5 posts de septiembre 2008

Locura con aroma a calle

Hola de nuevo, amiguitos y amiguitas del cine chico. Hoy tenemos una novedad recién salida del horno digital, Camino a la locura, un largometraje cuyo punto de partida argumental coincide exactamente con su modelo de producción: una apartada casa de campo, un grupo de amigos, un fin de semana en el que todo puede pasar...

Todo comenzó hace un mes. Como siempre, con una idea, que en apenas unos días había crecido hasta alcanzar la categoría de guión. Escueto, sin diálogos, abierto a la improvisación de los actores… Perfecto para la película que el joven cineasta grancanario Ado Santana comenzaba a ver en su cabeza. En otros tiempos, probablemente, ahí se habría quedado sine die, proyectándose una y otra vez tras los párpados del joven director grancanario, creador único y espectador solitaro de una obra nonata. Afortunadamente, la revolución digital ha cambiado las reglas, y Camino a la locura es ya una realidad con fecha de estreno: el próximo mes de octubre en Multicines Telde (http://www.multicinestelde.com).

Decía Hegel –aquí cubro la cuota intelectual, para compensar alguna concesión escatológica unos párrafos más abajo- que nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión. La que Ado Santana siente por el cine es enorme: la transmite, la contagia… Por eso no dudaron en apuntarse a la aventura de su segundo largometraje muchos de sus amigos; todos ellos, nombres propios del nuevo cine digital en las Islas.

Se me quedarán algunos en el tintero, pero entre ellos estaban los intérpretes Maykol Hernández, Ángel Cabrera, Emma Álvarez León, Isabel Torres, Johanna Ramos y Luifer Rodríguez, éste último también co-guionista y director de actores. Y también, Daniel Mendoza, sonidista uruguayo con alma de rockero que firma la banda sonora junto a José Ignacio Vicente y Germán Betancor; o el productor Gerardo Carreras, un profesional con experiencia en superproducciones made in Hollywood que no tuvo problema en ponerse una cámara al hombro para formar parte de la experiencia.

La casa, por cierto, la puso Junior Melo, un personaje salido de alguna Historia del Savoy para enarbolar la bandera del cine chico desde sus múltiples facetas: cámara, distribuidor, productor, actor, attrezzista, encargado de catering ocasional… Es posible que, como dicen algunos, el cine canario no exista, que no sea nada. Pero, en esa nada, Junior ha hecho de todo.

Supongo que debería decir algo del argumento de Camino a la locura, pero aviso que debo ceñirme a lo que desvela la nota de prensa de la película. En parte, por una cuestión de ética amateur, pero, sobre todo, porque Ado Santana es, además de cineasta, experto en diversas artes marciales, y conoce entre treinta y cuarenta formas de despellejar a un blogger con el filtro de un cigarrillo. Así que, ahí va: “Bruno llega de madrugada a su vieja casa del campo y se sorprende cuando descubre que hay alguien dentro. En el interior está su hermano Edu, el rebelde de la familia, acompañado de un grupo de amigos. La discusión no se hace esperar en cuanto se encuentran. El lugar pertenece legalmente a Bruno, que lo heredó, y no quiere que nadie lo use sin su consentimiento. Edu consigue aplacarle y el propio Bruno termina disfrutando de la fiesta. Sin embargo, se trata solamente de la calma antes de la tempestad”.

Hasta ahí puedo leer. Eso sí, puedo añadir que, como en todo proyecto de la factoría AS Producciones –productora montada por Ado y el actor Gregorio Figueras, la mitad más filosóficamente cómica del dúo Piedra Pómez-, la realidad late con fuerza tras las ficciones entrecruzadas de Camino a la locura, una película rodada en el campo pero con aroma a calle, a basura acumulada en una esquina, a rueda quemada en carreras a ninguna parte, a farola oxidada en la que un perro orina regando sin saberlo una brizna de hierba que crece en el asfalto. Hay furia contenida, y hay rabia desbordada, y hay almas corrompidas, y hay ilusiones truncadas. Pero, también, horizontes en los que se vislumbra el destello esmeralda de la esperanza.


