Europa pierde uno de sus símbolos patrimoniales

    lunes 15.abr.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Un icono universal del gótico europeo ha sido pasto de las llamas esta tarde. Notre Dame ha quedado gravemente afectada por un voraz incendio, que ha provocado la caída de la aguja central y del techo del centro religioso y artístico de París. Francia está conmocionada y Europa mira desconcertada como se pierde una parte importante de su patrimonio histórico.

La altura del monumento, su situación en calles estrechas y ubicada en medio del río Sena ha dificultado las tareas de extinción de las llamas, que al parecer se habrían iniciado en un lugar que realizan obras de rehabilitación. En plena Semana Santa, en uno de los momentos en que la ciudad más visitantes recibe, el impacto emocional ha sido aún mayor. La visitan unos 14 millones de personas, más turistas que la Torre Eiffel.

La directora general de la Unesco, la exministra de cultura francesa, Audrey Azoulay, ha hecho un llamamiento para rehabilitar este patrimonio inestimable. La Organización Mundial de Turismo, la recuerda como un testigo y protagonista de la historia universal, memoria de la humanidad, incluso de aquellos que no la han visitado. Los mensajes de asombro y de tristeza se han extendido tanto en Europa como en otros lugares del mundo.

Desolada por lo ocurrido, la alcadesa de la ciudad, Anne Hidalgo, ha sido una de las primeras en desplazarse hasta la zona, donde ha escrito un emocionado mensaje a los parisinos y a todo el mundo evocando el lema de la ciudad –Fluctuat nec mergitur— que será ahora el lema para superar esta tragedia: “Batida por las olas, pero no hundida”.

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El fuego ha comenzado cerca de la aguja y se ha extendido rápidamente por el tejado, que ha quedado devorado por las llamas en pocos minutos. Catorce millones de personas pasan cada año por este edificio situado en el corazón de la ciudad y que es propiedad del estado desde 1905, cuando se firmó un acuerdo con la Santa Sede. Notre Dame es más que un monumento y una catedral, es uno de los símbolos de Francia. Allí beatificaron a Juana de Arco y coronaron a Enrique VI y NapoleónBonaparte. Sus gárgolas mostraban el misterio que marca a los edificios góticos, mientras que sus rosetones dejaban que la luz llenara de color su interior.

Este sábado se habían iniciado las tareas de restauración de la aguja de la iglesia, que iba a beneficiarse de un lifting, un lavado de cara. La primera vez desde los años 30. En mayo de 2017 se acordaron los trabajos de restauración, que en principio durarían hasta 2027 y que están valorados en 60 millones de euros. La conocida popularmente como la Flecha, era la primera fase del proceso. Esas obras habían obligado a retirar hace apenas dos días dieciséis estatuas. Las tareas consistían en reemplazar el plomo del techo y las figuras del edificio religioso, restaurado en el siglo XIX por Eugène Viollet-le-Duc. Precisamente la aguja que ha caído, no era original gótica sino producto de aquella restauración. Era de madera recubierta de plomo y en su cúspide representaba la corona de Cristo, un gallo de San Pedro, y varias reliquias.  

La catedral católica, de estilo gótico, se construyó entre 1163 y 1345  y ha sido la protagonista de varias obras literarias, la más famosa de ellas la de Víctor Hugo, Nuestra Señora de París (1831), y convertida en película por Disney El jorobado de Notre Dame, del que todo el mundo se ha acordado tras ver las imágenes del fuego. 

Eran las 18:50 horas cuando prendieron la llamas, y empezaron a arrasar casi nueve siglos de historia. Edith Piaf cantaba que en la ciudad de la luz, todo termina teniendo arreglo; que en el cielo parisino siempre acaba floreciendo la esperanza. Francia está convencida de que recuperará su Notre Dame.

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Ángela Gonzalo del Moral   15.abr.2019 21:52    

Agenda cultural europea Abril'19

    viernes 12.abr.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Góbi :Dance Company Freestyle – premiere at MU Theatre — © Hrotkó Bálint - BTF

Praga acoge hasta el 22 de abril el Festival de Primavera. Aunque la música clásica y la ópera son la gran baza de este certamen se han organizado más de 150 actividades artísticas como jazz, melodías del mundo, espectáculos de danza, circo contemporáneo o teatro. Algunos de los escenarios que acogen estas actividades son el teatro de la ópera con 130 años de antigüedad, el palacio de las Artes, un gran centro de artes escénicas, que acoge el acústico auditorio Béla Bartók, o la Academia de la Música, fundada por Franz Liszt y recientemente renovada o el Centro de Música de Budapest que alberga el instituto Péter Eotvos y que es uno de los espacios más grandes de Europa, dedicados al arte contemporáneo.

La calidad y la innovación lo han convertido en uno de los festivales de arte más importantes y aclamados de Europa Central. En esta edición Rusia tiene una especial importancia dónde se podrá escuchar a algunos gigantes del mundo clásico ruso, como los Solistas de Moscú o la Orquesta Sinfónica Tchaikovsky, que participará en una velada con el coro Filarmónica de Praga.

Así como Salzburgo tiene a Mozart, Budapest está orgullosa de tener a Liszt, cuyas obras se interpretan año tras año para mostrar la complejidad de su música y la riqueza de la cultura húngara. También atrae a algunas de las mejores estrellas internacionales de la ópera como el tenor maltés Joseph Calleja, o a interpretes como el pianista y compositor estonio Kristjan Randalu.

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El recientemente reinaugurado Museo de Bellas Artes de Budapest acoge la exposición "El triunfo del cuerpo" dedicado al genio Miguel Ángel Buonaroti, y que puede visitarse hasta finales de junio. Sus legendarias creaciones forman la base de su obra, como la Piedad, el David, el Juicio Final y las pinturas del techo de la Capilla Sixtina. La muestra expone 30 dibujos preparatorios de 50 obras maestras del pintor y escultor italiano, en los que se puede ver como representaba en sus obras el cuerpo desnudo.

Esta pinacoteca de la capital húngara, es uno de los museos más importantes de Europa por la diversidad, la continuidad historica y el gran número de obras maestras, que posee.

Arte rupestre en Chauvet

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La gruta de Chauvet, descubierta en 1994 y declarada 20 años después Patrimonio Mundial de la Unesco, conserva un millar de dibujos de 36.000 años de antigüedad, entre los que hay 14 animales diferentes. Uno de ellos es el león, representado casi 80 veces, algo que no ocurre en el arte rupestre en ninguna otra parte del mundo. Ese es el punto de arranque de una muestra que reúne 170 piezas en torno a la  representación del león y otros felinos en culturas animistas de la prehistoria europea, pero también de Oriente Medio, el antiguo Egipto, la Grecia y la Roma clásicas, Asia, América y África, procedentes de museos y colecciones de toda Europa.

