Atmósfera

Uruk, Girma Yifrashewa

 

URUK

Abrimos nuestra Atmósfera con el fascinante mundo de URUK, un dúo de música experimental formado en 2016 por dos gigantes de la vanguardia sonora: Thighpaulsandra, colaborador habitual de Coil y parte de la banda Spiritualized, y Massimo Pupillo, bajista de Zu, un trío de jazzcore italiano. Ambos artistas son conocidos por su habilidad para fusionar géneros y romper barreras musicales.

Su primer álbum, I Leave a Silver Trail Through Blackness de 2017, es una profunda inmersión en el dark ambient, cargada de texturas sonoras que desafían lo convencional. En sus siguientes trabajos, Mysterium Coniunctionis de 2018 y The Descent of Inana de 2019, URUK continuó explorando paisajes oscuros y misteriosos, donde el sonido es el vehículo hacia lo desconocido.

Su más reciente creación, con el que hemos comenzado Atmósfera, The Great Central Sun, es una obra que se compone de solo dos temas largos. Con estas piezas, URUK nos lleva en un viaje sonoro introspectivo, donde los drones y atmósferas ambient nos sumergen en un universo denso y enigmático. Thighpaulsandra crea paisajes cautivadores con sus sintetizadores, mientras Pupillo aporta una base sólida e hipnótica. Este álbum, como sus predecesores, es una experiencia sensorial que invita a reflexionar sobre los misterios del universo y de nosotros mismos.

ALESSIO DUTTO

Midira Records es el sello responsable del lanzamiento del segundo álbum de Alessio Dutto titulado Dusk Communion. En 2019 lanzaron Blurred Boundaries, una bestia de drones electrónicos, masterizada por James Plotkin. Sorprendió y mucho el impacto que tuvo ese álbum en sus oyentes y el sello sentía curiosidad por escuchar cuál sería el siguiente paso.

Y ese siguiente paso es Dusk Communion que profundiza y lleva los paisajes sonoros a un nuevo nivel. Los elementos de ruido son primordiales. Hay una infiltración de humor oscuro. Pero también escuchas los sonidos característicos de Alessio Dutto, que nos mostró en su álbum debut. No es un álbum fácil de escuchar, desde luego, pero engancha. Es un viaje a través de experiencias y sentimientos personales.

MARKUS FLOATS

Después de su aclamado debut Constellation y el segundo álbum Third Album, lanzado en la primavera de 2020, Markus Floats nos sorprende una vez más con una propuesta que desafía las fronteras de la música electrónica abstracta con “Fourth Album”.

Este nuevo álbum, que emerge tras un periodo de aislamiento y reflexión en su estudio de Montreal, es un viaje sonoro que invita a la conexión y la colaboración. Floats describe Fourth Album como un proyecto que va más allá de la soledad, un llamado a la ayuda y a la creación de un hogar sonoro. En este sentido, se siente la influencia de sus amigos y colaboradores del grupo Egyptian Cotton Arkestra, quienes aportaron su talento en una sesión de improvisación en el icónico estudio Hotel2Tango.

El resultado es una obra que combina la esencia de la música electroacústica con la calidez de los instrumentos acústicos. Con el violín de Ari Swan, el saxofón y la mbira o Kalimba de James Goddard, y la guitarra y batería de Lucas Huang, Floats logra una expansión dinámica de su sonido, manteniendo ese delicado equilibrio entre la abstracción y la emotividad que tanto lo caracteriza.

Por primera vez, la palabra hablada se incorpora como un elemento grabado, culminando en una poderosa colaboración con el poeta y activista Fred Moten, quien nos deja con una reflexión profunda sobre la búsqueda de significado en la conexión humana.

GIRMA YIFRASHEWA

“My Strong Will” de Girma Yifrashewa es un álbum de "música clásica etíope". Grabado con músicos búlgaros y la Orquesta Filarmónica de Sofía, en Sofía, Bulgaria, el álbum es un regreso al lugar donde Yifrashewa completó su propia formación de conservatorio a finales de la década de los 80 y principios de los 90, en ambos lados de la caída del comunismo.

Seguimos escuchando un tema más de “My Strong Will” de Girma Yifrashewa.

Guiadas por el piano de Yifrashewa, estas obras de cámara llevan la música de Etiopía a un formato clásico occidental, descubriendo nuevas perspectivas meditativas y emocionales para ambas tradiciones.

TROND KALLEVÅG

Trond Kallevåg es un guitarrista y compositor noruego que nos invita a embarcarnos en un viaje musical a través de su nuevo álbum, "Amerikabåten", que significa "El barco americano".

Con una calidad cinematográfica que evoca a grandes como Ry Cooder y Bill Frisell, Trond nos transporta a una época en la que cientos de miles de noruegos cruzaron el vasto océano en busca de nuevas oportunidades y aventuras. Este álbum es un homenaje a esas historias y a la rica cultura estadounidense que ha influido en su música.

"Amerikabåten" es el tercer álbum de Trond, tras el aclamado "Bedehus & Hawaii" y "Fengselsfugl". En esta nueva entrega, ha reunido a un talentoso grupo de jóvenes músicos noruegos, como Selma French y Håkon Aase, quienes aportan su propia magia a las composiciones de Trond. Juntos, crean un sonido que fusiona himnos noruegos, baladas antiguas y la esencia de la música americana, todo ello a través de la guitarra de Trond, que se convierte en la voz principal de esta narrativa musical.

La pedal steel guitar añade un toque inquietante y melódico, enriqueciendo aún más la experiencia auditiva. Trond no solo compone, sino que también mezcla toda la música, lo que le permite dar vida a su visión artística de manera meticulosa y personal. Su expresión instrumental es honesta y lírica, lo que le ha valido el reconocimiento de críticos de todo el mundo.

En sus propias palabras, Trond comparte su profunda admiración por la cultura estadounidense y el viaje transformador que representa. Las historias de sus abuelos sobre parientes que se aventuraron a América resuenan en cada nota, creando conexiones culturales que trascienden el tiempo y el espacio.

THE ALLEGORIST

Hace un par de semanas iniciamos la escucha de Tekhenu Retold de The Allegorist y es el momento de retomarla.

Escuchamos ya la remezcla de Ben Chatwin del tema “Through The Forest”. El músico inglés residente en Escocia Ben Chatwin, solicitado a nivel mundial como compositor con colaboraciones en Village Green, Denovali y otros, encuentra momentos de trascendencia en una travesía reservada y dolorosamente reflexiva en el tema que ha remezclado para este Tekhenu Retold de The Alegorist.

 El segundo tema que escuchamos de Tekhenu Retold de The Alegorist es este “Howling With The Wolf” en remezcla del artista de Estambul-Berlín Ah! Kosmos (Başak Günak),  el complemento perfecto para la imaginación teatral y expansiva de The Allegorist, expandiendo “Howling with the Wolf” a un viaje musical épico y de escenario principal con un bajo a gran escala.

Terminamos por hoy el recorrido por Tekhenu Retold de The Alegorist con La sueca Sarah Asspring (también conocida como El Perro del Mar) junto con su colaborador y socio Jacob Haage que dieron forma a “Born in the River” en un encantamiento hipnótico distorsionado .

JASPER BROEKS

Para el octavo lanzamiento del sello RAAZ, uno de los miembros del equipo RAAZ: Jasper Broeks de los Países Bajos, presenta su viaje atmosférico de dos temas. Sí, no es solo un disco, es un viaje a través del tiempo y los lugares. Escuchamos para terminar nuestra primera hora de Atmósfera el tema “Mr. Vague”, con su atmósfera oscura y mística y algunas líneas de bajo un tanto desagradables que se unen a los ritmos sucios para hacer que la pista de baile se mueva. No os dejéis engañar por las apariencias…

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Uruk - Per speculum in aenigmates- The Great Central Sun

Alessio Dutto - Memories are Horn-shaped - Dusk Communion

Alessio Dutto -  After all, the Concept of Ethernal Return was first Proclaimed by a Demon II I- Dusk Communion

Markus Floats – Introduction - Fourth Album

Girma Yifrashewa – Union - My Strong Will

Girma Yifrashewa - The Shepherd with the Flute - My Strong Will

Trond Kallevåg – Fargo - Amerikabåten

The Allegorist - Through The Forest (Ben Chatwin Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Howling With The Wolf (Ah! Kosmos Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Born In The River (Jacob Haage & Sarah Assbring Rework) - TEKHENU Retold

Jasper Broeks - Mr. Vague

Midori Takada, Matana Roberts

MIDORI TAKADA

Comenzamos nuestra Atmósfera con La legendaria pionera del ambient japonés, Midori Takada, que fue comisionada por el MSCTY y el V&A Dundee, una de las principales instituciones de arte del Reino Unido, para crear una banda sonora única para el museo.

Este nuevo álbum contiene tres composiciones conectadas que ofrecen una experiencia sonora envolvente.

MSCTY X V&A Dundee es un fascinante álbum doble que presenta obras completamente nuevas de dos artistas icónicas de la música experimental. Por un lado, la pionera del ambient japonés, Midori Takada, y por otro, el enigmático artista, músico y productor SHHE, cuyo álbum debut fue preseleccionado para el Álbum Escocés del Año 2020. Ambos álbumes, aunque separados, están inspirados en una de las obras arquitectónicas más impresionantes del Reino Unido: el V&A Dundee.

Esta noche nos centramos en la parte de Midori Takada, conocida por su enfoque minimalista y ambiental, que ha creado una obra hipnótica basada en enormes marimbas de madera, un tributo a los materiales naturales utilizados por el arquitecto Kengo Kuma en la construcción del museo. Su música evoca una atmósfera envolvente que refleja la visión orgánica del edificio.

MARTINA BERTHER

Nos quedamos ahora con Matt, el primer álbum colaborativo entre Martina Berther y Philipp Schlotter. Ambos son músicos prolíficos, con experiencia en el jazz y el pop, pero en este proyecto exploran los límites del arte sonoro. Grabado en solo cuatro días dentro de una iglesia en Suiza, el álbum toma su nombre del pueblo donde se grabó. Utilizando el órgano de la iglesia, sintetizadores y bajos eléctricos, Berther y Schlotter adoptaron un enfoque experimental que mezcla composición e improvisación libre, logrando un sonido crudo e íntimo.

El álbum, grabado directamente en cinta sin sobregrabaciones, está compuesto por cinco piezas que reflejan el minimalismo y la espontaneidad de los músicos. La primera pieza, que escuchamos ya en Atmósfera, Unruhe, basada en la técnica dodecafónica, utiliza un cronómetro para mantener precisos intervalos de tiempo entre las notas, creando una obra que atraviesa diferentes estados de ánimo en 14 minutos.

Con una estética minimalista pero emocionalmente rica, Matt es un álbum que fusiona la espontaneidad de la improvisación con la precisión compositiva, demostrando cómo Berther y Schlotter crean paisajes sonoros profundos con recursos simples, llenos de viveza y creatividad.

