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El cine dispara el turismo surcoreano en España

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En 2014 un programa de televisión, protagonizado por cuatro jubilados que recorrían varias ciudades españolas, consiguió récords de audiencia en Corea del Sur. No solo eso, sino que aumentaron los deseos de muchos surcoreanos de conocer nuestro país, aumentando la reservas de viajes. Bien documentada, la serie Los abuelos son mejores que las flores (Ggot Boda Halbe), estaba dedicada a viajes y mantuvo pegados al televisor a millones de ciudadanos, mientras conocían Madrid, Barcelona, Sevilla, Granada, Ronda y Segovia.

Hace unos meses se estrenaba otra serie rodada en Villafranca del Bierzo en el programa Korean hostel in Spain, que en su primer programa alcanzó una audiencia del 7,6% de espectadores. En el primer capítulo, los tres protagonistas tratan de conocer las costumbres locales y recopilar toda la información para poner en marcha un albergue en el Camino de Santiago, con situaciones hilarantes, debido -principalmente- a la barrera idiomática. En Garachico, se rodó Youn's Kitchen y en Granada Spain Granada.

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El año pasado viajaron a España unos 500.000 surcoreanos, frente a los 90.000 que lo hicieron en 2012. 28.000 españoles visitaron ese país en 2018. También ha ayudado a ese aumento de visitantes del país del sudeste asiático, la existencia de 12 vuelos directos, 8 que unen Barcelona y Seúl y otros 4 entre Madrid y la capital asiática. Como la mayoría de visitantes de ese continente, en general prefieren la cultura y la gastronomía que disfrutar del sol y la playa. El camino de Santiago es una de sus rutas preferidas, suponen la primera nacionalidad que realiza ese recorrido . El embajador en España, Hong-jo Chun, ha anunciado que Corea del Sur está estudiando aceptar la propuesta de ser el país invitado en Fitur 2020.

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En el ámbito económico el diplomático el diplomático ha recordado que las relaciones bilaterales se iniciaron hace 70 años y que es el tercer destino de las exportaciones españolas a Asia. Por su parte España les compra automóviles, tecnología, compuestos electrónicos y productos petroquímicos y agroalimentarios. La inversión coreana en España es de unos 5.400 millones de euros, mientras la española en Corea es de 2.800. Las empresas coreanas están interesadas en invertir en manufactura, estrategia y actividades mobiliarias.

Dos penínsulas, la coreana y la ibérica, separadas por diez mil kilómetros y que marcan los extremos del continente euroasiático por el sur. En un desayuno de Executive forum, el embajador ha reconocido que "ambos países son socios y potencia medias y regionales muy importantes". Hong-jo Chun ha subrayado las oportunidades que tienen ambos países en el desarrollo de las energías renovables y la industria 4.0, la inteligencia artificial o la tecnología 5G. Y ha insistido en la necesidad de potenciar los acuerdos entre empresas bilaterales para poder competir en proyectos de grandes infraestructuras en el mundo. Eso permitirá que las compañías de ambos países puedan operar en terceros mercados, principalmente de América Latina, Oriente Medio y Asia. Ha subrayado que los dos países tienen grandes  oportunidades para colaborar en el desarrollo de las energías renovables y la industria 4.0, también la inteligencia artificial o la tecnología 5G.

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Foto: Executive Forum

El diplomático asiático, ha resaltado los beneficios que aportan los tratados de libre comercio, especialmente el que su país firmó con la Unión Europea en 2011. Hace unos días Seúl firmaba un acuerdo con Londres para un tratado de libre comercio antes de que se produzca el Brexit. El acuerdo tiene por objetivo mantener prácticamente el mismo régimen arancelario que existe con la Unión Europea. El Reino Unido es el segundo mayor socio comercial de Corea del Sur de entre los miembros de la UE.

A finales del año pasado entró en vigor el programa de Working Holiday Visa, un programa de Movilidad Juvenil. El objetivo principal de este visado es permitir que los jóvenes españoles menores de 30 años, compaginen una modalidad de vacaciones prolongadas en ese país, con estancias de hasta un año y permite a los titulares de este tipo de visado no tener que obtener un permiso de trabajo adicional ytienen derecho a realizar trabajos temporales durante su estancia.

El embajador también ha reflexionado sobre los desafíos de su país, que son el descenso de la actividad económica, -que ha frenado su PIB-, el avance de las desigualdades sociales, la tasa de paro juvenil, que se sitúa en un 10%, y la precariedad en algunos sectores. En el ámbito social, el país asiático se enfrenta a una despoblación progresiva, un envejecimiento muy rápido y una baja natalidad, con las tasas más rápidas del mundo.

La actividad cultural es también importante y mientras en España cinco universidades enseñan coreano, allí hay 15 universidades que programan estudios en español, un idioma muy valorado en ese país. Seguro que también potencian ese interés, los atractivos que divulgan las series surcoreanas filmadas en diferentes localizaciones de la Península Ibérica.

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Ángela Gonzalo del Moral   12.jun.2019 20:20    

Klimt y Schiele: eros y psique

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La época dorada del imperio austrohúngaro llega a su fin  durante las primeras décadas del siglo XX. Todo se desmorona, llegando a un desenlace trágico: la primera Guerra Mundial. Pintores, arquitectos, diseñadores, psicólogos, escritores o músicos captan desde hace tiempo la decadencia y el final de una época. Y a la vez, como toda momento histórico de decadencia, esos años son un momento mágico para el arte, la literatura y la música, en el que circulan nuevas ideas. Klimt & Schiele: eros y psiqu", la última obra del director Michele Mally, recoge todos los desastres personales y colectivos de la Austria de aquel momento. 
 
Coincidiendo con los centenarios de la muerte de Otto Wagner, Koloman Moser, Egon Schile y Gustav Klimt, Mally no deja nada por tratar. Se dirige de manera estética pero firme al espectador, para que entienda todos los problemas que confluyeron en la primera década del último siglo, y sobre todo el complejo mundo interior de estos dos artistas. Para ello cuenta con la participación, excesivamente dramática en algunos momentos, de Lorenzo Richelmy, el narrador encargado de interrogar al espectador e introducirlo en este mundo en el que se mezcla el erotismo, los sueños y la psicología de los artistas de esa época, en Viena.
 
El director, que ya nos ofreció el excelente documental Hitler vs Picasso, conjuga con maestría el pasado y el presente de la capital austríaca por los pasillos de sus grandes museos. La Albertina, el Belvedere, el Museo Leopold, el Sigmund Freud, el Wien Museum y el Museo de arte de Historia de Viena. 
 
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Nos descubre, cómo el arte causó escándalo y conmoción en una sociedad ultraconservadora. Los encargados de zarandearla fueron los artistas de La Secesión. Klimt representa los misterios de la sensualidad y el erotismo femenino, sacando a la luz un mundo que la sociedad austríaca, vivía en la intimidad. Pero, mientras el autor de "El Beso", muestra el erotismo femenino de una manera hedonista y preciosista, sin olvidar la elegancia de la clase altoburguesa, Schiele presenta la sexualidad masculina y femenina con fuerza, de tal manera que acabó en la cárcel acusado de corrupción de menores y de seducción.
 
