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Björk Digital: más allá del videoclip

Si hay alguna artista que ha estado y sigue estando más allá de la vanguardia musical, audiovisual, estética... esa es indudablemente la islandesa Björk.

A partir del próximo miércoles 14 de junio y hasta el 24 de septiembre tendremos la oportunidad de revisitar su universo audiovisual en la exposición inmersiva que nos propone el CCCB (Centro de Cultura Contamporánea de Barcelona) que recoge lo mejor de sus trabajos digitales y en video con grandes artistas contemporáneos. La muestra ha recorrido varias ciudades del mundo como Londres, Tokyo, Montreal... y se podrá apreciar tal y como la ha diseñado y concebido la propia artista.

 

BjörkDigital(Poster) Photo by Nick Knight_Typography by MMParis

 

Hablamos con Rosa Ferré, directora de Exposiones y Actividades Culturales del CCCB, que nos adentra en una de las propuestas creativas y sensoriales más interesantes de este 2017.

-Bjork digital es más que una exposición al uso, es una experiencia inmersiva con la que se pretende sumergir al espectador en el universo de la artista islandesa...¿Cómo surge este proyecto y de qué manera se ha elaborado la propuesta audiovisual?

La propuesta nace directamente de Björk.

Como se puede ver en la exposición, que al final de su recorrido presenta una antología de los vídeos musicales de la artista, algunos de ellos de hace veinticinco años,  Björk desde el principio de su carrera se lanza al experimento en  el ámbito audiovisual. Trabajando con artistas multidisciplinares, realizadores, animadores y programadores de primer orden; desde los reconocidísimos  Spike Jonze, Michel Gondry, Nick Knight,  Alexander McQueen o Stephane Sedanaoui  a los más jóvenes, como Enciclopedia Pictura o Jesse Kanda  se ha empeñado en realizar piezas que superen el genero del vídeo musical, que lo transformen en algo nuevo.  

 

 

Björk ha propuesto desde siempre audiovisuales en los que se mezcla la performace, los tratamientos visuales innovadores, la animación, y la música. Así que la artista llega a la realidad virtual como una evolución natural de este interés por crear nuevos dispositivos con los que comunicarse con su audiencia.

 

 

Esta exposición Björk Digital es  sobre todo eso, la oportunidad de experimentar cinco instalaciones nuevas de realidad virtual que Björk ha hecho exclusivamente para este proyecto trabajando con cinco canciones de su último àlbum Vulnicura.

Björk Digital es una  especie de ópera tecnológica en diferentes actos.

-¿Habéis contado con la colaboración de Björk, hasta qué punto se ha prestado para concebir este proyecto?

Björk ha diseñado personalmente la experiencia. Se trata de una visita pautada que dura unos 90 minutos donde el público se mueve en un grupo muy reducido. En cuando al formato se parece más a una performance u obra teatral que a una exposición convencional. Tienes que reservar tu sesión y comprar tu entrada por adelantado para un día y un horario determinado, como si fueras a un concierto. De hecho la artista considera  que la experiencia teatral que ofrece la realidad virtual es una manera única y íntima  de conectarse con su público, de uno a uno.

Por ejemplo en Mouth Mantra VR una pieza de Jesse Kanda viajas por el interior de la boca del artista mientras canta, entrando en la intimidad de su garganta que es para ella la metáfora de su fragilidad.

 

 

Otra de las obras NotGet VR es una impactante y alucinante experiencia de gráficos generativos que presenta a Björk transformada digitalmente en un insecto, una polilla gigante.

 

 

Otras piezas son enormemente interactivas. Esta tecnología de RV propicia una experiencia inmersiva, la penetración física en el universo en metamorfosis del artista, en sus paisajes, en su propio cuerpo, en su voz. Eso es lo que propone Börk, una especie de comunión.

-Ya para acabar, el CCCB es coproductor de Björk digital, junto con Sold Out, DG y colaboración del Sonar, ¿Habéis diseñado productos exprofeso para este evento, como el clip Black Lake, realizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York?

El CCCB, Sold Out, DG Enterteiment junto con el Festival Sonar se encargan de la producción de la exposición en Barcelona, pero las nuevas piezas han sido producidas por la propia Björk.

 

 

Björk estará presente con esta exposición en Sónar 2017 junto con otras actividades que se han programado desde el Festival, que se encargará de inaugurar en Fira Montjuic el mismo 14 de junio.

Además, la islandesa intervendrá en la sección Sónar+D, que este año versa sobre realidad virtual, arte e inteligencia artificial.

Una buena excusa, sin duda, para darse un garbeo por la Ciudad Condal!
Hasta la próxima aventura deARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   23.may.2017 13:34    

Manu Viqueira: buceando en los sueños

¿Quién diría que tras el lyric video de Green Day "Troubled Times" hay un gallego llamado Manu Viqueira? Sin duda se trata de una de las noticias que más ha epatado dentro del mundo del videoclip en España en lo que llevamos de año.
Manu es un realizador experimentado y lleno de inquietudes con una amplia trayectoria que no deja indiferente a nadie. Y por este motivo, no es nada casual que alguien se haya fijado en él para realizar proyectos ambiciosos incluso a nivel internacional. Cada vez más son los "commissioners" y "cazatalentos" que rastrean las plataformas digitales (vimeo, youtube...) en busca de talento.
 Y este ha sido el caso de Viqueira, un creador deslumbrante en lo conceptual y en la puesta en escena, con amplios conocimientos de animación y motion graphics.
 
Manu es un derroche de entusiasmo, de tesón, y es capaz de imprimir y contagiar ilusión a todos y cada uno de sus proyectos.
Como buen nadador, Manu sabe bucear en las imágenes y en los sueños buscando la excelencia.
Lo suyo es auténtico amor al videoclip.
En esta entrevista nos presenta no solo el excepcional trabajo para Green Day, también nos muestra en primicia algunos fotogramas de su nuevo videoclip para Soziedad Alkohólica y nos abre las puertas a algún documental inédito.
Además de darnos su personal receta de cómo vivir del videoclip en nuestro país. Es una entrevista amplia (el entrevistado no se ha podido contener!, jeje) pero os aseguramos que merece la pena escuchar las reflexiones de Manu en toda su amplitud.
 
 
 
 
MAnuenGreenDay
 Autorretrato de Manu Viqueira en "Troubled Times" de Green Day
 
 
-Tus coqueteos con el videoclip vienen desde hace más de una década con experiencias para Pulpiño, DeLaHoja, ¿cómo nace en tí esa pasión por este formato?

Cuando era pequeño, mi rutina y la de mi hermano los sábados por la mañana era ver en la tele los 40 Principales y luego el programa Cartelera de cine. Grabábamos los vídeos que más nos gustaban en cintas VHS: Música1, Música2, Música3... Al final teníamos como 9 horas de nuestros videoclips favoritos y nos los poníamos una y otra vez. Hace dos años me mentalicé para tirar por fin todas las cintas VHS, pero me quedé con esas tres y con las de Star Wars jejeje

En esa época me gustaban muchos directores de cine que algunos críticos a veces menospreciaban por ser demasiado 'videocliperos' como Alex Proyas, Danny Boyle, Tony Scott o
Darren Aronofsky. Años más tarde, descubrí a Spike Jonze y Michel Gondry y disfrutaba de sus juegos visuales, el ritmo y lo onírico sus trabajos, su humor tan particular...

Crecí como nadador de competición y estoy seguro de que esto me influenció de alguna manera porque la música siempre la usé para motivarme y visualizar las pruebas en mi cabeza.
Cuando dejé de nadar, empecé a surfear y me pasaba lo mismo. Creo que por eso me gustan grupos enérgicos y de subidón como Offspring, Bad Religion, System of a Down, Red Hot Chili Peppers, Pear Jam, Rage Against the Machine, Penny Wise, Green Day...

Ya en la Universidad, mi proyecto fin de carrera se centró en la realización de videoclips de Hip Hop. No conocía mucho este género pero el grupo pontevedrés
DeLaHoja eran colegas y como veía todos los videoclips de Hip Hop demasiado parecidos y que pocos directores se atrevían a probar algo distinto, lo encontré curioso. Estos fueron mis primeros videoclips aunque no tuvieron demasiada difusión porque al poco tiempo de finalizarlos, uno de los cantantes abandonó el grupo y no querían confundir a su público. Fueron retransmitidos en varios programas de la TVG pero ni siquiera llegaron a publicarse en internet.
  





-El "bombazo" salta a principios de este año año cuando por carambolas del destino acaba contactando contigo el supervisor jefe de videoclips de Warner Records Devin Sarno que, al ver tus trabajos audiovisuales, te encarga el último videoclip de la banda californiana.
Una pieza que te ha catapultado y para la que has tenido prácticamente total libertad creativa. ¿Cuéntanos cómo fue ese momento y qué se te pasa por la cabeza cuando te hacen un encargo de esas dimensiones para un grupo de alcance global como es Green Day?


En ese momento, atravesaba una crisis creativa. Trabajaba muchísimo pero no me sentía orgulloso de ningún clip en concreto. Lo que más me gustaba era hacer videoclips y llevaba 8 años sin hacer ninguno, así que empecé a pensar en buscar un grupo para hacer un videoclip gratis, pero con gastos pagados, en el mes de Diciembre... El 17 de Octubre recibí un correo de un tal Devin Sarno en el que me proponía hacer un lyric video de Troubled Times una canción del nuevo disco de Green Day y me enviaba referencias de los anteriores lyrics de la banda. Como yo suelo hacer bromas telefónicas a mis colegas, lo primero que pensé es que se trataba de eso, de una broma. Al meter su nombre en Google, entré en su Linkedin en el que aparecía como 'Head Supervisor video of Warner Music Group' y de repente me agregó a su red de contactos como si estuviera saludándome desde Los Ángeles. Después consulté Imdb y IMVDb y descubrí que fue el productor y video comissioner de bandas como Red Hot Chili Peppers, Linkin Park, Smashing Pumpkins, Serj Tankian, varios de mis grupos favoritos. Estaba tan nervioso que no quería responder al momento, así que me fui a correr a las cintas de un gimnasio que tienen pantallas delante y me puse videoclips de Green Day. De vuelta en casa, con un gin tonic al lado del teclado,  le agradecí la oportunidad y le conté lo de mi crisis creativa como si estuviéramos en la barra de un bar. Devin me agradeció la sinceridad y enseguida nos pusimos manos a la obra.
 