A sus veintipocos años, aún es un talento en formación, es cierto. Su estilo tiene que seguir evolucionando, pero ya existe, comienza a tomar forma paso a paso. Rodaje a rodaje. La vida es una mierda y después te mueres, vale, pero se lleva mejor si se vive rodando.


Un saludo, camaradas del cine chico, y un brindis por el éxito de Camino a la locura. Con Ron Telde, claro.

Turpin


¿sabes?, se murió Humberto Solás

Esta mañana recibía la triste noticia de que ayer se había muerto en Cuba HUMBERTO SOLÁS, el mayor agitador cultural latinoamericano del siglo XXI.
Escribiendo estas líneas todavía no me atrevo a creerlo.
Acabo de bucear en youtube como un loco para volverle a escucharle.
Necesito escucharle.
Todos deberíamos escuchar su discurso incansablemente.
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Se nos ha ido una grandísima persona, un gran conversador (¡cómo no!), unos de los más grandes cineastas de toda latinoamericana, el creador del Festival de Cine Pobre de Gibara, etc, etc, etc...

Se fue, pero nos regaló a todos un gran legado.
No sólo grandes películas como LUCIA o la primera producció hecha en la isla de Cuba en formato digital como MIEL PARA OSHUN; sino también el FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE POBRE DE GIBARA, a 800 kilómetros de La Habana.


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Después de haber conseguido devolverle al cine su "riqueza" con películas "pobres", tenía el sueño de crear una red de distribución alternativa por todo el mundo a través de una red de festivales de cine alternativos.
Ya había establecido los contactos con varios festivales y estaban dando frutos. Precisamente la última vez que le vimos fue en uno de ellos, en la Muestra de Cine y Cooperación Zure Vision, realizada por todo el País Vasco en febrero de este año, y donde se hacía una amplia muestra del Festival de Cine Pobre.
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Nos compete a todos nosotros y en especial al equipo que creó con él el Festival de Cine Pobre a seguir impulsando el espíritu y la labor de este gran cineasta y de esta mayor aún persona.


Una vez más, nos gustaría recordar que el MANIFIESTO DE CINE POBRE, fue una de las mayores fuentes de inspiración que impulsaron a la creación de la I edición del FESTIVALITO en el verano de 2002.


En esta semana el huracán Ike ha destrozado la ciudad de Gibara y se ha ido probablemente el cubano que la ha hecho más universal.
Es una semana triste, muy triste.

¡Larga vida a Gibara!
¡Larga vida al cine pobre!
¡Larga vida (donde estés) a HUMBERTO SOLÁS!


http://www.cubacine.cult.cu/cinepobre/espanol/manifiesto.htm
Aclaremos los malentendidos.

Cine Pobre no quiere decir cine carente de ideas o de calidad artística, sino que se refiere a un cine de restringida economía que se ejecuta, tanto en los países de menos desarrollo o periféricos, como en el seno de las sociedades rectoras a nivel económico-cultural, ya sea dentro de programas de producción oficiales, ya sea a través del cine independiente ohumberto-solas.jpg alternativo.

MANIFIESTO DEL CINE POBRE

1- El intento de globalización acentúa el abismo entre el Cine Pobre y un cine rico. Ello comporta, definitivamente, el peligro de la implantación de un modelo único de pensamiento, sacrificando a su paso la diversidad y la legitimidad del resto de las identidades nacionales y culturales.

2- Hoy día, es la revolución tecnológica en el cine, la portadora de eficaces medios de resistencia a este proyecto despersonalizador, al consolidarse progresivamente nuevas posibilidades técnicas, que como en el caso del video digital y su ulterior ampliación a 35 mm reducen notablemente los procesos económicos de la producción cinematográfica.

