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Amália Rodrigues, la eterna voz del fado

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El fado es un grito desgarrado, de tristeza y desilusión, un canto popular urbano que impregnó el alma portuguesa y que en 2011 fue declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Durante décadas, una mujer, Amália Rodrigues fue su embajadora mundial. La rasgada voz de la fadista se escuchó nada más conocerse la distinción de la Unesco.

Cosas del destino, siempre tan ligado al fado, ella no pudo ver como la música que había dado a conocer en el mundo conseguía este reconocimiento cultural. Murió el 6 de octubre de 1999, hace ahora 20 años.

Durante su entierro Portugal se quedó paralizado. La reina del fado era ya inmortal, como nos explica la fadista Laureana Geraldes "permanece en la mente y el corazón de muchos portugueses". Una mujer de familia humilde había sido capaz de recuperar el orgullo de un pueblo, de cantar a los grandes poetas portugueses y de abrir la puerta a otros fadistas desde finales del siglo XX. Una de ellas es Laureana, que está a punto de dar el salto a la profesionalidad y tiene como referencia a la homenajeada artista. 

En 2020 se cumplirán 100 años del nacimiento de Amàlia Rodrigues, una cantante que no solo cantó en portugués a sus seguidores, también lo hizo en castellano, en francés, en inglés o en italiano. Se ganó al público de todo el mundo. Una música que había nacido en los barrios pobres de Lisboa, en lugares de transgresión y marginalidad.... atrae a espectadores de alto nivel cultural. 

 

Domingos Camarinha  Amália Rodrigues e Castro Mota. México  1964. Foto Museo del Fado
Amália Rodrigues, Domingos Camarinha y Castro Mota. México, 1964. Foto Museo del Fado

Fado significa destino... por eso es un canto triste, porque habla de sentimientos, de desengaños amorosos, de añoranzas, de emigración, de desencuentros, de la vida, de la muerte, del esfuerzo, del trabajo duro, de la emigración.... Pero también de bodas, bautizos, "más que triste diría que es un canto serio, y habla de las cosas diarias", nos dice el guitarrista Pedro de Castro.

Un universo común que autores, compositores y músicos comparten con el espectador. La fadista Misia dice que "retrata la vida con sus cicatrices, sus decepciones y sus superaciones".

El fado es un resumen de la historia portuguesa y refleja el estado de ánimo de una sociedad y de un país. Conoció su momento de máximo esplendor en las primeras décadas del siglo XX, cuando las clases sociales más adineradas y de cierto nivel cultural empezaron a escucharlo en grandes eventos, en los teatros de la ciudad. Hasta entonces esta melodía, que se había transmitido de forma oral y que en su mayoría eran anónimas, atrajo a los poetas, que comenzaron a escribir letras para ser cantadas.

Fue la época dorada de Amália Rodrigues

 

Amália Rodrigues Filme 'Os Amantes do Tejo'  1955 Foto_Museo del FadoAmália Rodrigues Filme 'Os Amantes do Tejo', 1955 Foto_Museo del Fado

 

Luego llegaría la dictadura de António Salazar que en un principio defenestró el fado, pero ante su importancia en las capas más bajas de la sociedad pasó a utilizarlo para potenciar lo que denominaba los auténticos valores tradicionales de Portugal promoviendo la dignidad de la pobreza y presentando al destino como algo irremediable. También censuró muchas letras.

El final de la dictadura salazarista apagó durante mucho tiempo la voz de Amalia. Su música y sus canciones se relacionaban con la dictadura y fue perdiendo fuerza.... pasando al olvido. La voz de Amália, se silenció temporalmente... También lo hizo el fado.

El fado y sus variantes temáticas

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Foto: Museo del fado

Los primeros fados, en el siglo XIX, los cantaban los pescadores y los marineros. Se cantaba en tabernas o en los patios de los barrios populares de Alfama, Castelo, Barrio Alto, y de allí pasó a tener una impronta nacional. Su origen en los suburbios más desfavorecidos queda reflejado en la imagen de una mujer. María Severa, gitana y prostituta, amante del conde de Vimioso, cantaba y tocaba la guitarra en el burdel o en las calles de Mouraria. 

Este estilo musical tiene una estructura poética de décima, con cuatro estrofas de diez versos cada una. Sobre esa base adopta multitud de estilos, el fado do corridinho es alegre y bailable, el  castizo es más tradicional, el que siempre se ha cantado en los barrios lisboetas, el fado menor es meláncolico, el que mejor refleja ese sentimiento tan portugués, pero tan difícil de explicar en otra lengua: la saudade, donde se mezcla la añoranza y la tristeza. El fado vadio es improvisado y más amateur. Tradicionalmente lo interpreta un trío, el cantante, casi siempre de pie, un guitarrista y un violinista. 

