Dmytro Fedorenko, Ingfrid Breie Nyhus, Catherine Graindorge

    miércoles 16.mar.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

JPG ATM 20 MAR

 

Los extremos sonoros protagonizan esta semana nuestro programa. El piano, el bajo, la mesa de mezclas como instrumento... 

Y como muestra de solidaridad y apoyo al pueblo ucraniano, recuperamos el trabajo del compositor experimental ucraniano Dmytro Fedorenko bajo su alias de Variàt que sirve como adelanto del especial Ucrania que estamos preparando y que podréis escuchar muy pronto en Atmósfera

INGFRID BREIE NYHUS

Nos gusta comenzar Atmósfera con el piano que es el protagonista de este disco de Ingfrid Breie Nyhus, titulado “Slåttepiano II” inspirado en el slåtter, música tradicional de la región noruega de Setesdal.

Se dice que, con un sonido bajo y áspero, los viejos rammeslåtter (violines tradicionales de esta zona de Noruega) ponían al violinista en trance.

La pianista y compositora Ingfrid Breie Nyhus es considerada una de las pianistas más destacadas de Noruega, toca y crea música que abarca varios géneros como la música folclórica, la música contemporánea, la improvisación y la música clásica.Los álbumes de Slåttepiano son su propio enfoque pianístico e improvisado de la música folclórica noruega interpretada tradicionalmente con el violín Hardanger, traduciendo los sonidos y las formas al mundo del piano.

 

CATHERINE GRAINDORGE

La gente creía que Eldorado era una ciudad de oro. Una fábula, una leyenda que empujaba a los conquistadores cada vez más lejos en busca de riquezas. Un mito. El grial Eldorado era todas esas cosas y más. Pero también puede ser un lugar para encontrar esperanza y consuelo y descubrir sueños. Esa es la música de este Eldorado, el segundo álbum en solitario de la violinista y compositora belga Catherine Graindorge.

Catherine Graindorge es conocida por sus colaboraciones con una gran variedad de artistas que van desde Nick Cave hasta Mark Lanegan, así como por su trabajo como parte de Nile on waX, y por la música que ha escrito para cine y teatro. Desde hace años, Graindorge tenía la intención de publicar un segundo lanzamiento en solitario, Eldorado tuvo un período de gestación mucho más largo de lo que esperaba.

“Después de mi primer álbum, The Secret of Us All, de 2012, ya tenía planeado lanzar otro. Pero al fallecer mi padre en abril de 2015, decidí crear y escribir un espectáculo sobre él que combinara texto, imágenes y música. La creación y las actuaciones me llevaron tres años. También lancé un par de discos con mi trío y otro con Hugo Race. No fue hasta 2019 que encontré tiempo para imaginar este nuevo álbum. La música se volvió “como un diario”, y cada página traía nuevos reflejos y resonancias. Explica Catherine

BRENDAN FAEGRE

El EP debut del compositor y baterista Brendan Faegre, Broken Mirrors, reconcilia los aspectos estoicos y expresivos del minimalismo mientras juega con sus puntos fuertes como creador e intérprete.

Grabado con solo un pequeño kit de batería y un sintetizador mono, la música de este “Broken Mirrors” se desarrolla a través de una repetición implacable. Las capas de batería y sintetizador se acumulan y evolucionan gradualmente, mientras que los ciclos superpuestos de armonía y ritmo proporcionan una inercia lenta y constante.

El EP consta de una composición de 20 minutos dividida en cuatro pistas, Partes I-IV. Escuchamos la parte III, esa zona del disco que da rienda suelta a su baterista interior. Faegre finalmente comienza a improvisar, moldeando el tiempo libremente hacia explosiones sincopadas de bajo sintetizador.

VARIAT

Estamos asolados con la guerra de Ucrania y desde nuestra atmósfera sonora hacemos, aunque sea en lo más etéreo todo lo que podemos por ayudar al pueblo ucraniano.

Muchos son los artistas ucranianos que se mueven en el mundo de la experimental, estamos preparando un especial que podréis escuchar muy pronto en Atmósfera.

Como adelanto no queríamos dejar de escuchar ahora a un artista ucraniano excelente, Dmytro Fedorenko,  artista multidisciplinar, uno de los primeros y más activos pioneros de la escena de la música electrónica experimental ucraniana, responsable de una gran cantidad de proyectos de música experimental, festivales y eventos artísticos con mucho éxito en Ucrania.  Ahora reside en Berlín.

Desde hace más de 20 años crea música electrónica y arte sonoro bajo el nombre de Kotra, pero en 2021, Dmytro creó una nueva entidad musical: Variat una suerte de Psicodelia urbana dura, canciones folk, poesía noise distorsionada, cantos sintéticos disonantes, podrían ser algunas de las definiciones sonoras del trabajo de Variat.

Variát comenzó en 2020, como una idea autoprovocadora de observar sus propios límites artísticos y la posibilidad de reinventarse a sí mismo y alcanzar nuevas profundidades de libertad creativa. El proceso comenzó a través de la exploración de nuevos métodos de grabación: percusiones metálicas enviadas a través del altavoz del amplificador, sonidos de batería grabados desde los platillos perforados y timbales tocados con el martillo o texturas crudas creadas a partir de capas de objetos en movimiento. Esta biblioteca de grabaciones concretas inició innumerables sesiones de riffs de guitarra discordantes, distorsionados y ambientes de bajo sobrecargados. Se trató a los sintetizadores para que sonaran como instrumentos tradicionales, los ritmos se pintaron con pinceladas desiguales. Las composiciones fueron construidas para preservar el orden del caos inicial.

ROBERT TAKAHASHI CROUCH

Nos adentramos ahora en Jubilee del artista residente en Los Ángeles, Robert Takahashi Crouch, un disco que evoca un paisaje vibracional profundamente personal fusionando el trabajo de drones de baja frecuencia de larga duración con un sentido reductivo de armonía.

“Las tres pistas que componen Jubilee son reflexiones profundamente personales sobre eventos significativos en mi vida, alegres y traumáticos, y los contextos sociales más amplios que informan mi propia comprensión de estas experiencias. Por mucho que mi sexualidad y etnicidad me hayan posicionado como alguien que mira desde los márgenes, también soy consciente de los espacios que ocupo como miembro de la cultura dominante: represento la masculinidad de una manera relativamente tradicional, se supone que soy blanco. Como persona birracial, tener que internalizar el racismo y al mismo tiempo proyectar su rostro es un tipo de invisibilidad excepcionalmente dolorosa. Esta contradicción interna es fundamental para la forma en que conceptualicé el trabajo. Cuando comencé el proceso de composición, sabía que no estaba interesado en crear una narrativa uniforme o dictar los términos de cómo se debe escuchar la música. Más bien, vi el proceso como una oportunidad para recopilar y organizar sonidos, textos, ideas e imágenes que podrían crear no solo un contexto para escuchar, sino un espacio para que habite un oyente. Dice Robert Takahashi

TOSHIMARU NAKAMURA

El instrumento No Input Mixing Board de Toshimaru Nakamura es sin duda una de las exploraciones más personales y experimentales en su género. En más de 10 volúmenes, Nakamura ha ampliado las capacidades de la mesa de mezclas de formas que sorprenden y deleitan. Mantiene un incansable sentido de la curiosidad, buscando constantemente expandir el rango del instrumento y subvertir su rol preconcebido.

Abrimos esta noche “Culvert NIMB#10”, con el que Nakamura consigue una calidad increíblemente dinámica y, en ocasiones, volcánica. Cada pieza se mueve entre pasajes de ritmo y pulso profundos que dan paso a franjas cáusticas de retroalimentación, ruido y, en ocasiones, una profunda sensación de armonía.

Culvert NIMB#10”es un testimonio de las habilidades de Nakamura como productor, pero además un reconocimiento a su increíble artesanía y sensibilidad estética cuando se trata de crear algo profundo a partir de, literalmente, nada en absoluto

DARK STAR SAFARI

Dark Star Safari es una entidad musical compuesta por Jan Bang, Erik Honoré, Eivind Aarset, Samuel Rohrer y John Derek Bishop.

Nos ocupamos ahora, escuchando dos de sus temas, de su segundo trabajo de larga duración, Walk Through Lightly, el primero en presentar a los cinco músicos juntos en el estudio desde el principio, logrando un refinamiento más orgánico sobre su metodología ya establecida: esculpiendo gradualmente canciones distintas a partir de improvisaciones colectivas, o utilizando la materia prima de grabaciones iniciales como base para composiciones más cuidadosamente articuladas.

La mezcla final del disco invita a pocas comparaciones estilísticas con otros pares musicales y, de hecho, pocas comparaciones con géneros existentes. Aunque esta segunda entrega del proyecto está inundada de un sentido escandinavo de espacialidad y melancolía, es mejor escucharla sin considerar ningún punto de origen, geográfico o de otro tipo: desde el segundo uno de Walk Through Lightly, te sientes como si fueras teletransportado directamente en medio de una enigmática película en progreso.

DISTANT FIRES BURNING

Distant Fires Burning es el lado ambiental de Gert De Meester del municipio de Battel (Un suburbio de Mechelen, Bélgica, en la confluencia de tres ríos). Gert siempre ha cultivado una paleta muy diversa de géneros musicales. Comenzó como bajista de bandas de Rock, Thrash, Funk, Pop, como The Hindu Needle Trick y The Seven Laws of Woo, mientras por otro lado creaba música electrónica bajo alias como The Mental Attack y Reverend Basstorius' Intergalactic Funk Experience. En 2007 Gert comenzó a experimentar ya más con el ambient como Distant Fires Burning que comenzó como un proyecto puramente electrónico, con el bajo, instrumento cercano a Gert, pero esta vez mejorado y manipulado para crear un sonido único y personal.

Abrimos esta noche “Inperspectycon Vol.1” un álbum que tiene que ver con el Corona y el impacto de las medidas tomadas para vencerlo. Como trabajador social, Gert pudo ver el trasfondo de lo que esas medidas provocan, especialmente en las personas socialmente más débiles.

KKOT

“Inyan” del compositor KKOT, es un álbum Experimental, abstracto e industrial, compuesto por 11 pistas que explora el universo de los sintetizadores modulares.

Centrándose en las frecuencias, el álbum tiene un vacío que es a la vez convincente y, a veces, incómodo, empujando los límites de los paisajes sonoros convencionales.

Marco Ricci es el cerebro detrás de KKOT, un proyecto que se creó en 2018 y que a día de hoy cuenta con 8 lanzamientos en su haber, sin contar con este “Inyan”.

Ricci afirma “Cada track es una franja bien definida en la que concentro las frecuencias. No permito que ningún sonido traspase los límites, de modo que se superponen entre sí creando un muro, una fortaleza. Cada track estimula y resalta un estado de ánimo específico”. Centrando su atención en los detalles del sonido manipulado, “Inyan” es casi anti-música. Los elementos que determinan el significado de la música, como la estructura, la melodía y el ritmo, se han erradicado por completo para dar paso a los sonidos de drones, crujidos estáticos, el zumbido y el zumbido de los sintetizadores analógicos, con la repetición jugando un papel importante.

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Ingfrid Breie Nyhus - Forspill - Slåttepiano Ii

Catherine Graindorge - Rosalie – Eldorado

Brendan Faegre - Broken Mirrors Part Iii - Broken Mirrors

Variat - Wake Up, Fire - I Can See Everything From Here

Robert Takahashi Crouch - Reconciliation  - Jubilee

Toshimaru Nakamura - Nimb #70 – Culvert NIMB#10

Dark Star Safari - Disembodied  - Walk Through Lightly

Dark Star Safari - Passover - Walk Through Lightly

Distant Fires Burning - Book Of Rebellion - Inperspectycon Vol.1

Kkot – Maka - Inyan

Atmósfera   16.mar.2022 11:50    

Megan Alice Clune, Geir Sundstøl, Carlos Casas

    miércoles 2.mar.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

JPG ATM 06 MAR

CARLOS CASAS

Iniciamos nuestra Atmósfera con un proyecto muy peculiar.

Kamana de Carlos Casas, es un lanzamiento multiformato que canaliza la cultura y las tradiciones de los Aeta, un grupo indígena de la región de Zambales en Filipinas que también forman parte de las culturas nómadas y de cazadores recolectores más fascinantes y antiguas.

La liberación va de los dominios de lo real a lo imaginario, de la transcripción al sincretismo, de lo concreto a lo abstracto. Kamana es una suerte de exorcismo sónico (no) real lleno de frecuencias ancestrales, fantasmas embrujados y otros espíritus animistas que vagan por los bosques de Pinatubo.

Cuenta Carlos Casas: “Kamana es un largo homenaje a la comunidad Aeta que me acogió hace unos años. Me fascinó la resistencia de esta gente y su conexión con su tierra, devastada por la erupción del volcán Pinatubo en 1991, que continuaron regresando a sus tierras ancestrales sobreviviendo de la agricultura básica y la caza de murciélagos y jabalíes. Viviendo con ellos durante semanas, logré capturar algunos sonidos y grabaciones de campo esenciales que forman y componen la base de este lanzamiento.

CHRISTOPHER CHAPLIN

Después de su poderosa y oscura trilogía de álbumes en solitario “Je suis le Ténébreux” (2016), “Paradise Lost” (2018) y “M” (2020), el compositor vanguardista con sede en Londres Christopher James Chaplin lanzó su nuevo proyecto en solitario “Patriarchs” en noviembre de 2021. “Patriarcas” se refiere a los patriarcas antediluvianos, los diez patriarcas antediluvianos enumerados en la genealogía de Génesis V, desde Adán hasta Noé. El álbum trata sobre el linaje de estos patriarcas y su viaje desde la oscuridad de la caída hacia la iluminación.

