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Fallece Agnès Varda, "abuela de la Nouvelle Vague"

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En 2017, Agnès Varda, una directora clave en la cinematografía europea, recibió el Premio Donostia y en 2018,el Óscar honorífico a toda una carrera. La denominada "abuela de la Nueva ola" (la Novuelle vague), había obtenido varios reconocimientos en forma de premios, como el Oso de Plata de Berlín, en 1965, por "La felicidad", el León de Oro del Festival de Venecia en 1985, por su obra "Sans toit ni loi (Sin techo, ni ley) y en 2009, el César por la biografía "Las playas de Agnès). Pero sobretodo estaba considerada una dama del cine.Hoy la familia ha comunicado su fallecimiento tras una breve enfermedad.

Agnès Varda, cumplió el año pasado 90 años. Nacida en Bélgica, hija de un padre griego y una madre francesa, empezó a trabajar como fotógrafa en el Teatro Nacional Popular de París, donde trabajó con Jean Vilar, fundador del Festival de Avignon. Realizó su primera exposición en solitario en su patio, y más tarde llegarían sus grandes reportajes de China y Cuba. A lo largo de sus viajes y a través de las personas a las que conoció, realizó varios retratos de gente tanto desconocida como famosos.

Poco tiempo después decidió dedicarse a lo que más le gustaba: el cine. Lo hizo de forma autodidacta, formando una pequeña compañía, Ciné-Taris, con la que produjo su primer largometraje, escrito y dirigido por ella misma.

Su primera película es de 1954 La Pointe Courte, considerada una de las precursoras de la Nouvelle vague francesa, hermana del Nouveau roman, su homólogo literario. Varda ha dirigido unos cuarenta películas, largometrajes y documentales. Mujer ligada a la izquierda política se sintió atraída por los movimientos sociales de la década de los 60 y de mayo del 68, que plasmó en obras como La felicidad (1965), Las criaturas (1966) y Lion's Love (1969), cuando ya vivía en Los Ángeles. Allí filmó Black Panthers (1969), Mur Murs (1981) y Documenteur (1980).

Agnes Varda

Entre sus películas más conocidas se incluyen: Cléo de 5 à 7 (1962)o Una canta, otra no (1977), en el que refleja las luchas feministas. La impronta que dejó en el mundo del cine, ha quedado recogido en los titulares dedicados a ella, tras conocerse su deceso. Variety, la ha definido como "la portadora de la antorcha de la nueva ola", Deadline la considera "una  pionera". A pesar de estos adjetivos, durante muchos años su celebridad no había traspasado los círculos cinéfilos y Europa hasta que entre hace dos años, no comenzó a ser reconocida al otro lado del Atlántico.

En 2008 Les plages d’Agnès, un poético y juguetón autorretrato fílmico, encontró eco entre el público y ganó en Francia el premio César al Mejor Documental. Entre 2010 y 2011 escribió y dirigió la serie documental Agnès de ci de là Varda (compuesta por 5 episodios de 45 minutos), en la que registraba un viaje abierto y encuentros con artistas contemporáneos en diversos países.

Mujer incansable y siempre dispuesta a reinventarse, en 2003 Varda emprendió su tercera carrera, la de artista visual. Sus instalaciones se han mostrado en foros como la Biennale de Venecia y la Biennale d’art contemporain de Lyon, el SMAK de Gante, Art 41 Basel, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, la Galerie Martine Abouacaya de París, el Musée Paul Valéry de Sète… Su serie Broken portraits fue exhibida en la Galerie Nathalie Obadia de Bruselas. En marzo de 2012 el CAFA Art Museum de Beijing y el Hubei Museum of Art de Wuhan exhibieron muchas de sus instalaciones contemporáneas y fotografías tomadas en China en 1957. En junio de 2012 formó parte de la exposición colectiva “Le voyage à Nantes” con dos nuevas vídeo-instalaciones, Des chambres en ville y Paroles de squatters.

En julio de 2012 el Festival de Cine de La Rochelle albergó una retrospectiva de sus películas y la instalación “Patatutopia”. En noviembre de ese mismo año el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla exhibió Las dos orillas de Agnès Varda, que incluía instalaciones y películas, y en febrero de 2014 Triptyques atypiques se exhibió en la Galerie Nathalie Obadia de París. En los últimos años han tenido lugar otras exhibiciones de su obra: Photographs Get Moving (potatoes and shells, too) (Logan Center for the Arts, University of Chicago, 2015); Varda / Cuba (Centre Georges Pompidou, París, 2015); “Agnès Varda. Patates & compagnie” (Ixelles Museum, Bruselas, 2016); Une barrière ouverte (Galerie Lumière, Lyon, 2016); Solo show (Blum & Poe Gallery, Nueva York, 2017).

Su trabajo cinematográfico más reciente, Visages, Villages (Caras y lugares), codirigido con el artista JR, fue presentado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2017 y se estrenó en el Festival de San Sebastián. Ambos recorren en una furgoneta las calles y paisajes de diferentes lugares de la Francia rural, con el objetivo de conocer gente con la que intercambiar ideas, fotografiar a estas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle, para ver qué reacciones provocaban.

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Ángela Gonzalo del Moral   29.mar.2019 15:45    

Turismo cinematográfico en Europa

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Escuchar la banda sonora de la película Tercer Hombre, traslada a muchos cinéfilos a los bajos fondos de Viena. Actualmente se pueden visitar las famosas alcantarillas en las que se rodó la persecución de Harry Lime (personaje interpretado por Orson Welles). En la capital austriaca, podemos visitar el Hotel Sacher en el que se alojaba Joseph Cotten nada más llegar a la ciudad.

La banda sonora de James Bond, nos atrapa para iniciar viaje por múltiples ciudades europeas, siguiendo los pasos del famoso agente secreto. Las misiones del agente 007, lo han convertido en promotor turístico de las ciudades que ha visitado. El personaje de Ian Fleming no ha podido resistirse al atractivo de poblaciones europeas como Venecia, Roma, Londres, Cádiz o Bilbao.

Otro agente, Ethan Hunt, personaje principal de la saga Misión Imposible, recorre en su última película, escenarios como París, Londres o la famosa Roca del Púlpito en Noruega. Así, podríamos seguir enumerando localizaciones de cines durante largo tiempo.

El mágico mundo del cine nos lleva a múltiples lugares, unos reales y la mayoría imaginarios. Europa acoge a lo largo del año miles de rodajes en ciudades o zonas rurales. Los cinéfilos buscan y rebuscan esos lugares y los visitan en sus vacaciones o tiempo libre... aumentando el turismo cinematográfico.

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La realizadora y productora, Vicky Calabia, nos explica que "es un público al que le gusta una serie o una saga completa de cine, que puede ser más o menos famosa, o de culto. Dónde iba a comer el actor o la actriz protagonista y conocer como se ha modificado los escenarios o la ideosincrasia del rodaje en el lugar en concreto".

Varias de las películas candidatas a algún Oscar en 2019, se han rodado en Europa, integra o parcialmente.

La favorita en Hatfield House, una casa de campo situada en un gran parque, al este de esa ciudad inglesa ( situada en el condado de Hertfordshire). Se trtata de un edificio que ha albergado a la realeza inglesa desde el siglo XV, repleto de grandes escaleras, amplios salones y corredores kilométricos. Un lugar idóneo para enmarcar a personajes solitarios en grandes espacios, uno de los objetivos de su director Yorgos Lanthimos.

Bohemian Rhapsody fue filmada principalmente en Londres, pero también en Amsterdam. La alemana La sombra del pasado tiene localizaciones en Berlin, Renania del Norte-Westfalia, Sajonia, Düsseldorf, Dresden y la República Checa. La polaca Cold war en Bialaczów, Lódz, Breslavia, Split en Croacia, y la plaza Emile Goudeau y Rue Malebranche en París.