 
Manu entre ordenadores
Manu rodeado de ordenadores, su fábrica de sueños

- Si no me equivoco al principio la temática del videoclip giraba alrededor de la guerra, pero posteriormente el leit motiv fue Trump ¿fue un cambio premeditado por el resultado de las elecciones en EEUU, te obligó a hacer muchas variaciones?

Pues sí, en un principio el videoclip se basaba en el sinsentido de la guerra, inspirado en las víctimas de Bataclán y la fecha de entrega era el 16 de Diciembre. Yo tenía planeada una especie de luna de miel en Filipinas del 1 al 24 de Noviembre y me confirmaron que me esperaban así que trabajé a destajo y me fui con un minuto de videoclip avanzado que a Devin le gustó mucho, así que al volver solo tenía que seguir esa dirección y acabarlo. Pero el 9 de noviembre, Trump gana las elecciones y yo presentía que eso me iba a afectar de alguna forma. El día 11 la banda se reúne con Devin y me preguntan si me siento preparado para darle un giro y basarlo en la lucha de las sufragistas, los derechos civiles y las actuales elecciones. Yo les dije que sí pero la idea me daba bastante respeto porque era un tema serio y tocar la historia de Estados Unidos. La nueva fecha de entrega era el 20 de enero, el día de la toma de posesión de Trump. Prácticamente tuve que empezar otra vez de cero. Enseguida, me puse a trabajar en el nuevo guión pero hacerlo desde las paradisíacas playas de Filipinas lo hizo algo menos duro jeje De vuelta en A Coruña el 25 de noviembre, pasé mes y medio trabajando a tope, durmiendo muy poco y viviendo prácticamente solo para el videoclip, pero muy feliz.
Toda la experiencia ha sido como un sueño hecho realidad de principio a fin. Todo me parecía perfecto, la canción, el grupo, el tema, el alcance internacional, el tiempo que me dieron para poder hacerlo y sobre todo la confianza que depositaron en mí y la libertad creativa con la que me dejaron trabajar, el único límite era quizás meterle demasiada caña a Trump. Sentir que les gustaban las ideas me hizo llorar muchas veces y Devin Sarno, que actuó como intermediario con la banda, debe tener un máster en motivación porque sus palabras eran energía pura para mí. También me emocionaron las bonitas palabras de la propia banda y de su mánager Pat Magnarell cuando entregué el vídeo que finalmente se estrenó el día 16 de enero, el día de Martin Luther King, uno de los protagonistas del vídeo. La primera semana se convirtió en trending topic pero cuando Trump tomó posesión el nivel de reproducciones frenó en seco.

 
  Trending topic green day
 


- Manu, repasando tu trayectoria te has ido especializando en herramientas de motion graphics, con gusto por el collage... Desde la perspectiva expresiva, ¿cual sería tu estilo, con que señas de identidad te sientes proyectado?


A raíz de estos últimos vídeos Green Day y S.A. doy la impresión de que me gusta la animación collage barroca de denuncia y activismo, con ritmo frenético, el plano secuencia, condensar información y que con cada visionado se descubra algo nuevo. Prefiero apabullar que aburrir. Para mí más es más, jejeje Y es cierto, me encanta el collage pero me gusta más aún el vídeo con juegos visuales. Me gustan distintos estilos, llevar la contraria y enfrentarme a nuevos retos por eso hace unos meses me embarqué en un proyecto para hacer un Fashion Film en el Parque do Pasatempo en Betanzos, un clip de fantasía con FX, mezcla de colores y un ritmo más pausado. Suelo estar al día en las novedades de plugins y efectos para disponer de herramientas que ofrezcan nuevas posibilidades visuales pero al mismo tiempo no soy tan friki en el aspecto técnico así que seré más feliz cuando pueda delegar algo más esa parte del trabajo.

Y me gusta la dirección por la que voy ahora, un 2x1 de música y activismo y aunque no quiero encasillarme en el género de denuncia, he contactado con una ONG para colaborar de alguna manera.

Definir mi estilo me resulta complicado así que prefiero enumerar las cosas que me gustan de mis creadores favoritos. Me encanta hacer listas y disfruté mucho haciendo ésta: la locura y bucle hipnótico de Cyriak; el estilo gamberro de Spike Jonze, Dalí; el ritmo de Cunningham; Banksy; el ritmo frenético y el acting en las películas de Alex de la Iglesia; los libros de Wally; el arte y la elegancia de Guillermo del Toro; el guión de Jodorowsky; el flipe visual y el humor de Edgar Wright, Matthew Vaughn, Boyle, Guy Ritichie y Sam Raimi; todo lo de los Monty Python; el timing de las animaciones de Terry Guilliam; lo que hace Patrick Clair (True Detective...); los planos secuencia de Cuarón; Kelly Slater; los gestos de Serj Tankian y Bruce Campbell; el ser referencial de Tarantino; Miyazaki; los laberintos mentales de Nolan, los bailes de Daniel Cloud Campos, etc... Pero sobre todo, mis directores favoritos son: Kubrick, Woody Allen, Bergman y Scorsese.

Cuando más disfruto es pensando en el guión, el concepto de realización y el montaje-ritmo. Lo paso genial preparando los bocetos y sufro más con el acabado.



- Además en tu videografía encontramos Fashion Films, Publicidad corporativa, ¿hasta qué punto te sientes cómodo en este tipo de trabajos cuando son encargos muy condicionados por el cliente?

 

 

Como todos los que nos dedicamos al audiovisual nos gustan todos los proyectos en los que trabajamos porque es algo muy vocacional y nos encanta lo que hacemos, pero al final yo siempre gastaba todas mis energías en los trabajos 'alimenticios' y no me quedaba ningún margen para proyectos personales que de alguna forma me reactivasen y de ahí surgió mi crisis creativa. En los Fashion Films encontré una vía para hacer lo que me gustaba, porque se parecen a los videoclips, y que al mismo tiempo resultara rentable.


 

-También me han llamado la atención tus cabeceras y documentales para programas de TVG. Háblanos de manera sintética de estas experiencias y de cuales te sientes más satisfecho.

Creo que el trabajo que más me representa es mi 'showreel' que demuestra la variedad de estilos y proyectos en los que he trabajado. Sin embargo cuando lo monté no encontraba ninguna imagen que me gustara mantener en pantalla especialmente hasta el videoclip de Green Day, con el que por fin he quedado satisfecho con el acabado final y eso que es sucio punk jeje

 
El videoclip "In The Ocean" de Pulpiño Viascón lo hice recién salido de la facultad, cuando trabajaba como becario en la TVG. Allí sabían que me gustaban los videoclips y decidieron probar suerte conmigo.. Lo hice en 4 días sin dormir y lo pusieron mucho en Xabarín Club, un programa infantil de TVG. Por supuesto técnicamente no está bien pero resultó simpático.
 

 

A "Naqueles Tempos", una serie documental sobre la historia de la música en Galicia, le dediqué mucho tiempo y cariño, por el tema que trataba y por todos los implicados. Este proyecto me sirvió para hacer más callo con las técnicas de animación collage y travelling.

 

 

El documental "Luis Trigo, O Gardarríos de Mondoñedo" del 2010, fue un proyecto muy duro y ambicioso técnicamente pero con un presupuesto ajustado. Dura 50 minutos, de los que 40 son Motion Graphics y FX. A pesar de todo lo recuerdo con cariño y creo que tiene muy buenas ideas. Como en su momento no tuvo mucha difusión, ahora vamos a estrenarlo en internet. Cuenta la historia del guerrillero Luis Trigo y explica cómo afectaban los acontecimientos políticos nacionales e internacionales de la época a un hombre de Mondoñedo.

 

Documental íntegro gentileza Manu Viqueira

 

Este ya estaba siendo un buen año para mí antes del bombazo de Green Day. Hice la cabecera, grafismos y animaciones de fotografías de "La Batalla Desconocida" de Paula Cons, un documental producido por TVE, TVG e ICAA, que demuestra que España no fue neutral en la II Guerra Mundial exponiendo documentos de la venta de Wolframio en las minas de nuestro país. Además, dentro de poco se va a estrenar Dhogs, una película hecha en Galicia por Andrés Goteira en la que me encargué de la supervisión de FX y que creo que va a dar mucho que hablar.

 

 

-Ya para acabar, está en camino un nuevo videoclip para Sociedad Alcohólica, de quienes has tenido la gentileza de facilitarnos un adelanto. Aquí profundizas en la técnica del collage aún más si cabe ¿cómo surge este proyecto?


'Troubled Times' tuvo mucho repercusión en Galicia. Durante varias semanas estuve bastante presente en los medios. A la gente le gustó la idea de que alguien hiciera un videoclip de una banda internacional como Green Day contra Trump y todo desde A Coruña. Además el hecho de que me escogieran para tal encargo a través de un 'Me gusta' en Vimeo despertaba mucha curiosidad y a la gente del audiovisual les llamó la atención el buen trato recibido por una productora como la Warner y la libertad que me dejaron a la hora de trabajar. Parte de esta repercusión llegó al País Vasco y si me emocionaba al recibir los correos electrónicos de Green Day, me emocioné aún más cuando recibí el de Juan, cantante de Soziedad Alkóholica: ' no sé si nos conoces o te mola nuestra banda pero nos preguntábamos si habría posibilidad de hablar para hacer algo juntos'. Tan solo contesté: "tío! GENIAL!!!!!!! te escribo esto! me seco las lágrimas, llamo a mi novia, a un colega, a mi hermano y te sigo escribiendo!
A pesar de haber recibido varias propuestas curiosas, desde Boston, Israel o Alemania, ésta fue la que más significó para mí. Suponía que el tren de dedicarme a hacer videclips estaba en marcha.
 
- Y una pregunta final comprometedora. En varias ocasiones te he oído decir que quieres dedicarte profesionalmente al videoclip. La paradoja es que en España es un formato atractivo pero al que se dedican pocos recursos ... ¿crees que es compatible el hacer videos musicales y poder vivir de ello en España? ¿hasta que punto la salida no está en producir videoclips para el mercado anglosajón que entiende la industria audiovisual de otra manera?

