Atmósfera

MARK CAIN, NATALIE BERIDZE

MARK CAIN

Recuperamos la normalidad en este segundo fin de semana del nuevo año 2022.

Tendremos un programa lleno de novedades y sonidos inmersivos que nos harán flotar en nuestra Atmósfera

Iniciamos el año en Atmósfera de una manera formal con Mark Cain y su “Cameos” que supone el decimoquinto lanzamiento del selloParenthèses Records.

El compositor, educador y fabricante de instrumentos Mark Cainpresenta una colección de 18 piezas breves y enigmáticas que el australiano ha escrito y / o improvisado en el estudio de su casa en Fremantle, Australia Occidental.

Algunas piezas fueron creadas para la obra de teatro de títeres, Turtle and the Trade Winds y Oddysea con su colega músico, Jamie David. Otras fueron ideadas para el evento de la serie Cinematic Scores para el que compuso la banda sonora en vivo que acompaña al documental etnográfico estadounidense de 1922, Nanook of the North.

Encontramos también en este “Cameos” piezas grabadas recientemente por Mark Cain que encuentran su hogar ahora en este trabajo, con el que Cain traza sus intereses en la música tradicional, las instrumentaciones étnicas y la improvisación y choca con su amor por los instrumentos de viento y percusión de varios rincones del mundo, incluidos los instrumentos que él mismo ha fabricado.

MATT CHRISTENSEN

El líder de Zelienople, Matt Christensen, regresa a Miasmah con Constant Green, un disco de canciones reverberantes inspiradas en el country que pone el peso en algún lugar entre Johnny Cash y Slowdive.

Matt ha hecho un disco muy personal que llega inmediatamente, lleno de hermosos momentos dispersos que capturan la sensación de que el tiempo se detiene mientras simultáneamente parpadea frente a tus ojos.

MÁRI MÁKÓ

El álbum debut de Mári Mákó, “Oudemian”, fusiona texturas instrumentales y vocales introspectivas con electrónica en vivo. Es un viaje sonoro para encontrar la fuerza interior a través de la crisis, para superar la angustia existencial y el renacimiento.

El título es la combinación de dos palabras: "Ouroboros" y "Demian". Ouroboros es un símbolo antiguo de una serpiente que se muerde la cola y representa el círculo de la vida, y la novela Demian de Hesse muestra a un niño que lucha por encontrar su nuevo conocimiento de sí mismo y su lugar en un mundo inmoral, pero, además, da la casualidad de que Oudemian también tiene un significado real en griego antiguo: "ninguno".

“Ouroboros” es un álbum de música electrónica experimental que contrasta sintetizadores oscuros, drones, glich y ritmos con orquestaciones orgánicas de instrumentos acústicos y el poder emotivo de la voz humana. El disco está hecho con el instrumento electrónico programado y diseñado por él mismo llamado Schmitt, que trabaja con procesos de sonido caóticos influenciados por acelerómetros y sensores de luz.

POTER RICKS

El techno no es un género que haya dado lugar a muchos álbumes consistentes, y el subgénero dub techno aún menos, pero un clásico indiscutible es el debut de Porter Ricks, “Biokinetics”.

Publicado originalmente en el legendario sub-sello de Basic Channel, Chain Reaction en 1996,Biokinetics fue el primero de los lanzamientos de álbumes del sello, y sigue siendo su mayor logro.

Porter Ricks son Thomas Köner y Andy Mellwig. Juntos reformularon el sonido techno, imbuyendo el ambiente espacioso del que fueron pioneros los jefes de las discográficas Mark Ernestus y Moritz Von Oswald con una inclinación experimental helada y aislada, y combinándolo con el tipo de minimalismo obsesionado de los primeros Plastikman.

ANTONELLA PORCELLUZZI & MICHAEL SCHAFFER

Antonella Porcelluzzi es una poeta italiana de cine y música. El alemán Michael Schaffer, vive como pintor, músico y poeta en las montañas de pizarra renana poniendo gran énfasis en la música ambiental y experimental y la escritura de ensayos filosóficos y esotéricos.

“The Bardo Thödol”, que significa Liberación por Escuchar en los Estados Intermedios o Libro Tibetano de los Muertos, es un texto que describe los estados de conciencia y percepción que ocurren durante el período desde la muerte hasta el renacimiento.

Se supone que el estudio de su vida o la recitación del capítulo principal por parte de un lama durante la agonía o después de la muerte ayudan a liberar el ciclo de reencarnaciones, o al menos a obtener una mejor reencarnación.

PLEASURE

Pleasure es un proyecto musical con sede en Sydney que utiliza sintetizadores distorsionados, ritmos de batería irregulares y estructuras de canciones fluidas para crear piezas enérgicas e hipnóticas de líneas brillantes y abrasivas.

El trio Pleasure está compuesto por Adam Connelly (sintetizadores + voz), Jonathan Boulet (bajo + pedales de efectos) y Hugh Deacon (batería).

Su LP debut, Saint Albans, que abrimos esta noche, fue concebido y grabado en una pequeña casa de campo en la ciudad de Saint Albans, Nueva Gales del Sur, durante 3 días, del 12 al 14 de octubre de 2019. Este edificio se incendió en los incendios forestales australianos de 2019.  “Salimos de esta sesión con cerca de 20 horas de material que editamos en piezas consumibles”, cuentan Pleasure

ROBERT SCOTT THOMPSON

Seguimos con los sonidos planeadores y orquestales ahora, con el californiano Robert Scott Thompson.

Robert Scott Thompson es compositor de música instrumental (música de cámara y orquestal) y electroacústica (música y video de computadora y performance art) y Director del Centro de Artes de Grabación de Audio (CARA) de la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Georgia en Atlanta. También dirige el sello Aucourant Records.

El término alquimista musical es el que mejor describe mejor a este compositor de música moderna que combinando su dominio de los géneros electroacústico, instrumental contemporáneo y de vanguardia obtiene un todo cohesivo y arremolinado.

Escuchamos un tema de su disco “Telemetry (Remixed)”, una mezcla completa del álbum original, inspirado en la música electrónica de los años 70 y 80, con nuevas versiones.

NACHO ROMÁN

Desde 2012, Nacho Román se ha centrado en el ámbito de la electrónica experimental y el ambient. Recordamos su propuesta interactiva entre la música y la pintura, un proyecto en vivo que llevaba por título “The Synesthesic Project​. ​ The Music “del año 2012.

Después llegaron After All (2013), primer EP firmado con su nombre, y The gift (2014), minimalista y luminoso, Sick System (2015), La frecuencia plástica (2016), Infinito (2017) y Alouette (2019) que completa la bilogía abierta con The Gift, moviendo su paleta sonora hacia armonías más íntimas.

Esta noche escuchamos el tema que da título a su último trabajo “Gris Tierra”, publicado en el sello El Muelle Records.

Dice Nacho: “El 2020 ha cambiado de manera urgente e imprevista muchas de nuestras perspectivas que creíamos instaladas en nuestro interior de manera permanente.

El acercamiento a territorios, paisajes o lugares físicos y mentales que siempre estuvieron ahí, al lado, pero que de tan cercanos pasaron siempre desapercibidos, en el mejor de los casos, cuando no directamente obviados o desechados. Un retorno primero obligado y después buscado.

NATALIE BERIDZE

La compositora Natalie Beridze es una de nuestras artistas residentes que actualmente vive y trabaja en su ciudad natal Tbilisi, Georgia.

En 2002, se mudó a Colonia, Alemania, y hasta 2008 produjo allí música bajo el alias de TBA. Desde 2003, Natalie ha estado realizando conciertos en vivo en todo el mundo. En Georgia, es conocida como una pionera de la música electrónica.

Además de sus proyectos en solitario, ha colaborado con artistas como Thomas Brinkmann, AGF (Antye Greie), Ryuichi Sakamoto, Joerg Follert, Marcus Schmickler, Nika Machaidze alias Nikakoi, Gacha Bakradze, Alex Kordzaia y el colectivo de productoras Monika Werkstatt.

Actualmente Natalie enseña composición y producción musical en la escuela CES (Escuela de Educación Creativa) con sede en Tbilisi.

Abrimos esta noche su “Mapping Debris” escuchando tres de sus temas.

“Mapping Debris” es el noveno álbum en solitario de Natalie Beridze, centrado en capítulos enterrados de su propia historia laboral. “Busqué material, amontonado en mis viejos discos duros; - varios restos de sonido, grabados y producidos en el pasado. Los reciclé más allá del reconocimiento y los mezclé en nuevas muestras para componer este álbum”, cuenta Natalie.

