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Tiago Rodrigues, director del Festival de Aviñón: “El teatro siempre ha sido una forma artística profundamente política y comprometida con su tiempo”

 

 

Foto: Philippe Bonfiglio

 

El Festival de Aviñón, uno de los encuentros escénicos más relevantes del mundo, está a punto de celebrar 80 años. Pocas horas antes de iniciarse esta nueva cita con el teatro, hablamos con su máximo responsable, el portugués Tiago Rodrigues, quien nos comparte su visión sobre la memoria, la actualidad, la creación y el futuro del arte teatral.

Rodrigues es una de las figuras más relevantes del teatro europeo contemporáneo. Nacido en Portugal, su aproximación al teatro fue, como él mismo relata, fruto del azar, pero también del deseo profundo de comprender el mundo a través de las palabras, la memoria y la imaginación. Dramaturgo, actor, director y actual responsable del prestigioso Festival de Aviñón, su obra traspasa fronteras y lenguas, abordando con sensibilidad temas tan universales como la transmisión, la identidad y el poder evocador de la palabra.

A lo largo de su carrera, el director portugués ha construido un teatro que no busca tanto representar la realidad como activarla. En sus espectáculos, el espectador es invitado a imaginar, a recordar, a participar de una experiencia colectiva que se nutre tanto de lo íntimo como de lo histórico. Obras como By Heart, Antonio y Cleopatra o En la medida de lo imposible son prueba de un arte que dialoga con los clásicos, pero también con los dilemas contemporáneos, sin renunciar nunca a la emoción ni al pensamiento.

 

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Canal Europa: Realizamos esta entrevista el 2 de julio a muy pocas horas del inicio del festival. ¿Cómo vive esos momentos previos? ¿Más alivio por llegar o más tensión por lo que aún queda por hacer?

Tiago Rodrigues: Son días muy intensos, llenos, pero vividos con mucho placer. Es un momento de efervescencia porque vemos al equipo del festival —más de 700 personas— trabajando ya intensamente en Aviñón. La ciudad se transforma completamente, entra en modo festival. Es algo muy singular: el festival no solo es el evento cultural más importante del año, sino también el más relevante económica y políticamente para la ciudad.

Se convierte en una capital mundial del teatro, de la danza, y empiezan a llegar los artistas. Muchos reencuentros, muchas obras por terminar, ya que más de la mitad son estrenos mundiales. Hay una energía única, una conexión con la creación. También el público empieza a llegar —una mezcla de público local y visitantes que hacen de Aviñón su república teatral por unas semanas. Es una atmósfera de fiesta, de encuentro y de debate.

P: ¿Y cómo se refleja esa dimensión de debate, de una actualidad tan intensa y visceral, en esta edición del festival?

R: El teatro siempre ha sido una forma artística profundamente política y comprometida con su tiempo. Este año, por ejemplo, presentamos “Los Persas” de Esquilo, dirigida por Guénaël Morin. Es la tragedia griega más antigua que conservamos, y ya en su época hablaba del otro, del vencido. Ese gesto de intentar comprender al otro está en el ADN del teatro y también del Festival de Aviñón desde su fundación por Jean Vilar en 1947.

Además, hay muchas propuestas actuales, como la de Caroline Gillet y la artista afgana Kubra Khademi   que presentan una obra sobre la mirada de las mujeres afganas bajo el régimen talibán. Milo Rau organiza una lectura pública del proceso judicial de Gisèle Pelicot, víctima de violencia sexual que quiso que su juicio fuera público. También tenemos obras como Affairs familiales, de Émilie Rousset, sobre la violencia intrafamiliar en Europa, o la propuesta del libanés Ali Chahrour, que denuncia el sistema de explotación de trabajadoras africanas en Beirut.

 

Foto: Philippe Bonfiglio

 

P: También habla de memoria. ¿Es esa otra gran línea de esta edición?

R: Absolutamente. La memoria está muy presente, tanto artística como políticamente. Este año, por ejemplo, presentamos El zapato de raso de Paul Claudel con la Comédie-Française en la Cour d’Honneur. Es imposible no recordar la mítica versión que hizo Antoine Vitez en 1987, y esto es parte del legado que compartimos.

Además, tenemos un proyecto que se llama Transmisión imposible, que reúne a jóvenes artistas de todo el mundo —incluyendo España— con creadores consolidados en una escuela de verano para intercambiar experiencias, ver obras, debatir… Esa idea de transmisión intergeneracional es clave. 

Políticamente, la memoria es esencial también. Mucho del crecimiento de las extremas derechas en Europa tiene que ver con un déficit de memoria. Lo abordamos en debates abiertos en nuestro Café de las Ideas, con la participación de directores de festivales europeos.

 

Foto: angelaGonzaloM

 

P: Sobre el futuro del teatro, ¿cómo lo vislumbra?

R: Si algo he aprendido es que siempre nos equivocamos al predecir la muerte del teatro. Con la televisión, con el cine, con lo digital… y sin embargo, el teatro se adapta, absorbe, crece.

Hoy hay mucho interés en la inteligencia artificial, en la digitalización, y sin duda veremos propuestas innovadoras. Pero lo que más me entusiasma es la tendencia de volver a la naturaleza: obras al aire libre, en colinas, en bosques. Desde 2023 hemos presentado varias obras así. Este año, Clara Hédouin lo hace en una colina de Villeneuve-lès-Avignon. Cambia la arquitectura —salir del teatro construido— cambia también el lenguaje escénico. Es un camino muy vivo y poderoso.

P: Hablando de lenguas, este año el festival tiene como invitada a la lengua árabe. ¿Cómo ha influido esto en la programación?

R: Efectivamente, este año la lengua invitada es el árabe, como lo fue el español el año pasado. Eso se nota especialmente en la programación internacional: tenemos muchas obras y artistas de Marruecos, Palestina, Siria, Túnez, Líbano… Pero siempre buscamos un equilibrio. Este año participan 21 países, casi mitad europeos, mitad extraeuropeos. Francia representa cerca del 50% del total, pero una producción francesa no implica que todos los artistas lo sean, porque muchas obras son fruto de colaboraciones internacionales.

Invitar al árabe este año también es un gesto político y cultural. Nos permite contrarrestar prejuicios: el árabe no es una lengua de violencia ni extremismo. Es una lengua de saber, de diálogo, de invención y de belleza. Celebrarla así es también hacer justicia a la memoria.

 

 

P: Todos los directores del Festival han legado su trabajo a la maison Jean Vilar. Aunque esperamos que tarde muchos años en hacerlo ¿cuál le gustaría que fuera su legado como director del festival?

R: Dirigir el Festival de Aviñón es interpretar una partitura histórica. Jean Vilar la escribió, y cada director la interpreta a su manera. Yo quiero que esta partitura se actualice con la sensibilidad del presente. Para mí, hay tres pilares fundamentales: la creación, la descentralización y la democratización.

Primero, somos un festival de creación. El 80% de las obras son recientes, muchas creadas aquí. Segundo, la descentralización: el festival nació como un acto de llevar la cultura fuera de París, y hoy Aviñón es el nuevo centro teatral del mundo en julio. Y tercero, la democratización. Queremos que el público venga, pero también que nosotros vayamos al público.

En 2023 trajimos gratuitamente a 5.000 jóvenes al festival. En 2024 fueron 7.000 y este año serán 9.000. También abrimos el festival con una función gratuita en el Palacio de los Papas para asociaciones del ámbito social, educativo y médico. Y llevamos el teatro a pueblos rurales, con obras sencillas técnicamente, pero creadas por grandes artistas. Democratizar hoy significa también ir a la puerta del espectador y decirle: “estamos aquí, con teatro para vosotros”.

 

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Mujeres, fútbol y revolución deportiva

 

Foto: Bernardette Szabo/Reuters

 

El 2 de julio, Suiza se convertirá en el corazón palpitante del fútbol femenino europeo. Durante casi un mes, hasta el 27 de julio, el país alpino será escenario de la decimocuarta edición de la UEFA Women’s EURO, una cita histórica por algunos de los logros. Récord de entradas vendidas, una cobertura sin precedentes y, sobre todo, un nivel de fútbol que promete emocionar y consolidar el papel de las mujeres como protagonistas del deporte mundial.

En palabras de Nadine Kessler, Directora General de Fútbol Femenino de la UEFA "queremos llegar tan lejos como podamos, batiendo todos los récords posibles. Ya hemos vendido más entradas que en Inglaterra, sin un partido inaugural en Old Trafford ni una final en Wembley. Eso lo dice todo".