Pero también hay dos maneras de cantarlo. Según la composición de los tres intérpretes y de la temática, se habla del fado de Lisboa o del de Coimbra. El primero es el más conocido internacionalmente y es de temática muy variada, cantando con tristeza y sentimiento historias pasadas o presentes. También cosas divertidas, con ironía, piques entre los cantantes. El fado de Coimbra está más ligado a las tradiciones estudiantiles de la Universidad y es cantado exclusivamente por hombres que se sitúan por detrás de los músicos, vestidos de negro y cubiertos por una capa oscura. Se canta de noche, en lugares , pero también junto a la ventana de una casa, con una especie de serenata amorosa. Se toca con una guitarra portuguesa, diferente de la de Lisboa y otra guitarra clásica, con acordes afinados en tonalidades más bajas. Su temática es más reducida y se refiere a amores estudiantiles o a la ciudad. 

El futuro del fado

90fe590c916786dc98a36774d7f26187_LMuseo del Fado Foto: EFE

Desde la última década del siglo XX, en los años 90 comienzan a surgir grupos que recuperan el fado para los portugueses y lo trasladan por el mundo. Sara Pereira, directora del museo del fado, está convencida de que "esta música se ha rejuvenecido y vive un momento de gran vitalidad, "hay más jóvenes intérpretes, compositores, autores más jóvenes, público juvenil  y además es un momento de gran vitalidad, con un importante diálogo del fado con otras músicas y artistas de distintos países. Eso es muy positivo para atraer a nuevos públicos".

El museo del Fado, situado en el barrio de Alfama, cumplió 20 años en 2018. Fue creado con la intención de preservar y promover el patrimonio de los principales artistas del mundo,  y acoge decenas de objetos donados por los grandes fadistas portugueses. Además está comprometido con la difusión del género, declarado patrimonio inmaterial de la humanidad por la Unesco en 2011.Cada año recibe unos 170.000 visitantes, muchos van a conocer su fondo documental y otros asisten a las actividades organizadas por esta institución.

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Foto: web Madredeus

Nombres como Carlos do Carmo, el rey del fado, pero sobre todo los innovadores Madredeus, la cautivadora Dulce Pontes, Misa, Camané -más fiel a la tradición-, Ana Moura, la diva Mariza Ana Sofia Varela, se convirtieron en transmisores de ese patrimonio cultural. Aunque por encima de ellos siempre estará el nombre de una emblemática mujer: Amália Rodrigues, que escribió algunas letras de canciones como Lágrima o Estranha forma de vida. La artista que redescubrió toda la fuerza de un género musical que exprime los sentimientos.

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Ángela Gonzalo del Moral    6.oct.2019 16:05    

Agenda cultural europea: Agosto 2019

Agosto es un mes muy relacionado con las vacaciones. En la agenda europea del mes de agosto proponemos varios viajes culturales. Empezamos con Zurbarán.

Santas del Barroco a través de la Alta Costura 

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La ensayista francesa, Florence Delay ha publicado el ensayo Alta Costura, en el que se adentra en las obras del pintor sevillano. El artista barroco especializado en la pintura religiosa y el más representativo de la contrarreforma, pintó unas 23 virgenes y las atavió con unos ropajes que más de cuatro siglos después han inspirado a la autora gala. Queda sorprendida por los brocados de oro y plata, sedas rojas, azules, rosas o color narciso, tejidos bordados de perlas y pedrerías, con flecos dorados y sujetos por preciosos prendedores, que el pintor prodiga en cada uno de sus cuadros.

Sus nombres: Catalina, Engracia, Marina, Eulalia, Inés, Bárbara, Dorotea y Matilde. Son las ocho que se conservan en el Museo de Bellas Artes de la capital hispalense. La autora asegura que cuando las admiras juntas es estar ante un desfile de "alta costura" del siglo de Oro. Eso sí, cada una fue retratada junto a los instrumentos con las que fueron torturadas.  Señala que en los cuadros parecen estar listas para resucitar y entrar en el Paraíso en trajes de gala.