Mapping Debris es un término que se utiliza durante la investigación de un accidente aéreo. La agencia especial recolecta millones de pequeñas piezas infinitas de metal roto y cableado del lugar del accidente. Más tarde, intentan reconstruir el fuselaje original del avión a partir de escombros ensamblados, para recrear su historia y revelar la razón que condujo a la catástrofe. Mapping Debris es una manifestación de desmaterialización en el dominio físico y el tiempo: una muda de piel que se convierte en polvo, objetos en descomposición, corrosión, atrofia, podredumbre, sinsentido y olvido fáctico, que refleja el escalofriante miedo a perecer, a perder la integridad, la memoria de los eventos, imágenes, olores.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Mark Cain - 05 Gaidarski – Cameos

Matt Christensen - It's Hard Not To Love Everyone - Constant Green

Mári Mákó - Homecoming – Oudemian

Poter Ricks - Nautical Dub – Biokinetics

Antonella Porcelluzzi & Michael Schaffer - Fear - The Secret Circle

Antonella Porcelluzzi & Michael Schaffer - Repeat It Many Times - The Secret Circle

Pleasure – Misty - Saint Albans

Robert Scott Thompson -  Oceans (Dark Matter) - Telemetry (Remixed)

Nacho Román - Gris Tierra -  Gris Tierra

Natalie Beridze - Mapping Debris Iii (West Thumb) - Mapping Debris

Natalie Beridze - Be Airborn - Mapping Debris

Natalie Beridze - Interlaced Cosmic Trash - Mapping Debris

 

ATMÓSFERA  CONTINUA

 

Seven24 & Soty - The Striving For Happiness - The Striving For Happiness

Simiriam - You Are There (Liquied Mix) - The Lost, The Last

Kyoto - Sunrise – Skywolf

Tim Lovenlee - Mo Bounce - Confessions Of A Selector (Remastered)

Akasha Experience - The Chain - The Chain.Mp3 - Acceso Directo

Miktek - Dear Universe - Chillout Nights

A-Kara And Mant - Stars Over Steppe

Dj Zen – Mindscare

Forest Swords - Anneka's Battle – Engravings

Ed Starink - Evil North - The Synthfony Album

 

 

Abraham Fogg, Daniele Sciolla, Froz

 

ALBERTO LUCENDO 

Alberto Lucendo es un artista multidisciplinar afincado en Berlín, que comenzó su carrera artística componiendo bandas sonoras para diferentes tipos de películas. Una de esas partituras es Wonderful Losers que abre nuestra Atmósfera de hoy, una banda sonora para el documental homónimo, que ganó varios premios, incluyendo a la mejor música.

Para disfrutar de este trabajo de Alberto Lucendo no es necesario 'ver la película, porque la música tiene su propio efecto fascinante. Las pistas ambientales frágiles y flotantes, levitan y despliegan su impacto dependiendo de cómo escuches los sonidos: a volumen bajo o muy alto. Dependerá de ti como quieras crear tu propia banda sonora, a partir de tu imaginación.

MARTA FORSBERG

Nos dejamos fascinar ahora por Marta Forsberg y su “Tkać”, palabra que significa "tejer" en polaco.

En este álbum, la compositora y música sueco-polaca, ofrece dos composiciones que capturan su habilidad única para transmitir visiones de luz en paisajes sonoros resplandecientes.

Hemos elegido para esta noche el tema “LED AND LOVE SOUNDS”, una grabación en vivo de una pieza basada en sonidos de violín congelados y procesados, creada en 2015 y supone la primera pieza de luz y sonido de Forsberg. Los drones de este track cambian lentamente, proporcionando repeticiones mínimas que nunca permanecen igual. Se escuchan ruidos de cuerpos en movimiento, tratando de estar quietos, tal vez quedándose dormidos y después se escucha cómo dejan caer algo al suelo.

ABRAHAM FOGG

En noviembre nos ha llegado el EP del dúo Abraham Fogg “Metamorphosis”.

Abraham Fogg es el dúo formado por Grégoire Vaillant y Charles-Edouard Dangelser que colaboran en este proyecto desde Nantes hasta Los Ángeles.

“Metamorphosis” es un proyecto que se complementa con un corto de terror con el mismo título. El corto se estructura en dos partes: "Nacimiento" y "Muerte" y están basados en la vida y trabajo del artista francés Olivier de Sagazan.

Sonido impecable con la presencia de un chelo y un piano que le dan a este “Metamorphosis” un toque muy personal con una gran profundidad.

R U D A 

Desde la región de Murcia nos llega este proyecto: R u d a, la unión de Pablo Jordán y Selu Herraiz aka Lilith.

Escuchamos su debut homónimo, mezclado por 'Sound of Ruins' y masterizado en el estudio El Miradoor.

 

LAURIN HUBER

Dog Mountain es el segundo lanzamiento del productor y compositor con sede en Zúrich Laurin Huber para Hallow Ground.

Ya conocimos e Atmósfera su anterior trabajo Juncture con el que el cofundador de Edipo Re trabajaba principalmente con sintetizadores y ritmos programados. Ahora, en esta nueva entrega titulada “Dog Mountain”, sus cuatro pistas son mucho más restringidas y se basan en bucles de cinta y retroalimentación, grabaciones de guitarra acústica y sintetizadores como el Korg MS-10, así como grabaciones de campo.

Trabajando con elementos de lenta evolución y modulación que están expuestos a ligeros cambios, Dog Mountain pone el foco en la interacción entre pequeños elementos que juntos forman un todo más grande que está marcado por una constante evolución y cambio.

 

DARKSONICTALES

DarkSonicTales es el proyecto de Rolf Gisler y su álbum homónimo es el primero también para Hallow Ground.

Después de que el sello le concediera una residencia artística en una casa de campo de 300 años en la campiña suiza en otoño de 2019, el músico y artista sonoro residente en Lucerna exploró el peculiar entorno sonoro del edificio y sus alrededores mediante el uso de grabaciones de campo, sintetizadores modulares, guitarra, bajo, kalimbas, una sierra musical e instrumentos de construcción propia.

Las siete pistas, que se terminaron a finales de 2019 y la primavera de 2020, son tanto una reacción al escenario del que surgieron como una reflexión y expresión del estado mental de Gisler en estos días de soledad.

 

DANIELE SCIOLLA

Danielle Sciolla es un científico del sonido y la percepción, que se mueve entre sintetizadores digitales y analógicos y una actitud pop distintiva. Aficionado a la experimentación extrema, aplica sus conocimientos matemáticos y de música clásica a la producción electrónica, logrando así un estilo personal basado en melodías y polirritmos

Abrimos esta noche su“Spin Of Synth”. SPIN actúa aquí como la propiedad intrínseca que lleva las partículas elementales, en este caso aplicadas a las máquinas analógicas.

Destacamos las innumerables variaciones de timbre que se producen entre las distintas máquinas analógicas, como respuesta a los mismos estímulos. Además, el tiempo se extiende más allá de nuestros límites estándar, para crear un mosaico de sonidos fractales, obtenidos variando la presión de las secuencias musicales.

 

FROZ

Dedicamos ahora un tiempo en Atmósfera a Francesco Fusaro, nombre real de Froz, un DJ residente de NTS Radio, productor musical y musicólogo con sede en el norte de Italia. Ç

Traemos esta noche dos de sus últimos trabajos. Comenzamos con dos temas de su “NC Sessions Vol.1” que alberga 7 pistas que se produjeron principalmente en un solo dispositivo, el groovebox Circuit de Novation. “Como la mayoría de la gente, me encuentro frente a una pantalla cuando trabajo, cuando interactúo con la gente, compro cosas, veo una serie o leo, y por supuesto cuando produzco música”, explica Francesco. “Solo necesitaba probar un nuevo flujo de trabajo y ver a dónde me llevaría”.

Escucharemos también un tema del EP “Procrastinator” de Froz, un lanzamiento con 4 pistas producido únicamente en su portátil.

 

MARC SARRAZY & LAURENT ROCHELLE

Tras el lanzamiento en 2020 del asombroso “Qui c'est va un peu” (5 orquestaciones diferentes de una misma canción, cantada en 5 idiomas), el dúo Marc SARRAZY / Laurent ROCHELLE nos sorprendían de nuevo con “Cyclotimic Songs” un trabajo que consiste en dar vida a una especie de Frankenstein musical, utilizando piezas ya grabadas como dúo acústico (piano - clarinete bajo o saxofón soprano), piezas de sus discos “Chansons pour oreille gauche e Intranquillité”, y utilizándolas como materia prima. Después de múltiples disecciones sonoras, los fragmentos musicales se ensamblan, reorganizan y recomponen con nuevos ingredientes musicales para crear partituras originales con invitados y voces. Así, la nueva música cobra vida, muy alejada del material original.

Importantes invitados en este trabajo entre los que se encuentran el escritor Antoine VOLODINE y el rapero estadounidense Mike LADD.

 

HOTEL KALI

Hotel Kali no es un lugar, es una historia; una historia contada colectivamente por cuatro personas que, en primer lugar, estaban en el lugar correcto en el momento exacto y luego lograron trascender tanto el espacio como el tiempo a través de su música.

El álbum debut homónimo de la banda germano-india no fue diseñado en un tablero de dibujo, cobró vida en sesiones improvisadas espontáneas, impulsadas por el deseo de integrar cuatro voces distintas en una narrativa.

Hotel Kali es una entidad viva que respira, que teóricamente retoma muchas tradiciones musicales diferentes, pero en la práctica las desafía a todas. Inglés y bengalí, ritmos motorik e intrincadas líneas de guitarra, sentimientos pop y exploración, se unen, bailan entre sí y, en el transcurso de siete canciones, encuentran un terreno común en algún lugar entre el rock cósmico, la música de baile experimental y las publicaciones aventureras.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Alberto Lucendo - DancingPlanets - Wonderful Losers

Alberto Lucendo  - Daniele - Wonderful Losers

Marta Forsberg - Led And LoveSounds (Excerpt) – Trac

Abraham Fogg - Medicine Brothers– Metamorphosis

R U D A  -  Malas Energías – Ruda

Laurin Huber - A Town Is Not A Town - Dog Mountain

Darksonictales - Darksonictales -  Sonic Darkness

DanieleSciolla  - Cs - Spin Of Synth

Froz - SessionNine (Lofts) - NcSessions Vol.1

Froz - SessionFive (Basements) - NcSessions Vol.1

Froz - Poly–Procrastinator

Marc Sarrazy & Laurent Rochelle - Fantomastic - CyclotimicSongs

Hotel Kali - Fake Horse (Golden DiskoShip Cover)

Hotel Kali - Viola Rave - Hotel Kali

Simona Zamboli, Xordox, Sky Burial

 

TAKUMA WATANABE

Esta noche invernal, preámbulo de las semanas navideñas, vamos a dar a nuestra Atmósfera un espacio vaporoso, pero intenso a la vez. Y en esta línea tan dual se encuentra el japonés que hoy abre nuestra Atmósfera: Takuma Watanabe.

