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Daniel Moreno: tocar el alma

Nos acercamos a la obra audiovisual de Daniel G. Moreno (realizador, músico, arquitecto...) un artista pluridisciplinar que se aproxima a los proyectos sobre todo a través de la técnica de la animación, una disciplina que le otorga capacidad de expresión y libertad creativa.

Nos detenemos sobre todo en su videoclip "Magnolia" para Rufus T. Firefly, sin duda una de las sorpresas de este recién acabado 2017. En esta pieza, Daniel propone un fascinante viaje psicodélico que se ajusta como un guante al espíritu de la canción.

Además, hablamos con Daniel de otras creaciones como su proyecto personal Atoms en el que imagen y música se retroalimentan, o su primer videoclip en 3D "I'm falling"  para su banda The Go! Brothers, un despliegue técnico y creativo. 

Daniel G. Moreno concibe el formato videoclip desde una perspectiva narrativa cercana al mundo del cortometraje. Al final de lo que se trata es de "tocar el alma" del espectador. Para el realizador, "la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional".

  DANIEL MORENO

 

Hemos llegado a tí a través de un videclip de animación para Rufus T. Firefly "Magnolia", en el que das rienda suelta a la imaginación en una especie de viaje psicodélico, que ilustra a la perfección la canción y haciendo guiños a la estética de George Dunning, entre otros autores. ¿Cómo surge este proyecto para la banda de Aranjuez?

Fue una situación curiosa porque yo no conocía al grupo antes hacer el videoclip. Rufus estaba buscando a un realizador para hacer una animación con aires psicodélicos y publicaron en facebook con el objetivo de encontrarlo. Un amigo en común, Xavi Lopez (también conocido como Xavito DeVito) me etiquetó en la publicación. Busqué información sobre el grupo y tengo que decir que en cuanto me puse a escuchar su música, me pareció increíble y me cautivó de inmediato. Me invadió una sensación muy fuerte de que me debía involucrar en el proyecto. Diría que varios realizadores respondieron a la llamada del grupo pero finalmente contaron conmigo para hacer el videoclip. Fui muy efusivo sobre mi convicción de que era la persona adecuada para trabajar con ellos y puede que el hecho de que yo también soy músico influyera en este sentido para convencerlos. Aunque que esa es una teoría que sólo podrían confirmar ellos.

 

 

-Es una canción larga y recurres a técnicas variadas: animación, imagen real con tratamiento de color, etc... Diría que un look POP envuelve el videoclip pero cuéntanos:

¿Cual ha sido tu idea a la hora de trasladar la música a imágenes y en qué tecnología te has apoyado?

Lo primero que tengo que contar es que el grupo me dio libertad creativa total. Me mostraron varias referencias que les gustaban, sobretodo animaciones setenteras muy psicodélicas, y me dijeron "haz lo que quieras". Ese es un lujo con el que no se puede contar muy a menudo y tengo que agradecérselo enormemente, ya que hizo que me involucrara aún más, tomándomelo como un proyecto personal. Mi enfoque desde el principio fue hacer del videoclip un cortometraje, en el que no había diálogo, pero sí una banda sonora increíble. Para mí era importante contar una historia, aunque fuese sencilla, aparte de mostrar las imágenes psicodélicas. Contemplé varios enfoques hasta que di con la clave para crear ese mundo psicodélico que transmite la canción, y fue jugar con la escala de los objetos a la hora de crear los diferentes escenarios. Esto quiere decir que el videoclip está plagado de objetos cotidianos pero aumentados a un tamaño mucho mayor del natural para convertirlos en el paisaje de la historia. Eso me ayudó a dar la sensación de estar en un viaje raro y psicodélico, aumentado y un poco surreal.

La gran mayoría del videoclip es 3D, pero con un acabado al estilo de dibujo animado. La parte técnicamente más complicada fue la de integrar a los miembros del grupo dentro de ese mundo de dibujo. Para resolver esto les pedí que grabaran varios planos y rotoscopié sobre el video original, y en otros casos traté la imagen para darle el look que necesitaba. También la mezcla de técnicas responde a una obsesión personal por conseguir atrapar al espectador de tal manera que no pueda despegar los ojos del video, y ofrecer diferentes texturas en ese sentido me parecíó una buena manera de conseguirlo.

Para acabar usé alguna de las imágenes que se desprenden de la propia letra de la canción e investigando sobre Rufus di con otras referencias que eran importantes para ellos y su universo como los Beatles, Led Zeppelin, David Bowie, vinilos, cinta analógica y la furgoneta como guiños setenteros... cogí todos estos elementos y los agité bien fuerte. Lo que puedes ver en el videoclip es el resultado de esta mezcla de sensaciones.

 

 

-También nos llama la atención tus creaciones visuales en las que pones en relación música e imagen animada en 3D. Es el caso de ATOMS. Cuéntanos en qué consiste este proyecto de experimentación.

Atoms vino justo tras acabar el videoclip para Rufus, y después de meses de trabajar en ese proyecto me apetecía hacer algo diferente, incluso oscuro en contraposición a esa explosión de color y psicodelia que es Magnolia. A esto se le suma el hecho de que llevaba tiempo sin componer música y quería crear algo muy entrelazado con la imagen, una especie de banda sonora. Así que salió este experimento en el que creé las imágenes y la música a la vez y una cosa retroalimentaba a la otra. Tenía una idea general de crear atmósferas y fragmentar elementos con la que trabajaba un día en la parte de imagen, al día siguiente en la música, y cada una de las partes iba modificando la otra en términos de tempo y estructura. La nueva música me hacía cambiar las imágenes y viceversa. Fue estimulante crear de esta manera y me obligó a avanzar de en un sentido diferente al habitual para mí. De vez en cuando hago proyectos así simplemente por la curiosidad de ver hasta dónde llegan y por ver cómo reacciona la gente al verlos y escucharlos... quizás sea la semilla para otro futuro proyecto, lo tengo ahí y es posible que lo recupere más adelante. Puede que esa magnolia termine germinando, o puede que no.

 

 

-Tampoco queríamos dejar pasar por alto otros proyectos, como el primer videoclip que hiciste para The Go! Brother, tu propia banda, en la que procedes a una "deconstrucción digital" a través de la animación 3D. Un trabajo que combina la técnica depurada sin renunciar a la emoción de las máquinas. ¿Qué particularidades tiene este video musical? Imagino que tiene algo de especial al estar hecho para tu grupo.

Sí, fue una época especial ya que formamos el grupo con mi hermano Alex y componíamos los temas juntos. Él estaba en la guitarra y yo en la voz y esa química musical ha funcionado siempre muy bien entre nosotros. En cuanto al tema "I'm falling" del que hice el videoclip, grabamos varios temas en estudio y este es el que nos pareció mejor para promocionar el grupo. Intenté transmitir la idea bastante sencilla de la historia de amor de la que habla la canción y a la hora de plasmarlo, como la voz era toda en falsete, pensé que sería divertido hacerlo con los personajes como de juguete. Quería que el punto álgido de la animación estuviese en el estribillo, e hice explícita la letra del tema con la caída literal de los personajes. Este videoclip tiene ya cuatro o cinco años y me suele pasar que con el paso del tiempo veo los proyectos un poco viejos y mejorables. Pero en su momento quedé contento con el resultado.

 

 

- Ya para acabar, quería destacar otras creaciones de visuales para otras disciplinas: teatro (Henry), arquitectura (recreación MACBA), motion graphics para tv y cortos... Entiendo que tienes una formación muy multidisciplinar, no en vano eres arquitecto, músico, realizador... ¿Hacia donde van tus inquietudes y siguientes proyectos?¿cómo encaja tu visión del videoclip como formato en el contexto de la creación audiovisual?

Siempre tengo varios proyectos entre manos y ahora mismo estoy adaptando un cómic a cortometraje de animación y también creando la banda sonora. No puedo profundizar mucho sobre el tema ya que aún está en una fase inicial, pero es un proyecto con el que estoy muy motivado y creo que puede llegar lejos. Me gustaría trabajar en más videoclips ya que es un tema que me apasiona y estoy en conversaciones con algún grupo para ponernos manos a la obra.

El formato del videoclip me fascina en parte por ser también músico y unir de una manera tan especial imagen y música. Me parece de lo más interesante dentro de la creación audiovisual en general, ya que normalmente es un espacio con una mayor libertad creativa frente a otras disciplinas en las que también trabajo como la publicidad o el cine. Al ser un formato pequeño puede convertirse en un laboratorio de ideas para crear historias, que al final, para mí, es de lo que se trata. Me alucina lo que directores como Michel Gondry o Spike Jonze han hecho con sus videoclips en los que una idea brillante y unos medios mínimos, dan un resultado espectacular.

 

 

Ya que me preguntas sobre mi formación en varios campos, tengo una teoría que diría que se puede extrapolar a cualquier disciplina creativa, y es que la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional. Por ejemplo, si observas un cuadro de cerca, podrás admirar la precisión o destreza del pintor en el trazo, pero a medida que te alejas el detalle de la técnica pierde importancia frente al significado del cuadro, a la sensación global que te transmite. La parte técnica tiene que estar bien resuelta, pero es más superflua ya que con el paso del tiempo las técnicas cambian, se perfeccionan y mejoran. Pero la parte emocional, el sentido de la obra o la idea que el artista quiere transmitir en cambio permanecen a lo largo del tiempo, porque llegan hasta una parte más profunda del observador. Los grandes artistas son capaces de crear obras en las que hay una idea muy potente que predomina sobre todo lo demás. Una emoción o una historia es lo que realmente nos llega y con un poco de suerte, nos hace ver el mundo de una manera distinta a cómo lo hemos visto hasta entonces. Ése es el motivo por el que hay ciertas obras que nos llegan, las hacemos nuestras y las recordamos con el paso del tiempo. Ese es mi objetivo cada vez que creo algo; tocar el alma del que está observando.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   16.ene.2018 08:14    

Gabe Ibáñez: al servicio de la música

Gabe Ibáñez es uno de los realizadores más interesantes del audiovisual español que, aunque no se ha prodigado en el género videoclip, tiene una visión muy audaz del formato. Recientemente ha firmado "Foto Aérea" para Ibon Errazkin, un prodigio de sutileza y creatividad visual al servicio de la música. Atrás (han pasado diez años) queda aquella obra maestra que fue "Canción de todo va mal" para Le Mans y que se incluyó en Eclectia (libro-dvd sobre video musical español coordinado por Luis Cerveró) como uno de los trabajos más brillantes del género en España.  Entre clip y clip, Gabe ha dirigido un corto (Máquina), dos largometrajes (Hierro y Autómata, también prepara nuevos proyectos cinematográficos), ha realizado publicidad, además de ser uno de los gurús de la postproducción en nuestro país desde la plataforma USER T38.

