Carlos Bayona: jugando con el videoclip

    martes 13.mar.2018    por Sarmient Peppers    1 Comentarios

Os presentamos "We never say die", primer videoclip de Carlos Bayona, un trabajo sorprendente que nos sumerge en el universo de los videojuegos y de la estética de los años 80. 

Carlos, además, ejerce de músico junto a  Oblique (el dúo barcelonés de synth-pop) y nos presentan su último trabajo "A Song For", precedido por el single "Stop the world" al que ya acompañaba un maravilloso videoclip dirigido por Lyona y que también aprovechamos para reseñar.

En este caso, "We never say die" es una pieza audiovisual muy interesante porque integra imagen real con animación generada por ordenador, haciendo un guiño a las máquinas de videojuegos Arcade que tanto proliferaron en los años 80.

Carlos nos cuenta sus pulsiones creativas y cómo se ha planteado este proyecto desde el punto de vista de producción.

 

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-Carlos, "We never say die" es tu estreno como director de videoclips, dinos, ¿cómo surge el proyecto para poner en imágenes esta canción de Oblique y tuya, perteneciente a vuestro último disco A song for...?

Mi proyecto junto a Oblique es un tributo a los años 80. A su sonido, su estética y sus películas. Es por esto que para nosotros es muy importante el papel que juega el videoclip con cada uno de los temas. Con el primer single “Stop The World” tratamos de recrear la película “La Chica de Rosa” y, como dice la canción, cambiarle el final. Era algo difícil pero teníamos en mente a la realizadora Lyona y sabíamos que ella podría hacer un gran trabajo y así fue. Para el segundo single “We Never Say Die” volvimos a tratar de hacer algo con la idea que maneja la canción. El tema habla de qué sucedería en una hipotética reunión de los Goonies 30 años después y qué sucedería si una de las chicas le dice a otro de los protas que lleva 30 años enamorada de él. En el vídeo la historia es similar salvo que cambiamos al chico por un personaje de videojuego. Mi idea era que la pieza la dirigiera un determinado realizador pero al serle imposible la hice yo que tenía muy claro lo que quería hacer y un equipo muy capacitado para hacerlo. Gracias a Laura Pedro, Txetxu Garcia, Felipe Bravo y Toni Buenadicha por la ayuda.

 

 

-El vídeo musical es un homenaje al cine de los 80, con películas como Los Goonies, E.T. el extraterrestre, Tiburón, Cuentos Asombrosos... entiendo que esta época es para ti una fuente de inspiración, ¿cuál ha sido el proceso creativo a la hora de elaborar el guión de este videoclip?

Por mi edad, 42 años, los 80 e inicios de los 90 significan mucho para mí. Efectivamente el vídeo está enfocado con la idea de que se pudiera tratar de una historia fácilmente englobable en “Cuentos Asombrosos”. Es una historia bonita pero que acaba mal pues la chica desaparece dentro de la máquina por lo que llega a tener ese humor negro propio de películas como “Cuentos Asombrosos” y “Creepshow”. El guión trabajé a medias con Ibán Manzano y Toni Buenadicha y para mí ha sido un lujo.

-También hay un hallazgo estético al combinar imagen real con imagen animada, rememorando las máquinas arcade ¿cómo ha sido esa labor de recreación con Toni Buenadicha?

Es fantástico trabajar con él. Es muy bueno y muy rápido. Le pasé mi idea de tener una animación pixelada tipo videojuego donde fueran reconocibles los personajes y no tuve que preocuparme de nada más. Ha sido una maravilla trabajar con él. Fuimos tan rápido que nos pudimos adornar y es por esto que el vídeo está lleno de pequeños guiños a los años 80 por todas partes. La combinación de imagen real y animación es algo también característico en películas de la época como Tron, Roger Rabbit o Cool World y nos apetecía repescarlo.

 

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-Para grabar la parte de imagen real os habéis desplazado a Hospitalet y habéis contado con la colaboración de la Asociación Arcade. ¿Qué fue primero el huevo o la gallina, la grabación de la imagen real o la elaboración del videojuego?

Ha sido un proceso muy en paralelo si bien la elaboración del videojuego llevó un poco más de tiempo. Comenzamos a trabajar en la animación al inicio de la preproducción y terminamos una semana más tarde que los efectos visuales que han sido muy importantes y que corren a cargo de Laura Pedro de El Ranchito, una compañía que está realizando los efectos de Juego de Tronos actualmente.

-En cuanto de la actriz principal Aída Qui, ¿cómo ha sido el casting hasta llegar a ella? Hemos visto que ha participado en cine y televisión así como otros videoclips como Qué electricidad para Carlos Sadness, o incluso algún corto para tu hermano JA Bayona.

Ella participó en nuestro anterior clip y por su físico que nos cuadraba con el personaje siempre fue una de nuestras primeras opciones. Es muy expresiva y da muy bien a cámara por lo que trabajar con ella ha sido un acierto.

 

 

 

-JA ha sido un consumado realizador de videoclips durante muchos años, allá por 2007 dirigió la pieza "Te recuerdo" para Lorena , contigo como alias Monosexy, recreando el mundo de Tron, teniendo en cuenta su experiencia ¿has consultado con él puntualmente alguna cuestión de este proyecto?

Yo le iba mandando diferentes montajes y él me iba dando su opinión. Le ha gustado mucho el resultado final.

-Tampoco quería dejar pasar la ocasión sin mencionar un videoclip anterior realizado para vosotros por Lyona, hablamos de Stop the world, inspirado en La chica de rosa de Howard Deutch.¿Podría decirse que hay un hilo conductor en vuestros trabajos musicales y audiovisuales, con los años 80 sobrevolándolo todo a nivel estético?

Sí. Como te contaba cada pieza está pensada para ser acompañada de imágenes. Veremos si es posible hacerlo porque nuestro nivel de exigencia es muy grande y el presupuesto muy pequeño.

 

 

-Ya para acabar Carlos, ¿ésta ha sido una incursión puntual o te planteas más creaciones como realizador de videoclips?

En principio no me veo volviendo a dirigir. Ha sido interesante y divertido pero respeto mucho la profesión como para hacerlo de manera habitual.

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   13.mar.2018 12:45    

Pablo Nieto: cocktail transgresor

    martes 27.feb.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Pablo Nieto desde la plataforma creativa Zissou.tv nos presenta el último videoclip que ha realizado para Los Punsetes, "Miedo" una pieza transgresora, original y paródica,  convirtiéndose en el primer video musical "screener" de la historia. Pablo analiza los entresijos creativos de esta obra y nos cuenta sus nuevos proyectos para Zissou. También descubrimos su blog Murmur, un rincón audiovisual y musical desde el que nos deleita con grabaciones en directo en el que la localización y la naturalidad son señas de identidad.

 

 

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-En Zissou.tv os dedicais sobre todo a la publicidad ¿Cómo surge esta plataforma creativa de la que eres miembro fundador?

 

Iván Franco y yo, creamos Zissou hace 5 años para dar respuesta a proyectos diferentes que se empezaban solicitar en el sector de la publicidad, como proyectos interactivos, desarrollo tecnológico…  Para ello fundamos un equipo de realizadores que no se dedican solo a publicidad, sino también a diferentes ámbitos como videoarte, cortometraje, instalaciones, programación… Estos realizadores cuando trabajan en publicidad aportan una visión diferente a los proyectos, más rica y adaptada a nuestro tiempo.

  


-Acabas de realizar un video musical para Los Punsetes, ¿Por qué para la banda madrileña y cuál ha sido el espíritu con el que nace esta pieza?

 

No es un proyecto fácil para un grupo. Cuando la idea es empezar en un cine donde la canción al principio se  escucha mal y se superponen voces, es decir, se actúa también sobre el audio, tienes que encontrar a un grupo con mentalidad abierta, que tenga una visión artística que vaya más allá de los estándares, que valore la idea y dé prioridad al concepto del vídeo como pieza independiente. Los Punsetes es el grupo perfecto para esto, un grupo transgresor de referencia en el mundo del videoclip.

 

- "Miedo" es un videoclip que lo defines como el "primer screener" de la historia del formato videoclip. ¿Cómo surge esta propuesta, hasta cierto punto irreverente, rompiendo el relato clásico de la canción?

 

Siempre me ha sorprendido que los videoclips sigan un formato y unas estructuras tan parecidas y “standars”, siendo un formato perfecto para romper todas las normas, transgredir e innovar.

 

Una forma original de romper estas normas era hacer el primer videoclipScreener” de la historia, estructurar el videoclip sin importarnos que la canción se escuche mal al principio, que se escuchen a personas hablando en medio de la canción, o se pare en un determinado momento para retomarla luego.

 

Las películas “Screener” son parte ya de nuestra cultura audiovisual, el formato pertenece a nuestro inconsciente colectivo.

 

 

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-Uno de los juegos interesantes que propones es el paso de la proyección de la película gore en pantalla grande, a su visionado en internet...¿Cuál ha sido a nivel narrativo y estético tu planteamiento, y hasta qué punto el grupo ha influido en tu toma de decisiones?

 

Teníamos claro que no podía ser todo el videoclip “Screener” escuchándose mal la canción de principio a fin, ya que la música es, por supuesto, el eje creativo sobre el que se vertebra todo el concepto. La solución perfecta era pasar por el escritorio de un ordenador para acceder a otro “Mirror” de mayor calidad y poder disfrutarlo en “HD” y así escuchar fielmente la canción y ver la película con calidad. Esta solución hizo crecer el videoclip, ya que podíamos incluir más códigos típicos del formato, nos encantaba la idea de plasmar cómo es la experiencia de navegar en estas páginas piratas,  recrear los insoportables banners y audios típicos de estas páginas , banners de sexo, tragaperras, ventanas emergentes de “gana fácilmente dinero por Internet”…

 

La idea original surgió en un momento cotidiano de trabajo junto a Alberto Miranda, diseñador gráfico de Zissou, con el cual trabajo mano a mano en los videoclips. Nos pareció muy interesante y empezamos a trabajar en ella, a construir la estructura y escribir el guión. En las primeras fases de trabajo ya nos dimos cuenta de que el grupo perfecto para este videoclip eran Los Punsetes y su canción Miedo. Le contamos la idea al grupo, les encanto y nos dieron libertad absoluta para hacerla.

 

 

 

- ¿Qué ha sido lo más complicado en este rodaje gore?¿Dónde grabásteis la sala de proyección con público viendo el clip?

 

Para darle forma a esta idea necesitamos hacer una mezcla entre videoclip y cine para que la imagen nos cuadrara con la idea del original de película “Screener”, para ello quisimos hacer un homenaje a las primeras películas “Gore” de los años 60, cuya maravillosa estética nos funcionaba a la perfección  con la canción y el grupo, obteniendo así el “Coktail ”  transgresor que buscamos.