 

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Con más de 600.000 entradas vendidas antes del inicio, el torneo ya ha superado las cifras de ediciones anteriores. Se espera que lo vean 500 millones de espectadores en todo el mundo. El crecimiento del fútbol femenino no es casualidad. Kessler lo deja claro: “La clave del éxito ha sido la inversión colectiva: UEFA, federaciones, clubes, medios y patrocinadores. Y eso nos ha traído hasta aquí”.

En cuanto a los recursos económicos, el organismo deportivo destinará mil millones de euros al desarrollo del fútbol en su próximo ciclo estratégico, una cifra que evidencia la magnitud del compromiso con este deporte. Y por primera vez todas las participantes recibirán un porcentaje económico. Cuarenta y un millones de euros repartidos en premios.

 

Foto: Nick Potts/Europa Press

 

Los ojos estarán puestos en ocho ciudades suizas convertidas en sedes del campeonato. Basilea, Berna, Ginebra, Lucerna, Sion, San Galo, Thun y Zúrich recibirán estos días a 16 selecciones nacionales que competirán por la gloria en un torneo que se perfila como el más competitivo de la historia en categoría femenina.

Un guiño al espíritu acogedor del país, que ofrece más de 300 trenes adicionales y viajes gratuitos los días de partido para todos los poseedores de entradas. Además, la UEFA y las autoridades suizas han establecido altos estándares de sostenibilidad e inclusión para este torneo.

Sin duda las grandes protagonistas del torneo son las jugadoras. Todas llegan con un único propósito: ganar la final del 27 de julio.
España, actual campeona del mundo, Inglaterra, vigente campeona de la Eurocopa, Alemania, con 8 títulos, Francia y Suecia, son las favoritas al triunfo final.

 

Foto: Stephane Mahe/Reuters

 

España, campeona del mundo, va a por más. La selección española llega a Suiza como vigente campeona del mundo y con la mirada puesta en el único gran título que aún se le resiste: la Eurocopa. Encabezadas por una generación dorada, las jugadoras integran el Grupo B, junto a Bélgica, Italia y Portugal, en una fase que promete duelos vibrantes.

Mientras el equipo dirigido por Montse Tomé representa la evolución del fútbol femenino español y aspira a dejar su huella definitiva en Europa, la selección danesa llegó con sed de revancha y una motivación renovada.

Tras una dura derrota por 6-1 ante su vecina y rival histórica, Suecia, en el último partido de preparación, las jugadoras hicieron una profunda autocrítica. La humillación sufrida en el amistoso ha calado hondo en el equipo. Amalie Vangsgaard, una de las delanteras claves del conjunto, no duda en reconocer el golpe. “Fue una bofetada, donde uno simplemente piensa: eso no puede volver a pasar. Me motiva a trabajar aún más duro, a ser más coherentes, a comunicarnos mejor. Porque debe haber una reacción después de un resultado así”.

 

Foto: Bernardette Szabo/Reuters

 

Una Euro que también se juega desde el silbato. Las árbitras de la Eurocopa se presentan como juezas del partido y protagonistas de una transformación histórica en el fútbol europeo. Desde hace tiempo trabajan en su preparación física, mental y técnica. El equipo arbitral en Suiza está compuesto por 13 árbitras, tres suplentes, junto con 24 asistentes y 16 árbitras de VAR.

Todas ellas comparten sus expectativas, desafíos y motivaciones de cara a este torneo. Stéphanie Frappart, Tess Olofsson y Frida Klarlund destacan la evolución profesional del arbitraje femenino, con mejoras en la preparación física, tecnificación y profesionalización.

Referente indiscutible del arbitraje mundial, la francesa Stéphanie Frappart es una de las voces que más destacan. Acostumbrada a dirigir partidos de primer nivel tanto en competiciones femeninas como masculinas, Frappart habla con serenidad sobre su motivación constante: “Estar en el campo. Solo para gestionar el juego y tomar decisiones. Eso es lo que me mantiene al máximo nivel”.

 

Foto: Bernadett Szabo/Reuters

 

La francesa subraya el impacto del crecimiento del fútbol femenino en la última década. “El paso es muy grande desde 2010 y la evolución del juego ha elevado también la exigencia para quienes lo arbitramos".

La árbitra francesa fue la primera mujer designada para arbitrar la final de la Supercopa masculina de la UEFA en 2019. Meses antes también era la primera mujer designada para arbitrar un partido de máxima competición francesa, y en diciembre de 2020 se convirtió en la primera mujer en arbitrar en la UEFA Champions League. Fue también la primera árbitra en dirigir un partido de fútbol masculino en el mundial de Catar, en 2022. 

La sueca Tess Olofsson, otra figura reconocida en el arbitraje europeo, destaca el impacto físico y técnico que ha tenido el crecimiento del fútbol femenino: “Ahora tenemos jugadores a tiempo completo. También tenemos árbitros a tiempo completo. El fútbol es más rápido, por eso necesitamos estar en mejor forma y trabajar más duro”.

La danesa Frida Klarlund, una de las nuevas caras del equipo arbitral de la EURO 2025, no oculta su emoción por formar parte de esta edición. “Es un verdadero hito. Nos hemos esforzado mucho para estar aquí”.

Klarlund también valora el sentido de comunidad que une a las colegiadas europeas: “La comunidad es realmente genial. Llevamos muchos años juntas. Nos conocemos bien”.

 

Foto: Michael Buholzer/EFE

 

Otra mujer, la presidenta de la Confederación Helvética, también ha puesto su grano de arena implicándose directamente en la competición deportiva.
La decisión de Karin Keller-Sutter de participar activamente en la promoción del torneo con un video oficial ha sido calificada como histórica por su oficina, subrayando el compromiso de Suiza con el empoderamiento y el crecimiento del fútbol femenino.

El gesto de la política suiza no es solo simbólico. Refleja el respaldo institucional al deporte femenino y una apuesta clara por una Eurocopa que ya ha roto récords. Más allá de la competición, el país quiere que este evento sea una celebración de la igualdad, el talento y la unidad. Keller-Sutter ha lanzado un mensaje claro a todas las participantes: "Simplemente queremos que lo sepan y lo recuerden. En Suiza, aunque pierdas, ganas."

 

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'Baltimore', una aristócrata en el IRA

 

 

Un año después del fallecimiento de la polémica y activista Rose Dugdale, llega a las pantallas de cine su biopic. Con Baltimore, protagonizada por una convincente Imogen Poots, los directores Joe Lawlor y Christine Molloy acercan otra vez a la actualidad el conflicto de Irlanda Norte. Y lo hacen a través de una historia poco conocida aunque sorprendente. En 1974 lideró el mayor robo de arte de la historia.

La acción, que las autoridades lo calificaron como "acto terrorista", fue planeado por esta rica heredera británica que se había unido al IRA, tras el ataque del ejército británico del domingo sangriento, el 30 de enero de 1972 en Derry. Acabó con trece manifestantes muertos y 15 heridos. Considerado uno de los días más negros del conflicto, esa actuación militar recrudeció el conflicto y detrás de esa actuación militar, se recrudeció el conflicto y atrajó a miles de personas a formar parte del IRA.

Una de las personas que se simpatizó con ese movimiento fue la aristócrata inglesa Bridget Rose Dugdale. La película recoge algunos momentos importantes de su vida como la prticipación en la ceremonia de "debutantes" del Palacio de Buckingham en 1958, cuando contaba con 17 años de edad. En ese acto, en el que conoció a la reina Isabel II, las jóvenes eran presentadas a la alta sociedad inglesa. A ella aquella ceremonia le pareció un despilfarro de dinero.

 

En su compleja historia como activista, se vistió de hombre para irrumpir en una reunión de la sociedad de debate Oxford, universidad en la que estudiaba economía, para denunciar que la membresía solo fuera para hombres.

Antes de ingresar en el Ejército de Liberación de Irlanda del Norte, había participado en movimientos de defensa de los derechos civiles y llegó a vender una casa que había heredado para destinar el dinero a personas con dificultades económicas. Interesada por la política comunista, viajó a Cuba antes de entrar en contacto con el IRA.

A lo largo del biopic conocemos también cómo se fue forjando su radicalización, como el robo de pinturas, platería y antigüedades que realizó en 1973 en la casa de sus padres. Fue arrestada durante dos años. El juez consideró que era poco probable que cometiera más actos delictivos.

 

 

También participó en el secuestro de un helicóptero para transportar bombas que junto con otro cómplice lanzaron sobre una comisaría de policía en la frontera de Irlanda del Norte, aunque no explotaron. Como le explicó a su biógrafo Sean O'Driscoll, que "fue el día más feliz de mi vida... Sentí que realmente estaba haciendo lo que dije que haría".