3- Ello repercute en una gradual democratización de la profesión, al desequilibrar el carácter elitista que ha caracterizado a este arte, vinculado inexorablemente a la industria.

4- Aprovechar y estimular esta reducción de costos de producción, significará, en un futuro inmediato, la inserción en la cinematografía de grupos sociales y de comunidades que nunca antes habían tenido acceso al ejercicio de la producción del cine, a la vez que dará perdurabilidad a las incipientes cinematografías nacionales.

5- Ello será el baluarte fundamental para escapar de un sentimiento de indefensión ante el vandalismo globalizador, y permitirá legitimar, de una vez y por todas, la polivalencia de estilos, legados y propósitos de un arte, que no será patrimonio de un solo país ni de una sola e impositiva concepción del mundo.

6- Para que esto ocurra eficazmente, habrá que derribar el muro del control de la distribución cinematográfica por un sólo grupo de mayores o transnacionales, que genera la alienación del público, al no tener acceso a la obra de sus autores nacionales.(…)

8- Una gradual desalienación del público solo será fecunda, si los diferentes gobiernos implantan acciones legales que apoyen la producción y la distribución de sus obras cinematográficas autóctonas.

HUMBERTO SOLÁS

Director del Festival Internacional de Cine Pobre de Cuba, Director de Cine


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El cine chico ganó en Venezia

Algunas de las propuestas más apetitosas del Festival de Cine de Venecia se han encontrado en sus secciones fuera de concurso, especialmente en la sección Horizontes.
Nuevamente, la cinefilia ha vuelto a encumbrar al cine filipino, esta vez de la mano de LAV DIAZ y de su película MELANCHOLIA, como el máximo exponente por donde transitan los nuevos horizontes cinematográficos

SECCIÓN HORIZONTES
Es la sección del Festival de Venecia dedicada a los nuevos lenguajes del cine. En ella se dio el máximo premio a MELANCHOLIA, del director filipino LAV DIAZ .
Con una duración de siete horas y media, cuentan las malas lenguas que su proyección fue sin duda la menos frecuentada de todo el festival, aunque por supuesto entusiasmó a la presidenta del Jurado, la cineasta belga Chantal Akerman.


Con este premio, destacaron "la experiencia de espacio y tiempo" que propone la película, en la que, efectivamente, el ritmo narrativo entra en una noción diferente y se expande hasta una forma de narrar que ha alcanzado prestigio internacional pero que resulta difícil de seguir.

El Jurado de la sección Horizontes lo presidió la actriz y directora Chantal Akerman (Francia) y entre sus miembros se encontraba el director español Jose Luis Guerín, que ya el año pasado presentó a concurso En la ciudad de Sylvia, su quinto largometraje,

En palabras de Lav Diaz:
"Quiero dedicárselo a mi país y a mi gente. Espero con este premio poder seguir mi camino en el cine"

Lav Diaz es hoy por hoy el máximo exponente, junto a Brillante Mendoza, Khav Dela Cruz, Aureas Solito y Raya Martin, de la explosión del cine filipino.
Nos queda pendiente un artículo sobre lo que está ocurriendo en Filipinas, pero lo vamos a dejar para cuando se celebra el Festival de Cine Digital de Filipinas, el .MOV, a finales de septiembre.

Una vez más, Lav Diaz cerró la programación de la sección Horizontes. El año pasado hizo lo mismo con la proyección de su largo de nueve horas DEATH IN THE LAND OF ENCANTOS (Kagadanan Sa Banwaan Ning Mga Engkanto), el cual se llevó una mención especial.
Nosotros tuvimos la oportunidad de ver esta película durante la última edición del Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, y hay que decir que es una obra sublime. Es más, entre la quinta hora y la sexta el placer es infinito (y no estamos locos al decir esto, de veras).
Ahora, claro está, nos morimos por ver esta nueva propuesta, que estamos seguros a más de uno le habrá dejado K.O.
No obstante, en esta ocasión los programadores del Festival han decidido hacer dos intermedios (como los de antes), cosa que no hicieron el año pasado.