Watanabe estudió composición y tecnología musical en 1997 en el Berklee College of Music y actualmente reside en Japón. En 2007 se unió a la gira mundial de David Sylvian detrás de los sintetizadores y ordenadores y realizó 28 conciertos en 18 países. En 2008 fundó un conjunto de cuerdas con tecnología informática con el que ha estado actuando en directo dentro del campo de la música contemporánea y los drones. En 2010 inició su carrera como compositor cinematográfico.

Esta noche nos adentramos en su primer larga duración “Last Afternoon” del que escucharemos dos piezas. Esta es “Tactile”, la que abre este delicioso trabajo.

Continuamos con el primer larga duración del japonés Takuma Watanabe y la pieza que le da título “Last Afternoon” con las colaboraciones de la vocalista y compositora estadounidense Joan La Barbara conocida por sus trabajos grabados con John Cage, Morton Feldman o Robert Ashley y el compositor y desarrollador de software Akira Rabelais conocido por sus colaboraciones con Björk y David Sylvian

La experimentación está en el corazón de la música cinematográfica de Takuma utilizando procesos a través de un software que retroalimenta una interacción de imágenes y sonido en sus composiciones.

Para estas dos piezas que estamos escuchando esta noche, Watanabe también creó una animación, creando un contrapunto visual imaginario único para la música. Ah, y un apunte más, el álbum está masterizado por Jim O'Rourke.

DAN POWELL

Dan Powell es un artista sonoro que utiliza grabaciones de campo, electrónica hecha a mano y percusión afinada. El foco principal de su trabajo es explorar lugares que tienen una resonancia personal particular. Ha participado activamente en la improvisación electroacústica en Londres y Brighton, especialmente con Gus Garside en The Static Memories y Chris Parfitt en Nil. Actualmente actúa como parte de Muster con James O’Sullivan.

Old Chapel Farm es una aventura de vida, una comunidad que tiene como objetivo acercar a las personas a los fundamentos de la existencia humana: la creación de alimentos y el refugio. Es un puente que avanza hacia una forma de ser más nueva y más sostenible en un mundo densamente poblado y que cambia rápidamente.

Dan Powell y su familia han estado visitando este lugar cada año desde 2011. En 2017, Powel decidió crear una pieza sobre Old Chapel Farm como parte de su serie que se centra en la experiencia personal de un espacio. En su viaje de 2018, su hija Bea y él recolectaron objetos que encontraban alrededor del  lugar y los reunieron en una choza de balas de paja suspendida sobre un arroyo en un valle boscoso que los dueños de la granja pusieron a su disposición para que los usaran. Grabaron pequeñas actuaciones con ellos, cepillándolos, raspándolos y frotándolos para producir una amplia gama de sonidos íntimos. También hicieron grabaciones de campo, incluido el uso de un piano que había estado expuesto a los elementos durante algún tiempo.

De vuelta en el estudio en Brighton, Dan Powell arregló los sonidos grabados en un nuevo trabajo. “Quería intentar comunicar algo del misterio y la revelación que he experimentado en mis visitas, y las conexiones que siento con la tierra y las personas que encuentro cuando visito la granja.

SIMONA ZAMBOLI

Simona Zamboli nació en Albano Laziale, en la región italiana de Lazio. Es ingeniera de sonido de postproducción y música con sede en Milán. Sus trabajos en solitario emplean una combinación de síntesis analógica y procesamiento digital a través de música hecha por computadora, reproduciéndose libremente en patrones repetitivos, pero libres, caóticos, ruidosos e interrumpidos.

Nos deleitamos esta noche con “Ethernity”, el primer álbum de Simona Zamboli para el sello Mille Plateaux un trabajo inquietante que vibra, pulsa y atraviesa el mundo de lo concreto y el caos al mismo tiempo. El álbum es un viaje a través de la trans-realidad, no solo como un drama melancólico, sino también como un viaje a mundos extraterrestres, sentido como una necesidad de una intervención electrónica.

 

XORDOX

A lo largo de su vasta carrera, el compositor australiano residente en Nueva York, JG Thirlwell ha adoptado muchos alias para infiltrarse y posteriormente subvertir una amplia gama de formas culturales pop.

Su trabajo bajo el alias de Fetus ha abarcado desde la big band hasta la ópera y el noise-rock. Steroid Maximus abrazó lo exótico y el mundo de las bandas sonoras, mientras que su proyecto Manorexia continuó su búsqueda hacia los límites exteriores de la composición contemporánea y la música concreta.

Esta noche nos adentramos en su alias de Xordox escuchando tres temas de su disco “Omniverse”, que  supone su segundo lanzamiento bajo el alias de Xordox. 

Xordox es un proyecto basado en los sintetizadores, y en este evocador álbum vemos que el proyecto se ramifica en muchas nuevas vías. El elemento de ciencia ficción roza el crimen negro, e incluso se desvía hacia áreas que podrían encajar bien en el género de la banda sonora de los videojuegos. Con una actitud audaz y un arsenal de máquinas, Thirlwell ofrece una selección de emocionantes cápsulas mentales de un futuro retro.

Omniverse de Xordox es un trabajo en el que las secuencias tensas y las líneas de teclado teñidas de negro invocan una poderosa imagen visual de películas y memoria, de pantallas y altavoces, de sonido y espacio, todo entrando en el cosmos y la subsiguiente carrera galáctica. Omniverse es un viaje de banda sonora sintetizada, uno que abraza formas pasadas mientras las remodela para lo nuevo y desconocido. Omniverse es un emocionante viaje líquido a través del miedo y la esperanza, y como todo lo mejor de la producción de Thirlwell, es simplemente un viaje increíblemente agradable.

SKY BURIAL

A Sky Burial no hace falta presentarlo, todos los Atmósferos sabéis de sobra de sus andanzas, pero para los que no lo recordéis apuntaremos que Sky Burial es el alias Michael Page creado en 2006 e inspirado por artistas kosmische, electrónicos e industriales de finales de los 70 y principios de los 80. Las grabaciones de Sky Burial a menudo citan temas esotéricos, literarios, metafísicos y mitológicos. Michael ha lanzado más de 60 grabaciones desde 2014 bajo varios nombres y ha colaborado en lanzamientos con Nik Turner (Hawkwind), Jarboe (ex-Swans) o Anni Hogan (Marc Almond).

Sky Burial compuso “Stations of the Sun” en la primavera de 2020 después de regresar de viajes por Europa, Medio Oriente y África del Norte. Las cinco pistas que componen este trabajo forman una banda sonora ritual de un viaje que se convirtió en un peregrinaje inadvertido para ver la salida y la puesta de sol desde sitios antiguos de importancia histórica.

 

GANGES

Terminamos nuestra primera hora de programa con sonidos un poco alejados de la experimental, pero con un halo de sonido épico, luminoso y naif que nos gusta mucho en Atmósfera.

Hace unos 5 años que oímos por primera vez hablar de Ganges, un grupo que comenzó siendo un cuarteto y que hoy en día es el proyecto en solitario de la cántabra Teresa Gutiérrez.

Cerramos nuestra primera parte de Atmósfera con uno de los singles de su tercer disco “Dime algo (bonito)”, el tema "Ojalá fuéramos amigos"

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Takuma Watanabe - Tactile - Last Afternoon

Takuma Watanabe - Last Afternoon - Last Afternoon

Dan Powell -  Emerging From The Valley Into A Rainshower - Four Walks At Old Chapel

Simona Zamboli - Dream But Be Careful – Ethernity

Simona Zamboli  - Take Me Somewhere – Ethernity

Xordox  - Croydon- Omniverse

Xordox - Dark Matte R- Omniverse

Xordox - Rivet – Omniverse

Sky Burial - Stations Of The Sun 2 - Stations Of The Sun

Sky Burial - Stations Of The Sun 3 - Stations Of The Sun 

Ganges - Ojalá Fuéramos Amigos - Dime Algo (bonito)

Papiro, Ô Lake, Random Orchestra

PAPIRO

Iniciamos nuestra Atmósfera con el enfoque personal que Papiro le da a sus composiciones.

Marco Papiro es un músico, compositor y diseñador gráfico suizo-italiano. Enseña en la Schule für Gestaltung de Basilea y es conocido por sus carteles y portadas de álbumes para artistas de la talla de Sun Araw, Sonic Boom, oso pando u Oren Ambarchi.

Desde mediados de los noventa, Papiro ha lanzado un puñado de álbumes notables, cada uno cuidadosamente elaborado y aparentemente autónomo, pero todos comparten un lenguaje musical inconfundible y una cierta aura escapista.

La finestra dentata (La ventana dentada), que exploramos esta noche, no es una excepción. Incluye grabaciones de estudio y de conciertos de 2016 a 2020.

Los sonidos de este álbum parecen infinitos, ingeniosos y llenos de maravillas para retratar criaturas y entornos imaginarios, un disco que muestra unas cuidadas sinfonías en espiral, diseñadas específicamente como experiencias de escucha profunda inmersiva para salas de conciertos, pero que al final se decidió editar en un álbum para poder ser consumidas domésticamente.

SOPHIE FETOKAKI

Outside the Lines es un recopilatorio anual del Reino Unido, quecondensa a compositores, instrumentistas y artistas sonorossituados en ese borroso borde de la música clásica.

El volumen 4 presenta a Samuel Sharp, Sasha Scott, Yorgo Stenos, Spindle Ensemble, Lottie Sadd y Sophie Fetokaki, artista esta última de la que estamos escuchando ya su aportación.

