivales de cine.

Precisamente os dejamos con "Beti bezperako koplak" (Coplas de una noche sin mañana) que ha sido preseleccionado para los Goya 2018.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   12.dic.2017 23:50    

Buñuel y Lagartija Nick: una provocación artística

Este año el Laboratorio de Creación de Abycine   ha surgido de la alquimia entre las incandescentes imágenes de Luis Buñuel y la música instintiva de Lagartija Nick.

Una propuesta que, un año más, ha armonizado con acertado pulso narrativo el realizador José Manuel Borrajeros.

 

Fragmento Laboratorio Creación Abycine 2017 (Lagartija Nick/Luis Buñuel/Jose Manuel Borrajeros)

 

Un maridaje extraordinario que ha conectado y retroalimentando universos creativos y que se presentó en el último Abycine 2017 y que ójala tenga un recorrido por otras salas de nuestro país (por lo pronto Antonio Arias tiene intención de grabar en estudio las canciones paridas para el Laboratorio).

Esta presentación además, coincide con el estreno del último disco de los granadinos: Crimen, sabotaje y creación, un trallazo a la mente y al corazón que nos conecta con los mejores Lagartija Nick, "seres cálidos" en permanente evolución.

 

Así pues, todos estáis invitados a esta entrevista en la que Antonio Arias (AA) y Jose Manuel Borrajeros (JM) nos acercan al proceso creativo de este fascinante proyecto que es el Laboratorio de Creación de Abycine 2017.

 

Buñuel + Lagartija Nick 02

 

-Antonio, ¿Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

AA: Fue una propuesta del festival Abycine. Me encantó la idea, tratar la figura de Buñuel me dio la oportunidad de profundizar en esa maravillosa generación del 27. Jose Manuel Borrajeros hizo unas ediciones de las películas y sobre ese montaje estuvimos trabajando.

- En cuanto a la relación con Lagartija Nick, ¿cómo surge la colaboración, ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

JM: Se produjo un salto telepático en un momento determinado y pensé: Lagartija Nick y Buñuel son una buena conjunción, me puse en contacto con Antonio y se lo propuse, cuando me dijo que sí empecé a trabajar por bloques en el montaje, y finalmente construimos nuestra propia visión del espectáculo cada cual aportando sus ideas, con tiempo y codo con codo, amplificando la obra. Trabajar con Lagartija Nick ha sido alucinante, es un grupo de gente admirable como personas y como artistas.

 

Resultado de imagen de LAGARTIJA NICK

 

- Esta vez habéis elegido el universo de Buñuel como material para el Laboratorio de Creación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor aragonés, imagino que ha sido una enorme complicación elegir entre su amplísima obra?

JM: Desde el Laboratorio de Creación-Abycine nunca habíamos abordado la filmografía de un director español. El universo de Buñuel es muy interesante por diferentes razones, por un lado hay muchos aspectos de su cine que lo sitúan en la modernidad más absoluta, diría que su cine es difícilmente superable por muchos directores actuales, o en caso de querer acercarse a sus constantes, éstas no dejan de estribar en eso que ha venido a llamarse Buñuelesco, es decir, una especie de calificativo de lo que él ya inventó.

 

Buñuel + Lagartija Nick 01

 

Por otro lado, hay una parte de su filmografía más social que me llamaba mucho la atención, situada en terrenos fuera de lo estrictamente surrealista, temas recogidos en cintas como LAS HURDES, LOS OLVIDADOS o NAZARÍN, que configuran una mirada muy instintiva sobre la pobreza y la supervivencia, y finalmente sobre la perversidad. Yo tenía catorce años cuando vi por primera vez LOS OLVIDADOS y SIMÓN DEL DESIERTO en un programa doble de TVE, recuerdo que lo que vi me dejó impactado y que discutí mucho con un amigo cinéfilo que afirmaba que la etapa mexicana de Buñuel era muy pobre cinematográficamente, supongo que lo decía porque el look visual de la época mexicana no tenía el aspecto tan cool de su etapa francesa, lo cual le llevaba a pensar que era un cine de peor calidad. Mi amigo no tenía ni idea de lo que estaba viendo, él veía un cine pobre, yo veía un cine rico. A mi aquello me cabreaba sobremanera, así que ahora me he tomado mi revancha privada. Las películas hispano-mexicanas de Buñuel son construcciones de infiernos terrenales que nos hacen ver que el surrealismo no es sólo algo propio de los sueños, elegí esta época de la filmografía de Buñuel para el montaje porque de alguna manera representa un mundo cercano al nuestro, España y Latinoamérica, que en muchos aspectos no ha cambiado prácticamente nada.

