Atmósfera

Ben Glas, Barbara Ellison, Matt Rösner

 

AUVINEN

Comenzamos nuestro programa de hoy con una figura muy particular.

Johannes Auvinen ha sido un gran protagonista del acid durante más de una década produciendo una gran cantidad de acid y acid house bajo el sobrenombre de Tin Man.

Abrimos esta noche “Akkosaari” publicado con  Editions Mego, un trabajo que navega por una zona completamente diferente. Basándose en la historia de la música electrónica, Akkosaari es un viaje trascendental lejos del sensual frenesí de las pistas de baile sudorosas y empapadas de ácido al que Auvinen nos tenía acostumbrados.

Akkosaari se encuentra en medio del komische kósmico de los Jenseits de Ash Ra Temple, el trascendentalismo ingrávido de la “Trilogie de la mort” de Eliane Radigue y la producción más glacial del catálogo de Sähkö. El ritmo se vuelve más suave a medida que nos adentramos más en un mundo diferente al que habitamos, estas máquinas sónicas son más una segunda vida que la que uno emula a la vida real. Las brumas cautivadoras y envolventes de neblina psicodélica nos llevan a lo largo de este delicioso “Akkosaari” a un vívido viaje mental, y como todo viaje, recomendamos sucesivas visitas a “Akkosaari”

BEN GLAS

El debut de Ben Glas en Focused Silence“Noise For Quantum Listening” es una colección de piezas experimentales, compuestas con el único propósito de explorar el uso del cerebro y la cognición del oyente como instrumentos interactivos, el resultado de combinar los principios gestálticos con técnicas psicoacústicas

Ben Glas (n. 1992) es un compositor experimental afincado en Berlín. A través de composiciones efímeras, la obra de Glas cuestiona las nociones preconcebidas entre los actos de audición pasiva y escucha activa. Al buscar descubrir formas abiertas de música y perspectivas pragmáticas de escucha, las composiciones de Glas se centran en los reinos de la percepción subjetiva y la cognición, mediante el uso de la acústica, la psicoacústica y el espacio como herramientas para la composición sonora.

“Noise For Quantum Listening” es una ventana abierta para que los oyentes interactivos exploren formas abiertas de escucha, sigan sus pensamientos o simplemente den un vuelco a su mente. A través de la saciedad sónica, la relatividad espacial y la superposición, Noise For Quantum Listening fija la percepción del oyente en sí mismo, para revelar nuevas posibilidades de escucha.

MATT RÖSNER

En 2005, Matt Rösner creó “Alluvial”, una de las primeras ediciones del prestigioso sello Room40, un trabajo de electrónica templada y tonalidad reductiva.

Ahora, una década y media después, regresa al sello, después de haber tomado un descanso prolongado en la música para trabajar como ingeniero en las partes más remotas de Australia Occidental. Imbuido por los mundos sonoros de esta época, “No Lasting From” es su reflejo y transcripción de los juegos de luces cambiantes y los campos sonoros que componen estos entornos remotos y evocadores.

Debido al profundo proceso, a veces introspectivo, de creación de este álbum, “No Lasting From” se siente como si fuera una habitación habitada o un par de zapatos viejos, o ese precioso recuerdo que tienes del pasado ... refleja los tiempos y lugares en los que Rösner ha habitado.

BARBARA ELLISON

Descubrimos el particular mundo que Barbara Ellison despliega en “CyberSongs”, un "ciclo de canciones transhumanas para voces de computadora similares a las humanas.

Con este trabajo, Ellison profundiza en las complejidades sónicas de los avatares de voz y la 'musicalización' de TTS (Text-to-speech), un tipo de aplicación de síntesis de voz que se utiliza para crear una versión de sonido hablado de texto sin procesar en una computadora. I

En los 13 temas de este CyberSongs”, Barbara Ellison crea texturas hipnóticas de enunciados vocales mediante el uso intensivo y extensivo de la repetición, como herramientas y materiales para dar lugar a fenómenos audibles sorprendentes de una musicalidad fascinante y extraña.

En este ciclo obsesivo de canciones transhumanas, las palabras, los morfemas, los fonemas, las frases y las partículas del habla adquieren nuevos significados auditivos en constante cambio.

Estas voces finalmente se establecen dentro de un entorno de sonido electrónico, con referencias a instrumentos del mundo real, que pueden describirse como con una estética pop o jazz desquiciada.

EFFE EFFE

"Tuning Scapes" es el EP debut de effe, el proyecto en solitario de la compositora, diseñadora de sonido y violinista, Federica Furlani. Comenzamos escuchando el tema que abre este trabajo y que, consecuentemente, si titula Intro, una invitación, así como una declaración. Un arpegio de viola, tan simple como podría ser.

Continuamos la escucha de “Tuning Scapes” de Effe con "Eight Pointed Star", una oda a la feminidad, al sonido puro y la vibración sin concesiones

"Tuning Scapes" es la culminación de la investigación de effe en la música, diseño de sonido y paisaje sonoro, formulando una hipótesis electroacústica que ofrece una forma de escuchar el mundo a través de una nueva lente. Es una armonización de ruidos con sonidos digitales, grabaciones de campo con los timbres electrónicos más minimalistas, patrones de cuerdas con pocas pero sólidas estructuras rítmicas, movimientos transitorios y espacios de contemplación.

"Tuning Scapes" deja sentir una tensión entre el caos y el orden, lo abstracto y lo tangible, lo digital y lo analógico, los mundos interior y exterior, y la mezcla orquestal de esta dualidad variable.

CUT WORMS

Después de sus álbumes exitosos Lumbar Fist (2016) y Cable Mounds (2017), el artista multimedia holandés Richard van Kruysdijk presentaba en marzo de este 2021 “Breath Mule”, que marca la culminación de la trilogía y su lanzamiento final bajo el sobrenombre de Cut Worms y creado de una manera igualmente intuitiva como los dos álbumes anteriores.

Una vez más, Van Kruysdijk utilizó una serie de efectos ingeniosamente interconectados para manipular fuentes electrónicas simples, generadas principalmente por un sintetizador monofónico (Moog Werkstatt) y un autoarpa de circuito (Suzuki Omnichord).

Van Kruysdijk construye sus composiciones improvisando desde cero sin ningún sonido, beats o loops prefabricados y las graba directamente en 2 pistas en su estudio. La paleta de sonidos de Cut Worms está firmemente arraigada en las frecuencias más bajas. A medida que evolucionan las cinematográficas pistas, los drones, sus sonidos arenosos que se deshacen lentamente evocan el equivalente en audio a la arquitectura brutalista: paredes de hormigón de sonido que son tan majestuosas como elementales, pero intrínsecamente detalladas cuando se examinan con una lupa.

RUTGER HOEDEMAEKERS

Y seguimos en los Paises Bajos. Despedíamos el mes de agosto con el compositor holandés Rutger Hoedemaekers, recientemente fichado por el sello 130701 de FatCat. El holandés hacía su debut en solitario con un álbum impresionante que marca la culminación de una década en el entorno del estudio hiper-creativo que cofundó en Berlín, incluidos cuatro años trabajando en estrecha colaboración con Jóhann Jóhannsson.

 “The Age Of Oddities”, sonoramente rico, emocionalmente profundo e inmaculadamente interpretado, muestra a un nuevo y brillante talento cuya elocuencia cinematográfica atestigua las experiencias de Rutger componiendo para películas junto a la ganadora del Oscar Hildur Guðnadóttir y Jóhannsson, para quienes el álbum es en parte un elogio.

NAU LEONE

"Tragedy Of The Commons", de Nau Leone se circunscribe en la más pura electrónica.

Para este trabajo Nau Leone se ha inspirado en "The Outlaw Ocean" el bestseller del periodista, y ganador del premio Pullitzer, Ian Urbina. Este libro trata sobre los peligros que nos podemos encontrar en el mar desde el narcotráfico hasta el tráfico de personas, la contaminación o la pesca ilegal...

Nau Leone, ha incluido en los temas de “Tragedy Of The Commons” algunos sonidos grabados por el periodista, dándole así al proyecto aún más sentido.

LANDIKHAN

El 28 de febrero os presentábamos a Landikhan, uno de los productores más en forma del panorama electrónico español que ha colaborado con artistas como Rodrigo Gallardo, Ed is Dead o Matthew Styles y desde hace dos años es Dj habitual de la icónica fiesta Woomoon donde ha compartido cabina con Blond:ish, Rampa u Oliver Koletzki.

Nos gustó mucho su “Earth Chronicles” y escuchamos un par de temas en aquel programa. Hoy lo recuperamos para acabar esta primera hora de Atmósfera escuchando otros dos temas. Al final lo vamos a acabar descubriendo en su totalidad.