Sin duda, como ya nos tiene acostumbrados Christopher Chaplin, otra potente obra de arte, situada entre la electrónica experimental y la vanguardia.

SAO PAULO UNDERGROUND & TUPPERWEAR

Mazurek, Mauricio Takara y Guilherme Granado alinean sus chakras con los tinerfeños electrónicos “Tupperwear” (Mladen Kurajica y Daniel García) para entregar este EP que escuchamos esta noche, una amalgama de jazz tropical, post rock de Chicago y cánticos psicodélicos en general.

Grabado en vivo en 2016 en un tanque de queroseno en desuso en Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, donde por cierto se desarrolla el festival Keroxen, conocido por todos los atmósferos, después de una residencia de una semana. Precisamente es el sello Keroxen quien publica este “Saturno mágico” en el que cada miembro juega múltiples roles en la creación del sonido orgánico en evolución único de este trabajo.

Mazurek toca la corneta y sintetizadores modulares; Takara toca la batería, el cavaquinho y la electrónica, mientras que Granado toca los teclados, los sintetizadores y el sampler. Tupperwear se suma al flujo orgánico con Kurajica en varios sintetizadores y teclados, mientras que García sobresale en electrónica, muestreo en vivo, guitarra y voces.

NAALJOS LJOM

Esto que suena ya es el álbum debut de Naaljos Ljom, conocidos por bandas de noise como MoHa! y Ultralyd con los que han realizado giras por gran parte de Europa, así como partes de EE. UU., Asia y Australia. Ahora se han sumergido en la tonalidad y el ritmo de la música folclórica tradicional noruega y la han vestido con un traje de música electrónica de baile.

El álbum que Anders S. Hana y Morten Joh han juntado consta de seis pistas: cinco instrumentales y una canción. Todas ellas tradicionales, tomadas de los ricos archivos de música folclórica Noruega. Anders Hana se ha esforzado mucho en aprender tanto el langeleik (cítara drone o cítara de zumbido) como el arpa de boca. También toca la guitarra eléctrica modificada con microtrastes. Morten Joh, con sus sintetizadores analógicos, toca tanto melodías como ritmos, y también busca expresar la magia, todo lo que se intuye entre los ritmos, los tonos y las frases.

KA BAIRD & PEKKA AIRAKSINEN

Pekka Airaksinen, quien dejó este ámbito por otro en mayo de 2019, es reconocido como un compositor pionero tanto dentro como fuera de la comunidad artística marginal de su Finlandia natal. Airaksinen, miembro fundador del colectivo de arte y música de finales de los 60 The Sperm, descubrió el budismo a principios de los 70 y finalmente estableció una serie de centros de meditación en Finlandia. A lo largo de su carrera, Airaksinen abrazó un grado de oscuridad y anonimato que se inspiró en sus aprendizajes budistas y le permitió una completa libertad creativa. Decía Pekka: “cuanto menos éxito tengas, más tiempo hay para desarrollar las cosas”.

Ka Baird, quien encontró su base musical en Chicago tocando en Spires That In The Sunset Rise antes de mudarse a Nueva York para seguir su carrera en solitario, ha desarrollado una práctica basada en formas de encarnación activa y comprometida. Inspiradas en la música corporal de Charlemagne Palestine, las actuaciones de Baird exploran los extremos físicos como catalizadores de una presencia e inmediatez cargadas.

Hungry Shells, la decimoséptima entrega de la serie de colaboraciones intergeneracionales FRKWYS del sello RVNG Intl., reúne al vocalista, multiinstrumentista y artista sonoro Ka Baird con el compositor de vanguardia y pionero radical de las artes escénicas Pekka Airaksinen.

Hungry Shells se grabó seis meses antes del fallecimiento de Pekka y alquimiza prácticas espiritualistas separadas pero similares, recorriendo la voz de Baird y los rituales de sintetizador y las exploraciones de sonido lisérgico de Airaksinen en paisajes sorprendentes y surrealistas.

KASPAR

Kaspar es el alter ego del músico y artista sonoro francés Yérri-Gaspar Hummel, que se centra en la relación entre el sonido y la cultura, las tecnologías emergentes y los problemas medioambientales, los movimientos sonoros y el entorno multimedia a través de actuaciones en directo e instalaciones. Su trabajo visual y sonoro encuentra su camino a través de una variedad de medios de producción. Explora la música desde la improvisación hasta las composiciones escritas, inspirándose en los ritmos de los objetos y sonidos cotidianos, especialmente las abejas melíferas a través de su trabajo como apicultor.

Nos encontramos ahora ante su álbum debut “MFD” que se basa en la investigación sonora en los campos electroacústico y acusmático, aplicados a la música rítmica electrónica. Compuesto en diferentes estudios europeos entre Alemania, Bélgica y Francia, MFD se inspira en los sonidos cotidianos, sampleados por Kaspar. Estos fotogramas sonoros fueron recopilados durante sus viajes por India, Marruecos, Túnez, Egipto, Bélgica, Francia, Suecia y Estados Unidos.

MFD está diseñado para hacer bailar tanto el cuerpo como el alma.

MEGAN ALICE CLUNE

“If You Do” de Megan Alice Clune es una obra de éxtasis contenido. Basándose en sus intereses en las tradiciones minimalistas extendidas, especialmente en las exploraciones en afinaciones variables presentadas en las obras que orbitan a las involucradas en el Theatre Of Eternal Music, Clune crea un disco de constante profundización. Cada pieza se desarrolla en la siguiente y, aunque existen individualmente, también funcionan como una masa de sonido continua.

“If You Do” es un constante, un flujo de conciencia, de voz, drones, teclados y electrónica. Una música de y para los sueños

GEIR SUNDSTØL

Después de aparecer en más de 400 álbumes como acompañante y músico de sesión, el guitarrista multifacético y coleccionista de instrumentos Geir Sundstøl nos asombró con una trilogía de sus propias composiciones que ya recorrimos aquí en Atmósfera.

Ahora está de regreso, con una continuación del álbum noruego, ganador del Grammy/Spellemannpris, Brødløs.

“St. Hanshaugen Steel”, así se titula esta entrega, ofrece una gama extraordinariamente amplia de referencias de género y nos adentra más en los paisajes sonoros originales y distintivos de Sundstøl.

Con claras características cinematográficas, Sundstøl muestra una variedad de instrumentos cada vez más impresionante, que va desde la armónica de bajo profunda y áspera hasta el marxófono nítido y circense.

Sundstøl hizo St. Hanshaugen Steel en casa, en su Studio Intim. Una vez más llamando a algunos de sus hermanos de armas musicales favoritos; el baterista y percusionista Erland Dahlen, los bajistas Mats Eilertsen y Jo Berger Myhre, y el pianista y teclista David Wallumrød. Aunque el propio Sundstøl maneja una gran variedad de instrumentos a veces "inusuales" (de hecho, es un coleccionista además de compositor y músico), la presencia de estos "sospechosos habituales" es crucial para lograr el universo musical de Sundstøl.

PETER ZIRBS

Como parte de la escena techno vienesa de la década de 1990, el multiinstrumentista Peter Zirbs ha lanzado música bajo varios seudónimos y en varios sellos como EMI, Automatique o Fabrique Records. Ha derribado las fronteras de género a lo largo de los años con la variedad de su producción.

Su colectivo de música electrónica konsortenTM obtuvo una considerable difusión en todo el mundo de habla alemana, también produjo para otros artistas y fue responsable de la partitura de tres elogiados cortometrajes de animación (2002) del director Thomas Aigelsreiter, que se presentaron en más de 30 festivales de cine en todo el mundo.

Escuchamos esta noche dos de los temas incluídos en su “Teh Splinters EP”

The Splinters EP es una pequeña colección de pistas instrumentales que creadas a lo largo de 2021. Cuenta Peter Zirbs: “He retomado temas y sentimientos que me han tocado profundamente. Las pistas no son tanto un examen del contenido de estos temas, sentimientos y términos, sino más bien un método para lidiar con mi malestar, por así decirlo, una cura, un alivio y un apoyo.

Sigue explicando Zirbs sobre el tema que estamos escuchando ahora: “Para la pista "Splinter II (Prime Numbers)", por ejemplo, experimenté con compases de números primos. El efecto sobre el cerebro es casi algo así como una desincronización de los hemisferios cerebrales. Después de las pistas casi románticas de los lanzamientos anteriores, estoy tratando de romper mis límites e incorporar más experimentación; traducir vagos sentimientos en música

LANDIKHAN FEAT. DAT GARCIA

El productor madrileño Landikhan, uno de los artistas más prestigiosos del circuito clubber estatal, consigue construir una suerte de house espiritual que conecta su facción más chill out y downtempo con la música de pista más melódica.

La artista argentina Dat García, icono de la folktrónica global cuando el término aún ni se utilizaba, consigue articular una melodía tan levitante y espiritual como liberadoramente bailable.

Juntos han realizado este tema que cierra nuestra primera hora de Atmósfera "Ultravioleta" una canción que reflexiona sobre el amor, la introspección y el aprendizaje; y que es completada por el universo gráfico del ilustrador mexicano Aswer García, que consigue plasmar en imágenes el universo de espiritualidad mestiza, tradicional y vanguardista, que proyecta la canción.

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

Carlos Casas - Pugot Pugot – Kamana

Christopher Chaplin – Jared - Patriarchs

Sao Paulo Underground & Tupperwear -  Fajana - Saturno Mágico

Naaljos Ljom - Uppstaden - Naaljos Ljom

Ka Baird & Pekka Airaksinen - Syzygy (For Pekka)- Hungry Shells

Kaspar -  Sofa -  MFD

Kaspar – Japash - MFD

Megan Alice Clune - The Worst Coffee in the Best Cup - If You Do

Geir Sundstøl - VaÌŠg - St. Hanshaugen Steel

Peter Zirbs - Dance Of The Morgellon s- Splinters

Peter Zirbs - Splinter II (Prime Numbers) – Splinters

Landikhan Feat. Dat Garcia - Ultravioleta (Original Mix)

Atmósfera    2.mar.2022 11:50    

Tülay German, Movietone, Pierre Rousseau

    jueves 3.feb.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

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OH NO NOH

Esta noche tendremos una Atmósfera muy genuina, llena de sonidos intensos, profundos, que se contraponen a otros totalmente diferentes más ligeros y bailables.

Comenzamos el programa con el álbum “Distant Sediments” que documenta un experimento musical, realizado como una colaboración entre Oh No Noh, Midori Hirano y Jo David Meyer Lysne.

El título se relaciona con el proceso compositivo, un tipo de composición desplazada en el tiempo y el espacio, mucho más un „dejar fuera“ que un „agregar“, con la previsión de dejar espacio a las ideas de otros, sin saber cómo terminarían sonando.

Similar a la formación de rocas sedimentarias, que se desarrollan a partir de superposiciones y depósitos de rocas más antiguas, los tres músicos superpusieron elementos individuales de grabaciones de campo e improvisaciones para crear una nueva unidad. La música que surgió de esto es una instantánea similar a un trance, creando un amplio espectro de Ambient, SoundArt y Soundscapes.

Oh No Noh, Midori Hirano y Jo David Meyer Lysne compusieron cada uno una pieza, que sería la base para las sobregrabaciones de los otros dos músicos. Así, cada una de las tres piezas se formó de diferente manera. Los títulos de las pistas representan el orden de esas sobregrabaciones: MH Midori Hirano, MR Markus Rom, JL Jo Lysne.

JULIEN DEMOULIN

El francés Julien Demoulin, se trasladó a Bélgica, conde ha estado lanzando trabajos desde 2004, inicialmente con su proyecto Silencio y luego con su propio nombre y su otro proyecto Pandorama. Con Silencio ha lanzado seis álbumes, un álbum de remixes, dos EP y dos sencillos, bajo su proyecto Pandorama ha lanzado un álbum. Bajo su propio nombre ha lanzado dos álbumes, seis EP y álbumes de colaboración con artistas como Christophe Bailleau. , IA y Ross Copeland.

Esta noche abrimos su “Everything Forgotten, Everything Remembered” que contiene siete composiciones de ambiente cálido, con una duración total de unos 43 minutos. En comparación con sus álbumes anteriores, más optimistas y rítmicos, este tercer trabajo tiene un enfoque compositivo más centrado. Combinando sonidos electrónicos densos, capas de sintetizadores serenos a la deriva y loops delicados de melodías hipnóticas, con grabaciones de campo proporcionadas por Frédéric Dufourd (la mitad del dúo lo-fi Donna), drones vocales proporcionados por Alex Copeland (también conocido como IA) y música etérea.

La voz de Maryam Sirvan (la mitad del dúo electrónico NUM), Demoulin ha creado un equilibrado y magnífico trabajo.

DULLMEA & RICARDO PINTO

Dullmea vive en Oporto, Portugal. Ricardo Pinto es un multiinstrumentista, compositor y productor nacido en Portugal en 1990.

En abril de 2016, Dullmea lanzó Keter, su álbum debut de producción propia. En enero de 2019 lanzó Hemisphaeria, producido y estrenado con el apoyo de la Fundação GDA. Dullmea ha compuesto música para espectáculos de teatro y danza.