PARCHMAN PRISON PRAYER

Quizá lo que acabamos de escuchar está alejado de la electrónica experimental, pero el sentimiento que produce la música, los sonidos, en nuestra mente, en nuestro cuerpo, forma parte de Atmósfera. Por eso no nos hemos resistido a escuchar este trabajo que recoge grabaciones in situ de la prisión de máxima seguridad de Parchman Farm en Mississippi recopiladas y grabadas por el productor Ian Brennan. La institución tiene una rica historia musical, ya que Son House, Bukka White, Mose Allison y el padre de Elvis Presley, Vernon Presley, fueron antiguos residentes.

MATANA ROBERTS

Exploramos ahora, escuchando dos de sus temas, “Coin Coin Chapter Five: in the garden...”, la más reciente entrega del proyecto visionario de la compositora, saxofonista e improvisadora Matana Roberts. Este ambicioso trabajo busca desentrañar la historia afroamericana a través de la ancestralidad, los archivos y los lugares. En este capítulo, Roberts cuenta la historia de una mujer en su linaje familiar que murió por complicaciones tras un aborto ilegal. En un contexto donde los derechos reproductivos están siendo atacados, esta historia cobra una nueva relevancia. Roberts explica que su intención era abordar el tema de una forma en que esta mujer lograra una liberación simbólica. A través de la investigación en archivos públicos y la recopilación de historias familiares, Roberts ha dado vida a una mujer que, como dicen sus letras, es “eléctrica, viva, ardiente y libre”.

En sus notas para el álbum, Roberts reflexiona sobre la situación actual en Estados Unidos, describiendo una creciente ola de personas que parecen creer que los cuerpos no les pertenecen a quienes los habitan. Resaltan cómo la falta de acceso a servicios de aborto seguro afecta desproporcionadamente a las comunidades marginadas y de bajos ingresos, y cómo este control sobre los cuerpos femeninos y trans es una extensión de la lucha por los derechos reproductivos.

Cada parte del proyecto Coin Coin explora paisajes musicales radicalmente diferentes. En este capítulo, Roberts expande su paleta sonora con la ayuda de un nuevo ensamble que incluye figuras de la improvisación, el jazz y el avant-rock. Entre los colaboradores se encuentran Darius Jones en el saxofón, la violinista Mazz Swift, el clarinetista Stuart Bogie y el percusionista Ryan Sawyer, entre otros. La producción estuvo a cargo de Kyp Malone, de TV On The Radio, quien también aporta sintetizadores, mientras que la fallecida trompetista jaimie branch recibe una mención especial por su “valentía”.

Musicalmente, Roberts sigue estrategias del avant-garde de posguerra, inspirándose en figuras como John Cage y Benjamin Patterson. También destaca la influencia de Maryanne Amacher, quien exploraba cómo el sonido y el cuerpo interactúan. Para Roberts, el saxofón no solo es un instrumento dentro del canon del jazz, sino una herramienta para afectar el cuerpo y los sentidos.

El álbum combina diversos estilos, desde jazz modal y spoken word, hasta folk y abstracción avant-garde. En piezas como how prophetic se escucha jazz vibrante, mientras que en enthralled not by her curious blend predomina un minimalismo de loops de sintetizadores. Roberts incluso adapta una vieja canción de cuna de las plantaciones en la conmovedora but I never heard a sound so long, evocando las raíces musicales americanas.

Este nuevo capítulo se centra en una protagonista femenina, pero Roberts aclara que los capítulos anteriores y futuros continuarán explorando historias de todos los géneros y su herencia nativa americana. Su objetivo es crear una obra inclusiva que refleje las complejidades de la identidad. Coin Coin sigue siendo un viaje hacia la liberación del espíritu humano, un viaje que, como dice Roberts, seguirá evolucionando.

LILA TIRANDO A VIOLETA

Accela, es el primer lanzamiento colaborativo entre Lila Tirando a Violeta y Sin Maldita, bajo uno de nuestros sellos favoritos: Hyperdub.

Accela lleva a los artistas más allá del pop, adentrándolos en paisajes oníricos y realidades digitales con un enfoque surrealista. El resultado es un trabajo fragmentado, pero rítmicamente flexible e intenso, lleno de melodías intrigantes.

El concepto de Accela explora la idea de "Idioglossia", un lenguaje privado que Lila y Sin desarrollan y hablan a lo largo del álbum.

EMILY WITTBRODT

Make You Stay, un ciclo, si, no me he confundido con álbum, porque es la idea de este trabajo que contiene ocho piezas experimentales de la violonchelista y compositora Emily Wittbrodt. Este fascinante proyecto combina recitativos y piezas instrumentales, inspirándose en las formas barrocas pero adaptadas al sonido contemporáneo de una banda. La instrumentación incluye electrónica, guitarra eléctrica, batería, cello, y órganos eléctricos y de pecho, creando una mezcla única entre lo clásico y lo moderno.

El ciclo temático gira en torno a formas de separación, y en los cuatro recitativos, Wittbrodt pone música a textos de poetas del siglo XX y XXI, como E.E. Cummings y Stine Sampers, además de letras de Astrud Gilberto y un texto propio de Wittbrodt. Lo interesante es que cada miembro de la banda tiene un papel vocal, ya sea cantando o recitando. Después de cada recitativo, la banda interpreta un "aria" instrumental, siguiendo la estructura barroca, donde el contenido del recitativo es reinterpretado y transformado musicalmente.

Make You Stay está profundamente arraigado en la música contemporánea. Los músicos detrás de este proyecto –Annie Bloch, Jan Philipp, Wolfgang Pérez y la misma Wittbrodt– son figuras activas en la escena del pop experimental y la improvisación en Alemania, lo que añade una capa de innovación y frescura a este ciclo musical que, sin duda, desafía los límites entre lo clásico y lo vanguardista.

THE ALLEGORIST

Vamos a dedicar este último tramo de Atmósfera a las remezclas que The Allegorist ha publicado de su célebre quinto lanzamiento de estudio, escuchando hoy (vamos a escuchar todo el disco en las próximas semanas) 4 de sus remezclas.

La primera remezcla que escuchamos, antagónicamente es la que cierra el disco, es la de Scanner del tema Barefoot que nos deleita con sus voces cautivadoras y entrecortadas y sus ritmos cruzados y ondulantes.

Elevándose como los antiguos monolitos egipcios que dieron nombre al proyecto, TEKHENU Retold es una colección profunda y resonante de la mitología sonora de The Allegorist, remezclada. El quinto álbum de estudio de la artista nacida en Hungría y afincada en Berlín presenta diversas reimaginaciones de algunos de los productores más innovadores de la escena, incluidos Subheim, Die Wilde Jagd, Midori Hirano, Desiderii Marginis, Ah! Kosmos y más.

Estamos escuchando en estos últimos minutos de nuestra primera hora de Atmósfera Tekhenu Retold de The Allegorist.  Le toca el turno ahora a “Inner Dialogue” que  trae los suntuosos colores de la voz de Anna al ritmo del amanecer de Drum & Lace, el proyecto de trip-hop de la reconocida compositora italiana Sofia Hultquist. Basándose en la pasión de The Allegorist por contar historias, este álbum de remezclas expande su narrativa en una historia compartida y abierta. The Allegorist es una políglota prolífica con su propia voz alquímica inconfundible; aquí, como siempre, es una potencia del bricolaje, ya que TEKHENU reworked cuenta con portadas y animaciones de producción propia para cada pista, ya que Anna es su propia productora, intérprete, ingeniera y directora creativa.

Estamos recorriendo esta noche el disco de remezclas Tekhenu de The Allegorist. Esto que suena ya es la versión de Subheim de “Trees of Peace” en la que da un paso atrás hacia el trip-hop relajado, mezclado a partes iguales con densas capas cinematográficas de cuerdas y pads, intercaladas con pausas llenas de crujidos, como si recuperara el aliento.

Cuenta La propia artista: “TEKHENU es una alegoría del significado y el propósito, algo a lo que todos estamos vinculados y que nos conecta a todos. Tenemos nuestra propia verdad. TEKHENU es algo completamente diferente para todos nosotros y, al mismo tiempo, también lo mismo. Antiguamente, las historias se transmitían de boca en boca, se contaban una y otra vez. Creo que hay mucha belleza en las distintas narrativas. Pensé que sería genial volver a contar los capítulos de la historia de TEKHENU desde 10 perspectivas diferentes y a través de 10 artistas diferentes”

Y terminamos por hoy, en próximas semanas terminaremos de escuchar todo el disco, la escucha de Tekhenu Retold de The Alegorist con la remezcla de Die Wilde Jagd del tema Whispers Of The Wind. La banda de Sebastian Lee Philipp, Die Wilde Jagd, ofrece este tema que es la apertura del disco, inquietante y ritualista con armonías escalofriantes.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Midori Takada - KI-KI-KI - MSCTY X V&A Dundee

Martina Berther - Unruhe -  Matt

Parchman Prison Prayer - Break Every Chain - Some Mississippi Sunday Morning

Matana Roberts - But I Never Heard A Sound So Long - Coin Coin Chapter Five/In The Garden...

Matana Roberts -  The Promise - Coin Coin Chapter Five/ In The Garden...

Lila Tirando A Violeta - Outro (Las Puertas) - Accela

Emily Wittbrodt – Foolish - Make You Stay

The Allegorist – Barefoot (Scanner Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Inner Dialogue (Drum & Lace Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Trees Of Peace (Subheim Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Whispers Of The Wind (Die Wilde Jagd Rework) - TEKHENU Retold

Undisclosed 1122 – 5 Years Of Soil

Illuha, "Música Autómata"

CARBON IN PROSE

Comenzamos Atmósfera con Carbon In Prose, y su álbum titulado Salt Water Blood, una oda a nuestra tierra y sus océanos, una obra que también se convierte en una súplica de perdón por el daño que, como especie, hemos infligido a nuestro planeta. A lo largo de nueve piezas creadas con síntesis modular eurorack, grabaciones de campo y piano, Salt Water Blood nos invita a meditar sobre la relación entre nuestra fragilidad humana y la perdurabilidad cósmica de la Tierra.

Aunque nuestro planeta y sus ecosistemas están heridos por nuestro abuso, es la humanidad la que sufrirá más profundamente las consecuencias. El disco nos recuerda que, a través de nuestros propios actos, engendramos nuestro sufrimiento. Esa cruda verdad está presente como un zumbido constante, como una sombra que se desliza entre los sonidos envolventes y los murmullos atmosféricos que atraviesan cada composición.

Con un tono melancólico pero también reverencial, Salt Water Blood explora el deseo humano de trascender, de volverse eterno, todo dentro de la inmensa perspectiva de la Tierra. El agua, símbolo de vida y ruina, corre como un hilo conductor a través de todas las canciones, evocando tanto su presencia inmutable como su continua desaparición.