Sigmund Freud hizo coindicir la publicación de su gran obra La interpretación de los sueños con el inicio del siglo XX. Las obras de los dos artistas que dan título al documental, se encargan de plasmar gráficamente los contenidos reprimidos del inconsciente,  recogiendo con sus pinceles, las teorías del psicoanalista vienés. 
 
La película también tiene sus puntos cómicos en los comentarios del neurólogo Eric Kandel, premio Nobel de medicina y de la actriz Lily Cole, que a través de lecturas nos aporta revelaciones interesantes. El análisis artístico de las obras de Klimt, Schiele y sus contemporáneos está a cargo de Jane Kallir y Alfred Wiedinger y se incluyen opiniones musicales de Bryan Gilliam.
 
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Sigmund Freud, Gustav Klimt y Egon Schiele, controvertidos en su época, acabaron teniendo una gran influencia en la cultura europea de mediados del siglo XX. Klimt y Schiele están considerados dos de los más grandes artistas de entre siglos. Ellos querían expresar su libertad en todos los ámbitos sin ningún tipo de coacciones, por ello profundizaron en los misterios de la sexualidad humana, presentándosela a sus coetáneos. Al profundizar en estos temas, la cinta sirve también, para dar un toque de atención a los límites que coartan la libertad en el arte y la cultura en nuestros días.
 
Años más tarde, cuando Hitler llegó al poder, los incluyó en el grupo de artistas degenerados, y quemó algunos de sus cuadros y libros. Este tema obsesiona a Michelle Mally, que en sus dos últimos documentales "Hitler versus Picasso" y "Klimt & Schiele: eros y psique", ha investigado sobre la parte oculta del nazismo y la obsesión enfermiza con el arte. En el ciclo "Temporada de arte", a contracorriente films nos acerca una excelente película, aunque  en ocasiones ofrece tanta información que puede llegar a aturdir al espectador. Noventa minutos imprescindibles para los amantes del arte y la cultura, y solo se podrá ver el 3, 4, 10 y 11 de junio en un centenar de salas de cine de España. 
 
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Sinopsis: 

A medida que el ruido de los cañones de la Primera Guerra Mundial se extinguía, en el corazón de la Europa central, en Viena, la edad dorada estaba llegando a su fin. El Imperio Austro-Húngaro comenzaba a desintegrarse. En la noche del 31 de octubre, Egon Schiele murió en casa, en su propia cama, convirtiéndose en uno de los 20 millones de muertos atribuidos a la gripe española. Murió mirando a la enfermedad invisible a la cara, del único modo que él podía: pintando. Tenía 28 años. Pocos meses antes, la sala principal del edificio de la Secesión había acogido con beneplácito sus obras: 19 óleos y 29 dibujos. Esta fue su primera exposición exitosa, una celebración de una nueva idea pictórica que retrataba las ansiedades y los deseos humanos.
 
Unos meses antes, su profesor y amigo Gustav Klimt había muerto. Con el cambio de siglo, se había transformado  la manera en la que la gente sentía el arte y se fundó un nuevo Grupo: La Secesión. Hoy en día, las obras maestras de Klimt atraen a visitantes de todo el mundo a Viena o a la nueva galería de Nueva York, o se convierten en estrellas en películas como “La dama de oro”. Pero también son íconos del pop que acompañan nuestra vida cotidiana en carteles, tarjetas y calendarios. Cien años más tarde, las  obras de arte de estos visionarios – entre el modernismo y el expresionismo – vuelven a ocupar el centro del escenario en la capital austriaca, junto con las del diseñador y pintor Koloman Moser y el arquitecto Otto Wagner, fallecidos ambos en 1918 en Viena.
 
En Italia, el documental recaudó más de 500.000 euros en tan solo 3 días en cartelera, siendo la película número uno del box office durante su paso por cines. Además, la película se presentó en la reciente edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST).

Ficha técnica

Duración: 90 min
País: Austria
Género: Documental
Director: Michele Mally
Guionista: Arianna Marelli
Producción: 3D Produzioni
Distribuidores: Nexo Digital y a contracorriente films
 
 

 
 
Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral    3.jun.2019 08:05    

Leonardo da Vinci, artista y científico

Documental "Leonardo. V Centenario"

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Foto: BCN Film Fest

Hace 500 años moría en Clos Lucé, el genio Leonardo da Vinci. Cinco siglos más tarde sus quiméricas premoniciones se han convertido en realidad. Ese es el hilo argumental de la película Leonardo. V Centenario ( Leonardo Cinquecento) que podremos ver en las pantallas de un centenar de cines en España el 6 y 7 de mayo, pocos días después de la fecha exacta de su muerte (2 de mayo de 1519).

"Llegué a la boca de una gran caverna", explicaba el artista "frente a la cual me quedé asombrado. Traté de ver si podía descubrir algo dentro, pero la oscuridad lo impedía. De repente surgieron en mí dos emociones contrarias: el miedo y el deseo. El miedo a la oscura y amenazadora cueva y el deseo de ver si había algo maravilloso en su interior".

Esas dos ideas movieron toda su vida. O al menos eso es lo que refleja en su documental Francesco Invernizzi. En esta ocasión el realizador italiano, especializado en biografías y obras de grandes artistas de su país, ha prestado su interés en el Leonardo observador de todo lo que ocurre a su alrededor, que investiga, que intenta intender y que proyecta soluciones a los problemas que se plantea.

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En Francia, donde pasó sus últimos tres años de vida, comenzó a diseñar una ciudad perfecta Romorantin, idea que desapareció con la muerte de su inventor. A lo largo de su vida se involucró en proyectos de arquitectura e ingeniería, aunque algunos fracasaron, como un intento de drenar las marismas de la Sologne, y otros eran imposibles de realizar con las máquinas de su época.

El documental muestra como el genio italiano no dejó de observar absolutamente nada de lo que ocurría en la naturaleza, desde cómo llegar a las profundidades marinas, a cómo imitar a las aves. Obsesionado con conocer el cuerpo humano, siguió hasta lo prohibido: la disección de cadáveres en Pavía. Necesitaba ver más allá de esa pantalla que es la piel. Ese atrevimiento le comportó problemas judiciales, y se dice que fue una de las razones por las que aceptó la invitación del rey Francisco I para viajar hasta Francia, a pesar de su edad.

La admiración que sentía el monarca francés por el genio italiano queda plasmado en una frase que pronunció veinte años después de su muerte. "Nunca más nacerá otro hombre que sepa tanto como Leonardo, en pintura, escultura y arquitectura. Era un gran filósofo".

Con la colaboración de grandes expertos en arte, ingeniería, arquitectura o astronomía, la película va reconstruyendo los artilugios inventados por el artista florentino hasta llegar a los siglos XIX y XX. Los códices, que guardan todas sus ideas, sirven para trasladar sus proyectos a los aparatos que en la actualidad vuelan, se sumergen o matan. Sí, porque Leonardo trabajó intensamente la ingeniería militar para Ludovico Sforza, duque de Milán. Para demostrarle su valía, antes de ser contratado por Sforza, le envío un curioso curriculum, en el que expone todas sus capacidades, especialmente en la construcción de soluciones para la defensa de la ciudad.