 

Al ser “Serie B” el rodaje es sencillo, las películas se rodaban en pocas semanas con muy pocos medios e iluminación. Quizás lo más complicado fue encontrar a los actores perfectos y hacer un buen trabajo de estilismo y maquillaje para recrear  fielmente los años 60.

 

 

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Para nosotros era muy importante que todo el vídeo fuera muy real, por este motivo la última fase del videoclip fue rodar en un cine de verdad y evitar la postproducción. Nos fuimos a los cines “Metropol” con el videoclip rodado y post-producido para proyectarlo, con todos los personajes que necesitábamos, las cabezas de los espectadores, el personaje que llega y se cruza por medio de la pantalla, acomodador.. Y le dimos realismo a la escena grabando con una cámara doméstica volviendo a imitar los arquetipos del género, la cámara se mueve porque el pirata ajusta el trípode, pierde y coge foco porque es automática, reencuadra…

 

 

- Ya para acabar...no te has prodigado en videoclips, ¿Algún proyecto reciente en este formato, o alguna iniciativa confesable que se pueda contar desde Zissou?

 

La verdad es que hemos empezado a trabajar en el formato videoclip hace muy poco aunque mi interés por captar a músicos en vídeo no es nada nuevo, viene de lejos. Esta inquietud queda documentada en el blog murmur, en el que grabo a músicos en entornos especiales aunque cotidianos. En esta larga experiencia en el blog de casi 10 años, se me iban ocurriendo ideas de ficción para grupos y esta limitación autoimpuesta en el blog de los espacios cotidianos, me ha hecho madurar algunas ideas a fuego lento hasta hacerme entrar en el videoclip de manera natural pero muy intensa, te puedo adelantar que tenemos un videoclip ya acabado que saldrá en abril del nuevo disco de “Nothing Places” del sello Foehn/el Segell del Primavera y que estamos trabajando en dos más muy interesantes que estoy seguro de que darán mucho de qué hablar.

 

 

Bart Davenport "Girl Gotta Way " 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Sarmient Peppers   27.feb.2018 14:46    

Sepe: forma y color

    martes 13.feb.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Josep Prat Sorolla, es Sepe, un inquieto creador que se está adentrando poco a poco pero con paso firme en el universo del videoclip. Conversar con Sepe es descubrir un mar de proyectos relacionados con la ilustración, el diseño gráfico, la moda, la animación, y un sin fin de pulsiones , en las que está presente el surrealismo, la estética de los 80, la geometría... todo ello pasado por su tamiz personal e intransferible.

Sepe trabaja desde el Estudio Creativo O, una de las plataformas creativas más innovadoras y originales de cuantas funcionan en España, capitaneada por el inalienable realizador Luis Cerveró.

Hablamos con Sepe de los "porqués" de sus creaciones, centrándonos sobre todo en lo relacionado con el formato del video musical.

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-Josep, eres un artista pluridisciplinar, tu relación con el formato videoclip empieza hace unos  años con trabajos de ilustración y motion graphics para artistas como Javiera Mena, Orax, Breakbot o The Vaccines. Ya más recientemente das el salto a la realización y te descubrimos con "Spinning Over you" para Reyko. En este caso, Emi Fort (productora) te llama para el proyecto, ¿Cómo es ese cambio a la responsabilidad de dirección y cómo surje este proyecto creativo?

Anteriormente a este vídeo, además de mis proyectos como ilustrador, yo ya había codirigido varias piezas audiovisuales junto con mis compañeros de Cubbish, con quienes estábamos acostumbrados a ingeniárnoslas con muy pocos recursos sin renunciar a la creatividad (de lo cual aprendí muchísmo). Poco después entré en O, al principio como ilustrador. Hasta que un día, me dijeron si quería probar con la dirección, que tenían el vídeo de Reyko sobre la mesa y que creían que podía encajar.

El proyecto de Reyko significaba poder trabajar con más medios de lo que estaba acostumbrado, tener un equipo mayor y, lo más importante, tener a una productora detrás que lo hiciera posible. 

Para mí fue un máster de profesionalización muy bueno.

En cuanto a la gestación del vídeo, tuvimos una primera reunión con Mushroom Pillow, la discográfica, y les explicamos un poco cuál era la idea. Les gustó y desde ahí empezamos a trabajar. Lo bonito de este proyecto fue que el vídeo también era la carta de presentación de Reyko, así que por un lado eso conllevaba mucha responsabilidad, pero por otra hizo que todos diéramos lo máximo para que esto saliera bien.

 

 

 

 

- Partiendo de la ilustración, pasas al plano físico de carne y hueso con un look muy de los 80. ¿Cómo has trabajado con Alexandra Jordana el estilo visual de esta pieza?

La verdad es que tener a Alexandra Jordana fue (y es siempre) todo un lujo, porqué captó perfectamente el concepto, la idea y la estética de la pieza. Fue como si estuviera dentro de mi cabeza y eso me dio muchísima tranquilidad. Queríamos algo que remitiera a los 80 pero a la vez fuera actual, con muchas texturas y materiales; casi como si fueran ilustraciones en movimiento. Alexandra también ayudó mucho a engrandecer toda la idea porque intenta siempre dar un porqué a todos los elementos que coloca frente a la cámara. Nada es gratuito. 

De hecho, recuerdo que a los pocos días de nuestra primera reunión vino con un dibujo del set donde todos los elementos tenían un sentido.

 

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- Siguiendo con tu vídeo musical para Reyko, hay que destacar el conjunto de la obra donde cada departamento tiene un papel importante: texturas, colores, vestuario, coreografía, conforman un todo... Te apoyas en profesionales como Elías M. Félix (fotografía), Cris Quer (vestuario), Tuixén Benet (coreografía), ...¿Cuál ha sido tu criterio para elegir estos colaboradores?

Tenía muy claro que quería hacer un vídeo que integrara distintas disciplinas artísticas y que cada una de ellas reflejara un espíritu muy creativo (desde la fotografia, a la dirección de arte, pasando por el vestuario o la coreografía). Formamos un equipo de artistas y quise darles libertad para aportar su visión a la pieza. Para mí, eso es lo que hace más especial este proyecto.

-He leído, que tuviste un plan de rodaje muy exigente y que incluso grabaste en dos sets, condos cámaras simultáneamente. ¿Fue muy complejo grabar con dos monitores, dos equipos...? Suena esquizofrénico

Sí…la verdad es que fue un estreno a lo grande. Por temas de presupuesto, teníamos que rodarlo todo en un día, así que decidimos partir el plató en 2 sets, uno para las escenas con coreografía y otro más pequeño para momentos más concretos. En muchos momentos, teníamos el equipo dividido en 2 rodando a la vez, por lo que resultó, al principio, algo loco tener que controlar dos rodajes al mismo tiempo. Pero bueno, al final es un tema de costumbre. También fue esencial contar con la experiencia de Silvia Martínez, ayudante de dirección, que lleva muchos años haciendo locuras de este tipo.

 

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- En cuanto a influencias, citas referencias como Magritte, Oskar Schlemmer, Jean-Paul Goude ó artistas de los 80. En algún caso concreto, hablas de Syd Brak como fuente que te inspiró para incorporar el elemento de repetición y canon en las bailarinas. ¿Porqué esta querencia por este imaginario estético?

Desde siempre me ha apasionado todo el imaginario de los 80 y el surrealismo. Creo que, más allá de algo estético, en esos años se crearon nuevas formas de representación de ideas muy directas y potentes, que aún hoy creo que funcionan. Creo que, a nivel creativo, es un universo muy rico.
Para mí, esa es la forma de expresión con la que más cómodo me siento y siempre que puedo me gusta hacer algún guiño a referencias que me han ayudado a inspirarme y desarrollar el vídeo en cuestión.

-Pasamos a tu pieza más reciente para Javiera Mena, a quién ya conocías por tu colaboración en "Espada", dirigido por Luis Cerveró. En "Dentro de tí", de nuevo colabora Alexandra Jordana y optáis por un look más austero, más conceptual ¿Cual es tu propuesta estética, está negociada con Javiera?

Cuando escuché por primera vez “Dentro de ti”, aprecié cierto cambio de rumbo respecto a lo que había sido el anterior disco de Javiera Mena, “Otra Era”. Era una vuelta con algo más introspectivo, menos eufórico que “Espada” pero con un mensaje muy directo a la vez. Con Javiera coincidimos en que esto se debía reflejar estéticamente y, por lo demás, nos dio libertad creativa total. Así que optamos por un look más natural y austero de lo que estoy acostumbrado, pero sin renunciar a los juegos visuales ni al toque surrealista. Fue un vídeo que, para otra persona, era difícil de imaginar sin verlo postproducido, así que tengo que agradecerle mucho su confianza en un proyecto que explicado sonaba, seguro, a locura.

 

 

 

 

- De nuevo, recurres a la figura retórica de la repetición y en este caso supongo que ha sido fundamental la participación del departamento de VFX (Yukio Montilla, Cherrycola) y de 3D (Nico Zarza). Cuéntanos qué dificultades habéis tenido a nivel técnico y con qué herramientas habéis trabajado.


La verdad es que fue el proceso más largo de todos, por razones obvias. Javiera sale, en muchas ocasiones, repetida y eso fue un trabajo de composición e integración muy laborioso. Básicamente porque todo estaba coreografiado, el set giraba, la cámara se movía y además Javiera cantaba en todos los planos, con lo cual no había mucho margen para mover o retocar nada una vez rodado. Por este motivo hubo un gran trabajo de supervisión en rodaje, para que todos esos juegos visuales funcionaran luego en la fase de postproducción. La verdad es que esta parte resultó la más dura para el equipo, ya que estuvimos muchos días y largas noches trabajando para llegar a la entrega. Mil gracias a Yukio Montilla y a Conrado de Cherrycola por esta maratón.
A nivel técnico, se trabajó casi toda la composición en After Effects y la luna se generó en 3D.

 

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- ¿Qué tal el acting con Javiera Mena? Da la impresión que todo parte de indicaciones de dirección muy precisas, o hubo también improvisación?

Hubo más improvisación de la que parece, a nivel de interpretación. En algunos momentos concretos, donde ella bailaba o tenía que realizar alguna acción concreta, sí que lo habíamos preparado y ensayado bien, pero a nivel general, quería que se sintiera cómoda con sus gestos y que su interpretación fuera natural. Al fin y al cabo, la idea del vídeo era mostrar sólo a Javiera cantando, casi como si estuviera en uno de sus directos, solo que en este caso el espacio cambiaba lo largo de su interpretación.
Ella nos lo puso muy fácil porque es super profesional y enseguida encontró ese punto de equilibro entre algo estudiado pero sin perder la frescura de lo improvisado.

 

 

 

-Además de los videoclips no quiero dejar de mencionar proyectos más personales como"Sparks", un maravilloso ejercicio de estilo donde das rienda suelta a elementos como geometría, movimiento, color, mutación... ¿Cómo nació ese juego visual?