Para preservarla en 2015 se abrió una réplica de la cueva y se realizan exposiciones temporales. La comisaria, la española María González Menéndez, explica que "hay una característica que une a estas culturas animistas" con los felinos, a los que "los hombres ven como criaturas divinas por su gran poder en la naturaleza", asociadas a la dominación. Por eso han sido los reyes y faraones quienes más han querido asociarse a su imagen y quienes en Oriente Medio tenían reservada su caza, como muestra de dominación sobre el mundo salvaje.

Barcelona, ciudad literaria

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A las puertas de San Jordi y del Cervantes, ambos se unen en Barcelona, donde abril es sinónimo de letras. El ayuntamiento ha presentado un mapa literario siguiendo las huellas de algunos escritores como Cervantes, Flaubert, Jean Genet, Vázquez Montalbán, o la escritora barcelonesa Mercè Rodoreda. Catalogada como Ciudad de la Literatura por la Unesco, el mapa recoge casi 300 puntos de especial significación literaria, que se ha distribuido por 40 bibliotecas públicas de la ciudad y que permite seguir itinerarios de unas veinte novelas directamente relacionadas con la capital catalana y que recoge monumentos, bares o restaurantes. El Quijote y Sancho Panza, entraron por el Portal del Mar y visitaron una imprenta del Call en el barrio judío, el Pla de palau y la playa de la Barceloneta, donde el ingenioso hidalgo se batió con el caballero de la Blanca Luna. El propio Cervantes vivió en el número 2 del Paseo de Colón.

El maillot más deseado

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Acabamos este recorrido cultural en Niza. El Museo nacional del deporte de esta ciudad alberga hasta el 29 de septiembre la exposición "100 años del Maillot amarillo". Una muestra que pone a disposición del público las prendas y bicicletas que usaron en el Tour de Francia ciclistas como los españoles Miguel Indurain y Luis Ocaña, los franceses Bernard Hinault y Jacques Anquetil o el belga Eddy Mercks,

Durante la decimoprimera edición de la carrera, en 1919, Henri Desgrange, director de la competición creó el maillot amarillo con los colores del periódido L'Auto, que era el sponsor de la época, fue rápidamente aceptado por los corredores y el público ya que permite identificar claramente al primer clasificado de la general, convertido en la atracción principal de la carrera.

La exposición rinde homenaje a los más de 15.000 corredores que han participado en la carrera, pero especialmente a los 3.228 hombres que han llevado la prenda en algun momento. Eugène Christophe fue el primero y Eddy Merkxs el que más días ha lucido esa emblemática prenda, 111 veces. En su homenaje el Tour se iniciará este año en Bruselas.

Christian Proudhomme, Bernard Thévenet o Philippe Bouvet, tienen claro cual es el color que más les gusta: el jeune

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Ángela Gonzalo del Moral   12.abr.2019 11:34    

Gasnam, la movilidad pasa por el gas natural

    miércoles 10.abr.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Madrid acoge estos días el séptimo congreso de Gasnam, que pone el foco en el gas renovable como combustible ecoeficiente. El transporte por carretera y marítimo está en proceso de revolución en Europa. Autobuses, camiones, coches y barcos se están renovando para reducir la contaminación en las ciudades.

El gas natural comprimido, GNC, está destinado a los vehículos menos pesados, mientras que los vehículos más pesados como camiones o barcos se mueven con gas natural licuado, GNL. Al estar licuado se consigue más energía en menos volumen.

Eugenia Sillero, secretaria general de Gasnam, deja claro que "convertimos un residuo en un recurso. Es una economía circular, porque, -al degradarse- todos los residuos naturales producen un gas contaminante que provoca el calentamiento global". Sillero explica a Canal Europa que "si capturamos el gas que se genera de los residuos y lo sometemos a un proceso de descomposición anaeróbica y se depura. Ese gas es la misma molécula que el gas natural y se puede inyectar en la red del gas o sirve para mover un coche, un camión, un autobús o un barco".

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El VII congreso de Gasnam incide en la innovación para la movilidad sostenible basado en el biometano. Un gas producido por la captura de las emisiones procedentes de residuos urbanos, aguas residuales, residuos agrícolas, ganaderos y forestales, e hidrógeno procedente del excedente de energía eléctrica renovable. Diferentes expertos debaten sobre los retos de la movilidad renovable en Europa, las oportunidades empresariales que supone la transición energética y el papel de los gobiernos, la industria y los agentes sociales. Se estudiarán la situación actual de este combustible en los países comunitarios, especialmente en Suecia, Reino Unido y Francia, donde se han conseguido varios casos de éxito en el transporte terrestre y marítimo.

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Pero el gran reto es la distribución de este combustible ecológico y pasar de las gasolineras a las gasineras. La UE tiene como objetivo que haya estaciones de GNC, en núcleos urbanos cada 150 kilómetros y GNL cada 400 km. España , donde hay unas 144 estaciones de este gas natural, la mitad públicas, todavía tiene que mejorar sus distribución. En Italia ya hay 1.210 gasineras y circulan más de un millón de vehículos de gas natural. En Alemania hay unas 900 fuentes de distribución y unos 94.000 vehículos. Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Francia, también han avanzado en este servicio.

Junto al congreso, Madrid acoge la mayor exposición de vehículos de gas natural y renovable en Europa, donde se pueden ver autobuses, camiones, furgonetas y turismos propulsados con este combustible. GASNAM es una asociación ibérica que fomenta el uso del gas natural y del gas renovable en la movilidad terrestre y marítima. Cuenta entre sus socios con navieras, puertos, fabricantes de coches, autobuses y camiones, transportistas, empresas de vehículos de alquiler, empresas energéticas y organismos públicos que persiguen como último objetivo la alcanzar descarbonización del transporte, garantizar la calidad del aire y fomentar la economía circular.

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Durante la primera jornada se ha premiado a siete iniciativas de movilidad sostenible con gas natural o biogas. Entre los galardonadas están Renfe y Balearia. El fabricante sueco de camiones pesados Scania ha destacado en la categoría de Innovación; RENFE, en la de mejor iniciativa empresarial para la sostenibilidad del transporte terrestre por su compromiso contra el calentamiento global “recogido en el Plan Director contra el Cambio Climático 2018-2030”.
El Grupo HAM, que ofrece servicio integral de gas natural licuado (GNL), ha sido premiado por “ser pionero en el impulso de gas natural en la movilidad”; Gas2Move, en la categoría de mejor StartUp de movilidad sostenible y BALEÀRIA, a la mejor iniciativa empresarial para la sostenibilidad del transporte marítimo.

Precisamente hoy se ha conocido que Aida Nova, será el primer crucero propulsado con gas natural licuado, que llegará dentro de unos días al puerto de Barcelona y el segundo será el Costa Smeralda, que atracará en octubre. Son las primeras naves modernas y avanzadas a nivel medioambiental que se incluyen en un proyecto para reducir de manera efectiva las emisiones contaminantes de barcos en la ciudad condal.