Este volumen 4 termina con esta pieza de Sophie Fetokaki, una evocadora reinvención del "Bist Du Bei Mir" de JS Bach. Fetokaki encuentra una tranquilidad folclórica que recuerda a Josephine Foster en la composición de Bach: voces impecables, electrónica nebulosa y un acompañamiento instrumental escaso, se unen para revelar un mundo sonoro tranquilo que resalta la naturaleza delicada de la escritura melódica de Bach.

QUIET NOISE

Quiet Noise es el alias del productor Adam Wilkinson, con sede en Gales Occidental.

Wilkinson trabaja con una colección de sonidos encontrados, manipulados electrónicamente e instrumentos personalizados, con los que consigue una mágica tensión entre texturas espaciosas y cuidadosas.

El objetivo de Quiet Noise es presentar la búsqueda de la paz en nuestra compleja experiencia como una belleza fracturada.

Su álbum debut “For Your Head” apareció en 2011, le siguió “Audible Life” en 2015. En abril de 2016 llegó su tercero, “Music | Edificio | Música”. Después decidió darse un tiempo, y durante una pausa de 4 años produciendo música para cantantes y cineastas, Quiet Noise regresaba en mayo de 2021 con su cuarto álbum “Story Machine” del que esta noche vamos a escuchar dos temas.

“Story Machine” de Quiet Noise, es un trabajo que establece un resultado expansivo de un contexto de limitación y bloqueo pandémico. En lugar de una sensación de confinamiento, “Story Machine” nos da una sensación de aventura, de escapar a una realidad alternativa melódica.

Cuenta Adam: “Atrapado en casa, sentado con mi esposa e hijos mientras ellos trabajaban desde casa, me propuse el desafío de crear piezas usando solo equipos que pudieran caber en mi espacio, en la mesa de la sala de estar. Motivado por mi juego me sorprendí gratamente de lo que pude lograr”

Ô LAKE

En junio de 2021 apareció “Gerry” la nueva creación de Ô Lake, un álbum inspirado libremente en la película homónima del director Gus Van Sant.

Las piezas de “Gerry” fueron compuestas como parte de la creación de un cine-concierto para el festival de cine «Travelling», podría considerarse, por tanto, como una banda sonora por derecho propio, entre la música ambiental y la neoclásica.

Cuenta Ô Lake que la película ofrece inmensas posibilidades musicales, por la longitud de sus planos y su casi ausencia de diálogos. Escuchamos el tema Death Valley

 

De cómo compuso esta “banda sonora” y del tema “Desert”, habla así Ô Lake:

Al componer las piezas de este cine-concierto, tuve en cuenta el enfoque artístico de Gus Van Sant. Incluso me inspiré en él, especialmente para las canciones «Desert» y «Lost» que acompañan a dos secuencias emblemáticas de la película. Estas dos piezas atmosféricas se estiran, evolucionan lentamente y se transforman (como en la famosa toma del amanecer en el desierto) hasta llegar a una especie de clímax. La repetición de patrones melódicos y rítmicos y la adición progresiva del instrumentarium se hacen eco del enfoque fílmico de Gus Van Sant. Pero no se trataba de encerrarse en una música demasiado figurativa. Quería que mi música tuviera su propio papel que desempeñar, por lo que no solo juega un papel de soporte de imagen, sino que también da pistas reales.

COL.LECTIU CAMÍ FONDO

Y atención!!!! este colectivo tiene una determinada posología que cursa así:

Cuando alguien se somete por primera vez al Col.lectiu Camí Fondo los sentidos quedan a la espera, No se asuste, si tras una sesión de relajantes latigazos sensoriales se siente desorientado o incluso con mayor ubicación que al comienzo de la sesión. Eso es la Poesía Electrónica Visual. Hacer del poema un sentimiento, del sonido una emoción y de la imagen una ilusión.

Escuchamos un tema de su disco “A Propósito De Debrah Wycliffe”, una adaptación de poemas extraídos de "Falsa antología completa de los poetas incendiarios"

El Nuevo Incendiarismo, fugaz movimiento de agitación cultural que se originó en torno al Edificio Moneda (México DF 2002-2008) y una tienda de animales en la calle Tacuba, abarca varias disciplinas artísticas, aunque destaca especialmente en su producción poética. Supuestamente una serie de desavenencias sobre las derivas artísticas del movimiento, y los vínculos del Nuevo Incendiarismo con asociaciones criminales aceleraron su abrupta finalización, que terminó oficialmente con el incendio de buena parte del Edificio Moneda en abril de 2008. Entre sus miembros destaca especialmente Debrah Wycliffe. Poetisa de fuerte personalidad determinante en él. Debrah, a la que se acusa de ser la  instigadora del fin del movimiento, apareció brutalmente decapitada en una escombrera a orillas de uno de los senderos bajo el puente Stillwell en Coney Island.

El Col.lectiu Camí Fondo tuvo conocimiento de ese mundo extremadamente rocambolesco, extraño y poético y decidieron sumergirse en él para generar un proyecto de música visual que diera nueva voz a la poesía de Debrah Wycliffe.

MURCOF

Murcof, el proyecto principal del productor Fernando Corona, regresaba a finales de mayo a The Leaf Label por primera vez en trece años con el gigantesco y visionario doble álbum, The Alias ​​Sessions.

Nos adentramos en este álbum a finales de septiembre y quedaba pendiente volver a él.

Murcof surgió por primera vez durante un período apasionante de la música electrónica, operando a la vanguardia. El álbum debut Martes apareció en Leaf en 2002, cuando las posibilidades alternativas habilitadas por el avance de la tecnología apenas comenzaban a enfocarse. Combinando ritmos crudos (minimal techno, microhouse y glitch que estaban entrando en su apogeo) con un muestreo cuidadosamente estratificado extraído en parte de la música clásica moderna, Martes fue convincente en su momento, pero también miró hacia el futuro.

13 años después, “The Alias Sessions” reúne todos los elementos que Corona ha ido incorporando al proyecto hasta la fecha - diseño de sonido meticuloso, samples fantasmales, ritmos contundentes, atmósfera diáfana - pero lleva el sonido aún más lejos en términos de abstracción y belleza. Se trata de música electrónica de exquisita tensión y extasiada liberación, pasando de detalles apenas audibles a picos explosivos.

RANDOM ORCHESTRA

Random Orchestra es la visión audiovisual del artista multimedia Xaver Hirsch y el productor musical Oliver Gehrmann, que une la música electrónica atmosférica con una visualización sofisticada.

Influenciados por artistas como Apparat, Tokimonsta y Alva Noto, encuentran su hogar en el crepúsculo que dobla el género del hip-hop abstracto, el ambient, la música electrónica y la rareza visual orgánica. Se centran en un vínculo estrecho entre visualizaciones en vivo a través de grabaciones del microscopio, representaciones en 3D y codificación creativa, y música caracterizada por sintetizadores ensoñadores, ritmos orgánicos multicapa y grabaciones de campo.

Traemos esta noche a Atmósfera su álbum debut “Membrane”, en el que el dúo audiovisual explora la delgada línea entre la naturalidad y la artificialidad. El examen de los límites de ambos conceptos y la búsqueda de una puerta de enlace entre ellos se reflejan en las ocho canciones eclécticas de Membrane, que abarcan una amplia gama dentro del espectro de la música electrónica, procesando ambientes distópicos, arpegios hipnóticos, melodías melancólicas y samples de batería flotante.

ODIN KABAN

Odin Kaban es un veterano músico, compositor y productor multiestilo de música electrónica e instrumental, conocido por todos los Atmósferos, hemos seguido su carrera desde los inicios.

Estamos ante el duodécimo disco publicado por Odin Kaban que contiene cinco temas de música electrónica creados entre 2013 y 2019, pero que tienen una esencia en común, tanto estética como técnica.

Escuchando esta noche un par de temas de “Maniac Dreams” de Odin Kaban, que el mismo define como "música de algún modo “maniaca” que se aproxima a estilos como el electro o el braindance. Todos los temas fueron creados a través de largas improvisaciones, capa por capa, dejando que lo ocurrido en la primera, inspirase a la segunda, estas dos juntas a la siguiente y así sucesivamente.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Papiro - La Finestra Dentata - La Finestra Dentata

Papiro -  Il Grande Anatroccolo  - La Finestra Dentata

Sophie Fetokaki - Bist Du Bei Mir - V.A. Outside The Lines Vol. 4

Quiet Noise - Children'sToys - Story Machine

Quiet Noise - ClimbingTrees - Story Machine

Ô Lake - Death Valley – Gerry

Ô Lake - Desert – Gerry

Col.Lectiu Camí Fondo - Sera Cuchillo O Buena Suerte - A Proposito De DebrahWycliffe

Murcof - DividingSpace - The Alias Sessions

RandomOrchestra - Membrane - 01 Inhale

OdinKaban - ManiacLifes - ManiacDreams

OdinKaban - ManiacDreams - ManiacDreams

Matthias Grübel, An Moku &Stefan Schmidt

 

SICKER MAN

Iniciamos nuestra Atmósfera con Tobias Vethake, artista inquieto que comenzó a componer y arreglar música para cine y televisión durante sus estudios en la Universidad de Música, Drama y Medios de Hannover.

Desde 2005 también ha estado componiendo música para teatro, artes escénicas, instalaciones y obras de radio, además de lanzar álbumes bajo sus propios proyectos musicales como el dúo de jazz electrónico Mini Pops Junior en su sello blankrecords y promover  también una plataforma para artistas nuevos, aún no establecidos, como el colectivo de sonido experimental Bohemian Drips.

Su proyecto en solitario Sicker Man es el punto focal de su creación artística, donde transfiere sus visiones musicales a la realidad, combinando la composición clásica con paisajes sonoros. Su instrumento es el violonchelo eléctrico.