Escuchamos, para terminar, ahora sí, nuestra primera hora de Atmósfera un segundo tema del disco “Earth Chronicles” de Landikhan, Nibiru, una remezcla de Hernan Cattaneo  y Martin Garcia.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Auvinen - Syksyn Jäät Ääntelee - - Akkosaari

Ben Glas - Noise For Quantum Listening  - Noise For Quantum Listening

Matt Rösner -  Celestial - No Lasting Form

Barbara Ellison - Cybersongs#01 / Ekay Noie - Cybersongs

Barbara Ellison - Cybersongs#06 / De Auflaan De Pussychat – Cybersongs

Effe Effe - Intro - Tuning Scapes

Effe Effe - Eight Pointed Star - Tuning Scapes

Cut Worms - Denmark Spiral - Breath Mule

Rutger Hoedemaekers - Goodbye, Donald - The Age Of Oddities

Nau Leone - Be The Change - Tragedy Of The Commons

Landikhan - Quimera Cósmica

Landikhan - Nibiru (Hernan Cattaneo /Martin Garcia Remix)

Festival LEM 2021

 

Esta noche tenemos un programa especial dedicado al Festival LEM  que aunque este año celebra el XXVI Dispositivo LEM, Gràcia Territori Sonor cumplió veinticinco años de existencia el pasado mes de abril. Como todos nos podemos imaginar El OFF LEM 2020 se hizo en unas circunstancias muy difíciles, ya os ofrecimos un especial Atmósfera LEM con los contenidos que desarrollaron en la pasada edición, y según ellos mismos nos cuentan, justo eso les hizo mirar hacia dentro, al talento de casa y a quien, en el caso de las músicas experimentales, no se les dan suficientes oportunidades.

Siguiendo la senda del  ciclo de Encuentros en el Espacio-Tiempo, durante el invierno y la primavera hemos podido ver propuestas inéditas y muchos artistas que no habían participado nunca en sus acciones, con bastante presencia joven y especialmente de mujeres. En esta edición del LEM habrá unas cuantas muestras más, que se combinarán con artistas y proyectos con trayectorias más que consolidadas.

Escucharemos en el programa que dedicamos esta noche al LEM 2021:

• Dos extractos de los conciertos de Blacflower y Laia Vallès y Amidea Clotet

 

• Los trabajos de algunos de los artistas que actuarán en el LEM, como Lubianka, Granular Bastards, White Nerve Connection, Inhumankink y la “Microtopía” de Juan Creck.

CONCIERTO IHHH & DESILENCE en el Centro Botín de Santander

Esta noche os ofrecemos el concierto de IHHH & DESILENCE grabado el 3 de septiembre en el Centro Botín de Santander dentro del ciclo Música Abierta. Visiones Sonoras.

Durante la emisión de este concierto escucharemos a los protagonistas hablándonos de lo que vivieron en el escenario y de su proceso creativo y de trabajo.

Os dejamos aquí algunos extractos del concierto para que acompañéis la escucha del programa con las imágenes que creaban a tiempo real DESILENCE.

 

 

El último concierto de la temporada del ciclo lo protagonizaban IHHH y DESILENCE que se unían por primera vez para presentar en un directo audiovisual el álbum Consequences of the Lack of Light, un disco que aúna elementos de jazz, música clásica, ambient y música experimental y que cuenta con la colaboración del afamado pianista Marco Mezquida.

IHHH es el proyecto de Carlos Falanga, argentino afincado en Barcelona, que ha colaborado y girado con infinitud de artistas nacionales e internacionales como Jorge Rossy, Dick Oatts, Gorka Benitez, Colder, Matija Dedic, Bill McHenry o La Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu. Ha editado música en múltiples sellos como Salmon Universe, Zabra Records, Cudighi, Eternal Search, Fresh Sound, Sunlinxx, Emerald and Doreen, Finis Africae y Nein Records. Su último disco, Consequences of the Lack of Light, que puede recordar a artistas como Ryuichi Sakamoto, Nils Frahm o Debussy, salió a la venta el pasado mes de marzo a través de Foehn Records.

DESILENCE es un dúo formado por Tatiana Halbach y Søren Christensen, dos daneses afincados en Barcelona, referentes del mapping, la escenografía y los visuales en tiempo real. Su arte nace por el amor a la pintura y a capturar el movimiento, y durante más de una década han desplegado su trabajo en múltiples contextos como la creación de escenarios visuales para teatro y danza, instalaciones, música, moda o marcas corporativas. Han colaborado con artistas como Golden Bug, XTRNGR, John Talabot, Delafé y las Flores Azules o Desert, y actuado en festivales como Sonar, ADE o Primavera Sound; han creado visuales para giras de artistas como Franz Ferdinand, Keane o Russian Red, o para las Batallas de Gallos de Red Bull. Han presentado su trabajo en museos de todo el mundo como Le Gran Palais de Paris, MACBA de Barcelona, Tate Gallery de Londres, Guggenheim de Bilbao, La Villa Medici en Roma, NXT Museum de Amsterdam y su mapping en lugares como Moscú, Lisboa o Weimar.

 

Murcof, Shohei Amimori

 

SHAWN RUDIMAN

El 15 de enero se publicaba 'Flow State' de Shawn Rudiman, un doble álbum pensado como pieza complementaria de su álbum 'Conduit' publicado a principios de 2020.

'Flow State' es un viaje cinematográfico guiado por piezas ambientales y mucha textura con pistas impulsadas por el ritmo.

 

SEBASTIEN GUERIVE

En el mes de febrero abríamos el delicioso Omega Point del compositor e ingeniero de sonido francés Sevastien Guerive y os dijimos que volveríamos a él. Y aquí estamos, escuchando un tema más de Omega Point, un disco compuesto en gran parte con sintetizadores analógicos para obtener un color de sonido rico en armónicos y texturas. Los timbres de los sonidos se obtuvieron mediante una combinación de procesamiento analógico y digital. Sebastian generó modulaciones y transformaciones a largo plazo para que cada fuente de sonido se acercase a la riqueza de expresividad de un instrumento acústico

 

PAS MUSIQUE

“Psychedelic Talismans” de Pas Musique es el esfuerzo en solitario del fundador del proyecto, Robert L. Pepper. El disco se grabó en Brooklyn durante el confinamiento y está compuesto por seis nuevas pistas ambientales y experimentales y una pieza artista de dibujo.

Escuchamos un tema más de “Psychedelic Talismans”. La música de “Psychedelic Talismans” y los dibujos se inspiran en el lugar arqueológico turco, Göbekli Tepe, de una antigüedad de 10.000 a. C. Los sonidos se basan en una teoría que sitúa a este lugar como el primer centro espiritual que pudo haber utilizado "sacramentos psicodélicos", como se indica en el libro The Immortality Key de Brian Muraresku. La música es un viaje interior para reflexionar sobre la lucha constante entre la luz y la oscuridad en la vida cotidiana y los esfuerzos que necesitamos para lograr el equilibrio. El fin de este disco es que la música sirva como catalizador para un mejor estado mental durante los tiempos oscuros.

 

REFECTORI

Refectori es el proyecto del joven catalán Xavier Longàs, basado en el sonido experimental, que resaltan formas físicas y voluminosas que deambulan por los paisajes glaciares, buceando a través de mares densos y helados, encontrándose con el mundo terrenal entre voces reverberadas y melodías nostálgicas.

Así define Longás este trabajo “Tundra”, un disco inspirado en el hemisferio norte, desde la zona sur de ese hemisferio hasta la zona norte de todo el globo, donde toda la naturaleza muta por el clima y cambia lentamente de forma. Se trata de un camino de vida donde nuestra humanidad comienza a difuminarse con el mundo terrenal, devorado por sonidos orgánicos que adquieren una variedad contrastada por lo natural y lo artificial.

 

SUNNK

El tercer álbum de la serie Hyperglitch continúa la inmersión en Hyperglitch con “Weaving Ritual” de Sunnk. Este álbum fue una de las principales inspiraciones para realizar esta serie. Es profundo y emocional, expresivo y crudo, tecnológico y preciso. El diseño de sonido es realmente fascinante, con una complejidad técnica importante, aunque su escucha sigue pareciendo algo natural, como si cada maniobra fuera tan fácil como presionar una tecla.

Cuenta Sunn: Weaving Ritual se siente como un hechizo oscuro lanzado en medio de una calle abandonada. Un vórtice en el que nos vemos arrastrados. Arrastrándonos a través de nuestros recuerdos más oscuros pateando y gritando, tirados del revés. Mezclarse en una niebla de humo espeso y denso que se acumula en un líquido que se desliza por la cuneta. Nos despertamos de las alucinaciones en los momentos finales del álbum y nos encontramos corriendo, pero no podemos recordar de qué.

 

SHOHEI AMIMORI

A finales del mes de enero, el músico y compositor japonés Shohei Amimori lanzó un álbum en solitario por primera vez en dos años. Si bien tiene experiencia en música clásica y contemporánea, las extensas actividades de Amimori como compositor van desde la música pop hasta sus instalaciones de sonido. Una de las novedades importantes ha sido el fichaje del arreglista de Taeko Onuki, uno de los cantautores más importantes de Japón.

El vaivén radical entre el pop y el experimentalismo en su último álbum PataMusic, que ya os presentamos aquí en Atmósfera, causó muy buena impresión en la crítica incluso la revista musical británica WIRE llegó a considerarle como uno de los sucesores de Ryuichi Sakamoto y Cornelius.

En este “Ex.LIFE “, que tardó aproximadamente un año en producirse, incluido el período anterior a la pandemia de Covid-19, Amimori selló su voz y ritmos para presentar un estilo estoico, con un enfoque muy específico en el piano, en el que sus melodías y sonidos mínimos evocan una imagen tranquila pero colorida.

Un par de curiosidades de “Ex.LIFE “: el álbum incluye una pieza que utiliza “Composición no auditiva”, un método original creado por Amimori basado en la regla: “el intérprete debe actuar sin escuchar su propio sonido” y varios músicos participaron en este álbum, incluido Tomohiko Gondo, miembro de apoyo de Yellow Magic Orchestra (YMO).

 

MURCOF

Murcof, el proyecto principal del productor Fernando Corona, regresaba a finales de mayo a The Leaf Label por primera vez en trece años con el gigantesco y visionario doble álbum, The Alias ​​Sessions.