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Ángela Gonzalo del Moral   10.abr.2019 12:44    

Vermut, una curiosa bebida mediterránea

    miércoles 3.abr.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

Bebidas
 
El vermut es una bebida muy mediterránea. En España tiene hasta una hora para tomarlo, pero ese mismo horario es diferente si hablamos de España, Francia o Italia. Elvis Kllogjri, sumiller de destilados, recuerda que en nuestro país "la hora del vermut" comenzó en los pueblos durante el franquismo cuando era habitual tomarlo después de salir de misa y antes de ir a comer.  "Era una manera de socializar,  y se fue convirtiendo en una costumbre, ya que además cada pueblo tenía cooperativa con su propio vino. Todo ayudaba, lo tenían cerca, era barato y bueno".  Una opinión similar tiene la sumiller Esther Bachs "es habitual quedar con los amigos, con la familia, al mediodía antes de comer, para disfrutar de lo que denominamos la hora del vermut".
 
Es una bebida alcohólica compuesta por vino macerado con hierbas aromáticas, y mientras en España se suele tomar para el aperitivo, en Italia es un digestivo, y les gusta beberlo después de comer, mientras que en Francia, prefieren hacer un cóctel. Michelle Balietti, barterner de Ondas- Hyatt de Gran Vía, nos detalla estas diferencias. "En España, donde también se toma vermut de grifo, se suele tomar antes de comer o en la sobremesa. En Italia se toma como digestivo después de las comidas, como un licor de hierbas, y en Francia lo acompañan con la comida o con quesos".
 

Tampoco nos gustan igual a los consumidores de cada país. Los sabores aromáticos y las hierbas utilizadas es lo que más les diferencian. Los italianos lo prefieren más amargo, los españoles más dulce y los franceses, más seco. La clave de esta bebida es mezclar las hierbas aromáticas que aportan los sabores amargos y dulces, eso es lo que hace diferentes a los vermuts españoles de los franceses e italianos.  Esas son las diferencias pero Elvis Kllogjri, sumiller de destilados de Hyatt, nos explica lo que tienen en común. "Tiene que utilizar raíces o hierbas, procedente de las artemisas o ajenjo. Si no lleva absenta no se puede considerar vermú"

Vermut, orígenes europeos

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Foto: Museu del Vermut

Aunque ha dado la vuelta al mundo, su origen es típicamente europeo. Lo encontramos en la antigua Grecia, donde mezclaban y maceraban vino con especies, drogas y plantas aromáticas para elaborar brevajes medicinales. Aunque se han encontrado restos de absenta, imprescincible en esta bebida, en el antiguo Egipto.  Su nombre procede del alemán wermut, que significa ajenjo o absenta.
 
Platón descubría en algunos escritos la costumbre ateniense de beber el elixir de la uva y Herodoto hablaba de la imortancia que tenía entre los persas. Tácito hacía referencia a que los pueblos del centro de Europa, la bebían como reconstituyente porque entonaba y vigorizaba. Ester Bachs Romaguera, somelier y periodista, acaba de publicar la Guía del Vermut en España. "Se cuenta el carácter terapeutico del vermut. De hecho, es una maceración de plantas medicinales sobre vino y uno de los personajes que más lo popularizó fue Hipócrates que preparaba una receta de vino macerado con ajejo y la recetaba para curar diferentes problemas digestivos o abrir el apetito".
 
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En 1570, Giovanantonio Soderini, habla de vino de ajenjo, una bebida aromatizada, -el Polí-, preparado en los Balcanes, concretamente en Bulgaria, también hace referencia a Alemania y Hungría. Y en 1773, el médico italiano G. C. Villifranchi, publicó una obra en la que explica por primera vez la elaboración de un licor a partir de la mezcla del vino de poca graduación con absenta. Sea cual sea el origen, lo cierto es que el Piamonte, la Provenza francesa, y Cataluña -por este orden- son históricamente, las tres regiones productoras y exportadoras más importantes. Enviaban sus productos al norte de Europa, Reino Unido y a las colonias americanas desde los puertos de Barcelona, Génova y Marsella.  
 
En España, Reus es la ciudad con más empresas dedicadas a su elaboración y a finales del siglo XIX, había unas 30 fabricas que producían más de 50 marcas diferentes. Allí tienen un museo dedicado a esta bebida.  Ester Bachs recuerda que  "tenía un pasado vinícola, de importante comercialización de vinos y licores, por eso Reus, se convirtió en una de las plazas que en el siglo XIX y principios del XX, marcaba el precio del alcohol, junto con Londres y París".
 
Esta bebida europea, exportada a Estados Unidos por los franceses, y reinventada por los americanos durante el siglo XIX y XX, que lo utilizaron de base para la mayoría de cócteles. 
 
En la actualidad, y como en otros productos, los italianos son los que mejor han vendido esta bebida, y todos recordamos sus principales marcas. Seguro que son las primeras que nos vienen a la cabeza. Se han convertido en iconos internacionales en todo el mundo y destila esencia italiana, abanderando la cultura del aperitivo. De hecho, un personaje cinematográfico, James Bond, lo tenía como una de sus bebidas preferidas. Cary Grant, Salvador Dalí, Richard Nixon, Frank Sinatra, Ernest Hemingway o Luis Buñuel también disfrutaron de esta bebida con sabor mediterráneo.
 
 
 
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Ángela Gonzalo del Moral    3.abr.2019 11:36    

La Revolución francesa a través de la pintura

    lunes 1.abr.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Un palco, un día de espectáculo gratuito de Boilly

Londres descubrirá durante el mes de abril, la pintura francesa de uno de los períodos más turbulentos de la historia de Europa, desde la Revolución de 1789 hasta la de Julio de 1830.  Cuatro décadas convulsas en uno de los países más importantes del continente.

Pinturas de propaganda de acontecimientos clave, hasta retratos de Napoleón. Los pintores franceses encontraron nuevas formas de capturar y explicar aquellos tiempos extraordinarios. La National Gallery de Londres ha organizado un curso de tres semanas, en el que el historiador del arte Simon Lee, profundizará sobre ese periodo histórico a través de las obras de Boilly y sus contemporáneos como David, Géricault y Delacroix que respondieron a los cambios sin precedentes en la sociedad francesa desde la Revolución hasta el Imperio de Napoleón, y desde el regreso de los Borbones a su derrocamiento por la monarquía de julio de 1848.

En la sesión Vive les Arts: David desde la Revolución Francesa hasta el ascenso de Napoleón se investigará cómo y por qué David, pintor del rey, se convirtió totalmente a la causa de la Revolución Francesa, convirtiéndose en el artista supremo de la nación más radicalmente política de la tierra en aquellos momentos. También cómo después de liderar la Revolución, junto con su íntimo amigo Robespierre, consiguió escapar de la ejecución en 1794 y se convirtió en el retratista favorito de Napoleón. Simon Lee, es un gran investigador del arte español y francés de los siglos XVIII y XIX, y un experto en la pintura de David y Delacroix.

El realiza un análisis a través de las pinturas clave de David sobre la Revolución y los primeros años de Napoleón, incluidas La muerte de Marat y Napoleón que cruza los Alpes en el contexto de su carrera en la montaña rusa y los tiempos turbulentos en los que vivía. También se comparan sus primeros retratos de Napoleón con los de sus contemporáneos, Gros e Ingres.

