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Primavera festivalera

En torno a estas fechas primaverales son varios los festivales que en nuestra geografía dedican espacio al universo del videoclip: Medina del Campo, Barcelona Visual SoundFestival Cara B en la ciudad condal,  son algunos de los certámenes que en estas últimas semanas se han celebrado con éxito. Otras citas videocliperas como los Premios MINGranajoven en un clip esperan su oportunidad en próximas fechas y en ARS os daremos cumplida crónica de ambos.

Reseñamos a continuación el Palmarés de Medina del Campo (categoría de videoclip) cuya Semana de Cine se ha celebrado del 10 al 18 de marzo, llegando a su edición número treinta.

-Premio de Jurado para "Fade" de Chloé Bird, dirigido por Ainhoa Rodríguez.

Se trata sin duda de uno de los trabajos más inspirados de esta temporada, un videoclip que ya reseñamos en ARS y que está recibiendo multitud de premios tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

 

  Medina premio para Fade

  En la imagen Chloé Bird (cantante, a la izquierda) y la directora del videoclip, Ainhoa Rodríguez (derecha) reciben el premio de manos de José Daniel Posadas (Gadisa)

 

Por otro lado, el premio del público ha recaido en el videoclip "Lo niego todo" de Joaquín Sabina, dirigido por Adrián Ramos y Oriol Segarra, una aproximación en blanco y negro muy sentida al universo del cantautor de Ubeda.

 

 

Medina premio para Lo niego todo

 Los directores Adrián Ramos y Oriol Segarra y los productores Félix Tussell y Carmela M. Oliart recogen el premio del Público al mejor videoclip en Medina del Campo.

Un año más la selección de videoclips ha tenido un altísimo nivel como se puede comprobar aquí.

Por último, no queríamos dejar de mencionar la Exposición ‘Exploding Plastic Inevitable. Andy Warhol y The Velvet Underground (Remake II)’, comisariada por Javier Panera. Como siempre, la organización de la Semana de Cine de Medina del Campo se muestra muy sensible a la relación entre música y artes visuales. En este caso en la Sala Luis Vélez se ha podido rememorar la serie de actos multimedia que organizó Andy Warhol entre 1966 y 1967, con las actuaciones musicales de The Velvet Underground y Nico.

Para acabar recopilamos en este link el Palmarés completo de Medina del Campo, que viene encabezado por el corto ganador "Ni una sola línea" dirigido por Víctor E.D. Somoza.

En próximas entradas de ARS daremos cuenta de algunas citas ineludibles del calendario videoclipero en España.

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   21.mar.2017 00:59    

Dedo Ciego: hacedores "mixed-media"

 Joaquín Urbina y Ana Gale son Dedo Ciego, como a ellos les gusta autodefinirse  una "dupla de realizadores o más bien hacedores mixed-media”.

Desde este estudio radicado en Barcelona se afrontan proyectos personales y de encargo desde una perspectiva que aúna lo orgánico y lo digital.

El experimento audiovisual, el error, el accidente, todo juega en las piezas audiovisuales de este tándem creativo que transita con audacia desde el formato videoclip, pasando por el video corporativo, el ensayo audiovisual, el diseño de proyecciones para conciertos en directo... Collage, After Effects, super 8, papel, tijeras, dibujo, mesa de luz, todo vale en esta mezcla talentosa de innovación y tradición.

 Así pues, hacemos un recorrido por su videografía deteniéndonos en algunas piezas excepcionales para JMII, Femi Kuti, o Pola Tog (proyecto electrónico del propio Joaquín Urbina), con homenaje incluido a la figura de Marcel Duchamp.

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-Dedo Ciego sois un tándem creativo que trabajáis a partir del universo del motion graphics y la animación. ¿Cuál suele ser el reparto de roles entre Joaquín Urbina y Ana Gale?

Digamos que somos una dupla de realizadores o más bien hacedores “mixed-media” y como tal no tenemos roles asumidos, preferimos estar en todas las partes del proceso, nos entendemos desde nuestras capacidades, limitaciones, ideas y gustos por lo que modulamos y adaptamos nuestros roles en cada proyecto que hacemos.

-Nos gustaría centrarnos en algunos de vuestros últimos trabajos audiovisuales, sin embargo y aunque el proyecto Dedo Ciego como tal nace en septiembre de 2016, Joaquín Urbina ya venía de una amplia trayectoria bajo el nombre No-Domain, además de adentrarte en proyectos musicales como TBN202. ¿Cual era el espíritu de aquella etapa y en qué ha cambiado con la nueva era Dedo Ciego?

No-Domain era un estudio audiovisual, abordábamos los proyectos con un espíritu colectivo, hace unos 5 años dejamos de entendernos como estudio, cada uno se fue por su lado y yo continué con el proyecto pero trabajando solo como director, dándole una visión más personal y explorando un lenguaje propio. Se podría decir que ese proceso evolutivo sumado a los años que Ana y yo llevamos colaborando han cristalizado en una nueva andadura, una nueva “era” llamada Dedo Ciego. Por cierto, ¿como es que recuerdas a TBN202? ;-)

 

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-Como decía, nos gustaría hablar de algunas de vuestras últimas piezas en formato videoclip, como "Bailar" para JMII, o los proyectos para Pola Tog (proyecto electrónico de Joaquín). En líneas generales se podría decir que la experimentación es vuestra principal seña de identidad. En el caso de JMII apostáis por un video sinestésico, en la línea de Norman McLaren. ¿Cómo nace ese videoclip conceptual, y con qué herramientas habéis trabajado la animación?

Nos contactó Dani Baughman de Hivern Discs para encargarnos un vídeo del nuevo Ep de JMII. Desde la primera escucha el tema ya nos sugería un juego rítmico entre la imagen y el sonido, es muy gráfico, minimalista, de ritmo sincopado, palmas espasmódicas, sonidos de sintes raros e intermitentes samplers vocales, les propusimos la idea de crear una serie de patrones gráficos y usarlos de la misma manera como se usa una caja de ritmos: redobles, repeticiones, cortes, acentos, etc. Visualmente, la crudeza del sonido nos pedía el uso del blanco y negro, geometrías y formas primitivas, también una orgánica textura de papel, luego fueron surgiendo las manos y las cebras, estaba cogiendo forma. Lo animamos digitalmente en After Effects y analógicamente con cámara y papel. Escaneamos decenas de páginas de libros viejos de donde extrajimos pequeños elementos para luego construir patrones y composiciones gráficas, hicimos muchos experimentos con manos y tinta, secuencias en fotografía y video (como las zebras hechas con tela) que luego imprimimos en papel para animarlas cuadro a cuadro. Fue un proceso entretenido y terapéutico.

 

 

-En el caso de Pola Tog, se trata del proyecto musical electrónico del propio Joaquín Urbina, que presentó "Rayogrammes" en 2016, editado por Doméstica Records. En "Rrose Sélavy" hacéis un homenaje a Duchamp en un video que combina digital, super 8mm, animación en papel. ¿qué tiene vuestro estilo de digital y qué de analógico? En otra creación como "Late aspirations", por ejemplo, os inspirais en metraje en 8mm encontrado en mercados, tiendas de segunda mano...

No tenemos un estilo en particular pero si en una manera propia de aproximarnos a lo que hacemos con un visible gusto por lo orgánico y analógico, e incluso lo que es digital lo tratamos de una forma “manual”. Muchas veces no sabemos a donde vamos, solo descubrimos lo que buscamos haciéndolo, como podría ser el caso de este video clip. Si bien la canción es un claro homenaje a Marcel Duchamp, el vídeo no estamos seguros de que lo sea, jugamos con un desdoblamiento o distorsión de la identidad por eso trabajamos con NES, nos gusta su particular forma de mezclar danza, performance y teatro, de la experiencia con ellos sacamos un material con la cámara digital, pero necesitábamos llevarlo a otro lugar, a un terreno visual indefinido, disparamos varios cartuchos super8 caducados con muy poca luz, al revelarlo teníamos una imagen más abstracta y poética, con un grano enorme, lo combinamos con textura de print, imprimiendo las secuencias vocales cuadro a cuadro para escanearlo y distorsionarlo en el scanner, nos gusta tratar la imagen en busca de resultados únicos.

 

 

Late Aspirations” esta hecha con carretes de super 8 encontrados y planos experimentando con la propia proyección, derritiéndola literalmente, es una pieza muy antigua pero le tenemos un cariño enorme.

 

 

-Por otro lado, en Username jugáis con la textura, el color, el glitch.¿cual ha sido el proceso creativo en esta pieza?

El proceso de esta pieza fue absolutamente libre y espontáneo, un tratamiento casi plástico de la imagen, basado en la digitalización de unas viejas cintas de video hi8, unas propias y otras encontradas en una vieja cámara que nos regalaron, la regla fue romper, procesar y mezclarlo todo hasta mas no poder. Nos encanta el error, el accidente.

 

 

-Aunque ya tiene años, no quería dejar de pasar vuestro videoclip para Femi Kuti, una pieza donde se combina gráfismo, collage, found footage...¿Cómo surgió este proyecto?

Fue un proyecto muy especial, nos contactó el productor francés Nicolas Benac junto a Juan Gelas, quien había trabajado en el documental Day by Day de Femi Kuti, era cercano a él y de alguna manera su interlocutor. Querían  hacer un “lyric video”, para una canción practicante de protesta, que va del desbalance del mundo, del norte y el sur, ricos y pobres, armas y música, querían un mensaje explícito, leído, rabioso y a la vez que visibilizará su forma de hablar, el inglés nigeriano. Visualmente es un trabajo de collage visceral y muy salvaje combinado con material que nos enviaron, no es “found footage”, usamos vídeo que ellos mismos hicieron donde aparece Femi cantando por ejemplo, es de un teléfono, cintas de mini DV con imágenes de él tocando, del club y lo más importante, los vertederos de basura, la idea era mostrar que el mundo y los pobres están jodidos, pero hacerlo sin transmitir lástima, sino con color, con música, baile, eso es África, la gente que aparece dentro de la basura en los vertederos es la misma que hace cola para entrar a el club y aparecen bailando en el vídeo.

 

 

-Ya para acabar, nos detenemos en vuestras piezas más allá de los videoclips. Me parece muy interesante vuestra versatilidad...cómo hacéis para compatibilizar los trabajos por encargo (publicidad, promos...) con creaciones más personales como el video-ensayo Sotavento, la performance Delirios Automáticos o los visuales para el Sónar (Dave Clark...)?

