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Leonardo da Vinci, artista y científico

Documental "Leonardo. V Centenario"

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Foto: BCN Film Fest

Hace 500 años moría en Clos Lucé, el genio Leonardo da Vinci. Cinco siglos más tarde sus quiméricas premoniciones se han convertido en realidad. Ese es el hilo argumental de la película Leonardo. V Centenario ( Leonardo Cinquecento) que podremos ver en las pantallas de un centenar de cines en España el 6 y 7 de mayo, pocos días después de la fecha exacta de su muerte (2 de mayo de 1519).

"Llegué a la boca de una gran caverna", explicaba el artista "frente a la cual me quedé asombrado. Traté de ver si podía descubrir algo dentro, pero la oscuridad lo impedía. De repente surgieron en mí dos emociones contrarias: el miedo y el deseo. El miedo a la oscura y amenazadora cueva y el deseo de ver si había algo maravilloso en su interior".

Esas dos ideas movieron toda su vida. O al menos eso es lo que refleja en su documental Francesco Invernizzi. En esta ocasión el realizador italiano, especializado en biografías y obras de grandes artistas de su país, ha prestado su interés en el Leonardo observador de todo lo que ocurre a su alrededor, que investiga, que intenta intender y que proyecta soluciones a los problemas que se plantea.

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En Francia, donde pasó sus últimos tres años de vida, comenzó a diseñar una ciudad perfecta Romorantin, idea que desapareció con la muerte de su inventor. A lo largo de su vida se involucró en proyectos de arquitectura e ingeniería, aunque algunos fracasaron, como un intento de drenar las marismas de la Sologne, y otros eran imposibles de realizar con las máquinas de su época.

El documental muestra como el genio italiano no dejó de observar absolutamente nada de lo que ocurría en la naturaleza, desde cómo llegar a las profundidades marinas, a cómo imitar a las aves. Obsesionado con conocer el cuerpo humano, siguió hasta lo prohibido: la disección de cadáveres en Pavía. Necesitaba ver más allá de esa pantalla que es la piel. Ese atrevimiento le comportó problemas judiciales, y se dice que fue una de las razones por las que aceptó la invitación del rey Francisco I para viajar hasta Francia, a pesar de su edad.

La admiración que sentía el monarca francés por el genio italiano queda plasmado en una frase que pronunció veinte años después de su muerte. "Nunca más nacerá otro hombre que sepa tanto como Leonardo, en pintura, escultura y arquitectura. Era un gran filósofo".

Con la colaboración de grandes expertos en arte, ingeniería, arquitectura o astronomía, la película va reconstruyendo los artilugios inventados por el artista florentino hasta llegar a los siglos XIX y XX. Los códices, que guardan todas sus ideas, sirven para trasladar sus proyectos a los aparatos que en la actualidad vuelan, se sumergen o matan. Sí, porque Leonardo trabajó intensamente la ingeniería militar para Ludovico Sforza, duque de Milán. Para demostrarle su valía, antes de ser contratado por Sforza, le envío un curioso curriculum, en el que expone todas sus capacidades, especialmente en la construcción de soluciones para la defensa de la ciudad.

Aunque se le conoce como pintor, realmente solo pintó unos 20 cuadros, y así analizamos como en el estudio de Verocchio en Florencia, empezó a diferenciarse de otros pintores de su época  En el taller aprendió a observar, a trabajar diferentes artes y oficios, a instruirse en distintas disciplinas, incluido el cálculo.  Invernizzi nos descubre a una persona ansiosa por conocer el funcionamiento de la naturaleza y del hombre. La Gioconda es la obra que representa todos los conocimientos artísticos y filosóficos de Leonardo. A través de la enigmática sonrisa, descubrimos los fondos de sus cuadros, la naturaleza que aparece en sus obras y que recogen los datos observados a lo largo de su vida. Descubrimos como percibe el espacio y como refleja la atmósfera que envuelve a sus pinturas. 

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El documental también analiza otras de sus obras maestras como La Santa Cena, el fresco que trabajó para el convento de Santa Maria della Grazie de Milán, y que parece que no gustó mucho a sus compradores, lo mismo que ocurrió con las dos versiones de la Virgen de las Rocas, o la Dama del el armiño, que expone más de lo que creemos sobre las diferencias sociales en las cortes italianas de la época. 

Además de analizar sus pinturas, lo que Invernizzi quiere es trasladar al espectador al Da Vinci arquitecto e ingeniero. Para el artista, todo pasaba por el ser humano, convertido en el hipocentro de la evolución mediante un constante avance tecnológico. Por eso el director pasa continuamente de los códices, dibujados hace más de 500 años, a los artilugios que hasta hace medio siglo solo estaban en la mente luminosa de Da Vinci. Si se hubieran perdido, nunca hubiéramos descubierto la vertiente científica del artista italiano. De su imaginación surgió el helicóptero, una quimérica -para su época- ciudad subterránea, tuneladoras, lentes de contacto, submarinos, canales....

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Producida por Magnitudo Films y Chili, en sus primeras cuatro semanas de exhibición en Italia -a mediados de febrero-, recaudó unos 235.000 euros. El estreno en España fue en el BCN Film Fest y ahora llega la posibilidad de verlo en los cines, en dos únicas jornadas. La película ha sido realizada con modernas técnicas de rodaje, y el director ha anunciado que estudia emitirla en formato miniserie televisiva dado el gran material que ha rodado. Quizá esa amplitud de miras se nota en la duración de la película, que quiere abarcar todo el saber de Leonardo, y llega un momento en que el espectador no puede asimilar tanta información. Un director que se ha especializado en la divulgación de grandes genios del arte como Miguel Ángel, Caravaggio, Bernini o Rafael. Dentro de este ámbito también ha presentado bellas facturas plásticas de los museos Vaticanos o de los Uffizzi.

Hombre curioso por naturaleza, las indagaciones llevaron a Da Vinci a observar metódicamente casi todos los campos del conocimiento como la geografía, la geología, la cartografía, el paisaje, la botánica, la óptica, el urbanismo o la medicina. Leonardo es el arquetipo del polímata, que domina diferentes áreas del saber tanto en el mundo de las artes como de las ciencias. Fue a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Todo eso intenta reflejarlo la película Leonardo. V Centenario, producida por  Seventh Art Productions y distribuido en España por A Contracorriente,

Recopilación especial sobre Leonardo da Vinci

Recopilación podcast sobre Leonardo da Vinci (ivoox y RNE-R5)

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Ángela Gonzalo del Moral    4.may.2019 08:10    

FitCuba 2019 en el huracán de la ley Helms-Burton

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El anuncio de la aplicación de la ley Helms-Burton, por parte de la administración Trump, sobrevuela FitCuba 2019, la Feria anual de turismo que se inicia este  lunes en La Habana. El recinto ferial se convertirá en un termómetro sobre las consecuencias de esta medida que permite a ciudadanos estadounidenses, también a cubanos nacionalizados, demandar a compañías con negocios en propiedades que fueron confiscadas tras el triunfo de la Revolución Cubana.