Mi objetivo primordial es dedicarme al máximo a dirigir videoclips pero soy consciente de que voy a tener que dedicarme a otros proyectos por el medio. Lo importante es organizarme, economizar y reservar energía para poder hacerlos. En los lyric videos trabajo junto a David Rodríguez Simón. Somos como máximo un equipo dos o tres personas y no hace falta rodaje aunque al final supongan mes y medio de trabajo. La suerte es que actualmente puedo trabajar de la misma manera para Los Ángeles como para alguien de mi misma ciudad, a través del correo electrónico, Skype, wetransfer, Vimeo... Y sobre todo para proyectos como los que estoy llevando a cabo ahora con Motion graphics y collage. Incluso para el nuevo de S.A. de imagen real, voy a grabar a la banda en un plató con chroma y estuvimos barajando la idea de que si les enviaba un storyboard otra persona podía grabarlos en Gasteiz y luego enviarme el material, aunque finalmente vendrán a grabar a mi ciudad.
 
 
NinhayCalavera-SistemaAntisocial
 
 

Además, Pat Magnarella, el manager de Green Day, me recomendó en Capitol Records de Universal Music, y se pusieron en contacto conmigo para hacer el lyric video de la canción anticipo del nuevo disco de la banda Rise Against. Como aún estaba acabando el de S.A no me daba tiempo pero dijeron que me llamarían para el siguiente. La verdad es que no contaba con que me llamaran pero se han puesto de nuevo en contacto conmigo para el lyric de otra canción para el estreno del disco en Junio. Con este tipo de proyectos sí es viable mantenerme sólo haciendo videoclips.

En España también he tenido suerte por el momento. Soziedad Alkólika en un principio quería un lyric video más sencillo y se dieron cuenta de que algo como 'Troubled Times' requiere más trabajo y presupuesto porque es como un videoclip normal al que le añadí el texto. Les propuse hacer así y decidieron invertir más y apostar por ese formato.
 
 
PELEA DE GALLOS-EUROSA
 
 

De forma esquemática éstas son las vías que veo para conseguir vivir de hacer videoclips:

- Vídeos internacionales
-
Convencer al grupo que invierta lo suficiente. Siempre tengo en mente que la gente paga más de 1500 euros por el vídeo de su boda así que una banda debería invertir más en sus vídeos.
- Realizar muchos lyrics sencillos en los que gastaría poca energía
- Si necesito más proyectos para completar el mes puedo dar cursos de Motion Graphics porque disfruto mucho dando clase.
- Economizar tiempo y esfuerzo. Escoger aquellos proyectos potentes en los que pueda trabajar en equipo y delegar tareas.
- La que no voy a contar porque es top secret :)
Este año mi objetivo es hacer 10 videoclips por todos los que no he hecho en todos estos años. Y los que me conocen saben que mi evolución natural sería hacer uno para Ojete Calor entre esos diez :)
 
Palabra de Manu!
lo comprobaremos en futuras entregas...
 

Hasta la próxima aventura!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   16.may.2017 12:54    

Bol!: mural de emociones

Ból! Estudio es el proyecto personal de Jorge García, creador multidisciplinar que se dedica a la ilustración, el diseño, la animación, el mundo editorial... y también con incursiones en el videoclip  "una manera de juntar mis dos pasiones, la música y la ilustración" como él mismo nos cuenta.

Repasamos la videografía de Ból! pero sobre todo nos detenemos en su última pieza "Un hombre" para Exquirla (proyecto surgido de la colaboración entre Niño de Elche y Toundra), una obra magna de diez minutos en la que Jorge ha recreado un mural gigante inspirándose en los textos de “La Marcha de los 150000000” de Enrique Falcón.

Un proyecto ambicioso rodado con técnica de Timelapse en 4K y que ha tenido una cuidada preparación, si bien también respira improvisación y frescura.

"Tardé cuatro días en pintar el cuadro y por tanto de rodaje. Íbamos parte por parte rodando en 4k para poder reencuadrar en postproducción de manera que tuviésemos más posibilidades de mover la cámara. Todo esto estaba guionizado así que la distribución de los elementos ya estaba pensada previamente y habíamos hecho unos cálculos de lo que duraba cada parte en relación también con la música".

 Jorge García nos cuenta más detalles en esta conversación con ARS!.

 Resultado de imagen de exquirla un hombre

 

 -Jorge, inicialmente te dedicas al mundo del diseño y la ilustración (portadas de discos, posters, camisetas, mundo editorial...). ¿Cómo acabas desembocando en el universo del videoclip?
Siempre me gustó el mundo de los videoclips, la animación y el motion graphics de manera que tras estar mucho tiempo trabajando en el mundo editorial, y buscando una forma de renovarme me metí en este mundillo. Aparte es una manera de juntar mis dos pasiones, la música y la ilustración. Aun sigo aprendiendo y me considero nuevo en esto.

 


-Nos ha deslumbrado tu videoclip "Hombre" para Exquirla (proyecto de Toundra con Niño de Elche). Es una suerte de "Draw my life", en el que dibujas inspirándote en la intensidad emocional de la canción. ¿Cuál ha sido el proceso creativo y por qué utilizas esta técnica?


La idea surgió en principio de Esteban, guitarra de Toundra y Exquirla. Querían hacer un video conmigo pero la posibilidad de hacerlo de animación se nos iba de las manos por la duración del tema (10:00) así que pensamos que esta era una solución buena y un planteamiento diferente teniendo en cuenta el tiempo que había de producción. Nos gustaba la idea de crear un mural gigante con mis dibujos y que eso acompañase a la música, el problema es que no deja de ser un videoclip y había que darle una vuelta más de rosca para que contase algo y enganchase al espectador.  

-A nivel narrativo, hay un crescendo estético y una historia que culmina en un climax final. ¿Qué es lo que querías contar con esta pieza y que referencias artísticas has tenido presentes?


La principal inspiración en este video han sido los textos de “La Marcha de los 150000000” de Enrique Falcón y de ahí sale todo el hilo narrativo. El disco entero de Exquirla está basado en estos textos y yo quise sintetizar una idea general y la sensación que me produjeron al leerlos. Como digo hay muchos conceptos que aparecen aquí y que de alguna manera tienen relación. Habla del abuso de los países ricos sobre los pobres, de como estos países hacen de vampiro y le chupan la sangre y los recursos a los más pobres. Habla de represión, de cárceles y de cómo se intenta silenciar y apartar a las personas que intentan luchar contra este tipo de injusticias. Me gustaba la idea de que el cuadro fuese cambiando durante el proceso de manera que contase todo esto. También quería recalcar el concepto de dominio del norte sobre el sur de manera que se van distribuyendo los elementos en el cuadro y estos configuran lo que al final es un hombre.

 

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-Desde el punto de vista tecnológico, explícanos los pasos que has dado. Parece una especie de Timelapse, grabando en continuidad en muchos casos. ¿Cuánto tiempo has tardado en la confección del mural, y cómo ha sido la grabación y posterior postproducción? Parece que en las imágenes has introducido una capa adicional, una especie de trazos superpuestos...


La idea principal, como dices, era la de crear un Timelapse en la que a través del cuadro hubiese un hilo narrativo. En principio iba a ser del plano general del cuadro pero al final decidimos que fuese por partes para tener más juego a la hora de montarlo y que tuviese más dinamicidad. Era un reto grande hacer un video de diez minutos que captase la atención de la gente y en el que solamente apareciese yo pintando así pensamos que así lográbamos darle un aspecto más narrativo. Tardé cuatro días en pintar el cuadro y por tanto de rodaje. Íbamos parte por parte rodando en 4k para poder reencuadrar en postproducción de manera que tuviésemos más posibilidades de mover la cámara. Todo esto estaba guionizado así que la distribución de los elementos ya estaba pensada previamente y habíamos hecho unos cálculos de lo que duraba cada parte en relación también con la música. Una vez rodado todo solamente había que colocar y ajustar en el tiempo cada parte según el guión y la escaleta inicial. Finalmente le metí una capa encima de animación para que fuese aún más dinámico y para taparme a mi ya que verme pintar desviaba mucho la atención.

 


-Además de esta pieza, para Exquirla tienes otro trabajo: "Destruidnos juntos", un lyric video en el que utilizas la animación pero también el found footage en blanco y negro. En cierto modo y a pesar de la diferencia de técnicas, nos encontramos un hilo conductor, una conexión con el otro videoclip...


Efectivamente hay una conexión con el otro video. Como te decía todo parte del libro de Falcón y este video es una premisa del siguiente pero sin tratar el tema tan generalmente. Digamos en que este habla más de todas esas muertes anónimas que se producen a diario por el capricho de los gobiernos tiranos y las gran desigualdad entre países ricos y pobres. También está más enfocado a ser un lyric video y el protagonista aquí es la letra de manera que traté de buscar imágenes y símbolos que apoyasen y diesen dramatismo a la canción.


-Quiero suponer que con Toundra te une una relación especial, pues en 2014 ya dirigiste para ellos una obra titulada "Oro Rojo", cuéntanos brevemente, ¿cómo surge esa colaboración con la banda madrileña y cual fue tu propuesta creativa en este primer videoclip?

Con Toundra tengo una relación muy estrecha ya que los conozco desde hace muchos años y son amigos cercanos. Aparte Macón, guitarrista, toca conmigo en otras dos bandas que son El Páramo y Adrift desde hace muchos años. A ellos siempre les ha gustado lo que hago y confían en mi para estas cosas de manera que en su día surgió la idea de hacer el video de Oro Rojo. Realmente era el primer video que hacía y como necesitaba ponerme las pilas en esto de los videoclips y la animación me propuse como reto hacerlo. Básicamente la idea era contar un poco la historia que hay detrás del disco IV de Toundra a través de la animación y con mis ilustraciones. Fue un trabajo duro pero aprendí muchísimo y ellos quedaron muy contentos con el resultado.

 



-Ya para acabar me gustaría mencionar otros dos videos, por un lado "Ser o no ser" para Hamlet, un video musical de animación en el que vuelves a mostrar un mundo sórdido y al límite, con situaciones extremas y colores muy intensos.


Hamlet, tras ver el video de “Oro Rojo”, me encargaron hacer este video con total libertad. A Luís le gusta lo que hago y confiaron totalmente en mi a todos los niveles ya que no pusieron ninguna pega a mi propuesta, lo cual es de agradecer. Interpreté el tema como una cuestión de superación personal donde un personaje lucha por crear algo grande dentro de un mundo desolado.

 


-Y por otro lado, un video para Otus (proyecto de Juan AATHMA), en el que a diferencia de los demás, apuestas por la imagen real en blanco y negro. ¿Por qué este cambio estético?
Aquí el video se planteó desde un principio como un video de imagen real. Juan quería algo sencillo y minimalista así que nos propusimos hacer el video de manera sencilla, con fondos oscuros y jugando con el montaje para darle un toque estético acorde a la música que hace Juan. Es el primer video que he hecho de imagen real y fue otro pequeño reto. La verdad es que disfruté haciéndolo y quedé contento con el resultado.