Aunque se le conoce como pintor, realmente solo pintó unos 20 cuadros, y así analizamos como en el estudio de Verocchio en Florencia, empezó a diferenciarse de otros pintores de su época  En el taller aprendió a observar, a trabajar diferentes artes y oficios, a instruirse en distintas disciplinas, incluido el cálculo.  Invernizzi nos descubre a una persona ansiosa por conocer el funcionamiento de la naturaleza y del hombre. La Gioconda es la obra que representa todos los conocimientos artísticos y filosóficos de Leonardo. A través de la enigmática sonrisa, descubrimos los fondos de sus cuadros, la naturaleza que aparece en sus obras y que recogen los datos observados a lo largo de su vida. Descubrimos como percibe el espacio y como refleja la atmósfera que envuelve a sus pinturas. 

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El documental también analiza otras de sus obras maestras como La Santa Cena, el fresco que trabajó para el convento de Santa Maria della Grazie de Milán, y que parece que no gustó mucho a sus compradores, lo mismo que ocurrió con las dos versiones de la Virgen de las Rocas, o la Dama del el armiño, que expone más de lo que creemos sobre las diferencias sociales en las cortes italianas de la época. 

Además de analizar sus pinturas, lo que Invernizzi quiere es trasladar al espectador al Da Vinci arquitecto e ingeniero. Para el artista, todo pasaba por el ser humano, convertido en el hipocentro de la evolución mediante un constante avance tecnológico. Por eso el director pasa continuamente de los códices, dibujados hace más de 500 años, a los artilugios que hasta hace medio siglo solo estaban en la mente luminosa de Da Vinci. Si se hubieran perdido, nunca hubiéramos descubierto la vertiente científica del artista italiano. De su imaginación surgió el helicóptero, una quimérica -para su época- ciudad subterránea, tuneladoras, lentes de contacto, submarinos, canales....

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Producida por Magnitudo Films y Chili, en sus primeras cuatro semanas de exhibición en Italia -a mediados de febrero-, recaudó unos 235.000 euros. El estreno en España fue en el BCN Film Fest y ahora llega la posibilidad de verlo en los cines, en dos únicas jornadas. La película ha sido realizada con modernas técnicas de rodaje, y el director ha anunciado que estudia emitirla en formato miniserie televisiva dado el gran material que ha rodado. Quizá esa amplitud de miras se nota en la duración de la película, que quiere abarcar todo el saber de Leonardo, y llega un momento en que el espectador no puede asimilar tanta información. Un director que se ha especializado en la divulgación de grandes genios del arte como Miguel Ángel, Caravaggio, Bernini o Rafael. Dentro de este ámbito también ha presentado bellas facturas plásticas de los museos Vaticanos o de los Uffizzi.

Hombre curioso por naturaleza, las indagaciones llevaron a Da Vinci a observar metódicamente casi todos los campos del conocimiento como la geografía, la geología, la cartografía, el paisaje, la botánica, la óptica, el urbanismo o la medicina. Leonardo es el arquetipo del polímata, que domina diferentes áreas del saber tanto en el mundo de las artes como de las ciencias. Fue a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Todo eso intenta reflejarlo la película Leonardo. V Centenario, producida por  Seventh Art Productions y distribuido en España por A Contracorriente,

Recopilación especial sobre Leonardo da Vinci

Recopilación podcast sobre Leonardo da Vinci (ivoox y RNE-R5)

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Ángela Gonzalo del Moral    4.may.2019 08:10    

Vitoria, 3 de marzo. "Aquí ha habido una masacre"

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Las historias de la lucha obrera en Europa está marcada por muchos hechos dramáticos. Ningún país se escapa a algún acontecimiento de esas características y ahora llega a las pantallas uno de ellos. Ocurrió en el norte de España en 1976, durante la transición política.

Cinco obreros muertos y más de 100 heridos, 45 de bala. El 3 de marzo de 1976, miércoles de ceniza, quedó grabado a sangre y fuego en la memoria de los vitorianos. Ese día, tras varios meses de huelga en demanda de aumentos salariales, las comisiones representativas de trabajadores en las empresas en lucha, convocan una jornada de paro general en Vitoria, ciudad con un movimiento asambleario que preocupa al Gobierno, temeroso de su posible extensión al conjunto del Estado Español.

En la iglesia de San Francisco del barrio obrero de Zaramaga, miles de trabajadores y trabajadoras se reúnen en asamblea. En el exterior hay congregada una multitud, y en medio, un centenar de agentes de policía armada. En los enfrentamientos resultan muertos cinco trabajadores, a manos de la Policía. Pedro María Martínez Ocio, Francisco Aznar Clemente, Romualdo Barroso Chaparro, José Castillo y Bienvenido Pereda, fueron abatidos por los disparos de policías llegados de varios puntos del país.

Begoña, una joven de clase media, vivirá en primera persona aquellos hechos que sacudieron a “una ciudad donde nunca pasa nada”. Este drama social muestra otros de los episodios de violencia que vivió España durante la transición y que 40 años después siguen sin ser juzgados. Los sucesos han vuelto a la actualidad después de que la jueza argentina María Servini, haya reabierto el caso, en el que se implica al entonces ministro, Rodolfo Martín Villa.

Uno de los valores de la película es el uso de las grabaciones sonoras originales de la policía, que marcan los momentos de máxima tensión y muestran como ninguna autoridad policial ni política, evitó la matanza. Como ejemplo la voz de un agente que pronuncia "hemos contribuido a la paliza más grande de la historia".

En la memoria de aquellos días queda este extracto de las conversaciones de la policía durante los graves enfrentamientos. 

"Si desalojan por las buenas, vale; si no, a palo limpio. Sacarlos como sea, cambio.

Por cierto, aquí ha habido una masacre, cambio. De acuerdo, cambio. Pero de verdad una masacre, cambio.

¿Que tal esta el asunto ahora por ahí?, cambio. Te puedes figurar, después de tirar igual mil tiros y romper toda la iglesia de San Francisco, ya me contarás como está toda la calle, cambio. Muchas gracias, buen servicio, cambio".

El 1 de mayo llega a las pantallas el último trabajo de Victor Cabaco, Vitoria, 3 de marzo. Una película que mezcla imágenes reales con dramatizaciones, para explicar el trasfondo de esos hechos y acercarnos a algunos personajes que vivieron en primera persona aquellas jornadas llenas de tensión y dramatismo. Y aunque están bien mezclados, la parte dramatizada le resta fuerza a la película, y mantiene mal la narración entre la reivindicación política y la historia de ficción. El film empieza y acaba con dos piezas musicales de gran calado durante aquellos años: A galopar de Paco Ibañez y Campanades a mort de Lluis Llach. Esta última, basada en los acontecimientos que refleja la película, aunque su valor histórico no encuentra un buen ritmo narrativo.