Un nuevo intento del gobierno estadounidense para ahogar económicamente a la isla, que ha encontrado en el turismo un renovado motor económico, especialmente desde el acercamiento promovido por el anterior inquilino de la Casa Blanca, Barack Obama.

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Nadie sabe como puede afectar esta medida, ni en qué ámbitos. Algunas cadenas hoteleras aseguran que no son propietarias de propiedades confiscadas, pero una lectura estricta de la normativa estadounidense, podría suponer que aunque se gestione una empresa de forma indirecta, podría incurrir en una ilegalidad. También es cierto, que para reclarmar hay que estar registrado en la oficina de reclamaciones, y muchos expropietarios no lo están.

Actualmente el Consejo Comercial y Económico EEUU-Cuba del departamento de Justícia, tiene un registro 'certificado' de unas 5.900 reclamaciones procedentes de multinacionales de ese país como Coca Cola, Exxon, Dupont, Texaco, Colgate o Goodyear. El valor estimado de las propiedades expropiadas sería de unos 8.500 millones de dólares.

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Varias familias del exilio cubano, que registraron unas 200 propiedades o empresas en un registro actualizado el 24 de abril, tienen preparadas sus demandas. Los Sánchez Hill han identificado cuatro hoteles de Melià y Blau, los Cantero reclaman varias propiedades en Varadero y la sociedad Hicacos Holdings LLC, demandan terrenos en la península de Hicacos. Algunos de ellos ya han anunciado que estarían dispuesto a aceptar un acuerdo con las empresas españolas. Eso supondría también reconocer que habrían traficado con propiedades cubanas.

La mitad de los proyectos de inversión en Cuba proceden de países de la Unión Europa, especialmente España y Francia. Nuestro país es el principal inversor en sectores como el turismo con empresas como Meliá, Barceló, Iberostar, NH, Blau, Globalia, Roc o Sercotel. El gobierno español ha declarado su firme respaldo a las empresas nacionales legalmente establecidas en el país caribeño. Las compañías invierten unos 300 millones de euros anuales en la isla, y Cuba es el país número 53 en el volumen de inversiones españolas. De momento, las firmas afectadas han defendido que al no ser propietarias de esos bienes inmuebles, sino meras arrendatarias, deben quedar fuera de cualquier demanda en los juzgados norteamericanos.

La Comisión Europea ha rechazado la aplicación del Título III de esta ley y ha anunciado que podría tomar medidas contra los bienes que los demandantes puedieran tener en la UE. Eso podría hacer que muchas multinacionales duden ante la posibilidad de que puedan perder más que lo que puedan ganar en su batalla legal. Según la legislación europea, una cadena hotelera que fuera demandada por Estados Unidos, puede reclamar daños en un tribunal europeo de los bienes que la misma cadena estadounidense tenga en Europa.

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Rusia, Israel y otros países asiáticos también tienen una fuerte implantación en sectores como el transporte y los servicios. Cuba se suma a la lista de tensiones comerciales entre Estados Unidos y la Unión Europea, tras imponer aranceles, la retirada del Acuerdo de París sobre cambio climático y la ruptura unilateral del pacto con Bruselas sobre Irán.

Bruselas alerta a Washington que usará todos los medios a su alcance para frenar estas medidas y estudia presentar una denuncia ante la Organización Mundial del Comercio (OMC). La ley se publicó  en 1996, durante la presidencia del demócrata Bill Clinton, aunque  decidió prorrogar su aplicación a cambio de que los europeos, canadienses y otros países retiraran las demandas que habían presentado en el organismo internacional. Una prórroga que se ampliaba cada seis meses, hasta que el actual presidente Donald Trump ha decidido cambiar esos acuerdos.

El anuncio de la aplicación de la ley Helms-Burton, coincidió con el aniversario de la frustrada invasión de Bahía de Cochinos en 1961 y con el anuncio de aplicar más embargos a Cuba. Algunos observadores señalan que la medida tiene puestos los ojos en las presidenciales de 2020, en las que Trump busca la reelección y quiere conseguir una parte importante del voto de excubanos en Florida. Una comunidad que reclama el endurecimiento de la política hacia Cuba.

Otro efecto es el alejamiento de inversiones extranjeras en el país latinoamericano, que necesitaría inversiones extrtanjeras de unos 2.000 millones de dólares. El gobierno cubano quiere impulsar el desarrollo de sectores como el turismo, la industria biotecnolócia y farmacéutica, la energía renovable y la exportación de servicios profesionales.

Donald Trump también ha vuelto, estos meses, a imponer límites a los viajes de estadounidenses a la isla, permitiendo solo las visitas familiares y reduciendo las remesas a 1.000 dólares cada tres meses, en un intento de ahogar todavía más la frágil economía de la isla, que ha perdido una parte de su ayuda exterior con la crisis económica y política de Venezuela.

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Ángela Gonzalo del Moral    2.may.2019 14:14    

Vitoria, 3 de marzo. "Aquí ha habido una masacre"

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Las historias de la lucha obrera en Europa está marcada por muchos hechos dramáticos. Ningún país se escapa a algún acontecimiento de esas características y ahora llega a las pantallas uno de ellos. Ocurrió en el norte de España en 1976, durante la transición política.

Cinco obreros muertos y más de 100 heridos, 45 de bala. El 3 de marzo de 1976, miércoles de ceniza, quedó grabado a sangre y fuego en la memoria de los vitorianos. Ese día, tras varios meses de huelga en demanda de aumentos salariales, las comisiones representativas de trabajadores en las empresas en lucha, convocan una jornada de paro general en Vitoria, ciudad con un movimiento asambleario que preocupa al Gobierno, temeroso de su posible extensión al conjunto del Estado Español.

En la iglesia de San Francisco del barrio obrero de Zaramaga, miles de trabajadores y trabajadoras se reúnen en asamblea. En el exterior hay congregada una multitud, y en medio, un centenar de agentes de policía armada. En los enfrentamientos resultan muertos cinco trabajadores, a manos de la Policía. Pedro María Martínez Ocio, Francisco Aznar Clemente, Romualdo Barroso Chaparro, José Castillo y Bienvenido Pereda, fueron abatidos por los disparos de policías llegados de varios puntos del país.