En 2013, Ricardo Pinto se graduó en la Escola Superior de Música, Artes e Espectáculo (Portugal) con una licenciatura en Piano Jazz. Fue alumno de Abe Rábade (Jazz) y Serghei Covalenco (Clásica), entre otros, y ha asistido a clases magistrales con Ben Street, Dan Weiss, Danilo Perez, Jacob Sacks o Robert Lowe. Desde 2005, Ricardo ha compuesto, interpretado, dirigido y producido más de treinta bandas sonoras para teatro, en su mayoría con Ensemble Sociedade de Actores, trabajando con algunos de los artistas y escenarios más importantes de Portugal.

Conocemos esta noche su disco conjunto “Orduak”,  un descenso vertiginoso a las profundidades de un no lugar hecho de deserción y desolación: la meditación de un borracho, el enigma de una vida inefable, el sueño infinito.

Dullmea invitó a Ricardo Pinto a colaborar en la composición de este disco porque ambos comparten la obsesión por la armonía. Empezaron a trabajar a partir de las palabras “En lo más profundo/ Sin fuego, sin viento, sin olor/ Siempre este sueño, esta sombra de tiza”, una pequeña oración sin mucho significado pero con sonidos interesantes cuando se dice en portugués. La idea era crear casi como una pintura con estos sonidos, a través de un color etéreo, formando una pieza coral en tres movimientos. Entonces desintegraron esta pieza y la fusionaron con atmósferas más oscuras, con electrónica e incluso algo de noise. El resultado es un mundo ficticio, el no-lugar más profundo que puedas imaginar, donde incluso puedes escuchar la meditación de un monje borracho o ponerte en contacto con el reino de las arqueas.

MAD DISC

Mad Disc es el proyecto en solitario de Takamichi Murata, compositor, baterista y percusionista que trabaja en Nagoya y Kitakyushu, Japón. Murata estuvo involucrado en varias bandas, incluida la suya, y participa en una amplia gama de actividades, habiendo colaborado con varios otros improvisadores y compositores.

“Material Composición 1 y 2”, parten del misterioso timbre de una hermosa Rin Bell (esa instrumento de meditación japonés), tocada solemnemente, de manera ritual. A lo largo del desarrollo de las piezas, se modulan secuencias electrónicas retardadas, patrones rítmicos de percusiones metálicas, sonidos sintetizados con matices industriales y una amplia gama de otros sonidos, revelando varios patrones nuevos en un paisaje acústico estratificado.

“Material Composición” cruza géneros como el jazz, el techno o el folk, acercándolos como formas capaces de contaminarse mutuamente. Los resultados desdibujan los límites y desarrollan una experiencia auditiva emocional, cinematográfica y meditativa, con tonos embriagadores y deslumbrantes.

“Material Composición” incluye además tres remixes de los colaboradores de Murata, Toru Kasai, Koutaro Fukui y Ryoko Ono. Escucharemos esta noche dos de estas remezclas, la de Toru Kasai y la de Ryoko Ono.

MOVIETONE

Movietone formó parte de la escena de Bristol en la década de 1990 en la que brillaban ya Flying Saucer Attack, Third Eye Foundation y Crescentc, cuyos miembros tocaron en Movietone, siendo Kate Wright la compositora principal.

Movietone hizo  su primera sesión de John Peel (ya sabéis las famosas sesiones de la BBC Radio 1) con Planet Records, unas semanas después del lanzamiento de su sencillo debut 'She Smiled Mandarine Like' en 1994. Hicieron tres Peel Sessions en total entre 1994-1997 y se mudaron a Domino Records y Drag City en 1997.

Estas sesiones no están disponibles online y nunca antes habían sido escuchadas por nadie más que aquellos que escucharon las transmisiones originales.

Como Movietone ya no hace música, estas grabaciones de archivo son aún más especiales. Contienen versiones anteriores o alternativas de canciones de los tres primeros discos de Movietone, junto con una canción de sus días previos a Movietone como 'Lynda's Strange Vacation'.

La última sesión es única porque Matt Elliott (Third Eye Foundation) está tocando en ellos: había dejado la banda cuando se grabó y lanzó el álbum 3 años después.

MANNHEIMER SCHLAGWERK

El Mallet Quartet de Steve Reich ha sido una asombrosa historia de éxito. Ahora, uno de los conjuntos de percusión más importantes del mundo y un grupo de cuatro compositores estrechamente relacionados están utilizando su plantilla para despegar hacia nuevos territorios, en algún lugar entre el jazz y el rock, las pulsaciones minimalistas y la felicidad ambiental.

Escuchad este “Russian Dolls” que encontramos en el estupendo álbum   - The Numbers Are Dancing de Mannheimer Schlagwerk.

TÜLAY GERMAN & FRANÇOIS RABBATH

Con fuertes referencias a los poetas turcos y la tradición de los aşıks (cantantes-poetas y bardos errantes), los disco homónimos de Tülay German y Fraçois Rabbath representan interpretaciones únicas y modernas de las canciones populares turcas sin igual hasta el día de hoy.

En los años 60, la estambulí Tülay German, sacudió el panorama de la música turca con varios discos de 7". En particular, su primer disco de 7", Burçak Tarlası (1964), ahora se considera la piedra angular de lo que se convertiría en el Anadolu Rock (Movimiento pop) y subraya su carácter rebelde y sentido de la justicia. Pero debido a la creciente represión, Tülay German y su compañero de toda la vida, Erdem Buri, decidieron abandonar Turquía unos años más tarde. De hecho, una sentencia de prisión inminente para Erdem Buri por traducir la Dialéctica y la Ciencia de la Lógica de Hegel llevó a la pareja a emigrar a Francia.  

Después de años Tülay vuelve a su lengua materna, graba álbumes para el sello Arion con total libertad artística. Fueron los únicos larga duración en sus más de 20 años de carrera y los hizo junto con el virtuoso del contrabajo y turkófilo François Rabbath, nacido en 1931 en Siria. Los álbumes consisten en aşık tradicionales y poemas entonados principalmente por Nazim Hikmet. Su voz apasionada y los arreglos sobrios de François Rabbath convierten estas melodías y poemas centenarios en brillantes manifiestos por el amor y la justicia.

La fructífera colaboración de estos artistas en el exilio se suma significativamente a la rica herencia de la música folclórica turca. El debut homónimo, que fue galardonado con el prestigioso Grand Prix du Disque de la Académie Charles Cros en 1981, ahora se reedita en vinilo después de 40 años y tenemos el placer de escucharlo esta noche en Atmósfera.

Tülay German finalizó su carrera musical en 1987 y tras la muerte de Erdem Buri en 1993 se retiró por completo de la vida pública, llevando una vida tranquila en París donde vive hasta el día de hoy. En 2021, Tülay German recibió el premio Lifetime Achievement Award de la Fundación para la Cultura y las Artes de Estambul, Turquía.

PIERRE ROUSSEAU

Dedicamos ahora un tiempo a Pierre Rousseau y su “Mode par Défaut” escuchando tres de sus temas.

Mientras que con Musique Sans Paroles, su EP anterior para Beats In Space Records, Rousseau buscó durante dos años en una cápsula cuidadosamente conceptualizada, Mode Par Défaut se ejecutó en tan solo unas pocas semanas de espontaneidad creativa. Los confinamientos de París permitieron a Pierre abrazar su obsesión por los retoques técnicos y profundizar en el EP, explorando nuevas colaboraciones y tiempos desconocidos con inseparable sintetizador ARP 2600.

“Mode Par Défaut”  toma su nombre de un término neurocientífico en inglés “default mode network.” Esta “red de modo predeterminado” se cree que está más activa cuando el cerebro está en un estado de reposo, como cuando se está ensoñando, o cuando un individuo está contemplando a los demás, a sí mismo, al pasado o al futuro, también se asocia con el desempeño de tareas externas. Es en este espacio de juego donde se concibió, Mode Par Défaut: seis ejemplos de lustroso electro, ambient y downtempo que emanan de una hábil combinación de máquina mental en juego.

“Mode Par Défaut” nos guía a través de un circuito bucólico de música generada por computadora: un tributo romántico pero anguloso a Kraftwerkian con el tema "Roam", los arreglos de cuerdas de Jerry Goldsmith  acompañado por la percusión Buchla de Maria Teriaeva en el tema que da título al disco o la inspiración extraída de indicaciones tales como el prefijo matemático y el tamaño de un archivo de sesión sobrecargado en el tema "Tera", que son los tres temas que escucharemos en nuestro programa de esta semana.

KALYPTRA

Terminamos nuestra primera hora de programa, preparándonos ya para nuestra Atmósfera Expansiva, con Kalyptra y el tema que da título a su EP "Crystal Forest", con una melodía de vibráfono translúcido respaldada por un bajo limpio y nítido que lleva la canción a través de un desglose con variaciones virtuosas.

 

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Oh No Noh - Mrmhjl- Distant Sediments

Julien Demoulin - Dissolving In Silence - Everything Forgotten, Everything Remembered

Dullmea & Ricardo Pinto - Nem Fogo, Nem Vento, Nem Sopro – Orduak

Mad Disc -  Material Remix: Toru Kasai - Material Compositions

Mad Disc - Material Remix: Ryoko Ono - Material Compositions

Movietone -  Hydra - Peel Sessions 1994-1997

Mannheimer Schlagwerk - Russian Dolls - The Numbers Are Dancing

TüLay German & François Rabbath - Leylim Ley - TüLay German & FrançOis Rabbath

Pierre Rousseau - Mode Par Défaut (With Maria Teriaeva) - Mode Par Défaut

Pierre Rousseau - Roam - Mode Par Défaut

Pierre Rousseau - Tera - Mode Par Défaut

Kalyptra – Crystal Forest - Crystal Forest EP

 

ATMÓSFERA   EXPANSIVA

 

Gavio - Frivolous_Gathering - Between You Me

Marzian & Black Flamingo Disco Driver- Arp Battery - Arp Battery

Marzian & Black Flamingo Disco Driver – Arp Battery (Freudenthal Remix) – Arp Battery

Hanisii – Klondike 12.21 -  Klondike

Andrem - Ascension (Rigopolar_Remix) - Recopilatorio Back No Back Vol 2

Alda - Night_Wolf - Recopilatorio Back No Back Vol 2

Anton Berezin – Doomsday March - Sewer Blues

Aurel & Nijim – The Waiting (Aurel-Trance-Mix) - The Waiting

Bionic Waves – Cleave - Cleave

Kimse - Supreme - Moonraker EP

 

Atmósfera    3.feb.2022 15:57    

O Yuki Conjugate, Jessica Moss

    miércoles 26.ene.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

JPG ATM 30 ENE

UMAN

Comenzamos nuestra Atmósfera con “Calor Humano”, así se titula el álbum debut de UMAN, el dúo francés de los hermanos Danielle y Didier Jean, que resurge por primera vez desde su lanzamiento original en 1992. Mientras que la historia, tanto pública como privada, está salpicada de relaciones creativas entre hermanos que simplemente “ no funcionó”, la historia de UMAN es singularmente diferente y está definida por este vínculo y un viaje compartido que deja huellas a lo largo de un terreno musical aventurero.

Antes de “Chaleur Humaine”, Danielle y Didier grabaron dos álbumes de canciones pop que los inspiró a escapar de las expectativas de la industria musical francesa y construir su propio estudio en Orsay, un suburbio al sur de París.

“Chaleur Humaine” fue un modus operandi para su nueva perspectiva y espacio: libertad para desarrollar ideas de forma independiente; polinizar géneros cruzados y abandonarlos por completo; improvisar y experimentar en nuevas configuraciones musicales.

O YUKI CONJUGATE

El grupo británico post-industrial/ambiental O Yuki Conjugate llegaba en agosto de 2021 al sello Aguirre con una edición en vinilo de su anterior CD, Equator, lanzado en 1995.

Cuatro años después de su elogiado “Peyote”, el grupo se dividió y se reformó en su fase Mk II con los dos miembros originales Roger Horberry y Andrew Hulme, junto con Malcolm McGeorge, Dan Mudford y Pete Woodhead (quien más tarde pasó a formar Sons Of Silence en el sello Leaf).

Haciendo uso de la tecnología emergente de principios de los 90, Equator fue uno de los primeros álbumes que se mezcló con equipos digitales, entretejiendo una combinación de grabaciones de estudio, en vivo y en exteriores para crear sus propios paisajes sonoros envolventes y profundamente inmersivos.

Escuchamos esta noche dos temas de esta nueva edición de “Equator”

Las atmósferas inquietantes de “Equator” de O Yuki Conugate, se desarrollan bajo una amplia gama de percusión étnica y líneas de bajo profundas y meditativas, que existen en una sección representativa única del misterio del cuarto mundo inspirado en Hassell, paisajes industriales y las ricas proyecciones del Medio Oriente iniciadas por Muslimgauze.

“Equator” es un trabajo profundamente hipnótico que une los puntos entre la escena industrial de finales de los 80 y las salas chill out ahumadas de los 90, ahora revisada, y ampliada en vinilo que presenta 30 minutos adicionales de material, junto con nuevas y gloriosas obras de arte del artista y actor Frederick Schimmelschmidt.

RECOPILATORIO MAGNUM OPUS COLLECTIO SERIES-NIGREDO

Las tres fases del proceso alquímico como transmutación espiritual MAGNUM OPUS COLLECTIO SERIES es un conjunto de tres volúmenes, cada uno inspirado en las diferentes fases del proceso alquímico, que trabaja con la materia prima para crear la piedra filosofal .

Las tres fases del proceso alquímico se han utilizado en la tradición hermética para describir la transmutación personal y espiritual, así como un medio en el arte y la literatura. Estas tres fases también han sido entendidas por Carl Gustav Jung como modelo del proceso de individuación, un proceso psíquico irrepetible, que lleva a cada individuo a acercarse a su yo con el yo. En otras palabras, el proceso de individuación es una integración y unificación progresiva de todas las sombras y complejos que forman la personalidad dentro de uno mismo.

