217 posts con categoría "Música"

Perez y Stein: culto al ektachrome

Vamos con un post eminentemente fresco, breve y veraniego,  otro videoclip de nuestros amados Perez y Stein, una pieza rodada en 16 mm para la banda instrumental Forastero, un combo "jazz funk electrónico cinemático bailable"....

Qué mejor que dejaros con las notas de producción de los realizadores, un tándem creativo que profundiza aún  más en su estilo analógico y experimental.

2015-07-11+13.36.39


"Habíamos descartado la posibilidad de rodar en negativo infinidad de veces, pero hay ideas que se te pegan al cerebro y cada cierto tiempo vuelven. Ahí, entre el impulso creativo y el formato  se encuentra gran parte del misterio de crear imágenes. Acabamos de rodar un videoclip con negativo  caducado traido de New York y el resultado nos encantó. Las texturas e imperfecciones aportaban algo más que pura estética. Nos atraía mucho la textura y color del ektachrome un negativo que hacía décadas que no se fabricaba. Nos pusimos a la caza de algunas latas perdidas por el mundo.

Un día comiendo en un mesón castizo, reunido con el equipo con el que colaboramos siempre, la estética del lugar nos embargo... Cazuelas de barro, figuras de porcelana y un aroma a los 70 que echaba para atrás, los años del destape, Nadiuska, Alfredo Landa y la Serie S. El invierno nos hacía pensar en lana, en sexo suavecito y en música instrumental, fantaseabamos con unir ese maravilloso negativo caducado con una historia de lujuria y sexo enmarcada en una atmósfera de los 70.

Conseguimos una Arri Sr3 un zoom Zeiss y sólo nos faltaba la banda sonora: el sello Lovemonk tiene a las bandas más cool y nos presentaron el sonido electrónico  punk jazz rock cinemático bailable de la banda Forastero.

Es picante, es sensual y es suave.

El resto es Frenesí."

 

 

 

 Buen veranito y recordad:

  "Todos somos Pérez y Stein".

Hasta la próxima aventura!

twitter // facebook

 

Categorías: Música

Sarmient Peppers   18.jul.2017 00:20    

Granajoven: los clips más "granados"

Hablar de Granajoven en un clip es hablar de un certamen al que hemos visto crecer desde el principio y con el que desde "A rienda suelta" colaboramos habitualmente.

Parece que fue ayer pero ya son cuatro años de este Concurso que se ha ido convirtiendo en una referencia nacional por la cantidad y la cantidad de los vídeos musicales que concurren.

 La Gala de entrega de premios tendrá lugar el viernes 30 de junio en el Centro Cultural Caja Granada, en el que se proyectarán las obras seleccionadas y para poner el colofón actuarán los grupos granadinos Lemon Parade y Apartamentos Acapulco.

 

GALA CLAUSURA DE LOS PREMIOS IV CONCURSO GRANAJOVEN EN UN CLIP

 

Para ir abriendo boca os dejamos con algunos de los mejores videoclips de esta edición, que, una vez más, han destacado las creaciones nacionales, pero también las específicas de Granada y del mundo universitario.

El primer premio (1850 euros) ha recaído en "Fade" de Chloé Bird, dirigido por Ainhoa Rodríguez, uno de los videos más destacadas del último año, a la que le dedicamos un post específico en ARS y que está recogiendo multitud de galardones, tanto en España como fuera de nuestras fronteras.

 

 A continuación, os proponemos una panorámica por las diferentes categorías que han recibido premios.

PREMIO AL MEJOR VIDEO CLIP GRANADINO  

- Título: "NM". Autora: Leocricia  Díaz Saban. Interprete: Niños Mutantes

 Una pieza que juega magistralmente con el uso de la pantalla partida, la geometría y la abstracción.

 

 

PREMIO AL MEJOR VIDEO CLIP UNIVERSITARIO

Título: TONIGHT IS THE NIGHT. Autor: Javier Chacártegui. Interprete: Jump in the River

Un canto a la libertad y a la rebeldía, todo captado a través de los ojos de un joven, rodado con nervio y vigor.

 

 

El resto del Palmarés (accesit, nominados, etc...) lo podéis consultar aquí.

Como siempre, animamos a que desde el Ayuntamiento de Granada se siga promocionando esta actividad, que se nos antoja ya imprescindible dentro del calendario de videoclips en nuestro país.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

 twitter // facebook

 

Categorías: Música

Sarmient Peppers   27.jun.2017 01:35    

Caostica 2017

Caostica es sin duda uno de los Festivales de referencia de cuantos se celebran en España dedicados al audiovisual en múltiples facetas.

Por experiencia (ya son 15 ediciones) y por línea editorial (siempre alejado del mainstream) es un certamen que nos sorprende por sus originales propuestas y la variedad de iniciativas.


Desde hace varios años en ARS! seguimos la pista a Caóstica, y esta edición tampoco nos ha decepcionado.

 

3-ARTXANDA VIERNES _ NITYA LOPEZ

 

Os mostramos el Palmarés ganador dentro de la sección de videoclips.

 

Primer premio: 
Mrozu-Duch (Zuzanna Plisz, Polonia)

 Una bella historia de amor que trascurre en un mundo distópico, donde la narración conjuga la tensión dramática pero también la poesía.

 

La imagen puede contener: texto

 

 

 

 

Videoclip Mención Bizarro:
Wedding Night-Ursus Factory (Enrico Butelli, Estonia)

 Un mundo delirante con músicos vestidos de novia, hamburguesas, sexo y demás personajes de peluche...

 

 

Mención Videoclip:
My Private Dance Alone - Aaron Rux (Pablo Hernando, Euskadi)

Y por último esta mención especial que ya estrenamos en la web de Radio 3 y que apela a lo bizarro y a lo carnal.

 

 

Os dejamos con estas fotos que nos sirve para tomar el pulso a esta reciente edición.

 

4-ARTXANDA VIERNES _NITYA LOPEZ

5-ENTREGA DE PREMIOS _ CARLOS GIL

Por muchos Caósticas y a por 2018!

Os dejamos con el resumen de la presente edición:

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

 twitter // facebook

 

 

Categorías: Música

Sarmient Peppers   20.jun.2017 11:12    

Beatriz Sánchez: descubrirse constantemente

Volvemos a la carga con una de nuestras videocreadoras de cabecera (Beatriz Sánchez aka Beatroz/Loopita...), hace un año que hablábamos con ella a propósito de su videoclip "Calle 24" para Guadalupe Plata.
En estos últimos meses su actividad ha sido frenética y en esta entrevista nos cuenta algunos de sus inclasificables nuevos proyectos para Cabezafuego, Atom Rhumba, Las Rosas o Sonic Trash.

Beatriz sigue siendo una "outsider" con ese tono gamberro, bizarro, desprejuiciado... En esta última hornada de videoclips sigue, aún más si cabe, fiel a su estilo primigenio y se ha "des-digitalizado" . Todo es más analógico y hay una intención premeditada en reciclar errores y revelar el truco:

El truco visto también es magia porque tiene su ‘encanto’, nos confiesa.

 
Además se ha lanzado a la realización de visuales en conciertos,  "una especie de Art Attack en directo; todo bastante gamberro, nada tiene de Disney"

Performance, intuición, experimentación, provocación, ... pocos artistas visuales en nuestro país pueden lucir estas expresiones como Beatriz Sánchez en todo su esplendor, una activista cultural que no deja de descubrirse a sí misma constantemente.

 


-Beatriz, te has trasladado hace un tiempo a Bilbao donde sigues con tu actividad artística y da la impresión que este cambio de aires ha revolucionado tu biorritmo creativo. Últimamente has realizado piezas audiovisuales para Iñigo Cabezafuego, Atom Rhumba, Sonic Trash y otros grupos vascos (y no solo vascos) que vendrán. ¿Cómo está afectando este cambio de ciudad de residencia a tu obra?

Está afectando mucho. Vine a Bilbao con la idea de seguir desarrollando mi obra artística personal. Todo pintaba ser una buena oportunidad para dedicarme cien por cien a ello. Curiosamente, mi intención era apartarme del mundo digital y regresar a mi origen más gráfico pero, de la noche la noche a la mañana, como nos sucede a todos los freelances, me empezaron a surgir ofertas para realizar videoclips a cuatro bandas. Reconozco que me cuesta decir que no y, claro, cuando ya estaba en el ajo me vi con una lluvia de curro videoclipero solapado que ha provocado que ese biorritmo se dispare.

Y sí, la residencia artística que iba a realizar aquí era para seis meses y cinco se me han comido con estos trabajos. Aún así, creo que no me no me he alejado tanto de mis propias intenciones, porque la gran suerte que tengo siempre es que los grupos que me encargan vídeos saben cómo opero y nunca intentan forzar que maneje otro tipo de estilo. Quieren que sea yo, y esto me permite no abandonar mis propias investigaciones/procesos formales. De hecho, algo que distingue esta nueva hornada de vídeos es que he sido leal a mi propósito inicial y siento que me he des-digitalizado bastante. Los efectos especiales que ahora uso son físicos, a base de prótesis, animaciones analógicas, pinceladas y manos visibles que manipulan las figuras que aparecen. Siempre me ha gustado reciclar errores y revelar el truco. El truco visto también es magia porque tiene su ‘encanto’.

 


-Nos detenemos ahora en alguno de tus nuevos trabajos, por ejemplo, "Caramelos 6 de Julio" para Cabezafuego, con quien ya habías colaborado anteriormente. Es un videoclip que tienen mucho de videoarte, diría que es más una performance que un clip propiamente dicho. Me encanta ese cabezudo gigante y cómo interactúa con la gente, los niños. ¿Cual es es germen de esta pieza y qué mensaje hay detrás?