MELANCHOLIA habla de gente que trata de sobrevivir a la tristeza y la maldad de este mundo.
En este mundo en el que todo parece que tiene que ir a toda prisa, Lav Diaz es uno de esos directores cuyas películas duran simplemente lo que duran, sin respetar ninguna etiqueta de duración comercial.

La única pena es que el “mercado” todavía no esté preparado para él, ni tan siquiera en el campo de la televisión.
Aunque yo creo que no es que no estén preparados, sino que lo que pasa es que no saben adaptarse a los nuevos cambios, a los nuevos cines y al nuevo milenio.

Lavrente Indico Diaz afirma sin tapujos que las nuevas tecnologías le han dado energía al cine filipino y que ha liberado el cine en general, dejando de ser un arte feudal. El resultado es entre otros, toda la hornada de directores que nos llegan desde Filipinas.


La Mención Especial del Jurado de la sección HORIZONTES fue para UN LAC, de Philipe Grandieux, que, con su impactante narrativa, "prolonga la tradición del poema visual".


Pero no podemos dejar VENECIA sin hablar del largometraje JAY, de Francis Xavier Pasion, por supuesto, también filipino.
En la foto lo vemos al centro y con algunos de sus actores:
Baron Geisler, Coco Martin y Flor Salanga.



En sus palabras:
“Jay está basado en mi trabajo como productor para un docu drama y mis entrevistas con reporteros y productores de diferentes cadenas. La estructura, sugerida por Armando Lao, es la mejor manera de ilustrar la forma de manipular la percepción de la audiencia. La edición y otros elementos surgieron de los elementos recurrentes de la verdad y nuestra forma de embellecerla, alterarla o explotarla. Quería que los actores fueran sinceros en el sentido de lo que decían y cómo lo decían. Usé técnicas de improvisación con ellos. Creo que esta forma de trabajo benefició a todos los actores y a la película, ya que actuaban y reaccionan en ese preciso momento.”


Otra de las películas que también han destacado son LOS HEREDEROS, del documentalista mexicano Eugenio Polgovsky sobre las responsabilidades laborales que los niños desempeñan en las zonas rurales.


El director filmó la película en sus viajes cámara en mano por las regiones más pobres del sur de México
Según sus propias palabras:
"Es un lenguaje muy orgánico, una manera de expresarme ligada a la fotografía y a mi fe en lo que puede decir una imagen y su sonido”.


SECCIÓN OFICIAL
El jurado de la sección oficial estuvo presidido por el director WIN WENDERS, el cuál ha destacado en los últimos años por producciones de cine digital independiente y cine chico como BUENA VISTA SOCIAL CLUB o TIERRA DE ABUNDANCIA.
En ellas defiende a muerte el uso de las nuevas tecnología y del trabajo con pocos medios para poder llevar a cabo ese tipo de producciones.
Wenders fue descubierto por la Mostra en 1972 con su opera prima El miedo del portero ante el penalti (Die Angst des Tormanns beim Elfmeter), y posteriormente ha regresado varias veces al Lido con sus películas, hasta el 2004, cuando Tierra de abundancia fue seleccionada en la competición.


El director DARREN ARONOFSKY se llevó el León de Oro a la Mejor Película por THE WRESTLER.
Me imagino que la gran mayoría lo recordaremos por su primera e impactante película PI (fe en el caos), una de las grandes joyas del cine chico, que nos dejó locos a todos en 1998.

Es gratificante comprobar cómo muchos directores empiezan haciendo cine chico y acaban haciendo películas con todos los medios a su alcance, y que así todo, no pierden su espíritu independiente.


En esta ocasión el director neoyorquino se alía con un magnífico Mickey Rourke al frente del reparto como un boxeador de wrestling (lucha libre), acabado que aún puede seguir luchando en cuadriláteros de tercera categoría.
Según Rourke, la película se centra en la cuestión que se hace "cualquier atleta: es el momento de irse: ¿adónde voy?".