El director Víctor Cabaco ha trabajado como ayudante de dirección en cortometrajes como El tren de la bruja de Koldo Serra y en largometrajes como Sabotaje de Esteban y Josemi Ibarretxe y Ouija de Juan Pedro Ortega. Vitoria. 3 de marzo, supone su debut como director de cine. Es además coguionista con Héctor Amado, Juan Ibarrondo, con experiencia previa en escritura de cortometrajes, ensayos y novelas como Las ruinas de la catedral nueva y Metamorfosis.

Los protagonistas de este drama ambientado en la convulsa Vitoria del año 1976 son Ruth Díaz (Bajo la piel de Lobo, Tarde para la Ira), José Manuel Seda (de las series Física o química y Yo soy Bea), Alberto Berzal (de Pulsaciones y Víctor Ros), Mikel Iglesias (Brava, Ismael, Polseres Vermelles), Amaia Aberasturi (Los castigadores), Íñigo de la Iglesia (Errementari. El hierro y el diablo), Iñaki Rikarte, Oti Manzano y Asier Macazaga.

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Ángela Gonzalo del Moral   30.abr.2019 23:40    

El BCN Film Festival entra en la recta final

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La presencia del actor británico Jeremy Irons en Barcelona, supone uno de los momentos más esperados del BCN Film Fest, que se celebra en la ciudad condal desde el 22 de abril. Irons es no solo la estrella más mediática que ha visitado la tercera edición del certamen sino que lo hace convertido en anfitrión del Museo del Prado. Lo hace en el documental Pintores y Reyes del Prado (Il Museo del Prado. La Corte delle Meraviglie), un homenaje a la pinacoteca madrileña en su bicentenario.

El actor guía al espectador desde el Salón de Reinos y descubre la fuerza de pinturas de grandes maestros españoles, flamencos e italianos como Velázquez, Goya, Rubens, El Greco o Tiziano que sirven para contar la historia de España y de Europa a través de los grandes maestros que plasmaron esos momentos y de los reyes, que fueron ampliando la pinacoteca española.En ellas descubrimos guerras, derrotas, victorias y las dinastías que se fueron sucediendo en España y en el continente europeo.

Dirigido por Valeria Parisi, sigue el guión escrito por Sabina Fedeli, su estreno mundial fue el 15 de abril en Roma. En España no la podremos ver hasta noviembre, coincidiendo con las fechas de conmemoración de la inauguración oficial del museo, el 19 de noviembre de 1819 bajo el reinado de Fernando VII.

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El BCN Film Festival llega así a la recta final, tras haber descubierto a los espectadores la vida y  obras de otros artistas y escritores. En las pantallas de los cines Verdi de Barcelona, hemos descubierto las luchas internas y externas de escritores como Oscar Wilde, Bertolt Brecht o Edmond Rostand, padre de Cyrano de Bergerac, de pintores como Picasso, Klimt, Schiele o Leonardo da Vinci, del bailarín Rudolf Nureyev e incluso de cineastas como Orson Welles y Luis Buñuel.

El festival, estrechamente relacionado con la literatura, también nos deja perlas como El secreto de las abejas, Brecht, la sorprendente La importancia de llamarse Oscar Wilde o la divertida La Biblioteca de los libros rechazados (Le mystère Henri Pick).

También ha servido para repasar grandes tragedias colectivas como la masacre de Peterloo -en 1819-, los asesinatos de cinco manifestantes en plena huelga general en Vitoria en 1976 o el ataque terrorista a varios hoteles y restaurantes de Bombay en 2008.

Como en todo festival, los homenajes al mundo del cine también han estado presentes, como el que se ha dedicado a la directora francesa, Agnès Varda, recientemente fallecida; a Charles Chaplin, coincidiendo con el 130 aniversario de su nacimiento; a Buster Keaton, con el estreno en España de El gran Buster, del director neoyorquino Peter Bogdanovich y a Luis Buñuel en la animación El laberinto de las tortugas, dirigida por Salvador Simó.

Unos homenajes que han servido para ver películas como Candilejas, El gran dictador, La quimera del oro, Siete ocasiones, El moderno Sherlock Holmes o El maquinista de la general.

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Los cines Verdi, en el barrio de Gracia de Barcelona, acogen un año más el festival, que hace un guiño a este popular barrio barcelonés, con el ciclo "Cinema amb Gràcia" (cine con gracia), en el que se pueden ver varias comedias. Este año, las dos más esperadas eran De la India a París en un armario de Ikea, del canadiense Ken Scott y la francesa La biblioteca de los libros rechazados, del director Rémi Bezançon, que presenta una comedia de misterio, muy entretenida. La sección también ha permitido ver Lola y sus hermanos, Dulcinea, del realizador madrileño David Hebreroy Como pez en el agua, del italiano Riccardo Milani. Por cierto, el cine transalpino, también ha desembarcado en Barcelona con una sección de cine dirigido por realizadoras italianas.

El colofón, el próximo martes, estará protagonizado por los hermanos Cohen y su Balada de Buster Scruggs, una antología de seis relatos independientes ambientadas en el oeste americano, entre 1850 y 1880. Una recopilación de historias protagonizadas por personajes tan distintos como un pistolero cantante, el guía de una caravana de colonos, los pasajeros de una siniestra diligencia o un solitario buscador de oro.

Ese día, el martes 30 de abril, conoceremos a los vencedores de la tercera edición del Barcelona Film Fest.

 

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Ángela Gonzalo del Moral   28.abr.2019 07:19    

Fallece Agnès Varda, "abuela de la Nouvelle Vague"

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En 2017, Agnès Varda, una directora clave en la cinematografía europea, recibió el Premio Donostia y en 2018,el Óscar honorífico a toda una carrera. La denominada "abuela de la Nueva ola" (la Novuelle vague), había obtenido varios reconocimientos en forma de premios, como el Oso de Plata de Berlín, en 1965, por "La felicidad", el León de Oro del Festival de Venecia en 1985, por su obra "Sans toit ni loi (Sin techo, ni ley) y en 2009, el César por la biografía "Las playas de Agnès). Pero sobretodo estaba considerada una dama del cine.Hoy la familia ha comunicado su fallecimiento tras una breve enfermedad.

Agnès Varda, cumplió el año pasado 90 años. Nacida en Bélgica, hija de un padre griego y una madre francesa, empezó a trabajar como fotógrafa en el Teatro Nacional Popular de París, donde trabajó con Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon. Realizó su primera exposición en solitario en su patio, y más tarde llegarían sus grandes reportajes de China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de gente tanto desconocida como famosos.

Poco tiempo después decidió dedicarse a lo que más le gustaba: el cine. Lo hizo de forma autodidacta, formando una pequeña compañía, Ciné-Taris, con la que produjo su primer largometraje, escrito y dirigido por ella misma.

Su primera película es de 1954 La Pointe Courte, considerada una de las precursoras de la Nouvelle vague francesa, hermana del Nouveau roman, su homólogo literario. Varda ha dirigido unos cuarenta películas, largometrajes y documentales. Mujer ligada a la izquierda política se sintió atraída por los movimientos sociales de la década de los 60 y de mayo del 68, que plasmó en obras como La felicidad (1965), Las criaturas (1966) y Lion's Love (1969), cuando ya vivía en Los Ángeles. Allí filmó Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).