El germen es una interpretación basada en la historia que narra la canción, que va de una especie de psyco-killer de medio pelo. Un perro desgraciado, más ladrador que mordedor. El hecho de que el personaje lleve a cuestas esa cabeza monstruosa va con esa idea. Se supone que el protagonista es normal, pero él se ve deforme. Con esa cabeza le cuesta caminar, socializar, entrar por las puertas, tomarse un bloody mary, santiguarse, se deja el sueldo de un mes en champú... todo le sale mal. La gente le toma a guasa porque él mismo no se respeta. Se supone que esa cabeza está en su cabeza, por eso en algunos fragmentos se intercala el humano real. El protagonista no es Íñigo pero lo interpreta él, portando esa caricatura grotesca que me llevó más de una semana construir. Algunos momentos del rodaje se nos fue de madre porque realmente la cabeza era un trasto enorme. El pobre no veía ni oía nada, y hubo un par de hostias en las grabaciones (hostias que, por cierto, aparecen). Fue tan complicado rodar con ese cabezón que al final decidí que en el montaje hubiese una mezcla entre la narrativa planteada y los accidentes acontecidos por el camino. De algún modo, aumentaba la tragedia y la comedia de la historia.
Juego mucho a improvisar sobre la marcha y a veces, cosas que no estaban previstas es lo mejor que tienes grabado. Por ejemplo, cuando hice la cabeza se me fue de las manos la dimensión, y en el guión teníamos pensadas tomas en interior que ni de coña pudimos realizar porque literalmente no entraba por las puertas. Pues nada, la escena inicial en la que él se despierta de una pesadilla en la cama tuvo que ser grabada en la calle, con un plano cenital desde el balcón de la casa de Íñigo Cabezafuego.
Otra anécdota casual es la del cierre. Esos niños empezaron a gritar “que se tire, que se tire” de modo espontáneo y decidí usarlo para terminar el clip.

 


-Me ha sorprendido mucho el guiño que haces al final en los créditos firmando como Jeanne Weber, una serial Killer francesa de principios del S. XX. Cómo eres Beatriz! una provocadora nata...¿a qué se debe usar ese seudónimo?


¡Qué agudo! Creo que poca gente se ha dado cuenta del detalle.
La canción, al ir sobre una especie de psicópata, me pedía en los créditos poner nombres de asesinos o delincuentes famosos. Entre otros, puse Bertín Osborne pero Íñigo me dijo que eso sonaba asquerosamente español y que no lo pusiera. Fue el único cambio que me pidió.

 


-Continuamos con otro de tus videos musicales: Automatically Updated para Atom Rhumba, que acaban de editar single adelanto de lo que será su nuevo disco (previsto para después del verano). En este caso apuestas por el collage frenético y jugando con el metalenguaje de la informática. ¿Que has buscado con la propuesta visual de Automatially?

Con esta canción pega una bomba sucesiva de collages frenéticos. Animaciones rudimentarias (cuando digo rudimentarias digo prescindiendo al máximo posible de efectos digitales) empleando recortes, rayajos, pintura, materias, mecanismos, juguetes, objetos...
Muchas ideas locas fragmentas, consecutivas, vibrantes. Es como si un disco duro fuera a morir pero antes le pasara toda su vida en imágenes relampagueando en su mente. Lo típico de “vi toda mi vida pasar en un instante” versión ciber-muerte random informático.

Básicamente he buscado hacer algo que encaje bien con ellos sin quebrar mi modo de hacer. Pensar qué puede haber de mí en el sonido de ellos, ir a por ello, fundirlo y explotarlo sin límites. No me costó mucho, la canción Automatically Updated tiene partes muy divertidas, grotescas y absurdas que encajan perfecto con mis incoherencias representativas.

El tema de la computadora y el metalenguaje de la informática no es casual. Está porque la letra, que tampoco tiene mucho sentido, habla como de una especie de tipo que está muy cableado con todo. Tan cableado que, como si fuera Robocop, le da una especie de ataque donde sin permiso alguno se le restaura el sistema y se vuelve todo loco.

 


-Siempre me pregunto cuando veo uno de tus videos-collage, la cantidad de trabajo artesanal (recortes de prensa, tijeras, pegamento, fotomontaje...) que lleva. ¿Cuánto hay de artesanal y cuanto de digital en este videoclip, y qué software sueles usar para la animación?

Lo único digital que hay en ese videoclip es la edición, que la suelo hacer con Premiere. La captura y secuenciación de las imágenes las realicé con un programa de stopmotion, hay varios. El que yo usé se llama DragonFrame, y espero que me den una propina por promocionarles en esta entrevista.

 


Lo demás todo analógico: las animaciones están hechas fotograma a fotograma. Y elementos son de fuentes de internet pasadas por la impresora, siluetas de revistas antiguas recortadas a mano y fotos que realicé a los chicos de la banda, también impresas para animarlas y putearlas.

Lo que se me escapó un poco con este vídeo es que gozaba tanto explorando el mundo -nada novedoso- del ‘collage stopmotioneado’, que acabé animando unos veinte minutos de metraje. La canción dura menos de 2’30”. Lo de trabajar por intuición, experimentando por antojo, a veces se me escapa y me multiplico yo solita la faena.
Le pregunto muchas veces a Rober! de Atom que qué hago yo con todos esos fragmentos animados que han sobrado. No lo sabemos bien, sólo sé que para septiembre quiere que haga otra pieza diferente.

 


-Otra pieza destacada de este último año es la que has realizado para los neoyorquinos Las Rosas "Bad universe". Me ha subyugado esa obra, en la que demuestras que se puede hacer algo muy creativo con elementos muy sencillos. Aunque me da la sensación que engaña este video, pues es todo un plano secuencia (iluminado solo por tí cual "minera asturiana") que sospecho tiene una preparación previa muy exhaustiva. Me encanta la propuesta, y esa animación que haces sobre la marcha. Cuéntame cómo has pergeñado esta pieza y cómo accedes a un grupo nada menos que de Nueva York.

Este encargo fue algo bastante improvisado y me surgió en medio de toda la faena de los vídeos de Atom Rhumba y Sonic Trash. Acepté, pero como penitencia decidí no moverme de Bilbao en Semana Santa y así darle caña a todo.
Las Rosas es una banda que conocí en uno de los espectáculos en directo que hago con Cabezafuego (BUMAYE!).

 

 

Compartimos escenario en Bermeo y fue como un flechazo mutuo. Ellos vieron lo que hago en directo y me contactaron un mes después para que les hiciera algo así de sencillo, casual e inmediato. Me daban una semana y me pareció un disparate que me pidieran algo así, pero lo que hago con Cabezafuego y con Severine Beata en los directos es igualmente instantáneo… me dije ¿por qué no?
Así que este vídeo que acabé haciendo para ellos tiene mucho que ver con las cosas que ahora hago en los directos.
Tuneé una pared del estudio que tengo para trabajar en la Fundación Bilbaoarte con toda clase de cacharrería (recortes, muñecos, cartones, bengalas). Tardé un par de tardes en armarlo, lo hice todo un poco al tuntún sin pensar (muchas veces salen así mejor las cosas). Dos tardes para armar todo el cacharraje en el muro, una tarde para grabarlo. Mejoraría aspectos de ese vídeo, pero teniendo en cuenta la precariedad temporal con la que se hizo estoy contenta con el resultado.

-También me gustaría que me hablaras de los visuales en directo, igual una faceta tuya menos conocida pero que me parece muy interesante.
Haces vídeos para los conciertos en directo para Cabezafuego y para Severine Beata, entre otros... Cuéntame cual suele ser el método de trabajo con los músicos de cara a las actuaciones en vivo.


Para explicar este tipo de visuales que realizo en los conciertos suelo decir que es una especie de Art Attack en directo; todo bastante gamberro, nada tiene de Disney. Podría compararse con un videotutorial de recetas, ya que lo que se construye es totalmente manual y casero. Trae mucha tensión porque no llevo ningún guión fijo. Tengo una estructura general de elementos a usar, sólo eso. Voy dejándome llevar sobre la marcha, y lo mejor es cuando logro meterme en la burbuja y me olvido de la mirada ajena, como si estuviera sola en mi estudio haciendo pruebas, componiendo y jugando con todos esos elementos que suelo llevar en un carro de la compra petado de gilipolleces. Muchas veces pienso que si me robaran ese carro el ratero fliparía porque sólo encontraría: recortes, muñecos, pinceles, rotuladores, tijeras, gominolas, cartulinas de purpurina, estampas antiguas, reliquias de mi abuela, revistas de cotilleos o de música. Dispongo una webcam en cenital enfocando la mesa y mis manos. Esa es mi paleta.

 



-Ya para acabar, tu hiperactividad no cesa, y me consta que preparas nuevos clips para Atom Rhumba, Cabezabuego, Los Tupper (Santander) y otras peticiones que creo no puedes atender por falta de tiempo...Cómo encaja el formato videoclip en medio de tu experiencia creativa, porque no nos olvidemos que también realizas obras en el el seno de la Fundación BilbaoArte, sigues siendo una videoartista de pro... ¿Cómo se come todo eso Beatriz, cómo lo digieres?

Este es un tema que da para mucho, que me hace darle muchas vueltas a la eterna pregunta de qué es arte y qué no lo es. Muchas veces, el tipo de obra que hago se encuentra en un terreno de nadie, en la delgada línea que separa el “arte mayor” del “arte menor”. Esa frontera entre el cómic y el dibujo artístico, entre el videoarte y el videoclip, entre el meme y el arte político. Al final, ni los del cómic te aceptan porque es demasiado arty. A los curators tampoco les encajas porque eres demasiado graciosilla para casar con sus teorías herméticas. No me quejo tampoco, en el fondo les agrado pero no me sitúan bien en sus campos. Lo entiendo de algún modo y he asumido con mucho orgullo mi “outsiderismo”.

Javi Álvarez (Poderes Mentales), es un buen amigo que trabaja en una situación parecida con el que comparto estas cuestiones y pensamos igual. Sobre este tema, el otro día me contaba que los del rap dicen que lo que hace con Fluzo es muy arte para ser rap y a los de la música experimental les parece demasiado rap para ser arte sonoro. Pues ahí te quedas, Contreras, funambulismo contradictorio en las fronteras!

No voy a ser yo quien diga que lo mío es arte o no, pero sí sé que voy con la cabeza alta. Que me gano la vida siendo creativa y que todo tiene pinta de ir hacia adelante. Que los videoclips me permiten explorar y ampliar mi propio lenguaje, que una cosa no anula a la otra. Que me siento muy contemporánea y que soy leal en mi modo de hacer.
Mis primeras videocreaciones ya parecían videoclips, así que no creo que me esté apartando en ningún momento de mi desarrollo artístico.

 

 

-Tu trabajo más reciente es para los también bilbainos Sonic Trash, que estrenamos gentilmente en este post. Una pieza "medio Sun Ra (Space is the Place), Kenneth Anger y videoclips de Yello" en palabras de la propia Beatriz.
Aquí has optado por la pantalla partida, el found footage y un tratamiento muy psicodélico, con referencias a lo onírico... ¿Por qué ese tratamiento tan esotérico? A nivel visual has jugado con proyecciones, el glitch..., con que intención?

