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Gladiadores, idealizados por el cine y la literatura

 

Gladiator-556141550-largeFoto:  Universal Pictures

 

La muestra Gladiadores, héroes del Coliseo, que se puede ver hasta principios de octubre en el Museo  Arqueológico de Alicante (MARQ) nos acerca a unos personajes envueltos en una aureola de misterio, fuerza, crueldad, y grandeza.

La imagen actual que tenemos de ellos es una visión romántica alejada de la realidad de estos esclavos que luchaban por su libertad que ha cruzado el tiempo de la historia a través de la mirada de escritores, pintores o cineastas. La literatura, el arte y el cine han actuado de ejes transmisores, recreando aquellas escenas que se vivían en los grandes coliseos romanos al principio de nuestra era.

 

Coliseo romanoFoto: Youtube

 

Nos situamos en los subterráneos del anfiteatro. Un ambiente que impregnaba el aire de miedo y recorría el entramado de túneles, pasadizos, celdas, y rampas donde se escuchaban cadenas, susurros, las bravuconadas, los cascos de los caballos, los rugidos de las fieras enjauladas y donde llegaba el rumor de las gradas.

Los Juegos romanos estaban dedicados a las deidades. Se celebraban en septiembre y duraban como mínimo un día, aunque lo habituar era que duraran más. Los animales protagonizaban los espectáculos matutinos, a mediodía se organizaban las Noxii, ejecuciones de prisioneros o presos. En las grandes ciudades era tiempo de recrear batallas navales y por la tarde llegaba el espectáculo más esperado: los Munera o peleas de gladiadores.

 

 

Los juegos de la mañana tenían un sentido educativo y de grandeza. Se recreaban diferentes ecosistemas de los territorios más alejados del imperio para que los jóvenes y niños conocieran los lugares y los peligros que podrían encontrar si eran enviados a las legiones romanas. El historiador y arqueólogo, Alejandro Álvarez recuerda que era una demostración del poder de Roma.

"El romano aprende distintos ecosistemas de todo el Imperio pero el espectáculo tiene otra faceta muy importante: la publicitaria. Roma te está recreando y te está mostrando que ha llegado a todos los confines del mundo recreando para el espectador pequeños mini territorios. Recrea todo el mundo conocido y ensalza que Roma llega hasta los confines más remotos y no solo llega allí si no que conquista la zona, y te trae los animales vivos, que en algunas ocasiones puede ser muy complicado".

"Encima se puede permitir el lujo de matarlos en juegos para ti, empezando el proceso para los juegos del año que viene donde traerá otros animales, porque no necesita alimentarlos y mantenerlos durante muchos años. Este es el mensaje de poder que envía Roma en el que te dice que puede asumir este tipo de espectáculos y de cuán poderoso es el imperio".

 

Gladiadores después del_combate_por José Moreno CarboneroGladiadores después del combate por José Moreno Carbonero Foto: Wikipedia

 

El día de juegos es gratuito, y podían asistir extranjeros incluidos los esclavos y mujeres. Todos ellos instalados en el último piso del anfiteatro. Hacia el mediodía había una pausa, tiempo que aprovechaban los patricios para realizar negocios y se repartía comida entre los asistentes del último palco: el famoso pan y circo. En ese tiempo de descanso se apuntillaba a los animales malheridos y se retiraban los cadáveres. Pero también se ofrecían ejecuciones y castigos públicos.

Sabían que los ciudadanos se iban a quedar a verlo porque les daban de comer gratis, por eso tenía una faceta aleccionadora para enseñar lo que podía ocurrir si robabas o si el ciudadano acaba siendo un bandolero o un asesino.   

 

1024px-Mosaic_museum_Istanbul_2007_011Foto: Wikipedia

Y por la tarde el sonido de las trompetas anuncian el gran evento, el momento que todo el mundo quiere ver. Actúan las grandes estrellas: los gladiadores. Unos personajes que arrastran una imagen que nada tiene que ver con la realidad.  Allí estaban los Retiarius, los Secutor, los Thraex, los Murmillo, cada tipo de luchador con su arma preferida. No eran musculados, sino mas bien regordetes con masas de grasa en su cuerpo para evitar que sufrieran graves heridas.