Estamos ahora ante el recopilatorio “Magnum Opus Collectio Series: Nigredo” escuchando dos de sus aportaciones, la de Ken Karter y la de Zen Lu. 

En el esquema arquetípico junguiano, NIGREDO es la Sombra; ALBEDO se refiere a ánima y animus; y RUBEDO es el arquetipo del Yo que ha llegado a la plenitud.

El proyecto “Magnum Opus Collectio Series: Nigredo”, ha sido posible a artistas de Italia, Alemania, Dinamarca, China, Irán, España, Grecia, Chipre o Polonia, aunque la mayoría residen en Berlín y gravitan de alguna manera alrededor o cerca del sello Undogmatisch

JESSICA MOSS

Abrimos el tercer álbum en solitario de la compositora y violinista Jessica Moss “Phosphenes”

Un fosfeno es “el fenómeno de ver la luz sin que la luz entre en el ojo”. El título del desgarrador y resolutivo nuevo álbum de Jessica Moss no podía estar mejor elegido.

A través de sus tres discos de posclasicismo como solista, su violín acústico, amplificado y desplazado electrónicamente, es la materia prima para composiciones profundamente expresivas, palpablemente embrujadas y totalmente comprometidas.

“Phosphenes” inscribe halos fugaces de luz fantasmal y sin duda es la música más abiertamente inquisitiva, lúgubre e inexorable que Moss ha hecho hasta la fecha. Las piezas de Phosphenes navegan exquisitamente por la consonancia y la disonancia, construyendo pacientemente, desde notas individuales hasta múltiples voces, pilas armónicas y grupos, creando así composiciones  que se canalizan como el agua que se mueve lentamente en una cueva oscura, encontrando pequeños remolinos y captando destellos de luminiscencia desde su interior.

Escuchamos el tema "Let Down", marcado por un cavernoso arco y un pizzicato caídos en una octava, proporcionando un sustrato de inflexión gótica sobre el cual se despliegan inquietantes invocaciones vocales sin palabras y giros acumulativos de melodía de violín.

INGAR ZACH /MICHELE RABBIA

Michele Rabbia es percusionista y baterista, nacido en Turín en el '65. En 1989 se fue a los Estados Unidos donde tuvo la oportunidad de asistir a clases con Joe Hunt y Alan Dawson. De regreso en Italia, se mudó a Roma y comenzó su carrera tocando, grabando y colaborando con una larga lista de artistas como Stefano Battaglia, Marilyn Crispell, Dominique Pifarely, Andy Sheppard, Eivind Aarset, Daniele Roccato, Louis Sclavis, Paul McCandless, Paolo Fresu, Masa Kamaguchi, Antonello Salis, Maria Pia De Vito, Marc Ducret.

Ingar Zach (n.) es un percusionista y compositor nacido en 1971 en Oslo, Noruega. Lo verdaderamente destacable de Ingar Zach con sus instrumentos es la información gestual tan personal y específica. Al igual que la mayoría de los percusionistas modernos, muchos de sus gestos no son solo para golpear —hay  que frotar, soplar, rodar, reverenciar, raspar— y los gestos no solo son multiplicidad corporal, sino que son tecnológicamente variados: los dispositivos mecánicos, los motores eléctricos y las fuentes digitales crean capas: la piel del tambor se convierte en un conducto sonoro promiscuo de una especie de museo para las diversas tecnologías de la humanidad. Actualmente Ingar Zach trabaja con sus bandas regulares como; HUNTSVILLE (con Ivar Grydeland y Tonny Kluften), DANS LES ARBRES con Christian Wallumrød o LABFIELD (con David Stackenäs)

Sofa Music y Full Rhizome-Sonoro han publicado el nuevo álbum, el segundo, de Ingar Zach y Michele Rabbia, “Musique pour deux corps”.

Los dos percusionistas presentan un disco lleno de invención, investigación y desarrollo de una nueva percusión-música, utilizando un material ilimitado e inagotable que sólo la percusión puede ofrecer. Las pieles se utilizan como superficies para hacer resonar diferentes metales, maderas y objetos, y la electrónica se introduce para evidenciar algunas de las infinitas capas que pueden revelarse detrás del sonido natural. Los dos instrumentistas comparten la misma configuración instrumental. Con sus gestos proponen una danza de sensibilidad sonora y visual.

INAUD1BL3

Nos alegra volver a traer a Atmósfera a Inaud1bl3, alias del austriaco Christian Haudej que vive y trabaja en Berlín desde 2000.

Escucharemos esta noche dos piezas de “Qian “, que supone su sexto lanzamiento en 2 años y que consta de 13 pistas en las que combina influencias del pop contemporáneo, el drum and bass, el breakcoreish , ritmos hiphop y dubstepp, obras orquestales sinfónicas del romanticismo y guitarra glamrock setentera con rap alemán y voces en inglés.

"Lo pasé muy bien y disfruté mucho las etapas finales de producción, especialmente las grabaciones vocales, incluso si cuatro semanas antes de la fecha límite de producción no tenía idea de ninguna melodía o letra que se tendría que usar más tarde. También hice mi estudio aún más grande y más experimental e hice más grabaciones de estudio analógicas esta vez. Cuenta Christian.

ALFRED ADLER & REISA

Alfredo Cabrerizo aka Alfred Adler aka JKBX regresa a Sonidos Distintos 7 años después del lanzamiento de More & More y lo hace con un track profundo y de pulsación lenta, cocinado junto con Reisa.

Vamos a escuchar este TRBL para terminar nuestra primera hora de Atmósfera en su versión original y en una de sus dos remezclas. Comenzamos con el track original de Alfred que abre este EP y después escucharemos la remezcla de Ludowick que ejecuta el primer remix con maestría, subiendo los bpms, convirtiendo su versión de TRBL en una bomba progresiva para la pista de baile, sin perder un ápice de elegancia.

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Uman - Uman Spirit - Chaleur Humaine

O Yuki Conjugate -   Roseland – Equator

O Yuki Conjugate -  Sunchemical – Equator

Ken Karter – Dev 4 D 04 -  Recopilatorio Magnum Opus Collectio Series-Nigredo

Zen Lu - Landscape In The Mist - Recopilatorio Magnum Opus Collectio Series-Nigredo

Jessica Moss -  Let Down – Phosphenes

Ingar Zach /Michele Rabbia -  Proprioception - Musique Pour Deux Corps

Inaud1bl3 -  Flower Rain- Qian

Inaud1bl3 -  Aber Auch Zeit - Qian

Alfred Adler Reisa – Trbl (Alfred Mix)

Alfred Adler Reisa -Trbl (Ludowick Remix)

 

ATMÓSFERA  CONTINUA

 

 

AKD - Alliance of Love - Progressing...

Androcell - Dub Gardens - Entheomythic

E.R.S. - Kunga Karunga - Digital Rituals

Green Beats - Everythings Move - Mira

M-Sphere - Funky People Transport - Floating

Somaton - Future Memories - Future Memories

TERRA NINE – Truth - Breathe ²

zerO One – Retr0 - sOnar.

Memphidos - There Is a War Inside Me - Antiology EP

M.O. - The Mind – This Is

 

Atmósfera   26.ene.2022 11:50    

Jason Sharp, Geoastra, Recopilatorio Luminance

    jueves 20.ene.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

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BROECKAERT BERWECK LORENZ

Abrimos esta noche nuestra Atmósfera con la composición “Stries”de Bernard Parmegiani, una obra en tres partes basada en las cintas de su obra Violostries para violín y cinta de 1963.

La parte correspondiente a la cinta se deriva completamente de grabaciones de violín que Parmegiani altera magistralmente para crear una pieza musical extremadamente densa y puntillista en algunos momentos.

Escuchamos esta noche un extracto del tercer movimiento, en el que los tres sintetizadores tocan solos en un escenario de trío con la cinta como un cuarto intérprete invisible pero muy poderoso.

La pieza comienza con golpes de nueve segundos de duración, profundos y poderosos, y de hecho casi fatídico, proveniente de la cinta en la que el trío de sintetizadores tocan muy juntos. La cinta evoluciona lentamente hacia un frenesí contundente que casi ahoga los sintetizadores.

La tercera y más larga parte, finalmente, comienza con un glisando bajando desde las frecuencias más altas y abriendo lentamente el espectro para evolucionar hacia una pieza de cinta inmersiva con los sintetizadores tocando sonidos electrónicos altamente reconocibles con una apariencia distinta. Un último trazo señala el principio del fin, con la cinta y los sintetizadores desapareciendo lentamente.

JASON SHARP

El saxofonista y compositor electroacústico de Montreal Jason Sharp presentaba a finales del verano de 2021 su tercer álbum en el sello Constellation, titulado “The Turning Center Of A Still World” ,  el primer disco que tiene a Sharp puramente como solista de Sharp y su trabajo más lúcido, conmovedor e integral hasta la fecha, del que escucharemos hoy dos temas.

Después de dos magníficos álbumes, cada uno compuesto en torno a colaboradores e invitados particulares, Sharp concibió este tercero como una interacción estrictamente limitada por su propio cuerpo, su instrumento acústico y su sistema electrónico personalizado en constante evolución.

Seguimos con la escucha de “The Turning Center Of A Still World” de Jason Sharp,  una singular exploración sonora de calibración, interacción, expresión y biorretroalimentación humano/máquina.

Usando saxofones, pedales de bajo controlados y su propio pulso, conectado a través de un monitor cardíaco enrutado a rutas de señal variadas que activan sintetizadores modulares y samplers, Sharp pinta “The Turning Center Of A Still World” con ondas orgánicas de síntesis brillante, ruido rosa y digitalización. Trazos melódicos y formas armónicas ondulan y se elevan a través de mares en constante cambio, a través de un ciclo inclemente desde el amanecer hasta el anochecer. El latido del corazón de Sharp siempre está en el centro de las seis composiciones del disco, aunque solo ocasionalmente emerge como un pulso o ritmo claramente reconocible.

GEOASTRA

Geoastra es el proyecto de música electrónica de Juan Lucio, DJ, productor musical e ingeniero de sonido radicado en Santiago de Chile. Ha trabajado con varios sellos bajo diferentes alias como 'J. David' (Nachtstrom Schallplatten, Brickwork, Road Trip Recordings), 'Geometric89' con su hermano Christian Lucio (G89 Records, K-84 Records, Rehue) y 'Beyond Humans' también con su hermano (Alss, Utch, Virescence, Force Inc. ./ Mille Plateaux y No Way Records).

En 2015 Juan y su hermano Chris fundaron juntos G89 Records, un sello creado como una plataforma de música electrónica innovadora y disruptiva dirigida a las generaciones futuras

Esta noche conocemos su disco “Age of Robots”, un disco que fue creado con la intención de brindar al oyente una experiencia de sonido envolvente, así que recomendamos que lo escuchéis con unos buenos auriculares.

Continuamos con la escucha de “Age of Robots” de Geoastra.

En un mundo donde los humanos ya no prosperan a causa de su terquedad, las máquinas autónomas inteligentes se reconstruyen hacia una nueva era. 'Age of Robots 01' nació como un experimento de capas de audio que pasan a través de una matriz de mezcla "8D" diseñada por Geoastra con la ayuda de herramientas de audio digital utilizadas habitualmente en videojuegos y Realidad Virtual.

Algunas de las composiciones del disco, fueron grabadas en vivo, sin seguir un compás específico, utilizando muestras cortadas de material inédito desde 2012.

RDEČA RAKETA

Hacía bastante tiempo que no visitaban nuestra Atmósfera Rdeča Raketa, el dúo de música electrónica de Maja Osojnik y Matija Schellander.

Su nuevo proyecto “...And Cannot Reach The Silence”, trata sobre el mundo actual de los malentendidos, comunicándose entre sí, pasando por alto o ignorando de forma voluntaria o involuntaria los significados de los demás a través de varias formas y plataformas de comunicación aceleradas.

Este disco explora diversas formas de violencia; física y verbal, externa y autoinfligida; diferentes formas de poder; la peligrosa línea delgada entre otorgar poder y otorgar poder sobre uno mismo, y las formas de subyugación y adicción tanto a nivel social como, más significativamente, a nivel interpersonal.

Rdeča Raketa combina sonidos electrónicos abstractos con ritmos pesados, inspirados en la música acusmática e industrial, así como en el hip hop. El entretejido ingenioso del lenguaje hablado y cantado (basado en los textos de Osojnik) se fusiona con el material sonoro del collage. Sintetizadores modulares y samples recortados mezclados con reproductores de CD manipulados y grabaciones de instrumentos acústicos y grabaciones de campo, junto con un elaborado procesamiento de sonido, finalmente crean esa mezcla tan personal que es “...And Cannot Reach The Silence”.  

SISSEL VERA PETTERSEN & RANDI PONTOPPIDAN

Sissel Vera Pettersen es directora artística de Trondheim Voices y ha colaborado con artistas como Chick Corea, Trondheim Jazz Orchestra, Marilyn Mazur, Jon Balke, Lionel Loueke, John Hollenbeck, Theo Bleckmann, Marc Ducret y Terje Isungset.

Randi Pontoppidan ha realizado giras por todo el mundo con Theatre of Voices y ha colaborado con artistas como Greg Cohen, Joélle Léandre, Thomas Buckner, Simon Toldam, Jamaladeen Tacuma e IKI.