Es un recordatorio constante de que el agua, ese elemento que nos define como humanos, también es testigo de nuestra autodestrucción. Con sus crecientes niveles, tsunamis y sequías, nos muestra que todo lo que le hacemos al planeta, inevitablemente, nos lo estamos haciendo a nosotros mismos.

ILLUHA

En su nuevo álbum Tobira, el dúo Illuha, formado por Corey Fuller y Tomoyoshi Date, se transforma en trío con la incorporación del percusionista Tatsuhisa Yamamoto. Conocido por su trabajo en solitario con el sello Black Truffle y colaboraciones con artistas como Jim O'Rourke y Eiko Ishibashi, Yamamoto aporta un enfoque único y texturizado a la batería.

Los entornos electroacústicos de Illuha, normalmente detallados y precisos, encuentran en Yamamoto un nuevo impulso rítmico. Tobira, que en japonés significa "puerta" o "apertura", marca un paso atrevido para el grupo, explorando territorios sonoros rítmicos poco comunes en la música ambiental. Después de años trabajando como dúo, Fuller y Date buscaban romper con las estructuras tradicionales y arriesgarse, permitiendo que el sentido del ritmo de Yamamoto guiara su improvisación tanto en vivo como en estudio.

El álbum fue grabado en dos sesiones principales, con sobregrabaciones posteriores que respetan la esencia de las primeras tomas. La batería de Yamamoto, capturada con micrófonos cercanos, amplifica los golpes ligeros y texturizados, dándole una presencia única sin perder la sensibilidad característica de Illuha. Fuller y Date optaron esta vez por evitar su tendencia a la hiperedición, buscando una estructura más libre y natural que, sin embargo, mantiene su maestría en la producción detallada.

Tobira ofrece al oyente una experiencia inmersiva, donde cada pista es una puerta hacia nuevos territorios sonoros. Esta mezcla de exploración, melodía y textura brinda un viaje a través de la neblina de los comienzos, donde cada escucha abre una nueva posibilidad.

LORIS VENEGONI

“Per Aspera ad Astra” de Loris Venegoni, como su título en latín sugiere, nos lleva ‘a través de la dureza, hacia las estrellas’. Este trabajo se desarrolla a partir de imágenes, sugerencias y misiones espaciales tanto pasadas como presentes, dando lugar a un paisaje sonoro evolutivo, dividido en capítulos que simulan una sincronización con un hipotético audiovisual sobre el tema.

Este proyecto representa un avance significativo en el enfoque creativo de Venegoni, que hasta ahora había estado ligado a formas tradicionales de sonificación. El objetivo de Venegoni era dar voz a los espacios que su mente había creado, sin seguir estilos o procesos de producción convencionales.

Gran parte del material fue obtenido de manera espontánea, sin la habitual estructura meticulosa que se esperaría, lo que le permitió liberar los elementos rítmicos y percusivos para que fluyeran de manera natural.

 

DRID MACHINE

“Record Players, Percussion and Sound Effects I” es la segunda entrega de una fascinante serie de LPs lanzada por Drid Machine Records y coeditado con el sello noruego Hærverk Industrier. Inspirado en la serie Prospective 21e Siècle de Philips de música electroacústica y vanguardia de los años 60 y 70, RPPASE I viene en una edición artesanal, con cubiertas estampadas en foil y serigrafiadas, evocando el arte de la música de biblioteca de antaño.

Tras el lanzamiento de su primer álbum Stavanger en marzo de 2022, Kjetil Brandsdal, en tocadiscos y efectos de sonido, y Thore Warland, en percusión y efectos, comenzaron a grabar nuevo material que introdujo un enfoque diferente en su música. En esta sesión, el dúo exploró nuevas composiciones, dando como resultado un trabajo de diez piezas más cortas y estructuradas. Al igual que en la música de biblioteca, cada canción es un descubrimiento, con combinaciones inesperadas de agresión sutil, repetición y ligereza que crean paisajes sonoros frescos y enigmáticos.

LENHART TAPES

"Lenhart Tapes, es un proyecto de ethno-noise de Belgrado, y Dens es su segundo álbum, una audaz exploración de la música balcánica reinterpretada por el productor Vladimir Lenhart. Este álbum fusiona ritmos industriales y folk tradicional con la colaboración de vocalistas excepcionales como Svetlana Spajić, Zoja Borovčanin y Tijana Stanković a la que escuchamos en este tema.

Con influencias de la escena punk e industrial yugoslava de los años 80, Dens ofrece una mezcla única de ruido sucio y folk poderoso. Lenhart, inspirado por sus raíces y el folclore de su abuelo, ha trabajado con Tijana Stanković, violinista y etnomusicóloga, quien ha aportado un profundo conocimiento de la música tradicional, transformando este proyecto en una colaboración sincera e igualitaria.

FURTHERSET

Furtherset, el proyecto del artista Tommaso Pandol, se caracteriza por capas de sonidos sintéticos, modulaciones y armonías envolventes que crean un paisaje musical en constante cambio. Escuchamos esta noche dos temas de The Infinite Hour un álbum que ofrece una experiencia sonora única, siempre al borde de desintegrarse y abrir nuevos espacios infinitos.

Creado entre 2020 y 2022, The Infinite Hour fue refinado en colaboración con Bienoise durante el proceso de mezcla, tomando inspiración de autores como Dante Alighieri y Amelia Rosselli. Cada pista, pensada para ser interpretada en vivo, es una variación de un camino que nunca es definitivo, y sus actuaciones en vivo destacan por sus meticulosas transformaciones.

“The Infinite Hour” de Furtherset, es una elegía fragmentada y sintetizada en electrónica que no busca explicar ni justificar, sino simplemente expresar la angustia a través del sonido. A lo largo de seis composiciones, The Infinite Hour captura la sensación de una respiración laboriosa, como quien llora una pérdida y teme al olvido. Es un disco que convierte el dolor en un espacio en constante expansión, donde la melodía es circular y la quietud se transforma en algo eterno.

LEO TAKAMI

Nos quedamos ahora con Next Door, el nuevo trabajo del guitarrista Leo Takami, una mezcla sutil de jazz, rock progresivo y música ambiental japonesa, que continúa la exploración iniciada en su aclamado disco Felis Catus & Silence. En Next Door, Takami reflexiona sobre el paso del tiempo, las estaciones y la conciencia, encontrando belleza en los momentos más cotidianos.

Comenzamos su escucha con “As If Listening”, un tema inspirado por una exposición de Van Gogh, en el que Takami captura la sensación de resignación iluminada que acompaña al proceso creativo.

Takami nos ofrece una música honesta, profundamente personal e introspectiva, es un cine de la memoria, una banda sonora para recuerdos que quizá nunca sucedieron, pero que brillan en nuestra mente como el sol de un cálido día de invierno. Un viaje sonoro que invita a la introspección y la contemplación.

LEONARDO BARBADORO

Gracias a sus múltiples parámetros de control, estos robots ofrecen posibilidades expresivas infinitas, superando los límites de lo que un músico humano podría lograr. Cada detalle sonoro es cuidadosamente diseñado por el compositor Leonardo “Musica Automata” es un álbum que fusiona dos dimensiones aparentemente incompatibles: la expresividad ilimitada de la electrónica y la realidad sensorial de instrumentos acústicos tocados por robots. Este conjunto de instrumentos automatizados, parte de la Fundación Logos en Gante, es el mayor ensamble de robots musicales en el mundo, incluyendo tanto instrumentos clásicos como no convencionales.

Barbadoro, quien no solo crea la música, sino que también se convierte en su intérprete. A diferencia de las interpretaciones tradicionales, donde los músicos traducen la partitura, en Musica Automata lo que escuchamos es exactamente lo imaginado por el autor, sin post-producción ni efectos añadidos.

La tonalidad y el ritmo juegan un papel crucial en esta obra. Las armonías se deslizan en intervalos microtonales, mientras que las percusiones crean polirritmos que expanden la relación con la armonía, generando un flujo impredecible pero preciso. Musica Automata es un viaje sonoro que explora la intersección entre lo electrónico y lo acústico, ofreciendo una experiencia auditiva fascinante y única.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Carbon In Prose - Beacon From The Brine - Salt Water Blood

Illuha - Nijiriguchi – Tobira

Loris Venegoni - Is This A Test? - Per Aspera Ad Astra

Loris Venegoni - Rud (Rapid Unscheduled Disassembly) - Per Aspera Ad Astra

Drid Machine - Neural Suspense - Record Players, Percussion And Sound Effects I

Lenhart Tapes - Vodu Brala (Feat. Tijana Stankovic¦Ü) - Dens

Furtherset - Sites Of Writing - The Infinite Hour

Furtherset - Sensibility Spectrum - The Infinite Hour

Leo Takami - As If Listening - Next Door

Leo Takami - Family Tree - Next Door

Leonardo Barbadoro - Bomi - Musica Automata

 

Mona Mur, Villalobos

ATTE ELIAS KANTONEN

Comenzamos hoy Atmósfera con Atte Elias Kantonen, un compositor y diseñador de sonido de Helsinki, Finlandia.

Atte nos sumerge en su último trabajo, "A Path with a Name", un álbum que continúa la evolución de su práctica artística tras los éxitos de "Mappa" y "Active Listeners Club". En este nuevo disco, Kantonen ofrece una experiencia inmersiva que coloca a los oyentes dentro de un diorama auditivo, donde se despliegan paisajes sonoros microscópicos llenos de detalles minuciosos y texturas envolventes.

Desde la primera pista, el álbum establece una narrativa onírica guiada por una voz cuidadosamente trabajada que introduce a los oyentes en el fascinante mundo sonoro que Kantonen ha creado. Esta voz aparece en varios momentos a lo largo del disco, actuando como un guía, un confidente y un amigo, acompañando al oyente en un viaje sensorial único.

Escuchamos un tema más de lo último de Atte Kantonen, "A Path with a Name.

Los seguidores de la obra de Kantonen reconocerán inmediatamente sus característicos arreglos tímbricos tridimensionales, que aquí se presentan con un detalle polifónico exquisito, lleno de capas y matices brillantes. "A Path with a Name" no solo es una exploración sonora, sino también una invitación a la especulación y la reflexión sobre la naturaleza de la búsqueda que emprenden sus oyentes. Kantonen ofrece pequeñas pistas una suerte de marcas de sendero a lo largo del álbum, que orientan y desorientan a la vez, permitiendo que cada oyente se pierda y explore libremente un paisaje sonoro rico en descubrimientos, donde cada rincón tiene algo nuevo que ofrecer.