Agnes Varda

Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (1962)o Una canta, otra no (1977), en el que refleja las luchas feministas. La impronta que dejó en el mundo del cine, ha quedado recogido en los titulares dedicados a ella, tras conocerse su deceso. Variety, la ha definido como "la portadora de la antorcha de la nueva ola", Deadline la considera "una  pionera". A pesar de estos adjetivos, durante muchos años su celebridad no había traspasado los círculos cinéfilos y Europa hasta que entre hace dos años, no comenzó a ser reconocida al otro lado del Atlántico.

En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diversos países.

Mujer incansable y siempre dispuesta a reinventarse, en 2003 Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, Des chambres en ville y Paroles de squatters.

En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de ese mismo año el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió Las dos orillas de Agnès Varda, que incluía instalaciones y películas, y en febrero de 2014 Triptyques atypiques se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: Photographs Get Moving (potatoes and shells, too) (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); Varda / Cuba (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); Une barrière ouverte (Galerie Lumière, Lyon, 2016); Solo show (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).

Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y se estrenó en el Festival de San Sebastián. Ambos recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural, con el objetivo de conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocaban.

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Ángela Gonzalo del Moral   29.mar.2019 15:45    

Turismo cinematográfico en Europa

Tercer hombre

Escuchar la banda sonora de la película Tercer Hombre, traslada a muchos cinéfilos a los bajos fondos de Viena. Actualmente se pueden visitar las famosas alcantarillas en las que se rodó la persecución de Harry Lime (personaje interpretado por Orson Welles). En la capital austriaca, podemos visitar el Hotel Sacher en el que se alojaba Joseph Cotten nada más llegar a la ciudad.

La banda sonora de James Bond, nos atrapa para iniciar viaje por múltiples ciudades europeas, siguiendo los pasos del famoso agente secreto. Las misiones del agente 007, lo han convertido en promotor turístico de las ciudades que ha visitado. El personaje de Ian Fleming no ha podido resistirse al atractivo de poblaciones europeas como Venecia, Roma, Londres, Cádiz o Bilbao.

Otro agente, Ethan Hunt, personaje principal de la saga Misión Imposible, recorre en su última película, escenarios como París, Londres o la famosa Roca del Púlpito en Noruega. Así, podríamos seguir enumerando localizaciones de cines durante largo tiempo.

El mágico mundo del cine nos lleva a múltiples lugares, unos reales y la mayoría imaginarios. Europa acoge a lo largo del año miles de rodajes en ciudades o zonas rurales. Los cinéfilos buscan y rebuscan esos lugares y los visitan en sus vacaciones o tiempo libre... aumentando el turismo cinematográfico.

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La realizadora y productora, Vicky Calabia, nos explica que "es un público al que le gusta una serie o una saga completa de cine, que puede ser más o menos famosa, o de culto. Dónde iba a comer el actor o la actriz protagonista y conocer como se ha modificado los escenarios o la ideosincrasia del rodaje en el lugar en concreto".

Varias de las películas candidatas a algún Oscar en 2019, se han rodado en Europa, integra o parcialmente.

La favorita en Hatfield House, una casa de campo situada en un gran parque, al este de esa ciudad inglesa ( situada en el condado de Hertfordshire). Se trtata de un edificio que ha albergado a la realeza inglesa desde el siglo XV, repleto de grandes escaleras, amplios salones y corredores kilométricos. Un lugar idóneo para enmarcar a personajes solitarios en grandes espacios, uno de los objetivos de su director Yorgos Lanthimos.

Bohemian Rhapsody fue filmada principalmente en Londres, pero también en Amsterdam. La alemana La sombra del pasado tiene localizaciones en Berlin, Renania del Norte-Westfalia, Sajonia, Düsseldorf, Dresden y la República Checa. La polaca Cold war en Bialaczów, Lódz, Breslavia, Split en Croacia, y la plaza Emile Goudeau y Rue Malebranche en París.

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No hay cifras exactas, pero se calcula que el año pasado unos 80 millones de personas, viajaron con la intención de conocer lugares de filmaciones. Una tradición que comenzó en el mundo anglosajón, como nos recuerda Pedro Barbadillo, miembro de la directiva de Film Spain Comission. "Inglaterra tiene una larga tradición de invitar a los turistas a visitar lugares donde se filmó Harry Potter, James Bond, Robin Hood. En París, hay una ruta sobre Amelie", nos dice Barbadillo.

La gran variedad geográfica de Europa la han convertido en escenario de varias localizaciones de series como Juego de Tronos. De ello saben mucho Irlanda del Norte, Malta o Croacia. Las visitas turísticas a Dubrovnik y su vecina isla de Lokrum han aumentado más de un 10% en los últimos años. La capital de Poniente de la primera temporada, Malta, también ha notado un auge del turismo, lo mismo que Belfast. Sevilla y Osuna, esperan también tener una repercusión internacional entre los turistas más cinéfilos.

Barbadillo recuerda que "el nuevo fenómeno de las series de televisión hace que muchos turistas quieren ir a ver los lugares donde se rodaron. Es un fenómeno que se extiende cada vez más, y que va paralelo al aumento de nuestra cultura audiovisual y nos dejamos influir más por aquellos lugares que vemos en la pantalla".

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La isla griega de Skópelos y las interminables escaleras que dirigen al monasterio de Agios, sirvió de escenario para varias escenas de la taquillera "Mamma Mía". Allí se celebró la boda de Sophie, mientras los famosos acantilados de Amarandos fueron los bellos parajes usados para la escena donde la protagonista se baña con sus tres posibles padres y cantan la canción Our Last Summer.

De eso sabe mucho la población madrileña de Torrelaguna, donde se han rodado más de 30 películas, series y anuncios. La última "Todos lo saben", El tiempo de producción, el rodaje y la proyección del film que fue candidato en los Goya, ha supuesto importantes ingresos para el municipio, y para los ciudadanos, porque según explica Eduardo Burgos, teniente de alcalde, "muchos de ellos han podido trabajar durante tres meses como extras de la película. A lo que hay que añadir que muchos comercios también han sacado una rentabilidad importante, teniendo en cuenta que cuando se produjo el rodaje era temporada baja, porque había trabajadores de la película que se quedaron a dormir en el municipio durante ese tiempo".

Es un diálogo entre la industria del audiovisual y del turismo. Dos industrias que tienen que entenderse mejor, para beneficiarse recíprocamente.

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Categorías: Cine , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral   23.feb.2019 11:20    

Monet y los nenúfares de Giverny

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El realizador Giovanni Trailo nos acerca esta semana a la obra de uno de los artistas más influyentes de la pintura mundial, el francés Claude Monet. La película Los nenúfares de Monet, se podrá ver en un centenar de cines de toda España entre el 14 y el 15 de enero. A través del documental el espectador viajará por las obras del genial pintor y se introducirá en su personalidad, conociendo sus obsesiones, sus fracasos, sus luchas y sus éxitos.

Elisa Lasowski, actriz de Juego de Tronos y Promesas del Este, nos guía en un viaje por el río Sena, desde la ciudad donde el artista empezó a descubrir la pintura, Le Havre, hasta su jardín de Giverny, para llegar a los tres santuarios del impresionismo: los museos de Orsay, Orangerie y el Marmottan Monet.