Los dos artistas son improvisadores vocales de vanguardia que trabajan en un amplio campo de la improvisación libre, el jazz y la música contemporánea. A través de la exploración de la voz como instrumento, la combinación de electrónica en vivo y técnicas vocales extendidas, crean un mundo de paisajes sonoros fascinantes. El núcleo de su música es siempre el pulso orgánico y natural del cuerpo que respira, en combinación con el procesamiento electrónico en vivo.

En su tercer trabajo “Inner Lift”, el dúo presenta al oyente el sonido de dos voces en una habitación. A veces las voces se escuchan separadas y solas, a capella y en acústico, sin adornos. Por lo general, se escucha a los dos juntos, acompañados de sutiles tratamientos electrónicos o efectos instrumentales de sonido ritual extraídos de una cítara 'preparada' . En su escucha, “Inner Lift” es una sola pieza, que revela un mundo imaginativo rico y variado para los dos cantantes, que vagan por todas partes, explorando la amplitud y la profundidad de lo que puede hacer una caja de voz humana.

STÈPHANE GARIN

Abrimos ahora la experiencia de Stèphane Garin, “PARC)S(“, un trabajo que es a la vez un disco y un paseo sonoro geolocalizado encargado por accès)s( > acces-s.org.

Escuchamos un tema más de “PARC)S(“. El artista sonoro Stéphane Garin ha creado grabaciones de campo en la ciudad de Pau, al suroeste de Francia, en sus plazas, calles comerciales, orillas del río Gave y sus rincones más secretos. Esas grabaciones de campo han sido posteriormente tratadas/modificadas por Myriam Pruvot, Rainier Lericolais, Thomas Meadowcroft y Stephan Mathieu. Con todo el material recopilado, Stéphane Garin ha compuesto 10 piezas originales que ofrecen una mirada sensible y contemporánea sobre la ciudad y su paisaje natural.

ZANE TROW

El trabajo de Zane Trow rastrea una historia de casi 40 años desde las exploraciones en las primeras escenas teatrales del Reino Unido hasta las comunidades electrónicas australianas de la década de 2000.

Durante este tiempo, sus publicaciones han sido esporádicas, algunos incluso podrían decir que moderada, pero cada trabajo que ha hecho público captura un sentido esencial de ambiente, textura y evolución a través de la evaporación.

Estamos esta noche antes “Why Echos”, un trabajo que continúa igualmente esta interacción con la aparición, la reaparición y la erosión. Es un disco que celebra la fluidez del tiempo que es eco, retraso y decadencia. Traza los contornos del sonido, elevándolo a su punto máximo y cayendo en valles de armonía reverberante.

TOM  LÖNNQVIST 

Tom Lönnqvist es un artista sonoro que trabaja con la composición, improvisación, instalación y performance y ha formado parte de varias piezas de éxito de danza contemporánea y artes escénicas.

“Noir” es una exploración en la noche, creado durante la época de Kaamos (la noche polar) en Helsinki. Podría decirse que es un diseño sonoro para una pieza performativa que no existe.

Los tonos de Noir se crean a partir de un impulso que siente el sonido corporal. Se crean a partir de un sistema modular cerrado a modo de modulación estéreo.  Estos tonos son el resultado de cuatro años de construir el sistema y 13 años trabajando como DJ y presentando un programa de radio ambiental.

RECOPILATORIO LUMINANCE

Y terminamos nuestra primera hora de programa con el recopilatorio del sello Luminance que da la bienvenida a 8 nuevos artistas con contribuciones que abarcan desde el Ambient, el Nocturnal Jazz, el Krautrock y el Dub Techno.

Abre el lanzamiento este tema que escuchamos ya, 'Lately' de Michele di Martino con la voz de Athena donde los patrones de piano y las palabras habladas fluctúan a través de un zumbido en constante evolución, creando tensión constantemente.

En una ruta más profunda, el recopilatorio de Luminance, da la bienvenida al propietario del sello Random Numbers, BXP, que contribuye con esta pieza que escuchamos ya de techno dub que induce a la meditación y la calma a través de sonidos Roland 606 filtrados en cinta sin procesar, grabaciones de campo y pads etéreos.

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

Broeckaert Berweck Lorenz - Stries (3) - Stries

Jason Sharp - Everything Is Waiting For You - The Turning Centre Of A Still World

Jason Sharp - Velocity Of Being - The Turning Centre Of A Still World

Geoastra – Orovrpn - Age Of Robots

Geoastra – Xoraniwb - Age Of Robots

Rdeča Raketa - Waiting It Out - ...And Cannot Reach The Silence

Sissel Vera Pettersen & Randi Pontoppidan - Swimmingly - Inner Lift

Stèphane Garin - Parc(S)_#4 - Parc)S(

Stèphane Garin - Parc(S)_#1 - Parc)S(

Zane Trow - The Numbers Station - Why Echoes

Tom  Lönnqvist  -  I  - Noir

Michele Di Martino & Athena - Lately - Recopilatorio Luminance

Bxp - Ossa - Recopilatorio Luminance

 

ATMÓSFERA  CONTINUA

 

Bruno Sanfilippo – Mantram - Subliminal Pulse

Makyo – Orion - Mystic Fire

Robert Rich – Pollen - Medicine Box

Solar Fields - Fiat Lux – RED

Chronos - Broken Song - When Mars Meets Venus

Cabeiri – Humanize - The Chill Spectrum

Lamb - Butterfly Effect – 5

Flooting Grooves - Galactic Glitch – Antimony

PsiloCybian - A thing about inconsequent Reverberation - Unfold Oneself into Endlessness

The Amygdala - Binary Symphony - Ear-ly Vibes

Atmósfera   20.ene.2022 16:01    

MARK CAIN, NATALIE BERIDZE

    jueves 13.ene.2022    por Atmósfera    0 Comentarios

JpG ATM 16 ENE

MARK CAIN

Recuperamos la normalidad en este segundo fin de semana del nuevo año 2022.

Tendremos un programa lleno de novedades y sonidos inmersivos que nos harán flotar en nuestra Atmósfera

Iniciamos el año en Atmósfera de una manera formal con Mark Cain y su “Cameos” que supone el decimoquinto lanzamiento del selloParenthèses Records.

El compositor, educador y fabricante de instrumentos Mark Cainpresenta una colección de 18 piezas breves y enigmáticas que el australiano ha escrito y / o improvisado en el estudio de su casa en Fremantle, Australia Occidental.

Algunas piezas fueron creadas para la obra de teatro de títeres, Turtle and the Trade Winds y Oddysea con su colega músico, Jamie David. Otras fueron ideadas para el evento de la serie Cinematic Scores para el que compuso la banda sonora en vivo que acompaña al documental etnográfico estadounidense de 1922, Nanook of the North.

Encontramos también en este “Cameos” piezas grabadas recientemente por Mark Cain que encuentran su hogar ahora en este trabajo, con el que Cain traza sus intereses en la música tradicional, las instrumentaciones étnicas y la improvisación y choca con su amor por los instrumentos de viento y percusión de varios rincones del mundo, incluidos los instrumentos que él mismo ha fabricado.

MATT CHRISTENSEN

El líder de Zelienople, Matt Christensen, regresa a Miasmah con Constant Green, un disco de canciones reverberantes inspiradas en el country que pone el peso en algún lugar entre Johnny Cash y Slowdive.

Matt ha hecho un disco muy personal que llega inmediatamente, lleno de hermosos momentos dispersos que capturan la sensación de que el tiempo se detiene mientras simultáneamente parpadea frente a tus ojos.

MÁRI MÁKÓ

El álbum debut de Mári Mákó, “Oudemian”, fusiona texturas instrumentales y vocales introspectivas con electrónica en vivo. Es un viaje sonoro para encontrar la fuerza interior a través de la crisis, para superar la angustia existencial y el renacimiento.

El título es la combinación de dos palabras: "Ouroboros" y "Demian". Ouroboros es un símbolo antiguo de una serpiente que se muerde la cola y representa el círculo de la vida, y la novela Demian de Hesse muestra a un niño que lucha por encontrar su nuevo conocimiento de sí mismo y su lugar en un mundo inmoral, pero, además, da la casualidad de que Oudemian también tiene un significado real en griego antiguo: "ninguno".

“Ouroboros” es un álbum de música electrónica experimental que contrasta sintetizadores oscuros, drones, glich y ritmos con orquestaciones orgánicas de instrumentos acústicos y el poder emotivo de la voz humana. El disco está hecho con el instrumento electrónico programado y diseñado por él mismo llamado Schmitt, que trabaja con procesos de sonido caóticos influenciados por acelerómetros y sensores de luz.

POTER RICKS

El techno no es un género que haya dado lugar a muchos álbumes consistentes, y el subgénero dub techno aún menos, pero un clásico indiscutible es el debut de Porter Ricks, “Biokinetics”.

Publicado originalmente en el legendario sub-sello de Basic Channel, Chain Reaction en 1996,Biokinetics fue el primero de los lanzamientos de álbumes del sello, y sigue siendo su mayor logro.

Porter Ricks son Thomas Köner y Andy Mellwig. Juntos reformularon el sonido techno, imbuyendo el ambiente espacioso del que fueron pioneros los jefes de las discográficas Mark Ernestus y Moritz Von Oswald con una inclinación experimental helada y aislada, y combinándolo con el tipo de minimalismo obsesionado de los primeros Plastikman.

ANTONELLA PORCELLUZZI & MICHAEL SCHAFFER

Antonella Porcelluzzi es una poeta italiana de cine y música. El alemán Michael Schaffer, vive como pintor, músico y poeta en las montañas de pizarra renana poniendo gran énfasis en la música ambiental y experimental y la escritura de ensayos filosóficos y esotéricos.

“The Bardo Thödol”, que significa Liberación por Escuchar en los Estados Intermedios o Libro Tibetano de los Muertos, es un texto que describe los estados de conciencia y percepción que ocurren durante el período desde la muerte hasta el renacimiento.

Se supone que el estudio de su vida o la recitación del capítulo principal por parte de un lama durante la agonía o después de la muerte ayudan a liberar el ciclo de reencarnaciones, o al menos a obtener una mejor reencarnación.

PLEASURE

Pleasure es un proyecto musical con sede en Sydney que utiliza sintetizadores distorsionados, ritmos de batería irregulares y estructuras de canciones fluidas para crear piezas enérgicas e hipnóticas de líneas brillantes y abrasivas.

El trio Pleasure está compuesto por Adam Connelly (sintetizadores + voz), Jonathan Boulet (bajo + pedales de efectos) y Hugh Deacon (batería).

Su LP debut, Saint Albans, que abrimos esta noche, fue concebido y grabado en una pequeña casa de campo en la ciudad de Saint Albans, Nueva Gales del Sur, durante 3 días, del 12 al 14 de octubre de 2019. Este edificio se incendió en los incendios forestales australianos de 2019.  “Salimos de esta sesión con cerca de 20 horas de material que editamos en piezas consumibles”, cuentan Pleasure

ROBERT SCOTT THOMPSON

Seguimos con los sonidos planeadores y orquestales ahora, con el californiano Robert Scott Thompson.

Robert Scott Thompson es compositor de música instrumental (música de cámara y orquestal) y electroacústica (música y video de computadora y performance art) y Director del Centro de Artes de Grabación de Audio (CARA) de la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Georgia en Atlanta. También dirige el sello Aucourant Records.

El término alquimista musical es el que mejor describe mejor a este compositor de música moderna que combinando su dominio de los géneros electroacústico, instrumental contemporáneo y de vanguardia obtiene un todo cohesivo y arremolinado.

Escuchamos un tema de su disco “Telemetry (Remixed)”, una mezcla completa del álbum original, inspirado en la música electrónica de los años 70 y 80, con nuevas versiones.

NACHO ROMÁN

Desde 2012, Nacho Román se ha centrado en el ámbito de la electrónica experimental y el ambient. Recordamos su propuesta interactiva entre la música y la pintura, un proyecto en vivo que llevaba por título “The Synesthesic Project​. ​ The Music “del año 2012.

Después llegaron After All (2013), primer EP firmado con su nombre, y The gift (2014), minimalista y luminoso, Sick System (2015), La frecuencia plástica (2016), Infinito (2017) y Alouette (2019) que completa la bilogía abierta con The Gift, moviendo su paleta sonora hacia armonías más íntimas.

Esta noche escuchamos el tema que da título a su último trabajo “Gris Tierra”, publicado en el sello El Muelle Records.

Dice Nacho: “El 2020 ha cambiado de manera urgente e imprevista muchas de nuestras perspectivas que creíamos instaladas en nuestro interior de manera permanente.

El acercamiento a territorios, paisajes o lugares físicos y mentales que siempre estuvieron ahí, al lado, pero que de tan cercanos pasaron siempre desapercibidos, en el mejor de los casos, cuando no directamente obviados o desechados. Un retorno primero obligado y después buscado.

NATALIE BERIDZE

La compositora Natalie Beridze es una de nuestras artistas residentes que actualmente vive y trabaja en su ciudad natal Tbilisi, Georgia.

En 2002, se mudó a Colonia, Alemania, y hasta 2008 produjo allí música bajo el alias de TBA. Desde 2003, Natalie ha estado realizando conciertos en vivo en todo el mundo. En Georgia, es conocida como una pionera de la música electrónica.

Además de sus proyectos en solitario, ha colaborado con artistas como Thomas Brinkmann, AGF (Antye Greie), Ryuichi Sakamoto, Joerg Follert, Marcus Schmickler, Nika Machaidze alias Nikakoi, Gacha Bakradze, Alex Kordzaia y el colectivo de productoras Monika Werkstatt.