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No hay cifras exactas, pero se calcula que el año pasado unos 80 millones de personas, viajaron con la intención de conocer lugares de filmaciones. Una tradición que comenzó en el mundo anglosajón, como nos recuerda Pedro Barbadillo, miembro de la directiva de Film Spain Comission. "Inglaterra tiene una larga tradición de invitar a los turistas a visitar lugares donde se filmó Harry Potter, James Bond, Robin Hood. En París, hay una ruta sobre Amelie", nos dice Barbadillo.

La gran variedad geográfica de Europa la han convertido en escenario de varias localizaciones de series como Juego de Tronos. De ello saben mucho Irlanda del Norte, Malta o Croacia. Las visitas turísticas a Dubrovnik y su vecina isla de Lokrum han aumentado más de un 10% en los últimos años. La capital de Poniente de la primera temporada, Malta, también ha notado un auge del turismo, lo mismo que Belfast. Sevilla y Osuna, esperan también tener una repercusión internacional entre los turistas más cinéfilos.

Barbadillo recuerda que "el nuevo fenómeno de las series de televisión hace que muchos turistas quieren ir a ver los lugares donde se rodaron. Es un fenómeno que se extiende cada vez más, y que va paralelo al aumento de nuestra cultura audiovisual y nos dejamos influir más por aquellos lugares que vemos en la pantalla".

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La isla griega de Skópelos y las interminables escaleras que dirigen al monasterio de Agios, sirvió de escenario para varias escenas de la taquillera "Mamma Mía". Allí se celebró la boda de Sophie, mientras los famosos acantilados de Amarandos fueron los bellos parajes usados para la escena donde la protagonista se baña con sus tres posibles padres y cantan la canción Our Last Summer.

De eso sabe mucho la población madrileña de Torrelaguna, donde se han rodado más de 30 películas, series y anuncios. La última "Todos lo saben", El tiempo de producción, el rodaje y la proyección del film que fue candidato en los Goya, ha supuesto importantes ingresos para el municipio, y para los ciudadanos, porque según explica Eduardo Burgos, teniente de alcalde, "muchos de ellos han podido trabajar durante tres meses como extras de la película. A lo que hay que añadir que muchos comercios también han sacado una rentabilidad importante, teniendo en cuenta que cuando se produjo el rodaje era temporada baja, porque había trabajadores de la película que se quedaron a dormir en el municipio durante ese tiempo".

Es un diálogo entre la industria del audiovisual y del turismo. Dos industrias que tienen que entenderse mejor, para beneficiarse recíprocamente.

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Ángela Gonzalo del Moral   23.feb.2019 11:20    

Monet y los nenúfares de Giverny

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El realizador Giovanni Trailo nos acerca esta semana a la obra de uno de los artistas más influyentes de la pintura mundial, el francés Claude Monet. La película Los nenúfares de Monet, se podrá ver en un centenar de cines de toda España entre el 14 y el 15 de enero. A través del documental el espectador viajará por las obras del genial pintor y se introducirá en su personalidad, conociendo sus obsesiones, sus fracasos, sus luchas y sus éxitos.

Elisa Lasowski, actriz de Juego de Tronos y Promesas del Este, nos guía en un viaje por el río Sena, desde la ciudad donde el artista empezó a descubrir la pintura, Le Havre, hasta su jardín de Giverny, para llegar a los tres santuarios del impresionismo: los museos de Orsay, Orangerie y el Marmottan Monet.

Junto a Elisa Lasowski, también analizan la obra y la personalidad de Monet, la fotógrafa Sanne de Wilde y Claire Hèlène Marron, responsable de los jardines de la Fundación Monet de Giverny. Ellas nos descubren como el artistas superó la depresión que le apartó temporalmente de la pintura, y como emergió de su ostracismo artístico. Un proceso que le llevó a entregarse en cuerpo y alma a su obra más espectacular: la Grand Décoration, una serie de enormes paneles presentando sus nenúfares en el lago y envolviendo al espectador en una atmósfera de misterio, pero también de serenidad.

Los nenúfares de Monet. La magia de la luz y el agua, ofrece una mirada especial y muy personal del pintor, y se incluye en la serie Los Grandes del Arte en el Cine.  Este proyecto artístico-cinematográfico, incluye a otros pintores y tras su exhibición en cines, está previsto vender ediciones en DVD y Blu-ray, como ya ha ocurrido con Van Gogh y Renoir. La distribuidora A Contracorriente films ya ha puesto a la venta Vincent Van Gogh: una nueva mirada y Renoir, admirado y denigrado, dos de los títulos producidos por la prestigiosa compañía británica Exhibition on Screen. Estas dos películas forman parte de un amplio catálogo de arte que la distribuidora española está comercializando en España desde 2016, y son las primeras en ser editadas en formato doméstico.

 

Monet y el jardín de Giverny

Giverny estanque Foto angelaGonzaloM

Cuando llega la primavera al jardín de Giverny, en la Normandía francesa, las flores vuelven a mostrarnos sus coloridos pétalos y los árboles sus brotes verdes... miles de bulbos se apresuran a salir de la tierra. En el estanque de los nenúfares, los perennes sauces llorones dan la bienvenida a sus nuevos compañeros.... y siguen en su intento físico de alcanzar el agua, consiguen traspasarla a través de sus reflejos.

La primavera, el verano y el otoño cambian los tonos y colores que el jardinero Monet preparó para el Monet pintor.... Las dispuso según los colores y la situación del sol... las de tonos más fríos al este y la más cálidas al oeste.... dependiendo del amanecer o al atardecer. Los reyes del jardín son los tulipanes, con más de 25.000 bulbos. Un festival multicolor.

El artista decía que el jardín era su auténtica obra de arte, y lo convirtió en su laboratorio de luz y color, que cambiaba al ritmo de las cuatro estaciones del año. Según en qué época se visita ofrece unos colores más anaranjados o más lilas. En la fundación que gestiona el jardín hay un calendario de floraciones, que se mantiene idéntica a las plantas que empezó a cultivar en 1883. No nos extraña que Monet pasara horas y horas pintando los rincones de este lugar tan cambiante.

Cada año visitan los jardines unas 60.000 personas y no es difícil imaginárselo paseando entre las plantas, con su larga barba, espesa y blanca. Su fuerte carácter, su mirada ya cansada, pero ávida para captar el instante. El jardín de Giverny es no solo la fuente de inspiración de Monet, sino su forma de entender un cuadro. Para los visitantes no es nada difícil sentirse formando parte de un cuadro, allí en medio del estanque de lirios, que tanto pintó. Con los sauces, cayendo sobre el agua, reflejándose en ella, y enfrente el famoso puente japonés. Resulta casi imposible distinguir entre el cuadro y la realidad.

Se trata de dos espacios, separados por la carretera. Uno es el jardín de flores y el otro el de agua, de un marcado estilo japonés, tan de moda en el siglo XIX, donde encontramos los famosos nenúfares-que se abren en mayo-, los sauces y el puente sobre el lago. Lo pintó unas 45 veces y para su construcción llamó a un artesano local y todavía conserva las glicinias plantadas por el artista.

Giverny casa Monet Foto angelaGonzaloM

También se puede entrar en su casa, donde cuelgan algunos de sus cuadros personales, con su amplia y luminosa habitación con tres ventanas mirando al jardín, o su taller. De agosto a octubre las capuchinas invaden el sendero central, como si fuera un río de flores.

Esa pequeña población normanda, donde actualmente viven unas 500 personas, se convirtió a finales del XIX en un centro intelectual que llegó a reunir a más de un centenar de artistas, incluida la bailarina Isadora Duckham. También sedujo Cézanne, Renoir, Sisley, Rodin, Mary Cassatt, que acabó llevando a algunos de sus amigos pintores... convirtiendo todo Giverny en un taller de artistas.