Murcof surgió por primera vez durante un período apasionante de la música electrónica, operando a la vanguardia. El álbum debut Martes apareció en Leaf en 2002, cuando las posibilidades alternativas habilitadas por el avance de la tecnología apenas comenzaban a enfocarse. Combinando ritmos crudos (minimal techno, microhouse y glitch que estaban entrando en su apogeo) con un muestreo cuidadosamente estratificado extraído en parte de la música clásica moderna, Martes fue convincente en su momento, pero también miró hacia el futuro.

13 años después, “The Alias Sessions” reúne todos los elementos que Corona ha ido incorporando al proyecto hasta la fecha - diseño de sonido meticuloso, samples fantasmales, ritmos contundentes, atmósfera diáfana - pero lleva el sonido aún más lejos en términos de abstracción y belleza. Se trata de música electrónica de exquisita tensión y extasiada liberación, pasando de detalles apenas audibles a picos explosivos.

El tema que hemos elegido para esta noche “Underwater Lament”, al igual que otras pistas del disco, se construyó a partir de experimentos con síntesis modular, que sitúa un secuenciador burbujeante sobre un fondo de ruido

 

V4W.ENKO

V4w.enko es el alias de Evgeniy Vaschenko, artista ucraniano que trabaja en los campos de la electrónica en vivo, la instalación, la escultura, el arte sonoro y el videoarte desde 2007. Con sede en Kiev, Evgeniy crea composiciones de sonido y visuales basadas en aplicaciones personalizadas utilizando el software Max / MSP / Jitter; una herramienta de codificación visual utilizada para crear elementos visuales interactivos, instalaciones y entornos interactivos complejos, manipulando algoritmos autoprogramados en tiempo real.

Conocemos esta noche su trabajo “Pro. Morfogénsis” que significa Morfogénesis procedimental” así como “Proceso de morfogénesis”. El proceso de morfogénesis aquí es la experiencia traducida al sonido con una herramienta virtual digital abstracta: el instrumento de sonido virtual desarrollado por V4W.ENKO.

Todas las pistas del disco se grabaron en tiempo real como factor básico. Una vez que se desarrolló la herramienta para crear el sonido, fue posible registrar la energía interna con sus posibilidades.

 

TAIBACH

“T_S” es el debut en  12” de la misteriosa banda electrónica Taibach. Con un “nombre de guerra” que hace referencia tanto al grupo protoindustrial esloveno Laibach como a su patria mitologizada de Taiwán, Taibach replantea las temáticas clásicas y las estrategias estéticas de la música industrial para un momento contemporáneo en el que los equilibrios cambiantes de poder entre este y oeste anuncian nuevas hegemonías y exhuman viejos agravios.

Continuamos la escucha de “T_S” de Taibach que son su enfoque marcial de la electrónica sigue en una serie de música underground decididamente críptica, basándose en el sonido de bandas industriales clásicas, techno de principios de los 90 y desarrollos más recientes en la intersección del ruido y la música rítmica.

Actuando como un correctivo necesario para una esfera cultural asiática comercialmente hinchada y satisfecha de sí misma, Taibach abraza el inútil nacionalismo con sede en Taiwán al celebrar las tendencias reaccionarias de la región, rara vez criticadas, como un documento de su historia y sus actuales estancamientos políticos.

 

WHISPER ROOM

El trío de Ambient espacial electrorock, Whisper Room explora la conjunción de ritmos y texturas electrónicos y las pulsaciones y la psicodelia del shoegaze y el krautrock. Así es como Whisper Room describe su música tan versátil.

En su disco “Lunokhod” (titulado así por una serie de rovers lunares robóticos soviéticos de los años 70) Whisper Room despega para un viaje extenso lleno de diferentes exploraciones sonoras que comienza con ritmos y melodías pegadizas y se transforma de una pista a otra en temas más experimentales, en su mayoría unidos por tambores tribales y rítmicos.

Lunokhod se grabó de forma remota, compartiendo archivos entre Toronto y Berlín, comenzando con la guitarra de Aidan y moviéndose a través de pasajes ambientales y rítmicos, sobre los cuales Jakob grabó sus partes de batería, junto con algo de percusión de otro colaborador suyo, Robin Buckley, y finalmente, Neil concluyó con sus partes de bajo y sintetizador.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Shawn Rudiman – 80 Years Of Hypersleep - Flow State

Sebastien Guerive - BELLATRIX - Omega Point

Pas Musique - La Bas - Psychedelic Talismans

Pas Musique - The Hour - Psychedelic Talismans

Refectori - Inseguretat – Tundra

Sunnk - Weaving Ritual Reprise- Weaving Ritual

Shohei Amimori - C4jet - Ex.LIFE

Shohei Amimori - Falling On Earth - Ex.LIFE

Murcof  - Underwater Lament - The Alias Sessions

V4w.Enko - Pymol Pattern - Proc. Morphogenesis

Taibach - Spicy Test - T_S

Taibach - Perpetrator1  - T_S

Whisper Room – Lunokhod - Lunokhod

 

ATMÓSFERA   EXPANSIVA

 

Hanisii - Klondike_54.24 – Klondike

Modernphase Feat Fher-Neandertal (Technobeton Remix)

Anton Berezin – Armless Chess Tournament - Sewer Blues

Lagoon - Dtregant (Shurko Love Remix) – 444

Blachord – Unquiet Circus – Unquiet Circus

Blachord – Unquiet Circus (Michael Esse Remix) – Unquiet Circus

David Armada - Nightlight

The Waiting Aurel - Warehouse

Kimse - Destination - Moonraker EP

LJUDVÄGG, RIVET, MODERNPHASE

 

LJUDVÄGG

A principios de este 2021 nos llegaba a Atmósfera “Transformation” de Ljudvägg , alias del sueco Filip Forsström, un disco que desafía los límites de lo humano y la máquina, lo físico y lo artificial, lo factible y lo imposible, una verdadera tormenta emocional en la que el piano forma la base de un polo opuesto entre el sonido y la técnica de ejecución.

“Transformation” se creó y se interpretó originalmente en la exposición de Anna Kristensson "See Through" en la galería sueca FRANK de Malmö en 2019. El hecho de que Transformation se publique ahora y en vinilo es el resultado de una colaboración amorosa entre Ljudvägg, Purlieu Recordings y Lamour Records (Gävle).

Ljudvägg, que significa “muro de sonido” en sueco, ha cautivado al público con su combinación única de tecnología y acústica creando un estilo inconfundible. Con la convivencia de piano y sintetizadores, Ljudvägg crea sonidos que rugen fácilmente para unirse después en una suave armonía que es la base de su distintiva expresión tonal.

 

CHUCK JOHNSON

Chuck Johnson crea una especie de post-rock country, un country ambiental y forma parte de una nueva generación de artistas que enfatizan la expresión abstracta sobre la narrativa lineal y las estructuras convencionales

Abrimos esta noche “The Cinder Grove”, la continuación su aclamado “Balsams” en el que Johnson profundiza más en las posibilidades compositivas de la guitarra pedal Steel. “The Cinder Grove” se basa en una paleta de sonidos más amplia, agregando cuerdas y piano, para sumergirse más profundamente en el baño de sonido de la música meditativa de Johnson y se convierte en una declaración profunda y conmovedora sobre la naturaleza de la pérdida y lo irremplazable. “The Cinder Grove” es un conjunto de réquiems para lugares perdidos. Muchos de los espacios que alguna vez fomentaron la vida asequible y el trabajo creativo ahora solo existen en la memoria sonora, como los ecos de los fantasmas. Como gran parte del paisaje de California en los últimos años, algunos de estos espacios sucumbieron al fuego. Otros a las inexorables fuerzas de la gentrificación.

Escuchamos el tema "Constelación”, inspirado en la idea de que una constelación específica, aunque a veces amorfa, de personas y lugares puede ayudar a una comunidad a prosperar y crear un espacio para que suceda algo especial. Las capas de acero de la Pedal Steel retroceden para dejar espacio a una parte de piano silenciosa, interpretada por su amiga Sarah Davachi. Dice Johnson: “Le pedí específicamente a Sarah que grabase su parte en el piano que tiene en su sala de estar de Los Ángeles: un espacio grande e inusual con paredes curvas y pisos de baldosas de piedra. El carácter de su instrumento y de esa habitación inusual se manifiesta de tal forma que siento viva.

 

BLU RITUAL

Francesco Cucchi, anteriormente conocido como Nan Kolè, tiene nuevo proyecto. Francesco deja atrás su anterior alias y toma ahora el nombre de Blu Ritual para mostrar su trabajo más experimental, inspirado por su temprana introducción a la música y una apreciación respetuosa del misticismo occidental y no occidental y las prácticas de desarrollo espiritual.

Confinado en su estudio de Londres durante la pandemia, Francesco comenzó el proceso de mirar hacia su pasado para procesar dónde comenzó su viaje, más concretamente, en la era rave de finales de los 90. Para volver mentalmente a este período, recuperó el hardware analógico y digital, y grabó con un mezclador analógico Mackie de los 90 en busca de un sonido orgánico y muy crudo. El resultado fue un lanzamiento en doble casete con dos álbumes, Numbers and Colors y la sesión de una noche Epichysis. Esta noche comenzamos a desgranar estas producciones escuchando un corte de “Numbers and Colors”.

 

CELER

Esto es “Being Below” del artista estadounidense, ahora residente en Japón, CELER, masterizado por Stephan Mathieu en Schwebung y diseñado por Rutger Zuydervelt.