Mosaico Santas Zurbarán

Le sorprende a Delay que Zurbarán fuera tan tradicional y meticuloso pintando el traje de los hombres, pero que utilizara una fantasía extraordinaria para las prendas de las santas.  La ensayista, que describe los cuadros, a través de los vestidos de las santas, realiza un recorrido por sus biografías.  El conocido como Caravaggio español "las pintaba muy hermosas y bellas y divinamente vestidas, con trajes que no existían en otros cuadros de la época". La autora asegura que no se atreve a decir que Zurbarán fuera un creador de moda, aunque recuerda que uno de sus admiradores fue el modisto vasco Balenciaga, que podría haberse inspirado en el pintor sevillano.

Si queréis ver todo el repertorio de imágenes que surgieron del pincel de Francisco de Zurbarán tendreis que viajar. Isabel y Santa Casilda están en Madrid, la primera en el Museo del Prado y la segunda en el Thyssen-Bornemisza, Apolonia en el Louvre, Lucía en Chartres, Águeda en Montpellier, Margarita de Antioquía en Londres, Eufemia y Úrsula en Génova, Justa en Dublín y Rufina en Nueva York. Las restantes, tal vez en colecciones privadas, fruto de la diáspora a que dio origen el saqueo de aquel "gran aficionado al arte" que fue el mariscal francés Nicolas Soult, duque de Dalmacia.

La moda Camp en el Met de Nueva York


Luis XIV y su corte de Versalles, con las cornucopias, miriñaques y pelucas, nos reciben en el Met de Nueva York. Es el encargado de dar la bienvenida a la exposición Camp. Notes on fashion, que puede verse hasta el 8 de septiembre en el museo neoyorkino. El rey sol vestido para gobernar a su pueblo es la piedra angular del encubrimiento y la pose. Otro de los referentes del estilo personal en el vestir es Oscar Wilde, un referente de la evolución de la moda en el mundo homosexual,y sobre todo de los travestis, tan adeptos a la extravagancia rompedora cultural. Una de las marcas relacionadas con esta estética es Moschino, y también son muchos los iconos de la música y el cine que utilizan esta forma de vestir, que el Metropolitan nos acerca esta temporada.

El recorrido, que reúne 250 piezas, arranca con una explicación histórica en la que busca ilustrar el concepto de Camp, lo acuñó la escritora Susan Sontag a mediados de la década de los 60. Entre los objetos que se pueden contemplar en esta curiosa exposición hay vestidos de 170 afamados modistos de todo el mundo. El Camp es un estilo extravagante, exagerado y divertido, una manera de vestir y de decoración, que muchas veces roza lo cómico y lo teatral.  Es un artificio lleno de extravagancia, artificialidad, vulgaridad. Lo que muchos llamarían horterada.

El 1 de mayo se ha convertido en una cita obligada para el mundo de la moda. Ese día el Metropolitan Museum of Art de la ciudad de los rascacielos organiza una gala para dar inicio a una exposición relacionada con la moda, que se alarga hasta principios de septiembre. En 2019, han elegido un estilo de moda nada convencional, el Camp

Biblia multilingüe en CaixaForum de Madrid

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El andorrano Pere Roquet, empezó un largo viaje por el mundo hace 26 años "cuando estaba con mi mujer en el lago Turkana, al norte de Kenia, y un misionero me regaló una biblia escrita en turkana, una lengua nilótica oriental hablada por casi un millón de personas" Allí se propuso recopilar ejemplares de la Biblia escritos en diferentes lenguas y en diferente formato. Ha recopilado unos 1.600 ejemplares de este texto escritos en más de 1.900 lenguas. Empezó su aventura cuando tenía 63 años recién jubilado de su trabajo como alto ejecutivo bancario en Andorra. Ahora CaixaForum de Madrid expone La biblia. Un viaje por las lenguas del mundo, que  podrá verse hasta el 1 de septiembre. Destacan ejemplares como la biblia septuaginta, de Corea del Norte, en esperanto, en lenguas en peligro de extinción e incluso en formato de cómic. 

Más allá de su significado religioso, los textos bíblicos y los relatos contenidos en ellos han sido uno de los elementos formadores de la civilización occidental. Esta fascinante colección nos permiten valorar la diversidad lingüística mundial y darnos cuenta de que cada lengua es una ventana al mundo.

Ciudades y Ópera

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El centro cultural madrileño también nos invita a viajar, a través de la Ópera. Una arte que combina todas las disciplinas artísticas creando un lenguaje universal capaz de definir a las ciudades desde un punto de vista emocional, cultural, político, social y económico. El viaje que propone CaixaForum Madrid nos lleva a ocho teatros que han marcado la historia musical de Europa... a través de ocho premières. Eso facilita que el espectador entienda el particular contexto histórico de cada ópera y su relación con cada una de las ciudades escogidas. 