 
En la misma búsqueda de aparcar los efectos digitales, pensé en hacer un vídeo psicodélico que prescindiera del uso de los chromas. Sin tampoco inventar nada nuevo, opté por hacer los fondos del clip proyectando imágenes de archivo desde atrás. Para ello compré unas cortinas de la ducha color blanco, que van muy bien para retroproyecciones. ¿Qué pasó? que al ensamblarlas se ve el parche, ese rasgo low-tech que tanto caracteriza muchas de mis producciones.
El found footage fue una labor que también se me escapó y llegué a exportar unas tres horas de material extraído de internet. Las temáticas para esos fondos se dividían en cuatro bloques: dioses, catástrofes, arte, galaxias. Obviamente, no luce la paliza que hay detrás... ni falta que hace.
El tratamiento esotérico viene en parte por el texto de la canción, que habla de deidades, alabanzas y mitos caídos. Según mi interpretación, David canta casi como si fuera un profeta visionario. La idea que planteé es que ellos fueran una especie de dioses invasores, con aspecto entre secta setentera y adivino chungo-rappeliano de la tele.
El vídeo no tiene ningún tipo de filtro. Intenté cuidar que la iluminación original de los figurantes (varios filtros de color) funcionara como efecto. Lo más digital que tiene es el montaje compuesto por ventanas que se animan, con la intención inicial de darle un aspecto de teletienda ochentero.
El glitch no es intencionado tampoco, al extraer mucho material de internet es lo que tienes.. y como el glitch es mi amigo no me molesta.

Soy autocrítica y pienso que muchas cosas podrían estar mejor, eso puede ser eterno. Pero bueno, de lo positivo que me quedo con toda esta intensa etapa videoclipera es que he conseguido que sean muy míos al tiempo que son también muy diferentes entre los cuatro. Creo que he logrado cumplir dos objetivos importantes: evitar repetir los recursos y abusar del After Effects (que me encanta y seguiré indagando) pero sienta bien salir y probar otras cosas. Descubrirse constantemente.

Os recordamos que Cabezafuego y Beatriz Sánchez (BUMAYE!) actúan el jueves 15 de junio en el Fun House Music Bar de Madrid y el sábado  en el Monkey Week del Puerto de Santa María.

Abuela

 

Hasta la próxima aventura de ARS!

twitter // facebook

 

Categorías: Música

Sarmient Peppers   13.jun.2017 10:57    

Anímic: todo coherente

Sin duda nos encontramos ante uno de los proyectos artísticos del año, el álbum conceptual "Skin" (Bcore,2017) de los catalanes Anímic se publicó el pasado febrero como un proyecto audiovisual colectivo, en el que cada una de las canciones del disco se transformó en videoclip.
En total ocho joyas dirigidas por diversos realizadores que ofrecen una visión caleidoscópica del disco y otorgan a la obra una nueva dimensión estética.
 
Hablamos con Louise Sansom, cantante de Anímic, que nos cuenta con detalle cómo se forjó esta iniciativa y cómo ha sido la colaboración con los distintos realizadores, con propuestas visuales muy diferentes pero que, paradójicamente, conforman un todo muy coherente.
 
 
 
 
 
-"Skin" es un disco conceptual, no solo en lo sonoro, sino también en lo visual. Nos ha sorprendido que cada canción vaya acompañada de su videoclip, realizados por distintos autores (algo no muy habitual en nuestro país). ¿Cómo nace esta idea y cual es vuestro propósito al plantear esta propuesta audiovisual?
 
El propósito es totalmente artístico como no podía ser de otra manera, todo ocurrió porque planeamos muy bien el tiempo entre grabación y salida, de repente teníamos casi tres meses en medio, teníamos master en una mano y demasiado tiempo en el otro y eso hace que la cabeza de vueltas y pienses bien las cosas, sabíamos que queríamos un video pero no nos decidíamos con la canción, en cambio ya eran varios los directores con quienes hacía tiempo hablábamos. Nuestra música siempre ha tenido un componente cinematográfico y las imágenes siempre potencian la música, con tanto móvil y ordenador, muchas veces el oyente ve tu música antes de oírla así que nos apeteció que el público pudiera entender la música de forma visual desde el primer momento. Yo soy un poco culo inquieto y sentía que el disco no estaba completo sin los vídeos, así que me puse a contactar con todos los directores, a todos les dijimos, no hay dinero, solo la posibilidad de pasar un buen rato juntos creando un proyecto donde la música no será lo importante, solo será la llama que encienda la mecha, por eso hemos querido dar mucha importancia a los vídeos y sus directores ya que al final el disco ha quedado como la banda sonora de todo un proyecto conjunto.
 


-Los vídeos musicales se han ido estrenando progresivamente en diversos medios. ¿Cual ha sido vuestro criterio, a la hora de seleccionar los realizadores que se han hecho cargo de cada canción, que recordemos son: Juanjo Montañés, Nikita Routchenko, Marc Ortiz, Marta Busquets, Maria Padró, Laura Sisteró, Jazz Rodríguez & Carla Pérez Vas y Biel Andrés?
 
El criterio en realidad ha sido sencillo, Juanjo es parte de Anímic y hace unos videos chulísimos así que estaba claro que no podía faltar, Nikita hace ya un par de discos que trabaja con nosotros, a mi me flipa su forma de trabajar, es muy ‘guerrero’, trabaja como a mi me gusta porque no tiene limites, que no hay dinero da igual, esto lo enganchamos con celo y lo otro lo aguanto yo el pie… es lo más! Me gusta mucho la gente que puede crear algo de la nada y siempre con positivismo.
 
 


 
Con Marta y Biel pasaba prácticamente lo mismo porque ya habían hecho cosas con nosotros y les tenemos mucho amor y cariño. Marta tiene el don de captar los sentimientos con muy pocos planos, una sola mirada te pone los pelos de punta y Biel es un amigo de toa la vida que vive en Copenhague, nos parecía muy acertado rodar Whales, un tema frío, allí.
 


 
Las últimas tres directoras sí fueron más buscadas, a Maria Padró la conocía Juanjo de unos años antes y nos habían dicho que vivía en Londres, enseguida conectamos con la idea de hacer Inhuman allí, quizás es la que hemos podido más plantear una idea en concreto porque lo teníamos bastante claro. Con Jazz y Carla fue por amor a su estilo y proyectos, encontré un día hace mucho tiempo un mini-vídeo en youtube de Jazz haciendo pruebas con una cámara en una serie llamado Llums, me fliparon las sombras y la intimidad que se creaba y sabía que era lo que necesitaba el tema de Hidden, la canción más íntima y personal del disco. Y por último está Laura Sisteró, es una directora impresionante y ha hecho uno de los vídeos más fascinantes, grabado totalmente con un iphone 7 en un hotel de Benidorm, ella era alguien con quien me apetecía trabajar hacía tiempo, pero había que encontrar la excusa :)
 

 

- Una de las virtudes del proyecto es que, aún teniendo en cuenta la variedad de estilos, los clips conforman un todo integral que va más allá de cada individualidad.
 


Así nos encontramos el ritmo trepidante de "Glass” (Marc Ortiz), la animación psicodélica de "TV" (Nikita Nikita Routchenko), el formato vertical y las nuevas tecnologías en "Slave" (Laura Sisteró), la deconstrucción en Blanco y Negro de "Gem" (Juanjo Montañés, que además se encarga de los samplers en la banda).
¿Qué diseño estético global habéis planteado, alguna pieza que queráis destacar particularmente?
 
Lo fuerte es que casi ninguno se conocía entre ellos, ni hablaron sobre que hacía cada uno, les dimos total libertad artística, sin pautas ni ideas (solo en Inhuman y Hidden a nivel de idea principal, luego cada uno hizo su interpretación), de hecho hubo algún vídeo que ni sabíamos de qué iba hasta casi un par de semanas antes de la entrega, así que realmente hubo una gran coincidencia y vimos que lo que queríamos transmitir a nivel de mensaje y estética se había transmitido a través de la música!
 

 

Fue muy emocionante ver cómo un hilo conductor creaba todas esas ideas y los ponían en común sin una relación previa! No se puede destacar a ninguno por que para nosotros cada uno es un universo muy diferente unidos por un mismo punto, igual que nuestras canciones.
 


- Otra cuestión interesante es lo que tiene que ver con la planificación de esta obra colectiva, imagino que ha habido un gran trabajo coreográfico de cara a los distintos estrenos que se han ido sucediendo. ¿Cómo se ha diseñado este proceso creativo?
 
Pues en realidad fue muy fácil, no las sacamos progresivamente pero somos conscientes de que al publico se acaba llegando todo poco a poco. Con el anterior disco nos cansamos un poco de la sensación de estar pendiente de la prensa que salía, te vuelves un poco obseso de leer lo que se escribe y estar organizando las entrevistas (yo me dedico a prensa en el sello BCore así que me ocupaba yo misma de ello). Así que con este disco decidimos que queríamos sacar el disco y pasar página lo antes posible para centrarnos de nuevo en la vida, no hicimos adelantos, programamos todos los videos en 8 medios diferentes para que salieran de golpe a las 12 del mediodía el 1 de febrero, sin adelanto ni más compilaciones. Además hicimos un par de días de promo un mes antes para que salieran las entrevistas mensuales el mismo día 1 de febrero, rollo hoy sacamos disco, vídeos, entrevistas y todo de golpe y mañana ya podemos pensar en lo siguiente que nos apetece hacer. Y así pasó, nos dio un espacio mental brutal y la posibilidad de hacer una de las cosas que más me gusta hacer, pasar página y empezar algo nuevo!
 



- Ya para acabar, usáis los videoclips en vuestros conciertos en directo, hay intención de que trasciendan el universo youtube de alguna forma?
 
No, el hecho de que salgamos en muchos de los vídeos hace que no las veamos bien para los directos, preferimos jugar con iluminación o proyecciones que jueguen con la temática en esos momentos, pero somos bastante austeros en directo, dedicamos buena parte de nuestro cache al viaje, técnicos y lo que haga falta para que salga bien el bolo así que no queda mucho para añadir más detalles! Los vídeos quedan como la forma perfecta de vernos a través de la pantalla.
 