 


-Por cierto, ¿por qué pones Bol! al estudio? ¿algún proyecto confesable para próximas fechas?
Le puse Ból! porque mucha gente me llama así. Me gusta porque es directo, fácil de recordar y me representa bastante. El hecho de que vaya con exclamación es por una broma interna entre amigos ya que tengo un colega que siempre me llama así, como a veces y me gustaba que formara parte del nombre, como una llamada.
De momento estoy pendiente de alguna cosa pero no voy a decir nada por no gafarlo, jejejeje. Pero bueno, en un tiempo cercano creo que habrá algo nuevo que mostrar y también será algo un poco distinto a lo que he hecho.

 

Hasta la próxima aventura!

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Sarmient Peppers    9.may.2017 11:03    

Los Ganglios: el videoclip como meta

Ya hace unos meses que se estrenó el disco de Los Ganglios "Segunda Escucha", un grupo absolutamente inclasificable, no sólo en lo musical, sino también en lo visual

 

Resultado de imagen de segunda escucha

 

Hace más de tres años les dedicábamos un post: "Copia original", en el que intentábamos explicar el derroche creativo de esta banda sin parangón, con un imaginario que va desde Julio Iglesias a Extremoduro, pasando por Alejandro Sanz, Pedro Guerra, Bisbal, Bustamante, Chamorro (el de la tienda de discos Ultra-Local) o los buitres negros de Monfrague... Y es que para Los Ganglios el formato videoclip es un Ente total en el que las imágenes tienen tanta importancia como las canciones.

En esta charla repasamos un buen ramillete de sus nuevos videoclips, que ilustran a la perfección esos ritmos pegadizos y esas letras irónicas, paródicas, en ocasiones desternillantes pero también reflexivas... Puro Porc!

 

LOS GANGLIOS GRUPO MUSICAL

 

-Como ya es costumbre en vosotros, muchas de vuestras canciones tienen su correspondiente videoclip. Para Segunda Escucha, habéis realizado una buena serie de piezas audiovisuales: Vivencias Propias, S.A.N.Z., Los Arquitectos, Galletas y Cereales... Cada una es de su padre y de su madre pero ¿teníais ya alguna idea preconcebida para llevar a imágenes las canciones cuando estábais grabando el disco?

 

Los ganglios

 

Sí, lo tenemos en cuenta. En general, cuando estamos buscando un tema que nos inspire nos interesa que sea musical y que sea también visual. Tenemos el videoclip como meta, y nos gusta que las imágenes, los textos y la música estén engarzados con cierta coherencia (coherencia a veces absurda, pero coherencia), no nos gusta que cada cosa esté aislada de las demás, como mero acompañamiento. Osea, que al empezar a escribir la letra de las canciones ya nos estamos imaginando posibles videoclips.

 

 

-Entrando ya en materia, me sigue fascinando esa capacidad vuestra de mezclar grabación in situ, imágenes de archivo, postproducción de andar por casa... ¿Con qué criterio os soléis plantear la realización de un nuevo videoclip, cómo suele ser vuestro método de trabajo, codirigís a varias bandas, alguien lleva la "voz cantante"?

 

Depende del caso, no siempre ocurre igual. Los videoclips del disco nuevo son bastante diferentes entre sí. Por ejemplo, para el videoclip de "Los Arquitectos" hemos usado imágenes festivas grabadas durante el concierto que hicimos en la sala Penélope de Madrid en septiembre del año pasado, y las hemos mezclado con una serie de paralelismos visuales que ilustran las ideas que contiene la canción. Por un lado hemos contrapuesto imágenes de bateadores de oro y gente cocinando migas extremeñas, y por otro imágenes de albañiles poniendo ladrillos con gente manejando lingotes de oro. Todo esto fue surgiendo mientras montábamos el video, es cuestión de echarle horas y de apasionarse un poco, rebuscar imágenes en internet, probar una cosa y otra para ver qué es lo que funciona mejor... Nos encanta montar video, hacer pequeñas animaciones, es lo que más nos gusta. El que más horas dedica a los videos es Xoxé, pero los otros miembros del grupo hacen un trabajo de aporte y filtrado durante el montaje que es muy importante. Xoxé hace los videos con collage de archivo. Por ejemplo LOL, Color de Rosa, o Galletas y Cereales, los ha hecho él solo.

 

 

Filete participa más cuando grabamos nuestro propio material y hay que hacer narración mas “clásica”, como en Calvario o Babieca Hiede. A la hora del montaje solemos trabajar juntos.

 

 

- De esta última hornada me llama la atención "Vivencias propias" la reivindicación del terruño para el que me da la impresión que habéis grabado bastante material ex-profeso...

Vivencias propias está basada en hechos reales, el caso es que le pusimos a un amigo una canción nueva que estábamos haciendo, y en el momento en que mencionábamos a un buitre negro nos dijo: Hombre, esto es un poco copia de Extremoduro... Al final aquella canción no cuajó, pero el comentario de nuestro amigo nos dió que pensar, y de ahí salió "Vivencias Propias", que habla del pleno derecho que tenemos como extremeños a meter buitres negros en las canciones, sin que nos pueda acusar nadie de copiones, hemos estado en Monfragüe muchas veces. La primera parte del videoclip está grabada en Montijo (Badajoz), y para la segunda nos fuimos a pasar la tarde con nuestro amigo Kafone al parque natural de Monfragüe, al Salto del Gitano, a mirar los buitres con los prismáticos. Los buitres que aparecen con más detalle no son de allí, los grabamos luego en el zoo de Barcelona, porque en Monfrague están libres y a tomar por culo y fue imposible hacer un zoom decente a la cara de alguno.

 

 

-En contraposición nos encontramos con Los Arquitectos, S.A.N.Z o Galletas y Cereales que están más basados en found footage. Me encanta esa debilidad vuestra por personajes como Alejandro Sanz, Bisbal, Bustamante, o el propio Julio Iglesias, iconos a los que les dais la vuelta. ¿De dónde viene esa querencia? ¿Sabéis si los susodichos conocen, saben de vuestros videoclips, habéis tenido su feedback?

 

Pedro Guerra Los Ganglios

 

Xoxé tiene querencia por las baladas románticas en castellano, en los viajes en coche nos pega buenas sesiones de Julio y Alejandro. Bustamante y Bisbal no nos van mucho, pero tampoco están mal, nosotros respetamos a todos los músicos en general. El único personaje que ha respondido a nuestras menciones es Pedro Guerra, le disfrazábamos de duende en el videolclip de INFOCREACIÓN y le dio a me gusta.

 

 

-Además de los videos musicales siempre me ha sorprendido vuestra versatilidad para hacer videos promocionales (de discos , de conciertos, anunciando vuestros bolos junto a otros grupos como Ciclos Iturgaiz, El gran puzzle Cósmico...). Me parece un género en sí mismo, y algunas creaciones son auténticas joyitas. ¿Quién se suele encargar de estos artefactos y con qué herramientas soléis trabajarlos?

Xoxé se encarga de esas piezas cortas, usa métodos rudimentarios de animación, cortipega de photoshop y edición de vídeo sin fundidos, más bien cortes secos.

 

 

- Incluso de vez en cuando, también nos sorprendéis con videoclips dirigidos para otros grupos, como es el caso de Opinion de mierda, de los Punsetes. ¿Cual es el origen de este proyecto y por qué os decidís a dirigirlo?

 

Nos llamaron desde la discográfica de Los Punsetes, querían que Los Ganglios hiciésemos un videoclip tipo collage para su canción "Opinión de Mierda". Nos gustó la canción y quisimos hacerlo porque había algo de presupuesto y nos apetecía contar con algunos medios para variar, poder montar un decorado y unos focos. Tampoco es que sea una superproducción, pero a nosotros nos parece "Cleopatra" si lo comparamos con los exiguos medios a los que estamos acostumbrados.

 

             Resultado de imagen de roldan los ganglios

                       Fotograma videoclip "Buena idea" de Los Ganglios para Roldán

 

-Otra curiosidad, ¿en vuestros conciertos, es habitual que jugéis con proyecciones, ¿usáis los videoclips, o tenéis unas proyecciones específicas?

Usamos proyecciones específicas en los intervalos entre canciones para explicar las canciones a modo de Power Point trovadoresco, suele ser foto fija, como mucho animación de dos fotogramas, y nunca son imágenes sacadas de nuestros videoclips. Tampoco las usamos durante todo el concierto porque las pantallas embelesan mucho y la gente se queda mirando y baila menos. Además nos gusta cambiar las imágenes para cada concierto, para que no se enquiste el discurso.

 

- No quiero acabar esta entrevista sin saber quien es Chamorro y si es él el que aparece en el clip de S.A.N.Z.?

Sí, el que sale en el videoclip es Raúl Chamorro, él y su pareja Carme son los propietarios de la tienda de discos Ultralocal, que está muy cerca de nuestro local de ensayo. Está muy guay la tienda, hacen conciertos, radio, fiestas, y son muy simpáticos... Hay que decir que en realidad esa pieza que hay en internet no es el videoclip de la canción, ni siquiera es la canción que hay en el disco, es un bocetillo al que le hicimos un video con la webcam, tenemos entre manos grabar uno en la propia tienda.

 

 

- ¿Algún nuevo vídeo musical a la vista?

Estamos haciendo varios a la vez, de canciones del disco Segunda Escucha: S.A.N.Z., Ceguera de RAP, Un poco de cero, Pierrot... Saldrá primero el que acabemos antes.

 Ganicas tenemos de verlos!

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Hasta la próxima aventura!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    2.may.2017 08:59    

Adrián Nieto: ensoñación granaína

 Como todos sabéis, la magia se respira en el aire de Granada, cuna de talento artístico e inspiración de músicos, poetas, pintores, cineastas...

En este contexto, nos ha parecido oportuno detenernos en la figura de Adrián Nieto Maesso, realizador audiovisual afincado en Granada (si bien es de Úbeda) y que desde hace años pone en imágenes muchas de las canciones de los músicos de la tierra: Los Planetas, Soleá Morente, Pajaro Jack, Antonio Arias y un largo etcétera... pocos se resisten a su mirada incisiva.