Durante el periodo revolucionario surge Leopold-Louis Boilly un pintor que nos muestra a través de ingeniosas escenas de observación social, lo que ocurría en aquel París convulso con meticulosas ilusiones diseñadas para engañar a los ojos, así como sus obras revolucionarias, como El triunfo de Marat (1794).

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La galería londinense también inspecciona en este curso, el Imperio de Napoleón, analizando su actitud en la guerra, la conquista y como se sirvió de la propaganda. Su reinado fue un momento de "auge" para los artistas. Se realizaban trabajos comisionados y especulativos para conmemorar la Corte Imperial y las hazañas del Emperador. De la propaganda sutil a las declaraciones de lealtad grandiosas, continúa la exploración del papel de la pintura en la elaboración del mito de Napoleón y se examinan las obras clave del período de David, Boilly y Gros. Es entonces cuando el historiador Simon Lee descubre qué pintura hizo que Napoleón se alzara el sombrero para hacer un cumplido, qué obras se retocaron después del divorcio del emperador con Josefina, y hasta dónde llegaron algunos artistas para ganarse su favor.

Otro de los aspectos que se analizarán en el curso es el periodo que abarca de la restauración al auge del romanticismo. En los años que siguieron a la derrota de Napoleón en Waterloo y al regreso de la dinastía Borbón, los artistas buscaron un arte nuevo y más directamente emocional para capturar la intensidad de la vida moderna. Fueron los pintores románticos Géricault yDelacroix, quienes evocaron las duras e intensas emociones de una sociedad que había vivido todo el drama y el derramamiento de sangre de la Revolución, la euforia de las victorias de Napoleón y la decepción de su último fracaso. Es entonces cuando aparece la icónica pintura Libertad guiando a la gente de Eugène Delacroix, una conmemoración de los franceses que, en el levantamiento de julio de 1830, derrocaron al muy odiado Rey Carlos X.

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Paralelamente a estas charlas divulgativas sobre esa intensa época de la historia francesa, la National Gallery londinense también expone "Boilly: escenas parisinas", hasta el 19 de mayo. A través de sus obras explora el París revolucionario con pinturas atrevidas y divertidas. Trabajando en un ciudad políticamente turbulenta, el pintor fue testigo de la Revolución Francesa, el ascenso y la caída de Napoleón y la Restauración de la Monarquía gala.

A partir de 1785, Louis-Léopold Boilly (1761–1845) pasó medio siglo en el corazón del mundo del arte parisino, y lo plasmó en sus obras con retratos, interiores sobre el tema de la seducción y escenas vívidas e innovadoras de la bulliciosa vida callejera parisina. Boilly muestra una gran brillantez técnica, agudos poderes de observación y un sentido del humor irónico. Fue una propuesta artística alternativa a la visión aceptada del arte francés revolucionario, liderada por Jacques-Lousi David, entre otros. Además ofreció unas atrevidas respuestas al cambiante entorno político y al floreciente mercado del arte. Ofrece una alternativa a la visión aceptada del arte francés revolucionario como competencia de pintores de gran historia como Jacques-Louis David. Boilly popularizó las pinturas de trompe l’oeil, inventó el término, y al describir la vida cotidiana en las calles de París por primera vez, puso de cabeza las jerarquías aceptadas del arte.

Desde escenas interiores controvertidas y seductoras, que lo llevaron a meterse en problemas con las autoridades, a escenas callejeras cotidianas y al ingenioso trompe l'oeils, esta exposición muestra las audaces respuestas de Boilly al cambiante entorno político y el mercado del arte, y destaca sus agudos poderes de observación y permite descubrir al público su sentido del humor irónico.

Centrándose en 20 obras de una colección privada británica nunca antes mostrada o publicada, es la primera exposición de estas características que se organiza en el Reino Unido, de este artista tan poco conocido en Gran Bretaña.

Categorías: Actualidad

Ángela Gonzalo del Moral    1.abr.2019 10:52    

Fallece Agnès Varda, "abuela de la Nouvelle Vague"

    viernes 29.mar.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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En 2017, Agnès Varda, una directora clave en la cinematografía europea, recibió el Premio Donostia y en 2018,el Óscar honorífico a toda una carrera. La denominada "abuela de la Nueva ola" (la Novuelle vague), había obtenido varios reconocimientos en forma de premios, como el Oso de Plata de Berlín, en 1965, por "La felicidad", el León de Oro del Festival de Venecia en 1985, por su obra "Sans toit ni loi (Sin techo, ni ley) y en 2009, el César por la biografía "Las playas de Agnès). Pero sobretodo estaba considerada una dama del cine.Hoy la familia ha comunicado su fallecimiento tras una breve enfermedad.

Agnès Varda, cumplió el año pasado 90 años. Nacida en Bélgica, hija de un padre griego y una madre francesa, empezó a trabajar como fotógrafa en el Teatro Nacional Popular de París, donde trabajó con Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon. Realizó su primera exposición en solitario en su patio, y más tarde llegarían sus grandes reportajes de China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de gente tanto desconocida como famosos.

Poco tiempo después decidió dedicarse a lo que más le gustaba: el cine. Lo hizo de forma autodidacta, formando una pequeña compañía, Ciné-Taris, con la que produjo su primer largometraje, escrito y dirigido por ella misma.

Su primera película es de 1954 La Pointe Courte, considerada una de las precursoras de la Nouvelle vague francesa, hermana del Nouveau roman, su homólogo literario. Varda ha dirigido unos cuarenta películas, largometrajes y documentales. Mujer ligada a la izquierda política se sintió atraída por los movimientos sociales de la década de los 60 y de mayo del 68, que plasmó en obras como La felicidad (1965), Las criaturas (1966) y Lion's Love (1969), cuando ya vivía en Los Ángeles. Allí filmó Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).

Agnes Varda

Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (1962)o Una canta, otra no (1977), en el que refleja las luchas feministas. La impronta que dejó en el mundo del cine, ha quedado recogido en los titulares dedicados a ella, tras conocerse su deceso. Variety, la ha definido como "la portadora de la antorcha de la nueva ola", Deadline la considera "una  pionera". A pesar de estos adjetivos, durante muchos años su celebridad no había traspasado los círculos cinéfilos y Europa hasta que entre hace dos años, no comenzó a ser reconocida al otro lado del Atlántico.

En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diversos países.

Mujer incansable y siempre dispuesta a reinventarse, en 2003 Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, Des chambres en ville y Paroles de squatters.

En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de ese mismo año el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió Las dos orillas de Agnès Varda, que incluía instalaciones y películas, y en febrero de 2014 Triptyques atypiques se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: Photographs Get Moving (potatoes and shells, too) (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); Varda / Cuba (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); Une barrière ouverte (Galerie Lumière, Lyon, 2016); Solo show (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).

Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y se estrenó en el Festival de San Sebastián. Ambos recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural, con el objetivo de conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocaban.

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   29.mar.2019 15:45    

Agenda cultural europea Marzo'19

    jueves 21.mar.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Vivió a caballo de dos siglos y viajó por varios países europeos y americanos. Ahora dos exposiciones lo devuelven a la actualidad, aunque siempre ha estado presente en el mundo de la cultura. Hablamos de Joaquín Sorolla, el primer artista español en lograr la fama en los Estados Unidos a principios del siglo XX, tras recibir el reconocimiento internacional con el Grand Prix de la Exposición Universal de París en 1900. 
 
Nacido en una humilde casa del barrio del Mercat de Valencia, llegó a conquistar éxito, dinero y reconocimiento entre la élite internacional. Tras su muerte, en 1923 pasó al olvido durante décadas. Su obra está influida por las vanguardias del arte de entre siglos, la fotografía y el arte cinematográfico, confiriéndole a sus lienzos instantaneidad y movimiento... siempre reforzado por la luz, que supo captar y reflejar en sus cuadros. Siguió la tradición de grandes maestros como Velázquez y Goya, e influyó en artistas posteriores como Picasso. 

Sorrolla en Londres y Valencia

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El comisario de la exposición londinense, Christopher Riopelle, recuerda que "fue un pintor de talento excepcional. Su maestría para captar la vida y el movimiento, a menudo al aire libre y en grandes dimensiones, sigue siendo impresionante. Sus pinturas transmiten la incidencia de la luz del sol sobre el agua, el calor de una tarde bochornosa y la fuerza del viento del mar. La audacia compositiva y el progresivo uso de colores intensos hace pensar que estaba
al corriente de las innovaciones en el arte moderno. Sin embargo, como artista, permaneció siempre comprometido con la representación de la vida española en toda su complejidad"
 
El artista valenciano viajó a Biarritz, París, Venecia, Berlín, Munich, Nueva York o Londres. Apodado el pintor de la luz, la National Gallery de la capital británica expone 60 obras, recogiendo sus temáticas habituales, como los retratos familiares o de familias adineradas y las playas, pero también otras de temática social, menos conocida entre nosotros   Después del 7 de julio, las obras viajarán a la National Gallery de Dublín. 
 
Con menos repercusión mediática, el Museo de Bellas Artes de Valencia expone El inicio de la pintura moderna en España: Sorolla y su tiempo, que estará abierta hasta el 31 de agosto del año que viene. Es una muestra cronológica y diacrónica y permite conocer a sus artistas contemporáneos en la capital del Turia, sus maestros en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos y sus amigos artistas, y otros pintores conocidos como los sorollistas.
Si no podéis ver estas exposiciones, y queréis regocijaros con las obras de Sorolla, hay unos 5.000 dibujos del pintor, accesibles al público en la web del Museo Sorolla de Madrid. Abarca todas las técnicas del dibujo y contiene desde rápidos y abreviados apuntes del natural, a dibujos como medio de expresión, en los que recoge escenas de playa, jardines frondosos o retratos. 
 

Verrocchio, el maestro de Leonardo da Vinci

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La National Gallery de Londres, posee dos obras atribuidas al joven Leonardo da Vinci: L’Arcangelo Raffaele e Tobiolo y la Madonna col Bambino e angeli. Las pintó el genio italiano siendo discípulo de Andrea Verrocchio, cuando Ser Piero, el padre de Leonardo, descubrió los talentos de su hijo, y decidió enviarlo a Florencia, con apenas diecisiete años. Hasta el 14 de julio el Palazzo Strozzi y el Museo Bargello albergan la primera gran retrospectiva dedicada a este artista, considerado uno de los iniciadores del renacimiento artístico. Su taller, la bottega tecniche, en la Florencia del siglo XIV, fue el fermento cultural y el patrocinio ilustrado que crearon el hábitat natural para mentes extraordinarias que experimentaron a diario con diferentes técnicas artísticas, realizando verdaderas obras maestras.

Andrea del Verrocchio (Florencia, h. 1435-Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano que trabajó en la corte de Lorenzo de Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron tambiém Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli,  y tuvo una notable influencia en Miguel Ángel.

 

"Verrocchio, el maestro de Leonardo" es la primera exposición monográfica dedicada al artista e  ilustra sus orígenes, su colaboración con jóvenes talentosos y su influencia fundamental a principios del siglo XVI. En este sentido, el Museo Nacional del Bargello, con su famosa colección de esculturas del Renacimiento, es un lugar privilegiado y esencial para destacar la importancia de un artista tan singular y de un taller que ha formado a toda una generación de maestros del siglo XV, en Italia y en Europa. 

El 2019 es el año de Leonardo. Para honrar a una de las mentes más brillantes de la historia de la humanidad, cinco siglos después de su muerte, Florencia, una ciudad en la que Leonardo vivió, se formó e inspiró, está repleta de exposiciones, iniciativas y espacios dedicados al genio de Vinci.

Tamara de Lempicka, referente del Art Déco

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La artista polaca, conocida por sus retratos y desnudos de gusto Art Déco, Tamara de Lempicka, viajó a España en 1932. Ahora lo hacen sus obras que se pueden ver hasta el 26 de mayo en el palacio Gaviria de Madrid. 
 
Nació en Polonia y murió en México en 1980. Tamara de Lempicka retrató en 1932 al Rey Alfonso XIII en su exilio; un lienzo inacabado que ahora se exhibe en España. La artista reconoció que sólo pasaban por sus pinceles personas que le inspiraran y le hicieran vibrar. Es una importante exponente del Art Déco, el famoso movimiento del periodo de entreguerras. La comisaria de la muestra, Gioia Mori, explica que "era una mujer libre que quiso expresar en sus cuadros la liberación de la mujer".
 
Fue pionera en desarrollar el movimiento más característico de la época, marcada por la estética de los años 20 con sus motivos geométricos, colores brillantes y formas rotundas. El art Déco es un estilo clásico, simétrico y rectilíneo que alcanzó su mayor apogeo entre 1925 y 1935, pero que hunde sus raíces en movimientos anteriores como el cubismo y el futurismo, así como en la influencia de la Bauhaus. Lempicka fue una de sus representantes más destacadas en el ámbito de las artes plásticas, para las que planteó toda una revolución.

Los exilios de Max BeckmannMaxBeckmann_Frame_square_big4

Otro artista exiliado de Europa a Estados Unidos, fue el alemán Max Beckmann, cuyas obras se pueden ver también hasta el 26 de mayo en CaixaForum de Barcelona. Comisariada por Tomàs Llorens, esta muestra exhibe su obra a través de un recorrido temático, centrado especialmente en el exilio desde diferentes prismas. 
 