Junto a Elisa Lasowski, también analizan la obra y la personalidad de Monet, la fotógrafa Sanne de Wilde y Claire Hèlène Marron, responsable de los jardines de la Fundación Monet de Giverny. Ellas nos descubren como el artistas superó la depresión que le apartó temporalmente de la pintura, y como emergió de su ostracismo artístico. Un proceso que le llevó a entregarse en cuerpo y alma a su obra más espectacular: la Grand Décoration, una serie de enormes paneles presentando sus nenúfares en el lago y envolviendo al espectador en una atmósfera de misterio, pero también de serenidad.

Los nenúfares de Monet. La magia de la luz y el agua, ofrece una mirada especial y muy personal del pintor, y se incluye en la serie Los Grandes del Arte en el Cine.  Este proyecto artístico-cinematográfico, incluye a otros pintores y tras su exhibición en cines, está previsto vender ediciones en DVD y Blu-ray, como ya ha ocurrido con Van Gogh y Renoir. La distribuidora A Contracorriente films ya ha puesto a la venta Vincent Van Gogh: una nueva mirada y Renoir, admirado y denigrado, dos de los títulos producidos por la prestigiosa compañía británica Exhibition on Screen. Estas dos películas forman parte de un amplio catálogo de arte que la distribuidora española está comercializando en España desde 2016, y son las primeras en ser editadas en formato doméstico.

 

Monet y el jardín de Giverny

Giverny estanque Foto angelaGonzaloM

Cuando llega la primavera al jardín de Giverny, en la Normandía francesa, las flores vuelven a mostrarnos sus coloridos pétalos y los árboles sus brotes verdes... miles de bulbos se apresuran a salir de la tierra. En el estanque de los nenúfares, los perennes sauces llorones dan la bienvenida a sus nuevos compañeros.... y siguen en su intento físico de alcanzar el agua, consiguen traspasarla a través de sus reflejos.

La primavera, el verano y el otoño cambian los tonos y colores que el jardinero Monet preparó para el Monet pintor.... Las dispuso según los colores y la situación del sol... las de tonos más fríos al este y la más cálidas al oeste.... dependiendo del amanecer o al atardecer. Los reyes del jardín son los tulipanes, con más de 25.000 bulbos. Un festival multicolor.

El artista decía que el jardín era su auténtica obra de arte, y lo convirtió en su laboratorio de luz y color, que cambiaba al ritmo de las cuatro estaciones del año. Según en qué época se visita ofrece unos colores más anaranjados o más lilas. En la fundación que gestiona el jardín hay un calendario de floraciones, que se mantiene idéntica a las plantas que empezó a cultivar en 1883. No nos extraña que Monet pasara horas y horas pintando los rincones de este lugar tan cambiante.

Cada año visitan los jardines unas 60.000 personas y no es difícil imaginárselo paseando entre las plantas, con su larga barba, espesa y blanca. Su fuerte carácter, su mirada ya cansada, pero ávida para captar el instante. El jardín de Giverny es no solo la fuente de inspiración de Monet, sino su forma de entender un cuadro. Para los visitantes no es nada difícil sentirse formando parte de un cuadro, allí en medio del estanque de lirios, que tanto pintó. Con los sauces, cayendo sobre el agua, reflejándose en ella, y enfrente el famoso puente japonés. Resulta casi imposible distinguir entre el cuadro y la realidad.

Se trata de dos espacios, separados por la carretera. Uno es el jardín de flores y el otro el de agua, de un marcado estilo japonés, tan de moda en el siglo XIX, donde encontramos los famosos nenúfares-que se abren en mayo-, los sauces y el puente sobre el lago. Lo pintó unas 45 veces y para su construcción llamó a un artesano local y todavía conserva las glicinias plantadas por el artista.

Giverny casa Monet Foto angelaGonzaloM

También se puede entrar en su casa, donde cuelgan algunos de sus cuadros personales, con su amplia y luminosa habitación con tres ventanas mirando al jardín, o su taller. De agosto a octubre las capuchinas invaden el sendero central, como si fuera un río de flores.

Esa pequeña población normanda, donde actualmente viven unas 500 personas, se convirtió a finales del XIX en un centro intelectual que llegó a reunir a más de un centenar de artistas, incluida la bailarina Isadora Duckham. También sedujo Cézanne, Renoir, Sisley, Rodin, Mary Cassatt, que acabó llevando a algunos de sus amigos pintores... convirtiendo todo Giverny en un taller de artistas.

Giverny galería Foto angelaGonzaloM

Una localidad que todavía guarda ese glamour a través de numerosas galerías de arte, o en el interior del hotel Baudy, que vale la pena visitar, porque conserva muchos cuadros de esos pintores, que en ocasiones pagaban su alojamiento con sus obras. Actualmente el Sena, su luz y sus colores siguen atrayendo a muchos artistas.

El documental también muestra la estrecha amistad de Monet con el primer ministro francés, George Clémenceau. El propio Monet escribía a su amigo "Todavía espero tu prometida visita. Es el momento de que veas el espléndido jardín, pero date prisa, porque dentro de poco las flores estarán marchitas".

El gran inspirador de los impresionsitas aseguraba que "el hecho de ser pintor se lo debía probablemente a las flores" y añadía que "a parte de la pintura y la jardineria, no era bueno para nada más".

Su aportación al mundo del arte nos permitió descubrir los matices y la poesía de la luz y el arte de un jardín que cambia en cada momento. Bueno, no solo de un jardín, también de un edificio, del interior de un local o de la naturaleza en general.

Floración de los jardines de Monet

Giverny jardín Foto angelaGonzaloM


Abril: Narciso, tulipanes, jacintos, narcisos, pensamientos, margaritas, cereza y manzana japonesa ...
Mayo: Azaleas, rododendros, lirios tempranos, flores de pared, glicinas, peonías, geranios, margaritas, delfinios ...
Junio: Rosas, Clematis, Amapolas, Cytise, Juliana, Tamaris ...
Julio: Rosas, y todas las plantas anuales al comienzo de su floración: capuchinas, dragones, tabacos, sabios, verbenas, soles, sanvitalias, coreopsias, dalias, cleomas, cosmos, robbeckias, gladiolos, aguateros, malvados ... Comienzo de los lirios de agua
Agosto : Dalias, cosmos, hibiscos ... Fin de los nenúfares.
Septiembre: Comienzo de Capuchinas en el callejón central, Asters, Dalias, Cosmos, Rudbeckias, ...
Octubre: Dalias. Cada año hasta las heladas ... *

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* Puede haber algún error en el nombre de las plantas porque lo he traducido del francés

Categorías: Cine , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral    9.ene.2019 23:36    

La tragedia del Kursk llega a los cines

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El 12 de agosto de 2000 un submarino nuclear de la armada rusa se hundía en el mar de Barents. Unas maniobras militares acabaron en tragedia cuando varias explosiones en el interior, lo hundieron en el lecho marino a unos 100 metros de profundidad. Murieron sus 118 tripulantes ante las fracasadas operaciones de rescate de la armada rusa. También se frustró una operación de rescate internacional lanzada in extremis para salvar a alguno de los marineros. El accidente no tardó en convertirse en emergencia internacional. Los gobiernos de Gran Bretaña, Noruega, Estados Unidos, Israel, Francia, Alemania e Italia ofrecieron ayuda, pero los rusos la rechazaron asegurando que lo tenían todo bajo control.