SOLO ANDATA

Nos quedamos ahora con lo último que nos ha llegado del dúo australiano Solo Andata, formado por Kane Ikin y Paul Fiocc. “Slip Casting” es el tercer álbum de Solo Andata para el sello 12k, y captura la intensidad y el dinamismo que el dúo ya había mostrado en trabajos anteriores. "Slip Casting", título del disco, hace referencia al proceso de fundición de la cerámica."Slip Casting" explora la fluidez, la remodelación y las tensiones entre la fuerza y la fragilidad. En este disco, instrumentos tradicionales como samplers, sintetizadores y guitarras se combinan con elementos inusuales como herraduras, paneles de vidrio y radios de onda corta, creando un paisaje sonoro donde el metal y el humo tienen tanto protagonismo como los tonos musicales.

El álbum fue gestado durante un intenso período de dos semanas en las que Ikin y Fiocco grabaron y manipularon todo tipo de sonidos, desde frecuencias de radio fantasmales hasta ruidos capturados por hidrófonos y grabadoras de baja fidelidad. Estos sonidos se procesaron a través de una cadena analógica compuesta por grabadoras de cinta, un modulador de anillo y un retardo digital, dando lugar a un sonido crudo y mecánico que se siente como una máquina en movimiento.

DOBRAWA CZOCHER

"Biodiversidad" es una fascinante composición para un conjunto de violonchelos que se divide en tres partes: "Amanecer", "Luz del día" y "De noche". Esta obra nace de la reflexión de la compositora sobre la conexión entre la Naturaleza y la Música, dos conceptos que, aunque parecen distintos, comparten un profundo vínculo a través de ciclos, intercambios y colaboraciones.

En "Biodiversidad", cada sección de la pieza representa un ecosistema musical, donde los sonidos, armonías y melodías se entrelazan de manera similar a cómo las formas de vida en la naturaleza dependen e influyen mutuamente. La música se convierte en un reflejo de la interdependencia natural, mostrando cómo, desde las primeras etapas de la composición, los elementos sonoros se combinan para crear un todo orgánico y cohesivo.

Durante la interpretación, los violonchelistas no se colocaron en la disposición tradicional, sino que se sentaron ligeramente separados. Esta separación obligó a los músicos a estar especialmente atentos a sus compañeros, utilizando sus sentidos y emociones para conectar sus líneas musicales y mantener la armonía. La idea detrás de esta disposición fue subrayar cómo la falta de colaboración y reciprocidad, tanto en la música como en la naturaleza, puede llevar a un colapso.

"Biodiversidad" fue creada por encargo de Adrian Krężlik, comisario de la exposición "Antropocen" del Instituto Nacional de Arquitectura y Urbanismo de Varsovia.

DIE ANARCHISTISCHE ABENDUNTERHALTUNG

En 1995, Die Anarchistische Abendunterhaltung, o DAAU, lanzó su álbum debut homónimo, una obra que sigue siendo emblemática en la música experimental. Formada por cuatro jóvenes músicos de Amberes, DAAU se destacaba por su enfoque único: componían exclusivamente con instrumentos acústicos como violín, violonchelo, clarinete y acordeón, pero con la energía y actitud de una banda punk. A pesar de sus raíces clásicas, el grupo incorporaba influencias de la música gitana, el folk de Europa del Este, el klezmer y el jazz, mezclando estos estilos con un espíritu rebelde que rompía con las convenciones musicales tradicionales.

El cuarteto, que surgió en la vibrante escena de Amberes junto a bandas como dEUS y Zita Swoon, comenzó tocando en calles y cafés, atrayendo a un público diverso gracias a su sonido inusual. Aunque estaban formados en música clásica, nunca permitieron que esa formación se convirtiera en una limitación. En lugar de seguir las reglas de la academia, optaron por experimentar y crear un sonido propio que desafiaba las normas establecidas.

Después de años fuera de circulación, este influyente disco ha sido reeditado y está disponible por primera vez en vinilo, permitiendo a una nueva generación de oyentes descubrir la creatividad y la innovación de DAAU. Su legado continúa siendo una referencia en la música experimental, demostrando que la fusión de estilos y la libertad artística pueden dar lugar a composiciones atemporales.

TENNISCOATS

Tenniscoats es un dúo de Tokio que encarna todo lo que hace a una canción vital en nuestra conciencia colectiva. Formado por Saya y Takashi Ueno, este grupo crea una música única que combina delicadas melodías folk con un toque de psicodelia, ofreciendo espectáculos en vivo profundamente emotivos. Con la ayuda de varios colaboradores, Tenniscoats ha logrado crear un sonido cautivador que los ha posicionado como una de las propuestas más interesantes que emergen de Japón.

Su álbum Totemo Aimasho, que se traduce como "Vamos a encontrarnos mucho", es un reflejo de su espíritu viajero y de la naturaleza diversa de su música. Grabado a lo largo de 18 meses en Australia, Japón y el Reino Unido, este disco actúa como un diario de viaje sonoro, capturando las influencias y experiencias que recolectaron en cada lugar.

El álbum contiene una rica variedad de estilos. Cada pista es un testimonio de la habilidad de Tenniscoats para fusionar géneros y emociones, pintando un retrato sonoro que es tan vasto como evocador.

“Totemo Aimasho” está producido por Lawrence English, jefe del sello Room40, y coproducido por John Chantler y Saya.

THEODORE CALE SCHAFER

Theodore Cale Schafer es un músico radicado en Nueva York cuya carrera está marcada por la combinación de sonidos digitales y grabaciones manipuladas. Nacido en 1994, Schafer ha sido influenciado por su trabajo como ingeniero de audio, lo que le permite fusionar elementos tan diversos como bandas sonoras de Playstation, composición clásica moderna, narrativa confesional y palabra hablada.

Su segundo álbum, Trust, forma parte de una trilogía planeada para el sello Students of Decay, y sigue a Patience de 2019. Este nuevo trabajo, grabado entre 2020 y 2022, refleja un período de cambio significativo en la vida de Schafer, incluyendo su mudanza a la ciudad de Nueva York. El álbum mantiene la sensibilidad íntima de sus obras anteriores, pero añade una nueva capa de intensidad y expansión, con arreglos que evolucionan lentamente y con una vívida atmósfera emocional.

Trust destaca por su habilidad para balancearse entre el drama y la austeridad, entre la narrativa y la abstracción. En temas como el que escuchamos ya,  "Best Friend", Theodore mezcla fragmentos de conversación con delicados motivos de piano y drones etéreos. Este álbum toma los elementos característicos de la música de Schafer, como las sutiles melodías de piano y las grabaciones improvisadas, y las transforma en composiciones más sólidas y líricas.

DAKOTA SUITE

Hoy exploramos la reedición en vinilo de This River Only Brings Poison, una obra maestra de 2002 del proyecto Dakota Suite, liderado por Chris Hooson.

Este álbum, que fue el sexto larga duración de Dakota Suite, está considerado uno de los trabajos más importantes y emocionalmente complejos en la discografía del proyecto. Con esta nueva edición, que incluye cuatro temas adicionales, se ofrece a los fans la oportunidad de reevaluar un álbum crucial y a los nuevos oyentes un portal a su profundo y detallado mundo musical.

This River Only Brings Poison destaca por su riqueza sonora y versatilidad estilística, con colaboraciones de artistas como Bruce Kaphan y Tim Mooney de American Music Club, además de las contribuciones de Derald Daugherty, Laura y Chris Donohue, y colaboradores habituales como David Buxton y Ed Collins. La música de Hooson, profundamente personal y catártica, sirve como un diario íntimo, con letras y composiciones dirigidas exclusivamente a su esposa, Johanna. De hecho, las letras de sus canciones son la forma en que Hooson expresa las emociones que no puede comunicar directamente en una conversación.

Grabado en diversos lugares, desde San Francisco hasta Nashville, This River Only Brings Poison se convirtió en una de las experiencias de grabación más preciadas para Hooson. Sin embargo, al recordar y tocar en vivo las canciones de este álbum, Hooson describe una sensación cercana al trastorno de estrés postraumático, ya que cada canción le obliga a revivir los momentos que lo inspiraron. A pesar de ello, Hooson sigue estando orgulloso de este trabajo, especialmente de la pista inicial, The Lepers Companion, que considera una de sus favoritas.

 

MONA MUR

Nos adentramos ahora en la historia detrás de WARSAW, un álbum fascinante de Mona Mur, grabado en 1990 en Polonia bajo la dirección musical del legendario Grzegorz Ciechowski, líder de la banda "Republika".

En un contexto de grandes cambios históricos, justo antes de la caída del Muro de Berlín, Mona Mur se embarcó en un proyecto audaz y emocional, que combinaba la intensidad del rock con arreglos orquestales a cargo de la Filarmónica de Varsovia.

WARSAW aborda el amor como una experiencia límite, algo que Mona Mur describe como una confrontación con la posibilidad de la aniquilación, similar a la guerra. Las grabaciones se realizaron en el icónico estudio S4 de la televisión polaca, produciendo diez canciones intensas y profundamente emotivas. Sin embargo, el álbum enfrentó serios desafíos. A pesar del entusiasmo del productor Dieter Meier, conocido por su trabajo con "Yello", y de la calidad artística del proyecto, RCA, la discográfica de Mona Mur, decidió no lanzarlo por considerarlo poco comercial. Esto llevó a que el álbum quedara archivado por muchos años.

A pesar de estos obstáculos, algunas de las canciones de WARSAW encontraron una segunda vida cuando la cantante polaca Katarzyna Groniec versionó cuatro de ellas en su exitoso álbum Mężczyźni en 2000, producido también por Grzegorz Ciechowski. Uno de esos temas, "Paintings", vendió más de 70.000 copias, manteniendo vivo el legado del proyecto.

Trágicamente, Ciechowski falleció en 2001, pero su impacto en la música polaca sigue siendo inmenso. WARSAW finalmente vio la luz en 2015, lanzado por Mystic Productions, aunque solo en CD y exclusivamente en Polonia. El legado de este álbum y de su producción continúa siendo un punto de referencia en la música experimental.

VILLALOBOS

Francisco Villalobos en un artista plástico, músico, escritor, y conferenciante, un proyecto singular, polifacético, excepcional, con un discurso complejo, desbordante de profundidad, sensibilidad y fuerza. Su trayectoria se extiende a lo largo de 20 años, con media docena de libros publicados, un doctorado en Bellas Artes y varios discos con su anterior banda de metal Demiurgo.