Adrián se ha especializado sobre todo en la captación atmósferas y sentimientos en directo, como es el caso del último vídeo grabado para Los Planetas en La Chumbera de Granada, y que analizamos en este post.

Además, es autor de videoclips, promocionales, documentales y se ha embarcado en proyectos muy interesantes como es Milivingroom.

 

 

Maesso es un director que planifica pero que también crea sobre la marcha, inspirándose por la magia del momento, de las localizaciones, de las situaciones...

 

El azar, la ensoñación, el duende... todo es posible en Granada...

 

 


-Nos ha llamado la atención tu trabajo al frente de proyectos audiovisuales en los que la música está en primer término: ya sea en formato videoclip, o como grabaciones de actuaciones en directo,
Adrián, ¿cómo surge en ti esta vocación expresiva, y qué frontera consideras que hay entre el videoclip y las grabaciones en vivo, si crees que realmente se deben diferenciar…?

En Granada existe un gran interés por la música y ésta desarrolla un papel muy importante en la ciudad, tanto a nivel profesional, como social. En la mayoría de los casos, los vínculos y amistades se forman gracias a tu afinidad musical o cultural, así que es fácil involucrarse en proyectos musicales. En este sentido, tuve la suerte de unirme a un proyecto independiente con ideas innovadoras, Milivingroom. Una plataforma que realiza conciertos en espacios privados e íntimos, los cuales se graban para posteriormente difundirlos en internet. Así, de una manera natural y espontánea empecé a realizar mis primeras piezas musicales y esto fue fluyendo hasta el día de hoy. Aunque no haya sido algo premeditado, es un terreno en el que me siento cómodo, así que continuo realizando trabajos musicales siempre que puedo.
Pienso que una actuación en directo es muy diferente a un videoclip. En el primer caso tienes que registrar lo que está pasando y mantenerte fiel a eso, aunque después puedas añadir algunos recursos estilísticos que se salgan un poco de ese directo. En cambio cuando hablamos de un videoclip, existe una libertad total para crear una obra audiovisual desde el principio, con los recursos y la narrativa necesaria. Por ello, considero que son trabajos totalmente diferentes. En una actuación en directo es esencial captar la esencia del momento y aprovechar la coyuntura, el autor del trabajo audiovisual desempaña la función de transmisor entre el espectáculo y el público, entre lo que ocurre de verdad y aquello que los oyentes podrían captar si estuvieran allí. Mientras que, cuando realizas un videoclip, la idea es hacer llegar un mensaje concreto, ideado y trabajado, y aquí el autor deja de ser mero transmisor ya que puede modificar el mensaje a su gusto, siempre que lo dejen.


-Como podemos comprobar tus videos musicales están muy ligados a la ciudad de Granada y a sus bandas: Antonio Arias, Los Planetas, Soleá Morente, Pájaro Jack, son algunos de los artistas para los que has trabajado. Cuando surge un proyecto, ¿cual suele ser la relación con el músico, trabajáis en colaboración, te dejan total libertad de planteamiento?


Siempre que he trabajado con un músico ya había una relación previa de amistad, así que el trabajo posterior ha sido mucho más fácil. Depende de si es una actuación en directo o videoclip se aborda el trabajo de una manera u otra, pero suelen dejarme libertad para crear, aunque no toda la que me gustaría. En algunos proyectos que he hecho, el artista suele plantearme alguna idea y si me parece bien e interesante para la pieza la desarrollamos y trabajamos ese camino. Si no, pensamos desde cero una idea y la desarrollamos. Por ejemplo, en los vídeos de Soleá Morente existía la condición de que la localización del vídeo tenía que ser en su casa, pero por otro lado tenía libertad absoluta para llevarlo a cabo.
En todos los trabajos que he hecho, siempre he tenido la suerte de sentirme muy cómodo, intento adaptarme a los grupos y aquello que les caracteriza —siempre respetando mi perspectiva—. También facilito que los músicos se preocupen por realizar bien su trabajo y se sientan a gusto, que confíen en mi y en mi manera de trabajar. Ésa es una de las razones por las que continúo trabajando en esta ciudad, la gente confía en mí.

 

 

-Hablemos ahora de tu última propuesta, el vídeo para Los Planetas "Seguiriya de los 107 faunos", grabado en La Chumbera. Cuéntanos cómo surge este proyecto y cuál ha sido tu planteamiento estético a la hora de llevarlo a cabo.

Surge a raíz de proyectos anteriores, ya había trabajado con El Volcán Música y pensaron en mí para realizar un trabajo así. Hablando un día con Jota también me dijo que quería que lo hiciera yo. Al principio la localización iba a ser Marruecos, pero acabó siendo en La Chumbera, un sitio espectacular de Granada. Teniendo ese lugar con esas vistas y a ellos en primer término, mi idea estaba clara. El nuevo disco y su música son muy oníricos y atmosféricos, y quería que esto se reflejara en el vídeo. La fotografía es uno de los puntos más importantes en mis trabajos e intento que siempre esté muy cuidada.

-Efectivamente, es una pieza muy cuidada a nivel artístico (imagen/sonido/localizaciones), con un equipo formado por Carlos Díaz (sonido), Aitor Palomo (iluminación) y varios operadores de cámara: Dani Zafra, Fabián García, Juan Carlos Mariano, Zoraida Manzanares y tú mismo. ¿Suele ser tu equipo habitual, o lo has formado especialmente para la ocasión?

Según el trabajo necesitas contar con más gente o no. En este caso son compañeros con los que he trabajado antes en otros proyectos y los conozco bien, algunos también colaboran en Milivingroom. A grandes rasgos, son profesionales con un gran conocimiento de la técnica y una gran sensibilidad (algo muy importante al realizar un trabajo así) con los que se puede trabajar de manera muy eficiente. En el caso de Carlos Díaz, él siempre trabaja con ellos (Los Planetas) el sonido, tanto en las grabaciones de canciones como en directo, es muy bueno.


-A nivel técnico, con qué equipación (cámaras, iluminación, montaje etc...) habéis trabajado, ¿habéis tenido que hacer muchas tomas, o el vídeo es una mezcla de varías captaciones?

El vídeo no es un directo riguroso ya que está hecho en dos tomas, con posiciones de cámara diferentes en cada toma. El resultado es una mezcla de esas dos tomas. El equipo con el que contábamos eran varias cámaras Sony a7S II y Canon C100. En cuanto a iluminación, queríamos grabar con luz natural y con algo de apoyo del interior de la sala. Creo que una de las cosas de las que he quedado más contento del trabajo ha sido esa luz y atmósfera algo rara que tiene, me parece una ensoñación y no hay un gran etalonaje posterior para conseguir eso. Fue algo no tan pensado y me gusta el resultado final.

 

La imagen puede contener: 7 personas, personas sonriendo, texto

 

-En tu carrera profesional también tienes espacio para proyectos muy especiales como Milivingroom, con actuaciones de grupos en espacios singulares. Cuéntanos someramente cómo surge esta propuesta y cómo hacéis la distribución de estos vídeos.


Como comentaba al principio, mi carrera surge prácticamente con Milivingroom. Es un proyecto totalmente independiente iniciado por Fernando Cienfuegos y Raúl Molino, que como dices, trata de llevar a espacios cotidianos como el salón de casa actuaciones de grupos en directo. Me impactó mucho la idea, cómo realizaban los vídeos y lo cuidados que estaban estéticamente, así que me presenté a ellos y empecé a colaborar, primero como cámara y haciendo algunos montajes, y más tarde haciendo tareas de dirección, no sólo de los vídeos, sino en general, del proyecto. Solemos hacer el estreno del vídeo en algún lugar de la ciudad y seguidamente está online en nuestra web para moverlo por redes. No tenemos un proceso fijado, hacemos lo que creemos conveniente en cada momento y lo que nos apetece. Esta semana estrenamos el vídeo del concierto que hicimos de Trepàt hace unos meses y que os animo a ver.

 

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Milivingroom "Trepát" (Foto: Roberto Lacalle)


-Ya para acabar, me gustaría que de los muchos videos/videoclips que has grabado, alguno que sea especial para ti y por qué.

 


Siempre me viene la cabeza uno videoclip que realicé para el grupo Bolívar llamado “Superhombre”, quizá porque durante todo el proceso la libertad para hacer lo que quisiera fue total. Y cómo no, los trabajos musicales de grupos de referencia son especiales para mí, como Los Planetas o Nada Surf. Luego está el directo de Pájaro Jack en la iglesia abandonada de Úbeda, que es mi pueblo. Pero todos tienen algo por los que los recuerdo y les tengo cariño, creo que es normal.

 


-También como vemos en tu web tienes espacio para la fotografía, el documental y los videos promocionales, ¿cómo te enfrentas a esta diversidad de proyectos, de forma muy diferente a los estrictamente musicales?


Desde siempre he intentado hacer todo tipo de trabajos, para sobrevivir mayormente, pero también porque me gusta trabajar en muchos ámbitos. El lenguaje documental es el que más me atrae e intento hacer proyectos de ese tipo, y la fotografía es algo que ha estado presente desde que comencé.
Al final la forma de abordarlos no es muy diferente a los vídeos musicales. Alguien llega a ti porque necesita una pieza audiovisual y a partir de ese momento comienzo la elaboración de la idea y guión. Aunque soy más de elaborar el guión en mi cabeza a medida que se va rodando, es decir, tengo unas líneas e ideas generales e in situ voy pensando, creando y se me van ocurriendo cosas a medida que grabo. No suelo planear todo con antelación porque a veces conviene dejar espacio el azar, aunque tampoco voy a lo loco.


-¿Alguna novedad que nos puedas adelantar de cara a los próximos meses?

Que no sólo se grabó una canción de Los Planetas.

 

Esperaremos esas nuevas canciones... mientras ...

Hasta la próxima aventura!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   25.abr.2017 11:12    

Nysu-Guadalupe Plata: aire de western

La última vez que NYSU  pasó por ARS fue con motivo del estreno del videoclip "Restless" para New Order, un proyecto ambicioso que les ha catapultado de lleno, aún más si cabe, al mercado anglosajón

En el interludio han pasado muchas cosas y buenas: piezas para Love of Lesbian, Ivan Ferreiro, Bastille (clip "Good Grief"" Nominado en los Berlin MVA), visuales para Archive (Driving in Nails), un exitoso proyecto en VR para el chef Dabiz Muñoz (nominado en Tribeca)...