En el tríptico de la exposición alicantina nos recuerdan que los pulgares arriba para perdonar, pulgares abajo para decretar la muerte del vencido y la conocida frase “Ave César, los que van a morir te saludan”. Son tópicos popularizados por el cine que nunca se vieron ni escucharon en la arena del Coliseo, pero que hoy forman parte de nuestra peculiar visión sobre los gladiadores.

 

Fronton_marmol_anfiteatro_romano_de_MeridaFoto: Wikipedia Yuntero

 

 

Las peleas muy pocas veces eran a vida o muerte. Un buen gladiador era una gran caja de ingresos para su propietario o lanista. "Los propietarios, nos dice Alejandro tenían un ludus, que es el nombre de la escuela de gladiadores. Si compra un grupo de esclavos o una serie de esclavos los tienen que entrenar para que sean buenos gladiadores, no lo sueltas a la arena a lo loco y en caso de que lo sueltes no te van a pagar prácticamente nada por ellos. Los tienes que entrenar  y eso llevaba dos o tres años de entrenamiento como mínimo. 

"Un buen gladiador  está comiendo durante esos años de instrucción y es todo una inversión de dinero. Cuando ya está listo, cada vez que hace un combate, cobras por él, por eso la mayoría de los enfrentamientos no suelen ser a muerte de gladiadores, siempre que hablemos de profesionales porque no estamos hablando de otro tipo de espectáculos que se suele hacer con con prisioneros de guerra o con bandoleros". Con los gladiadores suelen ser combates a primera sangre, y son más acrobáticos, más preparados, en los cuales no va la vida normalmente en el gladiador, simplemente porque sale caro".

 

Spartacus-gladiadores-marq-alicante-scaled

 

Quizá el más famoso  de todos ellos fue Espartaco, cuya leyenda ha llegado hasta nuestros días gracias al cine. Porque algunos llegaban a ser auténticos referentes, o lo que hoy llamaríamos influencers.  Se vendían todo tipo de objetos o perfumes relacionados con él. Modelos de sandalias, lámparas de aceite con su rostro, réplicas de sus espadas. Y también eran el atractivo de las actividades organizadas por la alta sociedad local.

Los patricios organizaban banquetes donde asistían los gladiadores, que en alguna ocasión participaban en un pequeño espectáculo privado, y así alardeaban ante sus amigos del poder que tenía. El patriciado local esperaba obtener un rédito político por lo que trataban de llevar a los mejores gladiadores del momento.

Son muchas las ciudades europeas con un importante pasado romano que actualmente recrean de forma más o menos rigurosa algunos aspectos de aquel dramático espectáculo protagonizado por los gladiadores.  Una de ellas es Nimes, que organiza anualmente los juegos romanos, siguiendo unos estándares historicistas.

Cuenta con la participación de la Universidad por lo que no hay que imaginarse solo un espectáculo para que quede bonito, si no que  se  recrean los rituales de cualquiera de los pueblos representados cada año. "Saben muy bien lo que hacen y combinan la realidad histórica con el entretenimiento", asevera Alejandro.

 

 

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Ángela Gonzalo del Moral   12.sep.2022 16:45    

Circusland, un museo recopila la historia del circo en Europa

 

20210908_145946Foto: angelaGonzaloM

 

¡Bienvenidos al circo! No entramos por una carpa si no tras una cortina roja que nos introduce en el mundo de este espectáculo bicentenario para repasar 250 años de historia. En Besalú, Girona, Circusland o Palacio Internacional de las artes del circo, se ha convertido en el primer museo europeo dedicado a esta disciplina artística. Un centro privado que quiere conservar, difundir, investigar y mostrar una colección permanente de objetos y documentos relacionados con el circo. En definitiva, guardar su memoria.

El primer doctor en historia del circo en Europa, Ginés Matabosch, es el fundador y director del Festival Elefant d’Or y el Gran Circ de Nadal de Gerona. Este último se celebra estos días en esta ciudad catalana, donde además el dúo vietnamita "Giang Brothers", han conseguido el récord Guiness del mundo, al subir en 52 segundos los noventa escalones de la catedral de Girona en equilibrio cabeza con cabeza.  El Festival internacional, que celebra su décima edición tiene previsto levantar la carpa a finales de febrero.