En 2023, Villalobos publicó Tula Hiperbórea con José Manuel García en el Bajo, sintes y coros, Álvaro Parada en la Batería y coros y la mezcla y masaterización de Alejandro Lévar y Jose Manuel Cárdenas

T.D.D

Y para terminar nuestra primera hora de Atmósfera, recuperamos un corte más del recopilatorio “5 Years Soil Records”, con el que el sello celebra su 5º aniversario. Hace unas semanas hicimos un amplio recorrido por él, y hoy rescatamos el tema de T.D.D.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Atte Elias Kantonen -  Hey - A Path With A Name

Atte Elias Kantonen - Algae & Others - A Path With A Name

Solo Andata – Dusking - Slip Casting

Dobrawa Czocher – Dawn - Biodiversity

Die Anarchistische Abendunterhaltung -  V Drieslagstelsel - Die Anarchistische Abendunterhaltung

Tenniscoats - Tennimonium - Totemo Aimasho (15th Anniversary Edition)

Theodore Cale Schafer - Best Friend - Trust

Dakota Suite -  The Lepers Companion - This River Only Brings Poison

Dakota Suite - Stedelijk - This River Only Brings Poison

Mona Mur - The Man On A Satellite - Warsaw

Francisco Villalobos - Sus Jardines - Tula Hiperbórea

T.D.D – Acid Ocarina – Recopilatoio “5 Years Soil Records”

"Micro Ambient Music"/Tributo a Ryuichi Sakamoto

 

WILL SAMSON

Comenzamos Atmósfera con Will Samson. En sus más de 10 años de carrera discográfica, la música de Will Samson siempre ha estado impregnada de características y cualidades ambient. Aunque a menudo liderada por su suave voz, la obra de Samson es profundamente textural, ofreciendo tanto espacio para exploraciones instrumentales como para las narrativas líricas que coloca sobre ellas.

Hasta ahora, Will había considerado su trabajo exclusivamente ambient, pero tras el lanzamiento de un EP  en el sello 12k en 2016, Samson regresa al sello experimental de Taylor Deupree para abrazar plenamente el género con el lanzamiento de Harp Swells LP, su primer álbum ambient de larga duración.

Abrimos esta noche  “Harp Swells”, el nuevo álbum de Will Samson, concebido en Almada, Portugal, en un estudio que comparte con Casper Clausen de Efterklang. Este trabajo se aleja de la melancolía de sus anteriores producciones, buscando en su lugar una luminosidad que actúa como antídoto a las frustraciones acumuladas en los últimos años.

Compuesto por seis movimientos y grabado en parte con una cinta UHER 4200 de los años 70, “Harp Swells” está diseñado para ser escuchado de una sola vez, fluyendo de principio a fin con una naturalidad asombrosa.

Samson describe “Harp Swells” como un álbum "anti-algoritmo", un proyecto libre de expectativas y limitaciones. En este proceso creativo, cuando las ideas no fluían, simplemente tomaba un descanso, observaba el río y dejaba que el entorno dictara el curso de la música. El resultado es una obra profundamente orgánica e inspirada, que combina una variedad de instrumentos y sonidos en un flujo que envuelve y calma al oyente.

Inspirado en la música devocional india y en la búsqueda de la sanación, Harp Swells es una oda a la resiliencia y a la belleza que surge cuando realmente nos dejamos llevar.

Como ya sabéis, Atmósfera siente pasión por el Theremin, instrumento que lleva tocando, aunque sea el único instrumento que se toca sin ser tocado, desde hace unos años y por eso nos ha llamado la atención el título del tema de apertura "Beatrijs' Theremin"  " que escuchamos esta noche en Atmósfera, un tema de pura fascinación fantasmal d siete minutos.

MICRO AMBIENT MUSIC  

Nos adentramos ahora en el mundo del maestro Ryuichi Sakamoto, cuyo adiós nos dejó huérfanos el año pasado, escuchando hoy 4 temas del recopilatorio Micro Ambient Music.  

Ryuichi Sakamoto estaba obsesionado con las cosas pequeñas y en respuesta a esta querencia de Sakamoto, 41 músicos han creado un álbum conmemorativo de 39 canciones inéditas. La interpretación de la música ambiental japonesa (Kankyo ongaku) se ha expandido tanto que Brian Eno ha dicho que "El ambient ha salido de mis manos".

El recopilatorio ha sido realizado por músicos y colaboradores que estuvieron cerca de Sakamoto desde el año 2000 hasta sus últimos años. Esta compilación se llevó a cabo con el apoyo de 41 músicos de Japón y del extranjero.

Esta noche vamos a escuchar las aportaciones de 2 japoneses y dos extranjeros. Comenzamos con la aportación de uno de sus colaboradores más conocidos, al menos para todos los atmósferos, el alemán Alva Noto.

Continuamos el recorrido por el recopilatorio “Micro Ambient Music”, tributo a Ryuichi Sakamoto con la aportación ahora de un japonés, Yui Onodera.

Nos dicen los artistas que han participado en esta colección: “Llamamos a la música "Micro Ambient Music", la cual utiliza sonidos no instrumentales para traer silencio y serenidad al oyente.

Este disco conmemorativo fue creado por los compañeros de sello de Ryuichi Sakamoto en el sello "12K" de Nueva York, que también lanzó la música de Ryuichi Sakamoto. Este es un trabajo conmemorativo de músicos que no pertenecen a ningún sello, pero que se autoeditaron.

Le toca el turno ahora a un artista no japonés, Ian Hawgood.

“Micro Ambient Music” se articula como una transición que nos lleva de una música centrada en sonidos no instrumentales a música centrada en sonidos instrumentales. Los sonidos conmemorativos fueron arreglados en una armonía natural, pacífica e inevitable, como una sola obra. Como la propia respiración, que ocurre constantemente, si uno es consciente de ella, se descubre la belleza, y si se reproduce en el fondo de la vida de uno, trae tranquilidad y calma.

Terminamos por hoy la escucha de “Micro Ambient Music” con la aportación de Tujiko Noriko.

“Micro Ambient Music” está compuesto por un conjunto de 5 discos, de 3 horas y 56 minutos de duración, con él todos los músicos que han participado han querido intentar que el sonido que Ryuichi Sakamoto dejó atrás continúe extendiéndose desde aquí.

ANTHÉNE

Anthéne, alias de  Brad Deschamps, es un maestro de los paisajes sonoros expansivos y maravillosamente armónicos, un artista prolífico, con una enorme discografía de trabajos en solitario y en colaboración, además de dirigir el respetado sello Polar Seas.

Descubrimos hoy “Balance” en el que apreciamos  su creación característica de espacios vastos y envolventes, llenos de olas elevadas de calma y frecuencias subsónicas infinitamente profundas: su sutil trabajo de guitarra y sintetizador a veces altamente procesado y manipulado más allá de lo reconocible.

Grabaciones de campo, ruidos y sonidos desconocidos entran y salen de estas ondulantes texturas, que permiten que el oyente flote a través de cada pieza mientras se transforma y cambia con un flujo suave.

CV & JAB

Exploramos ahora Κλίµα (Klima), el tercer álbum del dúo CV & JAB, formado por Christina Vantzou y John Also Bennett. Este trabajo marca un avance significativo en su exploración de la interacción melódica, el procesamiento acústico y las grabaciones de campo, el álbum evoca el modus operandi de los arqueólogos que buscan paisajes sonoros inauditos. Κλίµα (Klima) convoca circuitos submarinos y troposferas mundiales poblados de hallazgos repentinos y reencuentros progresivos: sueños nebulosos que se amalgaman con mosaicos de realidad.

Inspirado en una invitación de 2021 para actuar en el Santuario Bom do Jesus do Monte, patrimonio mundial de la UNESCO, en Braga, Portugal, la música de Κλίµα (Klima) fermentó a lo largo de un período de dos años, durante los cuales experimentos en vivo, sesiones cíclicas de estudio y viajes por los ambientes efervescentes de la isla de Tenerife contribuyeron gradualmente a su finalización. Es en la isla volcánica donde se materializó el núcleo narrativo del álbum, impulsado por un mes de grabaciones en los microclimas radicalmente diferentes que pueblan el paisaje. Las transposiciones de CV y ​​JAB del desierto a la selva tropical se evocan en diez pistas que funcionan como una audioguía abstracta de los reinos exterior e interior que impregnan las piezas.

Κλίµα (Klima) se presenta como una composición rizomática, donde sonidos como percusión, voces refractadas, y destellos sintéticos emergen y se disipan, creando una atmósfera que va del desierto a la selva tropical. Este álbum evoca un estado contemplativo, fusionando ambient y minimalismo clásico con inflexiones de ciencia ficción, llevando al oyente a un viaje sonoro que se materializa y desmaterializa como paisajes observados en sueños.

ANENON

Anenon regresa con 'Moons Melt Milk Light', que incluye sus obras más personales, expresivas y sorprendentes hasta la fecha. Anenon es el proyecto en solitario en vivo y en estudio de Brian Allen Simon, quien desde 2010 ha lanzado múltiples álbumes y EP’s con gran éxito de crítica, incluidos 'Tongue' (2018) y 'Petrol' (2016).

 ‘Moons Melt Milk Light’ es directo, eficiente e inquebrantable en su inmediatez. Anenon se aleja de la electrónica de trabajos anteriores y se embarca en un enfoque reductivo, casi completamente acústico, que cuenta con piano, saxofón tenor, clarinete bajo y grabaciones de campo. Toda la música fue improvisada y todo se grabó como una primera o segunda toma sin ediciones. Cualquier superposición se produjo rápidamente y en el momento, y sin embargo, la arquitectura sonora del conjunto se siente a la vez planificada y refinada.

ARTHUR CLEES

Arthur Clees es un joven talento de Luxemburgo que está revolucionando la escena con su enfoque minimalista, pero profundamente rico e hipnótico. Con tan solo 21 años, Clees ha demostrado ser un prodigio en la batería, la percusión y el canto, cautivando a una audiencia diversa con su música que combina una asombrosa profundidad y un impulso irresistible.

Abrimos ya su álbum debut, “Stay, Temporary Home”, en el que Clees fusiona influencias que van desde el techno y la electrónica hasta la vanguardia, creando un sonido único con melodías distintivas y un tratamiento de la percusión que lo caracteriza. Sus composiciones a menudo nos transportan a un paisaje sonoro donde el soul y el R&B se sienten como espejismos, lejanos en lo sonoro pero cercanos en lo emocional. A esto se suman voces ligeramente alteradas, ritmos potentes pero reducidos al mínimo, y un piano desafinado que nos envuelve con la nostalgia de las galletas de la tía los domingos.

ASA (ATOM TM & ESPLENDOR GEOMÉTRICO)

Arturo Lanz - Saverio Evangelista - Atom TM forman  “ASA” una unión espacial, extraterrestre, pero aquí en la tierra.

Ya sabíamos de esta fusión entre Esplendor Geométrico y AtomTm y esperábamos ansiosos poder mostraros este Radial, el disco que han creado, un diamante transparente formado por una fuerte implosión. Su mecánica masiva subyacente está cubierta por una superficie de cristal hecha para cortar la realidad por la mitad. A solo una letra de «radical», este álbum no es menos que exactamente eso: una orgía de poderosa y contundente repetición y simplicidad hiperbólica, una profunda evocación de la nada y sus alrededores.