Abrimos hoy “Dialog” un disco en el que Vethake colabora con diferentes artistas con quienes establece “diálogos”, es decir puntos de encuentro donde se fusionan los sonidos, notas y ruidos de cada artista. 

En concreto, en el “Dialog with Ángela Muñoz Martínez”, que escuchamos esta noche, las texturas electrónicas van acompañadas de una rítmica constante, junto con las cuerdas zigzagueantes. 

BENGALFUEL

La dualidad de lo que Joe LiTrenta y Miki Kizh han creado con “Auriemma” se revela en cada una de sus escuchas.

“Auriemma” está indudablemente influenciada por el fallecimiento de 2 hermanos cercanos a los artistas. Rob y Aidan murieron en accidentes separados unas semanas el uno del otro. Así que el resultado es una grabación sombría y embrujada, pero de alguna manera conserva algo de optimismo en cada una de sus extensas pistas.

Los acordes aparecen en el aire y luego se expanden por lo que parece una eternidad. Los colchones de sintetizador están construidos en un tapiz de ruido reluciente, aunque con un hermoso sonido de drone, mientras que unas notas cavernosas distantes sombrean el fondo luminoso

MATTHIAS GRÜBEL

No nos importa reconocer que Matthias Grübel nos ha hechizado y nos ha sido imposible elegir sólo un tema de su impecable “Futuro”. Vamos a escuchar tres cortes.

El músico y productor berlinés Matthias Grübel trabaja como compositor de bandas sonoras para producciones teatrales. A lo largo de los años, el sonido de sus proyectos en solitario se ha transformado en una mezcla conmovedora y ambiciosa de música electrónica contemporánea por un lado y las texturas más experimentales arraigadas en su trabajo de música escénica por el otro, siempre con un fuerte enfoque en la 'escucha'.

En abril de 2021 Matthias Grübel lanzó su EP “Futuro2, un EP de electrónica flexible y emoción humana. Una colección rítmica y dinámica que se contrapone a un horizonte futurista que podría destrozar tu corazón. 

“Futuro” de Matthias Grübel, es un trabajo que ilustra la destreza y la comodidad de Matthias Grübel para navegar y explorar a través de los ejes del Techno, la IDM y el Elektro, al tiempo que devuelve su punto cero a la belleza y vulnerabilidad de la condición humana.

Con “Futuro”, Matthias Grüble ilustra su apertura para colaborar e innovar.

BENJAMIN FINGER

Con dos nuevas composiciones electrónicas llenas de paisajes sonoros de tierras lejanas, bucles vocales y toques de un piano solitario, Benjamin Finger nos lleva en un glorioso viaje meditativo. Este viaje, visto a través de los ojos de Benjamin, también aparece en un libro de fotografías de edición limitada, con una selección muy personal de fotografías tomadas entre 1997-2020. Es una colección de fotografías de varias exposiciones, cortometrajes, videos musicales, trabajos para televisión, documentales y viajes privados que el artista realizó a lo largo de estos años.

El 15 de enero de 2021, el noruego Benjamin Finger lanzó su álbum Exit du Départ, un álbum que hizo el número 15 de Benjamin, un disco que lleva al oyente a un sinuoso viaje que se mueve entre paletas diferentes, entre collages psicológicos, improvisaciones monótonas, miniaturas de piano, minimalismo clásico, pop desordenado y una música de baile distorsionada. Un cóctel de texturas emocional que resulta en un mundo borroso, brillante y psicodélico.

AN MOKU & STEFAN SCHMIDT

Abrimos esta noche el primer capítulo de la trilogía "Raum" de Dominik Grenzler alias An Moku y Stefan Schmidt. Paisajes sonoros ambientales elaborados muy delicadamente con bajo, violonchelo, electrónica y grabaciones de campo.

Para muchos músicos, el confinamiento de la primavera de 2020 supuso tener más tiempo para crear música, experimentar y tal vez incluso comenzar un proyecto completamente nuevo con alguien con quien nunca antes había trabajado.

Cuando Dominik Grenzler alias An Moku, artista sonoro y bajista afincado en Zúrich, se acercó a Stefan Schmidt (guitarrista, compositor e improvisador de Baden-Baden) con la idea de colaborar, saltó la chispa inicial para un proceso fructífero e intercambio artístico y en tan solo un par de semanas lograron crear un álbum vanguardista y armónico al mismo tiempo.

A pesar de su abstraccionismo, “Raum” tiene un sentimiento muy orgánico y contiene una riqueza de detalles y sonidos finamente procesados ​​de diferentes orígenes como el bajo, el violonchelo, las grabaciones de campo y una amplia gama de equipos electrónicos.

Según los dos músicos, el proceso de creación de las diez pistas de este “Raum”, fue fluido e intuitivo, sin apenas necesidad de discutir el concepto o los detalles, la comunicación tuvo lugar dentro de la música y los archivos intercambiados.

ALESSANDRO BARIS

En el programa del 25 de abril escuchamos a Alessandro Baris. Dijimos que volveríamos a él, y no se nos ha olvidado.

Esta noche lo recuperamos con este tema, “Embers” de su disco Sintesi que cuenta con la colaboración de Emma Nolde.

Y sí, nos gustó mucho el tema que pusimos ese 25 de abril y lo traemos de nuevo.

Este tema es “Last Letter to Jayne”, el primer single extraído de SINTESI, que ha supuesto el Ep debut en solitario del multiinstrumentista, compositor y productor de música electrónica italo-estadounidense residente en Bolonia, Alessandro Baris, y es el resultado de una colaboración a distancia con Lee Ranaldo, guitarrista y vocalista de la legendaria banda alternativa estadounidense Sonic Youth.

 

NORMAN WESTBERG & JACEK MAZURKIEWICZ

El disco “First Man in the Moon” une a dos espíritus afines en sus 5 evocadoras pistas: el ex guitarrista de Swans y habitual de Hallow Ground, Norman Westberg y al prolífico contrabajista Jacek Mazurkiewicz.

 La pareja encuentra puntos en común más allá de los límites del dron atmosférico, el jazz abstracto y la música experimental y difumina las líneas entre lo acústico y lo electrónico.

Los dos se conocieron cuando el compositor Mazurkiewicz apoyó a Swans con su proyecto en solitario 3FoNIA en su gira europea de 2014. Tomaron entonces, la decisión de colaborar y cuando el músico estadounidense regresó a Europa del Este para apoyar a Michael Gira en su gira en solitario a fines de 2019, Mazurkiewicz se acercó a él con la idea de reservar algo de tiempo en el estudio antes de los dos conciertos de Gira en Varsovia.

El titulo de este trabajo expresa a la perfección el sentimiento de ingravidez que prevalece en todo el disco, aunque, incluso en su forma más abstracta, estas cinco improvisaciones convertidas en composiciones siguen siendo tangibles y animadas.

FOODMAN

Foodman es Takahide Higuchi, de Nagoya, una ciudad entre Tokio y Osaka en el centro de Japón.

Como músico, la sensación de libertad que encontró en el Juke y el Footwork, a principios de la década de 2010, fue una influencia formativa en su música.

Takahide Higuchi ha producido para otros artistas y forma parte del dúo de psych-rock / trap,  “Kiseki” junto a Taigen Kawabe de Bo Ningen, quien también es invitado en el álbum que escuchamos esta noche “Yasuragi Land”.

Takahide Higuchi fue músico callejero en su adolescencia y se inspiró para este álbum al reunirse e improvisar, algo que no era posible mientras lo escribía. Extrapolar ese sonido y ese sentimiento con VST’s de guitarra, samples y percusión hiperrítmica es el núcleo de “Yasuragi Land”.

Como fácilmente podéis  adivinar por su apodo, Foodman y  por la portada del álbum, Foodman también es un gran fanático de la comida y su instagram está lleno de delicias culinarias y algunos títulos de las pistas del álbum están inspirados en comer en Michinoeki, las estaciones de servicio de las autopistas japonesas y los simples placeres de visitar regularmente el Sento local (baños públicos japoneses).

El tema que escuchamos esta noche “Hoshikuzu Tenboudai” rebota alrededor de los altavoces y se siente como una actualización polirrítmica inductora al trance de los minimalistas de Nueva York, programada más allá de las limitaciones humanas

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Sicker Man - Dialog With Angela Munoz Martinez  - Dialog

Bengalfuel - Cynthia Everywhere – Auriemma

Matthias Grübel -  White Night [Feat. Mea Lux] - Futuro

Matthias Grübel - Beach Wolf – Futuro

Matthias Grübel - Waterfalls [Instrumental]

Benjamin Finger - Exit Du Dèpart - Exit Du Dèpart

An Moku & Stefan Schmidt - Bewegung - Raum

Alessandro Baris Feat. Emma Nolde - Embers – Sintesi

Alessandro Baris - Last Letter To Jayne (Feat. Lee Ranaldo)

Norman Westberg & Jacek Mazurkiewicz - First Man In The Moon - First Man In The Moon

Foodman - Hoshikuzu Tenboudai - Yasuragi Land

YANN NOVAK, FLY PAN AM

 

YANN NOVAK

Hemos comenzado Atmósfera con Yann Novak y su “Finding a Way to Live”, un track de aproximadamente 23 minutos, con el que el estadounidense quería explorar el impulso instintivo e interminable de la humanidad por recalibrarse para soportar un mundo en constante cambio. Esta noche escucharemos un amplio extracto de “Finding a Way to Live”

Nos cuenta Novak que el momento en el que lanzó esta pista conecta inevitablemente con el coronavirus; sin embargo, también reconoce que esta pandemia es solo el último de los muchos obstáculos que hemos enfrentado, tanto a nivel individual como colectivo. Novak confiesa que ha aprendido a vivir con daltonismo parcial, problemas de aprendizaje, su rareza, las drogas, la sobriedad, el tinitus y muchas otras cosas.