Begoña, una joven de clase media, vivirá en primera persona aquellos hechos que sacudieron a “una ciudad donde nunca pasa nada”. Este drama social muestra otros de los episodios de violencia que vivió España durante la transición y que 40 años después siguen sin ser juzgados. Los sucesos han vuelto a la actualidad después de que la jueza argentina María Servini, haya reabierto el caso, en el que se implica al entonces ministro, Rodolfo Martín Villa.

Uno de los valores de la película es el uso de las grabaciones sonoras originales de la policía, que marcan los momentos de máxima tensión y muestran como ninguna autoridad policial ni política, evitó la matanza. Como ejemplo la voz de un agente que pronuncia "hemos contribuido a la paliza más grande de la historia".

En la memoria de aquellos días queda este extracto de las conversaciones de la policía durante los graves enfrentamientos. 

"Si desalojan por las buenas, vale; si no, a palo limpio. Sacarlos como sea, cambio.

Por cierto, aquí ha habido una masacre, cambio. De acuerdo, cambio. Pero de verdad una masacre, cambio.

¿Que tal esta el asunto ahora por ahí?, cambio. Te puedes figurar, después de tirar igual mil tiros y romper toda la iglesia de San Francisco, ya me contarás como está toda la calle, cambio. Muchas gracias, buen servicio, cambio".

El 1 de mayo llega a las pantallas el último trabajo de Victor Cabaco, Vitoria, 3 de marzo. Una película que mezcla imágenes reales con dramatizaciones, para explicar el trasfondo de esos hechos y acercarnos a algunos personajes que vivieron en primera persona aquellas jornadas llenas de tensión y dramatismo. Y aunque están bien mezclados, la parte dramatizada le resta fuerza a la película, y mantiene mal la narración entre la reivindicación política y la historia de ficción. El film empieza y acaba con dos piezas musicales de gran calado durante aquellos años: A galopar de Paco Ibañez y Campanades a mort de Lluis Llach. Esta última, basada en los acontecimientos que refleja la película, aunque su valor histórico no encuentra un buen ritmo narrativo.

El director Víctor Cabaco ha trabajado como ayudante de dirección en cortometrajes como El tren de la bruja de Koldo Serra y en largometrajes como Sabotaje de Esteban y Josemi Ibarretxe y Ouija de Juan Pedro Ortega. Vitoria. 3 de marzo, supone su debut como director de cine. Es además coguionista con Héctor Amado, Juan Ibarrondo, con experiencia previa en escritura de cortometrajes, ensayos y novelas como Las ruinas de la catedral nueva y Metamorfosis.

Los protagonistas de este drama ambientado en la convulsa Vitoria del año 1976 son Ruth Díaz (Bajo la piel de Lobo, Tarde para la Ira), José Manuel Seda (de las series Física o química y Yo soy Bea), Alberto Berzal (de Pulsaciones y Víctor Ros), Mikel Iglesias (Brava, Ismael, Polseres Vermelles), Amaia Aberasturi (Los castigadores), Íñigo de la Iglesia (Errementari. El hierro y el diablo), Iñaki Rikarte, Oti Manzano y Asier Macazaga.

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Ángela Gonzalo del Moral   30.abr.2019 23:40    

V centenario de la muerte de Leonardo da Vinci

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En 1516, un anciano Leonardo da Vinci, montado en una mula, cruza los Alpes en dirección a Francia. Lleva con él tres cuadros: La Gioconda, S. Juan Bautista y La Virgen, el Niño y Santa Ana. En las alforjas guarda croquis, diseños y varios manuscritos: los códices de Leonardo, actualmente dispersos en bibliotecas del mundo. Su viaje, del que poco se sabe, responde a un llamamiento del rey de Francia, Francisco I, que quería mostrar todo su poder a través de castillos esparcidos por el Valle del Loira.
 
Llegó a la ciudad de Amboise y su mentor le ofreció alojamiento en un castillo cercano que durante 200 años había sido casa real y residencia de verano de sus antepasados. En Clos Lucé pasaría sus tres últimos años de vida. 
 
"Leonardo trabajó durante 10 años para los franceses, François Saint-Bris, miembro de la familia propietaria del edificio, nos recuerda que en Milán ya pintó la obra 'La Virgen de las Roca' cuando Carlos II de Amboise era gobernador del ducado de Milán y más de cuatro años para Francisco I".
 

El viaje  a Francia era un trayecto difícil, pero Leonardo, que empezaba a tener problemas jurídicos en Italia, -algunos le criticaban que no acaba muchos de los proyectos que comenzaba-, y además había iniciado experimentos con cadáveres mediante la técnica de la disección, como explica Elizabeth Laré.
 
Esta semana, el 2 de mayo, se cumplen 500 años de la muerte de Leonardo en ese castillo.  En ese mismo edificio el músico y director español Jordi Savall ha preparado el Concierto de las Naciones (Le Concert des Nations), que podrá escucharse a finales de septiembre en la sala de exposiciones del castillo. Es una de las más de 500 propuestas culturales, gastronómicas, musicales, pictóricas y teatrales que se han organizado a lo largo del año en la región del Loira.
 
Del 6 de junio al 8 de septiembre, el castillo expondrá la tapicería de la última cena de Leonardo da Vinci, una obra maestra de seda y plata para Francisco I. Es la primera vez que este tapiz de más de 490 metros y 9,15, abandona los Museos Vaticanos. 

Clos Lucé, su última morada

Chateau du Clos Lucé - Parc L.daVinci ©L.deSerres
Parc L. daVinci ©L.deSerres

Atravesamos la misma puerta que cruzó cuando llegó a este castillo... su figura sigue impregnando el lugar. Todavía mantienen el atelier del pintor y la habitación en la que murió y donde redactó su testamento.  Se conserva la sala Renacentista, donde Leonardo recibía al rey, a los embajadores, a las más altas personalidades del reino y a los artistas que le visitaban. Otra de las estancias, es la cocina con su gran chimenea y donde Mathurine, la cocinera, le preparaba comidas vegetarianas. 
 
La llegada de da Vinci, revolucionó el arte y la vida de la corte francesa en muchos aspectos. Como por ejemplo las fiestas, tanto en el vecino palacio real de Amboise como en su vivienda. Una de las más recordadas es la que organizó para celebrar la batalla de Marignan. "Fue una fiesta de marqueting político, nos dice François Saint-Bris, dónde el rey convocó a todos los embajadores del mundo, y los nobles de su país que disfrutaron de un espectáculo que representaba el universo, y que transmitía el poder real".
 