“Being Below “es un mini-álbum de canciones cortas que podrían durar para siempre, creado con instrumentos digitales y analógicos, grabado en 2020. Con sus pads de suave evolución y sus armonías profundas, CELER evoca la calma, la naturaleza y la paz interior.

 

VIATORISM

Viatorism es el dúo compuesto por los productores Automatisme y Pheek. Su álbum titulado Alter- Vol. 2 es la continuación del Alter-album de Automatisme publicado a mediados de 2020, al que ya dedicamos su tiempo.

Los temas están inspirados en los escritos del teórico y crítico de arte Nicolas Bourriaud sobre el concepto de altermodernismo que reflexiona sobre la globalización y la saturación del tiempo y el espacio. Aplican el concepto de altermodernismo a la temporalidad y el espacio del glitch electrónico y la música dub techno, para crear ritmos y ambientes generativos.

El álbum también está relacionado con la serie de música Ultrablack del sello discográfico Mille Plateaux que experimenta con la no representación. Experimenta una no representación intermedia y anónima en la que pueden emerger otras temporalidades

El viatorismo es una estructura dinámica que manifiesta producciones sonoras que nunca termina y que produce múltiples versiones de las pistas.

 

MATTHIAS GRÜBEL

En el invierno de 2020, Matthias Grübel produjo en Berlín, “Dawn Miss”, oscilando entre el techno con infusión de dub melancólico y la electrónica con un diseño sonoro divertido, perfecto para que escuches esta noche desde casa.

Su reconfortante ritmo de 99 bpm permite sumergirte, mientras se va desarrollando una arquitectura fantasmal que evoca paseos nocturnos por la ciudad, texturas concretas, ríos y luces reflectantes.

Con este single, Matthias Grübel cerraba la brecha entre su aclamado EP “Matters Of Stability” publicado en TruthTable en 2020 y su última producción, el álbum “Futuro”, lanzado en abril de 2021.

 

RIVET

Mika Hallbäck Vuorenpää, productor sueco entusiasta de la electrónica, es el nombre real detrás de Rivet que se une al elenco de Editions Mego con un álbum dinámico y diverso que pivota entre el pop puntuado del proyecto COH de Ivan Pavlov y el desliz cromático de Chris and Cosey.

Escuchamos esta noche tres temas de su estupendo “On Feather And Wire”, un viaje profundamente absorbente a través de múltiples estados de ánimo, géneros y formas, tan misterioso como atractivo.

Seguimos con “On Feather And Wire” del sueco Rivet que practica una música electrónica nacida de la adoración por las máquinas y el espíritu del punk, una suerte de música ambiental llena de sofisticación y giros subversivos, todo subrayado con un profundo pulso industrial.

Terminamos hoy la escucha de “On Feather And Wire” del sueco Rivet, un disco diferente con sus voces embrujadas, una lingüística codificada y una atmósfera propulsora sensual oscura, un viaje sublime de techno pop contemporáneo, psicodélico y subversivo a la vez,

 

MODERNPHASE

Espacio Cielo es un sello español de música independiente que fusiona sonidos de los 80 en pistas bailables futuristas.

Terminamos nuestra primera hora con uno de los artistas del sello: Modernphase que debe su sonido único al polifacético personaje de Kali (Luis G. Vallespín): ingeniero de audio, productor musical, Dj, Relaciones Públicas y bloguero.

La inquietud musical de "Modernphase", siempre innovando bajo sus múltiples alias y proyectos, se refleja en el Ep con el que esta noche terminamos nuestros primeros 60 minutos, “Neanderthal”. Escucharemos dos temas de este EP, este primero es la mezcla original de Ritual que cuenta con la interpretación de "PitlaneB" que exprime los sonidos agresivos creando un ambiente divertido y bailable.

Continuamos con un tema más del EP ·Neanderthal” de Modernphase, esto que suena es la remezcla de Parissior del tema que acabamos de escuchar ahora “Ritual”.

Josefin Runsteen, Sum Of R, Simon Scott

JOSEFIN RUNSTEEN

Comenzamos esta noche con Josefin Runsteen, multiinstrumentista, productora, compositora y arreglista sueca que trabaja en muchos géneros diferentes, como la música clásica, el jazz/avantgarde, el pop, la electrónica y el cine.

En la Ceremonia del Premio de Música Polar 2017, Josefin fue el violín solista con la Orquesta Filarmónica Real de Estocolmo. En 2020 lanzó el álbum acústico Thank God the Plague is Over con Charles Spearin. Finalmente, en octubre de 2021, Josefin lanza su primer álbum en solitario, HANA - Three Bodies con el que hemos abierto hoy nuestra Atmósfera. La música del álbum se compuso originalmente como banda sonora de la pieza de baile Butoh HANA-Three Bodies, concebida e interpretada por el coreógrafo / bailarín Frauke.

HANA-Three Bodies es un álbum en gran parte electrónico, que contiene elementos experimentales y cinematográficos. Los cambios de formas y colores se destacan en cada escena con influencias de una amplia gama de géneros. Compuesto como banda sonora, algunas partes musicales se dejaron en blanco, sin melodía ni movimiento para dejar espacio para que la danza tomase el protagonismo.

En el disco Josefin toca el violín, la viola, la mandolina, el arpa, la guitarra, el piano vertical, sintetizadores, base, batería, percusión y voz y fue grabado por Josefin en su apartamento en Estocolmo, en una vista a un amigo en París, en el norte de Italia en un castillo, en aeropuertos, estaciones de tren en Europa, en una sala de conciertos en algún lugar de Noruega y en Fårö, Gotland.

 

SOUND JOURNEYS SWITZERLAND

Abrimos ahora “Sound Journeys: Switzerland”, un trabajo centrado en artistas que participan en la escena musical experimental suiza. Este proyecto ha sido compilado por el productor, locutor Nick Luscombe tras visitar el país e iniciar una investigación sobre las actividades actuales de la música académica suiza.

Escucharemos esta noche dos de sus temas. Este primero es el que aporta Martina Lussi.

Martina Lussi es de Lucerna y se siente como en casa en la intersección entre las bellas artes, la música y el espectáculo. Dentro de su trabajo, desafía dicotomías como el consciente/inconsciente o poder/impotencia. El cuerpo del espectador siempre juega un papel fundamental en sus piezas. Martina ha presentado su trabajo en diversos espacios de arte y en clubes de toda Suiza.

Suena ya el segundo tema que escuchamos esta noche del recopilatorio “Sound Journeys: Switzerland” protagonizado por Sum or R.

Sum Of R está formado por los artistas Jukka Rämänen (Dark Buddha Rising, Hexvessel, Waste Of Space Orchestra) y Reto Mäder [reto mida] (Ural Umbo, RM74). Sum Of R fue creado inicialmente en 2008 por Reto Mäder y ha pasado por varios estados de metamorfosis desde la fatalidad atmosférica hasta el drone rock ritual y el ambient oscuro y la música experimental. Su música instrumental de movimiento lento está respaldada por una atmósfera de metal subliminal y poco convencional que deja a sus oyentes inmersos en la oscuridad, la luz y sus reflejos.

 

SIMON SCOTT

Después de la colaboración con Marcus Fischer y su larga duración “Below Sea Level”, Simon Scott regresó, a finales de 2020, con un nuevo lanzamiento para el sello 12k titulado “Apart”.

“Apart” narra las emociones de Simon cuando perdió a su padre y cómo su entorno le ayudó a procesarlo y a sanar.

Cuenta Simon: “El 3 de abril de 2020, mi padre falleció por Covid-19. 48 horas después de esta devastadora noticia, caminé por New Decoy, una reserva natural en Fens, y escuché la vocalización de las alondras. Sus canciones resonaban a través del ambiente resonante, o para usar el léxico de R Murray Schafer, a través del "paisaje sonoro", mientras la imagen auditiva creaba un significado de sonido.

 

TIZIANO POPOLI

Burn the Night / Bruciare la Notte: Original Recordings, 1983–1989 es la primera colección de archivo de música del compositor minimalista italiano Tiziano Popoli.

En su música, Popoli enmarcó la vanguardia italiana y la nueva ola de los 80 a través de una estética arquitectónica claramente detallada por un sintetizador Yamaha DX7, una caja de ritmos Roland TR909 y una tecnología de muestreo muy incipiente.

Las 14 piezas que componen este disco representan grabaciones inéditas para instalaciones, teatro y transmisiones de radio, y cada una de ellas emite una melodía inusual, un color radiante y una vida generativa.

 

VOICE & STRINGS & TIMPANI

"Voice & Strings & Timpani" es el último proyecto del guitarrista Stephan Meidell y el baterista Øyvind Hegg-Lunde, dos de las figuras más importantes de la nueva ola de la música noruega y formar parte del roster del sello Hubro y de la vibrante escena musical experimental de Bergen.

Los dos artistas tocan en la banda del violinista Erlend Apneseth y por separado, Meidell es parte del trío Cakewalk, además de sus propios proyectos en solitario, incluidos Metrics Ensemble y TRIGGER, y Hegg-Lunde toca con Building Instrument, Electric Eye y la banda "indie" de Jose Gonzales, Junip. Ambos han trabajado juntos durante quince años y han lanzado cuatro álbumes, primero como el dúo The Sweetest Thrill y luego como Strings & Timpani.

Nos adentramos esta noche en su disco, “Voice & Strings & Timpani” grabado en parte en una actuación en vivo sorprendentemente exitosa en el festival Nattjazz de Bergen en 2016, y en parte en Broen Studio en Bergen, donde también se mezcló, en 2020, con una especial atención a los detalles sonoros.