El Kursk era el submarino insignia de la flota naval, una máquina de guerra casi indestructible, que iba armado con 18 torpedos antibuque y 22 misiles de crucero. Ahora una película con ese nombre, ligado a unas tragedias personales, familiares y nacionales, nos recuerda aquellos hechos. Se estrena en España este miércoles.

Meses más tarde, buzos rusos y noruegos recuperaron los cuerpos de doce marinos que, tras la explosión, consiguieron refugiarse en la novena sección del sumergible, y que son los protagonistas de la película. A finales de 2001 se reflotó la nave y se recuperaron 82 cadáveres. Otros 24 tripulantes se consideran desaparecidos.

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Como ya se conoce el desenlace, la trama no aporta muchas sorpresas. Aun así una de las escenas más conseguidas es el tenso buceo del protagonista por las salas inundadas del submarino. El realizador utiliza el formato de cuatro tercios para reflejar la vida y los agobiantes hechos históricos y pasa al panorámico para desahogar la tensión.... así Thomas Vintenberg, el director, recuerda al espectador que está uniendo realidad y ficción.  

El cineasta danés aprovecha la historia para relatar como eran aquellos marineros, sus relaciones amorosas, su familia, sus sueños, pero sobre todo para mostrar como vivieron sus familiares aquellos días de desaliento, esperanza y desinformación. Un sufrimiento que fue ignorado por las autoridades rusas de la época. Falta en la película una crítica a la actitud del recién elegido presidente Vladímir Putin, que ignoró la tragedia y tardó varios días en finalizar sus vacaciones. 

Basado en la investigación y el libro publicado por Robert Moore, Kursk, aborda tanto la historia de sus protagonistas como el transfondo político y militar. Para ello cuenta con un reparto encabezado por Matthias Schoenaerts, Colin Firth y Léa Seydoux. Entre los secundarios, destaca la actuación del nonagenario Max Von Sydow, impasible ante la tragedia de las familas. La película ha sido rodada en inglés, lo que le resta algo de verosimilitud y sorprende al principio de la cinta.

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Como ya ocurrió con Salyut-7: Héroes en el espacio  queda demostrada la capacidad de los rusos para sacrificar a uno por la comunidad. En aquella ocasión el rescate fue un éxito, mientras la última película de Vintenberg se repiten ese sacrificio supone la muerte de los tripulantes, que durante días lucharon por sobrevivir sin poder evitar el desenlace final. A lo largo de una hora y media el espectador comprende la angustia, la claustrofobia y la extrema dificultad de las circunstancias en las que se encuentran los marineros atrapados. Mientras en los despachos se priorizaba defender los secretos militares.

Así sale a relucir la opacidad de la armada rusa, que nunca reportó a los familiares la información que demandaban, donde los propios mandos se enfrentaban a obstáculos políticos y a la escasez de medios para liderar un rescate de ese calibre.

Para el director, "en esta historia se ve como hay personas que aun confrontadas a un final, siguen siendo valientes". Por eso utiliza planos secuencia largos que transmiten al espectador la angustia, claustrofobia e impotencia que pudieron vivir aquellos marineros atrapados en la profundidad del mar.

Esta drama ficcionado aprovecha la tragedia naval para mostrar el declive de la Rusia postsoviética, la escasez de medios, el oscurantismo institucional y el desencanto de la población, todo ello de manera colateral. También la libertad de prensa, resultó afectada por el hundimiento del Kursk, ya que empezó a controlarse a los medios de comunicación, sobre todo después de que se viera en directo como drogaban a una esposa que exigía saber detalles de lo sucedido. El informe gubernamental sobre el incidente permanecerá clasificado hasta el 2030. Veremos si entonces se informa sobre todo lo que ocurrió en aquellos nueve días de mediados de agosto de 2000.

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Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral    4.dic.2018 17:55    

Las SS de la cruzada nazi contra el arte

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Seiscientas mil obras de arte expoliadas en cuatro años. Llega a las pantallas el excelente documental Hitler vs Picasso y otros artistas, para mostrar detalladamente, con análisis documentados, el robo del arte que realizaron los nazis. Todo planificado por la ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg) convertidas en una especie de SS de la cultura. No aniquilaban personas, pero les robaban las obras pictóricas que guardaban en sus viviendas y galerías. Tampoco lo hacían para mostrarlas al mundo, sino para que sus líderes amasaran una gran fortuna. Querían arrebatar y destruir la cultura europea de todos los siglos. Eran los tesoros ocultos del Führer.

Mientras el nazismo perseguía a los artistas más modernos, bajo el cliché de arte degenerado, las ERR expoliaban las obras maestras de la pintura europea. Muchos se jugaron la vida por mantener su patrimonio, y aunque algunos consiguieron salvar una pequeña parte, otros perdieron hasta la vida. Los nazis se apoderaban de esas colecciones con la excusa de que los dueños estaban fuera de sus casas o habían huido, cuando en muchas ocasiones estaban en un campo de concentración.

El italiano Claudio Poli, nos presenta una obra necesaria para conocer la otra guerra que mantuvieron los líderes del nazismo, principalmente Hitler y Alfred Rosenberg. Este último fue el ideólogo y creador de la Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg -ERR- (Fuerza Especial Rosenberg), un instituto para la investigación, centrada no solo en el odio racial, sino en preparar informes sobre las colecciones de arte, bibliotecas y archivos judíos de todo el continente.

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Dirigido por Claudio Poli y escrito por Sabina Fedeli, Didi Gnochhi y Arianna Marelli, el documental solo podrá verse en un centenar de cines españoles el 19 y 20 de noviembre, muy bien narrado por el actor italiano Toni Servillo (dos premios del Cine Europeo). La película de una hora y media de duración muestra ante nuestros ojos, cuadros y obras de arte, pero también imágenes de archivo inéditas y explicaciones e investigaciones realizadas por historiadores, coleccionistas, abogados, testimonios de familiares, periodistas y biógrafos.

Los herederos explican las dificultades que tienen para demostrar que son los propietarios de las obras de sus antepasados, porque no guardan recibos o certificados. Muchas familias judías pudieron salvar la vida, vendiendo sus colecciones a cambio de un visado.  Una de las personas más entrañables que participan en el documental es Edgar Feuchtwanger, vecino de Hitler en Múnich, cuyo padre fue deportado, y él mismo acabó huyendo con su familia a otro país.