Se cree que en Clos Lucé, da Vinci acabó de pintar la Gioconda. Como nos explica la guía del castillo "hay testigos, como el secretario del cardenal de Aragón, que aseguran haber visto un cuadro de una dama florentina".
 
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La relación entre Francisco I y Leonardo fue casi filiopaternal. En el castillo de Amboise se encuentra una pintura que recoge como el genio italiano moría a los brazos de su último mecenas: el rey de Francia. Una historia no real, ya que no estaban juntos cuando murió da Vinci. 
 
Uno de los lugares más especiales de Clos Lucé es el el parque cultural Leonardo. Un jardín que tiene vida, porque se puede subir a casi todos los artilugios, manipularlos y juguetear con ellos. Entrar dentro de un tanque de madera, manipular la ametralladora,navegar en un barco de vapor o cruzar el puente de doble tramo de veinte metros de altura. Todos de tamaño real.
 
Château du Clos Lucé - Atelier de dessin ©L.deSerres_Chateau-duClos-Luce
Atelier de dessin ©L.deSerres_Chateau-duClos-Luce
 
Rodeado de pinos centenarios, esta el antiguo prioato del Espíritu Santo del siglo XV, convertido en un restaurante. Allí encontramos a Stefan Sósa, estudioso y maitre de la comida renacentista. Nos explica que "fue Francisco I el que decidió añadir la leche y la crema en las recetas, para conseguir platos más suave y suntuosoa. Como si lo relacionara con la arquitectura renacentista".
 
Aunque da Vinci es admirado hoy en día, no siempre tuvo este reconocimiento. El ir y venir de sus restos mortales, así lo demuestra. La capilla en la que fue enterrado, en el palacio real de Amboise, fue destruida y sus huesos esparcidos por alrededor, y no fue hasta el siglo XX, cuando se encontró su osamenta y algunas monedas con las que había sido enterrados. Desde entonces su tumba está en el interior de la capilla de San Huberto. Una aplicación nos ayuda a buscar la sepultura de Leonardo y seguir todas las vicisitudes que sufrió su cadáver.

El objetivo de Francisco I, un rey ambicioso, autoritario y guerrero, era convertir a Francia en un foco de importancia artística, cultural y de riqueza similar a Italia. Estaba convencido que la genialidad de Leonardo da Vinci le ayudaría.  El genio florentino, no solo ideó castillos, sino que los tres cuadros que transportaba en la mula, San Juan Bautista, La Virgen, el niño y Santa Ana y la Gioconda, forman parte del fondo pictórico del Louvre.

 
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Ángela Gonzalo del Moral   28.abr.2019 11:39    

Europa pierde uno de sus símbolos patrimoniales

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Un icono universal del gótico europeo ha sido pasto de las llamas esta tarde. Notre Dame ha quedado gravemente afectada por un voraz incendio, que ha provocado la caída de la aguja central y del techo del centro religioso y artístico de París. Francia está conmocionada y Europa mira desconcertada como se pierde una parte importante de su patrimonio histórico.

La altura del monumento, su situación en calles estrechas y ubicada en medio del río Sena ha dificultado las tareas de extinción de las llamas, que al parecer se habrían iniciado en un lugar que realizan obras de rehabilitación. En plena Semana Santa, en uno de los momentos en que la ciudad más visitantes recibe, el impacto emocional ha sido aún mayor. La visitan unos 14 millones de personas, más turistas que la Torre Eiffel.

 

La directora general de la Unesco, la exministra de cultura francesa, Audrey Azoulay, ha hecho un llamamiento para rehabilitar este patrimonio inestimable. La Organización Mundial de Turismo, la recuerda como un testigo y protagonista de la historia universal, memoria de la humanidad, incluso de aquellos que no la han visitado. Los mensajes de asombro y de tristeza se han extendido tanto en Europa como en otros lugares del mundo.

Desolada por lo ocurrido, la alcadesa de la ciudad, Anne Hidalgo, ha sido una de las primeras en desplazarse hasta la zona, donde ha escrito un emocionado mensaje a los parisinos y a todo el mundo evocando el lema de la ciudad –Fluctuat nec mergitur— que será ahora el lema para superar esta tragedia: “Batida por las olas, pero no hundida”.

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El fuego ha comenzado cerca de la aguja y se ha extendido rápidamente por el tejado, que ha quedado devorado por las llamas en pocos minutos. Catorce millones de personas pasan cada año por este edificio situado en el corazón de la ciudad y que es propiedad del estado desde 1905, cuando se firmó un acuerdo con la Santa Sede. Notre Dame es más que un monumento y una catedral, es uno de los símbolos de Francia. Allí beatificaron a Juana de Arco y coronaron a Enrique VI y NapoleónBonaparte. Sus gárgolas mostraban el misterio que marca a los edificios góticos, mientras que sus rosetones dejaban que la luz llenara de color su interior.

Este sábado se habían iniciado las tareas de restauración de la aguja de la iglesia, que iba a beneficiarse de un lifting, un lavado de cara. La primera vez desde los años 30. En mayo de 2017 se acordaron los trabajos de restauración, que en principio durarían hasta 2027 y que están valorados en 60 millones de euros. La conocida popularmente como la Flecha, era la primera fase del proceso. Esas obras habían obligado a retirar hace apenas dos días dieciséis estatuas. Las tareas consistían en reemplazar el plomo del techo y las figuras del edificio religioso, restaurado en el siglo XIX por Eugène Viollet-le-Duc. Precisamente la aguja que ha caído, no era original gótica sino producto de aquella restauración. Era de madera recubierta de plomo y en su cúspide representaba la corona de Cristo, un gallo de San Pedro, y varias reliquias.  

La catedral católica, de estilo gótico, se construyó entre 1163 y 1345  y ha sido la protagonista de varias obras literarias, la más famosa de ellas la de Víctor Hugo, Nuestra Señora de París (1831), y convertida en película por Disney El jorobado de Notre Dame, del que todo el mundo se ha acordado tras ver las imágenes del fuego. 

Eran las 18:50 horas cuando prendieron la llamas, y empezaron a arrasar casi nueve siglos de historia. Edith Piaf cantaba que en la ciudad de la luz, todo termina teniendo arreglo; que en el cielo parisino siempre acaba floreciendo la esperanza. Francia está convencida de que recuperará su Notre Dame.