La masterización del legendario productor Jorgen Tr'en, imprime al álbum el efecto exacto y correcto que sugiere una producción de obra maestra épica y expansiva de un sello importante.

 

INAUD1BL3

A INAUD1BL3 ya los conocéis en Atmósfera.

Continúan su programa de lanzamientos del viernes 13 con este “Das Universum” que suponía el quinto lanzamiento en quince meses.

Continuamos la escucha de “Das Universum” de Inaud1bl3, un disco compuesto por nueve pistas de cierto tinte pop cantadas en alemán que se fusionan con tres reflexivos temas instrumentales que definen un modelo psicodélico del género pop.

Terminamos la escucha de “Das Universum” de INAUD1BL3 con el tema que da título a este trabajo

 

YUNCLAS

Grabaciones Autobombo es un sello enfocado principalmente a la música electrónica y la experimentación sonora desde una perspectiva anticomercial y autogestionada. Según ellos mismo nos explican, “Nos gusta hacer las cosas por nuestra cuenta para compartirlas sin que medie el beneficio ni el negocio” y además subrayan que editan en casetes.

Terminamos nuestra primera hora de Atmósfera con un tema de su disco “Antagonismo Proletario” publicado el pasado mes de julio, un álbum que contiene 4 pistas nuevas de experimentación tecno industrial con el eje común del antagonismo proletario.

El tema que hemos elegido esta noche “Sin Partido” está inspirado en la película "Le fond de l'air est rouge" y algunos discursos de Fidel Castro y sus contradicciones.

RUTGER HOEDEMAEKERS, SNOW PALMS, CICLO “MÚSICA EN ORBITA”

 

RUTGER HOEDEMAEKERS

Abrimos nuestra Atmósfera esta noche con el compositor holandés Rutger Hoedemaekers, recientemente fichado por el sello 130701 de FatCat. El holandés hace su debut en solitario con un álbum impresionante que marca la culminación de una década en el entorno del estudio hiper-creativo que cofundó en Berlín, incluidos cuatro años trabajando en estrecha colaboración con Jóhann Jóhannsson.

Nacido en Nijmegen, estuvo viviendo en Berlín durante trece años y recientemente se ha mudado a Bruselas. Rutger comenzó a hacer música en su adolescencia, componiendo en las primeras computadoras antes de producir ambient y techno en la escena electrónica emergente.

“The Age Of Oddities”, sonoramente rico, emocionalmente profundo e inmaculadamente interpretado, muestra a un nuevo y brillante talento cuya elocuencia cinematográfica atestigua las experiencias de Rutger componiendo para películas junto a la ganadora del Oscar Hildur Guðnadóttir y Jóhannsson, para quienes el álbum es en parte un elogio.

Mientras rinde homenaje a Jóhannsson, The Age Of Oddities muestra a un Hoedemaekers forjando su propio sonido con un disco audaz y con visión de futuro, con un sonido rico e híbrido que permite ver las voces procesadas y borrosas junto con las partes de metal y una pared de cuerdas sombreada por la electrónica de textura discreta de Rutger. Impecablemente interpretado y grabado, el álbum utiliza el poder del conjunto de cuerdas de 23 piezas de la Budapest Art Orchestra dirigido y co-orquestado por Viktor Orri Árnason, junto con las voces de Kira, Theatre of Voices 'Else Torp y Laura Jansen, la trompa de Morris Kliphuis, el trombón de Hilary Jeffery y el violín de Una Sveinbjarnardóttir y Viktor Orri Árnason, con Hoedemaekers que contribuye con la trompeta, piano, teclado y electrónica.

 

LAWRENCE LEK

El sello Hyperdub se estrenó en las bandas sonoras con esto que escuchamos ya, la banda sonora de Lawrence Lek para su primer largometraje AIDOL.

La película se estrenó en Sadie Coles HD en 2019 y desde entonces ha aparecido en numerosos festivales y exposiciones de arte, cine y música tanto virtuales como físicas en todo el mundo.

AIDOL continúa el universo cinematográfico 'Sinofuturista' de Lek, que comenzó en 2016 con Sinofuturismo (1839-2046 d.C.). Este video ensayo toma siete estereotipos de la sociedad china (Computación, Copiado, Juegos, Estudiar, Adicción, Trabajo y Apuestas) para crear una teoría de la conspiración sobre cómo el ascenso tecnológico de China es una forma emergente de Inteligencia Artificial.

Lawrence trabaja los videojuegos y la animación con máquinas generadas por ordenador y con ello crea películas y mundos virtuales que juegan con el lenguaje de la ciencia ficción, los videos musicales y la construcción de mundos corporativos.

Fuera del cine, Lawrence Lek ha colaborado con Kode9 en Nøtel, una simulación de un hotel automatizado postapocalíptico, que comenzó como una serie de actuaciones audiovisuales y continúa como una instalación de realidad virtual.

 

CICLO "MÚSICA EN ÓRBITA"

Presentamos esta noche el Ciclo “Música en Órbita”, dos espectáculos, el del francés Maotik & Pandelis Diamantides y la rusa Dasha Rush, programados dentro del marco de los Veranos de la Villa de Madrid y que tendrán lugar en el Planetario de Madrid el 21 y 22 de agosto respectivamente.

 

CHRIS ABRAHAMS

El artista y compositor Chris Abrahams es ampliamente conocido por su trabajo con el legendario trío The Necks y ha acumulado una impresionante discografía en solitario durante las últimas tres décadas.

Con el prestigioso sello Room40 ha publicado cuatro ediciones electroacústicas y hoy escuchamos en Atmósfera el primer solo de piano de Abrahams para este sello.

Este delicioso disco titulado “Appearance” está compuesto por dos piezas largas para piano que se entrelazan para crear una sensación de fluidez y un cambio sutil que se despliega en una variación eterna. Escuchamos ya un fragmento de una de estas piezas.

 

JETZMANN

“Use the Air” de Jetzmann es una selección de obras creadas para el directo, realizadas a lo largo de 15 años. Su origen en relación a la coreografía es difícil de plasmar en una fórmula metódica. Las producciones nunca trataron sobre "música de baile" en el sentido clásico, esas en las que los bailarines cuelgan de hilos como las marionetas. Los puntos de partida para este disco fueron el djing, las improvisaciones en vivo en OPEN STUDIOS de Jenny Beyer con ensayos con público, grabaciones de campo, y el ambiente teatral.

La música a veces se creaba independientemente del desarrollo coreográfico, a veces se basaba estrechamente en las especificaciones conceptuales y las fuentes de inspiración (imágenes, teorías, filosofías) del coreógrafo.

 

JOHN 3:16

Después de lanzar “Visions of The Hereafter” en 2012, Philippe Gerber, alias JOHN 3:16, regresaba el 30 de noviembre de 2020 con un álbum de 5 pistas titulado “Tempus Edax Rerum” publicado con Alrealon Musique.

Este segundo larga duración de John 3:16 cuenta con la colaboración de Carolyn O 'Neill / Rasplyn en la voz e instrumentos adicionales.

 

RUSSELL HASWELL

Después de haber pasado décadas labrando su hueco en la escena de la experimental con esa influencia de una amplia gama de música extrema, Russell Haswell entrega un guiño nostálgico a sus influencias mientras avanza con su experiencia perpetuamente imprevista. Tan desalentadora como refrescante, la producción de Haswell siempre está en el borde del género.

Haswell nunca ha sido un "artista de estudio" o un "productor". El disco que abrimos esta noche, 12 ", canaliza el papel original del medio con 2 pistas de ritmos que se presentan de maneras impredecibles que se adentra en territorios más amplios con un ambiente profundo llenos de formas salpicadas que rebotan entre ritmos rápidos tremendamente potentes. ¡Aconsejamos escucharlo a un volumen Potente!

 

MAN FROM SOL

Escuchamos ya “Automorph Totality” de Man From Sol alias de Nick Chavez de Chicago, cofundador del colectivo glitch.cool y exponente de una exploración musical de la alienación a través de la música hiperglitch.

“Automorph Totality” es un disco lleno de texturas de vanguardia que usa el ritmo para crear un camino entretejido a través del mundo abstracto del sonido que el propio artista ha creado. El álbum se encuentra en la disyuntiva entre rechazar y atraer al oyente. Algunos de los elementos del Hyperglitch que se muestran en este trabajo son: la adopción de sonidos atonales, 'feos' y no intencionales, y el contraste de esos sonidos con atmósferas y armonías más emocionalmente oscuras y, por supuesto, técnicas de diseño de sonido recursivas e iterativas.

 

ØYVIND BRANDTSEGG

Samuel Conlon Nancarrow fue un compositor mexicano de origen estadounidense reconocido por su monumental obra para piano mecánico. Nancarrow escribió más de 60 estudios para pianola. Como forma musical, exploró el canon, que desarrolló con una enorme variedad de formas y un tempo diferente para cada voz.

Pues bien, ahora, el compositor noruego Øyvind Brandtsegg ha orquestado algunos de esos estudios de Nancarrow para Órgano de tubo, Disklavier y electrónica. El trabajo con estas composiciones instigó a Øyvind a una mayor exploración de la improvisación con estos instrumentos mecánicos en combinación con el software de improvisación creado por el propio Brandtsegg.

Así como cada órgano de tubos es único, la orquestación también debe ser necesariamente única para cada instrumento. Dos conciertos de este material, en Stavanger Concert Hall y la Catedral de Nidaros en Trondheim, muestran cuán diferente se forma la música para adaptarse a las posibilidades de estos dos instrumentos y lugares.