Tu mismo lo has dicho, unos son encargos y otros son personales, nos ganamos la vida con los encargos pero los trabajos personales son vitales, lo interesante es cuando se juntan y te hacen un encargo comercial basado en tu trabajo personal. “Delirios Automáticos” fue un performance comisionado por el Xcentric del CCCB para un festival dedicado al collage, el reto fue hacer collage en directo, el resultado fue único y la experiencia adrenalínica trajo como encargo el videoclip de Femi Kuti.

 

 

Sotavento” surgió de un viaje que hicimos Ana y yo a Fuerteventura, buscabamos sol pero estuvo nublado y lluvia todo el rato, eso nos hizo sentir la isla de otra manera, desde la contemplación visual, pasamos días recorriendo aquel desierto volcánico con la cámara y el trípode, haciendo planos fijos, podría decir que eso nos ayudó más adelante a centrar o calmar nuestra forma de componer.

 

 

 

Es curioso que menciones los visuales de Dave Clarke en el Sonar, fue una experiencia brutal pero aquello fue hace 12 años, ha llovido mucho desde entonces, seguimos haciendo visuales en directo, es algo que nos encanta, agregarle el factor adrenalina a la creación visual siempre aporta algo nuevo.

 

 

Los últimos años hemos explorado nuevas cosas, siempre desde una perspectiva orgánica y analógica combinada con lo digital, como por ejemplo convertir una mesa de luz en una rudimentaria máquina de hacer fotocopia / stencil en movimiento, en tiempo real, recursos que luego aplicamos a nuestros proyectos, encargos y personales. Actualmente Ana lleva la parte visual del show de Pola Tog y yo el de Sunny Graves, es por amor al arte claro y al experimento audiovisual.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   14.mar.2017 10:54    

Querido Antonio: simple diversión

Bajo el nombre de guerra Querido Antonio se esconde Alberto González Vázquez guionista, ilustrador, publicista, dibujante de comics, director de cortometrajes de animación, productor de cine y ocasionalmente realizador de videoclips, además de otros insospechados menesteres.

 

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Un crisol de ocupaciones en las que, independientemente del formato, el autor se expresa con ingenio y enorme sentido del humor.

Alberto González se encarga, por ejemplo, de las piezas cómicas memorables que separan las diferentes secciones de El Intermedio (La Sexta), amén de otros contenidos fruto de su incontenible hiperactividad.

 

 

Creaciones que se pueden apreciar en su canal de youtube y en las que, como denominador común, destaca el uso original que hace del found footage a partir de un estilo sobrio y sencillo. Digamos que es fiel al eslogan: dar más por menos.

En este sentido, hemos querido adentrarnos en sus videos musicales, especialmente en su último videoclip para Joe Crepúsculo y su canción "Música para adultos" donde están destilados muchos de sus hallazgos visuales y que es particularmente brillante desde el punto de vista del uso del lenguaje audiovisual, con guiños al código de las redes sociales y de los propios medios de comunicación.

Pero mejor nos lo cuenta nuestro Querido Antonio en persona...

 

 

-Eres un "hombre orquesta" del audiovisual con inquietudes variadas: televisión, publicidad, comic, animación... ¿cómo se enmarca el formato videoclip en este maremagnum?

Es un formato que me interesa muchísimo pero al que me acerco con cautela. Sólo he realizado cuatro videoclips y creo que todavía no he abandonado la fase de aprendizaje. Tengo la sensación de que es un lenguaje que no llegaré a dominar hasta que haga veinte o treinta. Soy cauteloso porque creo que un videoclip es un instrumento que debe estar al servicio de una canción y me preocupa que el exceso de información que hay a menudo en las cosas que hago pueda ir en contra de ese propósito. En realidad los videoclips que a mí me gustan no se parecen demasiado a los míos. Me gustan cosas orgánicas y sencillas como "Lost Cause" de Beck o "No Surprises" de Radiohead.

 

 

Cosas más poéticas que narrativas que consiguen aportar un sentido nuevo a las canciones y multiplicar su poder evocador. Quizá algún día consiga hacer un videoclip así.


- En tu último videoclip para Joe Crepusculo juegas con el espectador y con el lenguaje de internet, redes sociales.¿Cómo surgió la idea y desarrollaste el proyecto creativo junto a Joe Crepusculo?

Joël y yo nos conocemos desde hace unos años y alguna vez habíamos hablado de esta posibilidad. Hace unos meses coincidimos en una cena y me comentó que el disco estaba a punto de salir y que le apetecía que hiciera uno de los videoclips. Poco después nos reunimos para hablar del asunto y me repitió unas treinta veces que lo único que quería era que me sintiera cómodo. Tener libertad absoluta es una bendición, pero tiene su lado negativo, porque los límites a veces te ayudan a centrarte. En el momento en que te dicen "haz lo que quieras" las opciones son infinitas. Tuve muchas dudas. Descarté cuatro o cinco ideas por distintos motivos y finalmente me decidí por ésta sin tener del todo claro si tendría tiempo suficiente para expresar con claridad lo que pretendía. También me preocupaba que el exceso de información desviara la atención de la canción, como decía antes. La canción me parece maravillosa y no quería presentarme de repente como una especie de acróbata plasta que se pone delante de tus narices y te dice: "Eh, esa canción que suena es genial, pero mira lo que hago". Cuando le envié el vídeo a Joël todavía conservaba algunas de estas dudas, pero su reacción fue tan positiva que automáticamente se despejaron.

 


-Indagando en tus trabajos anteriores para Los Punsetes o Tigres Leones me da la impresión de que uno de tus rasgos de estilo es tratar de manera creativa el found footage, encontrando nuevos sentidos a imágenes de archivo. En cierto modo, también es lo que haces en tus piezas para El Intermedio. ¿Cuáles a tu juicio son tus señas de identidad a la hora de expresarte?

 

 

No soy nada analítico con mi trabajo. El que señalas probablemente sea una de esos rasgos de identidad, puesto que es algo muy presente en lo que hago. Por una parte, porque es un juego que me divierte y, por otra, porque es una manera muy económica de contar una historia. Creo que en esto se resumen un poco las claves de mi trabajo: contar historias que me divierten o me estimulan con la menor cantidad de recursos posible.

 


-El humor, la crítica política, la provocación... están presentes también en tus obras, como en tu videoclip animado "La ratonera" para Amaral, o el propio "Música para adultos" de Crepus. ¿Cómo ha sido el feed-back con este tipo de trabajos? No me refiero tanto a censura, como a si has tenido represalias o quejas de políticos, organizaciones, empresas anunciantes...

No, nada de eso. Sería ridículo recibir represalias por plantear situaciones ficticias, ¿verdad? Lo cierto que estos comportamientos se producen cada vez con más frecuencia, pero debemos actuar como si no fuera así, porque de lo contrario los estaríamos justificando. Si pasado mañana se me ocurriera representar una catástrofe en una obra de ficción y me negara a hacerlo por miedo a interpretaciones delirantes estaría apuntalando el razonamiento del que confunde la representación de la catástrofe con la catástrofe misma. Debemos negarnos a ser cómplices de esta lógica demente.

 

 


-Para acabar, los videoclips no son muy numerosos en tu carrera pero cuando te decides ¿qué pulsión te lleva a trasladar a imágenes una determinada canción?

No tengo ni idea. Supongo que es un proceso bastante intuitivo. Como dices, no he hecho demasiados videoclips y sería prematuro hablar de un sistema. Unas veces escucho una canción y estoy atento a las imágenes que me sugiere y a partir de ahí intento dar con un argumento. Otras veces me agarro tozudamente a un concepto visual e intento forzarlo hasta el extremo. Y otras veces el proceso es una especie de escritura absurda y rítmica, tomo recortes de aquí y allá y acabo elaborando una especie de collage abstracto. Es bastante anárquico y variable todo.

 

 Nos despedimos no sin antes recomendaros alguna de sus obras como "Humor Cristiano".

 

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    7.mar.2017 01:44    

Fantasear con imágenes

Desde Valencia y para todo el mundo nos llega un auténtico latigazo de imágenes en forma de videos musicales, conciertos en directo, documentales... Kill the tv son Iñaki y Ferran, un tándem que se mueve con enorme pericia y creatividad en los amplios márgenes del "Music Film".

Ésta sería su declaración de principios: "Nuestra filosofía es disfrutar con cada uno de los proyectos en los que nos embarcamos. Da igual que sea un spot para una marca, un videoclip o un documental. Creo que si no te gusta lo que haces difícilmente vas a crear un producto que interese a alguien".

Iñaki Antuñano, como realizador, nos confiesa que le gusta "fantasear con imágenes" con las canciones que escucha. "Para mi un video musical no se diferencia mucho de un cortometraje en lo que se refiere a la construcción narrativa".

 Desde Kill the tv suelen trabajar con libertad creativa incluso en los proyectos de encargo siempre con la consigna de hacer "suyas" las propuestas y eso pasa por "creer en el grupo y en sus canciones".

Hablamos con Iñaki y Ferrán y nos centramos en su video musical "Jodidamente loco" un "delirio" creativo para Los Bengala, clip premiado recientemente en el Festival Cara B de Barcelona.

 

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-Kill the TV sois una plataforma creativa con casi una década de actividad, integrada por Iñaki Antuñano (director) y Ferrán Toledo (productor). Ya el nombre "Kill the tv" es una declaración de principios, y en vuestros genes la música y la imagen están perfectamente integrados. En vuestra web citáis a Bowie, Lou Reed, pero también a Radio Futura, Chucho y Joe Crepúsculo como fuentes de inspiración...¿Cual es vuestra filosofía de trabajo y cómo nace Kill the TV?

Iñaki: Kill The Tv nace en un momento de desencanto con la televisión, medio para el que he dedicado gran parte de mi carrera. Al principio era una manera de firmar mis trabajos al margen de este medio. No tenía el objetivo de que se convirtiera en el modo de ganarme la vida. Pero con la llegada de Ferran la cosa se hizo más seria. Llegó un momento en que ni él ni yo teníamos un trabajo fijo y nos lanzamos de lleno a consolidar el proyecto. Nuestra filosofía es disfrutar con cada uno de los proyectos en los que nos embarcamos. Da igual que sea un spot para una marca, un videoclip o un documental. Creo que si no te gusta lo que haces difícilmente vas a crear un producto que interese a alguien.

 


-En vuestras creaciones acuñáis el concepto Music Film, que englobaría formatos como la película musical, el Rockumental, el videoclip, la publicidad musical, los conciertos en directo, after-movies de festivales y eventos, etc... Hay un post muy interesante de Ferrán desarrollando esta idea. En este sentido, ¿cual es vuestra forma de aproximaros a la música y a los grupos para que la imagen trascienda y se pueda construir una estructura narrativa a partir de una canción?