 

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Jesús Hernández dirigiendo "Bajo el volcán" (Love of Lesbian)

Fotografía: Quique Santamaría

 

En este capítulo de ARS os descubrimos, además, que no sólo de videoclip vive Nysu; en esta entrevista Jesús Hernández (alma mater) nos cuenta su reciente creación para Guadalupe Plata, pero también nos muestra su vertiente cinematográfica y musical (como integrante del grupo Jessica).

Todo un universo poliédrico que nos disponemos a descifrar...

 

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-Ahora, se estrena "Qué he sacado con quererte", el video musical para Guadalupe Plata, una banda con la que mantenéis una relación muy especial. Ahí están explosivos y viscerales videoclips como "Milana", "Pollo Podrío", o el "directoalavena" de "Como una serpiente" una grabación mítica para Venus Plutón que perpetrásteis en un club de alterne de León.
¿Cómo es esa relación con la banda de Úbeda, y en esta ocasión cúal ha sido el germen del proyecto?


Guadalupe Plata es una de mis bandas favoritas. Me parece uno de los grupos más auténticos del país y que dan una gran importancia al apartado audiovisual.
Me siento muy identificado con su mundo, sus referencias y sus letras así que es un auténtico placer haber “aportado” tres clips a su imaginería.

 

 

-El videoclip es un friso "goyesco" de tintes trágicos (una suerte de "pintura negra contemporánea") que acompaña el ritmo de la canción, una letanía que se mueve según la cadencia que marca la banda. No falta el torero, la folclórica, la benemérita, los flagelados... ¿Cúal ha sido el proceso creativo para llegar a esta postal, a este aguafuerte claroscuro?


El proceso es el mismo de siempre y no puede ser más natural. Me mandan el tema y… ya. Confían en lo que haga y casi no escribo tratamiento ni explico demasiado la idea. Creo que eligen muy bien con quien quieren trabajar y lo dejan hacer. La primera vez que escuchas el tema imaginas un western. Esa guitarra Morricone te lleva a imaginar áridos desiertos y gente ahorcada. Pero quería darle una vuelta y alejarnos del regusto americano así que dije: contemos una historia plenamente española pero con aire de western sustituyendo los elementos.

-Creo que una de las virtudes del videoclip es el equilibrio que mantiene entre lo formal y lo narrativo. En este caso, ¿qué te ha "arrastrado" más: lo estético, los personajes "simbólicos", la intrahistoria que recorre soterradamente el video…?

Para mí siempre es más fácil definir la forma y después el contenido. En la mayoría de mis vídeos tengo mucho más claro cómo lo quiero contar que lo que voy a contar. Así que el guión lo voy montando como un puzzle donde sólo tengo el marco. “La magia está en el proceso entonces...” me dijeron una vez y no le faltaba razón. Yo hago una escaleta con imágenes sueltas y voy rellenando las lagunas. Como en Bajo El Volcán: estaban las hermanas Halley y estaban los volcanes que a su vez son desastres naturales…. ¿y si los desastres los provocan ellas?…. Siempre se parte de una fina línea narrativa que se va retorciendo formalmente hasta que también el guión es retorcido.

 -En un primer visionado se me han venido a la mente algunos "ecos": Lorca, Buñuel, Goya, el western crepuscular... todo tamizado por vuestra visión postmoderna, ¿has tenido en mente algunas referencias concretas a la hora de retratar esta "España Profunda”?
Las referencias más claras son Los Santos Inocentes de Camus, toda la fotografía de Cristina García Rodero y, como no, mi amado Zbigniew Rybczyński.


- Por otro lado y analizando formalmente la pieza me asaltan zarpazos de anteriores trabajos Nysu, como "Diplomat" (2013) para Itch (esqueleto incluido, jeje) "Dead Bodies" (2011) para Void Camp, "Todo el tiempo" para Glez. donde son "marca" de la casa algunas figuras retóricas como: el bucle, el loop, la repetición, la lectura en vertical (como sucedía en "Sirens" para Boat Beam), el uso del catch circular a modo de zoom... Y no lo digo como crítica, más bien como un ejemplo de cómo se va depurando un estilo y la paleta de recursos estéticos se va redefiniendo. ¿Hasta que punto, Jesús, eres consciente de esas técnicas o forman parte de un magma creativo inconsciente?

Bueno, soy bastante obsesivo con ciertos mecanismos y temáticas (por no decir que me repito más que el ajo), pero, si te fijas hemos pegado bastantes volantazos estilísticos estos dos últimos años (la inspiración brit del video de New Order o el softporn noventero en Love Of Lesbian) donde eran vídeos más narrativos. Este clip para Guadalupe es un Back To The Basic en toda regla. Es una vuelta a lo que me hace feliz: la vuelta de tuerca, el truco dentro del truco, el in crescendo hasta lo absurdo y todo con un rodaje muy simple.

  

 

-Volviendo al friso de personajes del videoclip, tengo curiosidad por cómo has realizado la composición, hasta qué punto has utilizado found footage o son grabaciones ex-profeso, con qué técnicas de postproducción has trabajado…

No hay nada found footage! Todo se rodó sobre un croma verde en Adisar Estudios en Madrid. Y lo mismo no te has dado cuenta pero exceptuando a Silvia Vacas es la misma banda la que interpreta todos los personajes. Siempre he dicho que tienen unos rostros muy cinematográficos así que les tiré el desafío para que interpretaran dos o tres personajes cada uno. Por ejemplo, Paco Luis hace de los campesinos y de las campesinas.

-Veo que vuelves a contar con vuestra musa Silvia Vacas, que le da gran autenticidad a la historia, ¿de donde has sacado el resto de "paisaje humano”?


Silvia es un diamante por descubrir. De las actrices más inteligentes que conozco. Nuestros proyectos no son nada fáciles de entender y ella los lee a la primera. Sabe perfectamente para qué estamos haciendo este plano y exactamente cuál es el papel del actor dentro del caos formal que proponemos. Hay que ser bastante buena y con un punto masoquista para aguantarnos.

 

 

-Ya para acabar me gustaría preguntarte por dos temas de los que hemos tratado por encima en anteriores entrevistas:
¿Cómo va ese proyecto de primera película? ¿Vamos a poder celebrar un auténtico "NYSU DAY" en breve?

Pues excepto el dinero para rodar está todo. jajajaja La verdad es que estamos ilusionados porque es una peli muy NYSU y a su vez bastante de género. Mantiene un pie en la realidad pero a su vez, como imaginarás, es un buen rompecabezas. Así que estamos a la espera que conseguir el poco de financiación que falta y rodar.

-Tambien quería preguntarte por tu proyecto musical Jessica, que has llevado con cierta discreción...¿Tenéis intención de darle continuidad?


La verdad es que de repente saltó la liebre aunque intentamos llevarlo en secreto. Soy un “músico" frustrado así que hace un par de años empezamos a quedar en un estudio de Madrid como hobby, una manera de descargar tensiones aporreando sintes. Pero poco a poco fue tomando forma y personalidad así que decidimos lanzar el proyecto y no ha ido nada mal. Hemos tocado en sitios bastante top (Valle Electrico, Matadero y Music&Dealers) y hemos mejorado la puesta en escena con visuales (la cabra tira al monte) en directo.  El nuevo EP se llama Reina La Barbarie y está bien reshulón: 

 

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                     Portada Jessica EP: Reina la Barbarie

 

-Y ahora sí, ya por último y volviendo al principio, tras la exitosa experiencia de grabar en VR para Dabiz Muñoz ¿os planteáis este recurso para llevar a otros proyectos, en concreto al formato videoclip?

 

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Para mí la VR es un formato en el que todo está por inventar narrativamente. Me encantó la experiencia porque tiene que ver mucho con nuestra manera de trabajar: buscar herramientas y mecanismos para contar un guión de una forma especial. Fue una experiencia increíble y estoy deseando volver a trabajar en un proyecto de Realidad Virtual. De hecho, tenemos un proyecto para una película de terror en VR que el que ponga la pasta se lleva un caramelo. Ya promocioné la peli, el disco y el proyecto de VR. La entrevista va a parecer todoanuncios.com

 

Hasta la próxima aventura "nysuyesca"!

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Sarmient Peppers   17.abr.2017 22:57    

Pérez y Stein: botijo y martini

Hace más de dos años, en febrero de 2015, supimos de la existencia del tándem creativo "Pérez y Stein", un soplo de aire fresco en el panorama del videoclip en España. Estilo personal y arriesgado, alejado del mainstream, que han mantenido a lo largo de este tiempo.

 

Perezystein

 Ahora nos vuelven a sorprender con "As Harmful as a hive" de nuevo para Julien Elsie, un trabajo aún si cabe más experimental y rompedor.

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-¿Cual ha sido el giro de tuerca creativo en este videoclip respecto a vuestras piezas anteriores?

El gran giro ha sido la apuesta formal al rodarla en analógico, un soporte que nos fascina y que llevábamos un tiempo rumiando, la libertad de la música de Julien Elsie y el propio giro que ha dado él en la concepción de su música;  así que en cuanto vimos que canción, artista y soporte encajaban no lo dudamos dos veces. Nos lanzamos a probar algo un poco más libre, menos contenido.

 

 

 -A primer golpe de vista, diría que lo que más sorprende de este trabajo es la textura de la Bolex en 16mm, mezclada con esos toques digitales glitch, que le dan un aire inquietante a la obra ¿Cual ha sido vuestra apuesta visual en este sentido?

Éramos conscientes de que la textura que iba a aportar el 16mm reversible en blanco y negro era ya una carta de presentación potente,
es casi una declaración de intenciones. La cadencia de los fotogramas, las oscilaciones e imperfecciones en la luz al tratarse de un negativo que llevaba 14 años caducado, lejos que asustarnos, nos animaban a ir más allá. Mezclar algo aparentemente caduco como es rodar en cine, en contraposición con algo tan artificial y actual como es esa máscara digital en los rostros de los personajes aportaba ese toque surreal e inquietante. Una forma de mezclar la decadencia de dos mundos, el fallo como elemento creativo, el error como arte.

 

  Perezystein

 
-Por otro lado, nos presentáis a la pareja protagonista de la que en ningún momento vemos las caras pues las tapáis usando técnicas digitales. Una decisión radical a nivel artístico pero que considero uno de los aciertos estéticos del videoclip. ¿Cómo surgió esa intención expresiva?