Los estrenos de estas  óperas sirven de hilo narrativo para recorrer la vida urbana en Europa durante los últimos cuatro siglos y entender el entorno propio de cada una de estas obras. 

La coronación de Popea, de Monteverdi inicia el recorrido en la rica Venecia de 1642. Le sigue Rinaldo, de Händel que nos permite imaginar el Londres de 1711. La música de la ilustración queda representada con Las bodas de Fígaro de Mozart, en la Viena de 1786. Con Nabucco, de Giuseppe Verdi se llega al Risorgimento italiano en el Milán de 1842. Richard Wagner nos traslada al París de 1861 para descubrir el polémico estreno de Tannhäuser. En el idílico Dresden de 1905 se estrenó Salomé de Richard Strauss, la obra que provocó escándalo en su momento por su pretendida locura e indecencia. Lady Macbeth, de Dmitri Shostakóvich, nos adentra al Leningrado de 1934 y la censura propia del régimen soviético. Por último, Pepita Jiménez de Isaac Albéniz se estrenó en el Gran Teatro del Liceo, en la Barcelona modernista de finales del siglo XIX. 

Mostra Espanha en Portugal

El viaje cultural, de momento, lo acabamos en Lisboa con la Mostra Espanha. El certamen bienal que lleva la cultura española a Portugal, que tiene su epicentro en el impresionante monasterio de los Jerónimos de la capital lisboeta. Hay novedades en esta sexta edición por que los organizadores están pensando en ampliar su duración en la próxima edición y alargar las exposiciones todo un año. Y eso que cuando se inició duraba solo seis días. Esta muestra de raíces compartidas, es una exposición multidisciplinar de artistas españoles y portugueses. También se organizan actos en otras 20 ciudades lusas, una de ellas es Oporto, la segunda ciudad del país ibérico.

El museo nacional de arqueología expone por primera vez fuera de España, la patera Titulcia, una pieza de plata de la protohistoria de la península Ibérica hallada hace diez años. Además con motivo del quinto centenario de la vuelta al mundo, iniciada por el portugués Fernando Magallanes y finalizada por el español Juan Sebastián El Cano, se han organizado varias actividades. La fadista Mariza ha sido galardonada con el premio luso español de arte y cultura. 

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Ángela Gonzalo del Moral    1.ago.2019 07:57    

Félibrée: la cultura occitana reivindica su papel histórico

20190707_102333Foto: angelaGonzaloM

Occitania es una de las regiones históricas del suroeste de Europa, que vivió sus mejores momentos entre los siglos X y XIII, cuando llegó a extenderse por territorios de la actual Francia, norte de España, Principado de Mónaco y 13 municipios del Piamonte italiano, junto a Turín. Las ciudades más importantes fueron Tolosa, Burdeos, Bayona, Vielha o  Marsella.

El occitano no es uniforme y tiene varios dialectos, como el limosín, el gascón, el langedociano y el provenzal. La región francesa atlántica de Nueva Aquitania habla el occitano, mientras que en la mediterránea Provenza-Alpes-Costa Azul, se denomina provenzal.

En el valle del río Dordoña, los nobles de la Edad Media construyeron castillos para defenderse de los ataques ingleses, que entonces dominaban la zona cercana a Burdeos. En el departamento de Périgord, hay más de mil fortificaciones, 365 de ellas en las orillas del Dordoña. Sus propietarios, se enriquecían con el comercio y los impuestos que debían pagar los comerciantes y el pueblo. Un ejemplo de ello es el castillo de Beynac, situado en un estratégico meandro del río.

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Foto: Oficina Turismo Sarlat

Como nos explica Thierry Boyer, hacia el siglo X, un periodo de paz entre franceses e ingleses permitió que los cortesanos se dedicaran a disfrutar de los recitales de poetas y músicos: los trovadores. Muchos de ellos pertenecían a la nobleza. "Lo más habitual en aquella época era que los señores no trabajaran y se dedicarán a la caza, pero cuando regresaban al castillo les gustaba reunirse con sus amigos y escuchar los versos de los trovadores, mientras sus palabras eran acompañadas por la música"

Occitania, fue uno de los centros más importantes de la cultura de la Edad Media. La lengua de Oc, uno de los primeros idiomas que sustituyó al latín en documentos, piezas teatrales y gramáticas. Considerada una cultura refinada, dio lugar a la literatura trovadoresca que se extendió por Europa Occidental. 