Sparks” ha sido un proyecto que se ha gestado a fuego lento. Muy lento, de hecho. La idea me surgió en 2015, cuando empecé la serie de ilustraciones “Deconstructed Portraits.Ese mismo año rodé a la modelo para este proyecto (Anna Benet). Quería hacer una pequeña animación en esa línea, explorando la relación entre el cuerpo y la geometría, deconstruyéndolo en piezas que se dispersaban y juntaban de repente y que a su vez interaccionaban con los colores. Fue un proyecto que pensé para mis tiempos libres, sin prisas, algo que pudiera ir desarrollando sin ningún tipo de atadura. Es una pieza pequeña, pero a la que tengo mucho cariño.Por otro lado, nos encontramos tu proyecto personal de retratos "Deconstructed Portraits", ¿a qué pulsión responde esta serie y con qué técnica has trabajado?
Empecé a hacerlo como regalo de cumpleaños para mis amigos. De repente, me encontré con un proyecto-serie abierta sin quererlo ni pensarlo.
Como ya habrás notado, tengo una obsesión por la geometría, las formas “básicas” y “simples”(al igual que los colores) y me gusta jugar a construir objetos, personajes y escenas a partir de ellas. El reto es conseguir que los retratos sean reconocibles con pocas formas y trazos. En este proyecto trabajé con texturas tipo spray, pero es todo digital.

 

 

 

-En tu faceta multidisciplinar, destacan también tus inquietudes por la moda y el diseño de vestuario, con tus creaciones para LOTTO ICON Collection FW17 ó la mini-colección para Printalloverme ¿Por qué la moda, qué aporta a tu personalidad creativa? Por lo que he leído, además tienes intención de sacar una colección, más completa y producida por tí.

 

 

Siempre me ha llamado bastante la atención el mundo de la moda, creo que es una herramienta muy potente para expresarse. Desde mi punto de vista, veo las piezas como un lienzo en blanco en el que poder plasmar ideas. Me resulta muy interesante como, por ejemplo, el mundo de la moda puede ir de la mano con el de la ilustración o el audiovisual. Así que, en algún momento de mi vida, sí que me gustaría adentrarme más en este terreno.

-Tu perfil también se completa con spots para marcas tan diversas como Adidas(en Sónar) o Akade. ¿Qué diferencias has encontrado a la hora de enfrentarte a proyectos de marcas tan distintas en su filosofía? ¿Hasta qué punto la publicidad es permeable a tu visión personal?

Depende un poco del caso. De si el encargo tiene un enfoque artístico o no . Algunas veces, te tienes que adaptar, eres más un ejecutor. Otras, la marca directamente te contacta porque le gusta lo que haces y precisamente por eso te da mucha libertad. Así que depende un poco de cómo el cliente te vea, si como a un ejecutor o un artista.

 

 

 

-Ya para ir acabando, en otro orden de cosas y desde Cubbish junto a O. Peig, Álvaro Peñalta os habéis encargado de los Main Titles de FIU un festival que reúne a jóvenes talentos creativos. Por no citar tu obra "Culto al baile" para la Sala Apolo, y tu artwork y diseño del ultimo álbum de Betty Belle, “Black To The Future”... Y es que parece que nada se te resiste, ¿en qué disciplina te sientes más a gusto?

Es difícil de decir, porque creo que lo bonito surge cuando se generan esas mezclas entre campos artísticos que, por alguna razón, siempre se ha tendido a separar y clasificar. Me gusta aprender de todo lo que me llama la atención.
Creo que esto te permite elegir, con menos prejuicios, cuál es la vía, la forma, el soporte, la técnica etc. más adecuada para cada proyecto.

 

 

 

-Antes de finalizar, quería mencionar tu relación con "O Estudio Creativo", ¿cómo llegas a esta plataforma, cual es tu relación con Luis Cerveró y resto de los miembros del estudio?
Cuando se formó O, yo conocía ya a Luis por “Espada” y también a otra de sus fundadoras, Emi Fort. Ellos, junto con Rafa Montilla, me propusieron formar parte del roster de artistas.
Un día cualquiera en las oficinas-estudio de O es un entrar y salir constante de fotógrafos, realizadores, directores creativos, productores…es la sede de operaciones de muchos proyectos a la vez. Es muy enriquecedor ese contacto constante entre los distintos creativos, se generan siempre colaboraciones. El espíritu de O es fomentar precisamente esa multidisciplinariedad por la que me preguntabas antes.

 

 

-Ah, y una última curiosidad ¿por qué "Sepe" como nombre artístico?

No sé cuando ni de dónde salió, era muy pequeño. En todo caso, se ha propagado hasta hoy y ya no lo he podido evitar. Va conmigo. Es muy útil en mi familia, siendo 3 generaciones de Joseps.

 

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Sarmient Peppers   13.feb.2018 15:18    

Joan Galo: cabaret postmoderno

    martes 30.ene.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Joan Galo se estrena en el formato videoclip con "Itaca Tropical", una brillante pieza para Noia, la artista de Barcelona afincada en Brooklyn. Joan trabaja desde lo orgánico y el inconsciente y nos propone un imaginario onirico en el que se inspira en varios codigos estéticos: teatral, movimiento camp, lenguaje televisivo, etc... El realizador reflexiona sobre las diferencias que encuentra cuando se enfrenta a un proyecto publicitario, cinematográfico, o de video musical.

 "Me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine" nos cuenta... y otras cuestiones  muy interesantes que podéis descubrir en esta charla.

 

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- Joan, Itaca Tropical es tu primer videoclip para Noia, la artista afincada en Brooklyn. ¿Cómo surge este proyecto de colaboración?

Conocí a Gisela en Barcelona por una amiga en común. Luego mantuvimos el contacto y empecé a seguir lo que hacía. Cuando sacó su EP le lancé la propuesta con el tema que más me había gustado: Ítaca tropical. Empezamos a compartir ideas y nos dimos cuenta que teníamos referentes muy parecidos a nivel visual, así que acabó siendo una colaboración muy órganica y fácil.

 

 

- La pieza es elegante a la par que enigmática e inquietante. Nos vienen ecos de David Lynch, Almodóvar, pero también de Bob Fosse, o el propio Michel Gondry en cuanto a la fragmentación del espacio. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración conscientes o inconscientes?

Todas las imágenes surgen de un modo inconsciente. En este proyecto en cuestión sólo había un par de referentes concretos; Showgirls de Verhoeven en la dirección de arte y Almodóvar en una imagen en particular; la de la luz que parpadea en el escenario cuando NOIA actúa, que es un guiño visual a un plano de Mujeres al borde de un ataque de nervios. El resto de referentes que me comentas son siempre fuentes de inspiración, pero realmente no los tuve presentes durante el proceso de creación del video, al menos de un modo consciente.

 

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- Es una pieza muy evocadora que amplifica la letra de la canción ¿cómo definirías la propuesta estética y narrativa de este video musical?

La letra habla sobre los sueños y el paso del tiempo. Quería que la pieza tuviera un punto atemporal, con cierto decalage y que mezclara distintos códigos estéticos; al principio, por ejemplo, hay una estética muy teatral, propia del cine de los 60, pero vemos a un actor con un móvil haciéndose selfies. Hay también cierta sensibilidad camp en la exageración e inspiración en el lenguaje televisivo, en el modo en que se grababan las actuaciones musicales en televisión, con esos encadenados de montaje típicos de los años 80 y 90. El global podría quizá definirse como una estética de cabaret actualizado; con más color y más pop, pero honestamente me cuesta ubicar la pieza en una estética concreta.

- Tu eres también actor, en el videoclip se aprecia una dirección de actores muy cuidada. ¿Cómo fue el casting y cuáles han sido las consignas interpretativas para los actores/actrices?

Para el papel de los dos jóvenes vedettes que interactúan al principio me imaginaba dos rostros con un punto comercial y americano. Obviamente tenían que ser actores y debían tener perfiles versátiles a los que les quedara bien cualquier disfraz que les pusiera.

-Desde Garaje Films también eres realizador de publicidad y cortometrajes (Radiografía de una mujer joven). ¿Cómo te planteas estos formatos?¿Muy diferente el proceso a como te enfrentas al videoclip?

No tiene nada que ver. La publicidad tiene un ritmo rapidísimo y requiere de un trabajo inmediato en todos los sentidos. En el caso del cine o del videoclip, especialmente en el primero, depende principalmente del factor económico y por lo tanto el proceso de producción puede alargarse durante meses o años. Esto afecta también al proceso creativo, convirtiendo el guión en un “cuadro” que puedes pintar cada día, a medida que creces y cambias. Pero en todo caso, la publicidad es un campo en el que, como realizador, debes luchar para aportar y conservar tu voz y estilo, mientras que en el mundo del cine y el videoclip siempre he tenido libertad y he hecho exactamente lo que he querido hacer, más allá de las limitaciones económicas.

 

 

- Ya por último, no sé si sigues el panorama nacional o internacional, ¿tienes algunos referentes dentro del universo del video musical? ¿Algún proyecto de videoclip que te plantees actualmente?

Sí, sigo el panorama internacional y nacional, y es increíble la de talento que hay. Aunque hay muchos videos musicales que me gustan y a los que vuelvo constantemente, no tengo ningún referente concreto del mundo videoclip. Cuando me encuentro en el proceso creativo de un video me doy cuenta que pienso en imágenes que vienen casi exclusivamente del cine. A día de hoy no tengo ningún proyecto de videoclip en el horizonte y espero que venga alguno muy pronto.

 

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Sarmient Peppers   30.ene.2018 14:29    

Daniel Moreno: tocar el alma

    martes 16.ene.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Nos acercamos a la obra audiovisual de Daniel G. Moreno (realizador, músico, arquitecto...) un artista pluridisciplinar que se aproxima a los proyectos sobre todo a través de la técnica de la animación, una disciplina que le otorga capacidad de expresión y libertad creativa.

Nos detenemos sobre todo en su videoclip "Magnolia" para Rufus T. Firefly, sin duda una de las sorpresas de este recién acabado 2017. En esta pieza, Daniel propone un fascinante viaje psicodélico que se ajusta como un guante al espíritu de la canción.

Además, hablamos con Daniel de otras creaciones como su proyecto personal Atoms en el que imagen y música se retroalimentan, o su primer videoclip en 3D "I'm falling"  para su banda The Go! Brothers, un despliegue técnico y creativo. 

Daniel G. Moreno concibe el formato videoclip desde una perspectiva narrativa cercana al mundo del cortometraje. Al final de lo que se trata es de "tocar el alma" del espectador. Para el realizador, "la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional".

  DANIEL MORENO

 

Hemos llegado a tí a través de un videclip de animación para Rufus T. Firefly "Magnolia", en el que das rienda suelta a la imaginación en una especie de viaje psicodélico, que ilustra a la perfección la canción y haciendo guiños a la estética de George Dunning, entre otros autores. ¿Cómo surge este proyecto para la banda de Aranjuez?