 Escuchamos un tema más de esta unión futurista de Esplendor Geométrico junto a AtomTm (ASA) y su disco titulado “Radial”

Los 13 temas (que componen la versión digital completa) de »Radial« son la expansión exacta de las ideas sonoras que estos tres artistas han explorado durante las últimas dos décadas. Inesperadamente, esto hace que esta producción sea extraordinariamente atemporal; algunos incluso la clasificarían como metacontemporánea.

FoRmAT_G

Terminamos nuestra primera hora de Atmósfera con el nuevo tema, se publicó este pasado 9 de agosto, de la innovadora FoRmAT_G, un tema lleno de energía que combina los géneros del House y el Bass House. "Bambukai" muestra la capacidad única de FoRmAT_G para fusionar líneas de bajo profundas con ritmos contagiosos y melodías pegadizas. El tema es una mezcla vibrante de ritmos vibrantes y paisajes sonoros dinámicos, creando una atmósfera electrizante.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Will Samson - Beatrij's Theremin – Harp Swells

Alva Noto - Für Ryuichi - All Micro Ambient Music

Yui Onodera - Untitled #1 - All Micro Ambient Music

Ian Hawgood – Morning/Evening Context - All Micro Ambient Music

Tujiko Noriko - Il Name It Tomorrow - All Micro Ambient Music

Anthéne - Confirmation – Balance

Cv & Jab - Pottery Fragments - Κλίμα (Klima)

Anenon - Moons Melt Milk Light - Moons Melt Milk Light

Arthur Clees - Taking My Breath - Stay, Temporary Home

ASA (Atom Tm & Esplendor Geométrico) – Trabajador Radial – Radial

ASA (Atom Tm & Esplendor Geométrico) – We Need a Medic - Radial

FoRmAT G - Bambukai  (Extended Mix)

"Canción de amor de un día", Alfiya Glow

Hoy tenemos un programa intenso lleno de novedades que acaban de llegar a nuestras estanterías sonoras y que estamos deseando abrir con vosotros. Y Además os traemos una “celebración” muy particular… os va a sorprender.

JAMES BERNARD

Comenzamos nuestra Atmósfera con James Bernard, un maestro de la música ambiental moderna, cuya carrera comenzó en los años 90 con el influyente álbum "Atmospherics". Desde entonces, James ha continuado evolucionando, con una carrera que abarca más de treinta años y múltiples lanzamientos en sellos como A Strangely Isolated Place y Past Inside the Present.

El 31 de julio, James publicó "Only Now", un disco que captura la esencia de su arte actual. El álbum está lleno de paisajes sonoros mágicos, construidos con capas de sintetizadores delicados y texturas electroacústicas. James utiliza una variedad de fuentes de sonido, desde un bajo eléctrico hasta sintetizadores digitales de vanguardia, creando composiciones que son en su mayoría improvisaciones en vivo, grabadas en una sola toma.

Las grabaciones, algunas hechas en el remoto Bosque Nacional Los Padres en California, transmiten una sensación de euforia y serenidad, perfectas para la contemplación y la reflexión. James describe su proceso como una exploración de motivos musicales que se transforman y evolucionan, creando algo enigmático que habla a través de la música.

ALFIYA GLOW

El mes de julio ha sido muy intenso. Nos llegó también lo nuevo de la reconocida violinista Alfiya Glow, que ha dejado su huella en la escena musical con producciones y sets de DJ impresionantes.

Alfiya combina sus talentos para crear composiciones que tocan el corazón y el alma, fusionando instrumentos en vivo con la producción electrónica. Su viaje musical es impresionante, desde sus actuaciones en escenarios prestigiosos como el Carnegie Hall y el Lincoln Center, hasta sus actuaciones en festivales y eventos de marcas como Netflix o el Insomniac Events.

Abrimos esta noche su “Leaving Origin” escuchando dos de sus temas

Seguimos escuchando un tema más “Leaving Origin” de Alfiya Glow,

En su faceta de DJ y productora, Alfiya ha lanzado varias pistas de house melódico bajo el sello Enormous Tunes, y ha colaborado con la marca Splice para crear un paquete de muestras personalizado.

Además, Alfiya es muy demandada como DJ y violinista eléctrica, habiendo abierto para artistas internacionales como W&W, Lisa Lashes y Kygo. También ha trabajado en discos importantes para artistas como R. Kelly, Lana Del Rey y Boyz II Men, expandiendo su influencia a géneros como el pop y el hip-hop.

MIDGE

El 26 de julio MIDGE entregó “Love Sounds”, un EP con tres cortes de deep house que llevan su sonido característico. Producido entre Londres e Ibiza, MIDGE utilizó su colección de sintetizadores y cajas de ritmos vintage para crear algo único y hermoso canalizando influencias eclécticas como Vince Clarke, Andrew Weatherall, Air y New Order.

CANCIÓN DE AMOR DE UN DÍA

Canción de amor de un día empezó en 2004, hace ahora 20 años, como un sueño de Javier Corcobado (Mar Otra Vez, Demonios Tus Ojos, Corcobado y Los Chatarreros de Sangre y Cielo), obsesionado con crear una obra que se dilatara tanto como se dilata un día, que evolucionara atravesando distintos contextos, mutando sustancialmente sin abandonar la esencia principal.

Esta noche, Corcobado y Aviador Dro, están con nosotros para contarnos este interesante proyecto que pudimos disfrutar en la Sala Berlanga de Madrid el 21 de junio en el día Internacional de la música.

KLARA LEWIS

El próximo 27 de septiembre se lanzará la última creación de Klara Lewis, "Thankful", sin duda, un sincero homenaje a su amigo, mentor y antiguo jefe de sello, Peter Rehberg. Klara ha capturado el espíritu con el que se fundó el sello original MEGO, trayéndonos una obra que resuena con profundidad y emoción.

Klara Lewis tenía tan solo 21 años cuando lanzó su primer álbum "Ett" con Editions Mego en 2014. Ahora, a los 31 años, Editions Mego se enorgullece en presentar "Thankful", un hito maduro y emocional en la carrera de Lewis.

Como adelanto, hemos elegido el tema "Top". Esta pista, que evoca el impacto profundo y duradero de la música de Rehberg, aún resuena en la vibrante escena electrónica experimental mundial. Innumerables artistas jóvenes se inspiran en este sonido digital melódico y distorsionado, rindiendo homenaje consciente o inconscientemente a este pilar del género. Peter solía usar la palabra "top" para expresar su aprobación en una amplia gama de temas, y con este tributo musical a su frase favorita, Lewis crea una breve ráfaga de acid techno mutante que vive y muere con intensidad.

DYL & SENKING

Tenemos lo nuevo de la colaboración entre Senking y DYL titulado "Diving Saucer Attack". Este lanzamiento marca la primera obra completa del artista alemán y su colaborador rumano, bajo el sello berlinés Karaoke Kalk, conocido por ser la casa de Senking durante más de 25 años.

"Diving Saucer Attack" contiene seis tracks que combinan los intereses compartidos del dúo por la música electrónica con influencias de dub y un espíritu aventurero. Dos de las pistas fueron producidas individualmente, mientras que el resto resalta la dinámica creativa que surge de sus enfoques ligeramente distintos.

DYL, cuyo nombre real es Eduard Costea, y Jens Massel, conocido como Senking, comenzaron su colaboración en 2020 con el EP "Uniformity Of Nature". Desde entonces, han estado intercambiando sonidos y pistas, culminando en este fascinante álbum. Massel destaca lo bien que ha funcionado esta colaboración y cómo ha evolucionado su proceso creativo conjunto.

"Diving Saucer Attack" documenta los resultados multifacéticos de este proceso en curso. Frecuencias de bajo palpitantes, melodías de sintetizador inquietantes y elementos rítmicos cuidadosamente colocados que forman un groove lento pero impulsor.

BESTIAL MOUTHS

Nos sumergirnos ahora en la evolución y el impacto de Bestial Mouths, una banda que ha dejado una huella imborrable en la escena de la música electrónica oscura. Con un estilo único que mezcla el darkwave, gótico, post-punk e industrial, Bestial Mouths ha consolidado su sonido propio y original, ganando cada vez más reconocimiento en los últimos cuatro años.

Este pasado mes de febrero, el sello norteamericano Negative Gain Productions lanzó un ambicioso álbum que presentaba pistas originales de Bestial Mouths remezcladas por diversos artistas y bandas. Un total de 17 cortes, con impresionantes versiones de autores contemporáneos consagrados como Xtr Human, Curses y Bedless Bones.

Lynette Cerezo, la mente maestra detrás de Bestial Mouths, ha revitalizado su proyecto en solitario con una nueva entrega titulada "Backbone". En esta ocasión, el sello valenciano Soil ha seleccionado remixes de Orphx, Daniel Myer, Broken English Club, Snowbeats y Rebeka Warrior, remix que escuchamos ya en Atmósfera.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

James Bernard - Finding Each Other - Only Now

Alfiya Glow - Echoes Of Arrival - Leaving Origin

Alfiya Glow - Leaving Origin - Leaving Origin

Midge - Again & Again - Love Sounds

Klara Lewis - Top - Thankful

Dyl & Senking - Diving Saucer Attack - Diving Saucer Attack

Bestial Mouths - Never Did  I (Rebeka  Warrior Remix)

Trajedesaliva, "Imaginarios Sintéticos" con Lawrence Lek

PULSE MANDALA & DISTANT FIRES BURNING

Comenzamos con Wim Daans, nombre tras Pulse Mandala, anteriormente Karma De La Luna y ex miembro de Lords Of Acid y Gert De Meester alias Distant Fires Burning, The Mental Attack o Reverend Basstorius

Wim y Gert han unido fuerzas con su visión única sobre la música ambiental. El bajo y los efectos glitch característicos de Gert se mezclan mágicamente con los sintetizadores modulares y la electrónica de Wim en este “R Abacus Lndr” que abrimos esta noche en Atmósfera.

“R Abacus Lndr” es una colorida colección de glitch ambiental, un EP con 4 pistas inquietantemente hermosas que desprenden una sonoridad cinematográfica de ensueño que recuerda a la escena de cine de autor underground. A menudo oscuras y misteriosas por naturaleza, los paisajes sonoros evocan un profundo y existencial estado de contemplación sobre la creciente conciencia de que hay un universo entero de entendimiento siempre fuera de nuestro alcance. Las preguntas solo conducen a más preguntas, los límites se desvanecen y tras cada cortina caída, un nuevo mundo majestuoso emerge esperando ser explorado.

THE GREEN KINGDOM

Hace un par de semanas comenzamos la escucha del fabuloso recopilatorio “These Clouds…” del sello Sound in Silence y hoy escuchamos un tema más, este “Unspoken” de The Green Kingdom.