Historia del circo en Europa

 

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Entrar por la puerta de Circusland es rememorar un mundo que nos envuelve, que nos traslada a la infancia, y nos redescubre las grandes especialidades que aglutina: acróbatas, malabaristas, mimos, payasos, tragafuegos, contorsionistas, hombres o mujeres bala, fieras, magos tragasables, forzudos.  También aparecen caballos, los primeros animales en actuar en el circo y otras bestias salvajes que ya están prohibidas en casi todos los circos europeos.

Los orígenes de algunas de estas habilidades ya las protagonizaban en la Edad Media los artistas que iban de pueblo en pueblo mostrando su destreza. Eran personajes que rompían el orden institucional y no sin gran riesgo de acabar en prisiones cochambrosas buscaban entretener al público, por unas cuantas monedas para su sustento. La mayoría eran saltimbanquis, músicos o acróbatas, y en muchas regiones se creó una especie de ruta por la que transitaban estos artistas itinerantes.

Pero el primer circo lo inauguró en Londres en enero de 1768, el jinete y domador Philip Astley, considerado el padre del circo moderno. Más tarde se añadirían otros nombres como el de Norman Barret, uno de los decanos maestros de ceremonias, la legendaria Pinito del Oro, que actuaba sin red protectora o Linda Baker, que arrastraba camiones con su larga melena, ambas españolas, o Lily Yokoi, inigualable en sus acrobacias con su bicicleta dorada.

 

 

Una parte muy impotante de esa historia del circo está recogida en la Circus Arts Foundation con más de 60.000 objetos recopilados a lo largo de los años por Genís Matabosch. Dos joyas: mil sellos de 120 países que la convierten en la mayor colección de filatelia del mundo de temática circense y una maqueta de 50 metros cuadrados del circo alemán Gleich, cuando recaló en la Exposición Universal de 1929 en Barcelona.

Era un pueblo sobre ruedas y es una representación fidedigna de miles de miniaturas que recrean aquel mundo fantástico y sorprendente del circo germano. Trabajaban unas 400 personas y tenía capacidad para 8.000 espectadores. 

 

20210908_135129Detalle de la maqueta del circo Gleich. Foto: angelaGonzaloM

 

Pasear por los 1.500 metros cuadrados de esta exposición en la pequeña localidad de Besalú es recorrer la historia de este arte a través de cada una de las disciplinas que se han realizado durante más de dos siglos y medio bajo grandes carpas. Recordando el papel de los malabaristas, a carablanca y nariz roja, el alma mater de los payasos, algunos tan famosos como Charlie Rivel, o parejas como Pompoff y Thedy, Foot y Chocolate o el revolucionario Trio Fratellini.

También el circo ha aportado su granito de arena a la alta costura. Los fantásticos bordados que adornaban los trajes de Carablanca confeccionados por la sastrería Vicaire que tras larguísimas jornadas de trabajo elaboraron centenares de modelos para todos los payasos del mundo, especialmente los maestros de ceremonias.

 

20210908_140325Foto: angelaGonzaloM

 

Una muestra de que no todo el circo es pobre. En la actualidad el circo itinerante más conocido es el Cirque du Soleil, pero Genís nombra otros que en muchos casos son reconocidos como circos ricos. Se trata del circo nacional suizo 'Knie', el francés Arlette Gruss o los  alemanes Krone y Circus Roncalli. Este último ha sustituido animales por hologramas. 

Desde hace años, la combinación de artes circenses, la incorporación de iluminación, música y danza, han abierto nuevas perspectivas artísticas a este mundo de ilusión y magia, que alguien llamó una vez, el mejor espectáculo del mundo.

 

Girona referente del circo europeo actual

 

Cartel_a4_sinlogos2_cat876-867Foto: web del Festival

 

El festival de Girona se celebra bajo carpa y con atracciones novedosas en primicia en Europa occidental, y concede el premio Elefant d’Or, uno de los más prestigiosos del mundo circense, con una estatua de los elefantes de Salvador Dalí. En diez años han actuado más de 600 artistas y se han presentado una 200 primicias europeas.  