La película se centra en su actuación más sorprendente. El robo de obras de arte en la Casa Russborough, ubicada en el condado de Wicklow. La mansión del siglo XVIII pertenecía a Alfred Beit, un exparlamentario británico que había hecho fortuna en las minas de oro y diamantes de Sudáfrica y que era propietario de numerosas obras de arte, valoradas en 10 millones de dólares.

Toda la película transcurre en esta mansión, convertida en un símbolo de la historia de clase y poder que Dugdale intentó derribar. Durante unas semanas fue la mujer más buscada del Reino Unido mientras se escondía en una cabaña de ese condado junto con dos hombres con los seudónimos de 'Dominic' y 'Martin'. Baltimore transmite la complicada personalidad de la protagonista y sus contradicciones.

 

El 26 de abril de 1974, la banda armada norirlandesa exigió la repatriación de Inglaterra a Irlanda de cuatro prisioneros pertenecientes a esa organización a cambio de 19 cuadros robados.

Entre ellas la obra Una dama escribe una carta con su sirvienta, pintada por el pintor neerlandés Johannes Vermeer entre 1670 y 1671, además de Retrato de Doña Antonia Zárate, de Goya y La cocinera con la cena de Emaús, de Velázquez.

Dirigida por el matrimonio dublinés Joe Lawlor y Christine Molloy, y protagonizada por una intensa Imogen Poots, la película plantea una reflexión sobre la radicalización, la culpa, y la lucha por la justicia desde los márgenes.

Ambos han dirigido todas sus películas conjuntamente. Radicados en Londres desde finales de los años 80, ha desarrollado una filmografía que explora, tanto en la ficción como en el ensayo fílmico, los conceptos de identidad. Su cine se distingue por una notable versatilidad en el uso de géneros y estructuras narrativas, sin perder de vista los ejes temáticos que vertebran su obra.

Entre sus documentales destacan The Future Tense (2022), Further Beyond (2016) y Joy (2008), y  han dirigido largometrajes de ficción como La interpretación de Rose (2019), Mister John (2013), Tiong Bahru (2010) y Helen (2008).

 

 

 

A través de una narrativa fragmentada, con uso intermitente de flashbacks y secuencias oníricas que a veces confunden más de lo que iluminan, este thriller político, basado en hechos reales, reconstruye los momentos clave de la transformación ideológica de Dugdale. Desde su juventud aristocrática —incluida su presentación como debutante ante la reina Isabel II— hasta sus primeros pasos como activista por los derechos civiles, pasando por su inmersión en el comunismo y su radicalización tras el Domingo sangriento del 30 de enero de 1972 en Derry.

El ritmo muy irregular y distante y un ambiente sombrío, impiden al espectador una conexión emocional con la protagonista, un personaje complejo y de gran intensidad, protagonizado por una gran Imogen Poots. La acompañan durante gran parte del rodaje Tom Vaughan-Lawlor, Lewis Brophy, que dan vida a 'Dominic' y 'Martin'. Ninguno de los dos fue identificado ni capturado.

Cuando fue condenada a 9 años de cárcel, declaró que estaba "orgullosa e incorruptiblemente culpable". Su cómplice y padre del hijo que tuvo en prisión, Eddie Gallagher, cumplió una condena de 20 años de cárcel por secuestrar a un empresario con la intención de forzar la puesta en libertad de Rose.

Bridget Rose Dugdale falleció en marzo de 2024, a los 82 años, en Dublín. En el Reino Unido su militancia en el IRA no ha dejado de ser controvertida, en cambio, en Irlanda -donde siguió colaborando con el Sinn Féin-, muchos la consideraban una activista comprometida e "inquebrantable en sus convicciones".

 

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Espiritualidad y memoria artística en dos grandes exposiciones europeas

 

800 años del “Cántico de las Criaturas”: celebración del vínculo entre el ser humano y la naturaleza

 

Foto: Wikipedia. Fresco de Giotto

 

Se cumplen ocho siglos, de uno de los poemas más conocidos en Europa. “El Cántico de las Criaturas” una inspiración de San Francisco de Asís más actual que nunca. Escrito en el siglo XI, se considera una de las primeras poesías centradas en la relación entre la humanidad y la naturaleza y sirvió de inspiración a la primera encíclica del recientemente fallecido papa Francisco, dedicada íntegramente al medioambiente. El pontífice escogió como título "Laudato, sí", la primera expresión del escrito de Francisco de Asís. 

El fundador de los franciscanos estaba casi ciego y muy enfermo cuando escribió estas palabras de alabanza a la naturaleza. Quizá la falta de visión le llevó a entender el entorno de una manera más íntima.

En enero el Santuario de San Damián en Asís, inauguró oficialmente el octavo Centenario y la Galería Nacional de Umbría, el corazón de la región que le vio nacer, ha organizado una exposición bajo el título de “Hermano Sol, Hermana Luna”. Incluye obras de arte que reflejan esta temática. “Es un análisis de cómo cambia la relación con la naturaleza", dice Constantino d'Orazio, de la Galería Nacional de Umbría.

 

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Y aclara que comienza precisamente en el año 1300, por que “a partir de ahí, comienza un recorrido que, a lo largo de cinco siglos, analiza cómo cambia la representación de la naturaleza debido a cómo cambia la percepción del hombre hacia los animales, las plantas, el mar y las estrellas, que siempre desempeñan un papel diferente”.

El Cántico de las Criaturas es el punto de partida de este recorrido expositivo, "también en términos de reflexión científica por nuestra parte, ya que el interés del arte por la naturaleza comienza exactamente en el momento en que Francisco compuso el poema”, afirma Veruska Picchiarelli, historiadora del arte y comisaria de la exposición.

La investigadora añade que "en los siglos XII y XIII “dejamos de mirar lo sobrenatural, cuando dejamos de considerar el cielo como la única dimensión deseable, y se vuelve la mirada hacia lo que nos rodea”.

La muestra ha acogido unas 80 obras de arte de Jan van Heyck, Beato Angelico, Piero della Francesca y otros artistas fascinados por las teorías del santo de Asís con cuadros procedentes de prestigiosos museos europeos como el Louvre, los Museos Vaticanos  o el Rijksmuseum.

 

 

 

En el Museo de Pedralbes de Barcelona, también se ha abierto una exposición de fotografías para conmemorar esta efeméride.

Hasta el 31 de agosto, sor Isaura Marcos presenta “Luces en la Luz” su particular reinterpretación del Cántico de las Criaturas, un trabajo fotográfico fruto de la observación y de una forma de hacer intuitiva, basada en los reflejos, la superposición de imágenes y el color. La religiosa, que ingresó en el convento barcelonés en 1976, también quiere preservar el testimonio cultural de esta comunidad de monjas clarisas.

 

“París Negro”: El Pompidou rinde homenaje al arte africano y anticolonial

 

 

Antes de cerrar sus puertas para una remodelación integral, el centro Pompidou muestra una recopilación sin precedentes de arte africano del siglo XX, centrada en los movimientos artísticos y luchas anticoloniales desde 1950 hasta el año 2000. En total, más de 300 obras de 154 artistas del Caribe, África y Estados Unidos. "Alrededor de 40 adquisiciones... obras que permanecerán en el museo y que pertenecen a creadores de los territorios franceses de ultramar", refuerza, Eva Barois de Caevel, curadora asociada de la exposición titulada "París Negro".

"Sigue la increíble epopeya de la descolonización en París y muestra y desvela cómo la ciudad fue un laboratorio para el panafricanismo, un taller anticolonial también. Así, que verán 50 años de esa historia descolonizadora en París, y verán a todos estos artistas", añade Alicia Knock, curadora de la exposición.

"Podemos saber cómo contribuyeron a reescribir la historia del modernismo y el posmodernismo, cómo estos artistas replantearon la abstracción y el surrealismo. Al mismo tiempo, se verán todas las solidaridades negras que surgieron en ese momento, y cómo estos artistas realmente crearon una historia del arte panafricano en los mundos negros, a través del Atlántico Negro, desde África hasta las Américas".

 

En la segunda mitad del siglo XX, París, se convirtió en la capital negra internacional, donde, de hecho, todos los artistas huían de la segregación en Estados Unidos y del apartheid en Sudáfrica, el continente se preparaba para la independencia y los movimientos independentistas en el Caribe se siguen sintiendo hasta nuestros días. Para Knock "al final de la exposición, nos centramos más en la cuestión de una Francia negra, que obviamente plantea cuestiones muy diferentes". La muestra cerrará el 30 de junio.