De espíritu independiente y solitario, desarrolló un lenguaje completamente personal, alejado de cualquiera de las tendencias de sus contemporáneos. Realizada en colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la muestra plantea un recorrido temático por la obra de Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950). La primera parte abarca su etapa en Alemania, desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial hasta el ascenso del fascismo en la década de los años 30, cuando es expulsado de la escuela de arte de Frankfurt en la que daba clases y se le impide exponer sus obras en público. La segunda parte, centrada en sus años de Ámsterdam y Estados Unidos, se estructura en torno a cuatro metáforas relacionadas con el exilio: la pérdida de identidad; el vértigo de la ciudad moderna; la equivalencia entre exilio y muerte, y 'El mar', símbolo de infinito, seducción y añoranza.

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Ángela Gonzalo del Moral   21.mar.2019 10:22    

Lucca, la ciudad ligada a Puccini

    domingo 10.mar.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Foto: angelaGonzaloM

La ciudad de Lucca está intimamente ligada a Giacomo Puccini. Allí nació el compositor de óperas inmortales como La bohème, Turandot o Madama Butterfly. 160 años después de su nacimiento, no hay un rincón de esta coqueta ciudad de la Toscana italiana, que no haga mención a su nombre, a su legado y a su recuerdo. 

Pero Lucca es algo más que Puccini. También nacieron en esta sorprendente población los músicos Luigi Boccherini, Alfredo Catalani o Francesco Geminiani. Incluso Dante pasó parte de su exilio. No es de extrañar este alto índice de natalidad de compositores. La denominada "ciudad de las 100 torres y 100 iglesias", estaba llena de conventos, campanarios, iglesias y ermitas. Como nos explica Eleanor Pieruccini, "necesitaban músicos, para que tocaran los órganos de estos centros religiosos". En todas las generaciones de la familia Puccini, encontramos algún músico. 

En esta ciudad, de poco más de 80.000 habitantes, y en sus alrededores, nacieron o vivieron varios pintores más o menos conocidos fuera de Italia, un papa (Lucio III), el ajedrecista Eros Riccio, el Nobel de literatura Giosuè Carducci o el ciclista Mario Cipollini, campeón del mundo.

Fue ciudad etrusca, poblado celta, colonia romana, y  más tarde estado independiente, durante 500 años. Y aunque nos sorprenda hoy en día, fue vendida en varias ocasiones. A pesar de su convulsa historia nunca ha sido destruida en una guerra, lo que le permitido mantener una gran riqueza cultural que no pasa desapercibida para los turistas. A ello añadimos espectaculares palacios, museos y plazas como la del anfiteatro, por lo que no nos sorprende que haya solicitado la declaración de Patrimonio de la Humanidad.

Como no podía ser de otra manera, en Lucca hay una ruta pucciniana, que comienza en la casa natal de Puccini, donde hay un museo con objetos personales y muebles de la época en que vivió (mediados del siglo XIX y principios del XX). Más adelante encontramos el Teatro del Giglio, donde ofreció su primer concierto con 20 años y que conserva un bajorrelieve en su memoria. La Iglesia de los santos Paolino y Donato o el Instituto Musical Pucini, que expone su pianoforte y el armonio, composiciones de su etapa juvenil y sus cuadernos de apuntes. El histórico Di Simo Caffé, era lugar de tertulias en las que participaba el compositor, junto con músicos, poetas y escritores. Lo que da una idea de la rica vida cultural que mantuvo la ciudad en aquella época. Y acabamos la ruta en Torre del Lago, a unos 20 kilómetros de la ciudad y cerca de Viareggio, donde vivió largas temporadas al borde del lago y donde está enterrado junto a su familia. Actualmente es un museo privado, donde vivió su nieta Simonetta. Con su muerte, desaparecieron los Puccini.

Riqueza y emigración

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Foto: angelaGonzaloM

Pero Lucca, no siempre ha sido una ciudad rica. Tras las Primera y la Segunda Guerra Mundial muchos luqueses emigraron a Europa, Estados Unidos y Canadá. La fundación 'Lucchesi nel mondo' está presente en 80 municipios, una muestra de esa diáspora del siglo XX.

Ilaria del Bianco es la presidenta, y nos dice que aunque parezca extraño relacionar a Puccini y la emigración, lo cierto es que "en el periodo en que era un reconocido compositor, había muchos emigrantes italianos que se iban de su tierra a buscar un futuro mejor". El propio hermano de Puccini, Michele, emigró a Argentina. La asociación  gestiona el Museo de la Emigración de Lucca.

Hoy en día es una provincia muy dinámica, con importantes empresas papeleras. Desde 1300 esta industria fue uno de los pilares de la economía local. Actualmente algunas de las mayores multinacionales de papel higiénico y de fabricación de maquinaria especializada en el papel y el cartón exportan su producción. Barbara Chelini, una emprendedora local, nos dice que "esta industria ofrece muchos puestos de trabajo y aporta una gran riqueza a la provincia, no solo porque necesita mucha mano de obra, sino por la importancia de la exportación".

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Foto: angelaGonzaloM

Otras fuentes de riqueza económica son las canteras. Hay un millar que trabajan con el famoso mármol de Carrara y en la cercana Viareggo, en sus famosos astilleros se construyen yates de lujo. Esto comporta una mano de obra altamente especializada, como arquitectos e ingenieros navales, y atrae a importantes estudios de diseño.

La industria del calzado se ha implantado desde la década de los 50. Un sector que crea unos 3.000 puestos de trabajo en unas 600 empresas especializadas. Se calcula que anualmente produce unos 18 millones de zapatos, principalmente de mujer y niños.

Viareggio y su espectacular carnaval

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Foto: angelaGonzaloM

También necesitan mano de obra cualificada para preparar las carrozas del Carnaval de Viareggio, donde durante más de seis meses trabajan unas 250 personas. Es un impresionante desfile de carrozas con ingenios metálicos y esculturas de papel maché que llenan de colorido y espectáculo sus calles durante tres semanas.

Stefania Scroglieri, de la Asociación H.Ar.T, nos explica que la Fondatione del Carnevale, contrata a artistas y trabajadores, y que una vez acaba el carnaval las esculturas se reutilizan, se venden a otros carnavales o se adaptan para ambientaciones artísticas. Los operarios y artistas siguen ocupados todo el año, construyendo escenarios de películas, teatro y otras actividades relacionadas con este tipo de arte.

En este municipio costero el fabricante local Antonio d'Arliano, inventó el papel maché, fundamental para estas construcciones. Se calcula que los gastos del carnaval ascienden a unos cinco millones de euros, pero aportan unos ingresos de más de 20 millones y atraen a unos 600.000 visitantes. El museo del Carnaval, ofrece un recorrido multimedia a través de la memoria etnográfica de la fiesta que se ha transmitido de generación en generación.

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Es uno de los carnavales más espectaculares de Italia y Europa convertido en un símbolo de alegría, diversión y solidaridad. Sus impresionantes carros alegóricos con figuras de superan los 15 metros de altura se construyen y se almacenan en los talleres y hangares de la Cittadella. Desde la característica forma elíptica de la Ciudadela, que abrió sus puertas en diciembre de 2001, el espectacular desfile, cargado de creatividad, colores, música y fuegos artificiales. se dirige hasta el paseo marítimo. El desfile empieza todos los fines de semana de carnaval, desde ese lugar.