Iñaki: los dos somos consumidores compulsivos de música y en mi caso me gusta fantasear con imágenes en cada grupo o tema que escucho. Para mi un video musical no se diferencia mucho de un cortometraje en lo que se refiere a la construcción narrativa. A veces hay una historia que contar y otras simplemente hay que mostrar a la banda, pero en cualquier caso debe haber una estructura lógica. En mi opinión, en un videoclip la música y la imagen deben ir de la mano.

Ferran: Lo primero que hay que hacer es creer en el grupo y en sus canciones. Nosotros afrontamos los trabajos desde una óptica muy profesional pero desde el punto de vista de un fan y eso, al final se acaba notando. Amor a la música y a las imágenes. Siempre hemos estado en primera fila dándolo todo. Ahora nos movemos por el foso y el backstage pero la esencia es la misma: respeto máximo al artista y a su música.



-En Kill the tv os habéis especializado sobre todo en grabaciones en directo, como la serie de conciertos para Jagermeister u otros clientes como Deleste, Ambar, etc... ¿Cómo se compatibiliza un trabajo por encargo con vuestras inquietudes personales?

Iñaki: Intento que cada trabajo, aunque sea un encargo, se convierta también en inquietud personal. Además tenemos la suerte de que los clientes con los que trabajamos nos suelen dar libertad total en la parte creativa, de manera que nos resulta sencillo empatizar con el proyecto al 100%.

Ferran: Tu sello siempre está ahí. Y es por eso mismo que el cliente recurre a tu trabajo.

 


-Algunas de las piezas que hacéis en directo tienen un trabajo multicámara muy elaborado, con grabaciones en varias localizaciones y festivales, integrándolo en un todo. ¿Podéis resumirnos a nivel técnico y de planificación cual suele ser vuestro método de trabajo?

Iñaki: En la serie de videos en directo para Jägermusic el proceso fue el siguiente: en primer lugar la banda elegía el tema. Rodamos ese tema del tirón a tres cámaras con una realización muy pensada. Además grabamos otros planos del resto del concierto para integrarlos en el montaje final. Además, algunos grupos tocaban en varios festivales, de manera que repetimos el proceso en cada fesival. Eso nos proporcionaba una riqueza de imágenes muy grande. Después en la sala de montaje tratamos de unir las piezas como si fuera un rompecabezas.

 


-Os traemos también a A rienda suelta por vuestro último videoclip para Los Bengala "Jodidamente loco" (premiado recientemente en el Festival Cara B) en el que conseguis trasladar el espíritu del grupo a imágenes. Es un trabajo gamberro, rompedor pero también técnicamente impecable, con guiños al gif, planos realizados con dron. Además con Los Bengala ya habíais tenido experiencias anteriores. De forma sintética, ¿contadnos cómo ha sido el proceso creativo del clip, por lo que decís parte de un "delirio" del grupo que vosotros habéis hecho realidad?

Iñaki: Conocimos a Los Bengala en el Festival SOS de Murcia. Nos flipó su propuesta y a nivel personal hubo conexión desde el primer momento. Luego volvimos a coincidir en el Vida y en el Low. Allí nos propusieron la idea de rodar el videoclip. Ellos lo tenían muy claro, de hecho el guión es prácticamente suyo, salvo la escena del boxeo y la del atasco. Rodamos durante tres días con un equipo muy reducido. También tenían claro que en las secuencias del mar y de la azotea se fuera descubriendo la escena de un plano corto a un plano general. El incorporar el dron para estas secuencias vino luego, cuando planteamos el videoclip desde el punto de vista técnico.

 

 

Ferran: La primera vez que oí hablar de Los Bengala fue cuando entraron a formar parte del roster de grupos de Jägermeister, ya que eran una de las bandas que teníamos que grabar. Cuando escuché "Jodidamente loco" me pareció tal temazo que la oí decenas de veces consecutivas durante esa tarde. Esa es la primera clave para hacer un buen videoclip: creer en el grupo y en sus canciones.



-Desde el punto de vista técnico, qué ha sido lo más complicado, ¿planos áereos en el mar, grabación en las vias del tren, en la azotea, en el ring, en medio de la noche entre coches...?

Iñaki: curiosamente las escenas con el dron fueron las más rápidas. Se hicieron prácticamente en 3 horas y aún nos quedó tiempo para rodar algún plano improvisado (el de los créditos). La gente de Aereal fueron muy profesionales y nos bastaron tres o cuatro tomas en cada escena.

 

 

 

La escena del ring fue la más complicada. Era la que llevaba un trabajo más concienzudo de iluminación, maquillaje y planificación. En la azotea trabajamos mucho la seguridad, obviamente. Borja estaba sujeto con arneses a un soporte metálico. La escena del atasco fue rodaje-guerrilla total. Elegimos una gran avenida en hora punta y rodábamos cada vez que el semáforo se ponía en rojo.

 


-No me gustaría acabar sin citar vuestra faceta de producción de eventos, como es "Kill the Fest" en el que organizásteis conciertos de música electrónica en Russafa. ¿Vais a dar continuidad a este tipo de actividades? ¿cómo se trabaja en el audiovisual desde una ciudad como Valencia?
- Alguna novedad que podáis contar para lo que queda de año?

Iñaki: En Valencia hay una oferta musical muy grande y un buen puñado de salas que ofrecen propuestas muy interesantes. Kill The Fest nació como un festival de Kill The Tv, con la intención de aportar nuestro granito de arena a esta escena. En la primera edición trajimos a dos bandas amigas: We Are Not Brothers y The Suicide of Western Culture. Fue una noche electrónica en uno de los clubes más underground de la ciudad. Estamos trabajando ya en la segunda edición, pero seguramente cambiaremos el concepto radicalmente. Probablemente haremos un festival diurno, pero aún estamos trabajando en ello.

 

Kill the fest

 

Valencia es una ciudad perfecta para vivir y trabajar, aunque curiosamente la mayoría nuestros clientes son de fuera.

 

Ferran: Valencia es una ciudad pequeña, pero nosotros decidimos quedarnos a vivir aquí a pesar que la mayoría de compañeros emigró a Madrid y Barcelona, los dos grandes focos de creación audiovisual en nuestro país. Nos gusta nuestra ciudad, aunque la grandísima mayoría de trabajos los hacemos fuera.

Ahora mismo estamos trabajando en otro videoclip que grabaremos en breve y llevamos entre manos un documental de largo recorrido con grandes dosis de música. Empezamos a grabarlo en octubre y se prolongará, como mínimo, hasta el verano.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   28.feb.2017 11:09    

Artesano digital

Recalamos en este capítulo  en la figura de Alex Guimerà (aka Guime), un auténtico "artesano digital" que diseña proyectos desde la pasión, la experimentación y el compromiso.

Alex, primero desde Several Studio y  ahora desde su plataforma Hic&Nunc, es la prueba palpable que desde disciplinas como la postproducción y el motion graphics se puede ser extraordinariamente creativo realizando publicidad, documentales, videoclips y todo tipo de expresiones artísticas que no se le resisten.

Además de ser un ingenioso realizador también tiene visión de producción, algo que le hace ser versátil y tener los pies en la tierra sobre lo que se puede y no se puede llevar a cabo.

Nos adentramos pues en el universo Guimerà, un viaje cosmopolita
en el que nos detenemos especialmente en su último videoclip para  Slow Joe & The Ginger Accident, una joya del collage y la animación.

También hablamos de otro ambicioso proyecto como el excepcional documental "Un día vi 10000 elefantes" que está recibiendo premios por todo el mundo.

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-Alex, como tu propia abuela te define, eres un "culo inquieto", con proyectos audiovisuales muy variados alrededor del videoclip, la publicidad, el documental, el diseño... ¿te sientes más realizador, productor, diseñador...Cómo nace en tí la pasión por el audiovisual?


Desde pequeño crecí rodeado de VHS y de Beta, en mi casa siempre ha habido multitud de pelis. Recuerdo que mi padre tenia un armario lleno y perfectamente catalogado de pelis que ocupaba todo el pasillo de casa. También me contagié de su pasión por la fotografía y la música. Mi madre también es muy cinefila y ama la música, aunque le tira mas la pintura. No estudió Bellas Artes, pero de joven realizó algunas expos individuales y colectivas. Recuerdo que de pequeño la acompañaba y hacia las fotos del evento con la ‘Werlisa Club Color’ que me regalaron. Todavía la conservo… ;)


Y mi abuelo, muy vinculado también durante toda su vida al mundo de la televisión y gran amante de la música, me enseñó a trabajar con la manos. Siempre que podia me llevaba con él a los Encantes de Barcelona a trastear entre todos los cacharros. Así que trabajábamos con madera, papel, hierro, etc… Siempre hacia cosas espectaculares, recuerdo los barcos llenos de detalle que hacia con las latas de envases de bebidas, olivas o sardinas… después los pintaba y los regalaba.

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Yo estudié dirección y producción de tv y cine, y me especializé en postproducción y motion graphics. Empecé en analógico y terminé en digital. He tenido la suerte de trabajar en muchos y variados proyectos audiovisuales, mayoritariamente documentales. Para mi es casi indivisible el diseño del cine, van muy ligados. Por ese motivo mis trabajos siempre tienen algo de los dos. Así que me siento muy cómodo dirigiendo o realizando un docu, un videoclip o una publi, y también desarrollando la imagen gráfica de una marca, un packaging o un poster. De hecho, me gusta compaginar proyectos diferentes, me sirve para coger distancia y ser más objectivo. Cambiar de tarea o dejar reposar, siempre he pensado que es bueno para el proyecto.


También me siento muy cómodo cuando me pongo la gorra de productor. Un buen productor debe de conocer todos los procesos y tareas de una producción, y con los años he ido adquiriendo la experiencia necesaria para ser capaz de producir y conseguir cualquier cosa que precise sea qual sea su formato final…

 

-La música está muy presente en tus creaciones desde el principio, como por ejemplo la serie de documentales para el grupo The Peppers Post, o el documental Living in a song, por citar dos ejemplos. ¿cual es tu relación con la música y la pulsión que te lleva a emprender este tipo de proyectos?


