BRAD E. ROSE
Abrimos nuestra Atmósfera con una reflexión profunda sobre el sonido y la vida, inspirada en el proyecto "I’m Scared of Dying" de Brad E. Rose. Este trabajo comenzó como una serie de pequeñas viñetas nocturnas, creadas en momentos de insomnio. El autor, al no poder dormir, se sumergía en un torrente de pensamientos, buscando calmar su mente inquieta a través de suaves exploraciones sonoras, como los sonidos del agua y drones resonantes.
Sin embargo, a menudo, estos intentos no eran suficientes. En medio de la noche, escuchaba a su hija despertarse y salir de su habitación, lo que le llevaba a reflexionar sobre su propia existencia y el miedo a la enfermedad y la muerte. Aunque el temor a morir no le había atormentado tanto en el pasado, la cercanía a los 50 años le hizo reconsiderar su vida y el impacto que podría dejar en sus seres queridos.
"I’m Scared of Dying" es una recopilación de esos fragmentos de vida, que se expanden y transforman en un rayo de luz, a pesar de la oscuridad que a veces nos rodea. A medida que el autor se enfrenta sus miedos, también encuentra una nueva perspectiva sobre ellos, sintiéndose más en paz con la incertidumbre de la vida.
Así que, mientras disfrutamos de estos paisajes sonoros, recordemos que el sonido puede ser un espejo de nuestras emociones y experiencias, y que, a veces, enfrentarnos a nuestros miedos puede llevarnos a un lugar de mayor claridad y aceptación.
ZIMOUN
Os proponemos ahora una mirada fascinante al trabajo del artista suizo Zimoun, conocido por sus instalaciones inmersivas que combinan ruido y movimiento a gran escala. Utilizando materiales como cartón y motores de corriente continua, Zimoun crea entornos mecanizados que han sido exhibidos en museos y galerías de renombre mundial.
En septiembre de 2023, Zimoun lanzó "Modular Guitar Fields I-VI", que se centra en los sonidos de una guitarra tenor-barítono, complementada con un sintetizador modular y un amplificador vintage Magnatone de los años 60. Este álbum nos transporta a paisajes sonoros expansivos y atmosféricos, donde la calidez de los sonidos crudos se entrelaza con un enfoque minimalista.
Las composiciones de Zimoun son verdaderas esculturas sonoras, llenas de movimiento y capaces de crear un efecto hipnótico que sumerge al oyente en un entorno envolvente. A diferencia de las narrativas tradicionales, sus obras evocan una sensación de lugar, reflejando su interés en la generación de sonido y la creación de espacios sonoros únicos.
A lo largo de "Modular Guitar Fields I-VI", las composiciones presentan cambios sutiles, pero mantienen un desarrollo continuo en sus microestructuras, asemejándose a un organismo en constante transformación. Este enfoque resalta su deseo de crear sistemas complejos a partir de elementos simples, donde los sonidos de la guitarra son la esencia que alimenta esta experiencia.
A diferencia de otros artistas de su entorno, Zimoun ofrece un álbum más intenso, basado en drones, que, aunque inicialmente puede parecer un paisaje implacable, revela capas ocultas llenas de vida y movimiento, como si exploráramos el interior de un glaciar masivo.
Así que, si buscáis una experiencia sonora única y envolvente, no podéis dejar de explorar este "Modular Guitar Fields I-VI" de Zimoun.
ANENON
Exploramos ahora el fascinante universo de Anenon, el alias del talentoso Brian Allen Simon, quien hace exactamente un año, el 17 de noviembre de 2023, nos regaló 'Moons Melt Milk Light'. Este álbum, profundamente personal y emocional, marca un giro audaz en su carrera.
Anenon deja atrás las texturas electrónicas de sus obras anteriores como 'Tongue' y 'Petrol', para adentrarse en un enfoque casi completamente acústico. Piano, saxofón tenor, clarinete bajo y grabaciones de campo forman el alma de esta obra improvisada y grabada en tomas únicas, sin ediciones, logrando una honestidad pura.