El certamen se celebra en una gran carpa y dos carpas anexas, una de ellas dedicada a la única feria sectorial del mundo en la que participan empresas del sector circense. Es el Circus World Market, que en 2022 llega a su tercera edición.

El Festival Elefant d'Or se encuentra entre los top cinco del mundo, tras  Moscú, Montecarlo, Wuqiao y Zhuhai.  Este tipo de festivales se celebra en siete países, todos europeos, excepto los dos que tienen su origen en China, un país referente histórico en el mundo circense.

 

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Centenares de circos siguen presentes en los países europeos, para demostrar que este arte tradicional continúa vivo a pesar de las dificultades económicas, las provocadas por la pandemia y la competencia de las nuevas formas de entretenimiento. Las instituciones europeas reconocen el potencial social y educativo del circo y promueven la simplificación de normas que faciliten la organización de sus giras.

Además apoyan plataformas como CircusNext y Circostrada, que reúnen a artistas y compañías y actúan como interlocutores para el diálogo con los representantes culturales de las instituciones. También existe la Asociación Europea del Circo y en 2005, el Parlamento Europeo pidió a la Comisión que garantizara el reconocimiento del circo como parte de la cultura europea.

 

20210908_145710Foto: angelaGonzaloM

Se calcula que hay un millar de circos operando en Europa, muchos son propiedad o están gestionadas por los descendientes de grandes familias circenses que han heredado sus habilidades y talentos de generación en generación.

Aunque muchos espectáculos se presentan en carpas personalizadas que viajan de pueblo en pueblo, desde hace años hay muchos circos permanentes en París, Munich,  Budapest, Bucarest, Riga, Ucrania o Rusia. En Madrid el ejemplo más claro es el Price. Curiosamente todo el fondo documental del circo madrileño se encuentra en la hemeroteca de Circusland en Besalú. 

 

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Categorías: Actualidad , Juegos , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral   27.dic.2021 00:05    

Europa aumenta el patrimonio inmaterial de la Unesco

 

La Unesco ha añadido nuevas tradiciones culturales a la lista de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Europa vuelve a estar presente con nuevas aportaciones como el teñido o impresión en azul típicos de Austria, Chequia, Alemania, Hungría y Eslovaquia; la recolección del teucrio en Bosnia y Herzegovina; la música vocal folclórica de Croacia; el arte de la perfumería del país de Grasse en Francia; la extendida técnica de construcción de piedra seca del sur del continente; la práctica del hurling irlandés; las tamboradas y repiques rituales de tambores en España; el encaje de bolillos de Eslovenia, los belenes de Cracovia o la gestión de control de aludes en Austria y Suiza. 

Patrimonio Inmaterial 2018

 

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Teñido o impresión por reserva en azul índigo  (Austria; Chequia; Alemania; Hungría; Eslovaquia)

Los términos “Blaudruck”, “Modrotisk”, “Kékfestés” y “Modrotlač” significan literalmente “teñido o impresión en azul por reserva”, una práctica de los artesanos tintoreros consistente en aplicar a los tejidos una pasta impermeable a la coloración, antes de proceder a la operación de teñirlos de azul índigo. Esa pasta impide al tinte penetrar en los motivos o dibujos y los deja sin colorear. 

Los artesanos usan planchas fabricadas manualmente –que datan de tres siglos atrás en algunos casos– para aplicar sobre los tejidos dibujos con temáticas de inspiración genérica, regional o religiosa.

Este elemento del patrimonio cultural se practica actualmente en pequeños talleres familiares regentados por artesanos impresores, cuya estirpe se remonta a dos o incluso siete generaciones atrás. Los conocimientos de este oficio tradicional se basan todavía en memorias escritas, propiedad de las familias, que datan del siglo XIX.

 


Recolección del teucrio en el Monte Ozren (Bosnia y Herzegovina)

 

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© Museum in Doboj, 2002

El 11 de septiembre de cada año, efeméride de la decapitación de San Juan Bautista, los habitantes de pueblos vecinos de los Montes de Ozren suben de mañana al pico de Gostilj para recolectar plantas de teucrio y, una vez su faena terminada, se escinden en pequeños grupos para divertirse, cantar y bailar al son de músicas folclóricas.