 

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-Sois una banda en el que el subconsciente juega un papel importante, algo en común con el mundo de Buñuel ¿cúal ha sido vuestra actitud a la hora de acercaros al universo del cineasta?

AA: Lo primero que hice fue buscar poemas de Luís Buñuel en internet, encontré seis y ahí vi el camino. Sus poemas son bastante lorquianos, eróticos y surrealistas, toda una gozada. Cantando sus textos podíamos interactuar sobre las imágenes completando su significado onírico, y al mismo tiempo generando distintos diálogos sobre las mismas.

-¿Cuál es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual?

JM: Siempre que abordo este tipo de trabajos suelo construir un guión de montaje. Previamente reviso toda la filmografía del director en cuestión y busco los lugares comunes entre una película y otra, de esa manera salen a la luz las pulsiones del director, entonces crece un hilo argumental, afluentes que guían al espectador a través de las diferentes secuencias, en el caso de Buñuel propongo un recorrido del resto de sus películas a través del cortometraje documental LAS HURDES.

 

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-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de las imágenes a modo de BSO?

AA: Aparte de sus poemas, mi mujer me regaló un libro de Max Aub sobre Buñuel, muy recomendable. Está hecho en forma de entrevistas y contiene un dvd con todas ellas, así que teníamos testimonios de primera mano. Uno de los audios son los veinte sueños más repetidos de Buñuel, ahí estaba todo su universo freudiano, ahí estaban bastantes de sus referencias fílmicas, todo un hallazgo. Estos sueños fueron la base para tratar la última parte del montaje de las películas que era “Un perro andaluz”.

- De la filmografía de Buñuel, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto? Por lo que he leído te centraste en su obra desde Un perro andaluz hasta Viridiana.

JM: Como he comentado anteriormente me he centrado principalmente en la etapa hispano-mexicana de la filmografía de Buñuel, que es una etapa de un cine más telúrico y polvoriento que el que supone la etapa francesa, la cual es maravillosa pero ofrece otro clímax y otro examen de otra sociedad: la burguesa. El recorrido por las películas de la etapa mexicana se pegaba muy bien al universo de Lagartija Nick o al menos así lo intuí desde el principio, cuando pensé en Lagartija para poner música al montaje. Hay algo telepático en este tipo de trabajos.

 

-Me viene a la mente vuestra obra magna "Val del Omar" alrededor de la inmensa figura del creador granadino, en ese disco ponéis en práctica sus tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este caso con Buñuel, ¿habéis encontrado alguna concomitancia, ha influido aquella relectura que hicístéis allá por 1998?

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AA: Val del Omar es un creador de música concreta formidable y un inventor tanto de sonidos como de aparatos increíblemente imaginativos para llevarlos a cabo. Nada que ver con el odio que Buñuel le tenía a abusar de la música en sus películas. Sabía por sus entrevistas que era un apasionado del jazz de los años veinte, temas como “Limehouse Blues” o el “Foxtrot” eran muy de su gusto. Sobre esas dos canciones compuse la música de los poemas que cantamos.

- De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?

AA: Para la puesta en escena teníamos la limitación del formato de las películas, 4:3. No podíamos interferir con las imágenes así que nos situamos a los lados, arropándolas, algo sencillo, como una especie de banda de jazz, sentados. Creo que podría funcionar en el futuro tocar en un foso, como las orquestas.


- Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto? Por ejemplo, el año pasado Los Pilotos presentaron su opus sobre Miyazaki en la Cineteca del Matadero de Madrid...

AA: Ya es un proyecto en sí muy atractivo como para guardarlo en un cajón, nos lo pasamos muy bien componiéndolo y ensayándolo. Tenemos previsto grabarlo en el estudio en diciembre y presentarlo en un futuro por supuesto.

 

 Os dejamos, finalmente, con esta entrevista que se hizo Lagartija Nick desde Abycine, donde cuentan algunas de sus pulsiones creativas, unas horas antes de presentarlo en el Teatro Circo de Albacete.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Cine , Música

Sarmient Peppers   21.nov.2017 18:37    

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A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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