Desde el inicio, con ‘Untitled Skies’, el oyente es transportado a un paisaje sonoro lleno de vida: saxofones florecientes, ecos de pasos, cantos de pájaros. Cada pieza, como esta que escuchamos ahora, ‘Champeix’ que nos sitúa bajo la lluvia o la minimalista ‘Maine Piano’, evoca un diálogo íntimo con lugares como Los Ángeles, Londres o Maine, integrando grabaciones de campo que conectan al oyente con la naturaleza y las emociones humanas.
En palabras del propio Simon: “La pérdida ha sido una constante en mi vida, pero de esa tristeza nace la belleza. La perfección es banal; lo que importa es la tensión”. Moons Melt Milk Light es, en definitiva, un manifiesto de esperanza y aceptación, una búsqueda de luz en la oscuridad que se traduce en una experiencia sonora única y elusiva.
ADAM CONEY
El compositor y guitarrista Adam Coney, combina post rock, jazz e improvisación en una mezcla fascinante de paisajes sonoros. Su trabajo se caracteriza por un enfoque idiosincrásico que abarca tanto lo pastoral como lo angular, demostrando una sensibilidad única hacia la estética de la producción. Con actuaciones memorables en escenarios como el Café OTO de Londres y giras internacionales, Coney ha compartido escenario con grandes nombres como Bill Orcutt y Daniel Lanois.
Como codirector del sello londinense Trestle Records, Coney lidera proyectos como las "One Day Band Sessions", colaborando con artistas de renombre como Charles Hayward y Ruth Goller. Además, explora la improvisación libre con su trío Noon, junto a Beanie Bhebhe y Nick Siddall.
Entre sus álbumes destacan 'The Fall Of The Flamingo Gardens' (2014), aclamado por la crítica, y 'Pavilion' (2019), donde colaboró con Leo Abrahams. Su más reciente trabajo, 'Ashwin & Above' (2023), ha sido descrito como un viaje sonoro que transita desde la contemplación tranquila hasta momentos de abandono máximo, recordándonos el poder del arte perdurable en un mundo dominado por lo efímero.
El LP Ashwin & Above nos lleva a un viaje desde la contemplación tranquila hasta el abandono máximo a través del equilibrio compositivo, la entrega intensa y el diseño de sonido astuto. En el contexto de un mundo cínico en el que el contenido rápido es el rey y el arte perdurable ocupa un segundo plano, Coney ofrece un recordatorio dinámico de que su música resiste la prueba del tiempo como un buen vino del cancionero de Robbie Basho.
KATE CARR
Nos adentramos ya en el fascinante nuevo trabajo de la artista Kate Carr, titulado "A Field Guide To Phantasmic Birds". En esta obra, Carr nos invita a reflexionar sobre la naturaleza subjetiva de las grabaciones de campo, sugiriendo que estas pueden ser interpretadas como una forma de imaginación.
La propuesta de Carr desafía nuestras percepciones y los límites de los sentidos, creando un diálogo entre la interioridad de nuestra mente y el mundo exterior. A través de su escucha bifurcada, nos presenta un registro único de alucinaciones auditivas, donde se entrelazan sonidos espectrales y gorjeos electromagnéticos. Nos ofrece una experiencia auditiva de pájaros que nunca grabó, pero que reimagina de manera extraordinaria.
En esta obra, los sonidos se estiran, tartamudean y transforman, creando un paisaje sonoro vibrante y lleno de vida. Carr utiliza fragmentos digitales como artefactos de performance, imaginando a estos pájaros volando y llamándose en un entorno sonoro que ella misma ha creado. Visualizamos un mundo lleno de junglas tecnicolor, donde estos seres sonoros brillan, vivos e inexpugnables, en un espacio que parece intacto y no arruinado por la humanidad.
"A Field Guide To Phantasmic Birds" es, en esencia, una grabación de campo que nunca se realizó, pero que nos invita a experimentar la belleza de lo imaginado.
ROSS BIRDWISE
Nos situamos ahora ente un singular concepto sobre la música que desafía las convenciones y se adentra en un territorio de caos y complejidad. La música de Ross Birdwise, en muchos de sus temas, parece moverse en múltiples direcciones simultáneamente, creando una sensación de unidad que flirtea con el colapso y la incoherencia, especialmente en el ámbito del ritmo.