Por la tarde, se une a ellos un cortejo de popes que bendice la cosecha de estos arbustos reputados por sus propiedades medicinales, tanto preventivas como curativas. Esta práctica cultural contribuye a salvaguardar las costumbres, canciones y bailes tradicionales. Algunas agrupaciones locales invitan a asociaciones homólogas de otras regiones a participar en este evento.

 

Međimurska popevka, música vocal folclórica de la región de Međimurje (Croacia)

 

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© Ministry of Culture of the Republic of Croatia, 2017

Música vocal folclórica de la región nororiental croata de Međimurje, la “međimurska popevka” fue en el pasado un género artístico practicado principalmente en solo por mujeres. Hoy en día la interpretan tanto hombres como mujeres, en grupo o individualmente. Se canta a una o varias voces al son de instrumentos o sin ellos, y también se puede interpretar como pieza exclusivamente instrumental o para el acompañamiento de danzas.

Esta música vocal se practica en privado, solitariamente, y con motivo de eventos sociales muy diversos, como reuniones familiares y fiestas comunitarias. La mayoría de los habitantes de esta región escuchan y aprenden “popevkas” a lo largo de toda su vida en múltiples ocasiones.

 

Perfumería en el País de Grasse: cultivo de plantas olorosas, conocimiento y transformación de materias primas naturales y arte de elaborar perfumes (Francia)

 

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© JM. Ghibaudo APVPG 2011

En el País de Grasse, las competencias técnicas en materia de perfumes abarcan tres ámbitos diferentes: el cultivo de plantas para perfumería; el conocimiento y la transformación de las esencias naturales; y el arte de elaborar perfumes. El cultivo de las plantas para perfumería exige numerosas competencias prácticas y conocimientos sobre la naturaleza, el suelo, el clima, la biología, la fisiología vegetal y la jardinería.

Los habitantes de esta región han hecho suyos estos conocimientos y prácticas, contribuyendo además a su perfeccionamiento. La transmisión de este elemento del patrimonio cultural se viene efectuando esencialmente de modo informal mediante un largo periodo de aprendizaje en los talleres de perfumería.

 

Conocimientos y técnicas del arte de construir muros en piedra seca (Croacia; Chipre; Francia; Grecia; Italia; Eslovenia; España; Suiza)

 

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© Directorate of Modern Cultural Asets and Intangible Cultural Heritage, Hellenic Ministry of Culture and Sports, 2017

 

El arte de construir muros en piedra seca comprende los conocimientos y prácticas sobre su realización con un mero apilamiento de piedras sin usar otros materiales de construcción, salvo tierra también seca en algunas ocasiones. Los depositarios y practicantes de este elemento del patrimonio cultural son las comunidades rurales en las que está profundamente arraigado, así como los profesionales del sector de la construcción.

Con estos muros se han creado diferentes tipos de hábitat humanos, así como de estructuras para la agricultura y la ganadería, que han configurado paisajes muy numerosos y variados. Esas construcciones constituyen un testimonio de los métodos y prácticas usados por las poblaciones desde la prehistoria hasta nuestra época, con vistas a organizar sus espacios de vida y trabajo sacando el máximo partido de los recursos naturales y humanos locales.

 

El hurling (Irlanda)

 

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© Cody Glenn, Sportsfile

El “hurling” es un juego de cancha en el que se enfrentan dos equipos blandiendo bastones de madera (“hurleys”) para empujar una pelota pequeña (“sliotar”) con el objetivo de introducirla en la meta adversaria. Este deporte se practicaba al principio a campo raso con un número de jugadores indefinido. Hoy en día, los equipos de categoría sénior están compuestos por 15 jugadores que se enfrentan en una cancha perfectamente delimitada.

Las técnicas del juego se transmiten por intermedio de entrenamientos y encuentros deportivos. La Asociación Atlética Gaélica y la Asociación “Camogie” cumplen una función esencial en la conservación de este elemento del patrimonio cultural, así como en la transmisión de las competencias y valores inherentes al mismo.

 

Tamboradas, repiques rituales de tambores

 

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© María del Carmen Navarro Roquer, 2010

 

Las tamboradas son repiques rituales intensos, prolongados y acompasados de miles de tambores que redoblan repetidamente, tanto de día como de noche, en numerosos espacios públicos de pueblos y ciudades. Todos los años contribuyen a crear un ambiente sonoro, fascinante y cargado de emoción, que suscita en las comunidades sentimientos de identidad y comunión colectivas.