Fue una situación curiosa porque yo no conocía al grupo antes hacer el videoclip. Rufus estaba buscando a un realizador para hacer una animación con aires psicodélicos y publicaron en facebook con el objetivo de encontrarlo. Un amigo en común, Xavi Lopez (también conocido como Xavito DeVito) me etiquetó en la publicación. Busqué información sobre el grupo y tengo que decir que en cuanto me puse a escuchar su música, me pareció increíble y me cautivó de inmediato. Me invadió una sensación muy fuerte de que me debía involucrar en el proyecto. Diría que varios realizadores respondieron a la llamada del grupo pero finalmente contaron conmigo para hacer el videoclip. Fui muy efusivo sobre mi convicción de que era la persona adecuada para trabajar con ellos y puede que el hecho de que yo también soy músico influyera en este sentido para convencerlos. Aunque que esa es una teoría que sólo podrían confirmar ellos.

 

 

-Es una canción larga y recurres a técnicas variadas: animación, imagen real con tratamiento de color, etc... Diría que un look POP envuelve el videoclip pero cuéntanos:

¿Cual ha sido tu idea a la hora de trasladar la música a imágenes y en qué tecnología te has apoyado?

Lo primero que tengo que contar es que el grupo me dio libertad creativa total. Me mostraron varias referencias que les gustaban, sobretodo animaciones setenteras muy psicodélicas, y me dijeron "haz lo que quieras". Ese es un lujo con el que no se puede contar muy a menudo y tengo que agradecérselo enormemente, ya que hizo que me involucrara aún más, tomándomelo como un proyecto personal. Mi enfoque desde el principio fue hacer del videoclip un cortometraje, en el que no había diálogo, pero sí una banda sonora increíble. Para mí era importante contar una historia, aunque fuese sencilla, aparte de mostrar las imágenes psicodélicas. Contemplé varios enfoques hasta que di con la clave para crear ese mundo psicodélico que transmite la canción, y fue jugar con la escala de los objetos a la hora de crear los diferentes escenarios. Esto quiere decir que el videoclip está plagado de objetos cotidianos pero aumentados a un tamaño mucho mayor del natural para convertirlos en el paisaje de la historia. Eso me ayudó a dar la sensación de estar en un viaje raro y psicodélico, aumentado y un poco surreal.

La gran mayoría del videoclip es 3D, pero con un acabado al estilo de dibujo animado. La parte técnicamente más complicada fue la de integrar a los miembros del grupo dentro de ese mundo de dibujo. Para resolver esto les pedí que grabaran varios planos y rotoscopié sobre el video original, y en otros casos traté la imagen para darle el look que necesitaba. También la mezcla de técnicas responde a una obsesión personal por conseguir atrapar al espectador de tal manera que no pueda despegar los ojos del video, y ofrecer diferentes texturas en ese sentido me parecíó una buena manera de conseguirlo.

Para acabar usé alguna de las imágenes que se desprenden de la propia letra de la canción e investigando sobre Rufus di con otras referencias que eran importantes para ellos y su universo como los Beatles, Led Zeppelin, David Bowie, vinilos, cinta analógica y la furgoneta como guiños setenteros... cogí todos estos elementos y los agité bien fuerte. Lo que puedes ver en el videoclip es el resultado de esta mezcla de sensaciones.

 

 

-También nos llama la atención tus creaciones visuales en las que pones en relación música e imagen animada en 3D. Es el caso de ATOMS. Cuéntanos en qué consiste este proyecto de experimentación.

Atoms vino justo tras acabar el videoclip para Rufus, y después de meses de trabajar en ese proyecto me apetecía hacer algo diferente, incluso oscuro en contraposición a esa explosión de color y psicodelia que es Magnolia. A esto se le suma el hecho de que llevaba tiempo sin componer música y quería crear algo muy entrelazado con la imagen, una especie de banda sonora. Así que salió este experimento en el que creé las imágenes y la música a la vez y una cosa retroalimentaba a la otra. Tenía una idea general de crear atmósferas y fragmentar elementos con la que trabajaba un día en la parte de imagen, al día siguiente en la música, y cada una de las partes iba modificando la otra en términos de tempo y estructura. La nueva música me hacía cambiar las imágenes y viceversa. Fue estimulante crear de esta manera y me obligó a avanzar de en un sentido diferente al habitual para mí. De vez en cuando hago proyectos así simplemente por la curiosidad de ver hasta dónde llegan y por ver cómo reacciona la gente al verlos y escucharlos... quizás sea la semilla para otro futuro proyecto, lo tengo ahí y es posible que lo recupere más adelante. Puede que esa magnolia termine germinando, o puede que no.

 

 

-Tampoco queríamos dejar pasar por alto otros proyectos, como el primer videoclip que hiciste para The Go! Brother, tu propia banda, en la que procedes a una "deconstrucción digital" a través de la animación 3D. Un trabajo que combina la técnica depurada sin renunciar a la emoción de las máquinas. ¿Qué particularidades tiene este video musical? Imagino que tiene algo de especial al estar hecho para tu grupo.

Sí, fue una época especial ya que formamos el grupo con mi hermano Alex y componíamos los temas juntos. Él estaba en la guitarra y yo en la voz y esa química musical ha funcionado siempre muy bien entre nosotros. En cuanto al tema "I'm falling" del que hice el videoclip, grabamos varios temas en estudio y este es el que nos pareció mejor para promocionar el grupo. Intenté transmitir la idea bastante sencilla de la historia de amor de la que habla la canción y a la hora de plasmarlo, como la voz era toda en falsete, pensé que sería divertido hacerlo con los personajes como de juguete. Quería que el punto álgido de la animación estuviese en el estribillo, e hice explícita la letra del tema con la caída literal de los personajes. Este videoclip tiene ya cuatro o cinco años y me suele pasar que con el paso del tiempo veo los proyectos un poco viejos y mejorables. Pero en su momento quedé contento con el resultado.

 

 

- Ya para acabar, quería destacar otras creaciones de visuales para otras disciplinas: teatro (Henry), arquitectura (recreación MACBA), motion graphics para tv y cortos... Entiendo que tienes una formación muy multidisciplinar, no en vano eres arquitecto, músico, realizador... ¿Hacia donde van tus inquietudes y siguientes proyectos?¿cómo encaja tu visión del videoclip como formato en el contexto de la creación audiovisual?

Siempre tengo varios proyectos entre manos y ahora mismo estoy adaptando un cómic a cortometraje de animación y también creando la banda sonora. No puedo profundizar mucho sobre el tema ya que aún está en una fase inicial, pero es un proyecto con el que estoy muy motivado y creo que puede llegar lejos. Me gustaría trabajar en más videoclips ya que es un tema que me apasiona y estoy en conversaciones con algún grupo para ponernos manos a la obra.

El formato del videoclip me fascina en parte por ser también músico y unir de una manera tan especial imagen y música. Me parece de lo más interesante dentro de la creación audiovisual en general, ya que normalmente es un espacio con una mayor libertad creativa frente a otras disciplinas en las que también trabajo como la publicidad o el cine. Al ser un formato pequeño puede convertirse en un laboratorio de ideas para crear historias, que al final, para mí, es de lo que se trata. Me alucina lo que directores como Michel Gondry o Spike Jonze han hecho con sus videoclips en los que una idea brillante y unos medios mínimos, dan un resultado espectacular.

 

 

Ya que me preguntas sobre mi formación en varios campos, tengo una teoría que diría que se puede extrapolar a cualquier disciplina creativa, y es que la obra de arte tiene que funcionar bien a dos niveles, uno es el nivel técnico, y el segundo y más importante el nivel emocional. Por ejemplo, si observas un cuadro de cerca, podrás admirar la precisión o destreza del pintor en el trazo, pero a medida que te alejas el detalle de la técnica pierde importancia frente al significado del cuadro, a la sensación global que te transmite. La parte técnica tiene que estar bien resuelta, pero es más superflua ya que con el paso del tiempo las técnicas cambian, se perfeccionan y mejoran. Pero la parte emocional, el sentido de la obra o la idea que el artista quiere transmitir en cambio permanecen a lo largo del tiempo, porque llegan hasta una parte más profunda del observador. Los grandes artistas son capaces de crear obras en las que hay una idea muy potente que predomina sobre todo lo demás. Una emoción o una historia es lo que realmente nos llega y con un poco de suerte, nos hace ver el mundo de una manera distinta a cómo lo hemos visto hasta entonces. Ése es el motivo por el que hay ciertas obras que nos llegan, las hacemos nuestras y las recordamos con el paso del tiempo. Ese es mi objetivo cada vez que creo algo; tocar el alma del que está observando.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   16.ene.2018 08:14    

Gabe Ibáñez: al servicio de la música

    martes 2.ene.2018    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Gabe Ibáñez es uno de los realizadores más interesantes del audiovisual español que, aunque no se ha prodigado en el género videoclip, tiene una visión muy audaz del formato. Recientemente ha firmado "Foto Aérea" para Ibon Errazkin, un prodigio de sutileza y creatividad visual al servicio de la música. Atrás (han pasado diez años) queda aquella obra maestra que fue "Canción de todo va mal" para Le Mans y que se incluyó en Eclectia (libro-dvd sobre video musical español coordinado por Luis Cerveró) como uno de los trabajos más brillantes del género en España.  Entre clip y clip, Gabe ha dirigido un corto (Máquina), dos largometrajes (Hierro y Autómata, también prepara nuevos proyectos cinematográficos), ha realizado publicidad, además de ser uno de los gurús de la postproducción en nuestro país desde la plataforma USER T38.

Pero mejor nos cuenta Gabe, que sorprende por su lucidez y su crítica constructiva acerca del audiovisual y de cómo éste se ha transformado con la llegada de youtube y las redes sociales. 


 

-Gabe, no eres un director especialmente prolífico en la realización de videoclips. Lejos queda aquella magnífica pieza "Canción de todo va mal" para Le Mans, una obra de orfebrería que se incluyó en el recopilatorio Eclectia. Posteriormente  vídeos musicales para Single (Pío pío) y recientemente para Ibon Errazkin (Foto Aérea). ¿Cuál es a dia de hoy tu visión del formato y por qué estas apariciones tan esporádicas?

Pues la verdad es que como realizador, me parece un mundo formalmente bastante complicado al que además rara vez tengo la oportunidad de acceder.

También es verdad que la mayoría de la música que me gusta  y que escucho no es actual y es previa a la industria del videoclip,  lo cual no ayuda mucho a estar al tanto de lo que sucede en ese formato. En general, creo que para mi oír música es más una experiencia sonora que de cualquier otro tipo.

 

 

- En estos últimos años has trabajado como director de cine y realizador publicitario  ¿cómo crees que ha evolucionado el vídeo musical con la llegada de youtube, facebook y las redes sociales?