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Ángela Gonzalo del Moral   15.abr.2019 21:52    

Agenda cultural europea Abril'19

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Góbi :Dance Company Freestyle – premiere at MU Theatre — © Hrotkó Bálint - BTF

Praga acoge hasta el 22 de abril el Festival de Primavera. Aunque la música clásica y la ópera son la gran baza de este certamen se han organizado más de 150 actividades artísticas como jazz, melodías del mundo, espectáculos de danza, circo contemporáneo o teatro. Algunos de los escenarios que acogen estas actividades son el teatro de la ópera con 130 años de antigüedad, el palacio de las Artes, un gran centro de artes escénicas, que acoge el acústico auditorio Béla Bartók, o la Academia de la Música, fundada por Franz Liszt y recientemente renovada o el Centro de Música de Budapest que alberga el instituto Péter Eotvos y que es uno de los espacios más grandes de Europa, dedicados al arte contemporáneo.

La calidad y la innovación lo han convertido en uno de los festivales de arte más importantes y aclamados de Europa Central. En esta edición Rusia tiene una especial importancia dónde se podrá escuchar a algunos gigantes del mundo clásico ruso, como los Solistas de Moscú o la Orquesta Sinfónica Tchaikovsky, que participará en una velada con el coro Filarmónica de Praga.

Así como Salzburgo tiene a Mozart, Budapest está orgullosa de tener a Liszt, cuyas obras se interpretan año tras año para mostrar la complejidad de su música y la riqueza de la cultura húngara. También atrae a algunas de las mejores estrellas internacionales de la ópera como el tenor maltés Joseph Calleja, o a interpretes como el pianista y compositor estonio Kristjan Randalu.

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El recientemente reinaugurado Museo de Bellas Artes de Budapest acoge la exposición "El triunfo del cuerpo" dedicado al genio Miguel Ángel Buonaroti, y que puede visitarse hasta finales de junio. Sus legendarias creaciones forman la base de su obra, como la Piedad, el David, el Juicio Final y las pinturas del techo de la Capilla Sixtina. La muestra expone 30 dibujos preparatorios de 50 obras maestras del pintor y escultor italiano, en los que se puede ver como representaba en sus obras el cuerpo desnudo.

Esta pinacoteca de la capital húngara, es uno de los museos más importantes de Europa por la diversidad, la continuidad historica y el gran número de obras maestras, que posee.

Arte rupestre en Chauvet

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La gruta de Chauvet, descubierta en 1994 y declarada 20 años después Patrimonio Mundial de la Unesco, conserva un millar de dibujos de 36.000 años de antigüedad, entre los que hay 14 animales diferentes. Uno de ellos es el león, representado casi 80 veces, algo que no ocurre en el arte rupestre en ninguna otra parte del mundo. Ese es el punto de arranque de una muestra que reúne 170 piezas en torno a la  representación del león y otros felinos en culturas animistas de la prehistoria europea, pero también de Oriente Medio, el antiguo Egipto, la Grecia y la Roma clásicas, Asia, América y África, procedentes de museos y colecciones de toda Europa.

Para preservarla en 2015 se abrió una réplica de la cueva y se realizan exposiciones temporales. La comisaria, la española María González Menéndez, explica que "hay una característica que une a estas culturas animistas" con los felinos, a los que "los hombres ven como criaturas divinas por su gran poder en la naturaleza", asociadas a la dominación. Por eso han sido los reyes y faraones quienes más han querido asociarse a su imagen y quienes en Oriente Medio tenían reservada su caza, como muestra de dominación sobre el mundo salvaje.

Barcelona, ciudad literaria

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A las puertas de San Jordi y del Cervantes, ambos se unen en Barcelona, donde abril es sinónimo de letras. El ayuntamiento ha presentado un mapa literario siguiendo las huellas de algunos escritores como Cervantes, Flaubert, Jean Genet, Vázquez Montalbán, o la escritora barcelonesa Mercè Rodoreda. Catalogada como Ciudad de la Literatura por la Unesco, el mapa recoge casi 300 puntos de especial significación literaria, que se ha distribuido por 40 bibliotecas públicas de la ciudad y que permite seguir itinerarios de unas veinte novelas directamente relacionadas con la capital catalana y que recoge monumentos, bares o restaurantes. El Quijote y Sancho Panza, entraron por el Portal del Mar y visitaron una imprenta del Call en el barrio judío, el Pla de palau y la playa de la Barceloneta, donde el ingenioso hidalgo se batió con el caballero de la Blanca Luna. El propio Cervantes vivió en el número 2 del Paseo de Colón.

El maillot más deseado

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Acabamos este recorrido cultural en Niza. El Museo nacional del deporte de esta ciudad alberga hasta el 29 de septiembre la exposición "100 años del Maillot amarillo". Una muestra que pone a disposición del público las prendas y bicicletas que usaron en el Tour de Francia ciclistas como los españoles Miguel Indurain y Luis Ocaña, los franceses Bernard Hinault y Jacques Anquetil o el belga Eddy Mercks,

Durante la decimoprimera edición de la carrera, en 1919, Henri Desgrange, director de la competición creó el maillot amarillo con los colores del periódido L'Auto, que era el sponsor de la época, fue rápidamente aceptado por los corredores y el público ya que permite identificar claramente al primer clasificado de la general, convertido en la atracción principal de la carrera.

La exposición rinde homenaje a los más de 15.000 corredores que han participado en la carrera, pero especialmente a los 3.228 hombres que han llevado la prenda en algun momento. Eugène Christophe fue el primero y Eddy Merkxs el que más días ha lucido esa emblemática prenda, 111 veces. En su homenaje el Tour se iniciará este año en Bruselas.

Christian Proudhomme, Bernard Thévenet o Philippe Bouvet, tienen claro cual es el color que más les gusta: el jeune

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Ángela Gonzalo del Moral   12.abr.2019 11:34    

Gasnam, la movilidad pasa por el gas natural

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Foto: Twitter @Gasnam

Madrid acoge estos días el séptimo congreso de Gasnam, que pone el foco en el gas renovable como combustible ecoeficiente. El transporte por carretera y marítimo está en proceso de revolución en Europa. Autobuses, camiones, coches y barcos se están renovando para reducir la contaminación en las ciudades.

El gas natural comprimido, GNC, está destinado a los vehículos menos pesados, mientras que los vehículos más pesados como camiones o barcos se mueven con gas natural licuado, GNL. Al estar licuado se consigue más energía en menos volumen.

Eugenia Sillero, secretaria general de Gasnam, deja claro que "convertimos un residuo en un recurso. Es una economía circular, porque, -al degradarse- todos los residuos naturales producen un gas contaminante que provoca el calentamiento global". Sillero explica a Canal Europa que "si capturamos el gas que se genera de los residuos y lo sometemos a un proceso de descomposición anaeróbica y se depura. Ese gas es la misma molécula que el gas natural y se puede inyectar en la red del gas o sirve para mover un coche, un camión, un autobús o un barco".