La música de Nancarrow requiere un grado de articulación bastante extraordinario debido a los pasajes rítmicos y los tempos altos. A veces, se requeriría un ajuste individual de cada nota, debido a las ligeras diferencias en la sincronización entre los tubos del órgano.

Los algoritmos y la automatización son omnipresentes en nuestra sociedad moderna, y las composiciones de Nancarrow permiten una perspectiva interesante sobre la automatización y la mecanización dentro de un contexto estético expresivo. También arroja luz sobre la necesidad del trabajo manual de implementación y adaptación para hacer que los algoritmos sean importantes para la comunicación humana.

El software de improvisación se basa en algoritmos y técnicas en serie relativamente simples. Cobra vida en la interacción con el artista en vivo, donde los datos se actualizan continuamente a partir de la acción del artista.

 

SNOW PALMS

El dúo minimalista Snow Palms hace música comenzando no con un concepto, sino con un proceso. Su mundo de sonido clásico contemporáneo toma elementos del minimalismo de la década de 1960, las paletas de sonidos exóticos y ambientales, y los instrumentos tradicionales de África y el sudeste asiático.

“Land Waves”, que ya está sonando en Atmósfera, es el tercer álbum de Snow Palms, y el primer larga duración del proyecto desde que se convirtió en dúo. En algunos momentos nos recuerda a Terry Riley con Lex Baxter en Japón, en otros podría ser la banda sonora de un centro de meditación en el neo-Tokio soñado por William Gibson y Brian Eno. Sus patrones y texturas se aceleran y se resuelven con dramatismo e intención, sus abstracciones representadas por un mundo de sonido cinético distintivo de mazos y sintetizadores, evocan paisajes reales e imaginarios.

Land Waves está marcado por la voz de la pareja de Matt Gooderson, Megan, que estaba embarazada de su hijo durante las sesiones de grabación. Su voz empírea está entretejida en el tapiz del álbum, fundamentando la música en lo humano, mientras los glockenspiels, marimbas y clarinetes se mueven al unísono con sintetizadores modulares arpegiados y percusión reluciente.

 

PETER ZIRBS

"Splinter I" es la primera entrega de un par de pistas instrumentales minimal del que será el próximo nuevo EP en solitario de Peter Zirbs que se anuncia para este mes de septiembre.

Ya en los lanzamientos anteriores de Zirbs hay numerosas composiciones instrumentales, a menudo experimentales. Ahora Peter Zirbs da más espacio a esta vertiente artística y subraya su versatilidad musical. En este "Splinter I", Zirbs mezcla de forma juguetona la música mínimal, los sonidos de piano y los sonidos de sintetizador dando como resultado miniaturas electrónicas e hipnóticas.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Rutger Hoedemaekers - The Invention Of The Moon - The Age Of Oddities

Lawrence Lek - Followers (Diva's Theme) - Aidol

Chris Abrahams - As A Vehicle, The Dream (Excerpt) - Appearance

Jetzmann - Diorama - Use The Air

John 3:16 - Part V - Tempus Edax Rerum

Russell Haswell - Digital – 12”

Man From Sol - Gestalt Logic Constellation - Automorph Totality

Øyvind Brandtsegg - 10 Vectors And Intervals 2 (Nidaros) - Nancarrow Biotope

Snow Palms - Everything Ascending - Land Waves

Peter Zirbs - Splinter I

 

 

ATMÓSFERA EXPANSIVA

 

Hanisii- Klondike 308 – Klondike

Implse - Transformation 2020 (Original Mix) - Transformation 2020

Lizdeika - Three – Oddity

Movesayer - Run It Back – Sundust

Passarella Death Squads - Only The Lovers (Jas Shaw Mix) - No Mas

Nightdrive - 1.2 - No Sleep

Microtrauma - Ely – Ely

Lagoon - Dubzero (Original Mix) – 444

Kimse -Sacrifice - Moonraker EP

Ian William Craig & Daniel Lentz, Erland Dahlen, Dominique Bassal

 

IAN WILLIAM CRAIG & DANIEL LENTZ

Abrimos esta noche nuestra Atmósfera con “In a Word”, la decimosexta entrega de la serie de colaboración intergeneracional FRKWYS, que reúne al compositor Daniel Lentz y al vocalista y artista sonoro Ian William Craig que entregan en esta ocasión un álbum que abraza la erosión.

Daniel Lentz, figura importante en la composición estadounidense, ha trabajado en el medio y los márgenes del posminimalismo durante más de cuatro décadas. Pionero de la “grabación multipista en vivo” con el Grupo Daniel Lentz, escribe con frecuencia para conjuntos de instrumentos similares, desde coros hasta orquestas de cuerda y armónicas de vidrio. Al igual que sus colegas de la costa oeste, Harold Budd e Ingram Marshall, Lentz compone música de cambios lentos, basada en armonías y ritmos fundamentales que evocan vastos espacios y las piedras antiguas.

El artista canadiense Ian William Craig combina su voz de formación clásica con tecnologías precarias: sintetizadores analógicos caseros, máquinas de carrete a carrete alteradas y magnetófonos defectuosos. Sus álbumes en solitario, incluidos los aclamados Centers (2016) y, más recientemente, Red Sun Through Smoke (2020), documentan una nostalgia embrujada. En contraste con la radical expansividad de Lentz, la música de Craig es frágil y creada conscientemente utilizando únicamente su maquinaria personalizada para crear nocturnos deformados de melodía y disonancia.

Las sesiones de “In a Word” se llevaron a cabo en el estudio casero del ingeniero Dick Dunlap en Santa Bárbara. Para ambos músicos, la experiencia fue una exploración hacia el otro. Craig con sus desvencijadas grabadoras, Lentz sentado ante un piano de cola.

 

ERLAND DAHLEN

Todo un derroche de xilófono, gongos, canicas, cajas de ritmos, cajas de drones, mellotrón, sintetizador modular, dulzainas, guitarras, voz… Con todos estos instrumentos y todavía algunos más que nos hemos dejado sin citar, el músico y compositor golpea al oyente como una ola precipita en la orilla. Los ritmos propulsivos de percusión se combinan para crear una fuerza motriz masiva que conduce al oyente a un camino a través de un paisaje sonoro de instrumentos auxiliares intrincadamente estratificados.

En este disco “Bones”, el tono inquietante y ondulante de una sierra musical se encuentra con el misterioso timbre de la cítara inclinada y las voces fantasmales sin palabras en medio de un bosque de oscuros drones electrónicos, Moogs y Mellotrons, campanas y gongs.

Si bien Dahlen es baterista, no describe el trabajo de Dahalen y lo que logra en este “Bones” que supone la cuarta edición de su serie en evolución de álbumes en solitario que también incluye Clocks (2018), Blossom Bells (2015) y Rolling Bomber (2012).

Bones es como una sinfonía minimalista de temas y motivos que se repiten, pero que utiliza el máximo de los recursos de percusión disponibles, desde los tradicionales tambores trampa de Slingerland y los instrumentos de mazo hasta los platos de metal para pasteles y las canicas que tintinean en un plato.

En seis de las pistas separadas en dos caras del LP, Dahlen, compuso y tocó todo él mismo, excepto una asistencia electrónica de Hallvard W. Hagen (de Xploding Plastix) en el tema que escuchamos esta noche, 'Swan', una suite sofisticada o un collage de audio donde los elementos clave aparecen, salen y regresan para entretejerse a intervalos a lo largo de la duración del álbum.

 

DENIS SMALLEY

Estamos ya ante el tercer lanzamiento de Denis Smalley después de una "pausa" de 20 años. “Portail” presenta sus 2 trabajos multicanal más recientes: Fabrezan Preludes (2015-16) y Sommeil de Rameau (2014-15), convertidos en estéreo ambisonics, más uno de sus primeros trabajos: The Pulses of Time (1978).

“Fabrezan Preludes” compuesto en 2015-16 tiene una duración de 20:58. El preludio central, la Catedral de Debussy, se basa en la transformación y desarrollo de un par de acordes resonantes extraídos del preludio para piano de Debussy “La Cathédrale engloutie” (La catedral sumergida), que evoca la historia de la mítica ciudad de Ys, sumergida frente a las costas de Bretaña. Cuenta la leyenda que las campanas de las iglesias de la ciudad se pueden escuchar en mares tranquilos.

En el preludio de apertura, Portal, que es el que escuchamos esta noche en Atmósfera, el oyente cruza el umbral hacia la nave de la catedral. Las Voces de Circio (también conocido como Cercio) se refieren al relativamente desconocido dios romano del viento a quien el emperador Augusto dedicó un altar cerca de Narbona, en el sur de Francia. El viento Cers atraviesa el país desde el noroeste, ganando fuerza y ​​movimiento circular a medida que viaja por las llanuras a través de los amplios corredores del valle, avanzando hacia el Mediterráneo. Puede ser impetuoso, emerger repentinamente, ahuyentar las nubes y la lluvia, iniciando cielos soleados y luminosos. Reconocido por tener propiedades saludables, trae una agradable brisa fresca en el calor del verano, pero puede ser terriblemente fría en invierno. Este preludio tiene como objetivo capturar aspectos de sus "voces".

Fabrezan Preludes se creó en los estudios de Denis Smalley en Fabrezan (Francia) y Londres y se estrenó el 21 de mayo de 2016, en un concierto con motivo del 70 cumpleaños de Denis Smalley, en el Colyer-Fergusson Hall en Canterbury (Inglaterra, Reino Unido).