Pero mejor nos cuenta Gabe, que sorprende por su lucidez y su crítica constructiva acerca del audiovisual y de cómo éste se ha transformado con la llegada de youtube y las redes sociales. 


 

-Gabe, no eres un director especialmente prolífico en la realización de videoclips. Lejos queda aquella magnífica pieza "Canción de todo va mal" para Le Mans, una obra de orfebrería que se incluyó en el recopilatorio Eclectia. Posteriormente  vídeos musicales para Single (Pío pío) y recientemente para Ibon Errazkin (Foto Aérea). ¿Cuál es a dia de hoy tu visión del formato y por qué estas apariciones tan esporádicas?

Pues la verdad es que como realizador, me parece un mundo formalmente bastante complicado al que además rara vez tengo la oportunidad de acceder.

También es verdad que la mayoría de la música que me gusta  y que escucho no es actual y es previa a la industria del videoclip,  lo cual no ayuda mucho a estar al tanto de lo que sucede en ese formato. En general, creo que para mi oír música es más una experiencia sonora que de cualquier otro tipo.

 

 

- En estos últimos años has trabajado como director de cine y realizador publicitario  ¿cómo crees que ha evolucionado el vídeo musical con la llegada de youtube, facebook y las redes sociales?

 

Tengo la impresión, y esto no es algo que afecte solo al videoclip, de que la forma en la que se utilizan  las redes sociales ha disminuido la capacidad de concentración de las personas, y de manera un poco sorprendente, ha tendido a restringir la disposición para conocer cosas nuevas o exponerte a opiniones estéticas diferentes. Creo que en general esas redes tienden a rodearte de lo que ya te gusta, de lo que conoces y de lo que te interesa, haciendo de tu gusto algo más homogéneo y menos permeable.

Además, el tiempo que dedicas como espectador a cada mensaje es cada vez menor...las piezas audiovisuales de cualquier tipo tienen pocos segundos para captar la atención de la audiencia por lo que han de ser más evidentes y contundentes, perdiendo terreno lo sutil y lo complicado, que suele exigir mas tiempo de exposición.

Por otro lado mucha gente utiliza youtube para oír música, por lo que supongo que en estos momentos se reproducen más videoclips que en ningún otro momento de la historia; lo cual no quiere decir en mi opinión que la gente realmente preste atención a esos videoclips.

Sin embargo, a otro nivel, ese mundo abre una posibilidad que creo que antes no existía de acceder a gente que hace cosas pequeñas, extravagantes o fuera de lo  convencional. Así que creo que es un mundo que facilita lo obvio y que perjudica lo complejo, pero que al mismo tiempo permite de manera minoritaria la existencia y el acceso a contenidos más raros.

 

 

-Hablando más específicamente del videoclip "Foto Aérea", ¿cómo surge el proyecto, entiendo que guardas una relación muy especial con Ibon Errazkin?

 

Pues la verdad es que solo he hecho videoclips para Ibon Errazkin, ya sea en solitario, con Teresa Iturrioz en Single o con el resto del grupo en Le Mans. Ibon hizo la música de un cortometraje que yo rodé llamado Máquina y participó en la banda sonora de mi segunda película, Autómata. El hecho de conocer a alguien y de haber trabajado con él, hace que para mi sea mucho más fácil hacerle un vieoclip.

El proyecto del video surgió un día que Ibon nos puso Foto Aérea a mi y a unos amigos. Nos gustó mucho y entusiasmados hablamos de la posibilidad de hacer un videoclip. La verdad es que lo que pensaba hacer en ese primer momento no tuvo nada que ver con lo que finalmente hicimos, pero bueno, así son estas cosas.

Después de pensarlo un poco le planteé una idea a Ibon y a Luis de Elefant; les pareció bien. Así que empezamos a prepararlo. Juntamos un pequeño equipo y lo rodamos. La verdad es que es estupendo trabajar con tanta libertad.

 

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- Desde el punto de vista estético, es un vídeo conceptual con una visión sinestésica de la música. Utilizas la repetición como figura retórica con elementos muy sencillos, en una pieza eminentemente instrumental. ¿Qué has querido transmitir y por qué esa visión naif tan contemplativa próxima al surrealismo? 

Como he dicho antes, me gustó mucho la pieza de Ibon la primera vez que me la escuché. Me pareció muy evocadora. Pero cuando empecé a darle vueltas a como hacer un videoclip con esa canción, me di cuenta de que se trataba de un tema muy sutil y muy "sencillo" y que si hacíamos una narración convencional, una ficción, corríamos el riesgo de que la imagen se convirtiera en el centro de la experiencia y que en el espectador se diluyera un poco la sensación musical.

Entonces empezamos a buscar la forma de hacer una pieza que estuviera al servicio de la música, que ayudara a pensar en la música y que no te sacara en ninguna dirección narrativa, que no contara nada de nada, que simplemente “encajara” visualmente con lo que estaba ocurriendo en la canción. Una serie de situaciones tan cotidianas, anodinas e inconexas que hicieran muy difícil al espectador hilar una historia, hilar una narración...y la idea era que esa ausencia de narración y de trama, te llevara a la música.

 

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Por otro lado, y a nivel visual, queríamos hacer algo que nada tuviera que ver con el estilo de la canción, algo que no se acercara a las imágenes que sugería la música a priori (en mi caso, verano, mar, viaje...). De esta manera, alejándome de las sensaciones que a mi me provocaba, intentaba dejar al espectador más oportunidades de sentir el mismo la música, e interpretarla de una manera propia. Me pareció que al plantear unas imágenes tan inocuas y lejanas al tono de la música, dejábamos al espectador mas posibilidades de un disfrute personal del tema de Ibon, generando cada uno sus propias imágenes y sensaciones.

Contestando a tu pregunta Oscar, la verdad es que no he querido transmitir nada concreto, si no más bien crear unas imágenes que te llevaran a la música y te ayudaran a disfrutar de ella evidenciando de una manera visual cómo estaba construido el tema, la estructura de la canción. En cierta medida, es una repetición del video clip de Canción de todo va mal, pero en un mundo fotográfico.

 

 

-¿Alguna fuente de inspiración especial? en los fotogramas de la pieza se respira aire de Bresson, Tati ... clásico y moderno a la vez. 

Si, esos son referentes posibles...en mi caso más Bresson que es muy sobrio y preciso. A nivel visual, Luis Guijarro, el director de fotografía y Adriana Solé la colorista, manejaban como referencia algunos fotogramas de películas de Aki Kaurismäki.

En cualquier caso, la referencia principal para el videoclip es sin duda la fotografía de los manuales de instrucciones, los catálogos técnicos, los videos demostrativos; formatos que tratan de ser muy claros, de mostrar como algo funciona de una manera aséptica y sencilla pero que siempre me han parecido muy elegantes y meritorios. Como una simplificación esencial y precisa del lenguaje visual.

También hablamos antes del rodaje de  Lo infraordinario de Georges Perec que a nivel conceptual era una referencia muy buena porque hablaba de lo esencial que es aquello que parece trivial.

 

 

- Ya para acabar, Gabe, ¿nos puedes desvelar algún nuevo proyecto cinematográfico o de tv después de Hierro y Autómata, o tú participación como director en El Ministerio del tiempo?

Pues ando preparando dos proyectos de ciencia ficción. Escribiendo los guiones y desarrollándolos  visualmente. Dos proyectos muy interesantes. A ver que pasa...

 

 

- Por cierto, este año Abycine ha dedicado una retrospectiva a algunos de vuestros trabajos en User T38.  Diseño de carteles, Vfx, postproducción para publicidad, cine... Fuisteis pioneros y seguis a la vanguardia. Después de estos años de trayectoria, ¿cuál crees que es la salud del audiovisual español?

Yo diría que muy precaria. Lo cual es más una descripción de la vida de mucha gente que se dedica a ello, que de los resultados, que independientemente de la precariedad, a veces pueden ser brillantes.

Es una época rara para el cine que se proyecta en salas; parece que es difícil salirse de unos estándares muy rígidos marcados por la industria y los espectadores. Sin embargo, las series se están convirtiendo en un formato donde si se encuentras la variedad de propuestas que al menos yo, echo en falta en los cines.

Como siempre, y desde el punto de vista del trabajo creativo que hacemos en User T38 (desarrollo visual, pospo y diseño gráfico) te encuentras con proyectos y gente muy interesante a la que se le ha ocurrido una buena y idea y que tiene muchas ganas de que quede muy bien. Y eso es estupendo.

  

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    2.ene.2018 14:38    

Aitor Oñederra: libertad de movimiento

Nos gusta en "A rienda suelta" adentrarnos de cuando en cuando en el apasionante mundo de la animación.

En esta ocasión nos detenemos en el singular universo del creador Aitor Oñederra, un artista pluridisciplinar (cineasta, guionista, diseñador...) que se aproxima al formato videoclip con enorme curiosidad y talento. 

Aquí le descubrimos en una pieza de animación para la banda libanesa Loopstache pero también aprovechamos el momento para adentrarnos en otras facetas, como su trabajo como cineasta al frente del excepcional cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics", o su labor como artífice del Festival de cine de animación Animadeba, que por cierto se celebra del 26 al 29 de diciembre.

Pero mejor, pasen y vean, Aitor no os decepcionará!

 

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 Fotografía: Teresa Arilla

Eres guionista, cineasta, animador... Hemos llegado hasta tí por un magnífico videoclip que has realizado para Loopstache, un grupo de electro indie de Beirut.

- ¿Cómo nace este proyecto, para una banda del Líbano?

El grupo Loopstache se puso en contacto conmigo después de ver mi cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics" en el festival de Cine Cabriolet de Beirut. Me enviaron un mail entusiasmados con el cortometraje. Después de una semana volvieron a escribirme y esta vez con la propuesta de hacer un videoclip para su nuevo tema "All I Need Is You".

 



- Me ha parecido escucharte que es un video musical para el que has invertido 8 meses de trabajo. ¿Cuál ha sido tu propuesta estética y con qué herramientas has trabajado a nivel de software?

Sí, fueron 8 meses de creación. Tiene el mismo tratamiento que un cortometraje, no se utilizan repeticiones como en muchos videoclips de animación, por eso me ha llevado tanto tiempo creando diferentes escenas.

A la hora de hacer un videoclip, mi propuesta estética siempre es acercarse a la del grupo. He utilizado una paleta de colores que se aproxima al tono de su logotipo. Tengo mucha influencia del cine Neo Noir y seguramente se note. En cuanto a  los planos, la canción me parece que transmite sensualidad y para potenciarlo he utilizado el travelling y las panorámicas al ritmo de la música.