Imaginemos polirritmos y polímetros que se entrelazan, expandiéndose y contrayéndose en cuadrículas virtuales, inauditas y rotas. Estas estructuras temporales, aunque desordenadas, ofrecen una base que, al mismo tiempo, se opone a los sonidos que producen. Es como una colisión entre lo audible y lo inaudible, un patrón irregular que perturba nuestra percepción del tiempo y el espacio.
Os dejamos comprobar todo esto escuchando dos temas del nuevo trabajo de Ross Birdwise titulado “Fragile Alliances”
“Fragile Alliances” de Ross Birdwise, es un trabajo muy singular en el que el concepto de una cuadrícula oculta, que modula lo tangible y lo efímero, resuena con la experiencia de la vida contemporánea, marcada por flujos cambiantes y relaciones de poder tanto visibles como invisibles. En este mundo no euclidiano, donde la confusión y la transformación son constantes, la música se convierte en una metáfora del devenir, un reflejo de las tensiones del capitalismo tardío y sus efectos en nuestras vidas.
La música, entonces, no solo representa, sino que cataliza pensamientos y emociones, a menudo desafiando nuestra capacidad de describirla. La frustración que surge al intentar capturar su esencia se convierte en parte del proceso creativo. Las cuadrículas rotas empujan los sonidos hacia lo impredecible, mientras que cambios de tempo y ráfagas de ruido añaden capas de complejidad.
EUGENE CARCHESIO + ADAM BETTS
La colaboración entre el australiano Eugene Carchesio y el británico Adam Betts, dos artistas que han logrado fusionar sus estilos únicos en un proyecto sorprendente, nos sitúa en una grabación fascinante que desafía las expectativas y nos invita a explorar nuevos horizontes sonoros
Eugene Carchesio es conocido por su serie "Circle Music", en la que crea un cosmos sonoro a partir de materiales simples, manteniendo una calidad rítmica intensa y un enfoque minimalista. Sin embargo, en esta ocasión, Eugene decidió añadir un elemento inesperado: la percusión. En ese momento, recordó el trabajo de Adam Betts, un músico con quien ha compartido escenario en varias ocasiones y que, curiosamente, también había destacado en una competición de lanzamiento de pelotas galesas. Esta combinación de talentos resultó ser perfecta para el proyecto.
El resultado de esta colaboración es una obra que combina la energía contenida y la ferocidad rítmica de ambos artistas. La música que han creado no solo es un ejercicio de escucha atenta, sino que también invita a una exploración generosa de los sonidos. A través de esta fusión, se revela cómo el minimalismo puede generar olas de energía emocional, creando una experiencia auditiva única.
TRANSTILLA
Después de lanzar Transtilla II en 2019, nos sorprendió la energía que el dúo podía perpetuar en ese álbum y luego nos presentaron Transtilla III. Así que esperábamos un álbum ambiental, que sigue la pista de su predecesor. Pero Transtilla III es mucho más que eso. El álbum es una transformación de sentimientos en música o mejor dicho "puedes sentir lo que escuchas música".
La cara B es la calma después de la tormenta. "Petre de la Meusse", tema que os proponemos esta noche, es un crucero atmosférico, flotando sobre guitarras que hacen eco.
Mientras que los dos primeros álbumes consistían principalmente en nubes oscuras de sonido, construidas con dos guitarras tocadas con arco y punteadas con los dedos, y loops, Transtilla III es un disco muy variado y dinámico, donde el dúo pasa de una inquietud embriagadora a una calma tenue, de un ruido industrial a una serenidad clásica, de la oscuridad a la luz y viceversa. No es casualidad que Transtilla III sea el resultado de un período lleno de acontecimientos de amor y muerte para el dúo, al que las canciones hacen referencia directa e indirectamente.
El tercer álbum de Transtilla es el más diverso, en el que las referencias anteriores a grupos como Labradford y Main y el grupo de bandas Kranky todavía pueden aplicarse, pero en el que el dúo también se sacude sus plumas ambientales.
HAND TO EARTH
Hand to Earth es un colectivo que redefine la creación musical como un proceso de "tejer". No es improvisación libre ni composición estricta, sino un punto intermedio donde historias, lenguajes y tradiciones convergen.