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Foto twitter: @RenaultTrucksEs

El VII congreso de Gasnam incide en la innovación para la movilidad sostenible basado en el biometano. Un gas producido por la captura de las emisiones procedentes de residuos urbanos, aguas residuales, residuos agrícolas, ganaderos y forestales, e hidrógeno procedente del excedente de energía eléctrica renovable. Diferentes expertos debaten sobre los retos de la movilidad renovable en Europa, las oportunidades empresariales que supone la transición energética y el papel de los gobiernos, la industria y los agentes sociales. Se estudiarán la situación actual de este combustible en los países comunitarios, especialmente en Suecia, Reino Unido y Francia, donde se han conseguido varios casos de éxito en el transporte terrestre y marítimo.

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Pero el gran reto es la distribución de este combustible ecológico y pasar de las gasolineras a las gasineras. La UE tiene como objetivo que haya estaciones de GNC, en núcleos urbanos cada 150 kilómetros y GNL cada 400 km. España , donde hay unas 144 estaciones de este gas natural, la mitad públicas, todavía tiene que mejorar sus distribución. En Italia ya hay 1.210 gasineras y circulan más de un millón de vehículos de gas natural. En Alemania hay unas 900 fuentes de distribución y unos 94.000 vehículos. Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Francia, también han avanzado en este servicio.

Junto al congreso, Madrid acoge la mayor exposición de vehículos de gas natural y renovable en Europa, donde se pueden ver autobuses, camiones, furgonetas y turismos propulsados con este combustible. GASNAM es una asociación ibérica que fomenta el uso del gas natural y del gas renovable en la movilidad terrestre y marítima. Cuenta entre sus socios con navieras, puertos, fabricantes de coches, autobuses y camiones, transportistas, empresas de vehículos de alquiler, empresas energéticas y organismos públicos que persiguen como último objetivo la alcanzar descarbonización del transporte, garantizar la calidad del aire y fomentar la economía circular.

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Durante la primera jornada se ha premiado a siete iniciativas de movilidad sostenible con gas natural o biogas. Entre los galardonadas están Renfe y Balearia. El fabricante sueco de camiones pesados Scania ha destacado en la categoría de Innovación; RENFE, en la de mejor iniciativa empresarial para la sostenibilidad del transporte terrestre por su compromiso contra el calentamiento global “recogido en el Plan Director contra el Cambio Climático 2018-2030”.
El Grupo HAM, que ofrece servicio integral de gas natural licuado (GNL), ha sido premiado por “ser pionero en el impulso de gas natural en la movilidad”; Gas2Move, en la categoría de mejor StartUp de movilidad sostenible y BALEÀRIA, a la mejor iniciativa empresarial para la sostenibilidad del transporte marítimo.

Precisamente hoy se ha conocido que Aida Nova, será el primer crucero propulsado con gas natural licuado, que llegará dentro de unos días al puerto de Barcelona y el segundo será el Costa Smeralda, que atracará en octubre. Son las primeras naves modernas y avanzadas a nivel medioambiental que se incluyen en un proyecto para reducir de manera efectiva las emisiones contaminantes de barcos en la ciudad condal.

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Ángela Gonzalo del Moral   10.abr.2019 12:44    

La Revolución francesa a través de la pintura

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Un palco, un día de espectáculo gratuito de Boilly

Londres descubrirá durante el mes de abril, la pintura francesa de uno de los períodos más turbulentos de la historia de Europa, desde la Revolución de 1789 hasta la de Julio de 1830.  Cuatro décadas convulsas en uno de los países más importantes del continente.

Pinturas de propaganda de acontecimientos clave, hasta retratos de Napoleón. Los pintores franceses encontraron nuevas formas de capturar y explicar aquellos tiempos extraordinarios. La National Gallery de Londres ha organizado un curso de tres semanas, en el que el historiador del arte Simon Lee, profundizará sobre ese periodo histórico a través de las obras de Boilly y sus contemporáneos como David, Géricault y Delacroix que respondieron a los cambios sin precedentes en la sociedad francesa desde la Revolución hasta el Imperio de Napoleón, y desde el regreso de los Borbones a su derrocamiento por la monarquía de julio de 1848.

En la sesión Vive les Arts: David desde la Revolución Francesa hasta el ascenso de Napoleón se investigará cómo y por qué David, pintor del rey, se convirtió totalmente a la causa de la Revolución Francesa, convirtiéndose en el artista supremo de la nación más radicalmente política de la tierra en aquellos momentos. También cómo después de liderar la Revolución, junto con su íntimo amigo Robespierre, consiguió escapar de la ejecución en 1794 y se convirtió en el retratista favorito de Napoleón. Simon Lee, es un gran investigador del arte español y francés de los siglos XVIII y XIX, y un experto en la pintura de David y Delacroix.

El realiza un análisis a través de las pinturas clave de David sobre la Revolución y los primeros años de Napoleón, incluidas La muerte de Marat y Napoleón que cruza los Alpes en el contexto de su carrera en la montaña rusa y los tiempos turbulentos en los que vivía. También se comparan sus primeros retratos de Napoleón con los de sus contemporáneos, Gros e Ingres.

Durante el periodo revolucionario surge Leopold-Louis Boilly un pintor que nos muestra a través de ingeniosas escenas de observación social, lo que ocurría en aquel París convulso con meticulosas ilusiones diseñadas para engañar a los ojos, así como sus obras revolucionarias, como El triunfo de Marat (1794).

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La galería londinense también inspecciona en este curso, el Imperio de Napoleón, analizando su actitud en la guerra, la conquista y como se sirvió de la propaganda. Su reinado fue un momento de "auge" para los artistas. Se realizaban trabajos comisionados y especulativos para conmemorar la Corte Imperial y las hazañas del Emperador. De la propaganda sutil a las declaraciones de lealtad grandiosas, continúa la exploración del papel de la pintura en la elaboración del mito de Napoleón y se examinan las obras clave del período de David, Boilly y Gros. Es entonces cuando el historiador Simon Lee descubre qué pintura hizo que Napoleón se alzara el sombrero para hacer un cumplido, qué obras se retocaron después del divorcio del emperador con Josefina, y hasta dónde llegaron algunos artistas para ganarse su favor.