 
Principalmente, utilizo un software para tratar imágenes y otro software de composición para hacer el montaje de los fotogramas dibujados.


- No es ésta ni mucho menos la única incursión que has hecho en el videoclip, por ejemplo también realizaste hace un par de años "Izarren bila"  del grupo EH Sukarra. ¿Qué significa para tí el género del videoclip y la relación entre imagen y música?

Escucho mucha música, me gusta la cultura de la música popular comercial, videos musicales etc. En general, se utiliza mucha mas creatividad en los videos musicales que en un largometraje, el director es mucho mas libre a la hora de plantear el guión e innovar con nuevas técnicas. También pasa algo parecido con los cortometrajes. 

 

 



- Tu trayectoria está muy ligada al mundo de la animación, de hecho eres uno de los artífices de Animadeba, un Festival especializado en el género y que intenta mostrar los trabajos más significativos. ¿Cual es el espíritu de este certamen?

Animadeba es un festival de cine de animación que creamos hace 10 años para impulsar el cine animado para adultos ( sobre todo ). También hemos querido proyectar películas que el público generalista no está acostumbrado a ver, largometrajes y cortometrajes realizados con técnicas de animación que no son tan habituales en la cartelera de los cines. Educar y estimular a través del cine independiente animado es una de las razones principales de nuestro festival.

 



- Ya por último destacar tu faceta de cineasta con un trabajo tan destacado como I said I would never talk About Politics, un auténtico trallazo a lo políticamente correcto. Creo que, además estás preparando un largometraje donde intentas aunar ficción real y animación. ¿Puedes adelantarnos algo de este proyecto?

El cortometraje I Said I Would Never Talk About Politics  me ha abierto puertas para crear futuros proyectos en formato cine.

Indudablemente mi carrera artística va ligado al cine de animación, pero en este largometraje se van a mezclar imagen real y animación. Antes llegará el cortometraje que estamos preparando pero no puedo dar detalles todavía.

 

 


- Salvando las distancias pero cuando veo tus trabajos me recuerdan a cineastas como Ari Folman en Vals con Bashir... ¿Cuáles son tus referentes a nivel creativo?

Admiro Ari Folman por sus películas pero no ha sido mi mayor influencia. Como te decía antes, soy un gran seguidor de videos musicales, de directores que empezaron su trayectoria creando videoclips, instalaciones artísticas y de vez en cuando hacen alguna pieza para cine: Spike Jonze, Michel Gondry, Chris Cunningham, David Fincher... Por nombrar algunos. 

 Estos últimos años he tenido la ocasión de ir a muchos festivales de cine.

Precisamente os dejamos con "Beti bezperako koplak" (Coplas de una noche sin mañana) que ha sido preseleccionado para los Goya 2018.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   12.dic.2017 23:50    

Buñuel y Lagartija Nick: una provocación artística

Este año el Laboratorio de Creación de Abycine   ha surgido de la alquimia entre las incandescentes imágenes de Luis Buñuel y la música instintiva de Lagartija Nick.

Una propuesta que, un año más, ha armonizado con acertado pulso narrativo el realizador José Manuel Borrajeros.

 

Fragmento Laboratorio Creación Abycine 2017 (Lagartija Nick/Luis Buñuel/Jose Manuel Borrajeros)

 

Un maridaje extraordinario que ha conectado y retroalimentando universos creativos y que se presentó en el último Abycine 2017 y que ójala tenga un recorrido por otras salas de nuestro país (por lo pronto Antonio Arias tiene intención de grabar en estudio las canciones paridas para el Laboratorio).

Esta presentación además, coincide con el estreno del último disco de los granadinos: Crimen, sabotaje y creación, un trallazo a la mente y al corazón que nos conecta con los mejores Lagartija Nick, "seres cálidos" en permanente evolución.

 

Así pues, todos estáis invitados a esta entrevista en la que Antonio Arias (AA) y Jose Manuel Borrajeros (JM) nos acercan al proceso creativo de este fascinante proyecto que es el Laboratorio de Creación de Abycine 2017.

 

Buñuel + Lagartija Nick 02

 

-Antonio, ¿Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

AA: Fue una propuesta del festival Abycine. Me encantó la idea, tratar la figura de Buñuel me dio la oportunidad de profundizar en esa maravillosa generación del 27. Jose Manuel Borrajeros hizo unas ediciones de las películas y sobre ese montaje estuvimos trabajando.

- En cuanto a la relación con Lagartija Nick, ¿cómo surge la colaboración, ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

JM: Se produjo un salto telepático en un momento determinado y pensé: Lagartija Nick y Buñuel son una buena conjunción, me puse en contacto con Antonio y se lo propuse, cuando me dijo que sí empecé a trabajar por bloques en el montaje, y finalmente construimos nuestra propia visión del espectáculo cada cual aportando sus ideas, con tiempo y codo con codo, amplificando la obra. Trabajar con Lagartija Nick ha sido alucinante, es un grupo de gente admirable como personas y como artistas.

 

Resultado de imagen de LAGARTIJA NICK

 

- Esta vez habéis elegido el universo de Buñuel como material para el Laboratorio de Creación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor aragonés, imagino que ha sido una enorme complicación elegir entre su amplísima obra?

JM: Desde el Laboratorio de Creación-Abycine nunca habíamos abordado la filmografía de un director español. El universo de Buñuel es muy interesante por diferentes razones, por un lado hay muchos aspectos de su cine que lo sitúan en la modernidad más absoluta, diría que su cine es difícilmente superable por muchos directores actuales, o en caso de querer acercarse a sus constantes, éstas no dejan de estribar en eso que ha venido a llamarse Buñuelesco, es decir, una especie de calificativo de lo que él ya inventó.

 

Buñuel + Lagartija Nick 01

 

Por otro lado, hay una parte de su filmografía más social que me llamaba mucho la atención, situada en terrenos fuera de lo estrictamente surrealista, temas recogidos en cintas como LAS HURDES, LOS OLVIDADOS o NAZARÍN, que configuran una mirada muy instintiva sobre la pobreza y la supervivencia, y finalmente sobre la perversidad. Yo tenía catorce años cuando vi por primera vez LOS OLVIDADOS y SIMÓN DEL DESIERTO en un programa doble de TVE, recuerdo que lo que vi me dejó impactado y que discutí mucho con un amigo cinéfilo que afirmaba que la etapa mexicana de Buñuel era muy pobre cinematográficamente, supongo que lo decía porque el look visual de la época mexicana no tenía el aspecto tan cool de su etapa francesa, lo cual le llevaba a pensar que era un cine de peor calidad. Mi amigo no tenía ni idea de lo que estaba viendo, él veía un cine pobre, yo veía un cine rico. A mi aquello me cabreaba sobremanera, así que ahora me he tomado mi revancha privada. Las películas hispano-mexicanas de Buñuel son construcciones de infiernos terrenales que nos hacen ver que el surrealismo no es sólo algo propio de los sueños, elegí esta época de la filmografía de Buñuel para el montaje porque de alguna manera representa un mundo cercano al nuestro, España y Latinoamérica, que en muchos aspectos no ha cambiado prácticamente nada.

 

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-Sois una banda en el que el subconsciente juega un papel importante, algo en común con el mundo de Buñuel ¿cúal ha sido vuestra actitud a la hora de acercaros al universo del cineasta?

AA: Lo primero que hice fue buscar poemas de Luís Buñuel en internet, encontré seis y ahí vi el camino. Sus poemas son bastante lorquianos, eróticos y surrealistas, toda una gozada. Cantando sus textos podíamos interactuar sobre las imágenes completando su significado onírico, y al mismo tiempo generando distintos diálogos sobre las mismas.

-¿Cuál es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual?

JM: Siempre que abordo este tipo de trabajos suelo construir un guión de montaje. Previamente reviso toda la filmografía del director en cuestión y busco los lugares comunes entre una película y otra, de esa manera salen a la luz las pulsiones del director, entonces crece un hilo argumental, afluentes que guían al espectador a través de las diferentes secuencias, en el caso de Buñuel propongo un recorrido del resto de sus películas a través del cortometraje documental LAS HURDES.

 

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-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de las imágenes a modo de BSO?

AA: Aparte de sus poemas, mi mujer me regaló un libro de Max Aub sobre Buñuel, muy recomendable. Está hecho en forma de entrevistas y contiene un dvd con todas ellas, así que teníamos testimonios de primera mano. Uno de los audios son los veinte sueños más repetidos de Buñuel, ahí estaba todo su universo freudiano, ahí estaban bastantes de sus referencias fílmicas, todo un hallazgo. Estos sueños fueron la base para tratar la última parte del montaje de las películas que era “Un perro andaluz”.

- De la filmografía de Buñuel, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto? Por lo que he leído te centraste en su obra desde Un perro andaluz hasta Viridiana.

JM: Como he comentado anteriormente me he centrado principalmente en la etapa hispano-mexicana de la filmografía de Buñuel, que es una etapa de un cine más telúrico y polvoriento que el que supone la etapa francesa, la cual es maravillosa pero ofrece otro clímax y otro examen de otra sociedad: la burguesa. El recorrido por las películas de la etapa mexicana se pegaba muy bien al universo de Lagartija Nick o al menos así lo intuí desde el principio, cuando pensé en Lagartija para poner música al montaje. Hay algo telepático en este tipo de trabajos.

 

-Me viene a la mente vuestra obra magna "Val del Omar" alrededor de la inmensa figura del creador granadino, en ese disco ponéis en práctica sus tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este caso con Buñuel, ¿habéis encontrado alguna concomitancia, ha influido aquella relectura que hicístéis allá por 1998?

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AA: Val del Omar es un creador de música concreta formidable y un inventor tanto de sonidos como de aparatos increíblemente imaginativos para llevarlos a cabo. Nada que ver con el odio que Buñuel le tenía a abusar de la música en sus películas. Sabía por sus entrevistas que era un apasionado del jazz de los años veinte, temas como “Limehouse Blues” o el “Foxtrot” eran muy de su gusto. Sobre esas dos canciones compuse la música de los poemas que cantamos.

- De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?

AA: Para la puesta en escena teníamos la limitación del formato de las películas, 4:3. No podíamos interferir con las imágenes así que nos situamos a los lados, arropándolas, algo sencillo, como una especie de banda de jazz, sentados. Creo que podría funcionar en el futuro tocar en un foso, como las orquestas.


- Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto? Por ejemplo, el año pasado Los Pilotos presentaron su opus sobre Miyazaki en la Cineteca del Matadero de Madrid...

AA: Ya es un proyecto en sí muy atractivo como para guardarlo en un cajón, nos lo pasamos muy bien componiéndolo y ensayándolo. Tenemos previsto grabarlo en el estudio en diciembre y presentarlo en un futuro por supuesto.