 

Tengo la impresión, y esto no es algo que afecte solo al videoclip, de que la forma en la que se utilizan  las redes sociales ha disminuido la capacidad de concentración de las personas, y de manera un poco sorprendente, ha tendido a restringir la disposición para conocer cosas nuevas o exponerte a opiniones estéticas diferentes. Creo que en general esas redes tienden a rodearte de lo que ya te gusta, de lo que conoces y de lo que te interesa, haciendo de tu gusto algo más homogéneo y menos permeable.

Además, el tiempo que dedicas como espectador a cada mensaje es cada vez menor...las piezas audiovisuales de cualquier tipo tienen pocos segundos para captar la atención de la audiencia por lo que han de ser más evidentes y contundentes, perdiendo terreno lo sutil y lo complicado, que suele exigir mas tiempo de exposición.

Por otro lado mucha gente utiliza youtube para oír música, por lo que supongo que en estos momentos se reproducen más videoclips que en ningún otro momento de la historia; lo cual no quiere decir en mi opinión que la gente realmente preste atención a esos videoclips.

Sin embargo, a otro nivel, ese mundo abre una posibilidad que creo que antes no existía de acceder a gente que hace cosas pequeñas, extravagantes o fuera de lo  convencional. Así que creo que es un mundo que facilita lo obvio y que perjudica lo complejo, pero que al mismo tiempo permite de manera minoritaria la existencia y el acceso a contenidos más raros.

 

 

-Hablando más específicamente del videoclip "Foto Aérea", ¿cómo surge el proyecto, entiendo que guardas una relación muy especial con Ibon Errazkin?

 

Pues la verdad es que solo he hecho videoclips para Ibon Errazkin, ya sea en solitario, con Teresa Iturrioz en Single o con el resto del grupo en Le Mans. Ibon hizo la música de un cortometraje que yo rodé llamado Máquina y participó en la banda sonora de mi segunda película, Autómata. El hecho de conocer a alguien y de haber trabajado con él, hace que para mi sea mucho más fácil hacerle un vieoclip.

El proyecto del video surgió un día que Ibon nos puso Foto Aérea a mi y a unos amigos. Nos gustó mucho y entusiasmados hablamos de la posibilidad de hacer un videoclip. La verdad es que lo que pensaba hacer en ese primer momento no tuvo nada que ver con lo que finalmente hicimos, pero bueno, así son estas cosas.

Después de pensarlo un poco le planteé una idea a Ibon y a Luis de Elefant; les pareció bien. Así que empezamos a prepararlo. Juntamos un pequeño equipo y lo rodamos. La verdad es que es estupendo trabajar con tanta libertad.

 

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- Desde el punto de vista estético, es un vídeo conceptual con una visión sinestésica de la música. Utilizas la repetición como figura retórica con elementos muy sencillos, en una pieza eminentemente instrumental. ¿Qué has querido transmitir y por qué esa visión naif tan contemplativa próxima al surrealismo? 

Como he dicho antes, me gustó mucho la pieza de Ibon la primera vez que me la escuché. Me pareció muy evocadora. Pero cuando empecé a darle vueltas a como hacer un videoclip con esa canción, me di cuenta de que se trataba de un tema muy sutil y muy "sencillo" y que si hacíamos una narración convencional, una ficción, corríamos el riesgo de que la imagen se convirtiera en el centro de la experiencia y que en el espectador se diluyera un poco la sensación musical.

Entonces empezamos a buscar la forma de hacer una pieza que estuviera al servicio de la música, que ayudara a pensar en la música y que no te sacara en ninguna dirección narrativa, que no contara nada de nada, que simplemente “encajara” visualmente con lo que estaba ocurriendo en la canción. Una serie de situaciones tan cotidianas, anodinas e inconexas que hicieran muy difícil al espectador hilar una historia, hilar una narración...y la idea era que esa ausencia de narración y de trama, te llevara a la música.

 

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Por otro lado, y a nivel visual, queríamos hacer algo que nada tuviera que ver con el estilo de la canción, algo que no se acercara a las imágenes que sugería la música a priori (en mi caso, verano, mar, viaje...). De esta manera, alejándome de las sensaciones que a mi me provocaba, intentaba dejar al espectador más oportunidades de sentir el mismo la música, e interpretarla de una manera propia. Me pareció que al plantear unas imágenes tan inocuas y lejanas al tono de la música, dejábamos al espectador mas posibilidades de un disfrute personal del tema de Ibon, generando cada uno sus propias imágenes y sensaciones.

Contestando a tu pregunta Oscar, la verdad es que no he querido transmitir nada concreto, si no más bien crear unas imágenes que te llevaran a la música y te ayudaran a disfrutar de ella evidenciando de una manera visual cómo estaba construido el tema, la estructura de la canción. En cierta medida, es una repetición del video clip de Canción de todo va mal, pero en un mundo fotográfico.

 

 

-¿Alguna fuente de inspiración especial? en los fotogramas de la pieza se respira aire de Bresson, Tati ... clásico y moderno a la vez. 

Si, esos son referentes posibles...en mi caso más Bresson que es muy sobrio y preciso. A nivel visual, Luis Guijarro, el director de fotografía y Adriana Solé la colorista, manejaban como referencia algunos fotogramas de películas de Aki Kaurismäki.

En cualquier caso, la referencia principal para el videoclip es sin duda la fotografía de los manuales de instrucciones, los catálogos técnicos, los videos demostrativos; formatos que tratan de ser muy claros, de mostrar como algo funciona de una manera aséptica y sencilla pero que siempre me han parecido muy elegantes y meritorios. Como una simplificación esencial y precisa del lenguaje visual.

También hablamos antes del rodaje de  Lo infraordinario de Georges Perec que a nivel conceptual era una referencia muy buena porque hablaba de lo esencial que es aquello que parece trivial.

 

 

- Ya para acabar, Gabe, ¿nos puedes desvelar algún nuevo proyecto cinematográfico o de tv después de Hierro y Autómata, o tú participación como director en El Ministerio del tiempo?

Pues ando preparando dos proyectos de ciencia ficción. Escribiendo los guiones y desarrollándolos  visualmente. Dos proyectos muy interesantes. A ver que pasa...

 

 

- Por cierto, este año Abycine ha dedicado una retrospectiva a algunos de vuestros trabajos en User T38.  Diseño de carteles, Vfx, postproducción para publicidad, cine... Fuisteis pioneros y seguis a la vanguardia. Después de estos años de trayectoria, ¿cuál crees que es la salud del audiovisual español?

Yo diría que muy precaria. Lo cual es más una descripción de la vida de mucha gente que se dedica a ello, que de los resultados, que independientemente de la precariedad, a veces pueden ser brillantes.

Es una época rara para el cine que se proyecta en salas; parece que es difícil salirse de unos estándares muy rígidos marcados por la industria y los espectadores. Sin embargo, las series se están convirtiendo en un formato donde si se encuentras la variedad de propuestas que al menos yo, echo en falta en los cines.

Como siempre, y desde el punto de vista del trabajo creativo que hacemos en User T38 (desarrollo visual, pospo y diseño gráfico) te encuentras con proyectos y gente muy interesante a la que se le ha ocurrido una buena y idea y que tiene muchas ganas de que quede muy bien. Y eso es estupendo.

  

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    2.ene.2018 14:38    

Aitor Oñederra: libertad de movimiento

    martes 12.dic.2017    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Nos gusta en "A rienda suelta" adentrarnos de cuando en cuando en el apasionante mundo de la animación.

En esta ocasión nos detenemos en el singular universo del creador Aitor Oñederra, un artista pluridisciplinar (cineasta, guionista, diseñador...) que se aproxima al formato videoclip con enorme curiosidad y talento. 

Aquí le descubrimos en una pieza de animación para la banda libanesa Loopstache pero también aprovechamos el momento para adentrarnos en otras facetas, como su trabajo como cineasta al frente del excepcional cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics", o su labor como artífice del Festival de cine de animación Animadeba, que por cierto se celebra del 26 al 29 de diciembre.

Pero mejor, pasen y vean, Aitor no os decepcionará!

 

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 Fotografía: Teresa Arilla

Eres guionista, cineasta, animador... Hemos llegado hasta tí por un magnífico videoclip que has realizado para Loopstache, un grupo de electro indie de Beirut.

- ¿Cómo nace este proyecto, para una banda del Líbano?

El grupo Loopstache se puso en contacto conmigo después de ver mi cortometraje "I Said I Would Never Talk About Politics" en el festival de Cine Cabriolet de Beirut. Me enviaron un mail entusiasmados con el cortometraje. Después de una semana volvieron a escribirme y esta vez con la propuesta de hacer un videoclip para su nuevo tema "All I Need Is You".

 



- Me ha parecido escucharte que es un video musical para el que has invertido 8 meses de trabajo. ¿Cuál ha sido tu propuesta estética y con qué herramientas has trabajado a nivel de software?

Sí, fueron 8 meses de creación. Tiene el mismo tratamiento que un cortometraje, no se utilizan repeticiones como en muchos videoclips de animación, por eso me ha llevado tanto tiempo creando diferentes escenas.

A la hora de hacer un videoclip, mi propuesta estética siempre es acercarse a la del grupo. He utilizado una paleta de colores que se aproxima al tono de su logotipo. Tengo mucha influencia del cine Neo Noir y seguramente se note. En cuanto a  los planos, la canción me parece que transmite sensualidad y para potenciarlo he utilizado el travelling y las panorámicas al ritmo de la música.

 
Principalmente, utilizo un software para tratar imágenes y otro software de composición para hacer el montaje de los fotogramas dibujados.


- No es ésta ni mucho menos la única incursión que has hecho en el videoclip, por ejemplo también realizaste hace un par de años "Izarren bila"  del grupo EH Sukarra. ¿Qué significa para tí el género del videoclip y la relación entre imagen y música?

Escucho mucha música, me gusta la cultura de la música popular comercial, videos musicales etc. En general, se utiliza mucha mas creatividad en los videos musicales que en un largometraje, el director es mucho mas libre a la hora de plantear el guión e innovar con nuevas técnicas. También pasa algo parecido con los cortometrajes. 

 

 



- Tu trayectoria está muy ligada al mundo de la animación, de hecho eres uno de los artífices de Animadeba, un Festival especializado en el género y que intenta mostrar los trabajos más significativos. ¿Cual es el espíritu de este certamen?

Animadeba es un festival de cine de animación que creamos hace 10 años para impulsar el cine animado para adultos ( sobre todo ). También hemos querido proyectar películas que el público generalista no está acostumbrado a ver, largometrajes y cortometrajes realizados con técnicas de animación que no son tan habituales en la cartelera de los cines. Educar y estimular a través del cine independiente animado es una de las razones principales de nuestro festival.