Si imaginamos la vida como una serie de patrones demasiado amplios para verlos en el momento, podemos reconocer que hemos encontrado una manera de atravesarlos. Entonces también podemos asumir que no importa el obstáculo, podemos encontrar una manera de vivir con él.

Yann Novak compuso  “Finding a Way to Live” de manera similar, utilizando patrones grandes que solo se pueden ver cuando se mira la pieza como un todo, fuera de tiempo. En esencia, la música de drones trata de aclimatarse a un estado para afinar y ganar la sensibilidad necesaria para percibir y apreciar los cambios sutiles.

BARANSU PROJECT

“Atmospheric  Landscapes “ de Baransu, es un proyecto que se desarrolla en los capítulos "I" y "II" y transmite, a través de la escucha, la retórica de un pasado que nos hace conscientes de un futuro inminente.

Baransu (del japonés: equilibrio) es la colaboración entre el músico Matteo Gualeni y el diseñador gráfico Michael Barteloni. Baransu pretende moldear, a través de la interacción en tiempo real, la sinestesia entre el mundo de lo audible y lo visible, creando una atractiva dimensión perceptiva.

Influenciados principalmente por sellos como Raster-Noton, el Warp de los 90, r & s relases y también la estética cibernética y post-natural, su investigación se refiere a la reelaboración de información simbiótica percibida en estructuras naturales y digitales en gráficos generativos y composición de sonido.

Los sonidos delinean tramas introspectivas que oscilan entre la serenidad pasiva y la tensión, una escucha que presenta un escenario de la inquietud del bienestar. Domina la percepción de una estratificación sonora en la que los diferentes niveles, o corrientes, se confunden en una escucha activa-exploratoria.

El hombre y la naturaleza, protagonistas de una relación que a lo largo de la historia ha perdido todo fundamento de origen, son ahora ondas divergentes de un mismo fenómeno entrópico que no puede encontrar la paz. En cambio, deberíamos entender que todo es sintropía (es decir, fenómenos que no pueden ser causados ​​por el hombre) y que la dimensión utópica del dominio del hombre sobre la naturaleza no es más que una ilusión.

FLY PAN AM

Fly Pan Am ha compuesto parte de su música más directa y visceral para la conocida pieza de danza moderna FRONTERA, de la compañía con sede en Montreal  “Animals Of Distinction”.

Yuxtaponiendo una potente, premonitoria y minimalista electrónica con un  motorik avant-rock, el álbum de estudio de Frontera captura magníficamente las piezas instrumentales erizadas, esculpidas e intensamente evocadoras, que Fly Pan Am desarrolló en estrecha concepción y colaboración con los bailarines.

Hemos recogidos para esta noche dos de sus piezas. Esta primera “Grid/Wall”, junto a otras tres más, combina la electrónica y el espartano avant-rock, para conseguir poner a los cuerpos en un movimiento alternativamente furtivo y laborioso.

Continuamos con un tema más del disco de estudio de “Frontera” compuesto por Flay Pan Am. Como demuestran las grabaciones de Frontera, la música también funciona poderosa y excepcionalmente bien por sí sola: oscila entre tensión y liberación; evocando interzonas abiertas, ansiosas y espacios cerrados, claustrofóbicos.

Las grabaciones de campo aportadas por David Bryant (Godspeed You! Black Emperor, Hiss Tracts, Set Fire To Flames) comprenden parte de la materia prima del contenidos sonoros de “Frontera” que, por otro lado, sigue fielmente a la narrativa del trabajo original, donde ocho movimientos (con una compañía de 10 bailarines) fluyen desde un caos controlado y una cinética tensamente coreografiada hasta piezas lentas y desgarradoramente austeras.

Esta potente actuación multimedia, enmarcada por el diseño de iluminación austero e incomparable de United Visual Artists, es una meditación perspicaz y profundamente conmovedora sobre las fronteras y la vigilancia, la resistencia y la separación, la solidaridad y la cooperación; cuerpos bloqueados y reprimidos, vigilados y perseguidos, escondidos y escapando, añorando y superando.

YAIR ETZIONY

“Enxio” es el undécimo lanzamiento, del veterano compositor israelí Yair Etziony, quizá su álbum más emotivo hasta la fecha: la vida, la muerte, el capitalismo insostenible y las esperanzas aplastadas de la hipermodernidad se mezclan en una narrativa que examina la desolación y la desaparición.

Comenzamos la escucha de Enxio con este tema: “- It’s a graveyard” (es un cementerio)

En los últimos años, Berlín comenzó a convertirse en uno de los principales centros de startups en Europa. Algunas personas acuñaron el término "Silicon Allee" y afirmaban que era  el nuevo Silicon Valley. Como experto en tecnologías de la información, Etziony comenzó a trabajar en una startup relativamente famosa en el verano de 2018. Desde el momento en que ingresó a la oficina, fue evidente para él que algo andaba mal.

Durante un par de meses, grabó y escribió música sobre lo que veía, los componentes básicos de esa nueva vida: tecnología, negocios, personas y, por último, pero no menos importante. , la cultura. Los títulos de las pistas de Enxio representan el mismo tema, y ​​son comandos técnicos para cerrar y apagar los sistemas, citas de otros trabajadores o tal vez la sensación y el suceso de una startup moribunda, lo que llevó a Etziony a crear unas composiciones distópicas, situadas en un lugar aún más oscuro y desolado de lo habitual. Este segundo tema se titula “Job interviews”

MYCROTOM

Como podríamos definir la música de Mycrotom. Se puede aplicar el término “micro” entendido como música microscópica en miniatura o debemos entender que hay un gran artista muy modesto detrás de este alias? Quizá debamos entender lo segundo porque el italo-canadiense Tom Simonetti alias mycrotom ha creado  sonidos de formato bastante grande en la ciudad alemana de Bertolt Brecht, Augsburgo.

Abrimos esta su debut en solitario, “Iquito Bird”,  que presenta sus habituales paisajes sonoros en los que puedes salir del trabajo y marcharte. Paisajes sonoros sobre los que volar. Un disco en el que los detalles y las estructuras se despliegan a lo largo del camino, con el tiempo. Con cada escucha obtienes más y más.

M. RAHN

Desde principios de los 90, el alemán Matthias Rahn, ha garantizado una exquisita mezcla de techno minimalista, dub y ambient y escuchando dos temas de su disco “The Lost Archives” vamos a cerrar nuestra primera hora de Atmósfera

Después de lanzar varios álbumes y EP en varios sellos como Trapez, Konvex-Konkav, Neuron Music o Night Drive Music entre 2001 y 2017, su debut para Seasides on Postcards fue lanzado en 2018 con Paradise is Closed.

Terminamos la escucha de “The Lost Archives” de M. Rahn con este “Light Polution”

Como sugiere el título, “The Lost Archives”, es una colección de joyas musicales que se crearon entre 1998 y 2008, cinco de ellas inéditas. A pesar de que “The Lost Archives” es una recopilación, funciona como un álbum muy homogéneo y atemporal, cuya tensión va desde el palpitante dub techno hasta los respirables pasajes ambientales.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Yann Novak - Finding A Way To Live

Baransu Project -  Depths II - Atmospheric  Landscapes I

Fly Pan Am - Grid Wall – Frontera

Fly Pan Am - Scaling – Frontera

Yair Etziony - It'S a Graveyard – Enxio

Yair Etziony - Job Interviews – Enxio

Mycrotom - Ratoratiyo - Iquito Bird

M. Rahn - Stream - The Lost Archives

M. Rahn - Light Polution - The Lost Archives

KZAUYA NAGAYA, MIA ZABELKA, CONNY FRISCHAUF

 

KAZUYA NAGAYA

Iniciamos nuestra Atmósfera con un conjunto de artistas reunidos en torno al trabajo de Kazuya Nagaya “Microscope of Heraclitus” lanzado con Indigo Raw en 2018.

Nombre como Murcof, Coco Francavilla, Michael Gary Dean (aka Wiklow) y Eviltapes & Mirus, aportan sus remezclas a la obra maestra de Kazuya Nagaya. Abrimos este “Microscope Of Heraclitus Reworks” con la visión de Michael Gary Dean del tema Crossing Water.

Escuchamos un tema más de “Microscope Of Heraclitus Reworks”, Gravity, en la remezcla de Coco Francavilla.

“En el microscopio de Heráclito la muerte es necesaria y cuidada. El olvido es un cometa que deja un rastro melancólico. En el microscopio de Heráclito Una voz amada es la prisionera de una vieja radio que resuena en una casa vacía. En el microscopio de Heráclito siempre es invierno y una tierna locura brilla en la mirada solitaria del observador ". Poema de Nadieco

MIA ZABELKA & ICOSTECH

La violinista Mia Zabelka trata en su música la interacción acústica entre el cuerpo y el entorno que lo rodea, con especial énfasis en el “gesto sonoro”. El gesto sonoro es la noción de cómo se mueve el sonido y cómo se mueve el cuerpo al mismo tiempo: la encarnación del sonido, un vínculo intuitivo cuerpo-sonido-máquina.

Recorremos hoy tres piezas de su delicioso y contundente “Afterschock”, el resultado de la colaboración de la austriaca Mia Zabelka y el bajista y guitarrista de metal extremo Arun N (Bangalore) en el que reflejan sus respectivos estilos y maneras de interpretar que pasan por ambientes relajantes y texturas cambiantes que dan paso a partes improvisadas creadas predominantemente a partir de violín y bajo y guitarra.

Escuchamos un tema más de “Afterschok” de Mia Zabelka.