 

 Os dejamos, finalmente, con esta entrevista que se hizo Lagartija Nick desde Abycine, donde cuentan algunas de sus pulsiones creativas, unas horas antes de presentarlo en el Teatro Circo de Albacete.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Cine , Música

Sarmient Peppers   21.nov.2017 18:37    

Juego de espejos

¿Cómo se come un videoclip de Julian Casablancas  junto a su banda The Voidz (‘Father Electricity’) íntegramente basado en las imágenes del documental "Lejos de los árboles" del cineasta Jacinto Esteva?

Pues la verdad que algo tan aparentemente distante casa muy bien, producto del talento de Jorge M. Fontana (dirección, producción y montaje) y de Martin Mur (dirección creativa, diseño y producción) que han sabido darle a la pieza una relectura que va más allá de lo estrictamente folclórico.

Hablamos de este fascinante proyecto con los artífices del mismo y os invitamos a visionar esta pieza demoledora en un crudo blanco y negro. 

 

 

-Lo primero de todo es saber cómo tú y Jorge diseñáis este proyecto audiovisual a partir de una canción de Julian Casablancas.

Jorge y yo seguimos los pasos de Casablancas desde hace algún tiempo. Más allá de su música, nos ha interesado el contenido gráfico-audiovisual que ha desplegado hasta ahora, que por su visión y su tono crítico, han sido una serie de decisiones que hemos admirado y respetado. En 2014, Jorge visita una retrospectiva de Jacinto Esteva Grewe y queda impregnado por su obra. Además coincide que por esas fechas, escucha el álbum de Tyranny día y noche en modo loop con una obsesión meticulosa. Una mañana se despierta con los retazos de un sueño que le mantienen en ascuas durante horas, en una lucha con la memoria tratando una y otra vez de volver a ese lugar confuso y descifrar lo que ha vivido durante esa noche. En ese proceso de regresión, consciente o inconsciente, ya no importa, las imágenes de ‘Lejos de los árboles’, y el sonido de The Voidz y Casablancas se funden en una misma voz, un desgarrador mensaje que parece provenir de un mismo lugar. Es sólo la imagen de un sueño, pero ya una asociación indivisible en su cabeza. Poco después, Jorge consigue el material del documental en internet y lo edita con la música, dando por fin forma a esa cantinela en su cabeza. Yo veo un mensaje suyo desde un ciber en Perú en el que adjunta un primer borrador del videoclip a una resolución nefasta, pero que es una maravilla. Una joya en bruto que parece que lleve años tratando de salir a la superficie.

 

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- Entiendo que no es un encargo sino que lo hacéis de motu propio y me gustaría que me contarás cómo llegáis al artista y cuál ha sido su reacción al ver el videoclip.

Si. Ha sido un proyecto surgido completamente de iniciativa personal. Cuando tuvimos terminada una primera versión del montaje escribimos a Cult Records con la pieza, al equipo parece que les gusta mucho y proponen que hagamos de él un Lyric Video. La propuesta la recibimos como una carta blanca y da el pistoletazo de salida para la producción. Nos embarcamos y el proceso de creación dura algunos meses antes de tener algo definitivo ya que le dedicamos el tiempo que podemos. Al terminar, sin embargo, volvemos a ponernos en contacto con Cult Records, llamamos a números de teléfono distintos, erróneos, y pasan algunas semanas hasta que por fin damos con Nasa Hadizadeh, responsable de proyectos. A ella le le encanta la pieza y es quien se encarga de mostrárselo a Casablancas. Tras el visionado de la nueva pieza por parte de Casablanca y su equipo, nos transmiten su entusiasmo e intención de publicarlo. Al mismo tiempo, Daria Esteva llega a un acuerdo junto con la Filmoteca de Barcelona y la distribuidora Cameo para publicar por primera vez la filmografía de su padre. Anunciando que ésta se realizará a lo largo del año 2017 y que la edición de “Lejos de los árboles” incluirá en exclusiva el videoclip: “Father Electricity”.

- Se trata de una pieza basada en el found footage a partir de un documental de Jacinto Esteva, ¿qué os llevo a seleccionar ese largometraje y cuál ha sido la labor de selección de imágenes de archivo?

No fue una selección premeditada. Fue un encuentro fortuito que se cruzó en nuestro camino. Acabo de ver recientemente la película “La cueva de los sueños olvidados” y fue algo así como descubrir una cueva de pinturas rupestres, legado de nuestra huella y nuestro paso, en este caso fotogramas de nuestra historia reciente durante algunos años extraviados. Volver a exponer esas imágenes a una nueva luz y acompañarlas de algún modo al presente fue como una misión que vino como una suerte de regalo. La labor de selección de imágenes vino dada por un pulso entre el ritmo, la música y las imágenes, hasta que todas las partes encontraron su lugar en su debido momento. En cuanto a éste proceso y el de todo el proyecto podríamos decir que en grandes rasgos perseguimos algo que ya era, que ya existía, hasta dar con ello y descubrirlo.
“Todo el mundo lo sabe: la libertad no existe (aunque todos tenemos la vaga esperanza de equivocarnos). Pero existen pequeñas libertades como, por ejemplo, escupir”. Jacinto Esteva Grewe

 

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-Supongo que en este caso habéis contado con la colaboración de la familia y herederos del cineasta para poder usar con libertad el metraje ¿En qué ha consistido esa colaboración con los propietarios de los derechos de la película? Creo que su hija Daría Esteva jugado un papel fundamental...


En efecto, Daria Esteva ha jugado un papel imprescindible y formó parte del proceso desde el principio. Jorge contactó con ella y ella le invitó a su productora (Unicamente Severo Films). Una vez ahí Jorge le explica su plan de realizar un videoclip basado en la película de su padre. Daria Esteva se queda unos segundos en silencio y pregunta si puede escuchar la canción. Jorge había traído 'Father Electricty' en un reproductor y le ofrece a Esteva un auricular y luego el otro, y a los 7 minutos y pico, terminada la reproducción, se los quita solemnemente y dice: “Me parece horrible... Pero precisamente por eso tengo curiosidad de ver qué es lo que tienes metido en la cabeza”. A pesar, creo, de cierta incertidumbre por su parte, e imagino que por el gesto de respeto hacia la obra de su padre, dio un voto de fe y aceptó la propuesta.
Semanas más tarde volvemos a encontrarnos con Daria Esteva para que vea la pieza re-editada y ensamblada con la música. Al terminar el visionado, en su temple particular y midiendo sus palabras justas dice: “La pesadilla se ha multiplicado”. Cómo si las imágenes tan reconocidas y cercanas para ella hubiesen cobrado, en este formato, un nuevo significado, amplificado, quizás más aterrador e inquietante. Para nosotros claramente fue un gran halago, quizás el mejor que podría habernos dado.
Esta semana entrante hay una presentación en la Filmoteca de Catalunya en la que presentan la obra de Jacinto editada en DVD, así que será un buen momento para clausurar el proyecto a modo de evento oficial.

 

 

-Entiendo que una de las dificultades ha sido seleccionar entre tanta imagen potente, cuál ha sido vuestro criterio y sobre todo qué ha sido primero la imagen o la música a la hora de armar el montaje?

 

Ha sido sobre todo un proceso visceral, instintivo. Nunca ha primado más la música o la imagen sino más bien una armonía que fluctúa entre ambos. Inmerso en un proceso de éste tipo, en la turbulencia de unas imágenes con tanta fuerza y bajo el peso de una canción como 'Father Electricity’, lo que hicimos fue tratar de respetar lo que cada uno retrata y paso a paso, fuimos hilvanando un discurso que diese el protagonismo a cada cosa en su momento preciso, tanto a la imagen como a la música, a veces conducidos por la narración de uno y a veces por la del otro. Nuestro trabajo ha sido de pura manipulación, tratando sobre todo de escuchar lo más atentamente posible el material que nos venía dado. Philip Glass dijo en una declaración que cuando compone no piensa en la estructura, ni en la armonía ni en el contrapunto, ni en nada de lo que aprendió, sino que piensa música. Algo similar sucede en el proceso de montaje, un ritmo interno guía la pauta y cuando eso no te ayuda utilizas otro juego de herramientas, quizás más objetivas, pero a fin de cuentas escuchar lo que te cuentan las imágenes o lo que te pide la música es creo lo más importante. Y así fue con el juego de espejos entre la música y la imagen, la realización de los lyrics, etc. Lo más maravilloso es que éste minucioso trabajo de diálogo y costura entre lo sonoro y lo visual a veces te brinda hallazgos y errores dónde el encuentro de ambos te revela nuevos significados, nuevos caminos no preconcebidos que pueden redefinir por completo la intención de las imágenes y en definitiva convierten éste proceso en una de las partes más sugerentes del proyecto.

 

 

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-El videoclip ha tardado prácticamente 2 años en ver de la luz y el disco de Casablancas está publicado también hace tiempo, porque tanto tiempo en estrenarse? Al igual que el documental de Jacinto que estuvo muchos años en el ostracismo parece que ha sido un parto doloroso…


Habían pasado meses del lanzamiento de Tyranny cuando parecía que el presunto videoclip oficial de Father Electricity no llegaría a formalizarse, y dada la situación, se dió el encuentro, surgió la idea y más tarde la propuesta, la proposición a Cult. Imagino que habrían tenido en mente hacer una pieza para esa canción con lo que recibieron nuestra propuesta con los brazos abiertos aunque ya hubiesen pasado algunos meses desde el lanzamiento del álbum. Ha sido sin duda un parto lento. Y también doloroso. Cuando Cult Records propuso a Jorge llevar a cabo el Lyric Video, Jorge me contactó para hacer frente a la nueva fase del proyecto y hacerme cargo de la concepción gráfica de la pieza, en búsqueda de una solución que dialogase tanto con el contexto histórico de las imágenes como hiciese referencia al universo de Voidz. A partir de allí nos zambullimos en un estudio de distintas técnicas artesanales gráficas para formalizar el universo visual de la pieza. Dedicamos días a experimentar con los caracteres y el valor expresivo concreto de cada una de las palabras de la canción. Hicimos pruebas animadas de rotoscopia, nos obsesionamos con el trazo vivo y alegre con el que Picasso delinea el elegante toro del documental de Clouzot, practicamos una caligrafía propia de un trazo analfabeto, desgarrado y psicótico. Proyectamos las letras retro-iluminadas sobre la imagen, dibujamos los caracteres con tubos dispensadores de chocolate para pasteles, arrojamos líquidos sobre papeles de arroz pintado y un largo etcétera. El estudio se llenó de papeles, pinturas, plásticos, jeringas y bisturíes, hasta que no cupieron ya más testimonios del ensayo y error. Incluso pensamos en hacer cada frase de la canción con una técnica distinta. Finalmente volvimos a nuestro cauce y dimos con una técnica que respondía tanto a las imágenes como a la música, conviviendo con ellas sin entorpecer su lectura. Fue un proceso delicado por la mera razón que intervenir sobre las imágenes tenía siempre el riesgo implícito de interrumpirlas o la posibilidad de eclipsarlas, hecho que queríamos evitar.