Durante los quince días que dura el carnaval, se programan eventos paralelos como conciertos, bailes, concursos de máscaras y hasta actividades deportivas.

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Foto: angelaGonzaloM

El otro gran motor económico de esta zona de la costa de Versilia es el turismo, potenciado no solo por la riqueza patrimonial, sino también por la naturaleza de las playas de la costa Versilia o por las montañas de los Apeninos tosco-emilianos. Esta ciudad costera, de turismo de sol y playa, está plagada de edificios art decó y liberty.

La provincia de Lucca, además de tener una riqueza arquitectónica y cultura envidiable, también ofrece una interesantísima gastronomía. Tiene un itinerario enoturístico La Strada del Vino e dell'Olio , y en diciembre se celebra un gran mercado de productos locales, Il Desco. También acoge el Festival Puccini en Torre del Lago y en la capital provincial, celebra - a finales de octubre-, el certamen Lucca Comics & Games,  dedicado a las historietas, animación, juegos, videojuegos y la ciencia ficción . Es el más importante de Europa y el segundo del mundo.  

Te facilitamos enlaces por si quieres tener más información sobre la zona. 

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Ángela Gonzalo del Moral   10.mar.2019 00:50    

Alemania primer destino cultural europeo

    sábado 2.mar.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Alemania ha recibido más de 20 millones de turistas europeos atraídos por sus propuestas culturales, convirtiéndose en el primer destino cultural de la UE. Cerca de un millón son españoles. El 12% de los visitantes son los propios alemanes, y el 10% franceses, seguidos de españoles, británicos e italianos, con un 9% cada uno. Es decir que la mitad de los visitantes que viajan al país centroeuropeo por motivos culturales proceden de las cinco potencias económicas de la UE. Son el 73% de los visitantes, lo que significa un 4,5% más que en 2017. El segundo continente emisor es América, con una cuota de mercado del 10,7%.

Alemania contabiliza la llegada de turistas por pernoctaciones en hoteles de un mínimo de diez camas, lo que hace difícil comparar las cifras con las de otros países como Francia o España. Según los datos oficiales de la ONAT (Oficina Nacional de Turismo) el año pasado se contabilizaron 81,5 millones de pernoctaciones de extranjeros, un 4,5% más que en 2017, aunque en esas cifras no se incluyen los alojamientos alternativos, como viviendas airbnb o alquileres. Más de 2 millones de esas pernoctaciones son de españoles. Berlín es la ciudad más visitada del país, con casi 33 millones de turistas, y un centro de interés cada vez más importante del sector MICE. 

La directora de la Oficina en España, Ulrike Bonhet, ha destacado que España es uno de los países emisores más importantes con 3 millones de pernoctaciones en 2018. En los últimos 7 años se han doblado, y se espera que en 2030 alcancen los 4 millones. Las ciudades que más atraen a los españoles son, además de la capital, Nüremberg, Baden-Wüttemberg y la costa Norte. El 42% de los turistas españoles que visitan el país centroeuropeo lo hacen motivados por sus tradiciones, doblando la media de otras nacionalidades. La buena relación calidad-precio de sus establecimientos hoteleros es muy valorado por sus visitantes.

La mayoría de los turistas viajan el país atraídos por su cultura. Sin duda en 2019, el centenario de la Bauhaus y el 30 aniversario de la caída del muro de Berlín, van a aportar un mayor número de visitantes. Alemania ha priorizado en su campaña internacional cuatro temáticas, que van desde las tradiciones y costumbres, el 25 aniversario de la unificación, sus habituales rutas temáticas y el quinto centenario del nacimiento de Lucas Cranach, el joven. El pistoletazo de salida del centenario de Bauhaus será el fin de semana del 6 y 7 de abril con la inauguración del museo de la Bauhaus en Weimar y el 8 de septiembre se inaugurará el centro museístico de Dessau.

Centenario de la Bauhaus y la ruta modernista

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Durante casi 14 años de existencia, la Bauhaus revolucionó el pensamiento creativo y artístico del mundo. Un siglo más tarde, Alemania lo quiere celebrar a lo grande y han preparado más de 500 actos en varios lugares del país, relacionados con ese gran movimiento cultural y arquitectónico que lideró el berlinés Walter Gropius. Junto a él otros artistas como Hannes Meyer, Ludwing Mies van der Rohe, Paul Klee, Wassily Kandinsky y Oskar Schlemmer. Aunque, como destaca el portavoz de la oficina de turismo de Berlín, Christian Tänzler, hay que rescatar el papel de muchas mujeres que también aportaron su creatividad al grupo y han pasado desapercibidas para la historia del arte.

De hecho las relaciones sentimentales también fueron prolijas entre los artistas Bauhaus, como la de Anni y Josef Albers, Gertrud y Alfred Arndt, Gunta Stölzl y Arieh Sharon, Lucia y László Moholy-Nagy o Irene y Herbert Bayer. Sin olvidar a Lou y Hinnerk Scheper, Elisabeth y Hans Volger o Ise y Walter Gropius. Las parejas no solo se complementaron en el ámbito personal, sino también artística y profesionalmente, aunque muchas mujeres quedaron a la sombra de sus maridos.

Las tres ciudades estrechamente ligadas a este big bang cultural del primer cuarto del siglo XX, fueron Weimar, donde nació el movimiento en 1919, Dessau, a donde se trasladó entre 1925 y 1932 y Berlín, donde agonizó, presionada por el nacionalsocialismo. La fecha de disolución fue el 10 de agosto de 1933. Otras poblaciones son Erfurt, Jena, Dessau-Rosblau, Magdeburgo, Leipzig, Dresde o Potsdam. Algunos de los arquitectos y diseñadores de este grupo emigraron a Israel, y se calcula que en Tel Aviv hay unos 4.000 edificios de estilo Bauhaus, distribuidos en barrios como Kalisher Street, Shenkin, Dizengoff, Rothschild Boulevard o Bialik, Mazeh. En Berlín es imprescindible visitar el Museo Archivo Bauhaus y Museo del Diseño.

Bajo el título "100 años de Bauhaus #CelebratingBauhaus", se ha organizado el gran tour de la modernidad, que va a mostrar un centenar de obras arquitectónicas más significativas del siglo XX y se analizarán los aspectos sociales e innovaciones técnicas que aportó este movimiento. Coincidiendo con este aniversario se abrirán los museos Bauhaus Weimar y Bauhaus Dessau. 

Bauhaus en España

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Foto web Fundación Mies van der Rohe


Alemania quiere llevar el arte de la Bauhaus a otros países. En Madrid van a celebrar el German Summer Days, el 30 de mayo, con un evento de inauguración en la terraza del restaurante "Fábula" y el 1 de junio con otras actividades para familias en calles y plazas del Barrio de las Letras. Se centrará en cinco clústers temáticos, sobre las ciudades, el romanticismo, las atracciones turísticas, el arte y la cultura y vacaciones junto al mar. Para esos días se organizaran gimcanas y talleres creativos.