Por otro lado, el director JONATHAN DEMME y la actriz Anne Hathaway y presentaron también en la sección oficial RACHEL GETTING MARRIED escrita por la hija del director de cine Sidney Lumet, Jenny, y centrada en los conflictos familiares y los fantasmas en la víspera de una boda.



Demme reconoció que ha querido que su película "fuera lo más Dogma posible", haciendo referencia a Dogma 95, y de hecho, el argumento recuerda al filme Celebración, del danés Thomas Vinterberg.
En sus propias palabras
"Decidimos adoptar un enfoque de documental, Incluso, los actores iniciaban las escenas sabiendo que el rodaje empezaría según fuera avanzando su actuación, evitando duplicar las tomas"


Fuera de concurso, la directora belga Agnès Varda ha convertido su vida en arte en LES PLAGES D'AGNÈS, un documental sobre su propia trayectoria vital.
En la rueda de prensa reconoció:
“Soy cineasta y no veo por qué no puedo usar el medio que amo para mí misma. No sólo he buscado una estructura de autorretrato en la película, sino también una crónica de mi tiempo".

Finalmente, y también fuera de concuros se pudo ver el trabajo que el Centre de Cultura Contemporania de Barcelona (CCCB) encargó hace un año a Jia Zhangke para su futura exposición En la ciudad china. Producido también por la compañia del propio director chino, Xstream Pictures, y por el centro Cité de l'Architecture du Patrimoine de París, HESHANG DE AIQING (CRY ME A RIVER) es la quinta parte de un filme colectivo orquestado por Zahngke y centrado en "cómo influyen en las personas los veloces cambios de las ciudades chinas".

Lo que no pudo ganar en Venecia

El director iraní ABBAS KIAROSTAMI, uno de los más arriesgados del momento presentó en el Festival de Cine de Venecia, al margen de la competición oficial SHIRIN, su último largometraje. Por eso no pudo ganar.
Bueno por eso, y porque tal vez la película es una propuesta conceptual bastante radical, pues se trata de primeros planos fijos en los que observamos las reacciones de más de 112 espectadoras iraníes, y una actriz invitada: Juliette Binoche, quien aparece enfundada en un velo apenas unos segundos.
Ellas contemplan sin pronunciar palabra alguna un espectáculo, el cual nunca vemos, pero que percibimos a través de la banda sonora y, principalmente, por las expresiones del auditorio femenino.

La película, basada en un cuento medieval iraní de más de ochocientos años, es un homenaje al cine y la sociedad iraní actual.
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En palabras de este gran maestro:
"Siempre me ha fascinado el público, incluso en un partido de fútbol. Sin ellos no hay espectáculo. Entran al cine juntos, pero ven la película por separado y cada uno de ellos tiene una visión diferente en su cabeza”

Bajo la declaración de amor a su profesión, existe también su tradicional captura de las complejidades de la sociedad iraní, esta vez centrándose sólo en la mujer, de la que refleja la represión emocional en algunos casos y la satisfacción de otras.

Son mujeres que, sentadas en las butacas de un cine y sin pronunciar palabra, explotan de emoción ante el contraste entre su radio de acción vital y las posibilidades infinitas que les muestra el séptimo arte.

La función que presencian se convierte en un espacio de liberación, un lugar para escapar de las prohibiciones y proyectar catárticamente sus profundas emociones.


La actriz Juliette Binoche pidió que no se utilizara su nombre con fines publicitarios y, de paso, suscitó la polémica por su decisión de lucir el velo en SHIRIN.
"A través de esta actuación, he querido compartir la experiencia de aquellas mujeres que lo llevan con convicción, así como solidarizarme con las que lo llevan por imposición”


La historia de SHIRIN es la de una princesa que, enamorada de un hombre que no es el reservado por su familia para su matrimonio, luchará que luchará por vivir su propio destino, asumiendo las trágicas consecuencias que ello significa.
"Es una historia melodramática y, por ello, nunca pasará de moda", aseguró el director, que consideró este proyecto como "el más cinematográfico" de su carrera, disfrutable incluso sin traducción, como sucedió involuntariamente en el pase de prensa del día anterior para desgracia de algunos periodistas.