Giverny galería Foto angelaGonzaloM

Una localidad que todavía guarda ese glamour a través de numerosas galerías de arte, o en el interior del hotel Baudy, que vale la pena visitar, porque conserva muchos cuadros de esos pintores, que en ocasiones pagaban su alojamiento con sus obras. Actualmente el Sena, su luz y sus colores siguen atrayendo a muchos artistas.

El documental también muestra la estrecha amistad de Monet con el primer ministro francés, George Clémenceau. El propio Monet escribía a su amigo "Todavía espero tu prometida visita. Es el momento de que veas el espléndido jardín, pero date prisa, porque dentro de poco las flores estarán marchitas".

El gran inspirador de los impresionsitas aseguraba que "el hecho de ser pintor se lo debía probablemente a las flores" y añadía que "a parte de la pintura y la jardineria, no era bueno para nada más".

Su aportación al mundo del arte nos permitió descubrir los matices y la poesía de la luz y el arte de un jardín que cambia en cada momento. Bueno, no solo de un jardín, también de un edificio, del interior de un local o de la naturaleza en general.

Floración de los jardines de Monet

Giverny jardín Foto angelaGonzaloM


Abril: Narciso, tulipanes, jacintos, narcisos, pensamientos, margaritas, cereza y manzana japonesa ...
Mayo: Azaleas, rododendros, lirios tempranos, flores de pared, glicinas, peonías, geranios, margaritas, delfinios ...
Junio: Rosas, Clematis, Amapolas, Cytise, Juliana, Tamaris ...
Julio: Rosas, y todas las plantas anuales al comienzo de su floración: capuchinas, dragones, tabacos, sabios, verbenas, soles, sanvitalias, coreopsias, dalias, cleomas, cosmos, robbeckias, gladiolos, aguateros, malvados ... Comienzo de los lirios de agua
Agosto : Dalias, cosmos, hibiscos ... Fin de los nenúfares.
Septiembre: Comienzo de Capuchinas en el callejón central, Asters, Dalias, Cosmos, Rudbeckias, ...
Octubre: Dalias. Cada año hasta las heladas ... *

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* Puede haber algún error en el nombre de las plantas porque lo he traducido del francés

Categorías: Cine , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral    9.ene.2019 23:36    

La tragedia del Kursk llega a los cines

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El 12 de agosto de 2000 un submarino nuclear de la armada rusa se hundía en el mar de Barents. Unas maniobras militares acabaron en tragedia cuando varias explosiones en el interior, lo hundieron en el lecho marino a unos 100 metros de profundidad. Murieron sus 118 tripulantes ante las fracasadas operaciones de rescate de la armada rusa. También se frustró una operación de rescate internacional lanzada in extremis para salvar a alguno de los marineros. El accidente no tardó en convertirse en emergencia internacional. Los gobiernos de Gran Bretaña, Noruega, Estados Unidos, Israel, Francia, Alemania e Italia ofrecieron ayuda, pero los rusos la rechazaron asegurando que lo tenían todo bajo control.

El Kursk era el submarino insignia de la flota naval, una máquina de guerra casi indestructible, que iba armado con 18 torpedos antibuque y 22 misiles de crucero. Ahora una película con ese nombre, ligado a unas tragedias personales, familiares y nacionales, nos recuerda aquellos hechos. Se estrena en España este miércoles.

Meses más tarde, buzos rusos y noruegos recuperaron los cuerpos de doce marinos que, tras la explosión, consiguieron refugiarse en la novena sección del sumergible, y que son los protagonistas de la película. A finales de 2001 se reflotó la nave y se recuperaron 82 cadáveres. Otros 24 tripulantes se consideran desaparecidos.

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Como ya se conoce el desenlace, la trama no aporta muchas sorpresas. Aun así una de las escenas más conseguidas es el tenso buceo del protagonista por las salas inundadas del submarino. El realizador utiliza el formato de cuatro tercios para reflejar la vida y los agobiantes hechos históricos y pasa al panorámico para desahogar la tensión.... así Thomas Vintenberg, el director, recuerda al espectador que está uniendo realidad y ficción.  

El cineasta danés aprovecha la historia para relatar como eran aquellos marineros, sus relaciones amorosas, su familia, sus sueños, pero sobre todo para mostrar como vivieron sus familiares aquellos días de desaliento, esperanza y desinformación. Un sufrimiento que fue ignorado por las autoridades rusas de la época. Falta en la película una crítica a la actitud del recién elegido presidente Vladímir Putin, que ignoró la tragedia y tardó varios días en finalizar sus vacaciones. 

Basado en la investigación y el libro publicado por Robert Moore, Kursk, aborda tanto la historia de sus protagonistas como el transfondo político y militar. Para ello cuenta con un reparto encabezado por Matthias Schoenaerts, Colin Firth y Léa Seydoux. Entre los secundarios, destaca la actuación del nonagenario Max Von Sydow, impasible ante la tragedia de las familas. La película ha sido rodada en inglés, lo que le resta algo de verosimilitud y sorprende al principio de la cinta.

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Como ya ocurrió con Salyut-7: Héroes en el espacio  queda demostrada la capacidad de los rusos para sacrificar a uno por la comunidad. En aquella ocasión el rescate fue un éxito, mientras la última película de Vintenberg se repiten ese sacrificio supone la muerte de los tripulantes, que durante días lucharon por sobrevivir sin poder evitar el desenlace final. A lo largo de una hora y media el espectador comprende la angustia, la claustrofobia y la extrema dificultad de las circunstancias en las que se encuentran los marineros atrapados. Mientras en los despachos se priorizaba defender los secretos militares.

Así sale a relucir la opacidad de la armada rusa, que nunca reportó a los familiares la información que demandaban, donde los propios mandos se enfrentaban a obstáculos políticos y a la escasez de medios para liderar un rescate de ese calibre.

Para el director, "en esta historia se ve como hay personas que aun confrontadas a un final, siguen siendo valientes". Por eso utiliza planos secuencia largos que transmiten al espectador la angustia, claustrofobia e impotencia que pudieron vivir aquellos marineros atrapados en la profundidad del mar.

Esta drama ficcionado aprovecha la tragedia naval para mostrar el declive de la Rusia postsoviética, la escasez de medios, el oscurantismo institucional y el desencanto de la población, todo ello de manera colateral. También la libertad de prensa, resultó afectada por el hundimiento del Kursk, ya que empezó a controlarse a los medios de comunicación, sobre todo después de que se viera en directo como drogaban a una esposa que exigía saber detalles de lo sucedido. El informe gubernamental sobre el incidente permanecerá clasificado hasta el 2030. Veremos si entonces se informa sobre todo lo que ocurrió en aquellos nueve días de mediados de agosto de 2000.

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Ángela Gonzalo del Moral    4.dic.2018 17:55    

Las SS de la cruzada nazi contra el arte

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Seiscientas mil obras de arte expoliadas en cuatro años. Llega a las pantallas el excelente documental Hitler vs Picasso y otros artistas, para mostrar detalladamente, con análisis documentados, el robo del arte que realizaron los nazis. Todo planificado por la ERR (Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg) convertidas en una especie de SS de la cultura. No aniquilaban personas, pero les robaban las obras pictóricas que guardaban en sus viviendas y galerías. Tampoco lo hacían para mostrarlas al mundo, sino para que sus líderes amasaran una gran fortuna. Querían arrebatar y destruir la cultura europea de todos los siglos. Eran los tesoros ocultos del Führer.

Mientras el nazismo perseguía a los artistas más modernos, bajo el cliché de arte degenerado, las ERR expoliaban las obras maestras de la pintura europea. Muchos se jugaron la vida por mantener su patrimonio, y aunque algunos consiguieron salvar una pequeña parte, otros perdieron hasta la vida. Los nazis se apoderaban de esas colecciones con la excusa de que los dueños estaban fuera de sus casas o habían huido, cuando en muchas ocasiones estaban en un campo de concentración.