La ERR operó entre 1940 y 1945 en Francia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo, los países Bálticos, Polonia, Grecia, Italia y la Unión Soviética, principalmente. En 1940, Hitler autorizó a esta organización a confiscar los manuscritos y libros más valiosos de las bibliotecas y archivos nacionales, material eclesiástico, de las lógias masónicas y todas las pertenencias de gran valor cultural de propietarios judíos. Entre abril de 1941 y julio de 1944, unos 29 convoys transportaron obras de arte desde París al castillo de Neuschwanstein, principal almacén del gobierno nazi. Se calcula que antes del final de la guerra, casi un millón y medio de vagones trasladaron obras y libros a túneles y minas ocultos en territorio alemán.

Göring, el gran saqueador del arte europeo

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Uno de los grandes saqueadores de arte fue Hermann Göring, lugarteniente de Hitler, mariscal y ministro del aire, al que gustaba el arte y vivir como un sibarita. Desvalijó museos y mansiones de todos los territorios ocupados. En su catálogo había anotado unos 1.400 cuadros, 250 esculturas y 168 tapices. Acumuló un tesoro de obras maestras de Durero, Rubens, Poussin, Boucher, Vermeer, Renoir, Brueghel, y otros artistas considerados degenerados por los nazis. El político francés Laurent Fabius, dijo que "Göring comenzó ordenando la destrucción de obras de arte degenerado, pero se convirtió en coleccionista, ávido de lucro y ebrio de poder". "Ambicionaba sin límites la riqueza y fue uno de los mayores expoliadores de la historia", añade el historiador Jean-Marc Dreyfus.

La mayoría de esos cuadros los podía disfrutar en su residencia de verano y finca de caza de Carinhall, donde invitaba a la aristocracia alemana y tenía previsto construir un museo. Los oficiales de la Wehrmacht robaban los cuadros para él y llegó a tener medio centenar de obras de Cranach. En el documental, Deaf Ledeboer, de la fundación Deventer, comenta que "ansiaban tener un estatus social y el arte era un medio tradicional para ascender socialmente y ser reconocidos en el mundo del arte".

No todo el arte fue robado, Hitler y Göring gastaron enormes sumas de dinero en comprar arte, siempre a unos precios más o menos de saldo y amenazando, intercambiando o sobornando a los compradores, casi siempre a punta de pistola. Aún así, Göring llegó a pagar una gran suma de dinero por una obra de Vermeer, que acabó siendo una falsificación.

Obras de Matisse, Chagall, Monet, Klimt, fueron retiradas de las paredes de sus propietarios, para acabar en túneles especialmente preparados para mantenerlos o en las viviendas de los líderes nazis.  Las obras de arte más destacadas que los nazis confiscaron, fueron a parar a Adolf Hitler e iban a mostrarse en el planeado Museo del Führer en Linz. Otros líderes nazis como Martin Bormann y Albert Speer tenían una pequeña parte en sus casas de vacaciones.

La película recorre París, Nueva York, Holanda y Alemania, para relatar la fascinante historia -humanas y artísticas- que hay detrás del expolio de un millar de obras de arte de gran valor. El expolio a la cultura europea es casi tan estremecedor como el propio holocausto.

Algunas obras robadas

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Foto Wikipedia

Los cazas alemanes viajaban con mapas en los que se señalaban los edificios que no debían bombardear, con el objetivo de salvar las obras de arte, que luego serían saqueadas. Una vez ocupada la ciudad, llas obras eran buscadas con ahínco por expertos en arte, galeristas,  artistas e historiadores del arte, algunos colaboraron con la ERR para no ser deportados o perseguidos. Del más de medio millón de obras que acabaron en manos del regimen nazi, destacamos un grupo, que sirven de muestra del gran valor del material incautado. No importaba si eran pequeñas o de gran tamaño, su ansia de poder no tenía límite.

La plaza de la Concordia, de Edgard Degás, pintada en 1885, fueue hallada en 1995, cuando la obra se presentó en el Hermitage. Santa Justa y santa Rufina, pintadas por Bartolomé Murillo, fue recuperada y el lienzo estuvo expuesto en el museo Meadows de Dallas, hasta que se descubrió en la parte posterior un número catalogado que permitió comprobar que se lo habían robado a la familia Rothschild.

El retrato del doctor Gachet, de Vicent Van Gogh, incluido en la obra de artistas degenerados fue robado de un museo alemán.  Otra obra del gran artista holandés  El pintor en el camino de Tarascó" fue robada y quemada. El retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustave Klimt, sus bienes fueron incautados y puestos bajo custodia de los alemanes. En 2006 fue devuelta a Maria Altman. El cine también recogió su largo litigio para conseguir la obra que había pertenecido a sus antepasados, y donde se comprueba las grandes dificultades que estas personas encuentran para recuperar su patrimonio.

Los nazis no tuvieron problemas para desmontar grandes obras de arte. Una de ellas es el Retablo Veit Stoss, una escultura en madera del siglo XV, está considerado el mayor retablo gótico con 13 metros de altura y 18 de ancho. El gobierno alemán mandó a un comando de élite requisar la obra, pero cuando llegaron ya lo habían desmontado, aunque más tarde lo localizaron y la trasladaron al castillo de Nüremberg. Tras la guerra fue devuelta a Cracovia.

La desaparición de la Cámara de ámbar sigue siendo uno de los mayores misterios de la guerra. El gobierno del Tercer Reich la incluyó en la larga lista de obras de arte que debían ser saqueadas. Tras ser desmontada durante el sitio de Leningrado. En 1941,se exhibió en el castillo de Königsberg. Este salón de 1701, fue diseñado con joyas, oro y 6 toneladas de ámbar para las instalaciones del palacio de Catalina en San Petersburgo. Se desmontó y nunca más se supo de ella. Se cree que pudo ser destruida por bombardeos, o desmontada y hundida en el interior de un submarino alemán o quizá esté oculta en una mina alemana. 

De las 600.000 obras robadas, todavía quedan por recuperar unas 100.000.  Pueden estar en cualquier lugar.

Hace unos años en un apartamento de Munich, encontraron unas 1.400 obras de arte en casa del hijo del comerciante de arte Hildebrand Gurlitt, que trabajó para los nazis. Eran obras de los siglos XIX y XX que habían desaparecido sin dejar rastro, y que se descubrieron gracias al azar, cuando Gurlitt viajaba en tren entre Zurich y Munich con más de 10.000 euros en metálico ,y ante las sospechas se le investigó por fraude fiscal. El gobierno bávaro mantuvo el descubrimiento en silencio, hasta que el diario Focus, destapó el escándalo.

Los responsables de la película creen que es imprescindible y vital dar a conocer a las nuevas generaciones esta parte de la historia, para descubrir el mensaje que los responsables de la Alemania nazi, guardaban tras la política de aniquilación. Pero sobre todo, dejar constancia de que intentaron acabar con parte de la historia pictórica y cultural europea.

El nombre de Picasso aparece en el documental, porque es un símbolo de todos estos artistas. En 1945, el artista explicó a un periodista una conversación que tuvo en París con un líder de la Gestapo. Él se acercó al estudio del pintor y al ver el Guernica, le preguntó a Picasso si lo había pintado él. El artista le respondió "No, esto lo han hecho ustedes". En la misma entrevista reflexionaba que la pintura "es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo", por eso su función no es decorar paredes de viviendas.

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Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral   18.nov.2018 17:16    

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