 

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Siendo algo reduccionistas esta narración audiovisual de “Father Electricity” podríamos entenderla a modo simbólico como el retrato del fin de una era, el fin de la era del fuego y el principio de la era tecnológica, el padre de la electricidad. Nuestra última solución gráfica, fue retratar estos últimos vestigios de fe y tradición utilizando el propio fuego, revelando las letras sobre la imagen con una llama parpadeante muy cerca de su último fin. Fue una idea que nos funcionaba muy bien tanto a nivel conceptual como a nivel estético y así lo aplicamos a todo el video, haciendo que las palabras apareciesen a la vez que ya empezaban a desaparecer. Una vez estuvo terminada la propuesta la entregamos y muy a nuestro pesar la propuesta fue declinada. El equipo finalmente redirigió la solución hacia unos subtítulos más discretos que reposasen en la parte inferior del cuadro. Tras el momento de duelo y asumir que nuestra interpretación quedaba relegada, daño colateral cuando pasa a ser un encargo, terminamos la propuesta cómo nos la habían pedido y la entregamos a Cult Records.
Luego vino además una última etapa, de ultimar detalles, con una expectación infinita y una comunicación imposible, que pospuso la entrega algunos meses más de los esperados. Parece que “Father Electricity”, como sucedió con el largo rodaje y las múltiples versiones de montaje de “Lejos de los Árboles”, no hubiese sido posible de otra forma, sin este forcejeo, sin estas desviaciones y deambulaciones a veces desesperantes, a veces reveladoras, tan propias del proceso de la gestación.

 

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Lo más fascinante del proyecto fue la primera etapa en la que nos dimos el tiempo y el espacio para experimentar con lo que nos sugirió el propio proceso de búsqueda hasta dar con la solución última y definitiva, a pesar de que ésta no haya terminado siendo elegida como definitiva. La podéis chequear si os interesa en el siguiente enlace, que a pesar de su estado primigenio transmite, creo, la esencia de la visión original.

 

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-Por cierto, Lejos de los árboles es un documental abrupto y a flor de piel que nos recuerda a obras de Val del Omar, Buñuel ...en breves palabras ¿qué significa para vosotros esta pieza que sin duda es una obra fundamental de la cinematografía española y una carga de profundidad en la línea de flotación del régimen de los años 70?


Las imágenes del documental, cómo tantas otras de pensadores y creadores coetáneos, están impregnadas de un ímpetu rebelde y un espíritu insurrecto que trata proponer una vía alternativa a lo que el lenguaje audiovisual estaba ofreciendo.

 

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Honorando la intención de Esteva y sin duda la de los visionarios cómo los que mencionas, nos honra pensarnos como acreedores o misionarios de esa voz insumisa que trata de reavivar en el imaginario colectivo una alternativa y una lectura más profunda de nuestra identidad, muchas veces oculta en favor de una apariencia más progresista y pulcra de nosotros mismos. Los ritos atávicos y las costumbres retrógradas que se muestran en el documental no son una visión de un pasado oscuro, bárbaro e ignorante sino que nos muestran hasta qué punto es oscura nuestra alma moderna. Que las personas de hoy son en realidad las personas de entonces y que tan sólo han cambiado sus hábitos y costumbres de exorcizar la culpa y el miedo. Ésta es una simple impresión de las que pueden sugerir estas imágenes. Hay un ensayo recomendable, escrito por Manuel Delgado llamado “El Arte de Danzar sobre el Abismo” donde, entre otras muchas cosas, el antropólogo renuncia de la lectura trivial de la película como una exposición de lo ancestral y antiguo de España, y apuesta por una lectura sobre la alteridad y lo alterno. Para aquel que le interese, es un texto revelador. Norberto Chaves, amigo, ensayista y docente, al ver la pieza comentó algo muy en sintonía con la anterior lectura: “Todos esos ritos - monstruosos desde nuestra ética - no son sino liturgias para exorcizar la muerte. O sea, constituyen la manifestación más profunda y trágica de la cultura. Poco a poco vamos desprendiéndonos de ellos. Poco a poco, va creciendo una pregunta alarmante: ¿qué ritos estamos poniendo en el vacío que aquéllos dejan? Pues el horror a la muerte sigue intacto, quizá lo único que ha quedado intacto desde el primer hombre.” El logro definitivo ha sido que las imágenes puedan ser vistas, comentadas, y en definitiva poder provocar e invitar a alguna que otra confrontación ideológica.

 

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-Ya para acabar me gustaría saber si tenéis algún proyecto más en cartera o cuáles son vuestros planes audiovisuales de futuro.


De momento vamos a seguir dedicándonos a la expresión audiovisual, cada uno con su propias herramientas y tratando de dinamizar nuevas ocasiones para colaborar juntos en proyectos cómo éste, y de otros tipos. Sí hay una colaboración conjunta con la banda todavía confidencial respecto al nuevo disco, pero que pronto podremos ver en las redes. Agradecemos mucho vuestro interés. Os mantendremos al día!

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    7.nov.2017 13:05    

Soundie 2017: diversidad audiovisual

Soundie 2017 se revela como una de las citas ineludibles del panorama de videoclips en España.

El Festival tiene un carácter internacional y además premia varias categorías entendiendo el formato videoclip como una obra coral.

Además, Soundie, que se ha celebrado el 20 y el 21 de octubre en Barcelona, va más allá de un mero certamen de videoclips y ha organizado talleres, charlas y workshops alrededor del video musical.

A continuación destacamos algunos de  los vídeos triunfadores y os remitimos el palmarés completo en el que podéis encontrar auténticas joyitas.

 

MEJOR VIDEOCLIP INTERNACIONAL

Leningrad – Kolshik

Director: Ilya Naishuller

 

MEJOR VIDEOCLIP NACIONAL

Reyko – Spinning Over You

Director: Josep Prat Sorolla

 

 

MEJOR VIDEOCLIP CATALÁN

Beck – Up All Night

Director: Canada

 

 

Además, os dejamos con una entrevista a Mireia Badía, una de las responsables del certamen, en la que nos descubre algunos de los secretos de este Soundie 2017:

-Ya es la segunda edición de Soundie, ¿qué elementos más novedosos habéis introducido tras la experiencia del año pasado?

Lo primero destacable sería que el evento pasa a celebrarse durante dos días en lugar de uno y lo segundo sería que este año damos entrada al apartado PRO de Soundie. Es una muestra inicial de lo que pretendemos abarcar en el futuro, pero consta de talleres, ponencias, charlas profesionales y una sesión de networking.

-Hemos comprobado que no sois un simple festival que proyecta y premia videoclips sino que además organizáis conciertos de formato corto, realizáis talleres y planteáis una propuesta divulgativa. Empezemos por los conciertos, este año habéis tenido propuestas que van desde Amparanoia, pasando por Xarim Aresté, Enric Montefusco, Dj Delafé... ¿Con qué criterio habéis seleccionado este cartel?

Intentamos reflejar la diversidad musical subyacente a la diversidad audiovisual que vemos en los proyectos presentados.

 

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-En lo estrictamente relacionado con el formato videoclip, contadnos ¿cómo ha sido la participación este año teniendo en cuenta que sóis un certamen internacional? ¿Qué tendencias estéticas y tecnológicas habéis detectado en el panorama del videoclip actual?

La tendencia que se destila de la gran cantidad de videoclips que hemos recibido es, por una parte, una gran apuesta por integrar nuevas tecnologías (Realidad Virtual, 360º, grandes efectos especiales, etc.) y, en contraste con esta, una vuelta a los fundamentos o un homenaje a estéticas antiguas o vintage. De algún modo los estilos se han polarizado y eso ha creado un panorama muy interesante y variado.
Respecto a la fotografía global del sector, esa tendencia se ve tanto en la producción local o nacional, como en el resto de mundo, aquí estamos a la última en lo que a industria del videoclip se refiere y, en ese sentido, no ha una diferencia significativa con el resto del planeta.

 

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-Nos ha llamado también la atención las diferentes y variadas categorías que se premian, ya desde la primera edición. Todo un detalle que se valore el trabajo de los diferentes miembros del equipo, y algo no muy habitual en los certámenes de videoclips...
El objetivo de esta variedad, radica en el interés de potenciar no solo la cantidad sino la calidad de la producción de videoclips que se dan en el panorama nacional y ello lo podemos conseguir con el estímulo e incentivo de las diversas unidades creativas que conforman un proyecto audiovisual, razón de ser de estos premios.

- Como ya hemos señalado, nos interesa mucho las actividades paralelas que se han organizado, de modo sintético contadnos en qué ha consistido la sesión de Networking, así como las diferentes ponencias y el Panel Profesional.

La sesión de networking en esta primera edición ha sido atendida por: Realizadores y/o productoras audiovisuales, Artistas, Sellos discográficos y Estudiantes (realización, video, dirección cinematográfica, etc.) Todos ellos tienen sinergias y necesidades entre ellos. Los realizadores o productoras buscan artistas para desarrollar su próximo proyecto, los artistas buscan realizadores para hacer sus videoclips y los estudiantes buscan participar y aportar carga de trabajo en estas producciones. La sesión ha consistido en unos juegos de dinamización que han permitido interactuar entre toda esta gente y plantear sus proyectos a futuro. El objetivo es que en el futuro esto pueda convertirse en un mercado donde los profesionales puedan interactuar, formarse y hacer negocio en torno al videoclip.

El panel versó sobre el nacimiento de una nueva cultura en las plataformas digitales dirigida al género “trap” con la participación de destacados actores y representación del canal VEVO, en la figura de Ramón Pascual (Head of Spain at VEVO), Kokos Ackee, joven realizador del barcelonés Polígono Canyelles que con sus técnicas de guerrilla está rompiendo esquemas en el mundo audiovisual alternativo, Alicia Álvarez Vaquero (Periodista e Investigadora) Dra. en Narrativa Audiovisual y periodista musical, co-directora del documental “BCN, ¿Sello discográfico?” estrenado en el IN-EDIT de la edición 2014, y el artista Damed Squad, quizás uno de los artistas del género con mayor proyección internacional en lo que a Trap Music se refiere.