El destino o la casualidad ha sido lo que me ha llevado a trabajar en este tipo de proyectos y es genial…! Me gusta trabajar con grupos independientes porque tienen mucha fuerza y talento, se dedican profesionalmente a la música gracias al esfuerzo que requiere hacer las cosas bien hechas… En este sentido, con la parte audiovisual exigen lo mismo y con ellos encontré la confianza necesaria para poder proponer y experimentar. Suelen ser proyectos de larga duración, y donde llegas a ser casi uno mas del grupo, aprendes a pasar desapercibido, sin hacer ruido y es cuando de verdad se capta la esencia, lo mejor de ellos. ​ ​
Detrás de cada grupo, siempre hay grandes historias.

 

 

-Te traemos a ARS, sobre todo, por tu videoclip "My Sway" para Slow Joe & The Ginger Accident un homenaje póstumo a Slow y The Ginger Accident (Cedric de la Chapelle y su grupo) tras seis años de relación. A estos músicos ya los conocías de tu documental "Living in a song". ¿Cómo surge el proyecto, es un encargo o una iniciativa personal?


Conocí al grupo de la mano de Romain Clement, por aquel entonces productor de Slow Joe… eso fue en 2013. Un día mientras estábamos comiendo me explico el fascinante encuentro entre Cedric y Joe. Me explicó la gran aventura de sacar a Joe de la India, un largo y complejo proceso burocrático y también la azaña de montar la primera gira de Slow Joe & The Ginger Accident por la India.

 

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Desde un primer momento Joe me pareció una persona carismática, tenia algo especial, además de una voz desgarradora! Tuvo un pasado muy duro, de vivir en la calle, de alcoholismo y de adicción a todo tipo de drogas desde muy joven y durante casi 40 años. De alguna manera creo que fue su manera de auto exiliarse de la sociedad… y sus letras y su actitud frente a la vida, son consecuencia de esa etapa.


Así que después de conocer la historia detrás del grupo, nos propusimos levantar el proyecto documental musicalLiving in a song’ que por cierto, todavía no está terminado y no se si terminaremos… Espero que si porque es una gran historia ya no solo musical, sino una lección de vida: Nada es imposible si uno quiere…como se suele decir, ¡Querer es poder! Entre Cedric y Joe, había mas que una relación de amistad o de trabajo. Ese encuentro casual cambió la vida de ambos e inició una fascinante aventura humana y profesional mas que va mas allá de las diferencias de edad, cultura o condición social.


Poco después de terminar la grabación del que seria su último álbum, Joe falleció. Al cabo de un tiempo, Cedric me propuso dirigir el videoclip del tema que mas me gustase del nuevo disco. El encargo fué: Con los materiales que tienes se te ocurre alguna cosa para hacer un videoclip? Tengo algunos materiales grabados, conciertos y entrevistas desde 2013, pero con una intención documental para la producción de la peli. Muy interesantes para el docu pero con poco interés para el videoclip. Así que después de elegir ‘My Sway’ entre los temazos del nuevo disco, le propuse a Cedric construir una historia en formato collage animado a partir de viejas fotos y videos, fotos personales, de amigos, de conciertos y también solicitamos la colaboración de todos aquellos fotógrafos profesionales que habían cubierto giras de la banda, para que nos cedieran sus materiales para la producción. Conseguimos reunir cerca de 2.000 fotos y videos, en topo tipo de formatos, calidades y también de momentos.

 

 


-Este video musical es un híbrido a caballo entre el collage, el documental, pero también con una textura muy POP. Cuéntanos ¿cúal ha sido tu intención creativa y con qué técnicas has trabajado?


Es cierto,’My Sway’ tiene un estilo muy pop siempre he estado muy influenciado por la cultura pop, sus colores, sus texturas y los collage… todos mis trabajos respiran algo de pop.
​ Tiene técnicas de motion graphics, de stopmotion o de cut out.​


 

Ha sido un trabajo de 3 meses, no de dedi​ca​ción exclusiva pero casi, para recortar y animar las cerca de 1.000 fotos que se han usado en el videoclip. Partiamos de diferentes texturas, tamaños y resoluciones de archivos. Lo mismo sucedía con los videos, algunos de rodajes profesionales y otros grabados con móviles o cámaras de fotos. También habíamos recopilado notas y escritos de Joe, recortes de prensa, etc. Así que la decisión fue resaltar las imperfecciones en vez de disimularlas, sacar texturas y jugar con ellas. La técnica mas usada ha sido la paciencia…;) Organizar y seleccionar entre todas las fotos para darle coherencia a la historia. Cortar y pegar, restaurar, recrear elementos de unas fotos a otras… para crear las composiciones animadas de los componentes del grupo a partir de los diferentes materiales​.

 

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La caligrafía ​​también es una parte importante de esta pieza, ​es de Ricardo Rousselot, el supo a la perfección cómo plasmar la identidad de Joe a través de la letra ​
manteniendo sus rasgos ​característicos. Joe escribía sus letras en cualquier lugar, siempre llevaba una libreta encima y en cualquier momento podía surgir la inspiración. En un primer momento quise usar su propia caligrafía pero no tenia buena lectura para pantalla, así que por esa razón acudí a Ricardo.

 

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-En este sentido, ¿cual es tu relación con el formato videoclip? Hace ya cinco años nos encontramos una pieza para la canción “Time to live” de The Pepper Pots, en el que también el collage y la animación son señas de identidad. ¿Podría decirse que tu estilo y creatividad tiene su punto de partida en la postproduction & motiongraphics?

 

 
Mi relación con el videoclip es de amor y odio.
​... ;)

Me encanta trabajar este formato, ya que te permite ser creativo y experimentar con técnicas, formatos y lenguajes diferentes, pero hacer un videoclip tiene mucho trabajo y muchas veces no puedes asumirlo por los bajos presupuestos que se destina a la producción. También es cierto, que esta limitación presupuestaria en ocasiones te motiva a plantear el proyecto desde una perspectiva diferente, a buscar opciones y en este sentido la animación y la postproducción es una super solución por las posibilidades que te ofrece.


El collage y la animación son técnicas muy sugerentes y atractivas con las que me siento muy cómodo trabajando. Por ese motivo en la medida de lo posible, suelo incorporarlos en la gran mayoria de producciones ya sea videoclip, documental o publicidad. Desde que empecé ha realizar motion, siempre me ha interesado la animación con fotos de archivo, me gustan las texturas y me gusta mezclar formatos y técnicas para explicar una historia.

 


Por ejemplo en el videoclip ‘You’re still in my mind’ para The Pepper Pots, utilicé por primera vez maquetas de papel con chroma. Recreamos diferentes escenarios como el conocido programa de Ed Sulivan e hice una sesión de fotos para crear las animaciones en stopmotion de los integrantes del grupo. Más tarde esta técnica me sirvió para aplicarla en la última película documental de animación que he dirigido.
​ ​

 


-No quería dejar de mencionar vuestro último documental "Un día vi 10000 elefantes" desde Several Studio, una película apasionante que está funcionando muy bien en Festivales de todo el mundo, ¿qué hay detrás de ese documental, en cierto modo es un homenaje a los aventureros como Manuel Hernández?


Es un proyecto de cerca de cuatro años de producción y otros tantos de investigación. Lo dirigí con Juan Pajares y está producido desde nuestra anterior productora, SeveralStudio (2009-2015). De los muchos enfoques posibles que nos planteamos a la hora de encarar un proyecto como este, escogimos el más audiovisual. “Un día vi 10.000 elefantes” es una película documental sobre fotografías, películas y los hombres que las hicieron, sus vivencias, sus experiencias… La animación ha permitido recrear situaciones que no hubiéramos podido tener, ya que, aunque el material de archivo de Sanjuán es muy amplio, cerca de 5.500 fotografías y 35 cortometrajes de cine, estos fueron creados con intenciones propagandísticas. Así, con las ilustraciones de Dulk, las fotografías y el cine de archivo o las animaciones “stop motion” del presente nos han permitido ir más allá de la representación convencional que se suele hacer con las imágenes del pasado.

En esta peli la música también tiene un papel muy importarte durante todo el transcurso de la historia. La banda sonora original fue producida por ‘Benjamin Fert’, un compositor parisino. Y para el desenlace de una de las secuencias finales de la peli, le pedimos a ‘El Chojín’ su colaboración junto con el productor español afincado en Londrés ‘Fábel’.

 

-Ya para acabar, ¿algún videoclip en la chistera?

Por ahora no… ;)

​Pero tengo muchas ganas de hacer un videoclip de Hip Hop!

 

guime es el portfolio online de Alex Guimerà, diseñador y productor audiovisual de Barcelona

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   21.feb.2017 11:09    

Fium: capturando energía

Fium son Cristina de Silva y Nacho de la Vega, un colectivo multidisciplinar que agita el universo audiovisual desde Asturias.

Desde esta plataforma creativa este tándem busca lo oculto e inalcanzable con videos musicales y grabaciones en directo en los que la estética está muy cuidada:

"Siempre intentamos trabajar a partir de la luz" nos cuentan, mimando las localizaciones y el momento ideal del día.

En este post nos centramos en sus recientes piezas para Elle Belga, pero también rememoramos sus videocreaciones en directo para Oscar Mulero, en las que consiguen representar atmósferas inquietantes y enigmáticas.

Fium, además, son activistas culturales, y están detrás de proyectos tan interesantes como Arenas Movedizas (circuito de propuestas artísticas en espacios no convencionales) o el L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual).

Pero mejor que ellos nos lo cuenten de primera mano...

 

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-Cristina y Nacho, sois un colectivo multidisciplinar que os dedicáis a la fotografía,  video corporativo, realización de conciertos, instalaciones multimedia,  videoclips...¿Cómo nace Fium, cual es vuestra pulsión creativa, en qué faceta os sentís más cómodos?

Fium nació de manera totalmente espontánea, empezamos a colaborar en el año 1998 en proyectos relacionados con la imagen y la música y la verdad es que desde entonces no hemos parado de hacer cosas. Hemos pasado por diferentes etapas, unas más centrados en el vídeo en directo, otras más en las instalaciones y la fotografía artística, y ahora en el vídeo sin querer abandonar ninguna de las otras. La pulsión no sabemos muy bien de donde sale, estaría bien investigarlo y ver si hay por ahí un botón escondido que ponga STOP.)

Cómodos creo que nos sentimos en todas las facetas pero nos falta el tiempo para poder abordarlas todas, echamos mucho de menos poder dedicarle más tiempo a los proyectos creativos más personales.

 


-Recientemente habéis estrenado nuevos videos para Elle Belga, se trata de grabaciones en directo muy cuidadas, en espacios muy singulares (Sala de Pinturas de Teatro La Laboral de Gijón) y con una iluminación diseñada por Pelayo Rodríguez.  Contadnos qué hay detrás de este proyecto, desglosado en 4 piezas...