Para Eva Barois "El enfoque de la muestra no es la geografía, ni la esencialización, ni la raza. Se trata más bien de la conciencia negra, una experiencia compartida que se materializa a través del círculo central, es una vivencia compartida basada en la experiencia de la esclavitud y del racismo, sobrellevado por la mayoría de los artistas de la exposición".

 

El Centro Pompidou se remodela

 

Foto: Facebook Centro Pompidou

 

El Centro Pompidou, una de las instituciones culturales más importantes de Francia, cerrará las puertas en septiembre y reabrirá en 2030. No estará abierto para la celebración de su 50 aniversario en 2027.

Desde hace medio siglo ha sorteado una larga aventura de obstáculos y desafíos tecnológicos, pero ahora se enfrenta a los problemas que provoca en su estructura el amianto. Según las autoridades culturales francesas, esta obra es imprescindible debido a la corrosión y el desgaste que sufría el enorme edificio, que alberga en particular colecciones muy importantes de arte moderno y contemporáneo, amplios espacios expositivos y una biblioteca muy amplia. Desde su inauguración en 1977 lo han visitado más de 300 millones de personas.

 

Foto: Facebook Centro Pompidou

 

Las obras de modernización y retirada de amianto, tienen un presupuesto de unos 262 millones de euros. Los trabajos de rehabilitación y desamiantado de todas las fachadas, la seguridad contra incendios, la optimización energética del edificio, así como los arreglos necesarios para una mejor accesibilidad de las personas con movilidad reducida, deberán comenzar a principios de 2026.

Radical y audaz, evocando la ingeniería del siglo XIX, como la Torre Eiffel y los pabellones Baltard del mercado de Les Halles, gracias al uso del hierro y el cristal, este icónico edificio forma parte integral del paisaje parisino, reconocible por sus colores y su fachada en contraste con las tonalidades grises de los tejados circundantes.

Emblema de la arquitectura industrial y funcional, nacido de las utopías de finales de los años sesenta, durante este tiempo ha exhibido su estructura y funciones, creando espacios interiores libres y fluidos, garantizando la transparencia de su flujo, visible desde la fachada oeste.

 

Foto: Facebook Centro Pompidou

Este monumento arquitectónico es un espectáculo permanente, con su fachada iluminada por la noche y su animada plaza durante el día, mientras que el ascenso por sus escaleras mecánicas ofrece una de las panorámicas más sugerentes de la capital de la luz.

En la reapertura está previsto que los espacios del museo mantengan el mismo posicionamiento, pero el tapizado estará rediseñado en una “perspectiva multidisciplinar”. Se proyectan nuevos espacios para jóvenes, así como la ampliación de su biblioteca.

 

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Los fotógrafos exploran la Inteligencia Artificial a través de la memoria y la ficción

 

 

Foto: Pascal Sgro

 

En las paredes industriales de Hangar, el emblemático centro de arte fotográfico situado en el prestigioso barrio de Châtelain, en Bruselas, se exhiben las imágenes, pero a la vez, interpelan, provocan, cuestionan y, en ocasiones, engañan. La exposición colectiva AImagine – Fotografía e Imágenes Generativas es una exposición colectiva que no elude los temores que suscitan las posibles amenazas que la IA representa para la fotografía y para nuestra percepción del mundo que nos rodea.

Desde sus inicios, la fotografía ha intentado eternizar lo efímero, detener el tiempo. A casi dos siglos de su nacimiento, se considera que la primera imagen fotográfica fue "Vista desde la ventana en Le Gras", captada por Joseph Nicéphore Niépce en 1827 tras ocho horas de exposición.

 

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Durante décadas, la fotografía reflejó la realidad tal como era. Con el tiempo, los fotógrafos comenzaron a construir escenas, y en los últimos años, las imágenes generadas por ordenador se han vuelto comunes. Actualmente la inteligencia artificial permite que el fotógrafo ya no dispare una cámara, pero continúe creando desde lo conceptual y digital.

La exposición AImagine ofrece una mirada crítica sobre el futuro de la fotografía en una era dominada por algoritmos y máquinas creativas. Una pregunta recorre las salas: ¿Quién le teme a la inteligencia artificial? En tiempos en que las imágenes generadas por máquinas se confunden con la realidad, fotógrafos de distintas generaciones y geografías participan en una exposición que no busca respuestas absolutas, solo abrir nuevas ventanas a la exploración visual.

Pascal Sgro reinterpreta la edad dorada de la aviación comercial con Cherry Airlines, una aerolínea ficticia ambientada en los años 50. Utilizando IA, construye un universo retro impregnado de nostalgia y crítica ambiental: el lujo aéreo como símbolo de estatus en el pasado, y de impacto ecológico en el presente.

 

Foto: angelaGonzaloM

 

Desde otra dimensión emocional, Alexey Yurenev nos transporta a la Segunda Guerra Mundial con Silent Hero, un proyecto que combina aprendizaje automático, archivos familiares, imágenes forenses y entrevistas reales para reconstruir una historia olvidada. Su obra conmueve y plantea interrogantes sobre la memoria, el olvido y el papel de la tecnología en sanar —o perpetuar— heridas históricas.

Para Yurenev, la tecnología no sustituye la verdad, pero sí permite reconstruirla desde nuevos ángulos. Su trabajo se convierte en una meditación sobre la identidad, la historia y la forma en que recordamos.

Una situació similar propone Michael Christopher Brown. En 2023, creó 90 Miles (90 millas), un proyecto que explora la larga historia y la peligrosa travesía de los cubanos que cruzan esa distancia náutica, la que separa La Habana y Florida, profundizando en por qué y cómo lo hacen. 

 

Foto: angelaGonzaloM

 

Concebido durante más de 25 años pero imposible de realizar por razones políticas y logísticas, este proyecto cobró vida a través de la inteligencia artificial. Basado en su experiencia personal en Cuba y  en testimonios reales de balseros, Brown reconstruye escenas desde los años 50 hasta hoy. Sin embargo, las imágenes que muestra, aunque verosímiles, no son reales.

En un diálogo conceptual y generacional, Philippe Braquenier retoma la instalación Imágenes reales de Alfredo Jaar, reinterpretándola con IA. En 1995, Jaar ocultó las fotografías del genocidio de Ruanda, como crítica al poder anestesiante de las imágenes.; sólo sus descripciones eran visibles.

Braquenier plantea ahora una pregunta inquietante: ¿qué ocurre si esas descripciones son transformadas en imágenes por una máquina? ¿Puede una IA “ver” el horror humano o solo simularlo sin comprenderlo?

 

Fotos comparativas de Dorothea Lange y Brodbeck&Barbuat

 

Quizá, le respondan los artistas Lucie de Barbuat y Simon Brodbeck . Este dúo propone un viaje hacia lo intangible, a perder la noción del tiempo y del espacio con sus series fotográficas que exploran la condición humana, el más allá y la aspiración espiritual. 

La IA amplifica la mirada humana. Sus composiciones evocan sueños lúcidos en los que realidad y ficción se entrelazan. Parten de icónicas imágenes del pasado, como La muerte de un miliciano de Robert Capa o Madre migrante de Dorothea Lange, tomada en 1936. La IA reimagina las imágenes y aparece una mujer sin arrugas, sin dolor, sin historia. Una ficción inquietante donde lo humano parece diluirse.

 

Foto: angelaGonzaloM

 

Contrarrestando este borrado simbólico, Claudia Jaguaribe presenta Bárbaras, una serie que da rostro a mujeres claves en la historia de Brasil que fueron invisibilizadas. A través de una investigación rigurosa y la fusión de dibujos, esculturas, fotografías e IA, Jaguaribe recupera figuras como sindicalistas, intelectuales, la primera abogada del país, presas políticas o líderes sociales. Según la artista, esta reconstrucción visual busca que sus legados sigan resonando hoy.

Para el irreverente Robin Lopvet se ha destacado una de sus obras en el hall de entrada. Collages absurdos, retoques visibles, juegos visuales: su trabajo es, a la vez, una crítica y un canto lúdico a la era digital. Para el artista, la IA no es una amenaza sino una extensión del juego. En su universo, lo serio y lo burlesco coexisten, revelando verdades incómodas en medio del caos estético.

 

 

Foto: Hangar Art Center

 

Esta exposición es un paso más de Hangar en su recorrido de casi una década. A lo largo de los años, este centro de arte fotográfico bruselense, se ha convertido en una plataforma para dar visibilidad tanto a fotógrafos consolidados como a nuevas voces emergentes, con el objetivo de mostrar la energía y diversidad que vive la fotografía actual.