En el corazón de este ensamble está Daniel Wilfred, quien canta las “Manikay” (las canciones de clanes que se acompañan con palos y didjeridu de los yolngu del noreste de la Tierra de Arnhem) en su lengua nativa wagiläk, entrelazando estas antiguas canciones populares con las prácticas contemporáneas del grupo. La música de Hand to Earth está guiada por el concepto del raki, una cuerda que, según la tradición Yolŋu, conecta lo físico con lo metafísico. En sus interpretaciones, este hilo invisible une a los músicos y a la audiencia en un espacio común de conexión y escucha profunda.
El álbum Mokuy captura este espíritu, renovando canciones con más de 60,000 años de tradición. Trompetas, instrumentos de viento y el pulso del yiḏaki (dijeridú) se mezclan con las voces de Daniel y Sunny, creando un paisaje sonoro que atraviesa tiempo y lugar. Es una música que, como el viento, une a las personas y evoca un sentido de pertenencia compartida.
Cuando cierras los ojos al escuchar Hand to Earth, sientes el raki como un diario etéreo de encuentros, un espacio donde lo ancestral y lo contemporáneo se entrelazan. Esta es música que trasciende fronteras, una celebración de nuestra humanidad común.
GENERAL MAGIC
Celebramos el regreso de General Magic, el icónico dúo de Andi Pieper y Ramon Bauer, que volvieron con su primer álbum completo desde "Rechenkönig" en el año 2000. 23 años después, en diciembre de 2023, entregaban esto que suena ya, "Nein Aber Ja", es una colección audaz de exploraciones sonoras que atraviesan el pasado, presente y futuro de la música electrónica.
Después de dos décadas en hibernación, General Magic retomó actividad en 2022 con el peculiar y fascinante EP "Softbop". Le siguieron las sesiones audiovisuales de "Livebop" y "GMTF Sessions 1-4", colaboraciones con Tina Frank que expandieron los límites de lo sonoro y lo visual. Ahora, "Nein Aber Ja" nos trae nueve piezas que combinan techno psicodélico, ritmos feroces, rock espacial al estilo Kraut y música electrónica experimental.
Este álbum reafirma la posición de General Magic como pioneros de la llamada Tercera Escuela Vienesa, desafiando constantemente las convenciones de la música electrónica desde 1995. Su enfoque juguetón y deconstructivo sigue marcando el ritmo de la innovación, como lo demuestra este nuevo lanzamiento bajo GOTO Records, disponible a partir del 30 de noviembre de 2023.
GOLDEN DISKO SHIP
Hoy exploramos el nuevo trabajo de Golden Diskó Ship, el proyecto musical de la multiinstrumentista berlinesa Theresa Stroetges, quien regresa con su quinto álbum solista, "Oval Sun Patch", bajo el sello Karaoke Kalk. Este disco, más orientado hacia la cultura de club, la electrónica avanzada y el pop, representa su propuesta más cautivadora hasta la fecha: una mezcla de ritmos pulsantes, melodías juguetonas y atmósferas expansivas.
Los temas de transitoriedad, la inmensidad de los océanos y el aislamiento de las islas, presentes en sus discos anteriores, también impregnan "Oval Sun Patch". Este álbum tiene sus raíces en diversas residencias artísticas que Stroetges realizó entre 2021 y 2022 en Portugal y Austria. Entre guitarras prestadas y estudios temporales, Theresa creó piezas como el épico cierre de tres partes, "Earth Before The Space Race", concebido originalmente como una obra audiovisual multicanal.
Musicalmente, el disco combina influencias de house, techno, trip-hop e IDM. Canciones como esta que escuchamos esta noche para cerrar nuestra primera hora de Atmosfera, "Dolphins With Soft Helmets" y "Ephemeral Carnivores" incorporan bajos al estilo Moroder y ritmos de house vibrantes, todo entrelazado con su distintiva guitarra evocadora y pasajes vocales que contrastan entre armonías y contrapuntos.
"Oval Sun Patch" no es solo un álbum; es un viaje sonoro sobre cambio y evolución, tanto personal como global. Theresa Stroetges nos demuestra que la música puede ser un proceso continuo de transformación y experimentación.