Así, aunque la voz en off del filme que se proyecta dentro de la película lleva la narración, para él lo importante era la parte silente, la que le hizo sentir que, como director, "estaba asistiendo a momentos privados de esas mujeres como si fuera por el ojo de una cerradura", afirmó.

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SHIRIN es la continuación de una obra de teatro religioso que Kiarostami puso en escena en Roma en 2004 y que mezclaba con escenas de sus películas, y de un cortometraje que realizó en Chacun son cinèma (Cada uno en su cine), un filme colectivo a razón del 60° Festival de Cannes.


Algunos de los que que la han visto advierten que “el efecto es gratificante, pero la película se hace pesada y difícil, aunque se trata de una obra de explendorosa belleza”.

Entendemos que todavía algunos se hagan la eterna pregunta:
¿cuál es su valor?
¿merece el tiempo invertido en ello?

La respuesta no es otra que la que dijo el poeta: “si subo una montaña, no es simplemente para volver a bajarla”

Algunas de las películas imprescindibles para entender los movimientos digitales de este extraoridinario director son:
Tickets_2004
[Episodio del film colectivo; codirectores: Ermanno Olmi y Ken Loach]
Co-director: Babak Karimi. Producción: Carlo Cresto-Dina, Babak Karimi, Rebecca O’Brien y Domenico Procacci (Fandango / Medusa Produziones / Sixteen Films Ltd.) Guión: Abbas Kiarostami. Fotografía: Mahmoud Kalari (C). Diseño de producción: Shuna Frood. Dirección artística: Alessandro Vannucci. Intérpretes: Blerta Cahani (niña), Klajdi Qorraj (niño), Aishe Gjyriqi (madre), Sanie Dedia (abuela), Klejidi Salaj (bebé), Edmond Budina (padre). Duración: 109 minutos.

10 on Ten_2004
Producción: Abbas Kiarostami y Marin Karmitz (MK2 Productions). Guión: Abbas Kiarostami. Fotografía: Abbas Kiarostami (C). Sonido: Abbas Kiarostami y Eric Ducher. Duración: 88 minutos.

Five / Five Dedicated to Ozu_2003
Producción: Marin Karmitz, Ali Reza Shoja-Nuri y Makoto Ueda (MK2 Productions / Behnegar / NHK). Guión: Abbas Kiarostami. Fotografía: Abbas Kiarostami (C). Sonido: Abbas Kiarostami. Duración: 74 minutos.

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Dah / Ten_2002
Producción: Abbas Kiarostami y Marin Karmitz (MK2 Productions). Guión: Abbas Kiarostami. Fotografía: Abbas Kiarostami (C). Montaje: Abbas Kiarostami. Música: Fragmentos de «Walking in the Air» de Howard Blake. Intérpretes: Mania Akbari (la madre), Amin Maher (el hijo), Roya Arabshahi, Katayun Taleizadeh, Mandana Sharbaf, Amene Moradi, Kamran Adl. Duración: 91 minutos.

Au travers de la fenêtre (A través de la ventana)_2001
[Videoinstalación]
Producción: 49 Biennale di Venezia. Duración: 100 minutos.

ABC Africa
_2001
Producción: Abbas Kiarostami y Marin Karmitz (MK2 Productions). Guión: Abbas Kiarostami sobre una idea de Ramin Rafirasme. Fotografía: Seifollah Samadian (C). Montaje: Abbas Kiarostami. Ayudantes de montaje: Mohammad Razdasht y Sahand Samadian. Sonido: Mohammad Reza Delpak. Intérpretes: Abbas Kiarostami, Seifollah Samadian, Ramin Rafirasme. Duración: 84 minutos.