Había una cierta necesidad de anular la identidad de los personajes, simplificándolos y despojándolos de ese carnet de identidad que es el rostro humano. Sólo queríamos ver dos cuerpos que bailan y vibran de manera muy rota, casi a destiempo, sin ritmo que siga algo lógico. También tiene mucho que ver el ritmo que otorga al tema de Elsie. La manera de arrastrar las frases, la languidez de la voz, la percusión a destiempo y por encima de todo el misterio. Somos un poco sociópatas y defensores a ultranza de la diferencia, anular las máscaras que nos convierten en seres humanos estándar.

 

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-Además debo añadir que, aún sin ver sus caras, considero que la interpretación es extraordinaria a nivel de lenguaje corporal. ¿Cual ha sido la consigna para los actores, en este sentido?

Somos dos personas que no bailan ni en las bodas, nos declaramos fans incondicionales de esa forma tan eléctrica que tenía Ian Curtis de moverse en el escenario, mezcla entre robótico, timidez y epilepsia que hipnotizan a quien lo observa . El movimiento tiene una cadencia como de letanía, de ciclo, desde el principio sabíamos que sus caras tendrían una vida digital y sus cuerpos tenían que decirlo todo.

 

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-Destacaría también las localizaciones, muy conceptuales y que le dan entidad al videoclip ¿dónde habéis rodado?

El video se rodó en plena ola de calor, fue una jornada larga a pleno sol y con unos 40 grados zumbando sobre todo el equipo de rodaje. Ese sol tan violento que todo lo aplasta y deforma necesitaba de unos espacios despoblados, enigmáticos pero estéticamente necesitaban tener fuerza. Buscamos esa sensación distópica que nos permitiera fortalecer el universo del videoclip. Hemos rodado en sitios que se ven desde la carretera pero en los que normalmente no te detienes. El blanco y negro y el grano también constituye en si mismo una localización, una geografía mental.

 

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-Dede el punto de vista expresivo vuestra propuesta me retrotrae a autores como Buñuel, Man Ray, ... Al ver la pieza no puedo evitar pensar en "La edad de oro" de Buñuel. Creo que tenéis la capacidad de generar imágenes muy potentes en sí mismas. ¿Dónde están vuestra fuentes de inspiración?


La inspiración viene en forma de fotos, de palabras, mensajes de texto y de pasear mucho con los auriculares puestos, ver la calle, el adolescente en chándal, el señor que pasea al perro pasado por un filtro perverso.
Buñuel es un referente, un guía en muchas de las decisiones a la hora de plantear ideas y crear nuevos conceptos para los videoclips, por su economía narrativa. Está claro que el surrealismo es una fuente inagotable de donde beber una y otra vez. Añadiríamos a Cocteau, Berlanga, Warhol, Jarmusch Kubrick, Azcona, , Wenders, Lathimos, Glazer, Corbjin, Jonas Mekas…. pero somos igualmente adeptos a Paco Martínez Soria, Rafaela Aparicio o Alfredo Landa. Pérez y Stein son devotos del botijo y del martini, del hotel Palace y de la pensión Pepita.

- También tengo la sensación de que vuestras propuestas se están radicalizando en el mejor sentido de la palabra, y que os abandonáis a la experimentación, al trazo libre... Buena prueba de ello es cuando el efecto glitch lo usáis incluso en los títulos de crédito, una opción estética que la lleváis hasta sus últimas consecuencias. ¿Qué opináis al respecto?

Creemos que hay mucho talento ahora mismo en el campo audiovisual de este país, pero lamentablemente también pensamos que hay mucho de lo mismo. Las imágenes se han ido agotando hasta limites preocupantes, tenemos la sensación de que cada vez hay más gente que imita a otra gente y ahora mismo hay una gran masa de realizadores a los que siempre se les pide hacer lo mismo. Hay una fórmula visual que no falla y gusta al productor y al espectador. Pérez y Stein intentan huir de todo esto y esa es una de las razones por las que hay apretamos un poco e incluimos un ingrediente de radicalidad en todos los proyectos en los que nos embarcamos, de otra manera el aburrimiento se apodera de nosotros. Puede parecer petulante pero hacer lo que está ahora mismo de moda es muy fácil, pero a nosotros nos da pereza.

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-Ya para acabar, dos cuestiones más. Me decíais que habéis realizado más piezas con la Bolex y que estáis enganchados al 16mm. ¿Qué os aporta esta opción analógica a diferencia del digital? ¿Qué tipo de proyectos estáis haciendo en 16mm?

Rodar en cine tiene algo de sagrado, hay un protocolo diferente en rodaje a la hora de afrontar cada plano que se rueda, una cierta tensión añadida que pone a todo el equipo al límite, la adrenalina por las nubes, nos encanta y hemos encontrado un equipo dispuesto a seguirnos. Lo que nos aporta rodar en soporte fotoquímico es un respeto hacia lo que a todos nos mueve a la hora de rodar, el cine. Somos cinéfilos y amamos el cine. Rodar es adictivo, los tiempos cambian, los ritmos cambian, la espera y la posibilidad constante de que todo falle, confiar en el trabajo de cada miembro de la cadena. Sin olvidar que la plasticidad de una imagen rodada en cine o grabada en digital la diferencia es abismal, pero no somos talibanes del cine. Todos los formatos son interesantes, expresivos y necesarios.

@perezystein rodando en 16mm el videoclip "As harmful as a hive" #perezystein #shooting #16mm #kodak #kodakfilm #bolexpaillard #expiredfilm #reversalfilm #perezystein #musicvideo #projects #julienelsie #asharmfulasahive #cinematographer #cinematography #bnw #cameracrew #madrid #paulstein#luisangelperezdop #julienelsieband #blancoynegro #retrolab #kodak7265 #kodak7265plusxreversalfilm #newyork #amsterdam #xrays #yakutsk

Ya hemos rodado tres proyectos en 16mm, pero solo uno de ellos se ha estrenado. Tenemos en la recámara ya rodados otros dos proyectos (uno en Súper 16mm y otro en 16mm) de los que no podemos hablar todavía, uno de ellos es un videoclip bastante arriesgado y el otro el germen de lo que será un largometraje en el que llevamos bastante tiempo trabajando.

 

No hay texto alternativo automático disponible.

 

-Y por último, me hablábais de una versión acústica de esta canción de la que habéis rodado un clip en 4k ¿en qué consiste esa nueva reflectora?

Es una variación de la versión rodada en cine. Ambos videos se rodaron a la vez, en soportes diferentes, relaciones de aspecto muy opuestas y para rematar la faena uno en blanco y negro y otro en color . Julien preparó dos versiones del tema, el que ha salido ahora con esa textura electrónica y una versión acústica más "clásica". Decidimos mezclar las formas digital acústico, electrónico analógico, había algo de juego travieso en afrontar el proyecto de esa manera que suponemos absurda para unos y brillante para otros.

 

La imagen puede contener: 4 personas, multitud y exterior

 

Esperamos con fruición esos nuevos proyectos, como ellos mismos proclaman: "Todos somos Pérez y Stein".

Hasta la próxima aventura!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   11.abr.2017 11:52    

Premios MIN: Las Bistecs al poder

Se ha celebrado recientemente ( y ya van nueve ediciones) la ceremonia de entrega de los Premios MIN (Música Independiente), unos galardones que toman el pulso a los proyectos más audaces del mercado musical español . 

 

 

En la categoría de videoclip son variadas las piezas que han llegado a la fase final si bien ha resultado ganador el proyecto "Señoras Bien" dirigido por Carla Parmenter para Las Bistecs.

Una pieza que recoge a la perfección la frivolidad y el toque kitsch del dúo barcelonés.

 


 La producción ha sido obra de Pandora We Produce, the other side of the story, una compañía con amplia experiencia en audiovisual y que ya ha realizado en el pasado videos musicales destacados, dirigidos en algún caso por César Pesquera.

 

THE SUICIDE OF WESTERN CULTURE: Amor De Madre from César Pesquera on Vimeo.

 

Nos despedimos hasta una próxima edición de ARS, no sin antes desear que los Premios MIN se sigan celebrando, son muy saludables para el colectivo de música en España y contribuyen a reforzar la autoestima dentro del talento patrio.

Por cierto, a algunos videoclips anteriores de Las Bistecs, ya dedicamos algún alegre post en el pasado donde comentábamos el trabajo de la realizadora Gema Briones para clips como Historia Del Arte o Universio.

Transgresión y diversión a raudales.

Hasta los próximos MIN y Viva el electrodisgusting!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    4.abr.2017 00:50    

Laura Iturralde: jugar con luz

 Laura Iturralde y la magia del espacio y de la luz. Nos adentramos en el universo de esta artista visual que realiza proyecciones en directo para diversos proyectos (teatro, conciertos) dándole una vuelta de tuerca a la relación entre la imagen y la música.

Videoclip, performance, videoarte..., los márgenes están difuminados, pero en cualquier caso hablamos de artesanía y poesía visual al servicio de las imágenes.

 

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 Laura Iturralde tiene un perfil muy multidisciplinar: fotografía, grafismo, diseño de luz y espacio... En ARS nos ha llamado especialmente la atención tu faceta de "video en vivo" en teatro pero sobre todo en conciertos en directo.
¿Cómo nace en tí esa inquietud por realizar visuales en tiempo real?

Pues verás, fui por primera vez al festival L.E.V en Gijón allá por 2009. En esa edición vi a Aphex Twin, Peter Greenaway y a Micro Audio Waves (con puesta en escena de Rui Horta), entre otro montón de artistas. Así pues, creo que mi interés por el mundo de las visuales en directo viene derivado de mi interés por la música electrónica, ya que hace años no eran muy comunes las visuales en espectáculos de otros estilos. Después empecé a estudiar Escenografía y me dí cuenta también del gran potencial que tienen las proyecciones o el videomapping a la hora de complementar una narrativa teatral. Fue ahí cuando empecé a interesarme por proyectos de teatro y danza que utilizan este soporte.

 

 

-Quería destacar, por ejemplo, los visuales que has realizado para el grupo Trilitrate en vivo. De alguna manera se podría decir que eres una integrante más de la banda aportando una lectura complementaria a lo estrictamente musical. ¿Cual es tu relación con el grupo y qué método de trabajo empleas a partir de las canciones?