 

PASCAL COMELADE & LEE RANALDO & RAMON PRATS

En su 25 aniversario, Staubgold presenta Velvet Serenade con Lee Ranaldo de Sonic Youth y Pascal Comelade reinventando The Velvet Underground. Ignacio Julià quería revivir las dinámicas originales de la banda en un concierto en Banyoles, Cataluña. Comelade y Ranaldo se conocieron el día del concierto y crearon una nueva interpretación de las canciones clásicas. El concierto fue espontáneo, vibrante y fiel al espíritu de la banda, con Pascal en el piano y Lee con guitarras y percusión.

 

MAUD THE MOTH + TRAJEDESALIVA

Cuando nos vemos atrapadas, soñamos...

Hace ya tiempo que Trajedesaliva nos envió esta joya a la que prestamos atención muy fugazmente.

Hoy queremos que escuchéis dos temas de este proyecto «Bordando el manto terrestre» que el dúo gallego formado por Mon Ninguén y unavena ha creado junto a la cantante y pianista madrileña Maud the moth alias de Amaya López-Carromero.

«Bordando el manto terrestre» es un viaje musical alrededor de la figura de Remedios Varo, pintora nacida en España en 1908, que vivió exiliada en México, hasta su muerte en 1963. Es un trayecto que arranca con un movimiento oceánico, impulsado por la ruina de la guerra y la experiencia del exilio, hasta la construcción en México de un nuevo espacio íntimo inundado de luz y sorpresa. Un camino de fantasía habitado por lunas cautivas, tejedoras del cosmos y jardines humanos en los que recuperar la armonía perdida, ubicarnos de nuevo en el mundo.

Como es habitual, Mon Ninguén nos cautiva con sus sintetizadores analógicos, un arsenal de instrumentos acústicos y voces multifacéticas, que unidos esta vez al piano de Amaya y los poemas de unavena sirven como estructura narrativa, que enmarca los paisajes y territorios recorridos sónicamente, para crear una banda sonora plagada de simbolismo y referencias al trabajo pictórico de la pintora española.

 

SPIME.IM GREY

SPIME.IM es un colectivo artístico vanguardista de Turín, que explora la estética de la realidad digital a través de proyectos musicales transmedia. Con una fusión de tecnología de vanguardia, arte 3D y música electrónica, crean experiencias audiovisuales inmersivas que desafían nuestra comprensión de la identidad y la corporeidad. Su reciente colaboración con el aclamado pianista y compositor Lubomyr Melnyk y la violonchelista Julia Kent en «The End Of The World» cosechó elogios de la crítica, incluida una actuación destacada en el Barbican Centre de Londres.

Abrimos esta noche su álbum "Grey Line", un disco que explora las complejas sutilezas de la escala de grises en el paisaje contemporáneo, encapsulando las complejidades de las experiencias humanas y las decisiones en una sociedad interconectada.

Con "Grey Line", SPIME.IM continúa consolidando su lugar entre los innovadores de la música contemporánea, moviéndose entre diversos géneros de club y deconstruyéndolos. Cada pista del álbum está íntimamente ligada a una gradación específica de gris, creando un viaje musical único a través de las sutilezas de la existencia.

El álbum cuenta con dos invitados excepcionales: Stina Fors y Lorem. Stina Fors aporta sus cautivadoras voces a la pista de apertura que escuchamos esta noche en Atmósfera "Crystal", añadiendo un elemento humano oculto, donde una voz genuina asume el papel de una artificial.

 

BLUE LAKE

Blue Lake es el seudónimo musical de Jason Dungan, un talentoso artista y músico multidisciplinar que reside en Copenhague.

Su nuevo álbum, Sun Arcs, llega tras su exitoso trabajo Stikling, que fue nominado a ‘Álbum del Año’ en los Premios de la Música Danesa. Con un enfoque en la música ambiental, el folk y el minimalismo acústico, Dungan se sumerge en un proceso creativo que explora los ciclos de la naturaleza. Grabado en un entorno idílico en Suecia, Sun Arcs combina sonidos de cítaras autoconstruidas, drones y elementos orgánicos, creando una experiencia sonora única y evocadora. Este álbum refleja su dualidad cultural y creativa, convirtiéndose en una obra visionaria y llena de descubrimiento.

 

SALENTA + TOPU

En los primeros días de la pandemia, Topu Lyo en Georgia y Salenta De Badisdenne en Wisconsin, distantes de sus hogares, se unieron para crear "Moon Set, Moon Rise", un álbum de 17 canciones, con una mezcla de piano y violonchelo que captura una atmósfera melancólica y contemplativa. Sus melodías, desde las suaves hasta las exuberantes, evocan imágenes hogareñas y momentos íntimos.

Topu y Salenta, que se conocieron en 2018, encontraron en la música una forma de conexión y sanación, creando piezas que reflejan su vínculo y la autenticidad de su experiencia compartida. Escuchar el álbum es una experiencia íntima, casi como estar presente en sus sesiones.

 

THE HOUSE OF MIRRORS

Terminamos nuestra primera hora de Atmósfera subiendo los bpm’s con el sello español Soil, que publicaba hace casi un año un recopilatorio para celebrar su 5º aniversario. Un proyecto compuesto por 5 cd’s que reúne 50 tracks de 10 artistas.

Escuchamos ya para terminar nuestros primeros 60 minutos a The House Of Mirrors y su tema Last Chance junto a Henry Grey.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Pulse Mandala & Distant Fires Burning - Antikythera Rddl - R Abacus Lndr

The Green Kingdom - Unspoken - These Clouds

Pascal Comelade & Lee Ranaldo -  Lou's Blues - Velvet Serenade

Maud The Moth + Trajedesaliva - Habitantes Del Desgarro - Bordando El Manto Terrestre

Maud The Moth + Trajedesaliva - Círculo Roto - Bordando El Manto Terrestre

Spime.Im Grey – Crystal (Feat. Stina Fors) – Grey Line

Blue Lake - Fur – Sun Arcs

Salenta + Topu - Impression, Sunrise - Moon Set, Moon Rise

The House Of Mirrors – Last Chance (Feat. Henry Grey) – Recopilatorio Soil Records

Nicholas Thahyer, Future Ark

ANA QUIROGA

Comenzamos con una de nuestras artistas residentes. A principios de año os presentábamos lo nuevo de Ana Quiroga en Houndstooth: “Azabache”

Hoy queremos recuperar este corte que nos pone los pelos de punta, “Where It Begins”.

“Azabache” es una odisea personal, moldeada por la profunda conexión de Ana con su tierra natal, Asturias y la experiencia vivida desde que se mudó a Londres. Desde la rica herencia celta de Asturias (las minas, los minerales y la energía mística femenina) hasta el ocultismo urbano de su ahora hogar actual, Londres, y las encantadoras calles de Hackney y el East End, Azabache encarna la conexión entre las raíces ancestrales profundas y altamente simbólicas.

RECOPILATORIO “THESE CLOUDS…”

La semana pasada comenzábamos la escucha del Recopilatorio “These Clouds…” con el que el sello Sound in Silence celebraba su lanzamiento número 100. Os decíamos que tendríamos que volver a él sí o sí. Y antes de que se nos pierda en nuestras estanterías sonoras, traemos a Atmósfera hoy, un tema más, “The Missing” de  Sven Laux -

NICHOLAS THAYER

Encargado por Skånes Dansteater para una pieza de danza del mismo nombre, in:finite es la visión de Nicholas Thayer de un mundo en un grano de arena, inspirado por las palabras de William Blake.

Con la colaboración musical de Mikko Pablo en el violonchelo y las talentosas cantantes Milda Deltuvaite, Aurélie Journot, Emma Gregory y Galya Sky, Thayer, un compositor y productor con raíces en Londres y residencia en los Países Bajos, nos sumerge en un universo de conexiones infinitas.

En el mundo in:finite de Thayer, todo está en constante transformación, nos descubre cómo los opuestos se convierten en aliados en esta sincronía interminable.

in:finite se ha lanzado como una serie de tres EPs de los que escucharemos esta noche 2.

Hemos comenzado por el EP2 y por el tema que lo abre "on stretching", donde las influencias de Autechre se fusionan con un cuarteto de cuerdas del Medio Oriente en plena sintonización. La disonancia se convierte en la protagonista, proponiendo una nueva síntesis musical.

 Continuamos con la serie “in:finite” de Nicholas Thayer y ahora con la escucha de dos temas de su EP3 que comienza con esto que suena ya,  "on variegating", una pieza que se desliza con insectos electrónicos y cuerdas plañideras, entrelazando energía digital con la crecida y ascenso de la emoción clásica. El futuro se fusiona con el pasado, mientras el presente pasa velozmente por la ventana y las posibilidades flotan en el aire antes de desvanecerse para siempre.

 

RECOPILATORIO “5 YEARS SOIL RECORDS”

De sobra conocemos al sello independiente levantino Soil Records especializado en música electrónica experimental y techno y que explora las raíces de la EBM primigenia desde una óptica del presente, siempre desde un enfoque de riesgo y con rudeza en las texturas.

Pues bien abrimos ahora un pequeñísimo capitulo para escuchar algunas de las aportaciones de los muchos artistas que se han criado en el sello, al recopilatorio que celebra el 5º aniversario del sello. Y si, digo pequeñísimo porque de los más de cincuenta temas que componen este descomunal recopilatorio, nosotros escucharemos 4.

Este primero es de TAKAHIRO MUKAI

Estamos dedicando un pequeño espacio a la escucha del recopilatorio 5 Years of Soil Records. Ahora con el tema “Collar de perro viejo” que aporta Alextanko

Escuchamos ahora el tema “Sex Girl” de 5ZYL. Cinco años y 108 referencias después de la fundación del sello Soil Records, su catálogo ha crecido enormemente con  trabajos de muchos artistas que han nacido en el sello y otros que se han ido sumando a lo largo de ese tiempo y que ocupaban una posición relevante ya en la escena.

Terminamos por hoy la escucha del recopilatorio “5 Years of Soil Records” con Yansyet x Namesis. Volveremos sin duda en más ocasiones ha este enorme recopilatorio que aglutina desde el ambient industrial, hasta electro clásico, pasando por la ya mencionada Electronic Body Music, ya sea tradicional o rabiosamente actual.

FUTURE ARK

Vamos a terminar nuestra primera hora con Tero Heikkinen, nombre real de Future Ark, un talentoso productor finlandés que ha encontrado su hogar en Sevilla. Tero es productor e ingeniero de mezcla, ha colaborado con diversos artistas y ha compuesto música para cortometrajes y anuncios. Escucharemos hoy tres temas de su segundo álbum “Encinitas” publicado en el verano de 2023.