En España, uno de los arquitectos con más renombre, Mies van der Rohe, construyó el pabellón alemán de la Exposición Universal de 1929, un referente de la arquitectura moderna por el uso de materiales novedosos como el mármol, ónix rojo y travertino. El minimalismo y la modernidad queda patente en los muebles diseñados para el inmueble, como la silla. El pabellón se puede visitar en Montjuic.

Entre el 5 y el 9 de mayo Bilbao y Barcelona acogerán el espectáculo "Bailet triádico", una pieza creada por Oskar Schlemmer y estrenada en 1922, que se convirtió en símbolo de la reforma de la danza y de la escenografía teatral. Su nombre “triádico” refiere a las tres partes en que se divide la obra, y a los tres bailarines que la desarrollan. Además, presenta una fusión entre la danza, el vestuario y la música.

Se trata en realidad de una anti-danza, una especie de “constructivismo coreográfico”. Tres bailarines, dos hombres y una mujer, realizan doce bailes en forma alterna. Los figurines de aquellas coreografías, también diseñados por Schlemmer, componen juegos visuales de formas geométricas y colores básicos. Se trata de estructuras arquitectónicas ambulantes cuyas morfologías y materiales de confección limitan deliberadamente la posibilidad de movimiento de los bailarines. Además, las máscaras los transforman en personajes anónimos, produciendo la abstracción del individuo.

La Oficina Nacional Alemana de Turismo (ONAT), con sede central en Frankfurt am Main, ha conseguido por sexta vez consecutiva, el reconocimiento de certificación del programa Green Globe. Un premio que destaca su apuesta por la sostenibilidad turística integrando ofertas y servicios sostenibles y por su lucha por la reducción de la huella ecológica. Este certificado tiene en cuenta la gestión sostenible, aspectos sociales, economía patrimonio cultural y medio ambiente. Tiene 32 sucursales en todo el mundo.

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Ángela Gonzalo del Moral    2.mar.2019 11:32    

Periodistas europeístas invitan a votar en las elecciones al Europarlamento

    miércoles 27.feb.2019    por Ángela Gonzalo del Moral    0 Comentarios

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Un grupo de 70 galardonados con el Premio de Periodismo Europeo “Salvador de Madariaga” han firmado un decálogo subrayando el carácter crucial de las elecciones europeas que se celebrarán el próximo 26 de mayo, en las que se decidirá qué versión de la Unión Europea prevalecerá.

Los ganadores de las 24 ediciones del Premio Madariaga fueron convocados el 15 de febrero por la Asociación de Periodistas Europeos (APE) y las Instituciones Europeas en España (Parlamento Europeo y Comisión Europea) para la botadura del “Club Madariaga”, en el que figuran muchos de los profesionales de la información más relevantes del panorama mediático nacional.

Entre ellos, Carlos Franganillo (RTVE), Jaume Masdeu (TV3), Montserrat Domínguez (El País), Mamen Mendizábal (La Sexta), Enrique Serbeto (ABC),Guillermo Pascual (Antena 3), José Antonio Navarro (Canal Sur), Rafael Panadero (Cadena SER), Eliseo Oliveras (El Periódico), Beatriz Navarro (La Vanguardia) o Gállego & Rey (El Mundo).

Con esa ocasión, redactaron un Manifiesto en favor de una visión exigente de la UE, que partiendo de sus valores fundacionales “supere las ideas circunscritas a esquemas nacionales y genere un sentido de pertenencia, más allá de los meros intereses compartidos, para erigirse en modelo de bienestar y de defensa de las libertades y derechos”.

Los firmantes apuestan por “una Europa atenta a sus responsabilidades globales”, con un modelo social de crecimiento que garantice sanidad, educación y pensiones para todos y que evite la exacerbación de las desigualdades. Defienden además la necesidad de un “discurso integrador” que sepa conectar con los elementos emocionales imprescindibles para sumar a las nuevas generaciones.

En definitiva, propugnan una Europa capaz de superarse a sí misma y de vertebrarse sobre el eje de la cultura para lograr que sus ciudadanos además de ser se sientan europeos, conscientes de su tarea.

DECÁLOGO PARA UNA RESPUESTA EUROPEA

Los ganadores del Premio de Periodismo Europeo Salvador de Madariaga que suma veinticuatro ediciones, convocados en Madrid, el viernes 15 de febrero de 2019 por la Asociación de Periodistas Europeos y por las representaciones en España de Parlamento y Comisión Europea al constituirse como Club Madariaga manifiestan:

  1. Que la UE es la respuesta. Es voluntaria y supera la mera suma de los países miembros que la integran, pero se encuentra bajo amenazas que obligan a un mayor compromiso ciudadano.
  2. Que ni desde el optimismo naif ni desde el pesimismo fatalista de los euroescépticos puede darse una relación lúcida y exigente con Europa. Su legitimidad democrática está fuera de discusión, pero no así sus tiempos, procedimientos de toma de decisiones y las geometrías variables que resultan.
  1. Que la idea de Europa y el recurso a una Europa mejor requieren volver al discurso de sus fundadores para encarnarla simbólicamente.
  1. Que está averiguada la necesidad de generar un sentido de pertenencia desde la educación, la pedagogía y la emotividad y pasar de saberse europeo a sentirse europeo, superando la comunidad de intereses por la de valores.
  1. Que a la Unión Europea corresponde ejemplificar, transmitir valores y administrar la diversidad y la complejidad. Ser modelo de libertad y bienestar sin traicionarse en cuestiones como inmigración o defensa de las libertades.
  1. Que es indispensable desnacionalizar las ideas, superar el enfoque nacional, dejar de culpabilizar a Europa en base a intereses particularistas e implicarse en pro de una comunidad con responsabilidades globales.
  1. Que Europa debe superarse a sí misma, sin limitarse a gestionar sus problemas internos, comprometiéndose a avanzar reduciendo las desigualdades sociales.
  1. Que Europa ha de aferrarse a la cultura, cemento adhesivo y vertebrador.
  1. Que la nueva mirada ha de ser capaz de integrar más allá de la frialdad de las cifras a una juventud, nacida europea, que necesita emociones con las que identificarse.
  1. Que para sentir Europa es necesaria la comunicación y el periodismo libre, cuyos puntos cardinales son la lucidez, la desobediencia, la ironía y la obstinación y que es preciso un modelo de comunicación donde los jóvenes se sientan constructores de Europa, a la que han de interrogar en clave europea.

En consecuencia, consideran que las elecciones del 26 de mayo serán decisivas para configurar el escenario donde se genere la oportunidad de decidir nuestra mejor versión de la UE.

NdP

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Ángela Gonzalo del Moral   27.feb.2019 23:42    

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Este blog es un viaje por la Europa cotidiana. Un recorrido por el día a día de los ciudadanos de la Unión Europea, recogiendo aquello que nos une... que nos diferencia, o que todavía nos separa.
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