 

 

Pertenezco a Trilitrate desde 2013, de hecho fue con ellos con los que empecé a hacer visuales y, a partir de ahí, fueron surgiendo otros proyectos. La banda va componiendo sus temas y en cuanto tienen un poco de forma los comparten conmigo para que pueda ir pensando la mejor forma de complementarlos visualmente. Al principio utilizaba imágenes de archivo, o videos que yo misma grababa y lanzándolos en directo pero, poco a poco, fui “complicándolo” todo introduciendo la cámara en directo. La música de Trilitrate es muy evocadora, así pues no me resulta complicado seleccionar los elementos con los que quiero trabajar. Además, tiene parte de improvisación, por lo que yo también cuento con libertad a la hora de experimentar recursos en directo y no me tengo que ceñir a unos tiempos y ritmos rígidos. Desde que uso la cámara en directo durante los conciertos me sitúo junto a ellos para que el público pueda observar cómo se desarrolla la manipulación de objetos.

 

 

-Uno de los aspectos más complejos de los visuales en directo es la sincronización con la música y que el resultado final sea un todo. En ese sentido tu labor es muy artesanal, ¿con qué elementos trabajas (cámara, manipulación y proyección de objetos, tratamiento digital...) y cual suele ser la mayor dificultad que tienes al poner en pie un espectáculo?

Generalmente uso cámara en directo y acostumbro a tratar digitalmente las imágenes a tiempo real mediante software. A su vez, mezclo estas imágenes generadas en directo con otras previamente grabadas. Me gusta trabajar con loops, capturando imágenes en el momento y relanzándolas de igual forma que se hace con la música, me parece una forma muy divertida de “jugar” con el vídeo. Los materiales que utilizo, ya sean objetos que manipulo en directo o vídeos pregrabados, varían mucho en función del espectáculo pudiendo utilizar desde líquidos con infusiones hasta acetatos, lentes, tinta... presto especial atención a la luz, pues mediante el ángulo y la dureza de ésta se puede transformar totalmente un elemento. Para mi, la mayor complejidad de todo esto es la adaptación a diferentes espacios: cómo y dónde proyectar, situar el proyector, adaptar la imagen...Sin embargo, la creación me resulta muy gratificante pues es algo que puedo hacer en casa o en ensayos contando con tiempo y tranquilidad para probar y experimentar con texturas, objetos, materiales y luz.

-¿Hasta qué punto los videos en directo que haces se pueden considerar un videoclip o una videocreación, o se podrían considerar un género en sí mismo? Aprovecho para preguntarte qué piensas sobre estos formatos.

Aunque las visuales en directo están cobrando muchísima relevancia en la última década también creo que las líneas están ya muy desdibujadas entre los diferentes géneros en lo que a vídeo se refiere. Por ejemplo, Trilitrate tiene un videoclip de animación que hizo nuestro amigo Nelo (Pálida) cuyas imágenes yo pincho durante los conciertos . Por otra parte, durante los directos suelo capturar imágenes que después utilizo como promoción. Así pues, los flujos de trabajo se entrelazan y evolucionan, deja de existir un orden lógico a la hora de la creación de visuales.

 -Además de los mencionados Trilitrate, también has diseñado visuales para Orquesta Metamovida, proyecciones en formato circular en Festipousa, videocreaciones en el encuentro Onda Vital... Cada proyecto tiene su personalidad, pero ¿sientes que para tí es un medio de expresión en el que, más allá de las singularidades, hayas encontrado un estilo propio?¿La poesia, la ensoñación, el surrealismo...en qué registro te mueves?

Sí, además de ser “fija” en Trilitrate colaboro con otros proyectos musicales, algunos de ellos pertenecientes al colectivo gallego Metamovida. No creo haber encontrado un estilo propio, si bien creo que las técnicas que utilizo son poco frecuentes, aún me queda mucho camino que recorrer y tiempo que dedicarle.

 

Metamovida

 -En cuanto a los materiales visuales que usas ¿son propios, o buceas también en imágenes de archivo?¿Algún autor-creador de cabecera que sea inspirador de tu obr

Además del material que yo misma grabo o genero en directo utilizo material de archivo, generalmente películas o anuncios de dominio público. Hay páginas como archive.org que ayudan a hacerse con material audiovisual de todo tipo. También hay muchas películas americanas de serie B que, por descuido de las productoras que debían que renovar los derechos periódicamente y no lo hacían, se pueden utilizar libremente. Y muchas películas soviéticas (las de Tarkovsky por ejemplo) se encuentran bajo licencias libres. En la red puedes encontrar de todo, hay por ejemplo un montón de anuncios publicitarios de los 50-60 sobre modales, normas de comportamiento, seguridad, dietética...muy curiosos y peculiares.

Con respecto a los autores de cabecera, sigo el trabajo de un colectivo alemán llamado Transforma, aunque nunca tuve la oportunidad de verlos en directo, utilizan cámara de una forma muy sencilla y elegante desde mi punto de vista.

 

 

Hay un dúo japonés afincado en Berlín cuyo trabajo me parece muy inspirador también, se llaman Usaginingen y se hicieron sus propios instrumentos de música y visuales, no emplean ningún efecto digital, crean las capas de imagen mediante la superposición de cristales... muy creativo e imaginativo.

 

 

-También me gustaría preguntarte someramente sobre tus trabajos para la escena como las videocreaciones "Leixaprem", "OOPS...! I did it again" "Insulto ao público", etc... ¿Cambia mucho tu forma de trabajar respecto a cuando haces video en vivo en conciertos?

Dependiendo de muchos factores. Por ejemplo, en Leixaprem de la compañía de danza A Artística, yo estaba en escena y tenía que controlar la cámara, el ordenador y todo esto coordinarlo con lo que estaba sucediendo. Estos casos siempre requieren mayor preparación porque tienes que definir cosas como la posición de la cámara, las marcas para lanzar los vídeos... pero en general creo que la diferencia estriba en el grado de improvisación y en la cantidad de cambios que contenga la pieza, lo mismo que en música. También es importante la relación entre lo que está pasando en escena y las visuales ya que, en ocasiones éstas definen el principio de una acción o cambio de luz, y un error puede suponer un cambio de ritmo en todo lo que conforma la pieza.

HALO


-¿Hasta que punto en tus creaciones visuales hay sitio para la improvisación en vivo o está todo muy pautado?

Pues de nuevo debo decir que depende :-). Por ejemplo, la semana pasada participé por primera vez en una sesión HALO, que se celebran en diferentes espacios de Vigo una vez por semana, y en las cuales se suelen juntar 3 músicos para improvisar. En esta ocasión compartí sesión con Xavier Nuñez (Cró!, Orquesta Metamovida), Mateo Mena (Hypercubes, Orquesta Metamovida) y Nacho Muñoz (Igmig, Orquesta Metamovida) y las visuales, obviamente, fueron también improvisadas. Surgieron momentos muy interesantes y fue muy divertido tanto para nosotros como para el público, ¡ espero poder repetirlo pronto! Sin embargo con otros proyectos como Nostoc todos los cambios están muy marcados; es un trabajo muy minucioso y elaborado que exige muchos ensayos y coordinación con la música. Esto también sucede en muchos proyectos escénicos, no hay mucho margen de error y debo estar muy atenta a las marcas para que no se descoordine todo.

 

Nostoc



-Ya para acabar, ¿algún proyecto audiovisual que estés preparando digno de mención?

Si! Antes nombré a Nostoc, la nueva formación que tengo junto con Mateo Mena, desarrollador de los Hypercubes. Nuestra primera pieza, Taxón, se basa en la evolución de diferentes organismos naturales y usamos recursos escenográficos, lumínicos, sonoros y visuales. La pieza fue estrenada en un festival estupendo, el Festival de Experimentación Sonora y Visual TESLA, que se celebra anualmente en León. Pudimos disponer de una sala en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) para llevarlo a cabo y la verdad es que el resultado fue más que satisfactorio, esperamos poder repetir la experiencia.

 

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Por otro lado, en Junio se estrena Salvador, de Borja Fernández (Es un árbol, Cía Voadora, Cía Chévere, Orquesta Metamovida...) obra que trata sobre los movimientos migratorios, las desapariciones y los encuentros en la que también llevo la parte de visuales.

 

Salvador

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   28.mar.2017 10:59    

Primavera festivalera

En torno a estas fechas primaverales son varios los festivales que en nuestra geografía dedican espacio al universo del videoclip: Medina del Campo, Barcelona Visual SoundFestival Cara B en la ciudad condal,  son algunos de los certámenes que en estas últimas semanas se han celebrado con éxito. Otras citas videocliperas como los Premios MINGranajoven en un clip esperan su oportunidad en próximas fechas y en ARS os daremos cumplida crónica de ambos.

Reseñamos a continuación el Palmarés de Medina del Campo (categoría de videoclip) cuya Semana de Cine se ha celebrado del 10 al 18 de marzo, llegando a su edición número treinta.

-Premio de Jurado para "Fade" de Chloé Bird, dirigido por Ainhoa Rodríguez.

Se trata sin duda de uno de los trabajos más inspirados de esta temporada, un videoclip que ya reseñamos en ARS y que está recibiendo multitud de premios tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

 

  Medina premio para Fade

  En la imagen Chloé Bird (cantante, a la izquierda) y la directora del videoclip, Ainhoa Rodríguez (derecha) reciben el premio de manos de José Daniel Posadas (Gadisa)

 

Por otro lado, el premio del público ha recaido en el videoclip "Lo niego todo" de Joaquín Sabina, dirigido por Adrián Ramos y Oriol Segarra, una aproximación en blanco y negro muy sentida al universo del cantautor de Ubeda.

 

 

Medina premio para Lo niego todo

 Los directores Adrián Ramos y Oriol Segarra y los productores Félix Tussell y Carmela M. Oliart recogen el premio del Público al mejor videoclip en Medina del Campo.

Un año más la selección de videoclips ha tenido un altísimo nivel como se puede comprobar aquí.

Por último, no queríamos dejar de mencionar la Exposición ‘Exploding Plastic Inevitable. Andy Warhol y The Velvet Underground (Remake II)’, comisariada por Javier Panera. Como siempre, la organización de la Semana de Cine de Medina del Campo se muestra muy sensible a la relación entre música y artes visuales. En este caso en la Sala Luis Vélez se ha podido rememorar la serie de actos multimedia que organizó Andy Warhol entre 1966 y 1967, con las actuaciones musicales de The Velvet Underground y Nico.

Para acabar recopilamos en este link el Palmarés completo de Medina del Campo, que viene encabezado por el corto ganador "Ni una sola línea" dirigido por Víctor E.D. Somoza.

En próximas entradas de ARS daremos cuenta de algunas citas ineludibles del calendario videoclipero en España.

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   21.mar.2017 00:59    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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