 

FURTHERSET

«Me interesa llevar al límite los métodos de composición que he desarrollado. Me interesa la densidad, la intensidad, la fragilidad y las emociones».

Es cómo expresa Furtherset su forma de composición y trabajo.

Furtherset regresa a -OUS con su álbum To Live Tenderly Anew, después de sus EPs "To Alter and Affect" y "Drawings of Desire and Hate" para lo que el artista señala que este álbum es como una trilogía.

En “To Live Tenderly Anew” Furtherset busca conexiones ocultas más allá de las armonías y el ritmo. Las melodías se repiten hasta que llegan a su punto de ruptura. Momentos de alivio se ahogan en un sonido denso. La intensidad se maximiza, hasta el punto de hacer desaparecer por completo los rastros de actividad preexistentes.

 

DOMINIQUE BASSAL

Ha habido un accidente en la línea principal de la historia y como consecuencia se ha perdido toda la Antigüedad. El sueño de los Maestros del Universo se hizo realidad antes de tiempo: saltamos directamente del Neolítico al Medievo, fundando una civilización planetaria absolutista.

Una mezcla entre la implacabilidad de los romanos, la hipocresía griega, el totalitarismo de la civilización faraónica, la etérea crueldad de la China dinástica y, por supuesto, la insondable estupidez de la Edad Media occidental. Es esta Ucronía la que se describe en el disco que abrimos esta noche de Dominique Bassal titulado “axet remperimos te”. Ni siquiera estamos muy seguros del significado preciso de este lema del Imperio, algo así como "acepta gatear" o "acepta o te romperán".

El compositor e ingeniero de sonido Dominique Bassal, estudió música electroacústica en un momento en el que esa disciplina estaba a la vanguardia de la tecnología de audio. Comenzó a trabajar en la producción de música comercial como arreglista y gerente de estudio, donde aplicó técnicas de vanguardia al mundo de la música pop, muy estricto y conservador en ese momento.

 

ERIC RANDOM

Eric Random es un pionero británico de la electrónica post punk. Eric nació en 1961 y pronto se unió al equipo de ruta de los Buzzcocks. Con 17 años se convirtió en un tercio de los The Tiller Boys, los otros dos eran Pete Shelley y Francis Cookson. Hicieron su debut en vivo en 1978, apoyando a Joy Division en el club Factory de Manchester. Para Pete Shelley, los Buzzcocks eran su principal preocupación y fue por ello por lo que The Tiller Boys pronto se vino abajo.

Eric fundó Free Agents con Cookson y pronto conoció a Richard Kirk y Stephen Mallinder de Cabaret Voltaire. Así, se involucró tanto en la escena de Sheffield como en la de Manchester.

A pesar de que las dos ciudades se encuentran a solo una hora de distancia en coche, sus respectivas escenas musicales eran muy diferentes. Manchester fue el lugar número uno para el postpunk con bandas como Joy Division / New Order, The Smiths, James, Magazine o A Certain Ratio. Sheffield tomó un camino muy diferente. Fue el lugar de nacimiento de grupos como The Cabs, The Human League, Clock DVA, ABC o Heaven 17.

Random también estuvo al frente de la banda de Nico hasta su prematura muerte en 1988. Grabaron un álbum juntos, Camera Obscura, producido por John Cale. Después de aquello, Random se tomó un gran periodo de descanso. En 2014 Ramdom reapareció y desde entonces han visto la luz tres álbumes puramente electrónicos. El cuarto es este No-Go que escuchamos ya en Atmósfera en el que Eric toma una dirección de baile electrónico, dejando atrás sus influencias étnicas.

 

EL HARDWICK

El álbum debut de El Hardwick, “8”, explora un ciberespacio alternativo en la encrucijada del clima y la justicia digital, contado en tres medios: música, fotografía y poesía.

La edición en vinilo de “8” va acompañada de un libro de 40 páginas, y cada pista del álbum se complementa con una fotografía y un poema escritos por Hardwick.

Originalmente imaginado como una novela gráfica de ciencia ficción en 2016, 8 se expandió a un álbum conceptual. Combinando fotografía con poesía y canciones, Hardwick cuenta una historia con moraleja en la que los tecnócratas aconsejan a una élite social que renuncie a sus cuerpos, carguen sus mentes en un servidor y migren al ciberespacio.

Escuchamos esta noche tres temas de “8” el debut discográfico de El Hardwick.

Canalizado a través del vaporoso falsete de Hardwick, 8 se desarrolla a lo largo de dos caminos: el lado A se construye, mientras que el lado B destruye. Recordando su proceso de escritura, Hardwick dice que “las historias siempre son el lugar donde comienzan mis proyectos. Contar esta historia a través de la ciencia ficción me pareció una forma de examinar la magnitud de varias crisis políticas interconectadas, al tiempo que tenía el espacio para contar narrativas personales paralelas a través de las voces de otros personajes. 8 no solo representa visualmente el infinito, sino dos bucles infinitos uno encima del otro: multiplicidades, alternativas.

Este es el tercer y último tema que escuchamos esta noche del debut de El Hardwick “8”, un disco que imagina el abandono de nuestros cuerpos y la Tierra, para vivir en un ámbito digital, como una advertencia sobre nuestra pérdida de relación con el planeta.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

Ian William Craig & Daniel Lentz - Stoltzle - FRKWYS Vol. 16 In a Word

Ian William Craig & Daniel Lentz - Tasteful Gloss - FRKWYS Vol. 16 In a Word

Erland Dahlen - Swan – Bones

Denis Smalley - Fabrezan Preludes, 1: Portal -  Portail

Furtherset - The Logic of a Secret - To Live Tenderly Anew

Dominique Bassal - Chambre 752, Farces et attrapes - axet remperimos te

Eric Random – Compulsion - No-Go

Eric Random – Synergy - No-Go

El Hardwick – Except - 8

El Hardwick - Ration Without Reason - 8 -

El Hardwick  - Poison of Planet feat Cardinal Fang – 8

 

ATMÓSFERA   EXPANSIVA

Deadbeat - Woah! (Om Unit remix)

Yannis PK - Alcyone – Alcyone

Yannis PK - Cetus – Alcyone

Izars - Dont - Through the Tunnel Vol.2 (Recopilatorio Subsist)

Allpa Puruma - Cada cosa en su lugar - Through the Tunnel Vol.2 (Recopilatorio Subsist

Dijuma - 21-02 - Through the Tunnel Vol.3 (Recopilatorio Subsist

The Fifth Stigma - Apostles Perishing In Flames - Through the Tunnel Vol.3 (Recopilatorio Subsist

Dani Sbert - Control - Recopilatorio Embark 09

Mr. Bizz -  Flex (Maksim Dark Remix) -  - Recopilatorio Embark 09

Maharti - Drive - Recopilatorio Embark 09

Adrian Foulkes, "Chapter Four remixes" de OmegaDb

 

ADRIÁN FOULKES

Iniciamos nuestra Atmósfera de hoy con un “Paréntesis”, así se titula lo nuevo de Adrian Foulkes, el resultado de dos años de trabajo que terminó de gestarse durante los meses de confinamiento, con Adrián centrado exclusivamente en la producción del disco.

Adrián, junto con su amigo Federico Jusid, ha trabajado para este disco en el estudio rodeado de multitud de instrumentos, sintes y con un piano de pared y un semicola C3 como protagonistas, y con un uso medido de la reverb, dando preferencia al uso del pedal de sustain. Con toda esta combinación consigue que a veces el oyente no sepa si escucha la respiración de Adrian o la de los instrumentos que lo rodean.

Adrian Floulkes esculpe drones en ráfagas controladas con un MS-20, modela muestras vocales propias mientras se afana sobre el arpa del Yamaha C3 martillando, rascando, acariciando… y manteniendo la rítmica bajo control.

MEITEI

El debut del japonés Meitei fue “Kwaidan”, un estudio sobre el arte perdido de la narración japonesa de fantasmas. Luego llegó “Komachi”, bautizado en los vientos terrenales y estáticos que definen los sonidos del japonés. Y después lo que escuchamos esta noche, “Kofū”, con el que Meitei cierra magistralmente su trilogía de estados de ánimo japoneses perdidos con un interesante interrogatorio de las formas artísticas y la estética como provocación, o, como se expresa en el subtítulo del álbum, una "sátira de la vieja estética japonesa".

Una vez más, Meitei reanuda su enfoque en un Japón que hace tiempo que dejó de ser. Esta vez, Kofū es deliberadamente juguetón al tender un puente con una sensibilidad que conecta este pasado imaginado con el presente.

 

VARSOVIA

Abrimos ahora “Diseñar y destruir”, el segundo disco de la banda Varsovia, un proyecto formado a principios de 2012 por Dante Gonzales (compositor y ex integrante de otros conocidos grupos electrónicos como Ensamble, Estación Perdida, El Hangar de los Mecánicos y Pestaña) y Fernando Pinzás.

El álbum refleja el segundo período de la banda, que comienza con la incorporación de Carla Vallenas como cantante principal en el verano de 2015, reemplazando a la líder Sheri Corleone. A diferencia de su álbum debut, “Recursos Inhumanos” de 2020, esta producción incluye sonidos más oscuros, por un lado, mientras que, por otro, se acerca a la música industrial y EBM, manteniéndose su actitud directa y agresiva. Las letras siguen un concepto, inspirado en la violencia política en el Perú durante los años 80.