AImagine es una propuesta que desafía la mirada pasiva. No se limita a mostrar imágenes generadas por inteligencia artificial, sino que plantea una serie de interrogantes éticos, estéticos y existenciales: ¿Qué significa “ver” en un mundo donde la imagen ya no nace de una mirada humana?

La exposición estará abierta al público hasta el 15 de junio. A partir del día 26, se sumarán otros artistas que compartirán su visión sobre distintas realidades, paisajes humanos y entornos naturales.

 

Foto: Hangar Art Center/Visit Brusels

 

"Fotografiar el mundo de mañana" reúne el trabajo de 40 fotoperiodistas de todo el mundo, en una muestra organizada para conmemorar el 40 aniversario de Reporteros Sin Fronteras (RSF).

A través de sus cámaras, estos fotógrafos capturan, cada uno a su manera, los grandes retos que enfrenta hoy la humanidad y el periodismo: el medio ambiente, el exilio, las crisis globales... Temas que reflejan la complejidad del mundo actual, y también los riesgos crecientes de ejercer esta profesión. Sus imágenes hablan de coraje, resistencia y una vocación que sigue firme pese a la presión constante. Un testimonio visual que nos recuerda por qué es tan urgente y necesario apoyar al periodismo en todo el mundo.

 

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Un glaciar sepulta el pueblo de Blatten. El deshielo de los Alpes se cobra otra victima

 

 

Foto: Fabrice Coffrini/AFP

 

Blatten, un pintoresco pueblo alpino ubicado en el valle de Lötschental, en el cantón suizo de Valais, ha desaparecido casi por completo bajo millones de toneladas de hielo, roca y polvo este miércoles. El deslizamiento, provocado por el colapso del glaciar Birch, destruyó parte del asentamiento, aunque, milagrosamente, no hubo víctimas mortales. Los 300 habitantes ya habían sido evacuados días antes gracias a un sistema de alerta temprana que resultó decisivo para salvar vidas.

Lo que ocurrió en Blatten no fue un accidente imprevisible. Fue una tragedia anunciada. Desde hacía semanas, los expertos geólogos advertían del riesgo creciente de colapso en el glaciar Birch. En una región conocida por sus majestuosas cumbres y su belleza natural, la montaña comenzó a dar señales de inestabilidad.

El radar interferométrico utilizado por las autoridades captó aceleraciones inquietantes en el movimiento de las masas rocosas. La noche del martes al miércoles, la actividad se intensificó, y la montaña finalmente cedió.

 

 

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A las 15:30, hora local, una masa colosal de hielo y roca descendió con violencia sobre Blatten, un pequeño municipio con más de 800 años de existencia. Las impactantes imágenes captadas por testigos y difundidas en redes sociales muestran una gigantesca nube de polvo que avanzaba como una ola imparable. La avalancha cruzó el valle del río Lonza, arrasando todo a su paso y alcanzando incluso la ladera opuesta.

El alcalde de Blatten, Matthias Bellwald, se mostró profundamente conmovido en una rueda de prensa. “Hoy ha sucedido lo inimaginable. Prácticamente hemos perdido el pueblo visible. Pero no hemos perdido el corazón. Sabemos dónde reconstruiremos nuestra iglesia, nuestras casas, nuestra comunidad. Después de una larga noche, volverá a amanecer”.

 

La fuerza imparable de la naturaleza

 

Foto: Fabrice Coffrini/AFP

 

El sismo de magnitud 3,1 que acompañó el colapso no hizo más que confirmar la magnitud de la catástrofe. Se calcula que entre dos y cinco millones de metros cúbicos de material se deslizaron montaña abajo. Los desprendimientos no cesan: desde el viernes anterior, 200.000 metros cúbicos de roca se han soltado, y la actividad continúa.

El consejero federal Albert Rösti, que visitó el lugar tras el desastre, señaló que aún es pronto para comprender la totalidad del fenómeno. “Habrá que analizar las causas en detalle. Lo que está claro es que el glaciar entero ha cedido, acumulando escombros y generando una situación sin precedentes en Suiza”, afirmó.

Blatten es solo el último caso en una preocupante serie de eventos naturales extremos en los Alpes. El cambio climático ha acelerado el deshielo de los glaciares alpinos, aumentando los riesgos de colapso y deslizamientos masivos. 

Las autoridades del Valais, conscientes del peligro, comenzaron a monitorear activamente el glaciar Birch con tecnología de radar de alta precisión. Gracias a esta vigilancia constante, se anticiparon al desastre y decidieron evacuar el pueblo el 19 de mayo. La decisión, aunque difícil, resultó ser la clave para evitar una tragedia humana.

“Disponemos de los resultados de un radar interferométrico que funciona como un radar de velocidad: detecta los movimientos con gran precisión”, explicó el experto Brigger, miembro del equipo de monitoreo. La vigilancia permitió anticipar el colapso con suficiente antelación para evacuar completamente a la población.

Hoy, Blatten yace cubierto por un cono inmenso de escombros. Las autoridades han restringido el acceso a la zona por seguridad, y aún es incierto cuándo podrán comenzar los trabajos de limpieza. El río Lonza corre el riesgo de quedar represado por la masa de escombros, lo que añade otro nivel de complejidad a la situación.

 

Reconstrucción y esperanza

 

Foto: Fabrice Coffrini/AFP

 

Pese al desastre, el espíritu de los habitantes no ha sido sepultado. Desde la comunidad local hasta las autoridades cantonales, todos coinciden en una cosa: Blatten será reconstruido. “Tenemos muchos amigos, muchas manos dispuestas a ayudarnos. Esta será una tarea larga, pero no estamos solos”, explicaba visiblemente emocionado el alcalde Matthias Bellwald.

La resiliencia de los habitantes es notable. Aunque el pueblo físico ha desaparecido, la comunidad permanece unida. En medio del polvo y la desolación, se alzan las voces de quienes se niegan a rendirse. “Si dejamos de creer en el futuro de nuestros valles, entonces tenemos un problema. Vivimos en las montañas y con las montañas, y tenemos un futuro en las montañas”, afirmó uno de los residentes evacuados.

 

El mensaje del glaciar

 

Foto: Fabrice Coffrini/AFP

El caso de Blatten es una advertencia clara sobre la fragilidad del equilibrio natural en las zonas de alta montaña.  En los últimos años, y por diversos motivos, varios pueblos han sido evacuados para evitar catástrofes humanas. Una experiencia que ya vivieron, antes que Blatten, Bondo, Brienz, Lostallo y Cevio. Los expertos creen que en el futuro, podrían producirse con más frecuencia desprendimientos de rocas y derrumbes de paredes rocosas en las regiones alpinas con permafrost.

Recuerdan que estos desprendimientos de piedras y rocas en la zona alta de las montañas es muy habitual y pueden cortar senderos, afectando a la población local, excursionistas y animales. Responsables del Instituto de Investigación sobre Bosques, Nieve y Paisajes (WSL) destacan que "nuestras observaciones sistemáticas abarcan un periodo de unos 20 años. Es demasiado poco para decir si se trata de sucesos excepcionales o si se está produciendo un cambio estadísticamente significativo".

Suiza, y especialmente las altas cumbres, son unas de las zonas más sensibles al cambio climático, aunque no todos los efectos de los últimos años se deban a ese problema, también se añaden a la meteorología, efectos hídricos y geológicos. Estudios como los del WSL apuntan a que las altas temperaturas están derritiendo los glaciares, lo que desestabiliza las laderas de las montañas. 

 

Foto: Fabrice Coffrini/AFP

 

Lo ocurrido en Blatten también es un recordatorio de la necesidad urgente de continuar desarrollando e implementando sistemas de alerta temprana eficaces. Esas medidas han servido para no lamentar pérdida de vidas humanas, aunque el precio pagado en destrucción material y emocional sea inmenso.

Nunca antes se había visto un fenómeno de estas características en Suiza. La magnitud del desastre marca un antes y un después en la historia del valle del Lötschental. La montaña, que durante siglos fue admirada y considerada inamovible, ha demostrado que incluso los gigantes pueden caer. Y sin embargo, en medio del desastre, queda una esperanza: Blatten volverá a levantarse. Porque aunque las piedras caigan, la voluntad de reconstruir es más fuerte.

 

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Centenario de Tinguely, el escultor de máquinas

 

 

Foto: angelaGonzaloM

 

Las obras del escultor, pintor y diseñador suizo, Jean Tinguely se ven y se escuchan. 

Nacido en Friburgo en 1925 y formado en Basilea, encontró su verdadero espacio creativo en París, donde se instaló en 1952 junto a su primera esposa, la artista Eva Aeppli. En la capital francesa comenzó a desarrollar relieves con elementos móviles que giraban lentamente sobre fondos negros.