Hasta la próxima aventura de ARS!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers    6.jun.2017 01:49    

Björk Digital: más allá del videoclip

Si hay alguna artista que ha estado y sigue estando más allá de la vanguardia musical, audiovisual, estética... esa es indudablemente la islandesa Björk.

A partir del próximo miércoles 14 de junio y hasta el 24 de septiembre tendremos la oportunidad de revisitar su universo audiovisual en la exposición inmersiva que nos propone el CCCB (Centro de Cultura Contamporánea de Barcelona) que recoge lo mejor de sus trabajos digitales y en video con grandes artistas contemporáneos. La muestra ha recorrido varias ciudades del mundo como Londres, Tokyo, Montreal... y se podrá apreciar tal y como la ha diseñado y concebido la propia artista.

 

BjörkDigital(Poster) Photo by Nick Knight_Typography by MMParis

 

Hablamos con Rosa Ferré, directora de Exposiones y Actividades Culturales del CCCB, que nos adentra en una de las propuestas creativas y sensoriales más interesantes de este 2017.

-Bjork digital es más que una exposición al uso, es una experiencia inmersiva con la que se pretende sumergir al espectador en el universo de la artista islandesa...¿Cómo surge este proyecto y de qué manera se ha elaborado la propuesta audiovisual?

La propuesta nace directamente de Björk.

Como se puede ver en la exposición, que al final de su recorrido presenta una antología de los vídeos musicales de la artista, algunos de ellos de hace veinticinco años,  Björk desde el principio de su carrera se lanza al experimento en  el ámbito audiovisual. Trabajando con artistas multidisciplinares, realizadores, animadores y programadores de primer orden; desde los reconocidísimos  Spike Jonze, Michel Gondry, Nick Knight,  Alexander McQueen o Stephane Sedanaoui  a los más jóvenes, como Enciclopedia Pictura o Jesse Kanda  se ha empeñado en realizar piezas que superen el genero del vídeo musical, que lo transformen en algo nuevo.  

 

 

Björk ha propuesto desde siempre audiovisuales en los que se mezcla la performace, los tratamientos visuales innovadores, la animación, y la música. Así que la artista llega a la realidad virtual como una evolución natural de este interés por crear nuevos dispositivos con los que comunicarse con su audiencia.

 

 

Esta exposición Björk Digital es  sobre todo eso, la oportunidad de experimentar cinco instalaciones nuevas de realidad virtual que Björk ha hecho exclusivamente para este proyecto trabajando con cinco canciones de su último àlbum Vulnicura.

Björk Digital es una  especie de ópera tecnológica en diferentes actos.

-¿Habéis contado con la colaboración de Björk, hasta qué punto se ha prestado para concebir este proyecto?

Björk ha diseñado personalmente la experiencia. Se trata de una visita pautada que dura unos 90 minutos donde el público se mueve en un grupo muy reducido. En cuando al formato se parece más a una performance u obra teatral que a una exposición convencional. Tienes que reservar tu sesión y comprar tu entrada por adelantado para un día y un horario determinado, como si fueras a un concierto. De hecho la artista considera  que la experiencia teatral que ofrece la realidad virtual es una manera única y íntima  de conectarse con su público, de uno a uno.

Por ejemplo en Mouth Mantra VR una pieza de Jesse Kanda viajas por el interior de la boca del artista mientras canta, entrando en la intimidad de su garganta que es para ella la metáfora de su fragilidad.

 

 

Otra de las obras NotGet VR es una impactante y alucinante experiencia de gráficos generativos que presenta a Björk transformada digitalmente en un insecto, una polilla gigante.

 

 

Otras piezas son enormemente interactivas. Esta tecnología de RV propicia una experiencia inmersiva, la penetración física en el universo en metamorfosis del artista, en sus paisajes, en su propio cuerpo, en su voz. Eso es lo que propone Börk, una especie de comunión.

-Ya para acabar, el CCCB es coproductor de Björk digital, junto con Sold Out, DG y colaboración del Sonar, ¿Habéis diseñado productos exprofeso para este evento, como el clip Black Lake, realizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York?

El CCCB, Sold Out, DG Enterteiment junto con el Festival Sonar se encargan de la producción de la exposición en Barcelona, pero las nuevas piezas han sido producidas por la propia Björk.

 

 

Björk estará presente con esta exposición en Sónar 2017 junto con otras actividades que se han programado desde el Festival, que se encargará de inaugurar en Fira Montjuic el mismo 14 de junio.

Además, la islandesa intervendrá en la sección Sónar+D, que este año versa sobre realidad virtual, arte e inteligencia artificial.

Una buena excusa, sin duda, para darse un garbeo por la Ciudad Condal!

Os recordamos que este es el enlace para adquirir las entradas a la exposición.

http://bjorkdigital.cccb.org/es/


Hasta la próxima aventura de ARS!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers   23.may.2017 13:34    

Manu Viqueira: buceando en los sueños

¿Quién diría que tras el lyric video de Green Day "Troubled Times" hay un gallego llamado Manu Viqueira? Sin duda se trata de una de las noticias que más ha epatado dentro del mundo del videoclip en España en lo que llevamos de año.
Manu es un realizador experimentado y lleno de inquietudes con una amplia trayectoria que no deja indiferente a nadie. Y por este motivo, no es nada casual que alguien se haya fijado en él para realizar proyectos ambiciosos incluso a nivel internacional. Cada vez más son los "commissioners" y "cazatalentos" que rastrean las plataformas digitales (vimeo, youtube...) en busca de talento.
 Y este ha sido el caso de Viqueira, un creador deslumbrante en lo conceptual y en la puesta en escena, con amplios conocimientos de animación y motion graphics.
 
Manu es un derroche de entusiasmo, de tesón, y es capaz de imprimir y contagiar ilusión a todos y cada uno de sus proyectos.
Como buen nadador, Manu sabe bucear en las imágenes y en los sueños buscando la excelencia.
Lo suyo es auténtico amor al videoclip.
En esta entrevista nos presenta no solo el excepcional trabajo para Green Day, también nos muestra en primicia algunos fotogramas de su nuevo videoclip para Soziedad Alkohólica y nos abre las puertas a algún documental inédito.
Además de darnos su personal receta de cómo vivir del videoclip en nuestro país. Es una entrevista amplia (el entrevistado no se ha podido contener!, jeje) pero os aseguramos que merece la pena escuchar las reflexiones de Manu en toda su amplitud.
 
 
 
 
MAnuenGreenDay
 Autorretrato de Manu Viqueira en "Troubled Times" de Green Day
 
 
-Tus coqueteos con el videoclip vienen desde hace más de una década con experiencias para Pulpiño, DeLaHoja, ¿cómo nace en tí esa pasión por este formato?

Cuando era pequeño, mi rutina y la de mi hermano los sábados por la mañana era ver en la tele los 40 Principales y luego el programa Cartelera de cine. Grabábamos los vídeos que más nos gustaban en cintas VHS: Música1, Música2, Música3... Al final teníamos como 9 horas de nuestros videoclips favoritos y nos los poníamos una y otra vez. Hace dos años me mentalicé para tirar por fin todas las cintas VHS, pero me quedé con esas tres y con las de Star Wars jejeje

En esa época me gustaban muchos directores de cine que algunos críticos a veces menospreciaban por ser demasiado 'videocliperos' como Alex Proyas, Danny Boyle, Tony Scott o
Darren Aronofsky. Años más tarde, descubrí a Spike Jonze y Michel Gondry y disfrutaba de sus juegos visuales, el ritmo y lo onírico sus trabajos, su humor tan particular...

Crecí como nadador de competición y estoy seguro de que esto me influenció de alguna manera porque la música siempre la usé para motivarme y visualizar las pruebas en mi cabeza.
Cuando dejé de nadar, empecé a surfear y me pasaba lo mismo. Creo que por eso me gustan grupos enérgicos y de subidón como Offspring, Bad Religion, System of a Down, Red Hot Chili Peppers, Pear Jam, Rage Against the Machine, Penny Wise, Green Day...

Ya en la Universidad, mi proyecto fin de carrera se centró en la realización de videoclips de Hip Hop. No conocía mucho este género pero el grupo pontevedrés
DeLaHoja eran colegas y como veía todos los videoclips de Hip Hop demasiado parecidos y que pocos directores se atrevían a probar algo distinto, lo encontré curioso. Estos fueron mis primeros videoclips aunque no tuvieron demasiada difusión porque al poco tiempo de finalizarlos, uno de los cantantes abandonó el grupo y no querían confundir a su público. Fueron retransmitidos en varios programas de la TVG pero ni siquiera llegaron a publicarse en internet.
  





-El "bombazo" salta a principios de este año año cuando por carambolas del destino acaba contactando contigo el supervisor jefe de videoclips de Warner Records Devin Sarno que, al ver tus trabajos audiovisuales, te encarga el último videoclip de la banda californiana.
Una pieza que te ha catapultado y para la que has tenido prácticamente total libertad creativa. ¿Cuéntanos cómo fue ese momento y qué se te pasa por la cabeza cuando te hacen un encargo de esas dimensiones para un grupo de alcance global como es Green Day?


En ese momento, atravesaba una crisis creativa. Trabajaba muchísimo pero no me sentía orgulloso de ningún clip en concreto. Lo que más me gustaba era hacer videoclips y llevaba 8 años sin hacer ninguno, así que empecé a pensar en buscar un grupo para hacer un videoclip gratis, pero con gastos pagados, en el mes de Diciembre... El 17 de Octubre recibí un correo de un tal Devin Sarno en el que me proponía hacer un lyric video de Troubled Times una canción del nuevo disco de Green Day y me enviaba referencias de los anteriores lyrics de la banda. Como yo suelo hacer bromas telefónicas a mis colegas, lo primero que pensé es que se trataba de eso, de una broma. Al meter su nombre en Google, entré en su Linkedin en el que aparecía como 'Head Supervisor video of Warner Music Group' y de repente me agregó a su red de contactos como si estuviera saludándome desde Los Ángeles. Después consulté Imdb y IMVDb y descubrí que fue el productor y video comissioner de bandas como Red Hot Chili Peppers, Linkin Park, Smashing Pumpkins, Serj Tankian, varios de mis grupos favoritos. Estaba tan nervioso que no quería responder al momento, así que me fui a correr a las cintas de un gimnasio que tienen pantallas delante y me puse videoclips de Green Day. De vuelta en casa, con un gin tonic al lado del teclado,  le agradecí la oportunidad y le conté lo de mi crisis creativa como si estuviéramos en la barra de un bar. Devin me agradeció la sinceridad y enseguida nos pusimos manos a la obra.
 