El italiano Claudio Poli, nos presenta una obra necesaria para conocer la otra guerra que mantuvieron los líderes del nazismo, principalmente Hitler y Alfred Rosenberg. Este último fue el ideólogo y creador de la Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg -ERR- (Fuerza Especial Rosenberg), un instituto para la investigación, centrada no solo en el odio racial, sino en preparar informes sobre las colecciones de arte, bibliotecas y archivos judíos de todo el continente.

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Dirigido por Claudio Poli y escrito por Sabina Fedeli, Didi Gnochhi y Arianna Marelli, el documental solo podrá verse en un centenar de cines españoles el 19 y 20 de noviembre, muy bien narrado por el actor italiano Toni Servillo (dos premios del Cine Europeo). La película de una hora y media de duración muestra ante nuestros ojos, cuadros y obras de arte, pero también imágenes de archivo inéditas y explicaciones e investigaciones realizadas por historiadores, coleccionistas, abogados, testimonios de familiares, periodistas y biógrafos.

Los herederos explican las dificultades que tienen para demostrar que son los propietarios de las obras de sus antepasados, porque no guardan recibos o certificados. Muchas familias judías pudieron salvar la vida, vendiendo sus colecciones a cambio de un visado.  Una de las personas más entrañables que participan en el documental es Edgar Feuchtwanger, vecino de Hitler en Múnich, cuyo padre fue deportado, y él mismo acabó huyendo con su familia a otro país.

La ERR operó entre 1940 y 1945 en Francia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo, los países Bálticos, Polonia, Grecia, Italia y la Unión Soviética, principalmente. En 1940, Hitler autorizó a esta organización a confiscar los manuscritos y libros más valiosos de las bibliotecas y archivos nacionales, material eclesiástico, de las lógias masónicas y todas las pertenencias de gran valor cultural de propietarios judíos. Entre abril de 1941 y julio de 1944, unos 29 convoys transportaron obras de arte desde París al castillo de Neuschwanstein, principal almacén del gobierno nazi. Se calcula que antes del final de la guerra, casi un millón y medio de vagones trasladaron obras y libros a túneles y minas ocultos en territorio alemán.

Göring, el gran saqueador del arte europeo

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Uno de los grandes saqueadores de arte fue Hermann Göring, lugarteniente de Hitler, mariscal y ministro del aire, al que gustaba el arte y vivir como un sibarita. Desvalijó museos y mansiones de todos los territorios ocupados. En su catálogo había anotado unos 1.400 cuadros, 250 esculturas y 168 tapices. Acumuló un tesoro de obras maestras de Durero, Rubens, Poussin, Boucher, Vermeer, Renoir, Brueghel, y otros artistas considerados degenerados por los nazis. El político francés Laurent Fabius, dijo que "Göring comenzó ordenando la destrucción de obras de arte degenerado, pero se convirtió en coleccionista, ávido de lucro y ebrio de poder". "Ambicionaba sin límites la riqueza y fue uno de los mayores expoliadores de la historia", añade el historiador Jean-Marc Dreyfus.

La mayoría de esos cuadros los podía disfrutar en su residencia de verano y finca de caza de Carinhall, donde invitaba a la aristocracia alemana y tenía previsto construir un museo. Los oficiales de la Wehrmacht robaban los cuadros para él y llegó a tener medio centenar de obras de Cranach. En el documental, Deaf Ledeboer, de la fundación Deventer, comenta que "ansiaban tener un estatus social y el arte era un medio tradicional para ascender socialmente y ser reconocidos en el mundo del arte".

No todo el arte fue robado, Hitler y Göring gastaron enormes sumas de dinero en comprar arte, siempre a unos precios más o menos de saldo y amenazando, intercambiando o sobornando a los compradores, casi siempre a punta de pistola. Aún así, Göring llegó a pagar una gran suma de dinero por una obra de Vermeer, que acabó siendo una falsificación.

Obras de Matisse, Chagall, Monet, Klimt, fueron retiradas de las paredes de sus propietarios, para acabar en túneles especialmente preparados para mantenerlos o en las viviendas de los líderes nazis.  Las obras de arte más destacadas que los nazis confiscaron, fueron a parar a Adolf Hitler e iban a mostrarse en el planeado Museo del Führer en Linz. Otros líderes nazis como Martin Bormann y Albert Speer tenían una pequeña parte en sus casas de vacaciones.

La película recorre París, Nueva York, Holanda y Alemania, para relatar la fascinante historia -humanas y artísticas- que hay detrás del expolio de un millar de obras de arte de gran valor. El expolio a la cultura europea es casi tan estremecedor como el propio holocausto.

Algunas obras robadas

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Foto Wikipedia

Los cazas alemanes viajaban con mapas en los que se señalaban los edificios que no debían bombardear, con el objetivo de salvar las obras de arte, que luego serían saqueadas. Una vez ocupada la ciudad, llas obras eran buscadas con ahínco por expertos en arte, galeristas,  artistas e historiadores del arte, algunos colaboraron con la ERR para no ser deportados o perseguidos. Del más de medio millón de obras que acabaron en manos del regimen nazi, destacamos un grupo, que sirven de muestra del gran valor del material incautado. No importaba si eran pequeñas o de gran tamaño, su ansia de poder no tenía límite.

La plaza de la Concordia, de Edgard Degás, pintada en 1885, fueue hallada en 1995, cuando la obra se presentó en el Hermitage. Santa Justa y santa Rufina, pintadas por Bartolomé Murillo, fue recuperada y el lienzo estuvo expuesto en el museo Meadows de Dallas, hasta que se descubrió en la parte posterior un número catalogado que permitió comprobar que se lo habían robado a la familia Rothschild.

El retrato del doctor Gachet, de Vicent Van Gogh, incluido en la obra de artistas degenerados fue robado de un museo alemán.  Otra obra del gran artista holandés  El pintor en el camino de Tarascó" fue robada y quemada. El retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustave Klimt, sus bienes fueron incautados y puestos bajo custodia de los alemanes. En 2006 fue devuelta a Maria Altman. El cine también recogió su largo litigio para conseguir la obra que había pertenecido a sus antepasados, y donde se comprueba las grandes dificultades que estas personas encuentran para recuperar su patrimonio.

Los nazis no tuvieron problemas para desmontar grandes obras de arte. Una de ellas es el Retablo Veit Stoss, una escultura en madera del siglo XV, está considerado el mayor retablo gótico con 13 metros de altura y 18 de ancho. El gobierno alemán mandó a un comando de élite requisar la obra, pero cuando llegaron ya lo habían desmontado, aunque más tarde lo localizaron y la trasladaron al castillo de Nüremberg. Tras la guerra fue devuelta a Cracovia.

La desaparición de la Cámara de ámbar sigue siendo uno de los mayores misterios de la guerra. El gobierno del Tercer Reich la incluyó en la larga lista de obras de arte que debían ser saqueadas. Tras ser desmontada durante el sitio de Leningrado. En 1941,se exhibió en el castillo de Königsberg. Este salón de 1701, fue diseñado con joyas, oro y 6 toneladas de ámbar para las instalaciones del palacio de Catalina en San Petersburgo. Se desmontó y nunca más se supo de ella. Se cree que pudo ser destruida por bombardeos, o desmontada y hundida en el interior de un submarino alemán o quizá esté oculta en una mina alemana. 

De las 600.000 obras robadas, todavía quedan por recuperar unas 100.000.  Pueden estar en cualquier lugar.

Hace unos años en un apartamento de Munich, encontraron unas 1.400 obras de arte en casa del hijo del comerciante de arte Hildebrand Gurlitt, que trabajó para los nazis. Eran obras de los siglos XIX y XX que habían desaparecido sin dejar rastro, y que se descubrieron gracias al azar, cuando Gurlitt viajaba en tren entre Zurich y Munich con más de 10.000 euros en metálico ,y ante las sospechas se le investigó por fraude fiscal. El gobierno bávaro mantuvo el descubrimiento en silencio, hasta que el diario Focus, destapó el escándalo.