Este mes, Suiza celebra el centenario de su nacimiento. Un lugar especial es el museo que lleva su nombre, situado en el corazón de Basilea.

 

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El controvertido artista busca el desorden mecánico. Es uno de los máximos representantes del arte en movimiento, el arte cinético.

"Creo que la civilización altamente tecnológica en la que vivimos es una civilización humana y que las máquinas son humanamente posibles, que la automatización nos parece algo extremadamente, peligroso porque causa desempleo y, en verdad, la automatización es una oportunidad posible y sigue siendo algo perfectamente humano siempre que no esclavice a los seres humanos".

Su obra se basa en la idea de la rueda, la repetición y el cambio perpetuo. Se puede ver perfectamente en sus fuentes instaladas en ciudades como París, Basilea o Friburgo. En su ciudad natal construyó una fuente diseñada en memoria de su amigo y piloto de carreras Jo Siffert, que cambia según las estaciones del año. Cuando recibe los rayos de sol muestra un arcoíris y en invierno llega a helarse. 

 

Foto: angelaGonzaloM

 

Todas sus fuentes tienen un nombre concreto, en París, la que está cerca del Museo Pompidou es la Stravinsky y la de Basilea es la fuente del carnaval. El artista utilizó el hierro, que a mediados del siglo XX era considerado un material pobre.

Tinguely consideraba que las obras nunca estaban finalizadas, haciendo una especie de crítica al mundo del arte, pero al mismo tiempo creando un espectáculo enorme.

"Tendremos la posibilidad de tener productos fabricados totalmente por máquinas. De este modo, la máquina, que en sí misma es un medio de expresión humana, también se volverá humana porque producirá otro lugar de trabajo. Nuestros esclavos son artificiales, es maravilloso".

 

Foto: angelaGozaloM

Cuestiona el academicismo del arte, creando máquinas construidas en parte con objetos recuperados, deliberadamente imperfectos, oponiéndose al culto al nuevo objeto y practicando el reciclaje ya utilizado antes de él por el art brut. Estos materiales reciclados, que vuelven a la vida en instrumentos con motores, se encuentran entre las innovaciones más vibrantes de la escultura del siglo XX.

Inspirado por Calder y los dadaístas, denomina algunas de sus esculturas máquinas de sentimientos y piensa que pese a la mecanización nuestra civilización es aún capaz de generar emociones.

"Es el hombre quien ha hecho todo esto, y por eso es su expresión profundamente humana y maravillosa a la vez que peligrosa y terrible".

Entrar en su museo en Basilea sorprende al visitante, porque se siente como en un garaje de un inventor excéntrico. Muchas obras/objetos entran en funcionamiento al presionar un botón. Presionas y algo comienza a moverse.

 

Foto: angelaGonzaloM

 

"Quiere celebrar la fealdad, dice Margriet Schavemakers, curadora del Museo de Ámsterdam, fabricar máquinas que no hacen nada, que no sirven para nada. Simplemente se mueven solas o que sirven para divertir a la gente. A veces consiguen un carácter muy teatral y en otras ocasiones parecen agresivas".

El primer gran éxito de Tinguely llegó en 1959 con las Méta-Matics, unas máquinas capaces de crear dibujos automáticos que el público podía accionar para producir su propia obra abstracta. Este innovador concepto despertó el interés y la admiración de figuras como Hans Arp y Marcel Duchamp, consolidando a Tinguely como un renovador del arte contemporáneo.

Durante los años sesenta, el escultor creó impactantes piezas de hierro reciclado, que luego empezó a pintar de negro uniforme, centrando la atención no en los materiales, sino en el efecto escultórico total y en el movimiento como componente esencial.

 

Foto: angelaGonzaloM

 

El museo Tinguely, situado en el Parque Solitud de Basilea, ha organizado una fiesta de cumpleaños y una exposición que podrá visitarse hasta el 30 de agosto.

Scream Machines, es una instalación a gran escala diseñada por la artista británica Rebecca Moss y el artista suizo Augustin Rebetez, llevará a los visitantes en un viaje de uno a dos minutos a través de un paisaje artístico inmersivo. La instalación rendirá homenaje a Le Crocrodrome de Zig et Puce, obra de Jean Tinguely creada en 1977 en colaboración con Bernhard Luginbühl, Daniel Spoerri y Niki de Saint Phalle para la inauguración del Centro Pompidou de París.

Además, se publicará "L'univers Tinguely. 15 dimensiones del trabajo de Jean Tinguely", que permitirá descubrir la impresionante diversidad de su obra.  A través de unas quince áreas temáticas y obras seleccionadas —que incluyen impresionantes esculturas de máquinas, acciones espectaculares, instalaciones fugaces e ilustraciones inspiradoras—, esta extensa publicación recorre la trayectoria de este excepcional artista.

 

Foto: angelaGonzaloM

Las obras ejemplares seleccionadas no solo muestran su desarrollo artístico, sino también la diversidad y creatividad que caracterizan su excepcional trabajo.

Fuera de Basilea se han previsto exposiciones en Francia, Reino Unido, Alemania, Italia, y Estados Unidos. En el Gran Palais de París, hasta el 4 de enero del año que viene estará abierta la muestra de su segunda esposa, Niki de Saint Phale, a quién también le dedica una exposición el Hotel de Caumont, el Centro de Arte de Aix-en-Provence.

En Duisburgo, el Lehmbruck Museum muestra estos días "Mekanik und Menschlichkeit", en el que se recogen sus obra y las de su primera esposa Eva Aeppli.

En Hauser & Wirth de Somerset, también expondran obras de Saint Phalle y Tinguely hasta enero y en la galería Fleiss-Vallois de Nueva York recogeran el trabajo del artista basiliense entre los años 1958 y 1990. Sin olvidar dos grandes exhibiciones del museo de arte de historia en Ginebra y del Espacio Tinguely de Friburgo, su ciudad natal.

 

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Estocolmo,1520: traición, venganza y rebelión en la mayor superproducción nórdica

 

 

 

El rey danés Christian II ordenó, en 1520, la matanza de nobles suecos. Con una iconografía muy cercana a Juego de Tronos y al estilo Tarantino, y basada en estos hechos reales, el director sueco, Mikael Håfström, trae a la pantalla este cruel momento de la historia de los países nórdicos.

Estocolmo, 1520. El rey tirano, es una producción histórico-dramática que sumerge al espectador en uno de los episodios más oscuros de la historia escandinava.

Entre el 4 y 10 de noviembre de  hace cinco siglos, un centenar de personas, -nobles, clérigos, burgomaestres  y ciudadanos destacados de Suecia, entre ellos dos prelados- fueron acusadas de herejía y ejecutadas en Stortorget, la plaza mayor, junto a la catedral de San Nicolás de Gamla Stan, la ciudad vieja de Estocolmo, ante numerosos ciudadanos que veían atónitos como los decapitaron.

El monarca danés incrementó su poder e influencia, aprovechando su relación familiar con el emperador Carlos V y actuando como valedor de la Iglesia católica. Pero su controvertida figura, su menosprecio a las jurisdicciones eclesiásticas y sus ambiciones político-religiosas, acabó enemistándolo con todos sus posibles aliados.

 

 

La masacre puso por primera vez la atención en los reinos nórdicos y se considera que fue un punto de inflexión en la historia escandinava, marcando el final de la Edad Media y del catolicismo en Suecia. En definitiva, el nacimiento de una nueva era.

Esta masacre, lejos de consolidar el dominio danés sobre Suecia, se convirtió en el detonante de una rebelión que acabaría con la independencia definitiva del país.

Christian II, conocido también como “el Tirano”, ascendió al trono danés y noruego con aspiraciones de reunificar bajo su corona la disuelta Unión de Kalmar, que siglos atrás había unido a los tres reinos escandinavos. Suecia, sin embargo, gozaba en la práctica de una autonomía casi total, liderada por el joven regente Sten Sture el Joven, una figura popular y respetada entre sus súbditos.

 

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Desde 1517, Christian II intentó sin éxito tomar control de Suecia. Pero en enero de 1520, al frente de un poderoso ejército de mercenarios, logró derrotar a Sten Sture en una dramática batalla sobre el hielo del lago Asunden. Aunque el regente sueco resultó herido de muerte, la resistencia persistió en Estocolmo, defendida por su viuda Cristina Gyllenstierna, que finalmente se rindió tras recibir la promesa de amnistía general.