 

MECANICA POPULAR Y ERIZONTE

Y seguimos en nuestro país. Nos llega una obra más de creación colectiva dirigida por Erizonte en la que confluyen importantes artistas cercanos en ética y estética a aquellos misteriosos y perturbadores dibujos que aparecieron en algunos periódicos, libros y revistas que entre mediados de los años 60 y de los 80 (como Hermano Lobo, Triunfo o Cuadernos para el Diálogo) firmaba OPS, posteriormente más conocido con el heterónimo de El Roto.

Músicos y artistas sonoros, representativos de ciertas vanguardias musicales que surgieron en la España de OPS, han compuesto para este álbum que abrimos esta noche, una pieza sobre estos temas: La represión, la censura, el olvido inducido o forzoso, los vicios del clericalismo, el imperialismo, la manipulación informativa, la mala educación o su carencia, los horrores de la guerra y la violencia contra la mujer.

Se trata de la segunda parte de la Trilogía de Erizonte dedicada al dibujo en los medios de comunicación como transmisores de ideales progresistas, que tuvo como primera parte la dedicada a los grabados de Goya en la “Suite Los Caprichos de Goya”. Todas las piezas son nuevas grabaciones realizadas por pioneros de los años 80 en España (incluso antes) en el ámbito de la música Electrónica, Industrial, Avant-Garde o el Rock Experimental.

 

CHAPTER FOUR

Y para terminar nuestra primera hora de Atmósfera, vamos a conocer de la mano de los propios protagonistas, las remezclas que han hecho del “Chapter Four” de Omega DB, trabajo que hemos recorrido ampliamente ya en nuestra Atmósfera.

El álbum “Chapter Four Remixes” contiene ocho temas donde otros tantos productores de música electrónica reinterpretan los tracks del último álbum del productor barcelonés.  Ellos mismos nos lo van a presentar.

 

ANGELE DAVID-GUILLOU, ADRIAN CORKER

 

JASMINE GUFFOND & ERIK K SKODVIN 

Para “Franz Kafka A principios de 2019, que celebraba el décimo aniversario de Sonic Pieces en Berlín, la directora del sello, Monique Recknagel, seleccionó tres dúos del sello para actuar juntos en vivo por primera vez. Una de las colaboraciones fue entre Erik K Skodvin de Deaf Center y la compositora electrónica Jasmine Guffond.

La actuación salió tan bien que Monique encargó al dúo que grabaran juntos un larga duración. Seis meses después, Guffond y Skodvin se dirigieron al estudio VOXTON de Berlín y grabaron durante dos días, junto con la artista finlandesa Merja Kokkonen (Islaja), que  improvisó voces sin palabras.

Con Guffond en el portátil y un platillo y Skodvin usando piano, retroalimentación, órgano farfisa y percusión, compusieron juntos un álbum de sonido profundo y envolvente que se desliza a través del género, absorbiendo la voz única de Kokkonen en cinco piezas intrincadas y en constante evolución.

El título del disco “The Burrow” (La Madriguera) toma su nombre del relato corto inacabado de Franz Kafka que fue escrito solo seis meses antes de su muerte. La historia, publicada póstumamente en 1931, se centra en una pequeña criatura que construye una madriguera que está fortificada con ansiedad, en un intento de protegerse contra los ataques. Esta sensación de miedo al mundo exterior se siente, aún más concentrada en 2020.

Cada pista lleva el nombre de animales que están extintos o casi extintos, lo que agrega una sensación de pérdida que flota en el aire, salpicada de gritos y profundos golpes de piano reverberantes.

 

ANGELE DAVID-GUILLOU

El tercer álbum de la compositora, música y productora Angèle David-Guillou, “A Question of Angles”, es sin duda su proyecto más ambicioso hasta la fecha, sus composiciones de múltiples conjuntos forman un contrapunto cinematográfico dinámico a su contemplativo EP  'Sans Mouvement', una grabación en vivo de 2017 del órgano de la Union Chapel de Londres.

Esta noche escucharemos dos de sus magníficos cortes.

Continuamos la escucha de “A Question of Angles” de Angèle David-Guillou, un álbum de vívida música instrumental centrada en dos conjuntos principales, un octeto de saxofón y un septeto de cuerdas, que se pavonean y se deslizan en danzas rítmicas, cuyas texturas están inspiradas en la interacción entre la ilusión y la realidad, particularmente el realismo mágico de Las películas de Jean Cocteau.

 

ADRIAN CORKER

La audaz y texturizada partitura de Adrian Corker para “Tin Star: Liverpool”,  tiene un lanzamiento limitado en vinilo amarillo fluorescente.  Un proyecto en el que Adrian Corker trabaja con una sección de cuerdas de 12 piezas, así como metales y percusión,  que permiten a Corker dibujar una rica paleta de sonidos volátiles.

Un trabajo exquisito del que nos ha resultado difícil hacer una selección, así que esta noche escucharemos tres de sus cortes y dejaremos para otra ocasión el recorrido por este “Tin Star: Liverpool”.

“Magic Hour” es el segundo tema que escuchamos de “Tin Star: Liverpool” de Adrian Corker  en el que el procesamiento de cinta analógica ayuda a remodelar aún más las cosas, ralentizando y alargando el sonido dando lugar a formas y colores inusuales.

Terminamos ya la escucha de “Tin Star: Liverpool” de Adrian Corker, un delicioso trabajo en el que además encontramos las grabaciones de campo de Corker y Chris Watson, grabadas en Liverpool en 2019. Este es el tercer y último capítulo de la historia de Tin Star, y la tercera vez que Corker ha trabajado con varios de los intérpretes de sus anteriores entregas.

 

MARTINA BERTONI

“Music for Empty Flats” de la violonchelista y artista electrónica Martina Bertoni, ofrece un ambient/drone experimental magistralmente elaborado, trabajo ideal  para los fanáticos de Hildur Guðnadóttir, Giulio Aldinucci o Lawrence English.

Martina Bertoni es una violonchelista y compositora que vive en Berlín.  De formación clásica, la carrera de Bertoni pronto se desarrolló en torno a la música experimental y de cine donde su violonchelo ha aparecido en numerosos discos, bandas sonoras de películas premiadas y series de televisión y colaboraciones, entre otros Con Blixa Bargeld y Teho Teardo con quienes actuó  y grabó varios discos.

En “Music for Empty Flats”, Martina Bertoni continúa explorando las posibilidades sonoras de su instrumento, que utiliza como fuente de sonido, sonidos que luego se procesan, agregando reverberación, retroalimentación y frecuencias de subgraves y, por lo tanto, elaborando esculturas sónicas, ricas en atmósferas y fricciones.

 

TSX X PSYGOD

Artists The Same eXcitation (tsx) es una marca de música mutable diseñada por Oswald Berthold, agente de la ciencia y el arte con sede en Berlín, de Farmersmanual and Cohorts.

Escuchamos “ʇן ǝɯs”, que los propios creadores describen como “un paquete de alta densidad elaborado con cuidado y suerte a partir de una rara mezcla de ingredientes”.

El MP (micropaquete) de cuatro pistas te lleva a dar un paseo por un paisaje unidimensional de tablero de ajedrez representado en colores de euforia y terror. Los jugadores emergen en las salidas laterales y se difunden en la actualidad.

 

LORAINE JAMES

Exploramos ahora la continuación del aclamado “For You And I” de Loraine James que ya hemos escuchado en Atmósfera.

Para este Ep, “Nothing”, Loraine ha buscado colaboradores que extienden con empatía el sentimiento en su música instrumental con sus propias y únicas energías; desde la cantante y productora uruguaya Lila Tirdo a Violeta, la rapera que canta en el  idioma farsi Tardast hasta la líder de HTRK, Jonnine Standish.

Comenzamos su escucha con el primer tema en el que se distingue la voz entumecida y repetida de Lila Tirdo.

Escuchamos un tema más del EP de Loraine James “Nothing”, trabajo que se inició cuando Loraine atravesaba un periodo de bajo estado de ánimo.  En este tema Jonnine cambia el estado de ánimo, abriéndose sobre un momento de claridad que le permitió pasar de una relación personal destructiva.

 

VEGPHER 

Japón tiene una larga tradición de música electrónica que parece existir en un universo paralelo. Tienen reglas y sentidos diferentes. Vegpher es un ejemplo perfecto. Gracias a las giras masivas por todo el mundo, Keiichi Sugimoto, nombre real de Vegpher, es uno de los artistas electrónicos más conocidos fuera de Japón.

Abrimos, esta noche, para terminar nuestra primera hora de Atmosfera su disco “Minutus”, escuchando tres de sus temas.

El nombre de Keiichi Sugimoto nos resulta familiar en Atmósfera, ya que el japonés produce bajo apodos como FilFla y FourColor y es miembro de grupos como Minamo y Fonica en sellos como 12k en Nueva York, German Tom Lab y Headz de Japón. En octubre de 2013 lanzó un nuevo álbum llamado "PLUS" con el sello electrónica  más importante de Japón,  "PROGRESSIVE FOrM" bajo el nombre de Vegpher, una mezcla perfecta de techno, house y dub step.

Terminamos la escucha de “Minutus” del artista japonés Vegpher y la primera hora de programa con este tercer tema.

Cuenta Vegpher: “Mi música es una búsqueda de sonidos nuevos, únicos y divertidos que atraigan a los oyentes, no solo para percibir hermosos sonidos como hermosos, sino que al superponer cada uno de los sonidos con delicadeza, forman sutilezas y texturas originales. Al componerlos juntos con precisión, se transforman en "música": Armonías y discordancias, vaguedad y claridad, digital y analógica, necesidad y accidentes. Mi objetivo es lidiar con estos factores opuestos al mismo nivel para crear una música única