Muerte de Jaufré Rudel_Biblioteca Nacional de Francia

Sus grandes propagadores fueron los trovadores y los juglares. Uno de los más importantes, fue curiosamente, Ricardo Corazón de León. Jean Bonnefon, presidente del Centro de Escrituras y de canciones occitanas, dice que Era el rey de Inglaterra, murió en Occitania, asesinado por una flecha, y escribía y cantaba en occitano. "Era el rey de Inglaterra, pero no vivió en Londres, sino en Burdeos. Murió en el Périgord asesinado por una flecha, y fue un poeta occitano que escribía y cantaba en nuestra lengua. ¿Es algo curioso, ¿no?"

También destacaron otros nobles, como Guillermo de Poitiers, duque de Aquitania, considerado el primer trovador en lengua provenzal. Sus poemas tratan sobre las relaciones con las mujeres, de burlas sentimentales y de proezas sexuales, siendo uno de los precursores del amor cortés y del estilo trovadoresco. Otro noble que estableció las reglas que siguieron estos poetas y músicos fue Jaufré Rudel de Blaye. Escribió sobre el amor imposible, sin esperanza, que tanto ha influido en literatos posteriores y que ha marcado parte de nuestro acervo sentimental europeo. Una de las normas de estos trovadores medievales era que no debían mencionar el nombre de la dama. El compositor Claude Sicre, los define como las estrellas del rock de la Edad Media. Les rinde homenaje en  Les Troubadours, una de sus última composiciones, que interpretará Francis Cabrel.

20190707_165722Foto: angelaGonzaloM

En la literatura aparece la figura de Arnaut Daniel, que recita sus poemas en uno de los cantos del Purgatorio de La Divina Comedia.

Tan m'abellis vostre cortes deman,
qu'ieu no me puesc ni voill a vos cobrire.
Ieu sui Arnaut, que plor e vau cantan;
consiros vei la passada folor,
e vei jausen lo joi qu'esper, denan.
Ara vos prec, per aquella valor
que vos guida al som de l'escalina,
sovenha vos a temps de ma dolor!

Movimiento cultural en defensa del occitano

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Foto: angelaGonzaloM

Aquitania fue uno de los territorios más importantes de la cultura occitana, pero fue perdiendo fuerza a lo largo de los siglos, a favor del francés.  El guía profesional, Thierry Boyer,  recuerda que en el siglo XIII "el rey Luis IX de Francia organizó una cruzada contra el sur y Luis XIII fundó la Academia francesa, que prohibía hablar una lengua diferente a la del monarca. Luego la revolución francesa, lo confirmó, y en el siglo XIX, se creó la escuela laica que prohibió hablar las lenguas autóctona".

A pesar de esas dificultades históricas, actualmente continúa presente en muchos lugares del suroeste francés. Varias asociaciones velan por su supervivencia. Desde 1903, el primer fin de semana de julio, en el departamento de Dordoña-Perigord se celebra la Felibrée o Felibrejada. "Es un movimiento cultural que nace a finales del siglo XIX en la Provenza, potenciada por escritores, poetas e intelectuales". Martine Noverraz, directora de comunicación de Périgeaux, nos recuerda que "al frente de todos ellos estaba el Nobel de literatura, Frédéric Mistral, que defendía una lengua que es nuestro patrimonio y que no tiene un reconocimiento oficial. Ellos defendían el valor de la cultura y las tradiciones occitanas". Con una población de 400.000 personas, en Périgord actualmente hablan el idioma un 30% de los ciudadanos de este departamento y un 50% lo entiende. En Francia se calcula que unos 8 millones de personas lo utilizan con cierta asiduidad.

20190707_165809Foto: angelaGonzaloM

En 2019, la Felibrée ha celebrado cien ediciones, (solo dejó de organizarse durante las dos guerras mundiales y en los años de posguerra). La música, las guirnaldas y los bailes llenaron el primer fin de semana de julio, la ciudad de Perigeux, para reivindicar una cultura que une a muchos pueblos del sur de Europa, con una doble raíz lingüística, el latín y la lengua de oc.