Los responsables de la película creen que es imprescindible y vital dar a conocer a las nuevas generaciones esta parte de la historia, para descubrir el mensaje que los responsables de la Alemania nazi, guardaban tras la política de aniquilación. Pero sobre todo, dejar constancia de que intentaron acabar con parte de la historia pictórica y cultural europea.

El nombre de Picasso aparece en el documental, porque es un símbolo de todos estos artistas. En 1945, el artista explicó a un periodista una conversación que tuvo en París con un líder de la Gestapo. Él se acercó al estudio del pintor y al ver el Guernica, le preguntó a Picasso si lo había pintado él. El artista le respondió "No, esto lo han hecho ustedes". En la misma entrevista reflexionaba que la pintura "es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo", por eso su función no es decorar paredes de viviendas.

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Ángela Gonzalo del Moral   18.nov.2018 17:16    

Jane Goodall, la defensora de los chimpancés

 Europeos que dejan huella

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A los 84 años, la primatóloga, Jane Goodall aparece en un nuevo documental, en esta ocasión explicando cómo llegó a África, los momentos difíciles, los de satisfacción y los problemas a los que tuvo que enfrentarse. Viajó hasta donde ningún hombre había querido ir y sus descubrimientos cambiarían el mundo.

En 1960 el investigador Louis Leakey,  envió a la selva a su asistente, una joven que no tenía estudios científicos, para que observara con otros ojos a los primates. Tenía 26 años, entusiasmo, paciencia, talento, determinación y perseverancia. "Cuanto más aprendía, más cuenta me daba de lo mucho que se parecían a nosotros".

Tardó meses en poder mantener un primer contacto con los simios, y mucho más tiempo, hasta que la aceptaron en su grupo. No solo tardó en ser aceptada por los chimpancés... sino también por los investigadores, que veían en ella a una joven guapa, y cuestionaban su trabajo, por considerarla sin preparación especializada. Una de las críticas que recibió fue por poner nombre a los animales en su trabajo de campo, en vez de utilizar números de identificación, como establecían las disciplinas científicas.

Ella siempre respondió, que no tenía ningún interés en ser una científica, y que solo quería aprender sobre los chimpancés. Tampoco le importaba las acusaciones, siempre y cuando obtuviera los fondos que le aportaba National Geographic, tan necesarios para hacer su trabajo. "No me preocupaba lo que dijeran, mientras National Geographic, continuara manteniendo su financiación".

A lo largo de 45 años de vida en África, nunca pensó en tirar la toalla, a pesar de tener momentos difíciles que hacían peligrar su trabajo. "Y así, sin más, Geographic puso fin a la financiación, fue muy molesto, desafortunado y triste".

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Esa misma entidad, a la que critica veladamente en la película, ha financiado este biopic de la investigador, que en los últimos años ha pasado a promocionar el desarrollo local y la protección del medio ambiente, a través de la fundación que lleva su nombre. El presidente en España del Instituto Jane Goodall, Federico Bogdanowicz, explica como  se emocionó cuando vio en persona el resultado de la que puede ser una de las últimas películas protagonizadas por la científica británica.

"Jane", dirigida por Brett Morgen nos descubre 100 horas de material filmico inédito, guardado en los archivos de National Geographic durante más de 50 años. La película se proyectó en "Another Way Film Festival", coincidiendo con el Día Mundial de los Animales. Esta mujer de apariencia frágil, que ha aparecido en más de 40 documentales y películas, se desnuda ante la pantalla y transmite al espectador, a veces con humor..., y otros con pesadumbre, cómo pasó de científica a activista.

Con sus tesis abrió nuevas teorías a la comunidad científica, como cuando descubrió que el ser humano, no era el único que utilizaba herramientas. Un descubrimiento, que llevó a Louis Leakey a decir que "ahora debemos redefinir al hombre, redefinir herramientas o aceptar a los chimpancés como seres humanos".

También se sorprendió de la violencia gratuita de estos animales. "Pensaba que eran más amables que nosotros, No tenía ni idea de su brutalidad".

De sus años de observación incansable y paciente, la primatóloga explica como se acercó hasta ellos y cómo la aceptaron.  En 2003, recibió el Premio Príncipe de Asturias de Investigación Científica y Técnica.

A sus 84 años, esta británica inagotable sigue viajando por el mundo para defender la vida salvaje, proteger el medioambiente y concienciar a los ciudadanos de la necesidad de respetar a todas las criaturas del planeta. "Podemos hacer muchas cosas por el planeta, positivas o negativas, y debemos escoger que tipo de impacto queremos dejar a las futuras generaciones".

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La deforestación mermaba las poblaciones de chimpancés y se propuso realizar varios proyectos para salvaguardar a estos animales, su hábitat y el entorno de los tanzanos que compatían su mismo espacio. Durante 55 años ella, estudiantes y otros científicos han estudiado a los chimpancés en el parque nacional tanzano de Gombe, en los alrededores no había árboles, y debían compartir la tierra yerma y pobre, con los habitantes de la zona. Para evitar que ambos se pelearan por la tierra,una lucha en la que iban a salir perdiendo los simios, instauró el programa TACARE, para mejorar la vida de la gente. Ellos debían proponer las medidas que creían oportunas, ahora confían y se ha podido frenar la deforestación en esa zona. También el centro Chimpunga acoge a las crías que han quedado huérfanas por pérdida de sus madres o del hábitat.

Defensora de los derechos de los animales, su fundación ha lanzado una campaña contra el comercio ilegal de especies, principalmente amenazadas y protegidas, impulsado por redes mafiosas internacionales. Es el tercer negocio más lucrativo del mundo, tras el de armas y drogas, y genera uns 20.000 millones de euros anuales. Por contra el comercio legal es solo de 3.000 millones. En España, entre 2005 y 2014 se incautaron unos 14.000 especímenes, mas de la mitad eran reptiles, destinados a la venta de pieles. Nuetro país es un importante reexportador de productos de piel o pieles, y de aves rapaces, cuyo mercado principal son los países de Oriente Medio.

Jane Goodall es una de las conservacionistas más admiradas y encarna la figura de las mujeres libres, atrevidas y comprometidas con su tiempo.

"¿Hasta cuando estará ligada a los chimpancés?", le preguntaban a Goodall... "Hasta que me muera".

 

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca

Categorías: Ciencia , Cine

Ángela Gonzalo del Moral    8.oct.2018 12:20    

Verano de cine europeo infantil y juvenil

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Harry Potter trasladó su magia a la literatura infantil juvenil. El éxito editorial de su autora, la británica J.K. Rowling, llegó a la gran pantalla y también arrasó. El cine para los más pequeños se afianza cada vez más, y gusta también a los mayores. Lejos de Hollywood, este verano han llegado a los cines dos películas detinadas al consumo del cine europeo para menores. Es el caso de la española "Los futbolísimos" y la francesa "Vaya bichos". Adaptaciones de libros, en las que también han participado sus autores. 
 
Este cine que tiene como público objetivo a los menores, consigue atrapar, con sus tintes ácidos e ingeniosos a los adultos.  Hollywood también se ha sentido atraído por la literatura infantil y juvenil europea, como lo demuestran las adaptaciones de Peter Pan, Alicia en el País de las Maravillas, la Historia interminable, Cenicienta, la Sirenita y los cuentos de los Hermanos Grimm, por poner solo unos mínimos ejemplos.  

"Los futbolísimos",

una saga española que llega al cine

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Aventura, misterio, romance, acción, comedia, es la mezcla de la última película infantil-juvenil que llega a nuestras pantallas. A lo que hay que añadir deporte, que es el que mueve todos los hilos de la trama de "Los futbolísimos". Una adaptación de la saga escrita por Roberto Santiago y que podría tener sus secuelas, dependiendo de la taquilla final que consiga la película dirigida por Miguel Ángel Lamata. 
 