 
Manu entre ordenadores
Manu rodeado de ordenadores, su fábrica de sueños

- Si no me equivoco al principio la temática del videoclip giraba alrededor de la guerra, pero posteriormente el leit motiv fue Trump ¿fue un cambio premeditado por el resultado de las elecciones en EEUU, te obligó a hacer muchas variaciones?

Pues sí, en un principio el videoclip se basaba en el sinsentido de la guerra, inspirado en las víctimas de Bataclán y la fecha de entrega era el 16 de Diciembre. Yo tenía planeada una especie de luna de miel en Filipinas del 1 al 24 de Noviembre y me confirmaron que me esperaban así que trabajé a destajo y me fui con un minuto de videoclip avanzado que a Devin le gustó mucho, así que al volver solo tenía que seguir esa dirección y acabarlo. Pero el 9 de noviembre, Trump gana las elecciones y yo presentía que eso me iba a afectar de alguna forma. El día 11 la banda se reúne con Devin y me preguntan si me siento preparado para darle un giro y basarlo en la lucha de las sufragistas, los derechos civiles y las actuales elecciones. Yo les dije que sí pero la idea me daba bastante respeto porque era un tema serio y tocar la historia de Estados Unidos. La nueva fecha de entrega era el 20 de enero, el día de la toma de posesión de Trump. Prácticamente tuve que empezar otra vez de cero. Enseguida, me puse a trabajar en el nuevo guión pero hacerlo desde las paradisíacas playas de Filipinas lo hizo algo menos duro jeje De vuelta en A Coruña el 25 de noviembre, pasé mes y medio trabajando a tope, durmiendo muy poco y viviendo prácticamente solo para el videoclip, pero muy feliz.
Toda la experiencia ha sido como un sueño hecho realidad de principio a fin. Todo me parecía perfecto, la canción, el grupo, el tema, el alcance internacional, el tiempo que me dieron para poder hacerlo y sobre todo la confianza que depositaron en mí y la libertad creativa con la que me dejaron trabajar, el único límite era quizás meterle demasiada caña a Trump. Sentir que les gustaban las ideas me hizo llorar muchas veces y Devin Sarno, que actuó como intermediario con la banda, debe tener un máster en motivación porque sus palabras eran energía pura para mí. También me emocionaron las bonitas palabras de la propia banda y de su mánager Pat Magnarell cuando entregué el vídeo que finalmente se estrenó el día 16 de enero, el día de Martin Luther King, uno de los protagonistas del vídeo. La primera semana se convirtió en trending topic pero cuando Trump tomó posesión el nivel de reproducciones frenó en seco.

 
  Trending topic green day
 


- Manu, repasando tu trayectoria te has ido especializando en herramientas de motion graphics, con gusto por el collage... Desde la perspectiva expresiva, ¿cual sería tu estilo, con que señas de identidad te sientes proyectado?


A raíz de estos últimos vídeos Green Day y S.A. doy la impresión de que me gusta la animación collage barroca de denuncia y activismo, con ritmo frenético, el plano secuencia, condensar información y que con cada visionado se descubra algo nuevo. Prefiero apabullar que aburrir. Para mí más es más, jejeje Y es cierto, me encanta el collage pero me gusta más aún el vídeo con juegos visuales. Me gustan distintos estilos, llevar la contraria y enfrentarme a nuevos retos por eso hace unos meses me embarqué en un proyecto para hacer un Fashion Film en el Parque do Pasatempo en Betanzos, un clip de fantasía con FX, mezcla de colores y un ritmo más pausado. Suelo estar al día en las novedades de plugins y efectos para disponer de herramientas que ofrezcan nuevas posibilidades visuales pero al mismo tiempo no soy tan friki en el aspecto técnico así que seré más feliz cuando pueda delegar algo más esa parte del trabajo.

Y me gusta la dirección por la que voy ahora, un 2x1 de música y activismo y aunque no quiero encasillarme en el género de denuncia, he contactado con una ONG para colaborar de alguna manera.

Definir mi estilo me resulta complicado así que prefiero enumerar las cosas que me gustan de mis creadores favoritos. Me encanta hacer listas y disfruté mucho haciendo ésta: la locura y bucle hipnótico de Cyriak; el estilo gamberro de Spike Jonze, Dalí; el ritmo de Cunningham; Banksy; el ritmo frenético y el acting en las películas de Alex de la Iglesia; los libros de Wally; el arte y la elegancia de Guillermo del Toro; el guión de Jodorowsky; el flipe visual y el humor de Edgar Wright, Matthew Vaughn, Boyle, Guy Ritichie y Sam Raimi; todo lo de los Monty Python; el timing de las animaciones de Terry Guilliam; lo que hace Patrick Clair (True Detective...); los planos secuencia de Cuarón; Kelly Slater; los gestos de Serj Tankian y Bruce Campbell; el ser referencial de Tarantino; Miyazaki; los laberintos mentales de Nolan, los bailes de Daniel Cloud Campos, etc... Pero sobre todo, mis directores favoritos son: Kubrick, Woody Allen, Bergman y Scorsese.

Cuando más disfruto es pensando en el guión, el concepto de realización y el montaje-ritmo. Lo paso genial preparando los bocetos y sufro más con el acabado.



- Además en tu videografía encontramos Fashion Films, Publicidad corporativa, ¿hasta qué punto te sientes cómodo en este tipo de trabajos cuando son encargos muy condicionados por el cliente?

 

 

Como todos los que nos dedicamos al audiovisual nos gustan todos los proyectos en los que trabajamos porque es algo muy vocacional y nos encanta lo que hacemos, pero al final yo siempre gastaba todas mis energías en los trabajos 'alimenticios' y no me quedaba ningún margen para proyectos personales que de alguna forma me reactivasen y de ahí surgió mi crisis creativa. En los Fashion Films encontré una vía para hacer lo que me gustaba, porque se parecen a los videoclips, y que al mismo tiempo resultara rentable.


 

-También me han llamado la atención tus cabeceras y documentales para programas de TVG. Háblanos de manera sintética de estas experiencias y de cuales te sientes más satisfecho.

Creo que el trabajo que más me representa es mi 'showreel' que demuestra la variedad de estilos y proyectos en los que he trabajado. Sin embargo cuando lo monté no encontraba ninguna imagen que me gustara mantener en pantalla especialmente hasta el videoclip de Green Day, con el que por fin he quedado satisfecho con el acabado final y eso que es sucio punk jeje

 
El videoclip "In The Ocean" de Pulpiño Viascón lo hice recién salido de la facultad, cuando trabajaba como becario en la TVG. Allí sabían que me gustaban los videoclips y decidieron probar suerte conmigo.. Lo hice en 4 días sin dormir y lo pusieron mucho en Xabarín Club, un programa infantil de TVG. Por supuesto técnicamente no está bien pero resultó simpático.
 

 

A "Naqueles Tempos", una serie documental sobre la historia de la música en Galicia, le dediqué mucho tiempo y cariño, por el tema que trataba y por todos los implicados. Este proyecto me sirvió para hacer más callo con las técnicas de animación collage y travelling.

 

 

El documental "Luis Trigo, O Gardarríos de Mondoñedo" del 2010, fue un proyecto muy duro y ambicioso técnicamente pero con un presupuesto ajustado. Dura 50 minutos, de los que 40 son Motion Graphics y FX. A pesar de todo lo recuerdo con cariño y creo que tiene muy buenas ideas. Como en su momento no tuvo mucha difusión, ahora vamos a estrenarlo en internet. Cuenta la historia del guerrillero Luis Trigo y explica cómo afectaban los acontecimientos políticos nacionales e internacionales de la época a un hombre de Mondoñedo.

 

Documental íntegro gentileza Manu Viqueira

 

Este ya estaba siendo un buen año para mí antes del bombazo de Green Day. Hice la cabecera, grafismos y animaciones de fotografías de "La Batalla Desconocida" de Paula Cons, un documental producido por TVE, TVG e ICAA, que demuestra que España no fue neutral en la II Guerra Mundial exponiendo documentos de la venta de Wolframio en las minas de nuestro país. Además, dentro de poco se va a estrenar Dhogs, una película hecha en Galicia por Andrés Goteira en la que me encargué de la supervisión de FX y que creo que va a dar mucho que hablar.

 

 

-Ya para acabar, está en camino un nuevo videoclip para Sociedad Alcohólica, de quienes has tenido la gentileza de facilitarnos un adelanto. Aquí profundizas en la técnica del collage aún más si cabe ¿cómo surge este proyecto?


'Troubled Times' tuvo mucho repercusión en Galicia. Durante varias semanas estuve bastante presente en los medios. A la gente le gustó la idea de que alguien hiciera un videoclip de una banda internacional como Green Day contra Trump y todo desde A Coruña. Además el hecho de que me escogieran para tal encargo a través de un 'Me gusta' en Vimeo despertaba mucha curiosidad y a la gente del audiovisual les llamó la atención el buen trato recibido por una productora como la Warner y la libertad que me dejaron a la hora de trabajar. Parte de esta repercusión llegó al País Vasco y si me emocionaba al recibir los correos electrónicos de Green Day, me emocioné aún más cuando recibí el de Juan, cantante de Soziedad Alkóholica: ' no sé si nos conoces o te mola nuestra banda pero nos preguntábamos si habría posibilidad de hablar para hacer algo juntos'. Tan solo contesté: "tío! GENIAL!!!!!!! te escribo esto! me seco las lágrimas, llamo a mi novia, a un colega, a mi hermano y te sigo escribiendo!
A pesar de haber recibido varias propuestas curiosas, desde Boston, Israel o Alemania, ésta fue la que más significó para mí. Suponía que el tren de dedicarme a hacer videclips estaba en marcha.
 
- Y una pregunta final comprometedora. En varias ocasiones te he oído decir que quieres dedicarte profesionalmente al videoclip. La paradoja es que en España es un formato atractivo pero al que se dedican pocos recursos ... ¿crees que es compatible el hacer videos musicales y poder vivir de ello en España? ¿hasta que punto la salida no está en producir videoclips para el mercado anglosajón que entiende la industria audiovisual de otra manera?