Dice el músico austriaco Werner Jauk: “El gesto sonoro es un paradigma para una experiencia física de virtualidades hedonistas, basado en estímulos, y como tal, representa un enfoque de investigación artística para un lenguaje corporal para el intercambio entre el cuerpo humano y su entorno”.

Terminamos por hoy la escucha de “Afterschock” de Mia Zabelka.

Mia Zabelka está muy interesada en la interdisciplinariedad entre la música y la ciencia. El término "música científica" es el que mejor se aplica  a su trabajo. Su música va más allá de las melodías, las armonías y el ritmo. La música científica se ocupa de hacer audibles los procesos mecánicos automáticos. Es ruido, movimiento, automatización, división, simbiosis, disonancia y resonancia.

Aunque esta moche hemos escuchado tres temas de “Aftershock”, este trabajo ha sido creado todo en una sola onda empaquetada en un sólido set de 60 minutos destinado a ser escuchado de principio a fin, de una sentada.

CONNY FRISCHAUF

La música del artista vienesa Conny Frischauf es un torbellino de Kraut, electrónica y synth pop que arroja una nueva luz sobre la tradición para crear un sonido fresco y contemporáneo.

Después de sus EPs  “Effekt & Emotion“ de 2018 y  “Affekt & Tradition“  de 2019, ha llegado el momento de que Conny  Frischauf entregue su primer larga duración titulado “Die Drift” (La Deriva).

“Die Drift” de Conny Frischauf presenta una absoluta inmediatez debida en gran medida a la aptitud de Frischauf para integrar estructuras de sonido experimentales en el microcosmos de una canción pop.

 

RICHARD VON DER SCHULEMBURG (RDVS)

El músico, sintetista y DJ de Hamburgo RVDS se une a las filas de Bureau B con los sonidos meditativos y melifluos de "Moods and Dances 2021", un presente musical del pasado futuro.

Nos vamos a atrever esta noche con dos de sus temas, y que conste que nos ha sido difícil decirnos sólo por dos. Este es “Miamis Summer”

Inspirado por la electrónica exótica e imaginativa de otro mundo de la edad de oro de la música de biblioteca, Richard von der Schulenberg nombre real detrás de Rdvs, evoca palmeras y pirámides, paseos y portales, todos observados desde el corazón de una Holodeck. Una Holodeck u holocubierta, es una ficticia instalación de realidad simulada de inmersión con hologramas que se encuentra en naves y bases estelares en el universo de Star Trek. La holocubierta fue vista por primera vez en el primer episodio de Star Trek: La nueva generación, «Encuentro en Farpoint».

La música de Richard siempre ofrece una experiencia inmersiva, pero quizás nunca más directamente que con este último trabajo.

PROC FISKAL

La historia familiar de Proc Fiskal, también conocido como Joe Power, está en la música folclórica; su abuelo paterno Archie Fisher participó activamente en el resurgimiento del folk escocés de los años 60, su abuelo Al Fraser tocaba la gaita y su tía abuela era la cantante del icónico grupo folclórico infantil 'The Singing Pava'. Es este bagaje cultural, junto a la música de baile modernista que Power practica, lo que aporta un elemento personal  a todo lo que hace.

Traemos esta noche, Lothian Buses, un EP de colisiones de géneros que amalgama el sonido grime centelleante y cafeinado de Proc Fiskal con los ritmos y sonidos de otros géneros, sin pensarlo demasiado.

Escuchamos en este tema “Baguettes” el sonido Proc más clásico, ritmo galopante contra una melodía escasa.

NEURO... NO NEURO

Neuro ... No Neuro (NNN) es el alias del músico electrónico Kirk Markarian, un sintetista / productor de música abstracta que reside en el árido desierto de Tucson, Arizona.

A mediados de 2021 lanzaba “Object Models” adoptando un enfoque más amplio, pero calculado, tanto en el sonido como en la composición de sus elementos.

Si bien algunas de estas piezas tratan sobre experiencias neurológicas anteriores y actuales, el enfoque general de este “Object Models”, se centra en los cambios de personalidad debidos al daño neurológico.

MISSION TO THE SUN

Mission to the Sun sintetiza paisajes ambientales y postindustriales con arreglos expansivos y voces inquietantes.

Compuesto por Christopher Samuels de Ritual Howls en los sintetizadores, muestras y programación y Kirill Slavin en la voz, el dúo, con sede en Detroit, crea una atmósfera de lamentación por un mundo dejado atrás.

Los fragmentos de ruido industrial y sintetizadores hipnóticos de Samuels, se complementan a la perfección con la voz de Slavin que lamenta el trabajo penoso de la vida cotidiana y la pérdida de la conciencia universal.

Terminamos nuestra primera hora de Atmósfera con el álbum debut del dúo, Cleansed by Fire, que lleva al oyente a un viaje de regreso al infierno del sol, navegando por los recuerdos de una vida vivida, disuelta en el tiempo.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

Kazuya Nagaya - Crossing Water  (Michael Gary Dean Rework) - Microscope Of Heraclitus Reworks

Kazuya Nagaya - Gravity (Coco Francavilla Rework) - Microscope Of Heraclitus Reworks

Mia Zabelka & Icostech - Prelude To Shock – Aftershock

Mia Zabelka & Icostech - Interlude – Afterschock

Mia Zabelka & Icostech - Colliding Indigenous Forms _ Shock Aftershock

Conny Frischauf - Rauf - Die Drift

Conny Frischauf - Fenster Zur Straße - Die Drift

Richar Von Der Schulemburg (Rvds) - Miamis Summer Tune Moods And Dances

Richar Von Der Schulemburg (Rdvs) - Dance Of The Space Pentax - Moods And Dances

PROC FISKAL - Baguettes - Lothian Buses

Neuro… No Neuro - Fractured Relaxation - Object Models

Neuro... No Neuro - Calcified - Object Models

Mission To The Sun - Cleansed By Fire

Ben Glas, Barbara Ellison, Matt Rösner

 

AUVINEN

Comenzamos nuestro programa de hoy con una figura muy particular.

Johannes Auvinen ha sido un gran protagonista del acid durante más de una década produciendo una gran cantidad de acid y acid house bajo el sobrenombre de Tin Man.

Abrimos esta noche “Akkosaari” publicado con  Editions Mego, un trabajo que navega por una zona completamente diferente. Basándose en la historia de la música electrónica, Akkosaari es un viaje trascendental lejos del sensual frenesí de las pistas de baile sudorosas y empapadas de ácido al que Auvinen nos tenía acostumbrados.

Akkosaari se encuentra en medio del komische kósmico de los Jenseits de Ash Ra Temple, el trascendentalismo ingrávido de la “Trilogie de la mort” de Eliane Radigue y la producción más glacial del catálogo de Sähkö. El ritmo se vuelve más suave a medida que nos adentramos más en un mundo diferente al que habitamos, estas máquinas sónicas son más una segunda vida que la que uno emula a la vida real. Las brumas cautivadoras y envolventes de neblina psicodélica nos llevan a lo largo de este delicioso “Akkosaari” a un vívido viaje mental, y como todo viaje, recomendamos sucesivas visitas a “Akkosaari”

BEN GLAS

El debut de Ben Glas en Focused Silence“Noise For Quantum Listening” es una colección de piezas experimentales, compuestas con el único propósito de explorar el uso del cerebro y la cognición del oyente como instrumentos interactivos, el resultado de combinar los principios gestálticos con técnicas psicoacústicas

Ben Glas (n. 1992) es un compositor experimental afincado en Berlín. A través de composiciones efímeras, la obra de Glas cuestiona las nociones preconcebidas entre los actos de audición pasiva y escucha activa. Al buscar descubrir formas abiertas de música y perspectivas pragmáticas de escucha, las composiciones de Glas se centran en los reinos de la percepción subjetiva y la cognición, mediante el uso de la acústica, la psicoacústica y el espacio como herramientas para la composición sonora.

“Noise For Quantum Listening” es una ventana abierta para que los oyentes interactivos exploren formas abiertas de escucha, sigan sus pensamientos o simplemente den un vuelco a su mente. A través de la saciedad sónica, la relatividad espacial y la superposición, Noise For Quantum Listening fija la percepción del oyente en sí mismo, para revelar nuevas posibilidades de escucha.

MATT RÖSNER

En 2005, Matt Rösner creó “Alluvial”, una de las primeras ediciones del prestigioso sello Room40, un trabajo de electrónica templada y tonalidad reductiva.

Ahora, una década y media después, regresa al sello, después de haber tomado un descanso prolongado en la música para trabajar como ingeniero en las partes más remotas de Australia Occidental. Imbuido por los mundos sonoros de esta época, “No Lasting From” es su reflejo y transcripción de los juegos de luces cambiantes y los campos sonoros que componen estos entornos remotos y evocadores.

Debido al profundo proceso, a veces introspectivo, de creación de este álbum, “No Lasting From” se siente como si fuera una habitación habitada o un par de zapatos viejos, o ese precioso recuerdo que tienes del pasado ... refleja los tiempos y lugares en los que Rösner ha habitado.

BARBARA ELLISON

Descubrimos el particular mundo que Barbara Ellison despliega en “CyberSongs”, un "ciclo de canciones transhumanas para voces de computadora similares a las humanas.

Con este trabajo, Ellison profundiza en las complejidades sónicas de los avatares de voz y la 'musicalización' de TTS (Text-to-speech), un tipo de aplicación de síntesis de voz que se utiliza para crear una versión de sonido hablado de texto sin procesar en una computadora. I

En los 13 temas de este CyberSongs”, Barbara Ellison crea texturas hipnóticas de enunciados vocales mediante el uso intensivo y extensivo de la repetición, como herramientas y materiales para dar lugar a fenómenos audibles sorprendentes de una musicalidad fascinante y extraña.