Actualmente Natalie enseña composición y producción musical en la escuela CES (Escuela de Educación Creativa) con sede en Tbilisi.

Abrimos esta noche su “Mapping Debris” escuchando tres de sus temas.

“Mapping Debris” es el noveno álbum en solitario de Natalie Beridze, centrado en capítulos enterrados de su propia historia laboral. “Busqué material, amontonado en mis viejos discos duros; - varios restos de sonido, grabados y producidos en el pasado. Los reciclé más allá del reconocimiento y los mezclé en nuevas muestras para componer este álbum”, cuenta Natalie.

Mapping Debris es un término que se utiliza durante la investigación de un accidente aéreo. La agencia especial recolecta millones de pequeñas piezas infinitas de metal roto y cableado del lugar del accidente. Más tarde, intentan reconstruir el fuselaje original del avión a partir de escombros ensamblados, para recrear su historia y revelar la razón que condujo a la catástrofe. Mapping Debris es una manifestación de desmaterialización en el dominio físico y el tiempo: una muda de piel que se convierte en polvo, objetos en descomposición, corrosión, atrofia, podredumbre, sinsentido y olvido fáctico, que refleja el escalofriante miedo a perecer, a perder la integridad, la memoria de los eventos, imágenes, olores.

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Mark Cain - 05 Gaidarski – Cameos

Matt Christensen - It's Hard Not To Love Everyone - Constant Green

Mári Mákó - Homecoming – Oudemian

Poter Ricks - Nautical Dub – Biokinetics

Antonella Porcelluzzi & Michael Schaffer - Fear - The Secret Circle

Antonella Porcelluzzi & Michael Schaffer - Repeat It Many Times - The Secret Circle

Pleasure – Misty - Saint Albans

Robert Scott Thompson -  Oceans (Dark Matter) - Telemetry (Remixed)

Nacho Román - Gris Tierra -  Gris Tierra

Natalie Beridze - Mapping Debris Iii (West Thumb) - Mapping Debris

Natalie Beridze - Be Airborn - Mapping Debris

Natalie Beridze - Interlaced Cosmic Trash - Mapping Debris

 

ATMÓSFERA  CONTINUA

 

Seven24 & Soty - The Striving For Happiness - The Striving For Happiness

Simiriam - You Are There (Liquied Mix) - The Lost, The Last

Kyoto - Sunrise – Skywolf

Tim Lovenlee - Mo Bounce - Confessions Of A Selector (Remastered)

Akasha Experience - The Chain - The Chain.Mp3 - Acceso Directo

Miktek - Dear Universe - Chillout Nights

A-Kara And Mant - Stars Over Steppe

Dj Zen – Mindscare

Forest Swords - Anneka's Battle – Engravings

Ed Starink - Evil North - The Synthfony Album

 

 

Atmósfera   13.ene.2022 12:11    

Abraham Fogg, Daniele Sciolla, Froz

    miércoles 15.dic.2021    por Atmósfera    0 Comentarios

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ALBERTO LUCENDO 

Alberto Lucendo es un artista multidisciplinar afincado en Berlín, que comenzó su carrera artística componiendo bandas sonoras para diferentes tipos de películas. Una de esas partituras es Wonderful Losers que abre nuestra Atmósfera de hoy, una banda sonora para el documental homónimo, que ganó varios premios, incluyendo a la mejor música.

Para disfrutar de este trabajo de Alberto Lucendo no es necesario 'ver la película, porque la música tiene su propio efecto fascinante. Las pistas ambientales frágiles y flotantes, levitan y despliegan su impacto dependiendo de cómo escuches los sonidos: a volumen bajo o muy alto. Dependerá de ti como quieras crear tu propia banda sonora, a partir de tu imaginación.

MARTA FORSBERG

Nos dejamos fascinar ahora por Marta Forsberg y su “Tkać”, palabra que significa "tejer" en polaco.

En este álbum, la compositora y música sueco-polaca, ofrece dos composiciones que capturan su habilidad única para transmitir visiones de luz en paisajes sonoros resplandecientes.

Hemos elegido para esta noche el tema “LED AND LOVE SOUNDS”, una grabación en vivo de una pieza basada en sonidos de violín congelados y procesados, creada en 2015 y supone la primera pieza de luz y sonido de Forsberg. Los drones de este track cambian lentamente, proporcionando repeticiones mínimas que nunca permanecen igual. Se escuchan ruidos de cuerpos en movimiento, tratando de estar quietos, tal vez quedándose dormidos y después se escucha cómo dejan caer algo al suelo.

ABRAHAM FOGG

En noviembre nos ha llegado el EP del dúo Abraham Fogg “Metamorphosis”.

Abraham Fogg es el dúo formado por Grégoire Vaillant y Charles-Edouard Dangelser que colaboran en este proyecto desde Nantes hasta Los Ángeles.

“Metamorphosis” es un proyecto que se complementa con un corto de terror con el mismo título. El corto se estructura en dos partes: "Nacimiento" y "Muerte" y están basados en la vida y trabajo del artista francés Olivier de Sagazan.

Sonido impecable con la presencia de un chelo y un piano que le dan a este “Metamorphosis” un toque muy personal con una gran profundidad.

R U D A 

Desde la región de Murcia nos llega este proyecto: R u d a, la unión de Pablo Jordán y Selu Herraiz aka Lilith.

Escuchamos su debut homónimo, mezclado por 'Sound of Ruins' y masterizado en el estudio El Miradoor.

 

LAURIN HUBER

Dog Mountain es el segundo lanzamiento del productor y compositor con sede en Zúrich Laurin Huber para Hallow Ground.

Ya conocimos e Atmósfera su anterior trabajo Juncture con el que el cofundador de Edipo Re trabajaba principalmente con sintetizadores y ritmos programados. Ahora, en esta nueva entrega titulada “Dog Mountain”, sus cuatro pistas son mucho más restringidas y se basan en bucles de cinta y retroalimentación, grabaciones de guitarra acústica y sintetizadores como el Korg MS-10, así como grabaciones de campo.

Trabajando con elementos de lenta evolución y modulación que están expuestos a ligeros cambios, Dog Mountain pone el foco en la interacción entre pequeños elementos que juntos forman un todo más grande que está marcado por una constante evolución y cambio.

 

DARKSONICTALES

DarkSonicTales es el proyecto de Rolf Gisler y su álbum homónimo es el primero también para Hallow Ground.

Después de que el sello le concediera una residencia artística en una casa de campo de 300 años en la campiña suiza en otoño de 2019, el músico y artista sonoro residente en Lucerna exploró el peculiar entorno sonoro del edificio y sus alrededores mediante el uso de grabaciones de campo, sintetizadores modulares, guitarra, bajo, kalimbas, una sierra musical e instrumentos de construcción propia.

Las siete pistas, que se terminaron a finales de 2019 y la primavera de 2020, son tanto una reacción al escenario del que surgieron como una reflexión y expresión del estado mental de Gisler en estos días de soledad.

 

DANIELE SCIOLLA

Danielle Sciolla es un científico del sonido y la percepción, que se mueve entre sintetizadores digitales y analógicos y una actitud pop distintiva. Aficionado a la experimentación extrema, aplica sus conocimientos matemáticos y de música clásica a la producción electrónica, logrando así un estilo personal basado en melodías y polirritmos

Abrimos esta noche su“Spin Of Synth”. SPIN actúa aquí como la propiedad intrínseca que lleva las partículas elementales, en este caso aplicadas a las máquinas analógicas.

Destacamos las innumerables variaciones de timbre que se producen entre las distintas máquinas analógicas, como respuesta a los mismos estímulos. Además, el tiempo se extiende más allá de nuestros límites estándar, para crear un mosaico de sonidos fractales, obtenidos variando la presión de las secuencias musicales.

 

FROZ

Dedicamos ahora un tiempo en Atmósfera a Francesco Fusaro, nombre real de Froz, un DJ residente de NTS Radio, productor musical y musicólogo con sede en el norte de Italia. Ç

Traemos esta noche dos de sus últimos trabajos. Comenzamos con dos temas de su “NC Sessions Vol.1” que alberga 7 pistas que se produjeron principalmente en un solo dispositivo, el groovebox Circuit de Novation. “Como la mayoría de la gente, me encuentro frente a una pantalla cuando trabajo, cuando interactúo con la gente, compro cosas, veo una serie o leo, y por supuesto cuando produzco música”, explica Francesco. “Solo necesitaba probar un nuevo flujo de trabajo y ver a dónde me llevaría”.

Escucharemos también un tema del EP “Procrastinator” de Froz, un lanzamiento con 4 pistas producido únicamente en su portátil.

 

MARC SARRAZY & LAURENT ROCHELLE

Tras el lanzamiento en 2020 del asombroso “Qui c'est va un peu” (5 orquestaciones diferentes de una misma canción, cantada en 5 idiomas), el dúo Marc SARRAZY / Laurent ROCHELLE nos sorprendían de nuevo con “Cyclotimic Songs” un trabajo que consiste en dar vida a una especie de Frankenstein musical, utilizando piezas ya grabadas como dúo acústico (piano - clarinete bajo o saxofón soprano), piezas de sus discos “Chansons pour oreille gauche e Intranquillité”, y utilizándolas como materia prima. Después de múltiples disecciones sonoras, los fragmentos musicales se ensamblan, reorganizan y recomponen con nuevos ingredientes musicales para crear partituras originales con invitados y voces. Así, la nueva música cobra vida, muy alejada del material original.

Importantes invitados en este trabajo entre los que se encuentran el escritor Antoine VOLODINE y el rapero estadounidense Mike LADD.

 

HOTEL KALI

Hotel Kali no es un lugar, es una historia; una historia contada colectivamente por cuatro personas que, en primer lugar, estaban en el lugar correcto en el momento exacto y luego lograron trascender tanto el espacio como el tiempo a través de su música.

El álbum debut homónimo de la banda germano-india no fue diseñado en un tablero de dibujo, cobró vida en sesiones improvisadas espontáneas, impulsadas por el deseo de integrar cuatro voces distintas en una narrativa.

Hotel Kali es una entidad viva que respira, que teóricamente retoma muchas tradiciones musicales diferentes, pero en la práctica las desafía a todas. Inglés y bengalí, ritmos motorik e intrincadas líneas de guitarra, sentimientos pop y exploración, se unen, bailan entre sí y, en el transcurso de siete canciones, encuentran un terreno común en algún lugar entre el rock cósmico, la música de baile experimental y las publicaciones aventureras.

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Alberto Lucendo - DancingPlanets - Wonderful Losers

Alberto Lucendo  - Daniele - Wonderful Losers

Marta Forsberg - Led And LoveSounds (Excerpt) – Trac

Abraham Fogg - Medicine Brothers– Metamorphosis

R U D A  -  Malas Energías – Ruda

Laurin Huber - A Town Is Not A Town - Dog Mountain

Darksonictales - Darksonictales -  Sonic Darkness

DanieleSciolla  - Cs - Spin Of Synth

Froz - SessionNine (Lofts) - NcSessions Vol.1

Froz - SessionFive (Basements) - NcSessions Vol.1

Froz - Poly–Procrastinator

Marc Sarrazy & Laurent Rochelle - Fantomastic - CyclotimicSongs

Hotel Kali - Fake Horse (Golden DiskoShip Cover)

Hotel Kali - Viola Rave - Hotel Kali

Atmósfera   15.dic.2021 11:50    

Simona Zamboli, Xordox, Sky Burial

    miércoles 8.dic.2021    por Atmósfera    0 Comentarios

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TAKUMA WATANABE

Esta noche invernal, preámbulo de las semanas navideñas, vamos a dar a nuestra Atmósfera un espacio vaporoso, pero intenso a la vez. Y en esta línea tan dual se encuentra el japonés que hoy abre nuestra Atmósfera: Takuma Watanabe.

Watanabe estudió composición y tecnología musical en 1997 en el Berklee College of Music y actualmente reside en Japón. En 2007 se unió a la gira mundial de David Sylvian detrás de los sintetizadores y ordenadores y realizó 28 conciertos en 18 países. En 2008 fundó un conjunto de cuerdas con tecnología informática con el que ha estado actuando en directo dentro del campo de la música contemporánea y los drones. En 2010 inició su carrera como compositor cinematográfico.

Esta noche nos adentramos en su primer larga duración “Last Afternoon” del que escucharemos dos piezas. Esta es “Tactile”, la que abre este delicioso trabajo.

Continuamos con el primer larga duración del japonés Takuma Watanabe y la pieza que le da título “Last Afternoon” con las colaboraciones de la vocalista y compositora estadounidense Joan La Barbara conocida por sus trabajos grabados con John Cage, Morton Feldman o Robert Ashley y el compositor y desarrollador de software Akira Rabelais conocido por sus colaboraciones con Björk y David Sylvian

La experimentación está en el corazón de la música cinematográfica de Takuma utilizando procesos a través de un software que retroalimenta una interacción de imágenes y sonido en sus composiciones.

Para estas dos piezas que estamos escuchando esta noche, Watanabe también creó una animación, creando un contrapunto visual imaginario único para la música. Ah, y un apunte más, el álbum está masterizado por Jim O'Rourke.

DAN POWELL

Dan Powell es un artista sonoro que utiliza grabaciones de campo, electrónica hecha a mano y percusión afinada. El foco principal de su trabajo es explorar lugares que tienen una resonancia personal particular. Ha participado activamente en la improvisación electroacústica en Londres y Brighton, especialmente con Gus Garside en The Static Memories y Chris Parfitt en Nil. Actualmente actúa como parte de Muster con James O’Sullivan.