Mi objetivo primordial es dedicarme al máximo a dirigir videoclips pero soy consciente de que voy a tener que dedicarme a otros proyectos por el medio. Lo importante es organizarme, economizar y reservar energía para poder hacerlos. En los lyric videos trabajo junto a David Rodríguez Simón. Somos como máximo un equipo dos o tres personas y no hace falta rodaje aunque al final supongan mes y medio de trabajo. La suerte es que actualmente puedo trabajar de la misma manera para Los Ángeles como para alguien de mi misma ciudad, a través del correo electrónico, Skype, wetransfer, Vimeo... Y sobre todo para proyectos como los que estoy llevando a cabo ahora con Motion graphics y collage. Incluso para el nuevo de S.A. de imagen real, voy a grabar a la banda en un plató con chroma y estuvimos barajando la idea de que si les enviaba un storyboard otra persona podía grabarlos en Gasteiz y luego enviarme el material, aunque finalmente vendrán a grabar a mi ciudad.
 
 
NinhayCalavera-SistemaAntisocial
 
 

Además, Pat Magnarella, el manager de Green Day, me recomendó en Capitol Records de Universal Music, y se pusieron en contacto conmigo para hacer el lyric video de la canción anticipo del nuevo disco de la banda Rise Against. Como aún estaba acabando el de S.A no me daba tiempo pero dijeron que me llamarían para el siguiente. La verdad es que no contaba con que me llamaran pero se han puesto de nuevo en contacto conmigo para el lyric de otra canción para el estreno del disco en Junio. Con este tipo de proyectos sí es viable mantenerme sólo haciendo videoclips.

En España también he tenido suerte por el momento. Soziedad Alkólika en un principio quería un lyric video más sencillo y se dieron cuenta de que algo como 'Troubled Times' requiere más trabajo y presupuesto porque es como un videoclip normal al que le añadí el texto. Les propuse hacer así y decidieron invertir más y apostar por ese formato.
 
 
PELEA DE GALLOS-EUROSA
 
 

De forma esquemática éstas son las vías que veo para conseguir vivir de hacer videoclips:

- Vídeos internacionales
-
Convencer al grupo que invierta lo suficiente. Siempre tengo en mente que la gente paga más de 1500 euros por el vídeo de su boda así que una banda debería invertir más en sus vídeos.
- Realizar muchos lyrics sencillos en los que gastaría poca energía
- Si necesito más proyectos para completar el mes puedo dar cursos de Motion Graphics porque disfruto mucho dando clase.
- Economizar tiempo y esfuerzo. Escoger aquellos proyectos potentes en los que pueda trabajar en equipo y delegar tareas.
- La que no voy a contar porque es top secret :)
Este año mi objetivo es hacer 10 videoclips por todos los que no he hecho en todos estos años. Y los que me conocen saben que mi evolución natural sería hacer uno para Ojete Calor entre esos diez :)
 
Palabra de Manu!
lo comprobaremos en futuras entregas...
 

Hasta la próxima aventura!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers   16.may.2017 12:54    

Bol!: mural de emociones

Ból! Estudio es el proyecto personal de Jorge García, creador multidisciplinar que se dedica a la ilustración, el diseño, la animación, el mundo editorial... y también con incursiones en el videoclip  "una manera de juntar mis dos pasiones, la música y la ilustración" como él mismo nos cuenta.

Repasamos la videografía de Ból! pero sobre todo nos detenemos en su última pieza "Un hombre" para Exquirla (proyecto surgido de la colaboración entre Niño de Elche y Toundra), una obra magna de diez minutos en la que Jorge ha recreado un mural gigante inspirándose en los textos de “La Marcha de los 150000000” de Enrique Falcón.

Un proyecto ambicioso rodado con técnica de Timelapse en 4K y que ha tenido una cuidada preparación, si bien también respira improvisación y frescura.

"Tardé cuatro días en pintar el cuadro y por tanto de rodaje. Íbamos parte por parte rodando en 4k para poder reencuadrar en postproducción de manera que tuviésemos más posibilidades de mover la cámara. Todo esto estaba guionizado así que la distribución de los elementos ya estaba pensada previamente y habíamos hecho unos cálculos de lo que duraba cada parte en relación también con la música".

 Jorge García nos cuenta más detalles en esta conversación con ARS!.

 Resultado de imagen de exquirla un hombre

 

 -Jorge, inicialmente te dedicas al mundo del diseño y la ilustración (portadas de discos, posters, camisetas, mundo editorial...). ¿Cómo acabas desembocando en el universo del videoclip?
Siempre me gustó el mundo de los videoclips, la animación y el motion graphics de manera que tras estar mucho tiempo trabajando en el mundo editorial, y buscando una forma de renovarme me metí en este mundillo. Aparte es una manera de juntar mis dos pasiones, la música y la ilustración. Aun sigo aprendiendo y me considero nuevo en esto.

 


-Nos ha deslumbrado tu videoclip "Hombre" para Exquirla (proyecto de Toundra con Niño de Elche). Es una suerte de "Draw my life", en el que dibujas inspirándote en la intensidad emocional de la canción. ¿Cuál ha sido el proceso creativo y por qué utilizas esta técnica?


La idea surgió en principio de Esteban, guitarra de Toundra y Exquirla. Querían hacer un video conmigo pero la posibilidad de hacerlo de animación se nos iba de las manos por la duración del tema (10:00) así que pensamos que esta era una solución buena y un planteamiento diferente teniendo en cuenta el tiempo que había de producción. Nos gustaba la idea de crear un mural gigante con mis dibujos y que eso acompañase a la música, el problema es que no deja de ser un videoclip y había que darle una vuelta más de rosca para que contase algo y enganchase al espectador.  

-A nivel narrativo, hay un crescendo estético y una historia que culmina en un climax final. ¿Qué es lo que querías contar con esta pieza y que referencias artísticas has tenido presentes?


La principal inspiración en este video han sido los textos de “La Marcha de los 150000000” de Enrique Falcón y de ahí sale todo el hilo narrativo. El disco entero de Exquirla está basado en estos textos y yo quise sintetizar una idea general y la sensación que me produjeron al leerlos. Como digo hay muchos conceptos que aparecen aquí y que de alguna manera tienen relación. Habla del abuso de los países ricos sobre los pobres, de como estos países hacen de vampiro y le chupan la sangre y los recursos a los más pobres. Habla de represión, de cárceles y de cómo se intenta silenciar y apartar a las personas que intentan luchar contra este tipo de injusticias. Me gustaba la idea de que el cuadro fuese cambiando durante el proceso de manera que contase todo esto. También quería recalcar el concepto de dominio del norte sobre el sur de manera que se van distribuyendo los elementos en el cuadro y estos configuran lo que al final es un hombre.

 

Resultado de imagen de exquirla un hombre


-Desde el punto de vista tecnológico, explícanos los pasos que has dado. Parece una especie de Timelapse, grabando en continuidad en muchos casos. ¿Cuánto tiempo has tardado en la confección del mural, y cómo ha sido la grabación y posterior postproducción? Parece que en las imágenes has introducido una capa adicional, una especie de trazos superpuestos...


La idea principal, como dices, era la de crear un Timelapse en la que a través del cuadro hubiese un hilo narrativo. En principio iba a ser del plano general del cuadro pero al final decidimos que fuese por partes para tener más juego a la hora de montarlo y que tuviese más dinamicidad. Era un reto grande hacer un video de diez minutos que captase la atención de la gente y en el que solamente apareciese yo pintando así pensamos que así lográbamos darle un aspecto más narrativo. Tardé cuatro días en pintar el cuadro y por tanto de rodaje. Íbamos parte por parte rodando en 4k para poder reencuadrar en postproducción de manera que tuviésemos más posibilidades de mover la cámara. Todo esto estaba guionizado así que la distribución de los elementos ya estaba pensada previamente y habíamos hecho unos cálculos de lo que duraba cada parte en relación también con la música. Una vez rodado todo solamente había que colocar y ajustar en el tiempo cada parte según el guión y la escaleta inicial. Finalmente le metí una capa encima de animación para que fuese aún más dinámico y para taparme a mi ya que verme pintar desviaba mucho la atención.

 


-Además de esta pieza, para Exquirla tienes otro trabajo: "Destruidnos juntos", un lyric video en el que utilizas la animación pero también el found footage en blanco y negro. En cierto modo y a pesar de la diferencia de técnicas, nos encontramos un hilo conductor, una conexión con el otro videoclip...


Efectivamente hay una conexión con el otro video. Como te decía todo parte del libro de Falcón y este video es una premisa del siguiente pero sin tratar el tema tan generalmente. Digamos en que este habla más de todas esas muertes anónimas que se producen a diario por el capricho de los gobiernos tiranos y las gran desigualdad entre países ricos y pobres. También está más enfocado a ser un lyric video y el protagonista aquí es la letra de manera que traté de buscar imágenes y símbolos que apoyasen y diesen dramatismo a la canción.


-Quiero suponer que con Toundra te une una relación especial, pues en 2014 ya dirigiste para ellos una obra titulada "Oro Rojo", cuéntanos brevemente, ¿cómo surge esa colaboración con la banda madrileña y cual fue tu propuesta creativa en este primer videoclip?

Con Toundra tengo una relación muy estrecha ya que los conozco desde hace muchos años y son amigos cercanos. Aparte Macón, guitarrista, toca conmigo en otras dos bandas que son El Páramo y Adrift desde hace muchos años. A ellos siempre les ha gustado lo que hago y confían en mi para estas cosas de manera que en su día surgió la idea de hacer el video de Oro Rojo. Realmente era el primer video que hacía y como necesitaba ponerme las pilas en esto de los videoclips y la animación me propuse como reto hacerlo. Básicamente la idea era contar un poco la historia que hay detrás del disco IV de Toundra a través de la animación y con mis ilustraciones. Fue un trabajo duro pero aprendí muchísimo y ellos quedaron muy contentos con el resultado.

 



-Ya para acabar me gustaría mencionar otros dos videos, por un lado "Ser o no ser" para Hamlet, un video musical de animación en el que vuelves a mostrar un mundo sórdido y al límite, con situaciones extremas y colores muy intensos.


Hamlet, tras ver el video de “Oro Rojo”, me encargaron hacer este video con total libertad. A Luís le gusta lo que hago y confiaron totalmente en mi a todos los niveles ya que no pusieron ninguna pega a mi propuesta, lo cual es de agradecer. Interpreté el tema como una cuestión de superación personal donde un personaje lucha por crear algo grande dentro de un mundo desolado.