Muchas tamboradas forman parte de las celebraciones católicas de la Semana Santa y revisten una significación especial en función de los lugares, días y momentos en que se ejecutan. Independientemente de que tenga un carácter religioso o civil, devoto o lúdico, este elemento del patrimonio cultural engendra sentimientos de respeto mutuo entre sus practicantes.

La fabricación de los instrumentos, así como de las indumentarias con que se engalanan los participantes, propician el desarrollo de una rica artesanía local en la que desempeñan un papel importante las familias en general, y más concretamente las mujeres. Además, la celebración de comidas en común en los espacios públicos consolida los lazos de convivencia entre los miembros de las comunidades que preparan, a lo largo de todo el año, estas festividades rituales.

Los miembros más experimentados de los grupos de tamboreros se encargan de transmitir las prácticas y conocimientos correspondientes a los más bisoños, comunicándoles un fuerte sentimiento de pertenencia al grupo y de honda identificación con este ritual colectivo. Su transmisión intergeneracional también se efectúa mediante la organización de tamboradas nacionales e infantiles, de concursos diversos y de talleres de aprendizaje del repique o de confección y bordado de indumentarias tradicionales.

 

Gestión de control de aludes (Austria y Suiza)

 
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© Friedrich Juen, 2012
 
El control de los riesgos de aludes es un quehacer tan sumamente importante de las poblaciones alpinas de Suiza y Austria que ha llegado a configurar parte de su identidad cultural. En efecto, todos los inviernos tienen que hacer frente a la amenaza que entrañan estos fenómenos para las comunidades locales y los turistas, así como para los medios de comunicación y las infraestructuras vitales. Como la región de los Alpes está densamente poblada, estos derrumbamientos masivos de nieve constituyen un gran motivo de preocupación y responsabilidad colectivas para sus habitantes.
 
Desde siglos atrás, los montañeses han venido acopiando todo un acervo de conocimientos empíricos, han elaborado planes de prevención y control de riesgos y han aplicado diversas prácticas culturales para precaverse del peligro de los aludes. Hoy en día, siguen implementando y adaptando sobre el terreno todas las técnicas y conocimientos tradicionales de los que son depositarios. Arraigado en el comportamiento diario de las comunidades alpinas, este elemento del patrimonio cultural hace hincapié en la importancia de la solidaridad cuando se producen situaciones críticas.
 
La evaluación de los riesgos de desencadenamiento de aludes exige un conocimiento profundo de la naturaleza, y más concretamente de la índole de los terrenos, de los tipos de nieve, de las condiciones meteorológicas y del historial de las anteriores avalanchas. Ese conocimiento se transmitía antes oralmente, pero hoy se ha establecido un procedimiento dinámico que une el saber empírico a la experiencia práctica: los conocimientos adquiridos se transfieren desde los hallazgos de la ciencia a la práctica, y desde las experiencias in situ a la investigación científica.
 
A todas las personas interesadas se les ofrecen numerosos cursos de formación, así como la posibilidad de tener acceso a fuentes de información muy diversas: manuales, sitios web, medios de información, exposiciones, listas de verificación y boletines de noticias sobre aludes.
 

Encaje de bolillos (Eslovenia)

 

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© Mestni Muzej Idrija, 1992
 
Para confeccionar encajes, en Eslovenia se utiliza la técnica artesanal consistente en entretejer hilos enrollados en pequeñas bobinas de madera o bolillos. Los patrones para la ejecución de los encajes, ya sea en tiras o en formas acabadas, son característicos de cada región del país y tienen asignadas denominaciones específicas. El encaje de bolillos se realiza con arreglo a un patrón dibujado en un cartón que se fija en una almohadilla cilíndrica colocada en una canasta de mimbre, o en un rodillo de madera guateado.
 
Fruto de la creatividad de todas las personas que conciben los patrones y tejen, los encajes ornamentan vestidos y accesorios de moda, así como textiles y objetos usados en hogares, lugares de culto religioso y locales destinados a la celebración de solemnidades o representaciones diversas. También son fuentes de inspiración para creaciones artísticas realizadas en ámbitos tan diversos como el diseño, la arquitectura o el arte culinario.
 