Una vez en Estocolmo, Cristián fue coronado rey de Suecia el 4 de noviembre de 1520. No obstante, su verdadera intención se reveló poco después. Aconsejado por el arzobispo Gustavo Trolle, acusó a los antiguos partidarios de Sten Sture de herejía, utilizando este cargo como pretexto para eliminar a sus enemigos políticos.

 

 

Aunque Christian II justificó sus actos como cumplimiento de las leyes eclesiásticas y en nombre del Papa, la brutal represión generó un profundo rechazo en Suecia. Lejos de consolidar su dominio, el Baño de Sangre provocó un levantamiento popular en febrero de 1521, liderado por Gustavo Vasa, quien había logrado escapar de la purga.

En agosto de 1521, los rebeldes lo eligieron regente. Su objetivo: romper con la Unión de Kalmar y liberar a Suecia del yugo danés. Tras dos años de lucha, el 6 de junio de 1523, Gustavo fue proclamado rey de Suecia con el nombre de Gustavo I, marcando el inicio de una nueva era.

El arzobispo Trolle huyó, y cuando el Papa Clemente VII se negó a nombrar un nuevo prelado, Gustavo I rompió con Roma, confiscó los bienes de la Iglesia y promovió el protestantismo, dando los primeros pasos hacia una Suecia moderna e independiente.

 

El Baño de Sangre de Estocolmo, lejos de ser una victoria para Dinamarca, fue el punto de inflexión que selló la ruptura definitiva entre los reinos escandinavos y dio origen al Estado sueco contemporáneo. La tragedia permanece como símbolo de traición, resistencia y renacimiento nacional.

Gustavo Vasa encargó la xilografía Blodbadsplanschen, en 1524, que muestra una vista panorámica de la capital sueca y escenas clave del Baño de Sangre, incluyendo las ejecuciones en Stortorget y la quema de los cuerpos.

 

"Estocolmo 1520. El rey tirano"

 

 

Estos hechos quedan recogidos en el film de Håfström, con guión de Erlend Loe, con una exactitud histórica que, a pesar de toda esta locura, está a veces sorprendentemente intacta.  La violencia de aquel momento recorre toda la película, que se inicia con una masacre familiar y finaliza con uno de los autores de estos viles asesinatos muriendo en la hoguera.

En la cinta, la mayor superproducción de la historia de los países nórdicos, se mezclan figuras históricas, como el rey Cristián II, Gustav Trolle, Didrik Slagheck y Hemming Gadh y la reina Kristina Gyllenstierna. También aparecen dos heroínas de ficción, las hermanas aristócratas, Anne, y la cazadora Freja, sedientas de venganza. Las tres mujeres luchan, a su manera, por recuperar el trono de Suecia de las garras del malvado Cristian II.

 

 

Con un irreverente lenguaje visual, la presentación con apodos de los villanos, recuerda a westerns como "El bueno, el feo y el malo". Así, con sus alias, conocemos a los dos hermanos alemanes, "el tipo con cicatriz" o "el malvado" y los diálogos se mueven entre la ironía y el humor negro.

Los actores, en su mayoria daneses y sueco, hablan en inglés y algunos británicos le dan un ligero matiz nórdico a sus palabras.

 

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Sinopsis

 

En 1520, el infame rey danés Kristian II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Kristian el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.

Acción, actitud y humor negro se dan cita en esta historia, basada en unos sorprendentes hechos reales.

 

 

Reparto coral

 

Un inmenso reparto reúne a alguno de los actores más reconocidos del panorama escandinavo como Claes Bang (Ganador del EFA al Mejor Actor por The Square), Alba August (nominada al premio Guldbagge de la Academia Sueca por su trabajo en Conociendo a Astrid y El acusado perfecto), Adam Pålsson  (Before we die), Ulrich Thomsen (Celebración, El mundo nunca es suficiente), Jakob Oftebroo (Kon-Tiki), Mikkel Boe Følsgaard (ganador del Oso de Plata en Berlín a mejor actor por su interpretación en Un asunto real), junto a nombres británicos de primera fila interpretando algunos papeles clave como Sophie Cookson (conocida por su interpretación de Roxy en Kingsman), Emily Beecham (mejor actriz en Cannes por su trabajo en Little Joe) que interpreta a la reina Kristina, o Wilf Scolding (Rhaegar Targaryen en Juego de Tronos).

 

Sobre el director

Mikael Håfström fue galardonado con el premio sueco Guldbagge por el guion de su película Leva livet, y saltó a la fama internacional con Evil (Ondskan), que fue nominada al Oscar® a la mejor película extranjera. Ha dirigido películas como El acusado perfecto, 1408, Sin Control, El Rito, Plan de escape y A descubierto, y series como The Conductor y Bloodline. La próxima película de Håfström es Slingshot, con Casey Affleck y Laurence Fishburne.

 

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Intriga, arte y millones: un documental revela los secretos del mercado del arte antiguo

 

 

 

La familia Pérez de Castro no sabía que en su casa de Madrid estaba expuesta una joya que podría llegar a valer hasta 300 millones de euros. En Roma, una historiadora del arte recibe una llamada.

El documental El sleeper. El Caravaggio perdido muestra todo el recorrido de la obra desde que hace tres años, una familia del barrio de Salamanca lo intenta vender por 1.800 euros, hasta que quedó expuesto de forma provisional en el Museo del Prado. Ahora está en poder de un desconocido comprador.

La película, que compitió en la sección oficial del Festival de Málaga, se estrena en cines el 13 de mayo. A través de la voz de historiadores del arte, marchantes, expertos y coleccionistas, el director cuenta también cómo se realizó la restauración y la venta del cuadro, que inicialmente se había atribuido al círculo de José de Ribera.

 

 

El cuadro "Ecce Homo" del pintor Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, estuvo perdido más de cuatro siglos. Su casual hallazgo, en una casa de subastas madrileña, ha representado uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte en el último siglo.

Se llama "sleeper" a una obra de gran valor artístico que ha permanecido oculta o desapercibida durante mucho tiempo y se descubre por azar.

La coproducción hispano-italiana, dirigida por Álvaro Longoria, el cuadro es el protagonista, y se convierte en un "thriller" que lleva al espectador a sumergirse en el escondido mundo del mercado del arte antiguo. Una historia plagada de intrigas y enredos, que va descubriéndonos las diferentes fases por las que transcurrió la venta del cuadro.

La acción comienza cuando el cuadro aparece en el catálogo de la subasta y anticuarios y expertos italianos lo reconocen como el Caravaggio perdido. Se inicia entonces una trepidante carrera para hacerse con el sleeper.

 

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De hecho, en el catálogo de la subasta que inicialmente iba a realizar la casa Ansorena de Madrid, la descripción en internet recogía el título: "Círculo de José de Ribera (s. XVII). La coronación de Espinas. Óleo sobre lienzo. Medidas 111 X 86 cm. Salida: 1.500€."

De la mano del marchante Jorge Coll y sus socios, y con un acceso exclusivo, el equipo de la película, siguió -desde dentro-, durante tres años, la restauración, la atribución y la venta de esta obra de arte que hasta entonces había permanecido en las sombras. Un documental que nos abre las puertas al fascinante mercado del arte y a todos sus entresijos, de una manera entretenida y desvelando sontinuamente sorprendentes detalles y preguntas.

"El claroscuro también está presente de forma intrínseca en el mundo del arte, un mundo opaco y de difícil acceso", explica Longoria. "El arte antiguo y su mercado están plagados de procesos secretos y transacciones hechas a escondidas desde las sombras y a las que hemos podido dar luz en tono de thriller en este documental".

 

Álvaro Longoria, reconoce que "adentrándonos de lleno en los recovecos, se ha conseguido un acercamiento más profundo, de la mano de los marchantes de arte que nos han abierto las puertas a su mundo y que nos han acompañado en el proceso de desvelar todos los secretos de este Ecce Homo".

La obra, pintada por el gran artista italiano hacia 1605, formó parte de la colección privada de Felipe IV. Es una de las únicas 60 obras conocidas de Caravaggio que existen, lo que le confiere un valor extraordinario.

Caravaggio fue un pintor excepcional y un personaje desbordante. Revolucionario, provocador, de carácter violento y espíritu atormentado, desafió los cánones establecidos, y creó un lenguaje visual personal y potente.

Mientras el protestantismo apostaba por la sobriedad, el catolicismo necesitaba imágenes poderosas, emocionales, teatrales, y él adoptó el tenebrismo. Una técnica basada en el fuerte contraste entre luces y sombras, que subrayaba el dramatismo de las escenas, y reflejaba su propio mundo interior, lleno de oscuridad.