Otro de los aspectos que se analizarán en el curso es el periodo que abarca de la restauración al auge del romanticismo. En los años que siguieron a la derrota de Napoleón en Waterloo y al regreso de la dinastía Borbón, los artistas buscaron un arte nuevo y más directamente emocional para capturar la intensidad de la vida moderna. Fueron los pintores románticos Géricault yDelacroix, quienes evocaron las duras e intensas emociones de una sociedad que había vivido todo el drama y el derramamiento de sangre de la Revolución, la euforia de las victorias de Napoleón y la decepción de su último fracaso. Es entonces cuando aparece la icónica pintura Libertad guiando a la gente de Eugène Delacroix, una conmemoración de los franceses que, en el levantamiento de julio de 1830, derrocaron al muy odiado Rey Carlos X.

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Paralelamente a estas charlas divulgativas sobre esa intensa época de la historia francesa, la National Gallery londinense también expone "Boilly: escenas parisinas", hasta el 19 de mayo. A través de sus obras explora el París revolucionario con pinturas atrevidas y divertidas. Trabajando en un ciudad políticamente turbulenta, el pintor fue testigo de la Revolución Francesa, el ascenso y la caída de Napoleón y la Restauración de la Monarquía gala.

A partir de 1785, Louis-Léopold Boilly (1761–1845) pasó medio siglo en el corazón del mundo del arte parisino, y lo plasmó en sus obras con retratos, interiores sobre el tema de la seducción y escenas vívidas e innovadoras de la bulliciosa vida callejera parisina. Boilly muestra una gran brillantez técnica, agudos poderes de observación y un sentido del humor irónico. Fue una propuesta artística alternativa a la visión aceptada del arte francés revolucionario, liderada por Jacques-Lousi David, entre otros. Además ofreció unas atrevidas respuestas al cambiante entorno político y al floreciente mercado del arte. Ofrece una alternativa a la visión aceptada del arte francés revolucionario como competencia de pintores de gran historia como Jacques-Louis David. Boilly popularizó las pinturas de trompe l’oeil, inventó el término, y al describir la vida cotidiana en las calles de París por primera vez, puso de cabeza las jerarquías aceptadas del arte.

Desde escenas interiores controvertidas y seductoras, que lo llevaron a meterse en problemas con las autoridades, a escenas callejeras cotidianas y al ingenioso trompe l'oeils, esta exposición muestra las audaces respuestas de Boilly al cambiante entorno político y el mercado del arte, y destaca sus agudos poderes de observación y permite descubrir al público su sentido del humor irónico.

Centrándose en 20 obras de una colección privada británica nunca antes mostrada o publicada, es la primera exposición de estas características que se organiza en el Reino Unido, de este artista tan poco conocido en Gran Bretaña.

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Ángela Gonzalo del Moral    1.abr.2019 10:52    

Fallece Agnès Varda, "abuela de la Nouvelle Vague"

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En 2017, Agnès Varda, una directora clave en la cinematografía europea, recibió el Premio Donostia y en 2018,el Óscar honorífico a toda una carrera. La denominada "abuela de la Nueva ola" (la Novuelle vague), había obtenido varios reconocimientos en forma de premios, como el Oso de Plata de Berlín, en 1965, por "La felicidad", el León de Oro del Festival de Venecia en 1985, por su obra "Sans toit ni loi (Sin techo, ni ley) y en 2009, el César por la biografía "Las playas de Agnès). Pero sobretodo estaba considerada una dama del cine.Hoy la familia ha comunicado su fallecimiento tras una breve enfermedad.

Agnès Varda, cumplió el año pasado 90 años. Nacida en Bélgica, hija de un padre griego y una madre francesa, empezó a trabajar como fotógrafa en el Teatro Nacional Popular de París, donde trabajó con Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon. Realizó su primera exposición en solitario en su patio, y más tarde llegarían sus grandes reportajes de China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de gente tanto desconocida como famosos.

Poco tiempo después decidió dedicarse a lo que más le gustaba: el cine. Lo hizo de forma autodidacta, formando una pequeña compañía, Ciné-Taris, con la que produjo su primer largometraje, escrito y dirigido por ella misma.

Su primera película es de 1954 La Pointe Courte, considerada una de las precursoras de la Nouvelle vague francesa, hermana del Nouveau roman, su homólogo literario. Varda ha dirigido unos cuarenta películas, largometrajes y documentales. Mujer ligada a la izquierda política se sintió atraída por los movimientos sociales de la década de los 60 y de mayo del 68, que plasmó en obras como La felicidad (1965), Las criaturas (1966) y Lion's Love (1969), cuando ya vivía en Los Ángeles. Allí filmó Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).

Agnes Varda

Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (1962)o Una canta, otra no (1977), en el que refleja las luchas feministas. La impronta que dejó en el mundo del cine, ha quedado recogido en los titulares dedicados a ella, tras conocerse su deceso. Variety, la ha definido como "la portadora de la antorcha de la nueva ola", Deadline la considera "una  pionera". A pesar de estos adjetivos, durante muchos años su celebridad no había traspasado los círculos cinéfilos y Europa hasta que entre hace dos años, no comenzó a ser reconocida al otro lado del Atlántico.

En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diversos países.

Mujer incansable y siempre dispuesta a reinventarse, en 2003 Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, Des chambres en ville y Paroles de squatters.

En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de ese mismo año el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió Las dos orillas de Agnès Varda, que incluía instalaciones y películas, y en febrero de 2014 Triptyques atypiques se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: Photographs Get Moving (potatoes and shells, too) (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); Varda / Cuba (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); Une barrière ouverte (Galerie Lumière, Lyon, 2016); Solo show (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).

Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y se estrenó en el Festival de San Sebastián. Ambos recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural, con el objetivo de conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocaban.

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   29.mar.2019 15:45    

Agenda cultural europea Marzo'19

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Vivió a caballo de dos siglos y viajó por varios países europeos y americanos. Ahora dos exposiciones lo devuelven a la actualidad, aunque siempre ha estado presente en el mundo de la cultura. Hablamos de Joaquín Sorolla, el primer artista español en lograr la fama en los Estados Unidos a principios del siglo XX, tras recibir el reconocimiento internacional con el Grand Prix de la Exposición Universal de París en 1900. 
 
Nacido en una humilde casa del barrio del Mercat de Valencia, llegó a conquistar éxito, dinero y reconocimiento entre la élite internacional. Tras su muerte, en 1923 pasó al olvido durante décadas. Su obra está influida por las vanguardias del arte de entre siglos, la fotografía y el arte cinematográfico, confiriéndole a sus lienzos instantaneidad y movimiento... siempre reforzado por la luz, que supo captar y reflejar en sus cuadros. Siguió la tradición de grandes maestros como Velázquez y Goya, e influyó en artistas posteriores como Picasso. 