Old Chapel Farm es una aventura de vida, una comunidad que tiene como objetivo acercar a las personas a los fundamentos de la existencia humana: la creación de alimentos y el refugio. Es un puente que avanza hacia una forma de ser más nueva y más sostenible en un mundo densamente poblado y que cambia rápidamente.

Dan Powell y su familia han estado visitando este lugar cada año desde 2011. En 2017, Powel decidió crear una pieza sobre Old Chapel Farm como parte de su serie que se centra en la experiencia personal de un espacio. En su viaje de 2018, su hija Bea y él recolectaron objetos que encontraban alrededor del  lugar y los reunieron en una choza de balas de paja suspendida sobre un arroyo en un valle boscoso que los dueños de la granja pusieron a su disposición para que los usaran. Grabaron pequeñas actuaciones con ellos, cepillándolos, raspándolos y frotándolos para producir una amplia gama de sonidos íntimos. También hicieron grabaciones de campo, incluido el uso de un piano que había estado expuesto a los elementos durante algún tiempo.

De vuelta en el estudio en Brighton, Dan Powell arregló los sonidos grabados en un nuevo trabajo. “Quería intentar comunicar algo del misterio y la revelación que he experimentado en mis visitas, y las conexiones que siento con la tierra y las personas que encuentro cuando visito la granja.

SIMONA ZAMBOLI

Simona Zamboli nació en Albano Laziale, en la región italiana de Lazio. Es ingeniera de sonido de postproducción y música con sede en Milán. Sus trabajos en solitario emplean una combinación de síntesis analógica y procesamiento digital a través de música hecha por computadora, reproduciéndose libremente en patrones repetitivos, pero libres, caóticos, ruidosos e interrumpidos.

Nos deleitamos esta noche con “Ethernity”, el primer álbum de Simona Zamboli para el sello Mille Plateaux un trabajo inquietante que vibra, pulsa y atraviesa el mundo de lo concreto y el caos al mismo tiempo. El álbum es un viaje a través de la trans-realidad, no solo como un drama melancólico, sino también como un viaje a mundos extraterrestres, sentido como una necesidad de una intervención electrónica.

 

XORDOX

A lo largo de su vasta carrera, el compositor australiano residente en Nueva York, JG Thirlwell ha adoptado muchos alias para infiltrarse y posteriormente subvertir una amplia gama de formas culturales pop.

Su trabajo bajo el alias de Fetus ha abarcado desde la big band hasta la ópera y el noise-rock. Steroid Maximus abrazó lo exótico y el mundo de las bandas sonoras, mientras que su proyecto Manorexia continuó su búsqueda hacia los límites exteriores de la composición contemporánea y la música concreta.

Esta noche nos adentramos en su alias de Xordox escuchando tres temas de su disco “Omniverse”, que  supone su segundo lanzamiento bajo el alias de Xordox. 

Xordox es un proyecto basado en los sintetizadores, y en este evocador álbum vemos que el proyecto se ramifica en muchas nuevas vías. El elemento de ciencia ficción roza el crimen negro, e incluso se desvía hacia áreas que podrían encajar bien en el género de la banda sonora de los videojuegos. Con una actitud audaz y un arsenal de máquinas, Thirlwell ofrece una selección de emocionantes cápsulas mentales de un futuro retro.

Omniverse de Xordox es un trabajo en el que las secuencias tensas y las líneas de teclado teñidas de negro invocan una poderosa imagen visual de películas y memoria, de pantallas y altavoces, de sonido y espacio, todo entrando en el cosmos y la subsiguiente carrera galáctica. Omniverse es un viaje de banda sonora sintetizada, uno que abraza formas pasadas mientras las remodela para lo nuevo y desconocido. Omniverse es un emocionante viaje líquido a través del miedo y la esperanza, y como todo lo mejor de la producción de Thirlwell, es simplemente un viaje increíblemente agradable.

SKY BURIAL

A Sky Burial no hace falta presentarlo, todos los Atmósferos sabéis de sobra de sus andanzas, pero para los que no lo recordéis apuntaremos que Sky Burial es el alias Michael Page creado en 2006 e inspirado por artistas kosmische, electrónicos e industriales de finales de los 70 y principios de los 80. Las grabaciones de Sky Burial a menudo citan temas esotéricos, literarios, metafísicos y mitológicos. Michael ha lanzado más de 60 grabaciones desde 2014 bajo varios nombres y ha colaborado en lanzamientos con Nik Turner (Hawkwind), Jarboe (ex-Swans) o Anni Hogan (Marc Almond).

Sky Burial compuso “Stations of the Sun” en la primavera de 2020 después de regresar de viajes por Europa, Medio Oriente y África del Norte. Las cinco pistas que componen este trabajo forman una banda sonora ritual de un viaje que se convirtió en un peregrinaje inadvertido para ver la salida y la puesta de sol desde sitios antiguos de importancia histórica.

 

GANGES

Terminamos nuestra primera hora de programa con sonidos un poco alejados de la experimental, pero con un halo de sonido épico, luminoso y naif que nos gusta mucho en Atmósfera.

Hace unos 5 años que oímos por primera vez hablar de Ganges, un grupo que comenzó siendo un cuarteto y que hoy en día es el proyecto en solitario de la cántabra Teresa Gutiérrez.

Cerramos nuestra primera parte de Atmósfera con uno de los singles de su tercer disco “Dime algo (bonito)”, el tema "Ojalá fuéramos amigos"

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Takuma Watanabe - Tactile - Last Afternoon

Takuma Watanabe - Last Afternoon - Last Afternoon

Dan Powell -  Emerging From The Valley Into A Rainshower - Four Walks At Old Chapel

Simona Zamboli - Dream But Be Careful – Ethernity

Simona Zamboli  - Take Me Somewhere – Ethernity

Xordox  - Croydon- Omniverse

Xordox - Dark Matte R- Omniverse

Xordox - Rivet – Omniverse

Sky Burial - Stations Of The Sun 2 - Stations Of The Sun

Sky Burial - Stations Of The Sun 3 - Stations Of The Sun 

Ganges - Ojalá Fuéramos Amigos - Dime Algo (bonito)

Atmósfera    8.dic.2021 11:50    

Papiro, Ô Lake, Random Orchestra

    miércoles 1.dic.2021    por Atmósfera    0 Comentarios

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PAPIRO

Iniciamos nuestra Atmósfera con el enfoque personal que Papiro le da a sus composiciones.

Marco Papiro es un músico, compositor y diseñador gráfico suizo-italiano. Enseña en la Schule für Gestaltung de Basilea y es conocido por sus carteles y portadas de álbumes para artistas de la talla de Sun Araw, Sonic Boom, oso pando u Oren Ambarchi.

Desde mediados de los noventa, Papiro ha lanzado un puñado de álbumes notables, cada uno cuidadosamente elaborado y aparentemente autónomo, pero todos comparten un lenguaje musical inconfundible y una cierta aura escapista.

La finestra dentata (La ventana dentada), que exploramos esta noche, no es una excepción. Incluye grabaciones de estudio y de conciertos de 2016 a 2020.

Los sonidos de este álbum parecen infinitos, ingeniosos y llenos de maravillas para retratar criaturas y entornos imaginarios, un disco que muestra unas cuidadas sinfonías en espiral, diseñadas específicamente como experiencias de escucha profunda inmersiva para salas de conciertos, pero que al final se decidió editar en un álbum para poder ser consumidas domésticamente.

SOPHIE FETOKAKI

Outside the Lines es un recopilatorio anual del Reino Unido, quecondensa a compositores, instrumentistas y artistas sonorossituados en ese borroso borde de la música clásica.

El volumen 4 presenta a Samuel Sharp, Sasha Scott, Yorgo Stenos, Spindle Ensemble, Lottie Sadd y Sophie Fetokaki, artista esta última de la que estamos escuchando ya su aportación.

Este volumen 4 termina con esta pieza de Sophie Fetokaki, una evocadora reinvención del "Bist Du Bei Mir" de JS Bach. Fetokaki encuentra una tranquilidad folclórica que recuerda a Josephine Foster en la composición de Bach: voces impecables, electrónica nebulosa y un acompañamiento instrumental escaso, se unen para revelar un mundo sonoro tranquilo que resalta la naturaleza delicada de la escritura melódica de Bach.

QUIET NOISE

Quiet Noise es el alias del productor Adam Wilkinson, con sede en Gales Occidental.

Wilkinson trabaja con una colección de sonidos encontrados, manipulados electrónicamente e instrumentos personalizados, con los que consigue una mágica tensión entre texturas espaciosas y cuidadosas.

El objetivo de Quiet Noise es presentar la búsqueda de la paz en nuestra compleja experiencia como una belleza fracturada.

Su álbum debut “For Your Head” apareció en 2011, le siguió “Audible Life” en 2015. En abril de 2016 llegó su tercero, “Music | Edificio | Música”. Después decidió darse un tiempo, y durante una pausa de 4 años produciendo música para cantantes y cineastas, Quiet Noise regresaba en mayo de 2021 con su cuarto álbum “Story Machine” del que esta noche vamos a escuchar dos temas.

“Story Machine” de Quiet Noise, es un trabajo que establece un resultado expansivo de un contexto de limitación y bloqueo pandémico. En lugar de una sensación de confinamiento, “Story Machine” nos da una sensación de aventura, de escapar a una realidad alternativa melódica.

Cuenta Adam: “Atrapado en casa, sentado con mi esposa e hijos mientras ellos trabajaban desde casa, me propuse el desafío de crear piezas usando solo equipos que pudieran caber en mi espacio, en la mesa de la sala de estar. Motivado por mi juego me sorprendí gratamente de lo que pude lograr”

Ô LAKE

En junio de 2021 apareció “Gerry” la nueva creación de Ô Lake, un álbum inspirado libremente en la película homónima del director Gus Van Sant.

Las piezas de “Gerry” fueron compuestas como parte de la creación de un cine-concierto para el festival de cine «Travelling», podría considerarse, por tanto, como una banda sonora por derecho propio, entre la música ambiental y la neoclásica.

Cuenta Ô Lake que la película ofrece inmensas posibilidades musicales, por la longitud de sus planos y su casi ausencia de diálogos. Escuchamos el tema Death Valley

 

De cómo compuso esta “banda sonora” y del tema “Desert”, habla así Ô Lake:

Al componer las piezas de este cine-concierto, tuve en cuenta el enfoque artístico de Gus Van Sant. Incluso me inspiré en él, especialmente para las canciones «Desert» y «Lost» que acompañan a dos secuencias emblemáticas de la película. Estas dos piezas atmosféricas se estiran, evolucionan lentamente y se transforman (como en la famosa toma del amanecer en el desierto) hasta llegar a una especie de clímax. La repetición de patrones melódicos y rítmicos y la adición progresiva del instrumentarium se hacen eco del enfoque fílmico de Gus Van Sant. Pero no se trataba de encerrarse en una música demasiado figurativa. Quería que mi música tuviera su propio papel que desempeñar, por lo que no solo juega un papel de soporte de imagen, sino que también da pistas reales.

COL.LECTIU CAMÍ FONDO

Y atención!!!! este colectivo tiene una determinada posología que cursa así:

Cuando alguien se somete por primera vez al Col.lectiu Camí Fondo los sentidos quedan a la espera, No se asuste, si tras una sesión de relajantes latigazos sensoriales se siente desorientado o incluso con mayor ubicación que al comienzo de la sesión. Eso es la Poesía Electrónica Visual. Hacer del poema un sentimiento, del sonido una emoción y de la imagen una ilusión.

Escuchamos un tema de su disco “A Propósito De Debrah Wycliffe”, una adaptación de poemas extraídos de "Falsa antología completa de los poetas incendiarios"

El Nuevo Incendiarismo, fugaz movimiento de agitación cultural que se originó en torno al Edificio Moneda (México DF 2002-2008) y una tienda de animales en la calle Tacuba, abarca varias disciplinas artísticas, aunque destaca especialmente en su producción poética. Supuestamente una serie de desavenencias sobre las derivas artísticas del movimiento, y los vínculos del Nuevo Incendiarismo con asociaciones criminales aceleraron su abrupta finalización, que terminó oficialmente con el incendio de buena parte del Edificio Moneda en abril de 2008. Entre sus miembros destaca especialmente Debrah Wycliffe. Poetisa de fuerte personalidad determinante en él. Debrah, a la que se acusa de ser la  instigadora del fin del movimiento, apareció brutalmente decapitada en una escombrera a orillas de uno de los senderos bajo el puente Stillwell en Coney Island.

El Col.lectiu Camí Fondo tuvo conocimiento de ese mundo extremadamente rocambolesco, extraño y poético y decidieron sumergirse en él para generar un proyecto de música visual que diera nueva voz a la poesía de Debrah Wycliffe.

MURCOF

Murcof, el proyecto principal del productor Fernando Corona, regresaba a finales de mayo a The Leaf Label por primera vez en trece años con el gigantesco y visionario doble álbum, The Alias ​​Sessions.

Nos adentramos en este álbum a finales de septiembre y quedaba pendiente volver a él.

Murcof surgió por primera vez durante un período apasionante de la música electrónica, operando a la vanguardia. El álbum debut Martes apareció en Leaf en 2002, cuando las posibilidades alternativas habilitadas por el avance de la tecnología apenas comenzaban a enfocarse. Combinando ritmos crudos (minimal techno, microhouse y glitch que estaban entrando en su apogeo) con un muestreo cuidadosamente estratificado extraído en parte de la música clásica moderna, Martes fue convincente en su momento, pero también miró hacia el futuro.