En este ciclo obsesivo de canciones transhumanas, las palabras, los morfemas, los fonemas, las frases y las partículas del habla adquieren nuevos significados auditivos en constante cambio.

Estas voces finalmente se establecen dentro de un entorno de sonido electrónico, con referencias a instrumentos del mundo real, que pueden describirse como con una estética pop o jazz desquiciada.

EFFE EFFE

"Tuning Scapes" es el EP debut de effe, el proyecto en solitario de la compositora, diseñadora de sonido y violinista, Federica Furlani. Comenzamos escuchando el tema que abre este trabajo y que, consecuentemente, si titula Intro, una invitación, así como una declaración. Un arpegio de viola, tan simple como podría ser.

Continuamos la escucha de “Tuning Scapes” de Effe con "Eight Pointed Star", una oda a la feminidad, al sonido puro y la vibración sin concesiones

"Tuning Scapes" es la culminación de la investigación de effe en la música, diseño de sonido y paisaje sonoro, formulando una hipótesis electroacústica que ofrece una forma de escuchar el mundo a través de una nueva lente. Es una armonización de ruidos con sonidos digitales, grabaciones de campo con los timbres electrónicos más minimalistas, patrones de cuerdas con pocas pero sólidas estructuras rítmicas, movimientos transitorios y espacios de contemplación.

"Tuning Scapes" deja sentir una tensión entre el caos y el orden, lo abstracto y lo tangible, lo digital y lo analógico, los mundos interior y exterior, y la mezcla orquestal de esta dualidad variable.

CUT WORMS

Después de sus álbumes exitosos Lumbar Fist (2016) y Cable Mounds (2017), el artista multimedia holandés Richard van Kruysdijk presentaba en marzo de este 2021 “Breath Mule”, que marca la culminación de la trilogía y su lanzamiento final bajo el sobrenombre de Cut Worms y creado de una manera igualmente intuitiva como los dos álbumes anteriores.

Una vez más, Van Kruysdijk utilizó una serie de efectos ingeniosamente interconectados para manipular fuentes electrónicas simples, generadas principalmente por un sintetizador monofónico (Moog Werkstatt) y un autoarpa de circuito (Suzuki Omnichord).

Van Kruysdijk construye sus composiciones improvisando desde cero sin ningún sonido, beats o loops prefabricados y las graba directamente en 2 pistas en su estudio. La paleta de sonidos de Cut Worms está firmemente arraigada en las frecuencias más bajas. A medida que evolucionan las cinematográficas pistas, los drones, sus sonidos arenosos que se deshacen lentamente evocan el equivalente en audio a la arquitectura brutalista: paredes de hormigón de sonido que son tan majestuosas como elementales, pero intrínsecamente detalladas cuando se examinan con una lupa.

RUTGER HOEDEMAEKERS

Y seguimos en los Paises Bajos. Despedíamos el mes de agosto con el compositor holandés Rutger Hoedemaekers, recientemente fichado por el sello 130701 de FatCat. El holandés hacía su debut en solitario con un álbum impresionante que marca la culminación de una década en el entorno del estudio hiper-creativo que cofundó en Berlín, incluidos cuatro años trabajando en estrecha colaboración con Jóhann Jóhannsson.

 “The Age Of Oddities”, sonoramente rico, emocionalmente profundo e inmaculadamente interpretado, muestra a un nuevo y brillante talento cuya elocuencia cinematográfica atestigua las experiencias de Rutger componiendo para películas junto a la ganadora del Oscar Hildur Guðnadóttir y Jóhannsson, para quienes el álbum es en parte un elogio.

NAU LEONE

"Tragedy Of The Commons", de Nau Leone se circunscribe en la más pura electrónica.

Para este trabajo Nau Leone se ha inspirado en "The Outlaw Ocean" el bestseller del periodista, y ganador del premio Pullitzer, Ian Urbina. Este libro trata sobre los peligros que nos podemos encontrar en el mar desde el narcotráfico hasta el tráfico de personas, la contaminación o la pesca ilegal...

Nau Leone, ha incluido en los temas de “Tragedy Of The Commons” algunos sonidos grabados por el periodista, dándole así al proyecto aún más sentido.

LANDIKHAN

El 28 de febrero os presentábamos a Landikhan, uno de los productores más en forma del panorama electrónico español que ha colaborado con artistas como Rodrigo Gallardo, Ed is Dead o Matthew Styles y desde hace dos años es Dj habitual de la icónica fiesta Woomoon donde ha compartido cabina con Blond:ish, Rampa u Oliver Koletzki.

Nos gustó mucho su “Earth Chronicles” y escuchamos un par de temas en aquel programa. Hoy lo recuperamos para acabar esta primera hora de Atmósfera escuchando otros dos temas. Al final lo vamos a acabar descubriendo en su totalidad.

Escuchamos, para terminar, ahora sí, nuestra primera hora de Atmósfera un segundo tema del disco “Earth Chronicles” de Landikhan, Nibiru, una remezcla de Hernan Cattaneo  y Martin Garcia.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Auvinen - Syksyn Jäät Ääntelee - - Akkosaari

Ben Glas - Noise For Quantum Listening  - Noise For Quantum Listening

Matt Rösner -  Celestial - No Lasting Form

Barbara Ellison - Cybersongs#01 / Ekay Noie - Cybersongs

Barbara Ellison - Cybersongs#06 / De Auflaan De Pussychat – Cybersongs

Effe Effe - Intro - Tuning Scapes

Effe Effe - Eight Pointed Star - Tuning Scapes

Cut Worms - Denmark Spiral - Breath Mule

Rutger Hoedemaekers - Goodbye, Donald - The Age Of Oddities

Nau Leone - Be The Change - Tragedy Of The Commons

Landikhan - Quimera Cósmica

Landikhan - Nibiru (Hernan Cattaneo /Martin Garcia Remix)

Festival LEM 2021

 

Esta noche tenemos un programa especial dedicado al Festival LEM  que aunque este año celebra el XXVI Dispositivo LEM, Gràcia Territori Sonor cumplió veinticinco años de existencia el pasado mes de abril. Como todos nos podemos imaginar El OFF LEM 2020 se hizo en unas circunstancias muy difíciles, ya os ofrecimos un especial Atmósfera LEM con los contenidos que desarrollaron en la pasada edición, y según ellos mismos nos cuentan, justo eso les hizo mirar hacia dentro, al talento de casa y a quien, en el caso de las músicas experimentales, no se les dan suficientes oportunidades.

Siguiendo la senda del  ciclo de Encuentros en el Espacio-Tiempo, durante el invierno y la primavera hemos podido ver propuestas inéditas y muchos artistas que no habían participado nunca en sus acciones, con bastante presencia joven y especialmente de mujeres. En esta edición del LEM habrá unas cuantas muestras más, que se combinarán con artistas y proyectos con trayectorias más que consolidadas.

Escucharemos en el programa que dedicamos esta noche al LEM 2021:

• Dos extractos de los conciertos de Blacflower y Laia Vallès y Amidea Clotet

 

• Los trabajos de algunos de los artistas que actuarán en el LEM, como Lubianka, Granular Bastards, White Nerve Connection, Inhumankink y la “Microtopía” de Juan Creck.

CONCIERTO IHHH & DESILENCE en el Centro Botín de Santander

Esta noche os ofrecemos el concierto de IHHH & DESILENCE grabado el 3 de septiembre en el Centro Botín de Santander dentro del ciclo Música Abierta. Visiones Sonoras.

Durante la emisión de este concierto escucharemos a los protagonistas hablándonos de lo que vivieron en el escenario y de su proceso creativo y de trabajo.

Os dejamos aquí algunos extractos del concierto para que acompañéis la escucha del programa con las imágenes que creaban a tiempo real DESILENCE.

 

 

El último concierto de la temporada del ciclo lo protagonizaban IHHH y DESILENCE que se unían por primera vez para presentar en un directo audiovisual el álbum Consequences of the Lack of Light, un disco que aúna elementos de jazz, música clásica, ambient y música experimental y que cuenta con la colaboración del afamado pianista Marco Mezquida.

IHHH es el proyecto de Carlos Falanga, argentino afincado en Barcelona, que ha colaborado y girado con infinitud de artistas nacionales e internacionales como Jorge Rossy, Dick Oatts, Gorka Benitez, Colder, Matija Dedic, Bill McHenry o La Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu. Ha editado música en múltiples sellos como Salmon Universe, Zabra Records, Cudighi, Eternal Search, Fresh Sound, Sunlinxx, Emerald and Doreen, Finis Africae y Nein Records. Su último disco, Consequences of the Lack of Light, que puede recordar a artistas como Ryuichi Sakamoto, Nils Frahm o Debussy, salió a la venta el pasado mes de marzo a través de Foehn Records.

DESILENCE es un dúo formado por Tatiana Halbach y Søren Christensen, dos daneses afincados en Barcelona, referentes del mapping, la escenografía y los visuales en tiempo real. Su arte nace por el amor a la pintura y a capturar el movimiento, y durante más de una década han desplegado su trabajo en múltiples contextos como la creación de escenarios visuales para teatro y danza, instalaciones, música, moda o marcas corporativas. Han colaborado con artistas como Golden Bug, XTRNGR, John Talabot, Delafé y las Flores Azules o Desert, y actuado en festivales como Sonar, ADE o Primavera Sound; han creado visuales para giras de artistas como Franz Ferdinand, Keane o Russian Red, o para las Batallas de Gallos de Red Bull. Han presentado su trabajo en museos de todo el mundo como Le Gran Palais de Paris, MACBA de Barcelona, Tate Gallery de Londres, Guggenheim de Bilbao, La Villa Medici en Roma, NXT Museum de Amsterdam y su mapping en lugares como Moscú, Lisboa o Weimar.