Las ponencias se centraron por un lado en el aspecto de financiación de proyectos, bajo la tutela de Ulule, donde explicaron casos reales de financiación de videoclips mediante el crowdfunding y por otro lado en el aspecto creativo a cargo de la directora Lyona.

 

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-Ya por último, queremos destacar el Taller video 360º dirigido por Andrés Tosti, ¿en qué ha consistido, creeis que el 360º es una tendencia pasajera o ha venido para quedarse e implantarse cada vez más?

El taller, además de Andrés Tosti, también contó con la colaboración de SAE Institute y entre ambos dieron unas pinceladas a nivel teórico de lo que es la técnica de grabación en 360º y se realizó también una parte práctica grabando en 360º a uno de los grupos que realizaron un showcase.

 Creemos que esta tendencia seguirá evolucionando y no se trata de una moda pasajera, ya que hay avances continuos en las técnicas que empiezan a entremezclar realidad y virtualidad lo que hace ganar sensaciones y mejorar la experiencia del usuario. Existe en el mercado una batería de artilugios y gafas 3D de muchos fabricantes que no hacen sino que confirmar la tendencia al alza.

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   24.oct.2017 22:06    

Miraruido: Green Day y mucho más

Joseba Elorza (aka Miraruido) es un mago del collage con un imaginario personalísimo que es capaz de transmitir su universo incluso a un trabajo de encargo.

Seguimos su pista desde hace años y su trayectoria creativa ha ido en crescendo; era cuestión de tiempo que llegaran proyectos cada vez más ambiciosos.

Ahora nos sorprende con un excepcional lyric video nada menos que para Green Day, pero no sólo eso... En este tiempo ha habido videoclips para Berri Txarrak, corporativos para National Geographic, documental web para la cadena Univisión y mucho más... Nos lo cuenta en este ARS.

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-Joseba, han pasado casi tres años desde que nos fijamos en tu obra artística, en este tiempo has evolucionado con nuevas piezas realizando  interesantes videoclips, documentales, promociones...Empezamos por lo  más reciente y llamativo, un lyric video para Green Day - Too Dumb To  Die. ¿Cómo surge este proyecto para una banda de proyección  internacional como esta?

Me contactaron desde Warner proponiéndome hacer el lyric video de “Too  Dumb To Die” de Green Day. Yo en ese momento estaba terminando unas animaciones para un par de capítulos de la nueva serie de Amazon, “Lore”, y por diferentes circunstancias, el proyecto se estaba alargando  más de lo previsto. Así que ya me veía teniendo que rechazar una propuesta tan jugosa como la de hacer un vídeo para Green Day. Por  suerte, no tenían prisa y pudieron esperarme. Uno nunca sabe cuándo le va a volver pasar otro tren parecido, siendo éste precisamente uno de los problemas de trabajar solo, que por limitaciones obvias, acabas trabajando en unos pocos proyectos al año y no siempre es fácil gestionar la agenda; a veces te encuentras con propuestas jugosísimas que te pillan en mitad de otros proyectos y tienes que decidir entre rechazarlas o directamente no dormir.

 

 

-No es la primera vez que la banda californiana recurre a un realizador de aquí, este mismo año reseñábamos el videoclip-collage que el gallego Manu Viqueira hizo para la canción Troubled Times.

¿Conoces esta experiencia? En el caso de Manu, Devin Sarno de Warner fue el que mostró interés por su obra y le hizo el encargo, ¿cómo fue en tu caso?


Sí, ya había visto tanto el vídeo de Manu como los demás lyric videos  que han hecho con motivo del último álbum de la banda, en los que claramente siguen cierta estética concreta. De hecho otro español, Antoni Sendra, hizo uno de ellos, el de la canción que da nombre al álbum, “Revolution Radio”.

Tengo que reconocer que antes de recibir el encargo, yo veía desde la barrera y no voy a negar que con cierta envidia, cómo Green Day tiraba del collage para unos cuantos de estos lyric videos (como en “Bang Bang”, hecho por el brasileño Ariel Costa, animador al que admiro, o los antes mencionados), y el día que me lo propusieron solté un “por fin” para mis adentros de lo más liberador.

Efectivamente, en mi caso también fue Devin Sarno, de Warner, el que contactó conmigo y el que ha sido el hombre puente entre la banda y yo. Me presentaron estos otros vídeos que ya habían hecho pero me dijeron que tenía total libertad para hacer lo que quisiera. La única premisa era que, de un modo u otro, los 3 miembros del grupo debían aparecer en algún momento en pantalla.

 

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- En este sentido, ¿cual ha sido la relación con los miembros del grupo, ha habido feedback con ellos?


Como decía, yo no tenía contacto directo con la banda sino que todo se hacía a través de Warner. Según me decían, el trío quedó muy satisfecho con el resultado y eso a mí, que soy muy crédulo, me vale.

De todas formas, mirándolo en retrospectiva, ha sido un trabajo muy sencillo, más de lo que pudiera haber imaginado antes de empezar; confiaron plenamente en mis capacidades y me dieron total libertad para hacer lo que yo quisiera. Tanto es así, que no tuve que hacer ni un solo cambio con respecto a la propuesta que les mandé, y esto no es para nada habitual.

Por la experiencia que ya voy teniendo (sin fliparme, poca todavía), me va quedando claro que cuanto más grande es el cliente, más control suelen querer tener sobre el resultado final, y eso generalmente supone más entregas, cambios… Y en este caso ha sido más bien al contrario, más fluido imposible.


-A nivel estético, haces gala de tu estilo intransferible, con un dominio impecable del collage. ¿Cuál ha sido tu planteamiento a nivel estético y narrativo?


La parte narrativa estaba clara desde un principio; has de seguir la historia de la canción, y más en un lyric video, que tienes la letra presente en pantalla todo el rato. Cualquier disonancia entre mensaje e imagen resulta rara, a diferencia de un videoclip tradicional, donde puede haber más libertad interpretativa por parte del director.

Por eso intenté confeccionar, a nivel estilístico, un collage algo más simple del que suelo elaborar, pensando en que la canción era bastante  rápida, había que representar muchas ideas en pantalla y más me valía mantener las cosas simples para asegurarme mantener el ritmo. En ese  sentido, me tomé el vídeo como una sucesión de escenas que intentaran representar en pantalla lo que yo entendí quería decir la letra, pero intentando no sobrecargar ninguna, cosa que no siempre es sencilla; en ocasiones me cuesta horrores saber cuándo parar de añadir elementos a un plano.

 

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-Sin ánimo de polemizar, ¿No crees que en el género del lyric video, en ocasiones las letras pueden distraer del conjunto y limitar la creatividad?


Si me dieran a elegir entre videoclips tradicionales y lyric videos, elegiría los primeros sin dudarlo ni un segundo. No sólo porque, como dices, la letra puede ser un elemento algo distractor de más, sino porque personalmente lo paso mal trabajando con textos. Es algo que siempre se me ha dado mal (o es mi percepción), elegir tipografías, sus colores, disposición, tamaño… Y se ha convertido en un hándicap para mí. Pero las bandas y las discográficas se han dado cuenta del filón que son estos lyric videos; invierten menos dinero que en videoclips  tradicionales y sin embargo consiguen millones de visitas en sus canales 
oficiales. Seguiré haciendo lyric videos si se presentan proyectos  interesantes, pero sí que prefiero el videoclip tradicional.

 

 


-También en estos últimos meses has creado piezas muy originales para Berri Txarrak, en las que integras de una manera armoniosa las imágenes de archivo, el collage, el paisaje y los espacios abiertos... Cuéntanos, a grandes rasgos, qué relación creativa tienes con la banda vasca.


Allá por 2014 les hice las ilustraciones y el diseño de su triple álbum “Denbora da poligrafo bakarra” y desde entonces hemos seguido colaborando de la mano con 3 videoclips. Lo cierto es que cuando me contactaron en un principio, no sabían que también hacía animaciones (en realidad casi acababa de empezar), así que cuando vieron alguno de mis vídeos, me dijeron que por qué no seguía con la estética del álbum y les hacía un videoclip para uno de los temas. Aquello funcionó y después vinieron otros dos. Se han convertido en uno de esos clientes con los que no te limitas a un sólo trabajo sino que se crea cierta conexión que acaba siendo muy fructífera y beneficiosa para ambas partes.

  

 


-Ya por último, quería que nos comentaras tu proyecto The New Promised Land, una serie documental comprometida con los refugiados sirios.


Esto fue para un documental-web que prepararon desde Univision hablando de la situación de los refugiados sirios y su odisea al salir del país. 
Me pidieron que plasmara en imágenes la narración de una refugiada que contaba de primera mano los estragos de la guerra, su huida en barco y la dificultad para empezar una nueva vida fuera de su país, todo ello apoyado en material real (fotos y vídeos) tanto de la guerra en sí como del éxodo.

Más allá de la carga emocional que intentamos reflejar en los vídeos, fue una oportunidad de trabajar de una forma algo más alejada del collage convencional que venía haciendo últimamente.

 



-Y para acabar, una breve mención a tu spot para National Geographic, una joyita que nos ha fascinado y en la que has dado rienda suelta a tu fantasía…


Fueron 5 piezas cortas para conmemorar el 15 aniversario del canal en España y una oportunidad de oro para eso mismo, dar rienda suelta a la fantasía. National Geographic es una marca con un bagaje brutal, con unos conceptos detrás muy definidos, y representar en unos pocos segundos todos ellos no fue sencillo, pero creo que logramos transmitir bien los valores del canal mediante el collage. Yo al menos quedé satisfecho en su momento y, qué demonios, ver en la tele unas animaciones tuyas siempre te da cierta satisfacción, de lo más tonta y efímera, pero satisfacción al fin y al cabo.

 

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   11.oct.2017 13:01    

Rosas en el mar: Igualada en Filipinas

Han pasado más de cuatro años desde que reseñáramos en ARS (A Rienda Suelta) el videoclip "Mi fábrica de baile", un auténtico trallazo dance de Joe Crepúsculo, realizado con talento por Emilio Rebollo.

 Ahora, en el verano de 2017, vuelve a reencontrarse el tándem artístico y dan a luz "Rosas en el mar", una pieza en la que Joe se erige en demiurgo de Karaoke y asistimos a un auténtico melodrama asiático audiovisual.

Puesta en escena cuidada, interpretación exquisita... en el video musical se consigue recrear el ambiente de Filipinas si salir apenas de Igualada.

Ingenio y talento al servicio del videoclip. Esto y más nos lo cuenta Emilio Rebollo en esta entrevista para ARS.

 

- Emilio, repites videoclip con Joe Crepúsculo, después del mítico "Mi fábrica de baile".¿Cómo ha sido la colaboración en este caso para "Rosas en el mar”?