 

 

Su verdadera revolución fue el tratamiento de los personajes sagrados. Rechazó el idealismo renacentista y representó a santos y vírgenes como personas reales, con arrugas, heridas, sucias y vestidas con ropa de su tiempo. Usaba modelos de la calle, prostitutas, mendigos, gente común, para encarnar a figuras divinas. Esa naturalidad escandalizó a muchos, pero también reveló una intensidad humana nunca antes vista.

En sus lienzos, los personajes respiran, sufren, dudan, aman y mueren con una crudeza que sigue estremeciendo siglos después, y que no dejaba de ser un reflejo de su propia vida, atormentada, violenta y en constante conflicto.

Loco para algunos, genio para otros, sin duda la fuerza de su personaje también ha ayudado a que sus cuadros suban de precio. Eso es lo que, seguramente, también ocurrió con "Ecce Homo".

 

El palacio Barberini de Roma muestra 24 obras de Caravaggio

 

Fotograma de la película "The Sleeper. El Caravaggio perdido"

 

La obra se puede ver estos días en el Palacio Barberini de la capital italiana. "Aún queda mucho por descubrir sobre Caravaggio", dice Francesca Cappelletti, curadora y directora de la Galería Borghese.

"Todavía no hemos encontrado todas las pinturas conocidas que nos cuentan las fuentes (históricas) y también existen lagunas en su historia, en la documentación histórica y en la posibilidad de reconstruir tanto su biografía como, por ejemplo, sus inicios".

La pinacoteca romana, muestra hasta el 6 de julio unas 24 obras maestras en un solo espacio.

 

"El Ecce Homo" se encuentra junto a la «Flagelación», procedente del Museo Capodimonte de Nápoles, y junto al «David con la cabeza de Goliat» de la Galería Borghese, "pinturas de aquellos años, 1506-1507, que se supone son los años en los que se pintó el cuadro redescubierto en Madrid”.

"Para nosotros, Caravaggio es un pintor que empezó en Roma, pero sin duda llegó a esta ciudad como un artista que ya había practicado la pintura durante mucho tiempo en Lombardía, y aún no tenemos obras de ese período. Aún queda mucho por estudiar, mucho por trabajar”.

"Es un acontecimiento extraordinario”, dice Thomas Clement Salomon, curador y director de las Galerías Nacionales de Arte Antiguo. "Es la primera vez que hacemos esta comparación entre estos cuadros".

Después de huir de la justicia acusado del asesinato de un mafioso con el que se peleó, el artista falleció en julio de 1610 a los 38 años, mientras regresaba a Roma tras ser indultado por el Papa.

 

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Nápoles y Roma renuevan sus metros conectando pasado y presente

 

Foto: Facebook ANM

 

Tomar el metro en Nápoles no es solo una forma de evitar el tráfico en la superficie y llegar más rápido a tu destino. Se ha convertido en un viaje a la belleza del arte y la cultura de la ciudad italiana.

En las profundidades de las calles de Nápoles, los trenes subterráneos transportan a residentes y turistas por la capital de la Campania. El metro napolitano es más que un sistema de transporte; también busca alimentar el alma de los viajeros con su colección de arte y su arquitectura inspiradora.

Más de 90 artistas y arquitectos de renombre internacional participaron en el proyecto de acercar el arte a las masas, integrándolo en la vida cotidiana de la ciudad, tanto como las escaleras mecánicas, los torniquetes y los vagones de tren abarrotados.

 

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"Aquí, los ciudadanos entran en una hermosa estación y contemplan algo agradable, aunque dentro de la lógica del museo obligatorio, del museo en tránsito”, explica Paolo Carbone, presidente de Metropolitana di Napoli.

Llevar arte a las estaciones de metro de la ciudad fue una idea original de 1995 pero no se comenzó hasta 2006.

Maria Corbi, gerente de patrimonio artístico de la Compañía Napolitana de Movilidad, afirma que la geología de la zona es parte integral de la ciudad, construida a partir de las rocas ígneas de toba extraídas en las cercanías.

 

Foto: Facebook ANM

“Históricamente, Nápoles siempre ha tenido una relación extraordinaria y vital con su subsuelo, con sus entrañas. Desde que los colonos griegos llegaron aquí y comenzaron a extraer toba, el material de la ciudad, para construir la ciudad en la superficie, pero también para construir cisternas y túneles. Y esta vitalidad del subsuelo se ha mantenido a lo largo de la historia de la ciudad”.

El año pasado, la estación de Chiaia fue reconocida por el Prix Versailles, un prestigioso premio de arquitectura, como una de las estaciones de tren mejor diseñadas del mundo, gracias a la colaboración del arquitecto napolitano Uberto Siola y el artista inglés Peter Greenaway. Siola explica cómo el diseño lleva la luz natural a las profundidades del subsuelo napolitano.

“En lugar de eso, optamos por atravesar este paralelepípedo (forma tridimensional) con luz, dada la fuerza e intensidad de la luz que tenemos en Nápoles. De hecho, aquí estamos a 30 metros bajo el nivel del mar y hay una luz inagotable, una luz natural.

 

Foto: Facebook ANM

 

En la estación de San Pasquale, uno se sumerge en las profundidades del mar en este lugar de temática oceánica.
Artistas de renombre internacional como William Kentridge y Bob Wilson participaron en la creación de la estación de Toledo, un recorrido en mosaico por los diferentes colores de la ciudad, desde los tonos más oscuros de la superficie hasta los cálidos tonos de la toba amarilla y el azul del mar.
Una imponente reproducción del Hércules Farnesio da la bienvenida a los visitantes a la estación del Museo del Duomo.

"En la estación de Municipio, el pasado de la ciudad se encuentra con su presente, explica Corbi. Lo que surgió de las excavaciones en este lugar es el mayor yacimiento arqueológico urbano de Europa en los últimos 20 años. Sacó a la luz los restos del antiguo puerto de Neápolis, con el muelle y los restos de la construcción civil angevina. Aquí, detrás de mí, el antiguo muelle ha resurgido en la construcción del corredor que nos acompaña a lo largo de la ruta de salida hacia el mar".

 

Foto: Facebook ANM

 

Los hallazgos arqueológicos desenterrados durante la construcción del metro se han integrado al diseño de la estación.

"Aquí estamos en la Piazza Municipio, y tenemos las murallas aragonesas. Al entrar en la estación y verlas, se ven hermosas porque todas han sido restauradas. Sin embargo, para conseguirlo, hemos tenido que cortarlas una a una, numerarlas como piezas de Lego y volver a ensamblarlas una vez restauradas. Es una obra excepcional".

A partir de ahora, el metro de Nápoles conecta puntos de la ciudad, épocas, culturas y sensibilidades. Y además, si mirando el entorno uno pierde el tren, siempre se puede esperar al próximo.

 

Roma se transforma para el Jubileo

 

Foto: Facebook Metro de Roma

 

También el metro romano se ha preparado para la celebración del jubileo a lo largo de este año. A través del programa Caput Mundi, la Unión Europea ha destinado 1.800 millones de euros de los fondos Next Generation para rehabilitar 350 proyectos y mejorar el patrimonio cultural de la capital italiana.

Casi 200 actuaciones se han realizado en el transporte público, principalmente el metro. Se ha construido una nueva estación de la línea C en Plaza Venezia y se han modernizado varios núcleos de la línea A, que conecta el Vaticano con lugares tan transitados como la Plaza España, y la estación Termini. Las mejoras incluyen la accesibilidad, la iluminación y el diseño en 27 estaciones.

También se han renovado más de 550 kilómetros de avenidas, calles principales, vías periféricas y accesos del área metropolitana. El objetivo es mejorar la fluidez del tráfico y la accesibilidad de una ciudad que se verá sometida a una presión sin precedentes. La primera gran prueba de fuego ha sido el funeral del papa Francisco y lo será la elección del nuevo líder de la Iglesia Católica.

 

El programa Caput Mundi  (cabeza del mundo) coge su nombre de un verso de Lucano que se refería a que en la capital del imperio se habían recopilado los tesoros conseguidos en las batallas de conquista y a donde llegaban los productos básicos. También era el trofeo a conseguir para derrocar al imperio romano, ya que la cabeza es el órgano más importante para dominar a un pueblo. 

Roma caput mundi est, sed nil capit mundi.
Roma dat omnibus omnia, dantibus omnia Roma.
Roma manus rodit: si rodere non valit, odit.
Quid Romae faciam? men tiri nescio.

(Roma es la capital del mundo, /pero no contiene nada del mundo./ Roma lo da todo a todos,/ Roma lo da todo a los que dan/. Roma se roe las manos: si no puede roer, odia.)

 

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