"Es sorprendente ver como los personajes se convierten en personas reales, como los dibujos que estaban en mi cabeza son personas de carne y hueso", dice el autor del libro, Roberto Santiago, al ver como "el misterio de los árbitros dormidos", ha llegado a la pantalla.
 
Esta comedia deportiva cuenta la historia de un grupo de niños y niñas enamorados del  "deporte rey", que deberán salvar a su equipo del descenso, y por tanto de la desaparición.  Aunque no lo tendrán nada fácil porque en el campo de fútbol reina el caos ya que los árbitros acaban durmiéndose y el sustituto no es demasiado justo en las decisiones y permite que el equipo contrario se salte las reglas del partido y así sabotear el equipo del Soto Alto. 

"¡Vaya bichos!",

vuelve la animación francesa

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La francesa "Vaya bichos" está destinada a un público muy infantil, es fácil de ver, pero no aporta ninguna idea nueva y queda lejos de la divertida "El malvado zorro feroz". Nos presenta a unas abejas que están a punto de perder la colmena tras la desaparición de la reina Margarita. El único aspecto a destacar es que a través de la animación se muestra, aunque muy superficialmente, la importancia de estos pequeños insectos para mantener la vida de los bosques y de algunos ecosistemas. 
 
Los pequeños descuren a Apolo, un grillo viajero de gran corazón que llega a la ciudad de los pequeños bichos en un momento en que el reino está amenazado por la malvada avispa Huguette que ha secuestrado a la Reina, la abeja Margarita. El grillo, ayudado por una abeja y un piojo muy divertido, se lanzan a una peligrosa misión de rescate.
 
Su antecesora francófona en nuestras pantallas, llegó hace unos meses, "El malvado zorro feroz", está marcada por la plasticidad, el ritmo y el humor. Basada en la obra de Benjamin Renner, creador de la galardonada Ernest y Celestine (nominada a los Oscar y ganadora del premio a la Mejor Animación Europea) está dividida en tres cuentos. A través de los personajes de la granja se presentan varias situaciones delirantes. Una cigüeña se ve incapaz de entregar un bebé y un cerdo y sus tres amigos se aprestan a hacerlo, superando grandes obstáculos. La historia central es la de un zorro que intenta ser un buen depredador y termina siendo la madre de tres polluelos.  Un éxito en pantalla y un manual de convivencia entre especies, donde los personajes se enfrentan a sus propios errores una y otra vez, demostrando la importancia de la perseverancia. 
 
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Los espectadores del presente y del futuro

El futuro del séptimo arte europeo está en los espectadores adolescentes, por eso el  SEFF, Festival de Cine europeo de Sevilla, que se celebra en noviembre en la capital hispalense, también tiene una sección dedicada a la audiencia juvenil. Europa Junior es la sección que va unida a una serie de actos dedicados a la formación de nuevos cinéfilos, críticos y con educación audiovisual. Las películas se emiten principalmente en versión original subtitulada con la intención de familiarizar a los escolares con otros idiomas. Ellos son los encargados de elegir la cinta ganadora. Además los jóvenes espectadores pueden participar en talleres de cine, un concurso escolar de diseño de carteles y charlas con algunos directores. 
 
Desde 2012, se conceden los Premios EFA Jovenes Espectadores, en el que participan películas de 36 países europeos. Holanda, con tres premios es el país que más premios ha ganado. En mayo de este año escolares de todos esos países puedieron visionar al mismo tiempo las tres películas seleccionadas por la Academia de Cine Europea y eligieron ganadora a la francesa Wallay, que ha obtenido numerosos reconocimientos en varios festivales. Explica la historia de Ady, un adolescente de 13 años que no se lleva bien con su padre. Decide enviarlo a casa de su familia.... al otro lado del Mediterráneo... a Burkina Faso. Allí descubre sus orígenes y una forma de vida, que no acaba de entender.
 
Una de las películas europeas que más ha triunfado en los últimos años en festivales y que ha agradado al público son las cintas de animación. Entre las más aplaudidas en nuestro país están  "El Principito", "Ballerina", o la saga española "Tadeo Jones". 
 
El francés Émile Reynaud está considerado el padre del cine de animación. Con su teatro óptico proyectó numerosas películas dibujadas, y con argumento, para un público parisino que disfrutó de los primeros espectáculo de este género hacia el final del s. XIX.
 
 
Categorías: Cine

Ángela Gonzalo del Moral    6.sep.2018 09:50    

El despuntar del cine y la literatura infantil y juvenil en Europa

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Harry Potter trasladó su magia a la literatura infantil juvenil. El éxito editorial de su autora, la británica J.K. Rowling, llegó a la gran pantalla y también arrasó. El cine para los más pequeños se afianza cada vez más, y gusta también a los mayores. Lejos de Hollywood, este verano han llegado a los cines dos películas detinadas al consumo del cine europeo para menores. Es el caso de la española "Los futbolísimos" y la francesa "Vaya bichos". Adaptaciones de libros, en las que también han participado sus autores. 
 
Este cine que tiene como público objetivo a los menores, consigue atrapar, con sus tintes ácidos e ingeniosos a los adultos.  Hollywood también se ha sentido atraído por la literatura infantil y juvenil europea, como lo demuestran las adaptaciones de Peter Pan, Alicia en el País de las Maravillas, la Historia interminable, Cenicienta, la Sirenita y los cuentos de los Hermanos Grimm, por poner solo unos mínimos ejemplos. 
 

"Los futbolísimos",

una saga española que llega al cine

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Aventura, misterio, romance, acción, comedia, es la mezcla de la última película infantil-juvenil que llega a nuestras pantallas. A lo que hay que añadir deporte, que es el que mueve todos los hilos de la trama de "Los futbolísimos". Una adaptación de la saga escrita por Roberto Santiago y que podría tener sus secuelas, dependiendo de la taquilla final que consiga la película dirigida por Miguel Ángel Lamata. 
 
"Es sorprendente ver como los personajes se convierten en personas reales, como los dibujos que estaban en mi cabeza son personas de carne y hueso", dice el autor del libro, Roberto Santiago, al ver como "el misterio de los árbitros dormidos", ha llegado a la pantalla.
 
Esta comedia deportiva cuenta la historia de un grupo de niños y niñas enamorados del  "deporte rey", que deberán salvar a su equipo del descenso, y por tanto de la desaparición.  Aunque no lo tendrán nada fácil porque en el campo de fútbol reina el caos ya que los árbitros acaban durmiéndose y el sustituto no es demasiado justo en las decisiones y permite que el equipo contrario se salte las reglas del partido y así sabotear el equipo del Soto Alto. 

"¡Vaya bichos!",

vuelve la animación francesa

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La francesa "Vaya bichos" está destinada a un público muy infantil, es fácil de ver, pero no aporta ninguna idea nueva y queda lejos de la divertida "El malvado zorro feroz". Nos presenta a unas abejas que están a punto de perder la colmena tras la desaparición de la reina Margarita. El único aspecto a destacar es que a través de la animación se muestra, aunque muy superficialmente, la importancia de estos pequeños insectos para mantener la vida de los bosques y de algunos ecosistemas. 
 
Los pequeños descuren a Apolo, un grillo viajero de gran corazón que llega a la ciudad de los pequeños bichos en un momento en que el reino está amenazado por la malvada avispa Huguette que ha secuestrado a la Reina, la abeja Margarita. El grillo, ayudado por una abeja y un piojo muy divertido, se lanzan a una peligrosa misión de rescate.
 