Además de ser ecológica y sostenible, la práctica de este elemento del patrimonio cultural posee cualidades terapéuticas notables. Actualmente, hay en Eslovenia unas 120 sociedades y agrupaciones de personas practicantes del elemento, tanto veteranas como noveles.
 
Son sobre todo mujeres las depositarias de las técnicas y conocimientos correspondientes, que por regla general se transmiten de abuelas a nietas. Las comunidades vecinales de encajeras desempeñan también un papel esencial en la transmisión del elemento.
 

Nacimientos navideños tradicionales (szopka) de Cracovia (Polonia)

 
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© Marek Markowski (Poland), 2015
 
La instalación de “szopkas” es una práctica social característica de Cracovia, que tiene su origen en la típica tradición ancestral de montar nacimientos o pesebres en la época de Navidad. Nacida en el siglo XIX y basada en técnicas y conocimientos transmitidos de generación en generación, esta práctica se ha convertido en un elemento cultural íntimamente ligado a la identidad de esta ciudad.
 
Las “szopkas” son maquetas livianas que reproducen belenes navideños rodeados por casas y monumentos cracovianos, metamorfoseados por la imaginación de los artistas que las fabrican. Algunas de ellas cuentan con iluminaciones artificiales y figuritas representativas de eventos socioculturales, históricos o contemporáneos, que guardan relación con Cracovia, Polonia o el resto del mundo. El primer jueves de diciembre de cada año, los creadores de “szopkas” se congregan en la plaza mayor de la ciudad para presentar sus obras, que luego son expuestas al público en el Museo Histórico Municipal hasta el mes de febrero.
 
Esta exposición contribuye a la transmisión de las técnicas y conocimientos vinculados a esta práctica cultural. Entre los depositarios de este elemento del patrimonio vivo destaca un grupo 40 artistas muy activos que no sólo fabrican cada año nuevos belenes, sino que también organizan conferencias y talleres para fomentar esta actividad artística y transmitir sus conocimientos profesionales.
 
Esta práctica cultural está abierta toda clase de personas, y más concretamente a los visitantes y vecinos de la aglomeración urbana de Cracovia porque cumple una importante función educativa de transmisión de conocimientos acerca de la historia, la arquitectura y las costumbres de la ciudad.
 

Canto con acompañamiento de Guzla

 
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© Ethnographic Museum in Belgrade, 2014
 
Transmisor de la memoria histórica y modo de expresión cultural, el canto acompañado con el instrumento musical de una sola cuerda llamado “guzla” es un arte tradicional secular concebido esencialmente para interpretar epopeyas. El éxito de sus representaciones escénicas , basadas en una interacción compleja entre el público y los artistas-solistas (“guzlares”), descansa en el dominio que éstos tengan de los conocimientos y técnicas vocales y musicales, así como en su carisma, creatividad, expresión corporal y aptitud para dramatizar contenidos poéticos.
 
El repertorio comprende fundamentalmente canciones sobre gestas de héroes míticos e históricos, leyendas antiguas, acontecimientos históricos o contemporáneos y también, en menor medida, baladas y tonadas satíricas. Los “guzlares” actúan en los pueblos cuando se celebran fiestas y conmemoraciones, y abordan en sus canciones una temática muy variada que refleja los sistemas de valores de sus habitantes. El carácter interactivo de las representaciones refuerza en los espectadores el sentimiento de pertenencia a sus comunidades.
 
La mayoría de los “guzlares” actuales adquieren las técnicas básicas de su arte vocal y musical con intérpretes más experimentados en el seno de sus propias familias, aunque esas ténicas también se transmiten en los conservatorios musicales públicos. Diversas organizaciones locales se han agrupado en la Unión de “Guzlares” de Serbia, cuya esforzada labor se ha visto coronada por el éxito con la creación de la Asamblea de Jóvenes “Guzlares” de Serbia y la institución de un Festival de Jóvenes “Guzlares”.
Categorías: Deportes , Juegos , Música , Religión , Viajes

Ángela Gonzalo del Moral    6.ago.2018 11:55    

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