Otras interesantes películas que también participaron en la sección a concurso fueron:
LES PLAGES D’AGNÈS, de Agnés Varda (Francia)
DO VISÍVEL AO INVISÍVEL, de Manoel de Oliveira (Brasil, Portugal) (Corto)
HESHANG AIQING (CRY ME A RIVER), de Jia Zhangke (China, España, Francia) (corto)

Lo que no puedes perderte en Venecia

Algunas de las propuestas más apetitosas del Festival de Cine de Venecia se encuentran en las secciones no competitivas y vienen bajo la fórmula del cine chico y el cine digital independiente: Agnés Varda, Abbas Kiarostami, Manoel de Oliveira, Jia Zhangke o Lav Díez, entre otros, traen películas que consiguen no dejar a nadie indiferentes.

Muchos se quejan de la nula o escasa presencia de producciones españolas.
Y curiosamente la mejor película según la crítica está siendo por el momento la animación del veterano Hayao Miyazaki. Consigue con dibujos animados al estilo tradicional lo que otros directores no consiguen con grandes estrellas: llegar al público. Por supuesto, se salvan siempre algunos de los grandes como Kitano o Guillermo Arriaga.

Sin dejar de merecer a estos grandes maestros, centrémonos en lo que el Festival de Venecia da de sí, en cuanto a “pequeñas películas”, que es lo que más nos pone.


VOY A EXPLOTAR
Con los años, la sección HORIZONTES se está convirtiendo en una de las más interesantes del Festival de Venecia.

El cineasta mexicano Gerardo Naranjo, impulsado por la productora de Gabriel García Bernal y Diego Luna Canana Films,ha presentado su segundo largometraje, VOY A EXPLOTAR (debutó en el 2006 con Drama/Mex).

La película Voy a explotar es una historia sobre dos adolescentes mexicanos que huyen en una aventura romántica con la rebeldía, la libertad y la pareja como temas de fondo de la trama.
En su huida, los dos jóvenes encontrarán una intimidad que tendrán que aprender a manejar, lo que le sirve a Naranjo para explorar el tema de la pareja.

Estos son algunos de los comentarios que el director ha hecho de su película:

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"Los símbolos de la contracultura han quedado vacíos de significado y es un buen momento para ver quién es rebelde"

“Una de las grandes cuestiones que propone la película es que estos chicos no tienen nada por qué pelear, no hay ningún idealismo, no hay ninguna razón y ellos mismos tienen que crear una razón por la que se les ataque porque no tienen nada por lo que luchar”.

"No quería llegar al millón de dólares de presupuesto, porque no quería perder el control sobre la película"

"Nos abrieron camino los 'Tres Amigos' (los realizadores Alfonso Cuarón, Guillermo Del Toro y Alejandro González Iñárritu), ahora hay una nueva camada de directores. No compartimos valores estéticos ni temáticos, sino una personalidad fuerte"

"Funcionan bien, pero no tienen trascendencia cultural y al final se olvidan (...) , me parece bien que existan, pero si nos queremos distinguir tenemos que dar un paso adelante y dar un toque personal, si no siempre nos van a ganar"

“Mi objetivo no es hacer solo "cine de arte" sino también películas que lleguen al público, aunque evitando la copia de fórmulas de Hollywood

El director recurre a técnicas del documental para dar un mayor naturalismo a su película en la línea del nuevo cine mexicano capitaneado por Carlos Reygadas, y también se sirve del lenguaje narrativo más enfático, aunque sin llegar a los niveles hollywoodienses de los tres amigos.

Por otro lado, con la cámara al hombro, que se aparta poco de los rostros de los protagonistas y no deja de moverse transmitiendo esa sensación de desasosiego que viven los protagonistas, Naranjo consigue crear un tono diferente al que marcan el cine en boga mexicano y estilísticamente se aparta también del naturalismo que invocan Reygadas o Escalante, a quienes sin embargo también admira plenamente.

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