 



- Ya por último destacar tu faceta de cineasta con un trabajo tan destacado como I said I would never talk About Politics, un auténtico trallazo a lo políticamente correcto. Creo que, además estás preparando un largometraje donde intentas aunar ficción real y animación. ¿Puedes adelantarnos algo de este proyecto?

El cortometraje I Said I Would Never Talk About Politics  me ha abierto puertas para crear futuros proyectos en formato cine.

Indudablemente mi carrera artística va ligado al cine de animación, pero en este largometraje se van a mezclar imagen real y animación. Antes llegará el cortometraje que estamos preparando pero no puedo dar detalles todavía.

 

 


- Salvando las distancias pero cuando veo tus trabajos me recuerdan a cineastas como Ari Folman en Vals con Bashir... ¿Cuáles son tus referentes a nivel creativo?

Admiro Ari Folman por sus películas pero no ha sido mi mayor influencia. Como te decía antes, soy un gran seguidor de videos musicales, de directores que empezaron su trayectoria creando videoclips, instalaciones artísticas y de vez en cuando hacen alguna pieza para cine: Spike Jonze, Michel Gondry, Chris Cunningham, David Fincher... Por nombrar algunos. 

 Estos últimos años he tenido la ocasión de ir a muchos festivales de cine.

Precisamente os dejamos con "Beti bezperako koplak" (Coplas de una noche sin mañana) que ha sido preseleccionado para los Goya 2018.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   12.dic.2017 23:50    

Buñuel y Lagartija Nick: una provocación artística

    martes 21.nov.2017    por Sarmient Peppers    0 Comentarios

Este año el Laboratorio de Creación de Abycine   ha surgido de la alquimia entre las incandescentes imágenes de Luis Buñuel y la música instintiva de Lagartija Nick.

Una propuesta que, un año más, ha armonizado con acertado pulso narrativo el realizador José Manuel Borrajeros.

 

Fragmento Laboratorio Creación Abycine 2017 (Lagartija Nick/Luis Buñuel/Jose Manuel Borrajeros)

 

Un maridaje extraordinario que ha conectado y retroalimentando universos creativos y que se presentó en el último Abycine 2017 y que ójala tenga un recorrido por otras salas de nuestro país (por lo pronto Antonio Arias tiene intención de grabar en estudio las canciones paridas para el Laboratorio).

Esta presentación además, coincide con el estreno del último disco de los granadinos: Crimen, sabotaje y creación, un trallazo a la mente y al corazón que nos conecta con los mejores Lagartija Nick, "seres cálidos" en permanente evolución.

 

Así pues, todos estáis invitados a esta entrevista en la que Antonio Arias (AA) y Jose Manuel Borrajeros (JM) nos acercan al proceso creativo de este fascinante proyecto que es el Laboratorio de Creación de Abycine 2017.

 

Buñuel + Lagartija Nick 02

 

-Antonio, ¿Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

AA: Fue una propuesta del festival Abycine. Me encantó la idea, tratar la figura de Buñuel me dio la oportunidad de profundizar en esa maravillosa generación del 27. Jose Manuel Borrajeros hizo unas ediciones de las películas y sobre ese montaje estuvimos trabajando.

- En cuanto a la relación con Lagartija Nick, ¿cómo surge la colaboración, ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

JM: Se produjo un salto telepático en un momento determinado y pensé: Lagartija Nick y Buñuel son una buena conjunción, me puse en contacto con Antonio y se lo propuse, cuando me dijo que sí empecé a trabajar por bloques en el montaje, y finalmente construimos nuestra propia visión del espectáculo cada cual aportando sus ideas, con tiempo y codo con codo, amplificando la obra. Trabajar con Lagartija Nick ha sido alucinante, es un grupo de gente admirable como personas y como artistas.

 

Resultado de imagen de LAGARTIJA NICK

 

- Esta vez habéis elegido el universo de Buñuel como material para el Laboratorio de Creación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor aragonés, imagino que ha sido una enorme complicación elegir entre su amplísima obra?

JM: Desde el Laboratorio de Creación-Abycine nunca habíamos abordado la filmografía de un director español. El universo de Buñuel es muy interesante por diferentes razones, por un lado hay muchos aspectos de su cine que lo sitúan en la modernidad más absoluta, diría que su cine es difícilmente superable por muchos directores actuales, o en caso de querer acercarse a sus constantes, éstas no dejan de estribar en eso que ha venido a llamarse Buñuelesco, es decir, una especie de calificativo de lo que él ya inventó.

 

Buñuel + Lagartija Nick 01

 

Por otro lado, hay una parte de su filmografía más social que me llamaba mucho la atención, situada en terrenos fuera de lo estrictamente surrealista, temas recogidos en cintas como LAS HURDES, LOS OLVIDADOS o NAZARÍN, que configuran una mirada muy instintiva sobre la pobreza y la supervivencia, y finalmente sobre la perversidad. Yo tenía catorce años cuando vi por primera vez LOS OLVIDADOS y SIMÓN DEL DESIERTO en un programa doble de TVE, recuerdo que lo que vi me dejó impactado y que discutí mucho con un amigo cinéfilo que afirmaba que la etapa mexicana de Buñuel era muy pobre cinematográficamente, supongo que lo decía porque el look visual de la época mexicana no tenía el aspecto tan cool de su etapa francesa, lo cual le llevaba a pensar que era un cine de peor calidad. Mi amigo no tenía ni idea de lo que estaba viendo, él veía un cine pobre, yo veía un cine rico. A mi aquello me cabreaba sobremanera, así que ahora me he tomado mi revancha privada. Las películas hispano-mexicanas de Buñuel son construcciones de infiernos terrenales que nos hacen ver que el surrealismo no es sólo algo propio de los sueños, elegí esta época de la filmografía de Buñuel para el montaje porque de alguna manera representa un mundo cercano al nuestro, España y Latinoamérica, que en muchos aspectos no ha cambiado prácticamente nada.

 

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-Sois una banda en el que el subconsciente juega un papel importante, algo en común con el mundo de Buñuel ¿cúal ha sido vuestra actitud a la hora de acercaros al universo del cineasta?

AA: Lo primero que hice fue buscar poemas de Luís Buñuel en internet, encontré seis y ahí vi el camino. Sus poemas son bastante lorquianos, eróticos y surrealistas, toda una gozada. Cantando sus textos podíamos interactuar sobre las imágenes completando su significado onírico, y al mismo tiempo generando distintos diálogos sobre las mismas.

-¿Cuál es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual?

JM: Siempre que abordo este tipo de trabajos suelo construir un guión de montaje. Previamente reviso toda la filmografía del director en cuestión y busco los lugares comunes entre una película y otra, de esa manera salen a la luz las pulsiones del director, entonces crece un hilo argumental, afluentes que guían al espectador a través de las diferentes secuencias, en el caso de Buñuel propongo un recorrido del resto de sus películas a través del cortometraje documental LAS HURDES.

 

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-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de las imágenes a modo de BSO?

AA: Aparte de sus poemas, mi mujer me regaló un libro de Max Aub sobre Buñuel, muy recomendable. Está hecho en forma de entrevistas y contiene un dvd con todas ellas, así que teníamos testimonios de primera mano. Uno de los audios son los veinte sueños más repetidos de Buñuel, ahí estaba todo su universo freudiano, ahí estaban bastantes de sus referencias fílmicas, todo un hallazgo. Estos sueños fueron la base para tratar la última parte del montaje de las películas que era “Un perro andaluz”.

- De la filmografía de Buñuel, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto? Por lo que he leído te centraste en su obra desde Un perro andaluz hasta Viridiana.

JM: Como he comentado anteriormente me he centrado principalmente en la etapa hispano-mexicana de la filmografía de Buñuel, que es una etapa de un cine más telúrico y polvoriento que el que supone la etapa francesa, la cual es maravillosa pero ofrece otro clímax y otro examen de otra sociedad: la burguesa. El recorrido por las películas de la etapa mexicana se pegaba muy bien al universo de Lagartija Nick o al menos así lo intuí desde el principio, cuando pensé en Lagartija para poner música al montaje. Hay algo telepático en este tipo de trabajos.

 

-Me viene a la mente vuestra obra magna "Val del Omar" alrededor de la inmensa figura del creador granadino, en ese disco ponéis en práctica sus tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este caso con Buñuel, ¿habéis encontrado alguna concomitancia, ha influido aquella relectura que hicístéis allá por 1998?

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AA: Val del Omar es un creador de música concreta formidable y un inventor tanto de sonidos como de aparatos increíblemente imaginativos para llevarlos a cabo. Nada que ver con el odio que Buñuel le tenía a abusar de la música en sus películas. Sabía por sus entrevistas que era un apasionado del jazz de los años veinte, temas como “Limehouse Blues” o el “Foxtrot” eran muy de su gusto. Sobre esas dos canciones compuse la música de los poemas que cantamos.

- De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?

AA: Para la puesta en escena teníamos la limitación del formato de las películas, 4:3. No podíamos interferir con las imágenes así que nos situamos a los lados, arropándolas, algo sencillo, como una especie de banda de jazz, sentados. Creo que podría funcionar en el futuro tocar en un foso, como las orquestas.


- Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto? Por ejemplo, el año pasado Los Pilotos presentaron su opus sobre Miyazaki en la Cineteca del Matadero de Madrid...

AA: Ya es un proyecto en sí muy atractivo como para guardarlo en un cajón, nos lo pasamos muy bien componiéndolo y ensayándolo. Tenemos previsto grabarlo en el estudio en diciembre y presentarlo en un futuro por supuesto.

 

 Os dejamos, finalmente, con esta entrevista que se hizo Lagartija Nick desde Abycine, donde cuentan algunas de sus pulsiones creativas, unas horas antes de presentarlo en el Teatro Circo de Albacete.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Cine , Música

Sarmient Peppers   21.nov.2017 18:37    

Juego de espejos

    martes 7.nov.2017    por Sarmient Peppers    1 Comentarios

¿Cómo se come un videoclip de Julian Casablancas  junto a su banda The Voidz (‘Father Electricity’) íntegramente basado en las imágenes del documental "Lejos de los árboles" del cineasta Jacinto Esteva?

Pues la verdad que algo tan aparentemente distante casa muy bien, producto del talento de Jorge M. Fontana (dirección, producción y montaje) y de Martin Mur (dirección creativa, diseño y producción) que han sabido darle a la pieza una relectura que va más allá de lo estrictamente folclórico.

Hablamos de este fascinante proyecto con los artífices del mismo y os invitamos a visionar esta pieza demoledora en un crudo blanco y negro. 

 

 

-Lo primero de todo es saber cómo tú y Jorge diseñáis este proyecto audiovisual a partir de una canción de Julian Casablancas.