Elle Belga había comentado hace tiempo que les gustaría poder tener un vídeo grabado en directo que reflejara la fuerza e intensidad de sus directos, muy distinta de las grabaciones que realizan en estudio para los discos.

El poder capturar esta energía es el germen de este nuevo proyecto. Ellos son uno de los proyectos musicales actuales que más admiramos por su sensibilidad e intensidad, y nos conocemos desde hace muchos años, así que lo único que hemos hecho es intentar plasmar en imágenes el universo sonoro de sus conciertos que tan bien conocemos.

Les propusimos este espacio porque siempre nos ha fascinado y sus murales, casi sagrados, tienen mucho de ese universo profundo, tierno y oscuro en el que ellos se mueven.

 

 

 
-La colaboración con Elle Belga viene de años atrás desde el principio de la banda, ya en diciembre de 2010 con motivo de la publicación de "1971" grabásteis unas sesiones en la casa de la familia López de Garayo Felgueroso. ¿Cómo definiríais esta colaboración con Jose Luis García y Fany Álvarez?


Se trata de una colaboración activa que mantenemos desde el principio del proyecto Elle Belga.
Somos muy amigos de siempre de Gijón y trabajamos juntos no sólo en este proyecto suyo sino en alguno de los nuestros.
Nos conocemos muy bien y ellos son personas muy sensibles y creativas que se mueven por otros parámetros que los convencionales.
Son perros viejos, muy profesionales, y lo único que buscan es disfrutar con lo que hacen aunque se dejen un poco de piel.
Nosotros también somos un poco así, encajamos bien, nos entendemos y valoramos mucho el trabajo de los otros.
Así es normal que las cosas salgan bien.



-Además de la recreación de atmósferas en directo, también nos interesan vuestros trabajos que son estrictamente videoclips. Por ejemplo, en "Mi infancia" (también para Elle Belga) construis una pieza a partir de extractos de películas de Super 8 de una familia americana anónima, jugando con el concepto de pérdida. En Dejadme entrar, apostáis por un estilo conceptual rodando en el Jardin Botánico Atlántico de Gijon, pura luz y abstracción. ¿Cómo entendéis en FIUM el formato videoclip?

Pues la verdad es que no somos muy de guión y nos movemos más bien por lo que nos sugiere el tema en cuanto a sensaciones.
En "Mi infancia" lo vimos claro enseguida. Somos muy amantes del los archivos de vídeo anónimos y esa sensación de pérdida que ya de por sí supone el trabajar con este tipo de material "encontrado" acentúa lo expresado en la canción, todo lo perdido que no volverá....

En "Dejadme entrar" quisimos reflejar algo así como un paraíso oculto a los ojos de la mayoría, un universo de luz y color sólo reservado para unos pocos. Esa fue la idea de partida que nos llevó a trabajar con estas imágenes robadas en rincones de Asturias.



- Tengo la sensación de que uno de vuestros rasgos más definitorios es el enorme mimo a la hora de seleccionar las localizaciones, la iluminación y dotar a la pieza de verdadera personalidad. Estoy pensando, en vuestros videoclips para La Villana, Psycho Rubia, Destino 48, Max Gamuza, Nacho Álvarez y Cuarteto Bendición, obras en las que las atmósferas están muy conseguidas...

Siempre intentamos trabajar a partir de la luz, cuando no lo hacemos con material de archivo.
Nosotros venimos de la fotografía y quizás esto nos influya a la hora de escoger localizaciones y momentos del día para grabar.
Y lo mismo a la hora de usar iluminación artificial, nos gusta modelar con ella y disfrutar cuando grabamos.
Y aunque sí que preparamos bien las escenas de partida, en la vida nos hicimos un storyboard o guión, cosa que te puede complicar mucho...pero nos gusta poder experimentar cuando grabamos y que estas sensaciones nos lleven al resultado final.



- Me gustaría también mencionar los visuales que habéis hecho en directo para artistas como Óscar Mulero (Biolive) o Nosotrash (Popemas), una faceta que me atrevo a decir es un género en sí mismo. ¿Cómo os planteáis a nivel creativo este tipo de trabajos audiovisuales?

La verdad es que de donde venimos realmente, aparte de la videoinstalación, es del vídeo en directo, ya sea acompañando a diferentes artistas como Oscar Mulero o Nosoträsh, creando directos audiovisuales propios o participando en proyectos escénicos.

A esta faceta creativa le hemos dedicado muchos años y la verdad es que es donde nos sentimos realmente cómodos, por lo versátil de las herramientas con las que se trabaja y la capacidad que te da de crear atmósferas que acompañen a lo que allí sucede.

De aquí viene nuestra manera de trabajar en muchos sentidos. Y de aquí viene el hecho de haber concebido el L.E.V. Festival, que es lo que ahora nos tiene secuestrados.

 

 

-Precisamente para Oscar Mulero realizásteis "Dreams of happiness", una obra experimental grabada en Puerto Ventana y en el Bosque de Muniacos (Asturias) y que a mi juicio está a caballo entre el videoclip y el videoarte. ¿Cual es la búsqueda, vuestro propósito al concebir esta creación?

Pues la idea que subyace es también la de la búsqueda de ese algo oculto e inalcanzable al que parece que dedicamos nuestra vida, y que casi nunca aparece. Y si lo hace no es en la forma que nosotros pensamos. Y también la del esfuerzo que hay que hacer para encontrarlo, quizás haya que buscar en lugares que no imaginamos.



-Además, quiero señalar vuestra faceta como comisarios de exposiciones y destacar la muestra que presentásteis en 2012 en LABoral de Gijón titulada "Visualizar el sonido". En ARS siempre nos ha fascinado esa relación secreta entre imagen y sonido, contadnos vuestra visión al respecto y qué pretendíais con esa muestra.

Siempre nos ha fascinado la relación recíproca que se establece entre el sonido y las imágenes.
De hecho para mi no hay sonido que no me sugiera una imagen, más allá del poder evocador de una canción que te lleva a épocas de tu pasado instantáneamente.
Todo sonido viene siempre asociado a una imagen, o nuestro cerebro por lo menos intenta asociarlo, de ahí que muchos artistas intenten representarlo.
De esta relación entre lo visible y lo invisible, o mejor dicho, de la eterna inquietud humana de hacer visible lo invisible trata esta exposición.

 

 

-Ya para acabar, mencionar vuestra vertiente más ligada a la producción de eventos como Arenas Movedizas o el L.E.V. Festival ¿Cómo os enfrentáis a este tipo de trabajos por encargo? ¿Hasta qué punto en este tipo de proyectos se puede mantener el estilo más personal propio de vuestros trabajos de autor?
Por cierto, la mayoría de vuestros proyectos se desarrollan en Asturias, cual es vuestro diagnóstico del estado de la Cultura en el Principado, vosotros que estáis tomando el pulso creativo a ciudades como Oviedo o Gijón...


En realidad tanto Arenas Movedizas como el L.E.V. Festival son proyectos propios, en los que colaboramos con distintas instituciones, pero donde mantenemos libertad y total autonomía para programar y producir con criterio propio. Son dos proyectos de largo recorrido a los que les hemos dedicado media vida, de los que nos sentimos muy satisfechos y a los que les tenemos muchísimo cariño.

Arenas Movedizas es un circuito de propuestas artísticas en espacios no convencionales que empezamos en el año 2002, en los inicios de FIUM, y con el que buscamos generar un espacio de convivencia y experimentación donde poder dar cabida a creadores jóvenes, bastante ajenos al circuito de galerías, con la idea de intervenir, recuperar y reinventar el espacio público.

El L.E.V. nació unos años después, y se ha consolidado como uno de los proyectos europeos más queridos por público y crítica, poco a poco, gracias al trabajo de un equipo de gente que quizás concebimos este tipo de procesos de creación (un festival también lo es) como una oportunidad para construir algo juntos y con el objetivo de compartirlo con el público. Y de ahí la satisfacción personal de poder sacar, año tras año, un proyecto así adelante, algo que es realmente complicado y que en todas las ediciones supone un reto.

 


Trabajar en el ámbito cultural en España ya es complicado y en Asturias, por su condición de región periférica, más, pero la escena artística ahí está, luchando.
Siguen existiendo proyectos muy interesantes que irán dando fruto poco a poco.
Lo que falta es coordinación para poder remar todos en la misma dirección, pero para eso haría falta voluntad de acuerdo y visión política.
Lo importante es no perder las coordenadas y no dejarnos llevar por los que conciben la cultura como mero espectáculo. Hay mucho camino andado.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   14.feb.2017 11:03    

Horror vacui: desmarcarse de lo estándar

Alberto de Miguel (aka Horror Vacui) es autor de uno de los videoclips más originales y personales de estos últimos meses en el panorama nacional.

Es difícil decir más con menos, y la prueba es "Llámame más tarde" una pieza para C. Tangana y Rosalía, realizada a partir de los pantallazos de un teléfono móvil.

Simplicidad y autenticidad que cautivan al espectador, con guiños al lenguaje de las redes sociales, una narrativa que es brillantemente fagocitada por la gramática porosa del videoclip, siempre abierta a la experimentación.

Alberto de Miguel nos sumerge en este video musical alejado de lo estándar, que ha conectado a la perfección con el público "trap" y no solo trap (más de tres millones de visitas lo avalan).

Un Alberto, que, además, se dedica con ingenio a otras disciplinas como la fotografía, el diseño, la música...

 

 

-Alberto, tienes un perfil multidisciplinar en el que aúnas el diseño, la fotografía, la música, el video... ¿Practicas de manera simultánea todas las disciplinas?¿Cómo te desenvuelves y compatibilizas estas destrezas desde tu plataforma creativa "horror.vacui"?

Actualmente estoy desarrollándome sobre todo en el apartado audiovisual y en la producción musical. Dependiendo de la época surgen diferentes proyectos. Estoy abierto a cualquier idea y formato. Tengo ganas de terminar mi EP y ponerme con sus correspondientes piezas audiovisuales.

- Nos ha sorprendido gratamente tu videoclip para C. Tangana y Rosalia: "Llámame más tarde". Sino me equivoco es tu primer video musical cómo realizador, si bien has participado como editor en proyectos como "Golondrinas" de One Path&EllegaS. ¿Cómo surge la idea de contar la historia de la canción a partir de las capturas de una pantalla de móvil?

Rosalía me comentó que iba a sacar un track y que necesitaba ayuda para montar un vídeo rápido animando unos emojis... le di vueltas y se me ocurrió meter al espectador dentro del teléfono móvil directamente y vivir la experiencia.