El choque cultural entre la Helsinki natal de Tero Heikkinen y la vibrante ciudad de Sevilla lo ha convertido en una figura única en el panorama internacional. "Encinitas" es una propuesta musical compleja y rica con influencias de artistas como Caribou, Rival Consoles y Moderat.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Ana Quiroga - Where It Begins – Azabache

Sven Laux - The Missing - These Clouds

Nicholas Thayer - On Stretching - Infinte Ep 2

Nicholas Thayer - On Variegating - Infinte Ep 3

Nicholas Thayer - On Growing- Infinte Ep 3

Takahiro Mukai - #546 – 5 Year Soil Records

Alextanko – Collar De Perro Viejo – 5 Year Soil Records

5zyl – Sex Girl – 5 Year Soil Records

Yansyet X Namesis – Better – 5 Year Soil Records

Future Ark - Nebulae - Encinitas

Future Ark - Monsoon - Encinitas

Future Ark - Caveman – Encinitas

Recopilatorio "These Clouds..."

 

RECOPILATORIO “THESE CLOUDS...”

Hoy comenzamos nuestra Atmósfera con un recopilatorio que nos hará flotar.

El sello Sound In Silence es el responsable de esta joya, una compilación para celebrar el lanzamiento número 100 del sello.

These Clouds… supone la segunda recopilación de Sound in Silenc, el anterior, “These Waves…” se publicó en 2006 y fue su primer lanzamiento.

“These Clouds…” que contiene 18 temas nuevos exclusivos, de 18 artista y con una duración total de 80 minutos. Algunos de los artistas han sido miembros importantes de Sound In Silence y han lanzado muchos álbumes en el sello,  otros son nuevos amigos que acaban de unirse a la familia del sello y probablemente presentarán más música en el futuro. 

 “These Clouds…” cuenta con la cuidada compilación y masterización de George Mastrokostas que la convierte en una mezcla de ensueño de ambient, música clásica moderna, electrónica y post rock.  

“These Clouds…” es una edición limitada de 500 ejemplares coleccionables hechos a mano y numerados a mano. Está empaquetado en un precioso sobre de cartón reciclado de color marrón claro, estampado a mano, con la imagen de la portada impresa en papel fotográfico estilo polaroid y dos hojas insertadas que contienen la lista de canciones e información impresa en un cartón reciclado blanquecino. También viene con un cupón de código de descarga y una tarjeta Sound In Silence.

SWEENEY

Durante más de veinte años, Jason Sweeney, residente en Kaurna Country en el sur de Australia, ha estado componiendo y grabando en solitario bajo su propio nombre, en varias bandas electrónicas (Other People's Children, Pretty Boy Crossover) y bajo el alias de compositor Panoptique Electrical, acabamos de escuchar, bajo este último alias su aportación al recopilatorio “These Clouds…”, pero ahora queremos escuchar su quinto álbum de larga duración de Sweeney bajo su propio nombre, “Corporeal”, un álbum sobre fantasmas personales.

Para este álbum, Sweeney comenzó a trabajar con herramientas de investigación de audio paranormal, como Spirit Box, las aplicaciones GhostTube, fenómenos de voz electrónicos y otras técnicas inmersivas para generar sonido y letras. Utilizando todo este material paranormal en bruto, se dedicó a componer pistas utilizando varios instrumentos electrónicos como vinilos y tocadiscos, un bajo, micrófonos viejos, un pedal VoiceBox, una mesa de mezclas de 10 pistas con efectos incorporados, cajas de ritmos o un Nord sintetizador, luego lo puso todo en un sampler Roland SP404A y le dio a grabar.

ROGER 3000

Necesitar, ser necesitado, en los cuatro rincones. El sueño y la privacidad, los gases van y vienen, y ahora eres el único en la habitación en la que te sientas, eres uno con la habitación en la que te sientas, como si no hubiera nada negativo ni positivo. ¿Sabías que ¿Son una extensión de tu apartamento? ¿Sabías que estás en una relación codependiente con tu apartamento? ¿Sabías que tu apartamento conoce y aprecia todos tus secretos

 A veces me pregunto si el silencio significa que no hay nadie en casa. Qué quieto me siento. A veces vuelvo al silencio y me siento abrazado por la fresca ligereza de su tacto, como dormir sólo con una sábana en verano. Como girar la llave. Como una visita del gato de al lado. Como un rayo sonámbulo que atraviesa la habitación y te pregunta si quieres salir.

Así define Roger 300 “Reste Envie” que identifica como un mensaje de deseo hacia uno mismo, elaborado desde un lugar de soledad vivida: los parámetros del hogar.

Roger 3000 es un pintor y músico de Bruselas y “Rest EnVie” es la continuación de su lanzamiento de 2020 en su propio sello Tundra Records, Fiftine.

ATABEY

Y ahora entramos en otra esfera sonora sin dejar la “Atmósfera” con Atabey y su nueva entrega Dissolve Grains EP que supone su regreso en Insectorama.

Nueve pistas de más de 70 minutos de acordes dubby cálidos y profundos con remezclas de Zzzzra y esta que escuchamos ya de Markus Masuhr.

 

UGNE&MARIA

ugne&maria es el proyecto del dúo de Ugnė Vyliaudaitė y Marija Rasa Kudabaitė, ambos con sede en Bruselas. Su música está hecha de un mosaico de samples y grabaciones de campo cuidadosamente activadas, en diálogo con el violín de Vyliaudaitė.

Intrincado y calmante pero alejado del ambient, en esa especie de limbo donde la música ambiental retrocede, la música de ugne&maria suena siempre pegada a la piel. Las composiciones son sutiles y precisas, establecen una lógica y luego las manipulan suavemente o las dejan flotar durante varios minutos. Los elementos se mueven sin problemas del fondo al primer plano y luego regresan. Fragmentos de texto o muestras reconocibles sirven como texturas más que como marcadores de ubicación o figuras a las que uno pueda atribuir significado de manera confiable.

 

MYSTERIOUS HOZE

Escuhamos a Duch y el tema Mysterious Hoze incluido en su EP Precede Me

 

2PSYCHED

En febrero de este 2024, Required Noise publicó su segundo lanzamiento del año, con el propietario del sello, 2psyched. Un EP techno de 4 pistas, titulado “Rodeo” que invita a los entusiastas de la música electrónica a un emocionante viaje sonoro.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

Sinerider - Vermilion - These Clouds

Panoptique Electrical - Slowly The Sorrow - These Clouds

Worriedaboutsatan - Keygen Variations 2 - These Clouds

Wil Bolton - Missed - These Clouds

Sweeney - Slowly The Bones – Corporal

Sweeney - The Basement

Roger 3000 - Vieux Fe¦Ülin - Reste Envie

Roger 3000 - Reste Envie - Reste Envie

Atabey - As We Drift [Markus Masuhr Remote Additive] - Dissolve Grains EP

Ugne&Maria - HEALING - 06 Approved Nap

Ditch - Mysterious Hoze - Precede Me EP   

2psyched - Fighter - Rodeo

EXPOSICION "ONÍRICA"

Iniciamos el mes de julio en Atmósfera con propuestas intrincadas y profundamente interesantes.

JONI VOID

Comenzamos el programa con el productor franco-británico afincado en Montreal Joni Void que nos presenta un ciclo de canciones de un emotivo collage de cintas impulsado por grabaciones de campo urbano y muestras de actuaciones transitorias en lo que es su tercer álbum para Constellation.

“Everyday Is The Song” se titula este atípico trabajo que supone una inmersión profunda en el emotivo montaje de audio, que el franco-británico afincado en Montreal define como “Tape Vortex / Musique Verité / Memory Collage”.

La materia prima del álbum se basa principalmente en un Walkman comprado en la tienda de discos en la primavera de 2020 y perdido en un show de Backxwash dos años después, afortunadamente, todo lo grabado se había archivado en horas de fragmentos de audio.

Everyday Is The Song es un diario sonoro evocador basado en samples rebosantes de calidez, fugacidad e hiperespecificidad donde Void explora un terreno más abstracto e intersticial de miniaturas a la deriva. Joni Void lo describe como “música sobre música”, citando la experiencia de un “earworm” como una forma intangible en la que la música puede aparecer en lo cotidiano.

LAPCORE

Con Fear of D[istraction] (fb101), LapCore continúa su exploración de las técnicas de distorsión y síntesis de audio digital, investigando las complejas estructuras digitales tonales a las que se refiere cariñosamente como cTonality.

En contraste con el álbum más optimista y atonal LapCore 132 (su lanzamiento autoeditado de larga duración de 2017), Kent Clelland se ha liberado para explorar las caras más oscuras y cerebrales de la composición musical por ordenador.

Con osciladores multicanal, lleva el arrastre sónico al rango musical de frecuencias en lugar de las típicas frecuencias de arrastre subaudibles, componiendo partes melódicas y armónicas con sus artefactos para crear tonalidades.

Tejiendo osciladores binaurales polimétricos con un motor de bombo retorcido, adormece tus sentidos en un estado de receptividad sobre el cual luego cose tapices sintetizados inspirados en sus aventuras dogmáticas hiperperceptivas.

La interpretación de Fear_of_Di[straction] de LapCore (2017-2022) es una colcha sonora de 48 minutos de grabaciones de agentes musicales de IA durante sesiones de entrenamiento.

 

EXPOSICION ONÍRICA

 

Nos trasladamos hasta Santa Bárbara de Mieres (Asturias) para visitar la exposición 'Onírica' del estudio de arte italiano FUSE.

El proyecto está comisariado por LEV (Laboratorio de electrónica visual) y puede visitarse hasta el próximo 28 de julio en el Pozu Santa Bárbara (Asturias). 

SEPALOT

Hace ahora un año, el alemán Sepalot publicaba “Neverlost”, su sexto álbum de estudio, un disco en el que nos mostraba sus habilidades para combinar géneros a la perfección con elementos de trip-hop, house y un toque de Ennio Morricone creando así un sonido único, innovador y cautivador.

 

RENWARTHERGER

Bulletdodge Records continúa explorando su nueva y emocionante dirección musical con el E.P. 'Lifelike' del anónimo Renwartherger con remixes de Suna Path y Alex Over.

Escuchando dos temas de este EP vamos a terminar nuestra primera hora de Atmósfera.

Comenzamos con el tema principal  'Lifelike', un emocionante corte electrónico con voces profundas, sintetizadores retorcidos y un gancho de guitarra estelar.

Continuamos con la escucha de “Lifelike” de Renwartherger con la remezcla de Suna Path del tema 'Under The Rug' con una excelente mezcla alternativa de dub.

Y terminamos la escucha de Lifelike de Renwartherger y nuestra primera hora de Atmósfera con la remezcla de Alex Over del tema “Going Under” al que le imprime su marca distintiva de creación de ritmos. Desgarra la pista y la reconstruye como un paisaje sonoro electrónico torturado y despojado de percusión cruda y una línea de bajo devastadora.

Y con el EP Lifelike de Renwartherger hemos llegado ya a nuestra segunda hora de programa