Jorge y yo seguimos los pasos de Casablancas desde hace algún tiempo. Más allá de su música, nos ha interesado el contenido gráfico-audiovisual que ha desplegado hasta ahora, que por su visión y su tono crítico, han sido una serie de decisiones que hemos admirado y respetado. En 2014, Jorge visita una retrospectiva de Jacinto Esteva Grewe y queda impregnado por su obra. Además coincide que por esas fechas, escucha el álbum de Tyranny día y noche en modo loop con una obsesión meticulosa. Una mañana se despierta con los retazos de un sueño que le mantienen en ascuas durante horas, en una lucha con la memoria tratando una y otra vez de volver a ese lugar confuso y descifrar lo que ha vivido durante esa noche. En ese proceso de regresión, consciente o inconsciente, ya no importa, las imágenes de ‘Lejos de los árboles’, y el sonido de The Voidz y Casablancas se funden en una misma voz, un desgarrador mensaje que parece provenir de un mismo lugar. Es sólo la imagen de un sueño, pero ya una asociación indivisible en su cabeza. Poco después, Jorge consigue el material del documental en internet y lo edita con la música, dando por fin forma a esa cantinela en su cabeza. Yo veo un mensaje suyo desde un ciber en Perú en el que adjunta un primer borrador del videoclip a una resolución nefasta, pero que es una maravilla. Una joya en bruto que parece que lleve años tratando de salir a la superficie.

 

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- Entiendo que no es un encargo sino que lo hacéis de motu propio y me gustaría que me contarás cómo llegáis al artista y cuál ha sido su reacción al ver el videoclip.

Si. Ha sido un proyecto surgido completamente de iniciativa personal. Cuando tuvimos terminada una primera versión del montaje escribimos a Cult Records con la pieza, al equipo parece que les gusta mucho y proponen que hagamos de él un Lyric Video. La propuesta la recibimos como una carta blanca y da el pistoletazo de salida para la producción. Nos embarcamos y el proceso de creación dura algunos meses antes de tener algo definitivo ya que le dedicamos el tiempo que podemos. Al terminar, sin embargo, volvemos a ponernos en contacto con Cult Records, llamamos a números de teléfono distintos, erróneos, y pasan algunas semanas hasta que por fin damos con Nasa Hadizadeh, responsable de proyectos. A ella le le encanta la pieza y es quien se encarga de mostrárselo a Casablancas. Tras el visionado de la nueva pieza por parte de Casablanca y su equipo, nos transmiten su entusiasmo e intención de publicarlo. Al mismo tiempo, Daria Esteva llega a un acuerdo junto con la Filmoteca de Barcelona y la distribuidora Cameo para publicar por primera vez la filmografía de su padre. Anunciando que ésta se realizará a lo largo del año 2017 y que la edición de “Lejos de los árboles” incluirá en exclusiva el videoclip: “Father Electricity”.

- Se trata de una pieza basada en el found footage a partir de un documental de Jacinto Esteva, ¿qué os llevo a seleccionar ese largometraje y cuál ha sido la labor de selección de imágenes de archivo?

No fue una selección premeditada. Fue un encuentro fortuito que se cruzó en nuestro camino. Acabo de ver recientemente la película “La cueva de los sueños olvidados” y fue algo así como descubrir una cueva de pinturas rupestres, legado de nuestra huella y nuestro paso, en este caso fotogramas de nuestra historia reciente durante algunos años extraviados. Volver a exponer esas imágenes a una nueva luz y acompañarlas de algún modo al presente fue como una misión que vino como una suerte de regalo. La labor de selección de imágenes vino dada por un pulso entre el ritmo, la música y las imágenes, hasta que todas las partes encontraron su lugar en su debido momento. En cuanto a éste proceso y el de todo el proyecto podríamos decir que en grandes rasgos perseguimos algo que ya era, que ya existía, hasta dar con ello y descubrirlo.
“Todo el mundo lo sabe: la libertad no existe (aunque todos tenemos la vaga esperanza de equivocarnos). Pero existen pequeñas libertades como, por ejemplo, escupir”. Jacinto Esteva Grewe

 

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-Supongo que en este caso habéis contado con la colaboración de la familia y herederos del cineasta para poder usar con libertad el metraje ¿En qué ha consistido esa colaboración con los propietarios de los derechos de la película? Creo que su hija Daría Esteva jugado un papel fundamental...


En efecto, Daria Esteva ha jugado un papel imprescindible y formó parte del proceso desde el principio. Jorge contactó con ella y ella le invitó a su productora (Unicamente Severo Films). Una vez ahí Jorge le explica su plan de realizar un videoclip basado en la película de su padre. Daria Esteva se queda unos segundos en silencio y pregunta si puede escuchar la canción. Jorge había traído 'Father Electricty' en un reproductor y le ofrece a Esteva un auricular y luego el otro, y a los 7 minutos y pico, terminada la reproducción, se los quita solemnemente y dice: “Me parece horrible... Pero precisamente por eso tengo curiosidad de ver qué es lo que tienes metido en la cabeza”. A pesar, creo, de cierta incertidumbre por su parte, e imagino que por el gesto de respeto hacia la obra de su padre, dio un voto de fe y aceptó la propuesta.
Semanas más tarde volvemos a encontrarnos con Daria Esteva para que vea la pieza re-editada y ensamblada con la música. Al terminar el visionado, en su temple particular y midiendo sus palabras justas dice: “La pesadilla se ha multiplicado”. Cómo si las imágenes tan reconocidas y cercanas para ella hubiesen cobrado, en este formato, un nuevo significado, amplificado, quizás más aterrador e inquietante. Para nosotros claramente fue un gran halago, quizás el mejor que podría habernos dado.
Esta semana entrante hay una presentación en la Filmoteca de Catalunya en la que presentan la obra de Jacinto editada en DVD, así que será un buen momento para clausurar el proyecto a modo de evento oficial.

 

 

-Entiendo que una de las dificultades ha sido seleccionar entre tanta imagen potente, cuál ha sido vuestro criterio y sobre todo qué ha sido primero la imagen o la música a la hora de armar el montaje?

 

Ha sido sobre todo un proceso visceral, instintivo. Nunca ha primado más la música o la imagen sino más bien una armonía que fluctúa entre ambos. Inmerso en un proceso de éste tipo, en la turbulencia de unas imágenes con tanta fuerza y bajo el peso de una canción como 'Father Electricity’, lo que hicimos fue tratar de respetar lo que cada uno retrata y paso a paso, fuimos hilvanando un discurso que diese el protagonismo a cada cosa en su momento preciso, tanto a la imagen como a la música, a veces conducidos por la narración de uno y a veces por la del otro. Nuestro trabajo ha sido de pura manipulación, tratando sobre todo de escuchar lo más atentamente posible el material que nos venía dado. Philip Glass dijo en una declaración que cuando compone no piensa en la estructura, ni en la armonía ni en el contrapunto, ni en nada de lo que aprendió, sino que piensa música. Algo similar sucede en el proceso de montaje, un ritmo interno guía la pauta y cuando eso no te ayuda utilizas otro juego de herramientas, quizás más objetivas, pero a fin de cuentas escuchar lo que te cuentan las imágenes o lo que te pide la música es creo lo más importante. Y así fue con el juego de espejos entre la música y la imagen, la realización de los lyrics, etc. Lo más maravilloso es que éste minucioso trabajo de diálogo y costura entre lo sonoro y lo visual a veces te brinda hallazgos y errores dónde el encuentro de ambos te revela nuevos significados, nuevos caminos no preconcebidos que pueden redefinir por completo la intención de las imágenes y en definitiva convierten éste proceso en una de las partes más sugerentes del proyecto.

 

 

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-El videoclip ha tardado prácticamente 2 años en ver de la luz y el disco de Casablancas está publicado también hace tiempo, porque tanto tiempo en estrenarse? Al igual que el documental de Jacinto que estuvo muchos años en el ostracismo parece que ha sido un parto doloroso…


Habían pasado meses del lanzamiento de Tyranny cuando parecía que el presunto videoclip oficial de Father Electricity no llegaría a formalizarse, y dada la situación, se dió el encuentro, surgió la idea y más tarde la propuesta, la proposición a Cult. Imagino que habrían tenido en mente hacer una pieza para esa canción con lo que recibieron nuestra propuesta con los brazos abiertos aunque ya hubiesen pasado algunos meses desde el lanzamiento del álbum. Ha sido sin duda un parto lento. Y también doloroso. Cuando Cult Records propuso a Jorge llevar a cabo el Lyric Video, Jorge me contactó para hacer frente a la nueva fase del proyecto y hacerme cargo de la concepción gráfica de la pieza, en búsqueda de una solución que dialogase tanto con el contexto histórico de las imágenes como hiciese referencia al universo de Voidz. A partir de allí nos zambullimos en un estudio de distintas técnicas artesanales gráficas para formalizar el universo visual de la pieza. Dedicamos días a experimentar con los caracteres y el valor expresivo concreto de cada una de las palabras de la canción. Hicimos pruebas animadas de rotoscopia, nos obsesionamos con el trazo vivo y alegre con el que Picasso delinea el elegante toro del documental de Clouzot, practicamos una caligrafía propia de un trazo analfabeto, desgarrado y psicótico. Proyectamos las letras retro-iluminadas sobre la imagen, dibujamos los caracteres con tubos dispensadores de chocolate para pasteles, arrojamos líquidos sobre papeles de arroz pintado y un largo etcétera. El estudio se llenó de papeles, pinturas, plásticos, jeringas y bisturíes, hasta que no cupieron ya más testimonios del ensayo y error. Incluso pensamos en hacer cada frase de la canción con una técnica distinta. Finalmente volvimos a nuestro cauce y dimos con una técnica que respondía tanto a las imágenes como a la música, conviviendo con ellas sin entorpecer su lectura. Fue un proceso delicado por la mera razón que intervenir sobre las imágenes tenía siempre el riesgo implícito de interrumpirlas o la posibilidad de eclipsarlas, hecho que queríamos evitar.

 

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Siendo algo reduccionistas esta narración audiovisual de “Father Electricity” podríamos entenderla a modo simbólico como el retrato del fin de una era, el fin de la era del fuego y el principio de la era tecnológica, el padre de la electricidad. Nuestra última solución gráfica, fue retratar estos últimos vestigios de fe y tradición utilizando el propio fuego, revelando las letras sobre la imagen con una llama parpadeante muy cerca de su último fin. Fue una idea que nos funcionaba muy bien tanto a nivel conceptual como a nivel estético y así lo aplicamos a todo el video, haciendo que las palabras apareciesen a la vez que ya empezaban a desaparecer. Una vez estuvo terminada la propuesta la entregamos y muy a nuestro pesar la propuesta fue declinada. El equipo finalmente redirigió la solución hacia unos subtítulos más discretos que reposasen en la parte inferior del cuadro. Tras el momento de duelo y asumir que nuestra interpretación quedaba relegada, daño colateral cuando pasa a ser un encargo, terminamos la propuesta cómo nos la habían pedido y la entregamos a Cult Records.
Luego vino además una última etapa, de ultimar detalles, con una expectación infinita y una comunicación imposible, que pospuso la entrega algunos meses más de los esperados. Parece que “Father Electricity”, como sucedió con el largo rodaje y las múltiples versiones de montaje de “Lejos de los Árboles”, no hubiese sido posible de otra forma, sin este forcejeo, sin estas desviaciones y deambulaciones a veces desesperantes, a veces reveladoras, tan propias del proceso de la gestación.