 


-Y por otro lado, un video para Otus (proyecto de Juan AATHMA), en el que a diferencia de los demás, apuestas por la imagen real en blanco y negro. ¿Por qué este cambio estético?
Aquí el video se planteó desde un principio como un video de imagen real. Juan quería algo sencillo y minimalista así que nos propusimos hacer el video de manera sencilla, con fondos oscuros y jugando con el montaje para darle un toque estético acorde a la música que hace Juan. Es el primer video que he hecho de imagen real y fue otro pequeño reto. La verdad es que disfruté haciéndolo y quedé contento con el resultado.

 


-Por cierto, ¿por qué pones Bol! al estudio? ¿algún proyecto confesable para próximas fechas?
Le puse Ból! porque mucha gente me llama así. Me gusta porque es directo, fácil de recordar y me representa bastante. El hecho de que vaya con exclamación es por una broma interna entre amigos ya que tengo un colega que siempre me llama así, como a veces y me gustaba que formara parte del nombre, como una llamada.
De momento estoy pendiente de alguna cosa pero no voy a decir nada por no gafarlo, jejejeje. Pero bueno, en un tiempo cercano creo que habrá algo nuevo que mostrar y también será algo un poco distinto a lo que he hecho.

 

Hasta la próxima aventura!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers    9.may.2017 11:03    

Los Ganglios: el videoclip como meta

Ya hace unos meses que se estrenó el disco de Los Ganglios "Segunda Escucha", un grupo absolutamente inclasificable, no sólo en lo musical, sino también en lo visual

 

Resultado de imagen de segunda escucha

 

Hace más de tres años les dedicábamos un post: "Copia original", en el que intentábamos explicar el derroche creativo de esta banda sin parangón, con un imaginario que va desde Julio Iglesias a Extremoduro, pasando por Alejandro Sanz, Pedro Guerra, Bisbal, Bustamante, Chamorro (el de la tienda de discos Ultra-Local) o los buitres negros de Monfrague... Y es que para Los Ganglios el formato videoclip es un Ente total en el que las imágenes tienen tanta importancia como las canciones.

En esta charla repasamos un buen ramillete de sus nuevos videoclips, que ilustran a la perfección esos ritmos pegadizos y esas letras irónicas, paródicas, en ocasiones desternillantes pero también reflexivas... Puro Porc!

 

LOS GANGLIOS GRUPO MUSICAL

 

-Como ya es costumbre en vosotros, muchas de vuestras canciones tienen su correspondiente videoclip. Para Segunda Escucha, habéis realizado una buena serie de piezas audiovisuales: Vivencias Propias, S.A.N.Z., Los Arquitectos, Galletas y Cereales... Cada una es de su padre y de su madre pero ¿teníais ya alguna idea preconcebida para llevar a imágenes las canciones cuando estábais grabando el disco?

 

Los ganglios

 

Sí, lo tenemos en cuenta. En general, cuando estamos buscando un tema que nos inspire nos interesa que sea musical y que sea también visual. Tenemos el videoclip como meta, y nos gusta que las imágenes, los textos y la música estén engarzados con cierta coherencia (coherencia a veces absurda, pero coherencia), no nos gusta que cada cosa esté aislada de las demás, como mero acompañamiento. Osea, que al empezar a escribir la letra de las canciones ya nos estamos imaginando posibles videoclips.

 

 

-Entrando ya en materia, me sigue fascinando esa capacidad vuestra de mezclar grabación in situ, imágenes de archivo, postproducción de andar por casa... ¿Con qué criterio os soléis plantear la realización de un nuevo videoclip, cómo suele ser vuestro método de trabajo, codirigís a varias bandas, alguien lleva la "voz cantante"?

 

Depende del caso, no siempre ocurre igual. Los videoclips del disco nuevo son bastante diferentes entre sí. Por ejemplo, para el videoclip de "Los Arquitectos" hemos usado imágenes festivas grabadas durante el concierto que hicimos en la sala Penélope de Madrid en septiembre del año pasado, y las hemos mezclado con una serie de paralelismos visuales que ilustran las ideas que contiene la canción. Por un lado hemos contrapuesto imágenes de bateadores de oro y gente cocinando migas extremeñas, y por otro imágenes de albañiles poniendo ladrillos con gente manejando lingotes de oro. Todo esto fue surgiendo mientras montábamos el video, es cuestión de echarle horas y de apasionarse un poco, rebuscar imágenes en internet, probar una cosa y otra para ver qué es lo que funciona mejor... Nos encanta montar video, hacer pequeñas animaciones, es lo que más nos gusta. El que más horas dedica a los videos es Xoxé, pero los otros miembros del grupo hacen un trabajo de aporte y filtrado durante el montaje que es muy importante. Xoxé hace los videos con collage de archivo. Por ejemplo LOL, Color de Rosa, o Galletas y Cereales, los ha hecho él solo.

 

 

Filete participa más cuando grabamos nuestro propio material y hay que hacer narración mas “clásica”, como en Calvario o Babieca Hiede. A la hora del montaje solemos trabajar juntos.

 

 

- De esta última hornada me llama la atención "Vivencias propias" la reivindicación del terruño para el que me da la impresión que habéis grabado bastante material ex-profeso...

Vivencias propias está basada en hechos reales, el caso es que le pusimos a un amigo una canción nueva que estábamos haciendo, y en el momento en que mencionábamos a un buitre negro nos dijo: Hombre, esto es un poco copia de Extremoduro... Al final aquella canción no cuajó, pero el comentario de nuestro amigo nos dió que pensar, y de ahí salió "Vivencias Propias", que habla del pleno derecho que tenemos como extremeños a meter buitres negros en las canciones, sin que nos pueda acusar nadie de copiones, hemos estado en Monfragüe muchas veces. La primera parte del videoclip está grabada en Montijo (Badajoz), y para la segunda nos fuimos a pasar la tarde con nuestro amigo Kafone al parque natural de Monfragüe, al Salto del Gitano, a mirar los buitres con los prismáticos. Los buitres que aparecen con más detalle no son de allí, los grabamos luego en el zoo de Barcelona, porque en Monfrague están libres y a tomar por culo y fue imposible hacer un zoom decente a la cara de alguno.

 

 

-En contraposición nos encontramos con Los Arquitectos, S.A.N.Z o Galletas y Cereales que están más basados en found footage. Me encanta esa debilidad vuestra por personajes como Alejandro Sanz, Bisbal, Bustamante, o el propio Julio Iglesias, iconos a los que les dais la vuelta. ¿De dónde viene esa querencia? ¿Sabéis si los susodichos conocen, saben de vuestros videoclips, habéis tenido su feedback?

 

Pedro Guerra Los Ganglios

 

Xoxé tiene querencia por las baladas románticas en castellano, en los viajes en coche nos pega buenas sesiones de Julio y Alejandro. Bustamante y Bisbal no nos van mucho, pero tampoco están mal, nosotros respetamos a todos los músicos en general. El único personaje que ha respondido a nuestras menciones es Pedro Guerra, le disfrazábamos de duende en el videolclip de INFOCREACIÓN y le dio a me gusta.

 

 

-Además de los videos musicales siempre me ha sorprendido vuestra versatilidad para hacer videos promocionales (de discos , de conciertos, anunciando vuestros bolos junto a otros grupos como Ciclos Iturgaiz, El gran puzzle Cósmico...). Me parece un género en sí mismo, y algunas creaciones son auténticas joyitas. ¿Quién se suele encargar de estos artefactos y con qué herramientas soléis trabajarlos?

Xoxé se encarga de esas piezas cortas, usa métodos rudimentarios de animación, cortipega de photoshop y edición de vídeo sin fundidos, más bien cortes secos.

 

 

- Incluso de vez en cuando, también nos sorprendéis con videoclips dirigidos para otros grupos, como es el caso de Opinion de mierda, de los Punsetes. ¿Cual es el origen de este proyecto y por qué os decidís a dirigirlo?

 

Nos llamaron desde la discográfica de Los Punsetes, querían que Los Ganglios hiciésemos un videoclip tipo collage para su canción "Opinión de Mierda". Nos gustó la canción y quisimos hacerlo porque había algo de presupuesto y nos apetecía contar con algunos medios para variar, poder montar un decorado y unos focos. Tampoco es que sea una superproducción, pero a nosotros nos parece "Cleopatra" si lo comparamos con los exiguos medios a los que estamos acostumbrados.

 

             Resultado de imagen de roldan los ganglios

                       Fotograma videoclip "Buena idea" de Los Ganglios para Roldán

 

-Otra curiosidad, ¿en vuestros conciertos, es habitual que jugéis con proyecciones, ¿usáis los videoclips, o tenéis unas proyecciones específicas?

Usamos proyecciones específicas en los intervalos entre canciones para explicar las canciones a modo de Power Point trovadoresco, suele ser foto fija, como mucho animación de dos fotogramas, y nunca son imágenes sacadas de nuestros videoclips. Tampoco las usamos durante todo el concierto porque las pantallas embelesan mucho y la gente se queda mirando y baila menos. Además nos gusta cambiar las imágenes para cada concierto, para que no se enquiste el discurso.

 

- No quiero acabar esta entrevista sin saber quien es Chamorro y si es él el que aparece en el clip de S.A.N.Z.?

Sí, el que sale en el videoclip es Raúl Chamorro, él y su pareja Carme son los propietarios de la tienda de discos Ultralocal, que está muy cerca de nuestro local de ensayo. Está muy guay la tienda, hacen conciertos, radio, fiestas, y son muy simpáticos... Hay que decir que en realidad esa pieza que hay en internet no es el videoclip de la canción, ni siquiera es la canción que hay en el disco, es un bocetillo al que le hicimos un video con la webcam, tenemos entre manos grabar uno en la propia tienda.

 

 

- ¿Algún nuevo vídeo musical a la vista?

Estamos haciendo varios a la vez, de canciones del disco Segunda Escucha: S.A.N.Z., Ceguera de RAP, Un poco de cero, Pierrot... Saldrá primero el que acabemos antes.

 Ganicas tenemos de verlos!

cropped-g-1-2.png

Hasta la próxima aventura!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers    2.may.2017 08:59    

Adrián Nieto: ensoñación granaína

 Como todos sabéis, la magia se respira en el aire de Granada, cuna de talento artístico e inspiración de músicos, poetas, pintores, cineastas...