 

 

-Me parece fascinante la historia que creas en paralelo, a partir de conversaciones en Instragram, Whatsapp, Snapchat, Soundcloud, entre los propios artistas: C. Tangana, Rosalia, Alizzz, ¿Es una narración independiente, o pretendías crear algún tipo de conexión con la letra de la canción? ¿Nace de la improvisación o esbozaste un guión previo?

Comenté la idea con los chicos y decidimos mostrar un poco la vida de Pucho desde su cell. Aunque todo se centra en un roneo online con Rosalía. Todo fue improvisándose sobre esa línea.

- A nivel técnico y en lo relativo a los pantallazos, ¿creas una simulación, o las capturas que haces son de los móviles de los propios protagonistas?

¡Son desde su móvil! :-)

 

 

-He leído en foros a algunos de los fans del videoclip decir que les atrapa tanto la propuesta visual que se distraen de la propia canción, y tienen que volver a verlo varias veces ¿eso lo tomas como una virtud o como un defecto de la pieza?

Sin duda es interesante ver el feedback. Sobre todo en el mundo del rap, el público es muy crítico y exigente. Todos comentan, hayan entendido o no el significado de la pieza. La finalidad del vídeo era llamar la atención y desmarcarse del video standard. Todo bien por mi parte.

. Es un videoclip con más de tres millones de visitas en youtube, que conecta a la perfección con el estilo de C. Tangana, una prueba inequívoca de que la originalidad no está reñida con las ideas sencillas y baratas de llevar a cabo. ¿Dónde crees que radica el éxito de vuestra propuesta?

Una vez que tienes un público que te respeta, creo que puedes ir abriendo poco a poco y mostrar nuevas formas de crear. C.Tangana es un artista que ha demostrado abrir muchas puertas que nadie imaginaría en su género desde España. Este vídeo reclamaba unos aires más alejados del rap y más cercanos a los jóvenes que consumen más géneros musicales.

 

 

-Ya para finalizar, tengo la sensación que el mundo del trap y algunos de sus artistas (el propio C.Tangana, Bejo, BNMP, PXXR GVNG,...) está aprovechando muy bien las potencialidades del videoclip, convirtiendo youtube en una auténtica plataforma promocional. En cierto modo, ya no se venden discos físicos ni se escuchan en su integridad, sino que se consume música "fragmentada" a través de las redes sociales... ¿Cómo ves este tema desde tu perspectiva de creador audiovisual?

Con el contenido visual de todos los que has mencionado se puede decir que el artista debe mostrar su cara de una forma activa. Y la mejor forma de hacerlo es mediante una pieza audiovisual. Esto ha generado una cantidad de filmmakers y realizadores autodidactas que generan contenido con frecuencia. Genial para mejorar la calidad, hay más competencia, los recursos están cada día mas al alcance... Sin embargo, veo que el público no le da demasiada importancia a su calidad creativa/ desarrollo.
Solo se conforman con que al artista se le vea con pintas y en HD. Triunfa antes un rapeo a cámara sin esencia que un cortometraje bien cuidado.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers    7.feb.2017 00:46    

Grosgoroth: terapia creativa

 Ignacio Grosman (Grosgoroth) es un artista pluridisciplinar que canaliza todas sus emociones y frustraciones a través de la música, el cómic, los videos...obras llenas de imaginación y subversión contra el sistema.

Su estética es gamberra, transgresora y se materializa en creaciones muy críticas con la realidad que nos rodea. 

Grosgoroth sublima su odio y dolor existencial en historias y canciones irónicas e incómodas.

Hablamos con Ignacio Grosman, un "loser", un "soñador"que nos descubre un complejo universo repleto de ideas que le sirven para sobrellevar la insufrible existencia vital.

Su arte es curativo... "me sirve de terapia vomitar todo lo que pienso en una animación, como si fuese mi psicólogo".

 

 


-Eres músico, dibujante, ilustrador, "activista" (fanzines,conciertos...) ¿cómo te gusta definirte?.


Como un perdedor, alguien que no sabe ni encuentra su sitio en este planeta. Hago lo que hago porque el único momento feliz del día es cuando me enciendo un cigarrillo, lo apoyo en el cenicero y me pongo a dibujar cómics o fotogramas de videos o a hacer canciones. Estoy deprimido y me refugio en mi imaginación. Es el único sitio en donde a nadie le va mejor que yo y nadie me puede molestar

-Después de tu etapa en Grabba Grabba Tape, inicias tu propia trayectoria en solitario con la denominación Grosgoroth, ¿cual es tu pulsión, qué te lleva a crear, a componer canciones, a dibujar comics...?

Como ya he dicho antes, necesito mi dosis de mundo interior diaria. Me concentro en traer a la realidad lo más fielmente posible lo que estoy imaginando en mi cabeza. Es mi oasis en mitad del desierto, pero imagina que en vez de arena hay 490530946893046 de personas viendo el fútbol, comprándose ropa, teniendo hijos, haciendo másteres caros que yo no podría pagar…verás, tengo una frustración muy grande, estoy dando clases a domicilio de Inglés y soy muy infeliz, lidiar con padres es algo jodido. Mi teoría es que la gente que salía por el barrio de Huertas, ligó y tuvo hijos. Esos hijos son mis alumnos. Según he podido ver a lo largo de mi trayectoria de profesor a domicilio es que por lo general a la gente le gusta comprarse grandes casas, con grandes televisiones y carisisimos iPhones… pero luego ves la música que escuchan o los libros que leen y pierden ya totalmente mi respeto. No es que los odie pero me pone triste que sea la norma general, y te estoy hablando de alta y media clase. La gente no quiere soñar con ideas, la gente quiere comprar cosas.
Ya puedes ser un neurocirujano que si te veo un cd de ¨The Corrs¨ en casa te perderé el respeto…a ver, respeto a todo el mundo, quiero decir, perderé la fe por la raza humana.

 

 

-Te hemos traído a A rienda suelta por tus piezas animadas para algunas de tus canciones?. ¿Con qué criterio decides que algunas de tus composiciones tengan videoclips? ¿Cuando compones, piensas en imágenes?


Por supuesto, pienso en imágenes y en cómo utilizar efectos de zoom o en qué personajes desarrollarán diferentes acciones en la escena. También es muy importante en qué capas del programa tendré que colocar todo y en qué cada elemento tengo a su vez su propio movimiento. Cuando compongo es diferente. Las letras es otro medio, estamos hablando el mundo de las ideas. Verás, SIEMPRE estoy pensando o leyendo ideas. Ya sea en el metro o sacando inferencias de la gente cuando le doy clase. Intento comprender la realidad, saco reglas o pienso contradicciones, no paro de analizarlo todo e intento empatizar hasta con mis enemigos para comprender todo lo que pueda. Muchas cosas me dan rabia o me parecen mal y lo cargo en mi mochila mental, lo rumio y lo vomito en forma de letras. Suelo hacer una lista de cosas que quiero decir en la canción y después hago que encaje y rime con la música de la guitarra,la gameboy y la batería.

-Por lo que vemos, tu estilo es gamberro, irónico,directo, y narrativo complementando las letras de tus canciones. Es el caso de "Voy a la biblioteca", ¿cual suele ser tu proceso creativo al enfrentarte a una pieza audiovisual?

Bueno lo tengo bastante claro todo a la hora de empezar un video, te digo que simplemente llevo lo que estoy pensando en mi cabeza a la realidad y se suele acercar bastante después cuando termino el video. Estoy soñando durante todo el día, a eso le sumas que tengo una base de datos descomunal de imágenes de cómics y dibujos animados en mi cabeza. Voy conjugando este sueño diario a estas imágenes o dibujos que se quedaron en mi impronta o he ido recopilando a lo largo del tiempo. En el caso del video voy a la biblioteca el protagonista es una rata ya que siempre me siento como tal cuando estoy con amigos, alumnos, o la gente del centro de Madrid. Me siento una rata porque siempre estoy en peor situación económica, profesional y mental que los demás. Estoy triste.

 

 

- En "Canción Superpositiva" fusionas imagen real (Madrid Rio) con dibujos animados. ¿Cómo has trabajado a nivel técnico este videoclip?

Bueno, empezaba con el after effects y descubrí el tracking. Se supone que el after effects te saca el tracking automáticamente pero si te fijas,este video fue grabado alquilando una bicicleta por 5 euros en Madrid Río y un móvil nefasto, la calidad de la imagen es limitada, no me preocupó porque es así, no pude conseguir una cámara mejor y también quiero reivindicar las creaciones sin dinero, el hazlo tú mismo , es así y no sólo lo acepto sino que me encanta. Sigo mi camino, si un día tengo más medios pues hasta será todo más fácil.
El caso es que al ser la imagen tan mala tuve que hacer el trackeado de cada personaje fotograma por fotograma ¡¡¡Una locura!!! Dos horas cada día durante un mes y medio (cuando no tenía que trabajar). Todo lo he aprendido solo y estoy orgulloso de ello. Acabo de hacerme mi web sin ayuda de nadie, simplemente con los ánimos que me daba mi madre…no tengo un duro para pagar ningún curso de nada.

 

 

-En alguna entrevista he leído que piensas que "ser creativo es terapéutico" y que te ayuda a entender el mundo, y que también que el "odio" es tu gasolina... Explícanos un poco esto...


Hay gente que le vale hacer deporte, en mi caso, necesito algo más enriquecedor que eso, necesito viajar por distintas ideas, ver diferentes perspectivas sobre un mismo asunto, pienso en diferentes puntos de vista en mi cabeza lo que me ayuda a su vez a crear diferentes personajes en mis historias, es como una especie de personalidad múltiple pero siempre con el fin de encontrar un sentido a algo. Me siento muy frustrado ya que estudié psicología pero siempre he estado en trabajos de mierda como levantar cajas, ser dependiente de tiendas, camarero, recepcionista y hasta trabajé en un pequepark en Barcelona limpiando las piscinas de bolas meadas por los niños…todo esto te cabrea porque el trato de mis superiores SIEMPRE fue terrible y causándome traumas horribles. Nunca se me preguntó por mi opinión, simplemente tenía que obedecer si quería que me pagases para después pagar un alquiler de una casa de mierda en donde siempre paso frío…bueno todo esto te hace pensar y odiar, no veo que tenga futuro, estoy sentenciado a una cadena perpetua de trabajos de mierda. HE PERDIDO TODA LA ILUSIÓN….pero resulta que cuando peor estoy mejores cosas me salen, es una mierda, pero es así. Más real se vuelve todo lo que pienso, es decir, más tengo claro qué quiero expresar. No dudo en qué dibujar para los vídeos.