 

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Lo más fascinante del proyecto fue la primera etapa en la que nos dimos el tiempo y el espacio para experimentar con lo que nos sugirió el propio proceso de búsqueda hasta dar con la solución última y definitiva, a pesar de que ésta no haya terminado siendo elegida como definitiva. La podéis chequear si os interesa en el siguiente enlace, que a pesar de su estado primigenio transmite, creo, la esencia de la visión original.

 

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-Por cierto, Lejos de los árboles es un documental abrupto y a flor de piel que nos recuerda a obras de Val del Omar, Buñuel ...en breves palabras ¿qué significa para vosotros esta pieza que sin duda es una obra fundamental de la cinematografía española y una carga de profundidad en la línea de flotación del régimen de los años 70?


Las imágenes del documental, cómo tantas otras de pensadores y creadores coetáneos, están impregnadas de un ímpetu rebelde y un espíritu insurrecto que trata proponer una vía alternativa a lo que el lenguaje audiovisual estaba ofreciendo.

 

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Honorando la intención de Esteva y sin duda la de los visionarios cómo los que mencionas, nos honra pensarnos como acreedores o misionarios de esa voz insumisa que trata de reavivar en el imaginario colectivo una alternativa y una lectura más profunda de nuestra identidad, muchas veces oculta en favor de una apariencia más progresista y pulcra de nosotros mismos. Los ritos atávicos y las costumbres retrógradas que se muestran en el documental no son una visión de un pasado oscuro, bárbaro e ignorante sino que nos muestran hasta qué punto es oscura nuestra alma moderna. Que las personas de hoy son en realidad las personas de entonces y que tan sólo han cambiado sus hábitos y costumbres de exorcizar la culpa y el miedo. Ésta es una simple impresión de las que pueden sugerir estas imágenes. Hay un ensayo recomendable, escrito por Manuel Delgado llamado “El Arte de Danzar sobre el Abismo” donde, entre otras muchas cosas, el antropólogo renuncia de la lectura trivial de la película como una exposición de lo ancestral y antiguo de España, y apuesta por una lectura sobre la alteridad y lo alterno. Para aquel que le interese, es un texto revelador. Norberto Chaves, amigo, ensayista y docente, al ver la pieza comentó algo muy en sintonía con la anterior lectura: “Todos esos ritos - monstruosos desde nuestra ética - no son sino liturgias para exorcizar la muerte. O sea, constituyen la manifestación más profunda y trágica de la cultura. Poco a poco vamos desprendiéndonos de ellos. Poco a poco, va creciendo una pregunta alarmante: ¿qué ritos estamos poniendo en el vacío que aquéllos dejan? Pues el horror a la muerte sigue intacto, quizá lo único que ha quedado intacto desde el primer hombre.” El logro definitivo ha sido que las imágenes puedan ser vistas, comentadas, y en definitiva poder provocar e invitar a alguna que otra confrontación ideológica.

 

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-Ya para acabar me gustaría saber si tenéis algún proyecto más en cartera o cuáles son vuestros planes audiovisuales de futuro.


De momento vamos a seguir dedicándonos a la expresión audiovisual, cada uno con su propias herramientas y tratando de dinamizar nuevas ocasiones para colaborar juntos en proyectos cómo éste, y de otros tipos. Sí hay una colaboración conjunta con la banda todavía confidencial respecto al nuevo disco, pero que pronto podremos ver en las redes. Agradecemos mucho vuestro interés. Os mantendremos al día!

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers    7.nov.2017 13:05    

Soundie 2017: diversidad audiovisual

    martes 24.oct.2017    por Sarmient Peppers    1 Comentarios

Soundie 2017 se revela como una de las citas ineludibles del panorama de videoclips en España.

El Festival tiene un carácter internacional y además premia varias categorías entendiendo el formato videoclip como una obra coral.

Además, Soundie, que se ha celebrado el 20 y el 21 de octubre en Barcelona, va más allá de un mero certamen de videoclips y ha organizado talleres, charlas y workshops alrededor del video musical.

A continuación destacamos algunos de  los vídeos triunfadores y os remitimos el palmarés completo en el que podéis encontrar auténticas joyitas.

 

MEJOR VIDEOCLIP INTERNACIONAL

Leningrad – Kolshik

Director: Ilya Naishuller

 

MEJOR VIDEOCLIP NACIONAL

Reyko – Spinning Over You

Director: Josep Prat Sorolla

 

 

MEJOR VIDEOCLIP CATALÁN

Beck – Up All Night

Director: Canada

 

 

Además, os dejamos con una entrevista a Mireia Badía, una de las responsables del certamen, en la que nos descubre algunos de los secretos de este Soundie 2017:

-Ya es la segunda edición de Soundie, ¿qué elementos más novedosos habéis introducido tras la experiencia del año pasado?

Lo primero destacable sería que el evento pasa a celebrarse durante dos días en lugar de uno y lo segundo sería que este año damos entrada al apartado PRO de Soundie. Es una muestra inicial de lo que pretendemos abarcar en el futuro, pero consta de talleres, ponencias, charlas profesionales y una sesión de networking.

-Hemos comprobado que no sois un simple festival que proyecta y premia videoclips sino que además organizáis conciertos de formato corto, realizáis talleres y planteáis una propuesta divulgativa. Empezemos por los conciertos, este año habéis tenido propuestas que van desde Amparanoia, pasando por Xarim Aresté, Enric Montefusco, Dj Delafé... ¿Con qué criterio habéis seleccionado este cartel?

Intentamos reflejar la diversidad musical subyacente a la diversidad audiovisual que vemos en los proyectos presentados.

 

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-En lo estrictamente relacionado con el formato videoclip, contadnos ¿cómo ha sido la participación este año teniendo en cuenta que sóis un certamen internacional? ¿Qué tendencias estéticas y tecnológicas habéis detectado en el panorama del videoclip actual?

La tendencia que se destila de la gran cantidad de videoclips que hemos recibido es, por una parte, una gran apuesta por integrar nuevas tecnologías (Realidad Virtual, 360º, grandes efectos especiales, etc.) y, en contraste con esta, una vuelta a los fundamentos o un homenaje a estéticas antiguas o vintage. De algún modo los estilos se han polarizado y eso ha creado un panorama muy interesante y variado.
Respecto a la fotografía global del sector, esa tendencia se ve tanto en la producción local o nacional, como en el resto de mundo, aquí estamos a la última en lo que a industria del videoclip se refiere y, en ese sentido, no ha una diferencia significativa con el resto del planeta.

 

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-Nos ha llamado también la atención las diferentes y variadas categorías que se premian, ya desde la primera edición. Todo un detalle que se valore el trabajo de los diferentes miembros del equipo, y algo no muy habitual en los certámenes de videoclips...
El objetivo de esta variedad, radica en el interés de potenciar no solo la cantidad sino la calidad de la producción de videoclips que se dan en el panorama nacional y ello lo podemos conseguir con el estímulo e incentivo de las diversas unidades creativas que conforman un proyecto audiovisual, razón de ser de estos premios.

- Como ya hemos señalado, nos interesa mucho las actividades paralelas que se han organizado, de modo sintético contadnos en qué ha consistido la sesión de Networking, así como las diferentes ponencias y el Panel Profesional.

La sesión de networking en esta primera edición ha sido atendida por: Realizadores y/o productoras audiovisuales, Artistas, Sellos discográficos y Estudiantes (realización, video, dirección cinematográfica, etc.) Todos ellos tienen sinergias y necesidades entre ellos. Los realizadores o productoras buscan artistas para desarrollar su próximo proyecto, los artistas buscan realizadores para hacer sus videoclips y los estudiantes buscan participar y aportar carga de trabajo en estas producciones. La sesión ha consistido en unos juegos de dinamización que han permitido interactuar entre toda esta gente y plantear sus proyectos a futuro. El objetivo es que en el futuro esto pueda convertirse en un mercado donde los profesionales puedan interactuar, formarse y hacer negocio en torno al videoclip.

El panel versó sobre el nacimiento de una nueva cultura en las plataformas digitales dirigida al género “trap” con la participación de destacados actores y representación del canal VEVO, en la figura de Ramón Pascual (Head of Spain at VEVO), Kokos Ackee, joven realizador del barcelonés Polígono Canyelles que con sus técnicas de guerrilla está rompiendo esquemas en el mundo audiovisual alternativo, Alicia Álvarez Vaquero (Periodista e Investigadora) Dra. en Narrativa Audiovisual y periodista musical, co-directora del documental “BCN, ¿Sello discográfico?” estrenado en el IN-EDIT de la edición 2014, y el artista Damed Squad, quizás uno de los artistas del género con mayor proyección internacional en lo que a Trap Music se refiere.

Las ponencias se centraron por un lado en el aspecto de financiación de proyectos, bajo la tutela de Ulule, donde explicaron casos reales de financiación de videoclips mediante el crowdfunding y por otro lado en el aspecto creativo a cargo de la directora Lyona.

 

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-Ya por último, queremos destacar el Taller video 360º dirigido por Andrés Tosti, ¿en qué ha consistido, creeis que el 360º es una tendencia pasajera o ha venido para quedarse e implantarse cada vez más?

El taller, además de Andrés Tosti, también contó con la colaboración de SAE Institute y entre ambos dieron unas pinceladas a nivel teórico de lo que es la técnica de grabación en 360º y se realizó también una parte práctica grabando en 360º a uno de los grupos que realizaron un showcase.

 Creemos que esta tendencia seguirá evolucionando y no se trata de una moda pasajera, ya que hay avances continuos en las técnicas que empiezan a entremezclar realidad y virtualidad lo que hace ganar sensaciones y mejorar la experiencia del usuario. Existe en el mercado una batería de artilugios y gafas 3D de muchos fabricantes que no hacen sino que confirmar la tendencia al alza.

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Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Categorías: Música

Sarmient Peppers   24.oct.2017 22:06    

Sarmient Pepper's

Bio A rienda suelta

A Rienda Suelta" (ARS)... Porque los dos amamos lo desconocido, porque nos interesa la música pero también la imagen y su poder de hipnosis. Disfruta de ARS, un universo distinto con las propuestas videocliperas más singulares y originales, un crisol único donde se mezclan la experimentación, el juego y la arqueología audiovisual siempre teniendo muy presente el punto de vista de los realizadores. Quiero que vengas conmigo a este laboratorio mágico...¡déjate sorprender!
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