Se unieron varios factores, en ese momento concreto sabía que Joe estaba terminando su ¨Disco Duro” así que hablé con él . Me había quedado con las ganas de hacer un video clip para ¨Flor de Luz¨, un tema del disco Nuevos Misterios que al final se quedó en el papel. Joe me envió ¨Rosas en el Mar¨ y con la primera escucha me sorprendió lo diferente de la propuesta. Me quedé escuchándola una y otra vez a medida que lo hacía más me gustaba. Esbocé una primera idea que es la que al final está en el clip se la envié Joe y le gustó. Por otro lado Juan Blanco productor de Blua tenía interés en producir una pieza, así que le comenté lo que tenía entre manos y le entusiasmó.Todo fue a pedir de boca como se suele decir. No siempre sucede así. 

 

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 -Se trata de un "melodrama asiático" con un look y fotografía muy especial. ¿Cual ha sido tu planteamiento estético y dramático a la hora de adaptar la canción de Joe?
Todo parte de un lugar concreto que existe en la calle donde vivo. Suelo ir a comer a La familia del Raval, un restaurante filipino donde te sirven un chop suey que está muy bueno. En alguna de estas ocasiones me he visto rodeado por una familia que cantaba karaoke y enloquecía celebrando un cumpleaños. Claro, te puedes imaginar el despliegue de color, luces y sonidos que hay en esas celebraciones. De ese recuerdo es de donde creo que se me ocurrió la idea de trabajar con filipinos. Luego vienen las referencias cinematográficas a Hou Hsiao-Hsien y su Millennium Mambo y una luz muy cercana a la que propone Nicolas Winding Refn e incluso a Raya Martin director propiamente filipino o a un grupo de música también filipino que descubrí hace años llamado Eye-dress. En el fondo yo lo que quería era ir a Filipinas a rodar el clip pero claro se lo comenté al productor y me dijo: ¨tengo una localización en Igualada que te va a flipar¨  y sí sí que me gustó y finalmente rodamos una parte del clip en Igualada y me olvidé de lo de ir a Filipinas

 

Karaoke

 

Rosas en el Mar es una canción sofisticada y claramente nocturna, eso lo podemos apreciar tanto en la letra como en el tempo. La noche tiene algo que me interesa mucho a nivel visual así que el clip tenía que tener ese look como bien dices con una fotografía especial. Maite Astiz directora de fotografía ,-que ella sí que había estado no hacía mucho tiempo en Filipinas- me propuso tratar los espacios diferenciándolos por colores, así el rojo representaba la amenaza y los azules y amarillos estarían más relacionados con esa idea de esperanza que tiene la protagonista; en el bar se iría mezclando todo ya que es el lugar de encuentro entre los tres personajes principales y Joe . Maite  decía una y otra vez: ¨aquí hay que poner más leds¨ y Alba Urgell que en ocasiones ella era todo el departamento de arte pues los ponía. Ambas realizaron un trabajo impecable.  Así fuimos dándole forma a lo que entendíamos que tenía que ser la estética que contara este ¨melodrama asiático¨ . Para ir en sintonía con el look fotográfico, el atuendo de los personajes debería estar a la altura y Vicente Campillo consiguió integrar y definir a los personajes marcando el carácter de cada uno de ellos de una manera muy precisa.  No sé si esto responde a la pregunta pero supongo que es una multitud de factores, unos más conscientes y otros menos, los que determinan en definitiva como me planteé las imágenes que debían ilustrar un tema tan especial como Rosas en el Mar.

 -Llama la atención el triángulo de actores-actriz con Crepúsculo como demiurgo ¿Dónde habéis ido a por los intérpretes y cual ha sido la consigna para ellos?

 

Trio asiatico


Esta fue la parte más dura, en un inicio quería trabajar con filipinos no profesionales. Diseñamos carteles y digo diseñamos porque Jola Wieczorek - amiga y directora- y yo, nos dedicamos a ir por bares y restaurantes filipinos tratando de reclutar a gente para el casting. Al final pasa lo de siempre, el tiempo se te echa encima y no llegas, acabamos desesperados. Finalmente conseguí el teléfono del director de casting Edu Perez y me salvó, le estoy muy agradecido la verdad.  Conocí a Vanessa Castro la protagonista femenina y quedé encantado; si te soy sincero era igual que los dibujos que había realizado Pedro Espinosa para el story así que todo cuadraba. Luego vinieron Santi Kim y Daniel Kao que cerró el triángulo que daría vida a la historia. Con Crepúsculo la idea vino a raíz de un cuadro que descubrimos en el bar de Igualada -sí esa locali-zación que desmoronó todos mis planes para rodar en Filipinas-.  Se trataba de un cuadro en el que había un lago pintado al óleo, me gustó mucho y decidí que él interpretara la canción con ese fondo. Joe nos cuenta la historia desde el karaoke. 

 

Crepusmonitor

 

-Ya para acabar, aunque no te prodigas mucho con el formato videoclip, también has realizado una pieza para "La banda municipal del Polo Norte", en este caso producida por Malditos Produce. Danos unas pinceladas sobre este proyecto, con ese look tan bailable y ochentero.
Con la Banda municipal del Polo Norte fue diferente, el artífice de todo y al que estoy muy agradecido fue Marc Torrell baterista del grupo, él había visto el trabajo realizado con el clip de Mi fábrica de baile y se puso en contacto con Andreu Vidal y conmigo para hacer un video clip sobre el tema ¨Bailando Mal¨ del álbum Calor.  Ese fue el punto de partida, a continuación vino el toro mecánico, el nerd,el guante de Michael Jackson, las luces negras, el acuerdo en la cocina, el grupo en la bolsa, el cuerpo de baile, en positivo, en negativo, los hombres de traje, el juego de cartas y tantos otros elementos bañados en una luz difusa y aterciopelada obra de Miquel Prohens, todo esto, para referirnos a una Europa raptada y en decadencia que quiere que todo el mundo baile mal, con un toque ochentero y con una banda de música brillando a golpe de filtros promist. 
 

Claqueta

 

-¿Algún video musical más en cartera o proyecto musical confesable digno de mención?

No tengo ningún proyecto de video clip por ahora, pero todo puede cambiar, si alguien me ofrece rodar en Filipinas yo me apunto. 

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Sarmient Peppers   12.sep.2017 01:57    

Pablo Maestres: maestro de sueños

 

 Pablo Maestres, uno de nuestros "niños prodigio" predilectos en ARS, nos ha vuelto a sorprender con un videoclip fascinante para los franceses Polo&Pan.

Rodeado de un magnífico equipo, Maestres hace gala de un pulso narrativo y un gusto estético admirables que le están catapultando como un realizador de referencia con voz propia.

Son ya varias las reseñas que hemos hecho sobre el autor y reconocemos que no nos cansamos de analizar y apreciar su obra.

Nos adentramos sin más dilación en su última creación plena de sensualidad y glamour, evitando lo previsible y potenciando lo onírico. 

Agradecemos,  por adelantado, la cesión de fotos de Lúa Ocaña,  que se ha encargado de la foto fija del rodaje de este clip. Estupendas imágenes que nos han servido para ilustrar la entrevista. 

 

 

 

 

Polo&Pan_039Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

 

-Lo primero de todo es preguntarte sobre cómo llegas a la banda francesa...en otras ocasiones te han llegado las propuestas a través de la productora Friend ¿Cómo ha sido en este caso?

 

En este caso fue a través de Frenzy, la productora que me representa en Francia. Fue uno de estos vídeos que tal cual llegó lo escribí, no siempre pasa esto, pero lo vi bastante claro, tenía que ser esta historia en este mundo. 

 

- Se trata de un trabajo elegante y preciosista, desde el plano inicial y hasta los créditos finales.

Dentro de la armonia del conjunto, lo primero que salta a la vista es esa coreografía entre naif, kitchs y glamourosa, realizada por Tuixén Benet, habitual del género¿Cómo llegas hasta ella y cual fue el planteamiento de trabajo?

 

Tuixén es amiga desde hace tiempo, hemos trabajado en otros vídeos juntos y tratándose de un vídeo de coreografías tenía claro desde el principio que quería proponérselo. Hicimos varias reuniones, hablando del estilo de baile, de como lo rodaríamos y de la historia del vídeo, para que todo fuera en conjunto. El referente principal era Bob Fosse, era el tipo de baile que pegaba dentro de este mundo de los años 60, queríamos ser fieles a la época en varios aspectos y huir de las coreografías más contemporáneas

 

 

 

 

-También destacaría la historia, sencilla e hipnótica con citas a películas como American Beauty y fantasías visuales en la linea de El Gran Lebowsky de los Coen. ¿Cuál ha sido tu concepción para la puesta en escena?

 

En general quería hacer un vídeo elegante. La historia tiene un punto bastante sexual, pero me parecía muy interesante que este punto no fuera explícito sino que se convirtiera en un juego tanto para los actores y bailarines como para el espectador. Por ello partía del tono de películas como “The Party” de Blake Edwards o “How to succeed in business without really trying” de David Swift, comedias de los años sesenta facilonas pero altamente estéticas. 

 

 

Polo&Pan_187Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- Uno de los aspectos que siempre me impresiona de tus piezas es el cuidado en la selección de actores/actrices, muy en sintonía con la historia. En este clip, Yulia y Laurent junto al resto de secundarios están magníficos...¿Cómo fue el proceso de casting y las indicaciones de dirección por tu parte?

 

El proceso de casting fue complicado, los videoclips siempre tienen recursos bastante limitados. Trabajamos con Edu Pérez, con quien he trabajado ya otras veces, y con Jessica Gómez coordinando todo el casting. Intentamos ir a lo grande, buscando los actores perfectos, aunque no estuvieran en España, sabiendo que podrían no aceptar o no estar interesados, ¡pero tuvimos suerte!. Fue uno de los procesos más costosos del vídeo

 

 

Polo&Pan_284Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

Las indicaciones, o más bien los personajes, ya tenían forma a través del guión. La anfitriona debía ser mística, alguien que no sabes muy bien de que época o cultura procede, alguien sensual pero con mirada fuerte, con poder. El camarero debía estar a la altura de la anfitriona, es su cómplice, y tener siempre un punto canalla pero contenido, es el personaje que nos guía a lo largo del vídeo, y debía mantener una actitud chulesca y con la intención de tramar algo.

 

Los invitados/bailarines debían comenzar de una forma más contenida, más naïf, e ir desmadrándose a lo largo del vídeo, a medida que se embriagan. En cualquier caso, quería mantener el punto contenido, me parecía muy interesante jugar con lo políticamente correcto de las comedias de los años sesenta, y utilizar la parte más sexual a través de perspectivas subliminales, como si no hubiera pasado nada pero está pasando. 

