LA ZARANDA. Sunami poético
miércoles 5.nov.2014 por Maite Guisado 0 Comentarios
La compañía jerezana estrena este sábado 8 de noviembre su nueva creación en el Festival Temporada Alta de Girona. Las próximas citas serán el 14 de noviembre en el Festival Internacional de Teatro de Santander y el 16 en la Escuela Navarra de Teatro de Pamplona.
Impactan, turban, conmueven. Las creaciones de la Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, son una enorme sacudida para los sentidos y para el alma, una reverberación que permanece. Y es que sus personajes “no viven un argumento, sino una pasión”, nos dice el dramaturgo Eusebio Calonge. Passión, compromiso y genuinidad definen a la compañía. Con 38 años de trayectoria, la Zaranda sigue desarrollando una intensa labor creativa que le ha merecido un gran prestigio internacional.
Al margen de modas efímeras y lejos de tácticas comerciales, a menudo contracorriente, la Zaranda se ha mantenido fiel a su manera de hacer y de vivir el teatro. El resultado es un lenguaje contemporáneo muy particular y extremadamente vivo, con textos depurados y efectivos, una plástica tan sencilla como golpeadora y poética, y el uso simbólico de los objetos, recogidos por todo el mundo, que tienen la fuerza de un actor. Sus obras son fruto de la búsqueda constante, de una introspección profunda y de un trabajo en común que da lugar a la creación, una realidad que surge como si tuviera vida propia.
No es teatro de masas, pero tampoco es difícil ni intelectual, precisamente porque va directo al alma. Nos pone en contacto que aquello que pueda quedar en nosotros de trascendencia, pero no de una manera grandilocuente, sino más bien primordial.
La muerte, la devastación que deja el paso del tiempo, la memoria... son asuntos que por el hecho de ser tratados con fuertes dosis de humor e ironía, no pierden en absoluto gravedad. Ésta es la gracia de la Zaranda.
Tres son las obras que la Zaranda estrena en Temporada Alta. Nadie lo quiere creer, la patria de los espectros (2010) quizá sea la pieza de su repertorio con un hilo argumental más claro, aunque, como las demás, también tiene muchas capas por donde adentrarse.
Allí, la sirvienta y un sobrino dudoso se disputaban la carcomida herencia de la moribunda señora, roída por la gangrena. La ruinosa mansión, espacio de apariciones, putrefacta y expoliada como quienes la habitan, se hunde por todas partes, “menos por una, la que da a la memoria”, puntualizaba Calonge.
En una atmósfera asfixiante, espiral de degradación física y moral, los figurantes de aquel sainete espectral hacían en vida los preparativos de las exequias. Dentro de la representación, la representación se convertía en un juego en el que los personajes eran cómplices, pero también estrategia de hacer pasar por verdad lo que no lo es. Estaba presente la taxidermia, el arte de mantener vivo lo que está muerto. Una apariencia de vida, una realidad embalsamada donde disecar la historia, un reino fantasmal donde los muertos son verosímilmente vivos. I, en definitiva, un sainete.
El régimen del pienso (2012), sin dejar al margen los elementos tragicómicos que caracterizan a la compañía, era un trabajo duro, negro, descarnado, que abordaba sin tapujos la visión del mundo como simulacro. Una obra dramatúrgicamente compleja que significaba un paso más en la trayectoria poética y conceptual de la Zaranda, a la que en esta ocasión se unió el actor vallisoletano Javier Semprún, de Teatro Corsario.
Nos presentaba a los trabajadores de una empresa porcina que entra en crisis por una peste causada no se sabe si por falta o per exceso de pienso. Esto desencadena el despido de personal, las luchas por el puesto de trabajo, la desesperación y la desconfianza entre los trabajadores. Un paralelismo en el que las vidas rutinarias del cerdo y del hombre se cruzan, se confunden, sin otra esperanza que una muerte indolora.
Como una fábula, los cerdos también se erigen en personajes y hacen su propia representación. Una reflexión sobre el arte mismo. Se quiere hacer del drama del desvalido empleado despedido una obra inmortal, dejando a un lado su tragedia personal. Los muertos son solo un informe más para archivar. La deshumanización, en definitiva, la banalización de la muerte. Un hombre ya no vale nada si no rinde.
El grito en el cielo (2014) presenta a unos seres desvalidos, al final de sus días, reducidos simplemente a cuerpos, a órganos, a historiales médicos que, sin embargo, no se resignan a la defunción pautada que les tienen asignada y buscan como sea una huída. Personajes extraviados que no han perdido la esperanza, que intentan escapar de una situación que les aprisiona y emprenden un viaje de retorno a la libertad, a la vida.
Aquí una vez más, con su humor crudo, con imágenes poderosas, con una puesta en escena que con cuatro elementos transforma los espacios, la Zaranda conmueve y golpea, vuelve a dar una lección de teatro hablando de un mundo deshumanizado que aniquila cualquier tipo de trascendencia.
El germen de El grito en el cielo nació en agosto en la Bienal de Teatro de Venecia, que dirige Àlex Rigola, donde la compañía fue invitada en residencia artística, al final de la cual mostró un ensayo abierto al público. Desde entonces, el proceso de creación ha seguido en su nave de Jerez, donde la obra ha ido creciendo, cambiando, puliéndose para emprender el camino que iniciará en el Teatre de Salt.
Atención, Obras estuvo en su nave y asistió a sus ensayos, y os lo contamos:
Además de hablar de la manera de trabajar de la compañía y de su nueva obra con Eusebio Calonge, su autor y dramaturgo, también quisimos saber la experiencia de Celia Bermejo y Iosune Onraita, las dos actrices que se han incorporado a la Zaranda en esta creación:
Y os dejamos con una entrevista que en Miradas 2 hicimos a Calonge a propósito de la publicación de su libro Orientaciones en el desierto.
Más información en el blog de EL GRITO EN EL CIELO.
Maite Guisado 5.nov.2014 18:00