Su antecesora francófona en nuestras pantallas, llegó hace unos meses, "El malvado zorro feroz", está marcada por la plasticidad, el ritmo y el humor. Basada en la obra de Benjamin Renner, creador de la galardonada Ernest y Celestine (nominada a los Oscar y ganadora del premio a la Mejor Animación Europea) fue un éxito en pantalla y un manual de convivencia entre especies, donde los personajes se enfrentan a sus propios errores una y otra vez, demostrando la importancia de la perseverancia. 
 
Como dice el realizador francés, Arnaud Bouron, para muchos espectadores ¡Vaya bichos!, será la primera película que ven en su vida, "y me tomo esta responsabilida en serio". Quizá un libro de Antoon Krings sea la puerta de entrada a la literatura o al cine. Una película que nos recuerda a series como la abeja Maya o a largometrajes como Dumbo o La cenicienta, Blancanieves y los siete enanitos... y tantas otras que pudimos disfrutar durante nuestra primera infancia. En muchos casos las primeras películas que vimos en una sala de cine.
 
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Los espectadores del presente y del futuro

El futuro del séptimo arte europeo está en los espectadores adolescentes, por eso el  SEFF, Festival de Cine europeo de Sevilla, que se celebra en noviembre en la capital hispalense, también tiene una sección dedicada a la audiencia juvenil. Europa Junior es la sección que va unida a una serie de actos dedicados a la formación de nuevos cinéfilos, críticos y con educación audiovisual. Las películas se emiten principalmente en versión original subtitulada con la intención de familiarizar a los escolares con otros idiomas. Ellos son los encargados de elegir la cinta ganadora. Además los jóvenes espectadores pueden participar en talleres de cine, un concurso escolar de diseño de carteles y charlas con algunos directores. 
 
Desde 2012, se conceden los Premios EFA Jovenes Espectadores, en el que participan películas de 36 países europeos. Holanda, con tres premios es el país que más premios ha ganado. En mayo de este año escolares de todos esos países puedieron visionar al mismo tiempo las tres películas seleccionadas por la Academia de Cine Europea y eligieron ganadora a la francesa Wallay, que ha obtenido numerosos reconocimientos en varios festivales. Explica la historia de Ady, un adolescente de 13 años que no se lleva bien con su padre. Decide enviarlo a casa de su familia.... al otro lado del Mediterráneo... a Burkina Faso. Allí descubre sus orígenes y una forma de vida, que no acaba de entender.
 
Una de las películas europeas que más ha triunfado en los últimos años en festivales y que ha agradado al público son las cintas de animación. Entre las más aplaudidas en nuestro país están  "El Principito", "Ballerina", o la saga española "Tadeo Jones". 
 
El francés Émile Reynaud está considerado el padre del cine de animación. Con su teatro óptico proyectó numerosas películas dibujadas, y con argumento, para un público parisino que disfrutó de los primeros espectáculo de este género hacia el final del s. XIX.
 
 
 
Categorías: Actualidad , Cine , Libros

Ángela Gonzalo del Moral   22.ago.2018 10:00    

Fallece Miloš Forman, el director que marcó la "Nouvelle Vague" francesa y checa

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El cineasta checo, Miloš Forman, fue uno de los faros que iluminaron la "Nouvelle Vague"francesa y checa. Tras huir de su país unos días antes de la represión del régimen comunista durante la Primavera de Praga de 1968, vivió unos años en Francia y posteriormente viajó a Estados Unidos. Nacionalidado estadounidense en 1977, consiguió dos Óscar como mejor realizador por Alguién voló sobre el nido del cuco en 1976 y Amadeus en 1985. Su inmensa y singular obra se centra en personajes insumisos contra toda forma de opresión.

Nació en 1932, cerca de Praga, y sufrió las persecuciones nazis, al quedar huéfano después de que sus padres murieran en el campo de concentración de Buchenwald y Auschwitz. Ingresado en varios orfelinatos y colegios, allí coincidió con Vaclav Havel, futuro dramaturgo, disidente y posteriormente presidente del país. Ya más joven siguió sus estudios en la prestigiosa Escuela de cine de Praga FAMU. Dentro del mundo creativo y contestatario de la Checoslovaquia de los años 60, compartió reflexiones filosófico-artísticas con sus contemporáneos Jiri Menzel, (Oscar a la mejor Película extranjera en 1968), Ivan Passer y Vera Chytilova. Aprovechando el deshielo de mitad de los 60, filmó películas contrarias al regimen como El Concurso (1963), El As de picas (1964), Los amores de una rubia (1965) y El baile de los bomberos (1967) producida por el magnate italiano Carlo Ponti. La película no pudo concursar al año siguiente en Cannes, debido a los acontecimientos de París de mayo de 1968.

Forman, contribuyó al nacimiento de la Nouvelle vague checoslovaca, caracterizada por la crítica y la presencia de actores no profesionales. Poco antes de la ocupación soviética de Checoslovaquia, que puso fin a la primavera de Praga, el cineasta ahora fallecido, optó por el exilio, primero a Francia y más tarde a Estados Unidos.

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Neoyorquino de adopción, diez años más tarde obtuvo la nacionalidad estadounidense y su consagración internacional, sobre todo tras el éxito de Alguién voló sobre el nido del cuco, (5 estatuillas) una película casi documental de los hospitales psiquiátricos, protagonizada por Jack Nicholson y Louise Fletcher, y Amadeus, que consiguió 8 premios de la Academia de Hollywood. Más tarde su éxito aumentó con la adaptación cinematográfica de los musicales Hair (1979) y Ragtime (1981), Globos de Oro, el Oso de Oro de Berlín, y los premios Bafta, del Cine Europeo y el Lumière.

Miloš Forman, conoció de cerca el comunismo y el capitalismo, y ante la disyuntiva siempre dijo que "he conocido la presión política e ideológica de un país comunista y la comercial, que presiona a los realizadores en Estados Unidos. Prefiero, de lejos, la presión comercial, donde dependes del público, a la presión ideológica en la que estás a merced de cualquier imbécil". Poco antes de la caída del regimen comunista regresó a su país para rodar Amadeus, y poder trabajar con sus fieles colaboradores checos, entre los que se encontraba el director de fotografía Miroslav Ondricek. El film muestra la rivalidad entre los compositores Wolfgang Amadeus Mozart y Antonio Salieri, y se alzó con 8 estatuillas, entre ellas la de mejor película. En su larga biografía encontramos Valmont (1989), Larry Flynt (1996), Man on the Moon (1999) con Jim Carrey y los Fantasmas de Goya (2006). El cineasta checo-estadounidense, aseguraba que la grabación de esa película era una de sus mejores experiencias profesionales. Una crónica de la España del siglo XVIII, protagonizada por Javier Bardem y Natalie Portman.

Con fama de director difícil, en su biografía "Turnaround" confesaba que "todo lo que hice en mi vida, lo hice para ganar". Este amante de los puros y el ciclismo, siempre se sintió atraído por personajes extremos y extraños y aseguraba que era muy cuidadoso con sus proyectos, tomándose su tiempo para contar "verdades sin resultar aburrido". Se casó en tres ocasiones, con las actrices Jana Brejchova y Vera Kresadlova y con la escenógrafa Martina Zborilova. De sus cuatro hijos, los mellizos Matej y Petr optaron por el teatro y son los responsables de la compañía The Forman Brother's Theatre.

Categorías: Actualidad , Cine

Ángela Gonzalo del Moral   16.abr.2018 15:36    

La temporada cultural francesa en España se inaugura con la comedia "C'est la vie"

"C'est la vie", la comedia francesa se va de boda

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Si todo puede salir mal, seguramente saldrá. Eso es lo que le ocurre en la última apuesta de Eric Toledano y Olivier Nakache, que demuestran que le tienen cogida la medida a este género cinematográfico y al público español. Desde su recordada "Intocable" cada vez que llegan a las salas españolas, consiguen éxito de taquilla, que además viene avalado por sus excelentes resultados en Francia. La película, protagonizada por un impecable Jean-Pierre Bacri en el papel de Max, un empresario que ha organizado cientos de bodas durante años. Ahora prepara la boda de lujo en un Chateau francés del siglo XVII. Todo está coordinado, camareros, orquesta, menú, disc jockey, decoración floral...