-¿Tus personajes en los videoclips son una traslación de los que aparecen en tus fanzines, o ejerces algunos cambios y transformaciones pensando en la pieza audiovisual?

Todo pertenece a mi mundo, se podría mezclar todo. Pero cuando hago una pieza audiovisual si es verdad que tengo que dibujar menos detalles a los personajes ya que hay que ir fotograma por fotograma y eso conlleva mucho esfuerzo y estoy muy impaciente por ver terminada la animación de ese personaje. Es mi momento de magia del día, con máxima ilusión veo cómo cobran vida mis dibujos…luego me voy a currar a mi trabajo de mierda del momento.

 

 


-Citas también en tu discurso a Jodorowsky y sus "Fábulas pánicas" como uno de tus referentes, ¿qué aporta a tu visión el autor chileno?

Me llegó terriblemente ese cómic. Cada página es una sentencia, una lección que me ayuda a entender la realidad. Siempre que lo veo se me pone la piel de gallina, a esto le sumas los colores y ves que él mismo lo dibujaba!! Se ve un estilo muy muy amateur y eso me encanta!!! No sabía dibujar bien pero eso mismo hace que sus dibujos sean increíbles!! El impacto es brutal ya que es una bomba de contenido y forma!! Los dibujos y sus mensajes son excelentes!!! Viva el dibujo de la gente que no sabe dibujar pero sí sabe lo que quiere decir.

 

 

-Ya por último, en tu canal de youtube hemos visto Intro/Outro de la serie de animación "He perdido la ilusión", gracias y perdón. Cuéntanos qué hay detrás de este proyecto.

Verás, si alguien me cae bien en este mundo es el señor Larry David, el antihéroe, hace lo que quiere y te dice lo que piensa de una forma mezquina y entrañable, le adoro. Salvemos las distancias por favor, pero este genio me inspira siempre que le veo, su poco entusiasmo por todo me fascina, es terriblemente gracioso. Bueno, digamos que me sirve de terapia vomitar todo lo que pienso en una animación, como si fuese mi psicólogo ( ya que no puedo pagar uno) . Son dibujos animados en donde digo lo que pienso y nadie me puede limitar, es mi mundo. Reflejo mi frustración, alienación y emociones. Hice un capitulo el cual lo presenté en una expo que se hizo en una casa con peligro de derrumbe ( podíamos haber muerto, no es broma…mientras las instituciones culturales están buscando sponsors y artistas con diplomas ). Todo el mundo se echó a reír, me pareció rara la situación, estaba nervioso pero todo el mundo me animó a que siguiese con la serie pues les pareció muy bien. Estoy haciendo ahora el capitulo dos y tres, pero voy lento pues tengo que dar clases a domicilio todos los días. Hasta que no termine el capitulo tres no cuelgo nada en la red.
Mi diploma es mi corazón y es mejor que cualquier máster que se pueda pagar, no me pueden quitar nada pues nunca tuve nada!!!

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   30.ene.2017 22:05    

Puzzle de imágenes

Armando Jiménez es un realizador de videoclips fascinado por la cultura POP de los años 60'. Además de la faceta audiovisual, Armando es integrante de la banda sevillana Blacanova, encargándose no solo de los videos musicales de la banda sino también gestando todo tipo de proyectos en los que da rienda suelta a su creatividad.

Para Jiménez el tándem imagen-música es indisociable y desde el principio su vocación le lleva a imaginar mundos de ensueño a partir de una canción.

"Me gustaba montar en mi cabeza un puzzle de imágenes para las canciones que escuchaba en la radio..." nos cuenta.

Así pues, nos adentramos en su universo caleidoscópico y nos detenemos en el video musical para Blacanova "De repente, agricultura".

  


-Armando, además de músico, también tienes una amplia trayectoria como realizador audiovisual, con cortos como "La silla", "El manual del experto corredor", además de tus adaptaciones-clips para grupos como Nosotrash o Sr. Chinarro. ¿Qué fue antes el huevo o la gallina, la vocación musical o la visual?

Es difícil de separar. No entiendo la una sin la otra. Recuerdo que de pequeño me gustaba montar en mi cabeza un puzzle de imágenes para las canciones que escuchaba en la radio y que me gustaban especialmente o ver imágenes en la tele y pensar: "qué chulas quedarían estas imágenes para tal o cual canción". En cualquier caso, si tuviera que elegir una profesión frustrada sería la de realizador. La música es de las tres o cuatro cosas más importantes en mi vida pero dudo que pudiera dedicarme profesionalmente a ello. Me espanta todo lo que rodea al mundo de la música, más allá de componer canciones y hacer videoclips.

 

 

-Me gustaría centrarme en la pieza "De repente, agricultura", un vídeoclip con técnicas de animación en el que recurres al found footage con imágenes de archivo de películas americanas de los años 60' y con leit motiv acerca de la arquitectura brutalista...¿Cómo ha sido el proceso creativo que ha inspirado esta pieza?

Hace un tiempo que vengo experimentando con la animación 2D y el motion graphics pero fue a raíz de hacer un curso en el que el trabajo final consistía en animar imágenes viejunas que me decidí a aplicarlo a un vídeo de Blacanova. Me pirran los vídeos educativos e institucionales americanos de los 60 y 70 y por otra parte me fascina la arquitectura (otra de mis profesiones frustradas). El movimiento moderno y el racionalismo me ponen bastante pero mi estilo favorito es el estilo del relax. El edificio brutalista que aparece en el vídeo (y en la portada de "Regiones Devastadas") es un edificio de oficinas de Sevilla. Me he criado junto a él. Desde lo alto se han suicidado varias personas. Le tengo un cariño especial y personalmente lo considero uno de los cinco edificios más bellos de la ciudad.

- La iconografía Pop de los años 60` también está presente en otros videos musicales, como sucede en "Art Brut" o en "Despiece de vacuno", partiendo del concepto de fotonovela. ¿Por qué esa atracción por esos universos "retro"?

La cultura pop de los años 60-70 me parece una fuente de inspiración inagotable. Una señora de los 60 con su peinado bouffant y sus gafas de gato siempre quedará sublime, ya la pongas en un cartel o le apliques un stop motion. Solo hay que pasearse por ciudades que aún conservan un poco de sentido común para comprobar la belleza arrebatadora de la rotulación comercial de aquella época… Más que una atracción, es un agradecimiento personal a todo un legado iconográfico.

 

 

-Abundan en tu videografía obras de animación, algunas de ellas promos de festivales como las que hiciste para South Pop, otras piezas como "Pollo frito", "Con V de Victor", "Se balanceaba", "La merienda", etc... ¿Cúal es tu relación con el género de la animación, con qué técnicas sueles expresarte?

 

 

El cine de animación no es algo que me interese especialmente. Cosa aparte es el stop motion, que sí me resulta muy atrayente. Especialmente la obra de Svankmajer o los hermanos Quay. Me sirvo de Photoshop e Illustator para luego aplicar técnicas de animación 2D con programas como After Effects. Lo que más me atrae de la animación es que todo el proceso creativo es un duelo entre el ordenador y tú. No dependes de actores que se ponen malos, de baterías que se descargan o de un pronóstico meteorológico chungo.

 


-Ya para finalizar y desde tu perspectiva de músico, ¿suele intervenir el resto de la banda en la elaboración de vuestros videoclips? ¿La imagen viene después de la composición musical, o en ocasiones tienes "visiones" previas que se anticipan a la canción?

Hay veces que ya en el local de ensayo me imagino qué imágenes le pegarían a tal o cual canción. Otras veces tienes una imagen enquistada. Sabes que está ahí pero cuesta sacarla. Una vez que sale, todo fluye solo. Y no, no cuento con el resto de la banda. Hago lo que me parece. Eso sí, procuro cortarme un poco a la hora de elegir ciertas imágenes para evitar susceptibilidades.

 

 

- Por cierto, ¿cómo nacen esos videos para grupos como Lori Meyers, Gente Joven, Sr. Chinarro, ¿son pactados o un divertimento por tu cuenta?

Son puro divertimento. Los hago sólo con canciones de grupos españoles que en algún momento me han aportado algo: Chinarro, Le Mans, Gente Joven… Después ocurren cosas tan divertidas como que al cabo de los años te haces amigo de Ibon y Teresa y te felicitan: "Ahh, tú eres el que hiciste aquel vídeo…" y están súper agradecidos por el detalle tan de fan-fatal. Y eso produce una satisfacción infinita. Lo de Lori Meyers fue distinto. Fue para un concurso. No tengo nada en contra de ese grupo, pero no es un grupo que al día de hoy me haya inspirado para hacer nada.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   24.ene.2017 00:58    

Chuso Ordi: apoteosis del Super 8mm

Chuso Ordi es un artesano de la imagen en el amplio sentido de la palabra. Su obra gráfica y audiovisual respira autenticidad partiendo de la propia fisicidad del soporte y dotando de sensibilidad y belleza a las piezas que realiza.

Chuso apela, en el buen sentido, al primitivismo de la imagen buscando el origen y lo cercano para trasladarlo a sus creaciones.

Aquí nos detenemos principalmente en su videoclip "De otro lado" para Fur Voice , un músico que, por cierto, se caracteriza por cuidar al detalle los videos musicales que se realizan a partir de sus canciones.

Además de este videoclip, repasamos sus obras más personales en un viaje apasionante hacia el mundo del Super 8, recalando también en su hermosa animación "Bodies" para el músico Dorian Wood.

Viva el Super 8mm, viva lo analógico, viva la libertad creativa, viva lo real!

 

 

-Chuso, vienes del mundo de las Bellas Artes, desde un principio tu obra gráfica y de animación va de la mano de la música (si no me equivoco también eres músico). En ese sentido, ¿qué es para tí un videoclip, cómo ubicarías este formato-medio de expresión en tu obra?
El video clip para mí ya es un género artístico en sí mismo. En estas últimas décadas se ha consolidado todo un lenguaje como para considerarlo una obra de creación artística en sí misma. Mi interés en el dibujo me llevó a experimentar muchos caminos expresivos. Uno de ellos fue el dibujo animado. De alguna manera mis dibujos previos a la animación ya tenían potencialmente un carácter narrativo, unas ganas incluso de salirse del papel donde estaban dibujados. La animación fue el medio de dotarles de esa capacidad de hilvanar una historia. Suelo trabajar también creando gif animados. Para mí son micro películas que contienen todo un mundo comunicativo. Me gusta que lo que hago tenga diferentes niveles de lectura: por un lado el mismo lenguaje plástico de la línea por sí misma y por otro la narración que se crea a partir de su movimiento, y el dibujo animado en el arte lo ofrece.