Sorrolla en Londres y Valencia

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El comisario de la exposición londinense, Christopher Riopelle, recuerda que "fue un pintor de talento excepcional. Su maestría para captar la vida y el movimiento, a menudo al aire libre y en grandes dimensiones, sigue siendo impresionante. Sus pinturas transmiten la incidencia de la luz del sol sobre el agua, el calor de una tarde bochornosa y la fuerza del viento del mar. La audacia compositiva y el progresivo uso de colores intensos hace pensar que estaba
al corriente de las innovaciones en el arte moderno. Sin embargo, como artista, permaneció siempre comprometido con la representación de la vida española en toda su complejidad"
 
El artista valenciano viajó a Biarritz, París, Venecia, Berlín, Munich, Nueva York o Londres. Apodado el pintor de la luz, la National Gallery de la capital británica expone 60 obras, recogiendo sus temáticas habituales, como los retratos familiares o de familias adineradas y las playas, pero también otras de temática social, menos conocida entre nosotros   Después del 7 de julio, las obras viajarán a la National Gallery de Dublín. 
 
Con menos repercusión mediática, el Museo de Bellas Artes de Valencia expone El inicio de la pintura moderna en España: Sorolla y su tiempo, que estará abierta hasta el 31 de agosto del año que viene. Es una muestra cronológica y diacrónica y permite conocer a sus artistas contemporáneos en la capital del Turia, sus maestros en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos y sus amigos artistas, y otros pintores conocidos como los sorollistas.
Si no podéis ver estas exposiciones, y queréis regocijaros con las obras de Sorolla, hay unos 5.000 dibujos del pintor, accesibles al público en la web del Museo Sorolla de Madrid. Abarca todas las técnicas del dibujo y contiene desde rápidos y abreviados apuntes del natural, a dibujos como medio de expresión, en los que recoge escenas de playa, jardines frondosos o retratos. 
 

Verrocchio, el maestro de Leonardo da Vinci

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La National Gallery de Londres, posee dos obras atribuidas al joven Leonardo da Vinci: L’Arcangelo Raffaele e Tobiolo y la Madonna col Bambino e angeli. Las pintó el genio italiano siendo discípulo de Andrea Verrocchio, cuando Ser Piero, el padre de Leonardo, descubrió los talentos de su hijo, y decidió enviarlo a Florencia, con apenas diecisiete años. Hasta el 14 de julio el Palazzo Strozzi y el Museo Bargello albergan la primera gran retrospectiva dedicada a este artista, considerado uno de los iniciadores del renacimiento artístico. Su taller, la bottega tecniche, en la Florencia del siglo XIV, fue el fermento cultural y el patrocinio ilustrado que crearon el hábitat natural para mentes extraordinarias que experimentaron a diario con diferentes técnicas artísticas, realizando verdaderas obras maestras.

Andrea del Verrocchio (Florencia, h. 1435-Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano que trabajó en la corte de Lorenzo de Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron tambiém Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli,  y tuvo una notable influencia en Miguel Ángel.

 

"Verrocchio, el maestro de Leonardo" es la primera exposición monográfica dedicada al artista e  ilustra sus orígenes, su colaboración con jóvenes talentosos y su influencia fundamental a principios del siglo XVI. En este sentido, el Museo Nacional del Bargello, con su famosa colección de esculturas del Renacimiento, es un lugar privilegiado y esencial para destacar la importancia de un artista tan singular y de un taller que ha formado a toda una generación de maestros del siglo XV, en Italia y en Europa. 

El 2019 es el año de Leonardo. Para honrar a una de las mentes más brillantes de la historia de la humanidad, cinco siglos después de su muerte, Florencia, una ciudad en la que Leonardo vivió, se formó e inspiró, está repleta de exposiciones, iniciativas y espacios dedicados al genio de Vinci.

Tamara de Lempicka, referente del Art Déco

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La artista polaca, conocida por sus retratos y desnudos de gusto Art Déco, Tamara de Lempicka, viajó a España en 1932. Ahora lo hacen sus obras que se pueden ver hasta el 26 de mayo en el palacio Gaviria de Madrid. 
 
Nació en Polonia y murió en México en 1980. Tamara de Lempicka retrató en 1932 al Rey Alfonso XIII en su exilio; un lienzo inacabado que ahora se exhibe en España. La artista reconoció que sólo pasaban por sus pinceles personas que le inspiraran y le hicieran vibrar. Es una importante exponente del Art Déco, el famoso movimiento del periodo de entreguerras. La comisaria de la muestra, Gioia Mori, explica que "era una mujer libre que quiso expresar en sus cuadros la liberación de la mujer".
 
Fue pionera en desarrollar el movimiento más característico de la época, marcada por la estética de los años 20 con sus motivos geométricos, colores brillantes y formas rotundas. El art Déco es un estilo clásico, simétrico y rectilíneo que alcanzó su mayor apogeo entre 1925 y 1935, pero que hunde sus raíces en movimientos anteriores como el cubismo y el futurismo, así como en la influencia de la Bauhaus. Lempicka fue una de sus representantes más destacadas en el ámbito de las artes plásticas, para las que planteó toda una revolución.

Los exilios de Max BeckmannMaxBeckmann_Frame_square_big4

Otro artista exiliado de Europa a Estados Unidos, fue el alemán Max Beckmann, cuyas obras se pueden ver también hasta el 26 de mayo en CaixaForum de Barcelona. Comisariada por Tomàs Llorens, esta muestra exhibe su obra a través de un recorrido temático, centrado especialmente en el exilio desde diferentes prismas. 
 
De espíritu independiente y solitario, desarrolló un lenguaje completamente personal, alejado de cualquiera de las tendencias de sus contemporáneos. Realizada en colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la muestra plantea un recorrido temático por la obra de Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950). La primera parte abarca su etapa en Alemania, desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial hasta el ascenso del fascismo en la década de los años 30, cuando es expulsado de la escuela de arte de Frankfurt en la que daba clases y se le impide exponer sus obras en público. La segunda parte, centrada en sus años de Ámsterdam y Estados Unidos, se estructura en torno a cuatro metáforas relacionadas con el exilio: la pérdida de identidad; el vértigo de la ciudad moderna; la equivalencia entre exilio y muerte, y 'El mar', símbolo de infinito, seducción y añoranza.

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Ángela Gonzalo del Moral   21.mar.2019 10:22    

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Este blog es un viaje por la Europa cotidiana. Un recorrido por el día a día de los ciudadanos de la Unión Europea, recogiendo aquello que nos une... que nos diferencia, o que todavía nos separa.
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