En este contexto, nos ha parecido oportuno detenernos en la figura de Adrián Nieto Maesso, realizador audiovisual afincado en Granada (si bien es de Úbeda) y que desde hace años pone en imágenes muchas de las canciones de los músicos de la tierra: Los Planetas, Soleá Morente, Pajaro Jack, Antonio Arias y un largo etcétera... pocos se resisten a su mirada incisiva.

Adrián se ha especializado sobre todo en la captación atmósferas y sentimientos en directo, como es el caso del último vídeo grabado para Los Planetas en La Chumbera de Granada, y que analizamos en este post.

Además, es autor de videoclips, promocionales, documentales y se ha embarcado en proyectos muy interesantes como es Milivingroom.

 

 

Maesso es un director que planifica pero que también crea sobre la marcha, inspirándose por la magia del momento, de las localizaciones, de las situaciones...

 

El azar, la ensoñación, el duende... todo es posible en Granada...

 

 


-Nos ha llamado la atención tu trabajo al frente de proyectos audiovisuales en los que la música está en primer término: ya sea en formato videoclip, o como grabaciones de actuaciones en directo,
Adrián, ¿cómo surge en ti esta vocación expresiva, y qué frontera consideras que hay entre el videoclip y las grabaciones en vivo, si crees que realmente se deben diferenciar…?

En Granada existe un gran interés por la música y ésta desarrolla un papel muy importante en la ciudad, tanto a nivel profesional, como social. En la mayoría de los casos, los vínculos y amistades se forman gracias a tu afinidad musical o cultural, así que es fácil involucrarse en proyectos musicales. En este sentido, tuve la suerte de unirme a un proyecto independiente con ideas innovadoras, Milivingroom. Una plataforma que realiza conciertos en espacios privados e íntimos, los cuales se graban para posteriormente difundirlos en internet. Así, de una manera natural y espontánea empecé a realizar mis primeras piezas musicales y esto fue fluyendo hasta el día de hoy. Aunque no haya sido algo premeditado, es un terreno en el que me siento cómodo, así que continuo realizando trabajos musicales siempre que puedo.
Pienso que una actuación en directo es muy diferente a un videoclip. En el primer caso tienes que registrar lo que está pasando y mantenerte fiel a eso, aunque después puedas añadir algunos recursos estilísticos que se salgan un poco de ese directo. En cambio cuando hablamos de un videoclip, existe una libertad total para crear una obra audiovisual desde el principio, con los recursos y la narrativa necesaria. Por ello, considero que son trabajos totalmente diferentes. En una actuación en directo es esencial captar la esencia del momento y aprovechar la coyuntura, el autor del trabajo audiovisual desempaña la función de transmisor entre el espectáculo y el público, entre lo que ocurre de verdad y aquello que los oyentes podrían captar si estuvieran allí. Mientras que, cuando realizas un videoclip, la idea es hacer llegar un mensaje concreto, ideado y trabajado, y aquí el autor deja de ser mero transmisor ya que puede modificar el mensaje a su gusto, siempre que lo dejen.


-Como podemos comprobar tus videos musicales están muy ligados a la ciudad de Granada y a sus bandas: Antonio Arias, Los Planetas, Soleá Morente, Pájaro Jack, son algunos de los artistas para los que has trabajado. Cuando surge un proyecto, ¿cual suele ser la relación con el músico, trabajáis en colaboración, te dejan total libertad de planteamiento?


Siempre que he trabajado con un músico ya había una relación previa de amistad, así que el trabajo posterior ha sido mucho más fácil. Depende de si es una actuación en directo o videoclip se aborda el trabajo de una manera u otra, pero suelen dejarme libertad para crear, aunque no toda la que me gustaría. En algunos proyectos que he hecho, el artista suele plantearme alguna idea y si me parece bien e interesante para la pieza la desarrollamos y trabajamos ese camino. Si no, pensamos desde cero una idea y la desarrollamos. Por ejemplo, en los vídeos de Soleá Morente existía la condición de que la localización del vídeo tenía que ser en su casa, pero por otro lado tenía libertad absoluta para llevarlo a cabo.
En todos los trabajos que he hecho, siempre he tenido la suerte de sentirme muy cómodo, intento adaptarme a los grupos y aquello que les caracteriza —siempre respetando mi perspectiva—. También facilito que los músicos se preocupen por realizar bien su trabajo y se sientan a gusto, que confíen en mi y en mi manera de trabajar. Ésa es una de las razones por las que continúo trabajando en esta ciudad, la gente confía en mí.

 

 

-Hablemos ahora de tu última propuesta, el vídeo para Los Planetas "Seguiriya de los 107 faunos", grabado en La Chumbera. Cuéntanos cómo surge este proyecto y cuál ha sido tu planteamiento estético a la hora de llevarlo a cabo.

Surge a raíz de proyectos anteriores, ya había trabajado con El Volcán Música y pensaron en mí para realizar un trabajo así. Hablando un día con Jota también me dijo que quería que lo hiciera yo. Al principio la localización iba a ser Marruecos, pero acabó siendo en La Chumbera, un sitio espectacular de Granada. Teniendo ese lugar con esas vistas y a ellos en primer término, mi idea estaba clara. El nuevo disco y su música son muy oníricos y atmosféricos, y quería que esto se reflejara en el vídeo. La fotografía es uno de los puntos más importantes en mis trabajos e intento que siempre esté muy cuidada.

-Efectivamente, es una pieza muy cuidada a nivel artístico (imagen/sonido/localizaciones), con un equipo formado por Carlos Díaz (sonido), Aitor Palomo (iluminación) y varios operadores de cámara: Dani Zafra, Fabián García, Juan Carlos Mariano, Zoraida Manzanares y tú mismo. ¿Suele ser tu equipo habitual, o lo has formado especialmente para la ocasión?

Según el trabajo necesitas contar con más gente o no. En este caso son compañeros con los que he trabajado antes en otros proyectos y los conozco bien, algunos también colaboran en Milivingroom. A grandes rasgos, son profesionales con un gran conocimiento de la técnica y una gran sensibilidad (algo muy importante al realizar un trabajo así) con los que se puede trabajar de manera muy eficiente. En el caso de Carlos Díaz, él siempre trabaja con ellos (Los Planetas) el sonido, tanto en las grabaciones de canciones como en directo, es muy bueno.


-A nivel técnico, con qué equipación (cámaras, iluminación, montaje etc...) habéis trabajado, ¿habéis tenido que hacer muchas tomas, o el vídeo es una mezcla de varías captaciones?

El vídeo no es un directo riguroso ya que está hecho en dos tomas, con posiciones de cámara diferentes en cada toma. El resultado es una mezcla de esas dos tomas. El equipo con el que contábamos eran varias cámaras Sony a7S II y Canon C100. En cuanto a iluminación, queríamos grabar con luz natural y con algo de apoyo del interior de la sala. Creo que una de las cosas de las que he quedado más contento del trabajo ha sido esa luz y atmósfera algo rara que tiene, me parece una ensoñación y no hay un gran etalonaje posterior para conseguir eso. Fue algo no tan pensado y me gusta el resultado final.

 

La imagen puede contener: 7 personas, personas sonriendo, texto

 

-En tu carrera profesional también tienes espacio para proyectos muy especiales como Milivingroom, con actuaciones de grupos en espacios singulares. Cuéntanos someramente cómo surge esta propuesta y cómo hacéis la distribución de estos vídeos.


Como comentaba al principio, mi carrera surge prácticamente con Milivingroom. Es un proyecto totalmente independiente iniciado por Fernando Cienfuegos y Raúl Molino, que como dices, trata de llevar a espacios cotidianos como el salón de casa actuaciones de grupos en directo. Me impactó mucho la idea, cómo realizaban los vídeos y lo cuidados que estaban estéticamente, así que me presenté a ellos y empecé a colaborar, primero como cámara y haciendo algunos montajes, y más tarde haciendo tareas de dirección, no sólo de los vídeos, sino en general, del proyecto. Solemos hacer el estreno del vídeo en algún lugar de la ciudad y seguidamente está online en nuestra web para moverlo por redes. No tenemos un proceso fijado, hacemos lo que creemos conveniente en cada momento y lo que nos apetece. Esta semana estrenamos el vídeo del concierto que hicimos de Trepàt hace unos meses y que os animo a ver.

 

La imagen puede contener: una persona, en el escenario e interior

Milivingroom "Trepát" (Foto: Roberto Lacalle)


-Ya para acabar, me gustaría que de los muchos videos/videoclips que has grabado, alguno que sea especial para ti y por qué.

 


Siempre me viene la cabeza uno videoclip que realicé para el grupo Bolívar llamado “Superhombre”, quizá porque durante todo el proceso la libertad para hacer lo que quisiera fue total. Y cómo no, los trabajos musicales de grupos de referencia son especiales para mí, como Los Planetas o Nada Surf. Luego está el directo de Pájaro Jack en la iglesia abandonada de Úbeda, que es mi pueblo. Pero todos tienen algo por los que los recuerdo y les tengo cariño, creo que es normal.

 


-También como vemos en tu web tienes espacio para la fotografía, el documental y los videos promocionales, ¿cómo te enfrentas a esta diversidad de proyectos, de forma muy diferente a los estrictamente musicales?


Desde siempre he intentado hacer todo tipo de trabajos, para sobrevivir mayormente, pero también porque me gusta trabajar en muchos ámbitos. El lenguaje documental es el que más me atrae e intento hacer proyectos de ese tipo, y la fotografía es algo que ha estado presente desde que comencé.
Al final la forma de abordarlos no es muy diferente a los vídeos musicales. Alguien llega a ti porque necesita una pieza audiovisual y a partir de ese momento comienzo la elaboración de la idea y guión. Aunque soy más de elaborar el guión en mi cabeza a medida que se va rodando, es decir, tengo unas líneas e ideas generales e in situ voy pensando, creando y se me van ocurriendo cosas a medida que grabo. No suelo planear todo con antelación porque a veces conviene dejar espacio el azar, aunque tampoco voy a lo loco.


-¿Alguna novedad que nos puedas adelantar de cara a los próximos meses?

Que no sólo se grabó una canción de Los Planetas.

 

Esperaremos esas nuevas canciones... mientras ...

Hasta la próxima aventura!

twitter // facebook

Categorías: Música

Sarmient Peppers   25.abr.2017 11:12    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
Ver perfil »

Síguenos en...

Últimos comentarios