 

 

-Nos ha llamado la atención en ARS tu concepto experimental y artesanal a la hora de enfrentarte a un videoclip. En tu última pieza "De otro lado"para Fur Voice intervienes directamente sobre el fotograma en Super 8mm. como lo hacían los pioneros del cine. El resultado es una sensación muy orgánica, donde música y celuloide "emulsionan" de una manera muy integral. Cuéntanos cómo ha sido este proceso creativo con Fur Voice, fase que creo que te ha llevado varios meses y que ha dado pie a un Making of...

En el video “De otro lado” de Fur Voice estuve trabajando varios procesos, pero la idea que me rondaba todo el tiempo era la artesanía, la textura, lo táctil de la imagen, de cómo generar imágenes de una manera primitiva, buscando el origen y lo cercano. Hay una parte del video en la cual el celuloide lo creé yo mismo con una cortadora láser. Se podría decir que hice la película desde cero, los fotogramas los imprimí sobre poliéster que corté con láser y que luego fui engarzando con adhesivo. Aún tengo que consolidar la técnica, pero el proceso fue para mí toda una labor de investigación artesana y un hallazgo técnico que me inspira. No he encontrado nombre a esta técnica pero yo lo llamo “cine impreso”, porque realmente la imagen parte una impresión sobre material translúcido, un cine hecho sin cámara convencional. La idea que tuve para el video de Fur Voice fue trabajar con la idea del “doble”, del “otro”, y el descubrir al otro que es uno mismo, y también una mirada a lo más pequeño, como un guiño a cómo está realizado, ya que cada fotograma no mide más que 8 milímetros. Lo pequeño como núcleo de lo más grande, y la mirada que lo descubre siempre como primera vez y se maravilla por la sorpresa. Una vez acabado el video pensé que debía explicar cómo lo hice, porque el proceso de trabajo era tan importante como el resultado y de esta manera hice el “making of”, una pequeña película rodada con el móvil y sin palabras donde intenté transmitir mi día a día trabajando en el video, como voy creando físicamente la película, tan minúscula y cómo se va creando la textura de las secuencias.

 

 

-A David Gracia (Fur Voice) ya le conoces desde hace tiempo, de hecho habíais colaborado desde 2009, primero en una pieza experimental "Sinfonía para la materia, nº1". Y posteriormente en microfilms animados para proyectar en directo siguiendo el orden narrativo de las canciones del disco. ¿Qué tipo de colaboración se ha dado, cómo ha sido ese trabajo en equipo?

Desde el principio de conocernos hubo una sintonía muy bonita y queríamos colaborar juntos. En aquel momento surgió la oportunidad de hacer una instalación artística en un centro de arte y pensamos en convertir cuatro ventanas del mismo centro en pantallas de dibujos animados con sonido en formato loop que se iban sumando entre ellas formando toda una sinfonía cambiante. A partir de esta colaboración David me propuso las visuales del concierto de la presentación de su primer disco. Y desde entonces hasta aquí! Con David hay una amistad y una comunicación increíble y muy bonita, creo que casi sin hablar ya sabemos lo que sentimos. La música de Fur Voice me conmueve mucho, su último disco es un banquete maravilloso de sensibilidad y belleza! Los orígenes de sus canciones son los mismos que mis dibujos, creo que los dos nos hacemos las mismas preguntas y tenemos una visión de las cosas muy parecida.

-Retrocedemos en el tiempo y nos encontramos piezas tuyas muy interesantes como Adiós, Sr. Sombra, un clip deliciosamente lo-fi donde ejerces de hombre-orquesta y que tardas 2 décadas en concluir desde que compusiste la música (1990), hasta que acabaste la edición (2010). ¿Por qué tanto tiempo, y qué intentas transmitir en estos trabajos iniciáticos?

Muchas veces ocurre que empiezas cosas pero no sabes cómo acabarlas y acaban guardadas en un cajón. En este caso sucedió algo similar. Primero tenía la música grabada del año 90 en un cinta de casete doméstico que grababa en una doble pletina estropeada, y luego las películas de super8. En este caso la película está rodada con cámara y filmando fotograma a fotograma dibujos realizados a mano sobre decenas y decenas de hojas de papel. Gracias a la edición digital del 2010 finalmente pude acabarlo y darle el sentido final a todo al cabo de 20 años! La verdad es que fue fortuito pero me hace reflexionar sobre el mismo paso del tiempo en el proceso creativo: a veces pasan los años pero las ideas no cambian. Las imágenes y el sonido, la creación, permanecen ahí esperando ser reveladas al margen del reloj.

 

 

-Pasamos del blanco y negro al color, y nos detenemos en el videoclip "Bodies" para el músico norteamericano Dorian Wood. Primero de todo, ¿cómo os conocéis, cómo llegas a colaborar con un artista (Wood es músico pero también videoartista, escritor...) extranjero que ha desarrollado su carrera en Los Ángeles, Costa Rica?


Dorian y yo nos conocimos en la efervescente época del myspace! Dorian Wood recién acababa de publicar su primer disco “Bolka”. Fue una época muy bonita de conocer gente que hacía cosas increíbles tan lejos de uno. Es desde entonces que nos conocemos, y cada vez que viene de gira por Europa nos vemos. He tenido la gran suerte de colaborar y aprender con grandes e impresionantes músicos y artistas como Fur Voice y Dorian Wood a los que admiro profundamente, y que además son mis amigos. Cuando Dorian vino de gira por Europa, grabó su ep “Brutus” en Londres en 2010. La canción Bodies es una de las canciones de ese disco. Dorian conocía el trabajo que estaba haciendo con Fur Voice y me ofreció hacer el video para su canción.

 

 

-"Bodies" es una creación que se adapta como un guante al ritmo pausado y dramático de la letra y la música ¿Cuál fue tu punto de partida, optas por un tratamiento extremo jugando con los colores contrastados (rojo-amarillo-fuego-negro) y con las formas: manos, ojos, cuerpos en llamas...¿Cuál es tu inspiración?


La idea de trabajo para Bodies fue la pasión. La canción cuenta la pasión de dos amantes esperando el momento del apocalipsis, encerrados en su habitación, tan pequeños y frágiles frente a lo sobrenatural. El video está hecho con dibujos vectoriales y el elemento con el que trabajé fue el fuego, lo ardiente. El fuego como metáfora de la pasión, de lo incandescentemente sagrado, la verdad que arde e ilumina, como un elemento puro. El video de Bodies se desarrolla y acontece en este espacio negro e infinito de la noche, la noche del alma, sola y perdida. Sólo ese fuego ilumina y da forma a ese enigma en el que vivimos. Así el fuego se convierte en una metáfora del hombre mismo, de su pasión y de su compasión. La paleta de colores es muy austera: rojos, amarillos y el eterno color negro que lo rodea constantemente, apenas sale un tono gris cuando hay humo. Usar pocos elementos me ayudó a concentrar la emoción en la narración, y así facilitar la comunión de los conceptos: tres colores y una idea sencilla. Al final del video es como un baile de esos colores: la gran masa negra baila y se abraza con la luz de los colores cálidos, uno da forma al otro y como metáforas de lo humano, son manos, ojos y abrazos. Hay una parte de mi trabajo que tiene que ver con la idea de pintura, de cuando pintaba con pincel sobre un lienzo y aquí creo que es evidente. Aunque este trabajo fue muy digital siempre está presente la idea del dibujo y la pintura. El dibujo finalmente no sólo se hace con un lápiz, cualquier elemento puede “dibujar”.

 

 

 

 

-Me gustaría hacer referencia a tu ensayo "Elogio del viento", en el que utilizas el Super 8 mm de forma radical, dando formas abstractas a través de lo analógico. Sinceramente, creo que es un acierto conservar determinadas herramientas "artesanales" que nos transmiten emociones muy difíciles de conseguir con "el digital". Hace poco hablábamos con Luis Cerveró precisamente de esto "¿por qué la sociedad, el audiovisual contemporáneo y sus modas nos "fuerzan" a renunciar a elementos expresivos perfectamente válidos a pesar del paso del tiempo...? No sé que piensas de esto... A mí particularmente me gusta comprobar como autores como Antoni Pinent, Ricard Carbonell, Gloria Vilches, o el propio Luis Cerveró os movéis con normalidad en estos registros analógicos cuando es necesario...

Sí, es verdad. Frente a esa velocidad de consumo de imágenes en la que estamos inmersos constantemente, en donde cada vez nos preguntamos menos de dónde vienen, como están hechas y qué implican esas imágenes, el video “De otro lado” de Fur Voice o "Elogio del viento", es una búsqueda de una textura que difícilmente lo digital puede ofrecer, pero ante todo es también un ensayo de búsqueda del origen de la imagen, un intento que la imagen vuelva a sorprender por su contenido, construido en algo sólido, en su poder comunicativo y porque tiene una razón de ser. En este sentido, lo artesano te devuelve el placer de la cercanía, te pone en contacto con lo íntimo, con tu huella más directa, con la belleza de lo incorregible y de lo fortuito.

 

 

-Ya por último, una referencia a otra obra tuya, un corporativo video-flyer para Fabra i Coats en el que elaboraste el acetato con laser, y utilizaste tus propias manos como "huella". Cuéntanos la experiencia, una forma de demostrar que lo experimental no está reñido con lo comercial.

Este video-flyer fue un encargo para la fiesta de inauguración de la fábrica de creación Fabra i Coats, en la que participaron una gran cantidad de artistas. Quise rendir un homenaje a los trabajadores que durante tantas décadas habían estado trabajando en ese mismo edificio, que por otro lado está muy cerca de donde siempre he vivido. El video está hecho con la sombra de mis propias manos trabajando sobre papel fotográfico y luego revelado con los procesos químicos clásicos, como ya hicieron Man Ray o Moholy-Nagy. Esas imágenes una vez digitalizadas las fui animando fotograma a fotograma. He tenido la gran suerte que en los trabajos videográficos fueran encargos en los que se pedía mi libertad creadora y así lo intenté hacer. Creo que actualmente hay muy buena recepción de lo experimental por un gran sector del público. Quizás nuestra cultura visual si bien por un lado está fuertemente condicionada por mil intereses comerciales, también es cierto que hemos crecido en capacidad de asimilar nuevos registros visuales a veces de una manera instantánea. La cultura transmedia así lo está facilitando.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   17.ene.2017 00:55    

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Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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