 

 

Polo&Pan_064Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- La localización, por cierto, es un personaje más ¿Dónde habéis rodado, se ha intervenido mucho el espacio, en cuanto a decoración y atrezzo?

 

Rodamos en el antiguo casino de Sitges, el cual tenía muchos espacios que nos servían y de gran tamaño, para poder hacer los movimientos de cámara que queríamos. La base ya estaba perfecta, pero nos remitía más a un casino o un hotel que a una mansión particular. Así que fuimos acotando espacios, cambiando suelos, e intervenido en gran medida cada una de las escenas con mobiliario y detalles de color. Fue un trabajazo por parte de Anna Colomer y su equipo, ¡nunca fallan!

 

 

Polo&Pan_254Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

- Ya para acabar, no quería dejar de citar a tu imprescindible equipo como Anna Colomer, Marc Miro, etc... ¿Alguna mención especial en este trabajo?

 

La mención se la hago a ellos, al equipo con el que trabajo siempre que puedo, Marc, Anna, que junto con Laia Barot hacen posible lo imposible. En esta ocasión trabajé por primera vez con el tandem de estilistas Poliéster, y el resultado fue genial! Desde entonces ya hemos repetido en otros trabajos. También tuvieron un gran trabajo que hacer en Metropolitana, encargados de la postproducción y el color, con Marc Morató, con quienes estuvimos buscando e investigando formas de darle un look especial a la pieza. 

 

 

Polo&Pan_117Fotografía: Lúa Ocaña

 

- Creo que habéis rodado con Alexa, y que para la estética final habéis tenido un arduo proceso de colorimetria. ¿Puedes comentarnos a grandes rasgos las claves de ese proceso de postproducción?

 

Polo&Pan_255Fotografía: Lúa Ocaña

 

Rodamos con Alexa si, y ópticas vintage. Como decía antes, hicimos muchas pruebas para conseguir el look. En cuanto al color, intentamos tratar cada tono por separado, separando así los colores de cada uno de los vestidos y detalles del arte. Intentamos también oscurecer las pieles de hombre y aclarar las de las mujeres, tomando como referencia las películas de Hitchcock de los años 60. Tras esto jugamos con máscaras de enfoque y grano

 

 

Polo&Pan_291Fotografía: Lúa Ocaña

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   29.ago.2017 14:38    

Xaime Miranda: gotelé audiovisual

Vamos con un post eminentemente galego. En la localidad de Fonsagrada (Lugo) nos encontramos a Xaime Miranda, un realizador audiovisual que entiende el videoclip como una herramienta de experimentación, una auténtica exploración estética, un medio de expresión artística para grupos como The Brosas, Agoraphobia, Mequetrefe, Oh! Ayatollah... Sus trabajos son variados, al servicio de los diferentes estilos musicales, pero también muestran una personalidad muy marcada.

Nos adentramos en el "universo Miranda", un "Gotelé" audiovisual rompedor que aporta gran frescura al panorama del videoclip español.

 

 Resultado de imagen de xaime miranda

 

-Xaime, eres un realizador con una trayectoria de varios años en los que has desarrollado diversos proyectos: videoclips, trailers, ensayo audiovisual, documental,...

¿Cómo surge tu vocación y con qué formato te sientes más cómodo?


La verdad es que acabé en esto de forma un poco accidental. Empecé a estudiar la carrera de medicina, pero la dejé porque no me sentía capaz de sacarla adelante. No tenía ninguna otra opción en mente, pero sí una afición por el cine. Así que, un poco a ciegas, decidí matricularme en Comunicación Audiovisual. Durante la carrera descubrí que del audiovisual me interesaba sobretodo su capacidad como herramienta narrativa, no solo en el cine, también en otros medios como el videojuego o el videoclip.

En cuanto a los formatos, el videoclip es el único que he realizado con una vocación más o menos profesional. Los otros han sido experimentos puntuales, o en el caso del documental un trabajo universitario. De todas formas, y aunque tengo pensado continuar realizando videoclips siempre que alguien me los pida, mi intención es realizar algún cortometraje en cuanto sea posible.

 

- El videoclip es fundamental en vuestra carrera. Habeis trabajado con bandas muy variopintas arraigadas en Galicia  como The Brosas, Agoraphobia, Mequetrefe, Oh! Ayatollah... os habéis convertido  en cierto modo, en cronistas audiovisuales de la escena galega.¿Cómo es el ambiente músical y qué papel estáis desempeñando en este contexto?

 

Pues lo cierto es que, aparte de los videoclips que realizo, no tengo mucha más conexión con la escena musical.

 

Desde la distancia, y a través de lo que me llega por las redes sociales, tengo la sensación de que hay una proliferación de grupos y de que se hacen muchas cosas.  Pero, por un lado, vivo en un pueblo bastante alejado de los centros culturales en los que hay conciertos y por otro, mis intereses musicales personales son bastante antagónicos a lo que  hoy en día se prodiga. A pesar de eso, me resulta interesante realizar videoclips de bandas con las que, en un principio, no tengo nada en común y a las que normalmente no escucharía de no ser por los videoclips que me encargan.

 

 

 

-Es difícil quedarse con uno solo de vuestros trabajos, por un lado destacan vuestros vídeos musicales para una banda como Oh!Ayatollah. En Nunca Mais tiras de psicodelia, gamberrismo, mezclando formatos y con toques de postproducción.  ¿cómo surge este proyecto?

 

Nunca Máis surge después de haber trabajado con Oh!Ayatollah en Mi Re La.

Por un lado, queríamos volver a hacer un vídeo sencillo que se pudiese rodar en un par de tardes.  Por otro, Oh!Ayatollah querían profundizar en un universo referencial que conectase con el público millennial, ya que en Mi Re La habíamos tirado más de referencias ochenteras, y ellos, que son muy jóvenes, no se sentían del todo identificados. Así que nos pasamos un par de días viendo vídeos de trap e intentamos hacer nuestra propia versión. Tanto en el rodaje como en la postproducción nos dejamos llevar por un espíritu de hacer las cosas a la primera y sin pensarlas demasiado. Además, mi hermano Antón, que es más joven y está más familiarizado con las referencias que manejábamos, se encargó de los diseños y de la postproducción.

 

 

 

-También para ellos realizáis Mi Re La, un relato ochentero,  plagado de referencias cinematográficas y apelando a las imágenes de archivo. Es una pieza narrativa, de tono lo-fi. En que os habéis inspirado y como surge la idea de este videoclip?

 

La realización de Mi Re La fue un proceso bastante caótico. Desde Oh! Ayatollah me presentaron la idea de un detective que investiga el robo de corazones. A partir de ahí elaboramos un guión rudimentario. Realmente, la idea era copiar descaradamente la estética y las formas de Sabotage de los Beastie Boys.

Así que compramos unas pelucas en un chino, llamamos a unos amigos y nos pusimos a rodar.

Pero era la primera vez que rodaba sin ayuda de un equipo y, al no tener nada planificado, todo se fue descontrolando. Al final rodaba sin tener ni idea de cual seria el resultado. Además, dada la falta de organización, el rodaje se iba alargando y teníamos que hacer las cosas a toda prisa. Al final el material resultante era un desastre: todo estaba desenfocado, los planos no montaban… Para intentar arreglarlo decidimos aderezarlo con postproducción en exceso y así disimular nuestra ineptitud. Un gotelé audiovisual a base de acabado en VHS, imágenes de archivo, aberraciones de color y rotoscopia cutre.

 

- Otro de vuestros grupos fetiche es Mequetrefe,  para los que diriges magníficas creaciones como Floating  (relato psicótico con toques de psicodelia), o el reciente Finlandia, un trallazo visionario y erótico.¿ cual suele ser vuestro método de trabajo con la banda de Santiago?

 

El proceso de trabajo con Mequetrefe se basa en intentar plasmar en imágenes el universo que el grupo crea con sus canciones. Primero solemos discutir las intenciones, influencias y significados detrás del tema y buscamos un marco de referencias básico. A partir de ahí, me dan total libertad para crear lo que el tema en cuestión me sugiera.

 

 

 

En el caso de Floating, creamos un relato psicodélico y violento que incorpora elementos que son frecuentes en la estética de Mequetrefe, como las atmósferas inquietantes y las vacas.

 

Por su parte, Finlandia es un tema en el que hay mil cosas pasando a la vez, que necesita varias escuchas para poder digerir todas sus capas sonoras. Así que me propuse hacer lo mismo con el vídeo. Traté de crear una historia con diferentes influencias cinematográficas, y después desmontarla, trocearla y presentarla de nuevo de la forma más confusa posible para que el espectador activo trate de sacar algo en limpio de ese aparente caos. Además, otra parte de la idea era elaborar una mitología alrededor de el Esmelgador, un personaje inventado por Mequetrefe, que sale en videos anteriores de la banda, y que lleva una máscara de apicultura.

 

 

-En este sentido y atendiendo a otras piezas que habéis hecho para grupos como Agoraphobia o The Brosas ¿hasta qué punto consideráis que tenéis un estilo definido?

 

Lo cierto es que he realizado vídeos para grupos con estilos muy diferentes y en cada caso he intentando conectar con la estética y los gustos del grupo a la hora de plantearme qué hacer.

 

A su vez, he querido aprovechar para explorar cosas diferentes en cada ocasión sin tener nunca la intención de mantener ningún tipo de coherencia estética o definir un estilo.

 

 

 

-Por cierto,  hace más de siete años ya diriges un documental titulado "Galiza Bravú", una pieza dedicada al rock galego. ¿ Podría estar en este trabajo el germen de lo que ha sido luego todo?

Como comentaba antes, Galiza Bravú fué un trabajo universitario que dirigimos Elena Lombao, Sabela Sampredo y yo. A pesar de que, efectivamente, se trata de una pieza que está relacionada con el mundo de la música, nunca lo había visto como un germen de nada, pero lo cierto es que con Elena he vuelto a trabajar en varias ocasiones y Sabela es guitarrista de Agoraphobia, para las que realicé el video de City of Alexandria. Así que algo hay.

 

 

-No quería finalizar sin mencionar alguno de los nombres que aparecen de manera constante en los títulos de crédito de tus obras. Antón Miranda o Elena Lombao supongo que son parte imprescindible de tu equipo de trabajo, cuéntanos brevemente cómo soléis distribuiros las funciones para alcanzar la estética final qué buscáis…

 

Creo que un videoclip es un trabajo colaborativo y aunque el reparto de funciones es muy variable de un proyecto a otro, me parece importante que todos aporten su visión, aunque cada uno se enfoque en su departamento concreto. En nuestro caso, Elena aporta su experiencia de dirección de fotografía y Antón sus conocimientos en diseño gráfico e ilustración.

 

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   15.ago.2017 09:40    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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