Pero todo pende de un hilo y la ceremonia puede salir bien o acabar en un desastre.... Se trata de una película coral, muy entretenida, sin más interés que divertir al público, reflejando situaciones cómicas pero también emotivas. Los dos directores se conocen muy bien y conocen el oficio de camarero en bodas donde habían trabajado hace años. De allí sacaron las anécdotas y quisieron mostrar como toda un colectivo tan diverso trabaja en la sombra para conseguir que todo funcione bien, y que los comensales disfruten de ese acontecimiento social.

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Nakache y Toledano, explican que para el film se han inspirado en películas clásicas como Garçon, de Claude Sautet o Relatos Salvajes de Damián Szifrón, que se proyectaba en el cine, cuando ellos estaban preparando el guión. Por cierto, uno de los sketch de la obra del argentino está centrado también en una boda.

En el apartado técnico, la cámara no está nunca estática, y sus movimientos aportan una energía, una tensión que corre a lo largo de toda la velada evitando que la historia no sea demasiado teatral, ya que la acción ocurre todo el tiempo en el mismo lugar. La música tiene también su parte narrativa en la película, y se mueve desde obras de jazz, compuestas por Avishai Cohen, a músicas festivas o románticas de artistas como Eros Ramazzotti.

En definitiva se trata de una película con gran sentido cómico que rompe con algunos clichés del cine francés que a menudo muestra un mundo angustioso y duro. Los realizadores consiguen darle humanidad a unos personajes, que aunque un poco exagerados, son como cualquiera ciudadano de a pie. Así podemos disfrutar de un punto de vista diferente. Una boda desde dentro, entre bastidores, y ver como se organiza un equipo de camareros, cocineros y responsables de luces, donde queda claro que no todo el mundo sirve para todo, pero lo importante es trabajar juntos. Como ya ocurrió con sus anteriores éxitos "Intocable" y "Samba", los directores incluyen en sus películas temas sociales, en este caso la realidad laboral y las situaciones precarias, algo que aporta un realismo y les sirve para "tejer" las situaciones que viven sus personajes.

La película opta al premio a la mejor película europea en los Goya de este año, un galardón que ya consiguieron los dos realizadores con "Intocable", en 2013. Distribuida en España por A Contracorriente films llega precedida de un gran éxito en Francia donde desde octubre ha superado los 3 millones de espectadores. En los premios del cine español competirán con una comedia insólita como la germano-austríaca Toni Erdman avalada por grandes premios como el de mejor película europea de 2017, el premio Lux del Parlamento Europeo y nominada a los Globos de Oro de 2016 y al Oscar 2017.

Mayo del 68 vertebra la actividad cultural del Instituto Francés en 2018

Imaginación al poder

El estreno de la película en España de "C'est la vie" que contó con la presencia de Olivier Nakache y Eric Toledano en Madrid, coincidió con el inicio de la programación de la temporada cultural francesa en España (el #TIFE18) El tema central de este año será "la imaginación al poder", una frase que simbolizó las revueltas de mayo del 68, hace ahora 50 años. Para conmemorar aquellos hechos, que cambiaron sociológicamente a la mayoría de los países europeos, se ha organizado un debate con el político -y uno de los padres de aquellas manifestaciones- Daniel Cohn-Bendit, el filósofo español Fernando Savater y el filósofo y sociólogo francés Edgar Morin. Para celebrar  aquella efeméride, en mayo se podrá ver la primera exposición de los foto-reporteros de France Soir, cuyos negativos se salvaron de la destrucción. En 1968 las sociedades de ambos lados del telón de acero son atravesadas por una fiebre social y de rechazo radical de los modelos sociales, culturales e intelectuales dominantes en aquel momento. París y Praga fueron las dos ciudades que sintetizaron aquella pulsión social que se adueñó de las calles para lanzar nuevas propuestas culturales. Pero también han preparado una exposición para que conozcamos la Francia actual, su gente, sus sueños, sus realidades, en definitiva que presenta las imágenes de un país vivo. Mediante la fotografía documental, 6 jóvenes nos ofrecen a través del objetivo de sus cámaras su visión de Francia.

En mayo, coincidiendo con el XV Festival de cine documental DocumentaMadrid, llegará la nueva apuesta de una de las cineastas de más prestigio, considerada una leyenda viva de la Novuelle Vague. Agnès Varda, que el año pasado recibió el Premio Donostia en San Sebastián, presentará su nueva película, "Visage, villages", todo un acontecimiento en la última edición del Festival de Cannes. Esta artista de Street Art ha convertido a los habitantes de los lugares más recónditos de Francia en protagonistas de su localidad a través de pinturas gigantes realizadas en las paredes de las calles.

Presentación TIFE18_Foto @IF_Espana

La música llegará de las notas de Dominique A, un cantante adorado en España, que actuará en Barcelona, Madrid y Zaragoza. Tras 25 años de carrera, este año presentará sus dos nuevos discos, el primero en febrero, con más músicos y mucho ritmo y en otoño llegará su último trabajo, un disco acústico y en solitario. El TIFE18 nos va a permitir conocer a la nueva estrella francesa, Juliette Armanet, que ha tomado el relevo de la nueva "chanson francesa". Esta mujer que ha obtenido el reconocimiento de revelación del escenario francés el año pasado, cantará por primera vez en España.  

Más música, esta vez a través de la danza, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, con un homenaje a dos grandes compositores galos. Los teatros del Canal nos llevaran al vacío "Le vide" con la compañía Fragan Gehleker, que nos mostrará como trepar por una cuerda y caer, inspirado en el míto de Sísifo. Philippe Quesne nos confundirá entre los sueños y la materia, con su última apuesta "La mélancolie des dragons" y Cordeiro nos invita a observar la mirada de cuatro bailarines que nos muestran como llorar, pestañear, guiñar, ojear...

En marzo, Barcelona, Granada, Zaragoza y Madrid, acogeran a Leila Slimani y Mathias Enard, últimos premiados con el Goncourt, el Cervantes de las letras galas. La pintura nos permitirá recuperar la imagen de Annette Messager, que regresa al panorama expositivo español, después de 17 años. Lo hará en el IVAM de Valencia con su primera retrospectiva en España. A través de objetos y residuos insignificantes, que nos rodean, podemos comprobar el lado terrible que puede subyacer en nuestros sueños y miedos, e incluso en nuestros comportamientos.

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La cultura francesa también estará presente en Arco, y el Festival de teatro en francés de Barcelona presentará la obra "Y durante este tiempo, Simone Veile", un relato humorístico sobre la evolución de la condición femenina en Francia, donde la primera mujer que dirigió el Parlamento Europeo, y la ministra de sanidad que legalizó el aborto en su país, fallecida el año pasado, es la narradora vigilante. Otras propuestas son la danza contemporánea radical de Sylvain Huc, la mezcla de mimo y flamenco que nos propone Patrice Thibaud. o las proyecciones de cine galo que se desarrollan a lo largo de todo el año en las sedes del Instituto Francés de Madrid, Bilbao, Zaragoza, Valencia, Sevilla y Barcelona.

Eso sin olvidar que este año se conmemora el centenario de la muerte de Claude Debussy, introductor de la modernidad musical , un compositor que estuvo muy ligado a España.

 @angelaGonzaloM
@Viaje a Itaca 

Categorías: Actualidad , Cine , Música

Ángela Gonzalo del Moral   26.ene.2018 10:55    

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Este blog es un viaje por la Europa cotidiana. Un recorrido por el día a día de los ciudadanos de la Unión Europea, recogiendo aquello que nos une... que nos diferencia, o que todavía nos separa.
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