13 años después, “The Alias Sessions” reúne todos los elementos que Corona ha ido incorporando al proyecto hasta la fecha - diseño de sonido meticuloso, samples fantasmales, ritmos contundentes, atmósfera diáfana - pero lleva el sonido aún más lejos en términos de abstracción y belleza. Se trata de música electrónica de exquisita tensión y extasiada liberación, pasando de detalles apenas audibles a picos explosivos.

RANDOM ORCHESTRA

Random Orchestra es la visión audiovisual del artista multimedia Xaver Hirsch y el productor musical Oliver Gehrmann, que une la música electrónica atmosférica con una visualización sofisticada.

Influenciados por artistas como Apparat, Tokimonsta y Alva Noto, encuentran su hogar en el crepúsculo que dobla el género del hip-hop abstracto, el ambient, la música electrónica y la rareza visual orgánica. Se centran en un vínculo estrecho entre visualizaciones en vivo a través de grabaciones del microscopio, representaciones en 3D y codificación creativa, y música caracterizada por sintetizadores ensoñadores, ritmos orgánicos multicapa y grabaciones de campo.

Traemos esta noche a Atmósfera su álbum debut “Membrane”, en el que el dúo audiovisual explora la delgada línea entre la naturalidad y la artificialidad. El examen de los límites de ambos conceptos y la búsqueda de una puerta de enlace entre ellos se reflejan en las ocho canciones eclécticas de Membrane, que abarcan una amplia gama dentro del espectro de la música electrónica, procesando ambientes distópicos, arpegios hipnóticos, melodías melancólicas y samples de batería flotante.

ODIN KABAN

Odin Kaban es un veterano músico, compositor y productor multiestilo de música electrónica e instrumental, conocido por todos los Atmósferos, hemos seguido su carrera desde los inicios.

Estamos ante el duodécimo disco publicado por Odin Kaban que contiene cinco temas de música electrónica creados entre 2013 y 2019, pero que tienen una esencia en común, tanto estética como técnica.

Escuchando esta noche un par de temas de “Maniac Dreams” de Odin Kaban, que el mismo define como "música de algún modo “maniaca” que se aproxima a estilos como el electro o el braindance. Todos los temas fueron creados a través de largas improvisaciones, capa por capa, dejando que lo ocurrido en la primera, inspirase a la segunda, estas dos juntas a la siguiente y así sucesivamente.

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Papiro - La Finestra Dentata - La Finestra Dentata

Papiro -  Il Grande Anatroccolo  - La Finestra Dentata

Sophie Fetokaki - Bist Du Bei Mir - V.A. Outside The Lines Vol. 4

Quiet Noise - Children'sToys - Story Machine

Quiet Noise - ClimbingTrees - Story Machine

Ô Lake - Death Valley – Gerry

Ô Lake - Desert – Gerry

Col.Lectiu Camí Fondo - Sera Cuchillo O Buena Suerte - A Proposito De DebrahWycliffe

Murcof - DividingSpace - The Alias Sessions

RandomOrchestra - Membrane - 01 Inhale

OdinKaban - ManiacLifes - ManiacDreams

OdinKaban - ManiacDreams - ManiacDreams

Atmósfera    1.dic.2021 11:50    

Matthias Grübel, An Moku &Stefan Schmidt

    miércoles 24.nov.2021    por Atmósfera    0 Comentarios

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SICKER MAN

Iniciamos nuestra Atmósfera con Tobias Vethake, artista inquieto que comenzó a componer y arreglar música para cine y televisión durante sus estudios en la Universidad de Música, Drama y Medios de Hannover.

Desde 2005 también ha estado componiendo música para teatro, artes escénicas, instalaciones y obras de radio, además de lanzar álbumes bajo sus propios proyectos musicales como el dúo de jazz electrónico Mini Pops Junior en su sello blankrecords y promover  también una plataforma para artistas nuevos, aún no establecidos, como el colectivo de sonido experimental Bohemian Drips.

Su proyecto en solitario Sicker Man es el punto focal de su creación artística, donde transfiere sus visiones musicales a la realidad, combinando la composición clásica con paisajes sonoros. Su instrumento es el violonchelo eléctrico.

Abrimos hoy “Dialog” un disco en el que Vethake colabora con diferentes artistas con quienes establece “diálogos”, es decir puntos de encuentro donde se fusionan los sonidos, notas y ruidos de cada artista. 

En concreto, en el “Dialog with Ángela Muñoz Martínez”, que escuchamos esta noche, las texturas electrónicas van acompañadas de una rítmica constante, junto con las cuerdas zigzagueantes. 

BENGALFUEL

La dualidad de lo que Joe LiTrenta y Miki Kizh han creado con “Auriemma” se revela en cada una de sus escuchas.

“Auriemma” está indudablemente influenciada por el fallecimiento de 2 hermanos cercanos a los artistas. Rob y Aidan murieron en accidentes separados unas semanas el uno del otro. Así que el resultado es una grabación sombría y embrujada, pero de alguna manera conserva algo de optimismo en cada una de sus extensas pistas.

Los acordes aparecen en el aire y luego se expanden por lo que parece una eternidad. Los colchones de sintetizador están construidos en un tapiz de ruido reluciente, aunque con un hermoso sonido de drone, mientras que unas notas cavernosas distantes sombrean el fondo luminoso

MATTHIAS GRÜBEL

No nos importa reconocer que Matthias Grübel nos ha hechizado y nos ha sido imposible elegir sólo un tema de su impecable “Futuro”. Vamos a escuchar tres cortes.

El músico y productor berlinés Matthias Grübel trabaja como compositor de bandas sonoras para producciones teatrales. A lo largo de los años, el sonido de sus proyectos en solitario se ha transformado en una mezcla conmovedora y ambiciosa de música electrónica contemporánea por un lado y las texturas más experimentales arraigadas en su trabajo de música escénica por el otro, siempre con un fuerte enfoque en la 'escucha'.

En abril de 2021 Matthias Grübel lanzó su EP “Futuro2, un EP de electrónica flexible y emoción humana. Una colección rítmica y dinámica que se contrapone a un horizonte futurista que podría destrozar tu corazón. 

“Futuro” de Matthias Grübel, es un trabajo que ilustra la destreza y la comodidad de Matthias Grübel para navegar y explorar a través de los ejes del Techno, la IDM y el Elektro, al tiempo que devuelve su punto cero a la belleza y vulnerabilidad de la condición humana.

Con “Futuro”, Matthias Grüble ilustra su apertura para colaborar e innovar.

BENJAMIN FINGER

Con dos nuevas composiciones electrónicas llenas de paisajes sonoros de tierras lejanas, bucles vocales y toques de un piano solitario, Benjamin Finger nos lleva en un glorioso viaje meditativo. Este viaje, visto a través de los ojos de Benjamin, también aparece en un libro de fotografías de edición limitada, con una selección muy personal de fotografías tomadas entre 1997-2020. Es una colección de fotografías de varias exposiciones, cortometrajes, videos musicales, trabajos para televisión, documentales y viajes privados que el artista realizó a lo largo de estos años.

El 15 de enero de 2021, el noruego Benjamin Finger lanzó su álbum Exit du Départ, un álbum que hizo el número 15 de Benjamin, un disco que lleva al oyente a un sinuoso viaje que se mueve entre paletas diferentes, entre collages psicológicos, improvisaciones monótonas, miniaturas de piano, minimalismo clásico, pop desordenado y una música de baile distorsionada. Un cóctel de texturas emocional que resulta en un mundo borroso, brillante y psicodélico.

AN MOKU & STEFAN SCHMIDT

Abrimos esta noche el primer capítulo de la trilogía "Raum" de Dominik Grenzler alias An Moku y Stefan Schmidt. Paisajes sonoros ambientales elaborados muy delicadamente con bajo, violonchelo, electrónica y grabaciones de campo.

Para muchos músicos, el confinamiento de la primavera de 2020 supuso tener más tiempo para crear música, experimentar y tal vez incluso comenzar un proyecto completamente nuevo con alguien con quien nunca antes había trabajado.

Cuando Dominik Grenzler alias An Moku, artista sonoro y bajista afincado en Zúrich, se acercó a Stefan Schmidt (guitarrista, compositor e improvisador de Baden-Baden) con la idea de colaborar, saltó la chispa inicial para un proceso fructífero e intercambio artístico y en tan solo un par de semanas lograron crear un álbum vanguardista y armónico al mismo tiempo.

A pesar de su abstraccionismo, “Raum” tiene un sentimiento muy orgánico y contiene una riqueza de detalles y sonidos finamente procesados ​​de diferentes orígenes como el bajo, el violonchelo, las grabaciones de campo y una amplia gama de equipos electrónicos.

Según los dos músicos, el proceso de creación de las diez pistas de este “Raum”, fue fluido e intuitivo, sin apenas necesidad de discutir el concepto o los detalles, la comunicación tuvo lugar dentro de la música y los archivos intercambiados.

ALESSANDRO BARIS

En el programa del 25 de abril escuchamos a Alessandro Baris. Dijimos que volveríamos a él, y no se nos ha olvidado.

Esta noche lo recuperamos con este tema, “Embers” de su disco Sintesi que cuenta con la colaboración de Emma Nolde.

Y sí, nos gustó mucho el tema que pusimos ese 25 de abril y lo traemos de nuevo.

Este tema es “Last Letter to Jayne”, el primer single extraído de SINTESI, que ha supuesto el Ep debut en solitario del multiinstrumentista, compositor y productor de música electrónica italo-estadounidense residente en Bolonia, Alessandro Baris, y es el resultado de una colaboración a distancia con Lee Ranaldo, guitarrista y vocalista de la legendaria banda alternativa estadounidense Sonic Youth.

 

NORMAN WESTBERG & JACEK MAZURKIEWICZ

El disco “First Man in the Moon” une a dos espíritus afines en sus 5 evocadoras pistas: el ex guitarrista de Swans y habitual de Hallow Ground, Norman Westberg y al prolífico contrabajista Jacek Mazurkiewicz.

 La pareja encuentra puntos en común más allá de los límites del dron atmosférico, el jazz abstracto y la música experimental y difumina las líneas entre lo acústico y lo electrónico.

Los dos se conocieron cuando el compositor Mazurkiewicz apoyó a Swans con su proyecto en solitario 3FoNIA en su gira europea de 2014. Tomaron entonces, la decisión de colaborar y cuando el músico estadounidense regresó a Europa del Este para apoyar a Michael Gira en su gira en solitario a fines de 2019, Mazurkiewicz se acercó a él con la idea de reservar algo de tiempo en el estudio antes de los dos conciertos de Gira en Varsovia.

El titulo de este trabajo expresa a la perfección el sentimiento de ingravidez que prevalece en todo el disco, aunque, incluso en su forma más abstracta, estas cinco improvisaciones convertidas en composiciones siguen siendo tangibles y animadas.

FOODMAN

Foodman es Takahide Higuchi, de Nagoya, una ciudad entre Tokio y Osaka en el centro de Japón.

Como músico, la sensación de libertad que encontró en el Juke y el Footwork, a principios de la década de 2010, fue una influencia formativa en su música.

Takahide Higuchi ha producido para otros artistas y forma parte del dúo de psych-rock / trap,  “Kiseki” junto a Taigen Kawabe de Bo Ningen, quien también es invitado en el álbum que escuchamos esta noche “Yasuragi Land”.

Takahide Higuchi fue músico callejero en su adolescencia y se inspiró para este álbum al reunirse e improvisar, algo que no era posible mientras lo escribía. Extrapolar ese sonido y ese sentimiento con VST’s de guitarra, samples y percusión hiperrítmica es el núcleo de “Yasuragi Land”.

Como fácilmente podéis  adivinar por su apodo, Foodman y  por la portada del álbum, Foodman también es un gran fanático de la comida y su instagram está lleno de delicias culinarias y algunos títulos de las pistas del álbum están inspirados en comer en Michinoeki, las estaciones de servicio de las autopistas japonesas y los simples placeres de visitar regularmente el Sento local (baños públicos japoneses).

El tema que escuchamos esta noche “Hoshikuzu Tenboudai” rebota alrededor de los altavoces y se siente como una actualización polirrítmica inductora al trance de los minimalistas de Nueva York, programada más allá de las limitaciones humanas

 

NUESTROS PLAYLIST

Atmosfera r3

 

1ª HORA

 

Sicker Man - Dialog With Angela Munoz Martinez  - Dialog

Bengalfuel - Cynthia Everywhere – Auriemma

Matthias Grübel -  White Night [Feat. Mea Lux] - Futuro

Matthias Grübel - Beach Wolf – Futuro

Matthias Grübel - Waterfalls [Instrumental]

Benjamin Finger - Exit Du Dèpart - Exit Du Dèpart

An Moku & Stefan Schmidt - Bewegung - Raum

Alessandro Baris Feat. Emma Nolde - Embers – Sintesi

Alessandro Baris - Last Letter To Jayne (Feat. Lee Ranaldo)

Norman Westberg & Jacek Mazurkiewicz - First Man In The Moon - First Man In The Moon

Foodman - Hoshikuzu Tenboudai - Yasuragi Land

Atmósfera   24.nov.2021 11:42    

Elena Gómez

Bio Atmósfera

Elena Gómez dirige y presenta en Radio 3 Atmósfera, un programa que comenzóen febrero de 2002. La música electrónica-experimental es la que vertebra el programa, cimentado en una concepción futurista dentro de los campos de la música, el arte y la tecnología aplicada a la creatividad.
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