Eric Sudrat, director de la Calandreta, un sistema escolar inmersivo en occitano, se queja de que en París, "hay un cierto interés, pero la dificultad es que no tiene el apoyo del estado francés, que no nos permite desarrollar esta educación", mientras Bonnefon añade que "Francia es el único país que no reconoce las lenguas locales, incumpliendo la ley europea de las lenguas minoritarias". Este escritor y músico occitano recuerda que "cada vez más pueblos europeos quieren reivindicar su cultura. Lo vemos en Irlanda, Escocia, Cataluña, el País Vasco, los italianos, los corsos, los bretones o los occitanos.... Hay grupos reivindicativos en cada lengua".

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En 2013, el realizador Patrick Lavaud, filmó un documental en occitano, titulado Lenga d'amor financiado por el Consejo General de Dordoña. El director recoge los recuerdos de un niño en la granja familiar al norte de Périgord e invita al espectador, con gran sensibilidad, a descubrir sus encuentros con diversos personajes cercanos al menor y que le transmiten su amor por el idioma occitano, guiándolo por los caminos de la tradición oral, la cultura popular, la toponimia y la señalización bilingüe. Lavaud convierte una experiencia personal en memoria colectiva cuando el lenguaje occitano revela su universalidad. En el reportaje participan algunos de los intelectuales occitanos actuales como Madeleine Lavaud, Michel Chadeuil, Jean-Pierre Reydi, Jean Ganiayre, Odette Marcillaud, Nicolas Peuch, Yves Lavalade, Eric Sudrat y los niños de la escuela Calandreta de Périgueux.

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Foto: angelaGonzaloM

Para Bonnefon una de las palabras más bonitas en francés es "amor",  "una palabra que fue propagada por los trovadores occitanos medievales, unos cantores que trasladaban sus canciones por toda Europa en el siglo XII y XIII"
Casi nueve siglos después de aquel momento de esplendor, la Félibrée recuerda cada año que Occitania fue durante la Edad Media una unidad cultural y lingüística, aunque nunca llegó a ser una unidad política.

Si buscáis más información para visitar la zona este es el link al departamento de turismo de Dordoña-Périgord

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Ángela Gonzalo del Moral   11.jul.2019 18:43    

Agenda cultural europea: Julio'19

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Foto: Festival Teatro Clásico de Mérida

Los festivales de Mérida y Avignon nos trasladan a los orígenes de la cultura europea con varias obras centradas en el mundo grecorromano. En la agenda de julio proponemos un viaje a Bruselas coincidiendo con el cuarto centenario de Bruegel y si vas a París, tendrás que buscar la Gioconda.

Julio es sinónimo de festivales teatrales. En España se celebran dos de los más importantes de Europa: el de Mérida y el de Almagro. De los certamenes más destacados del continente, fiel a su cita desde hace más de 60 años, Avignon, se transforma un año más para dar cabida a todo tipo de actividades en la calle. 

Varias de las propuestas de nuestra agenda cultural de julio y podrá verse en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin, victorioso, a Roma. Busca tranquilidad y reposo para su alma fatigada por la dureza de la contienda y la temprana muerte de la mayoría de sus hijos. Está considerada la obra más violenta y brutal de Shakespeare. Y plantea una eterna pregunta, ¿Porqué los personajes no se detienen ante la violencia atroz? ¿Porqué no buscan un mecanismo de justicia? La venganza es un instinto oscuro, pero universal.

Otra de las obras de Shakespeare que se representarán en el festival es "Pericles, príncipe de Tiro".  El orador romano, Cicerón, es protagonista de intensas luchas y violentas transformaciones acaecidas durante el siglo primero antes de Cristo. Marco Tulio Cicerón es un político excepcional en un mundo de mezquinas ambiciones personales y deslealtades. El azar y la fortuna juegan un rol protagónico en la obra más épica del inglés William Shakespeare. A lo largo de la representación, la relación causa-efecto, se rompe constantemente. Hasta el 25 de agosto, el Festival emeritense, que celebra su sexuagésima quinta edición, estrenará cinco obras teatrales, y se han programado una ópera y dos espectáculos de danza y una zarzuela.

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Los espectadores del Festival de Avignon, se embarcarán en una larga y tumultuosa travesía en la que el director del certamen, Olivier Py, ha decidido que La Odisea sea el hilo conductor de este año, evocando el exilio, la tragedia de los migrantes en el Mediterráneo y la construcción de Europa. Son los Ulises reales... de carne y hueso, del siglo XXI.

Homero, Esquilo y Virgilio, los autores griegos y latinos, serán los protagonistas de la 73 edición del Festival de esta ciudad del sur de Francia, que revisa obras legendarias  como La Odisea, La Orestiada o La Eneida. Poemas, dramas épicos, que forman parte de nuestro bagaje cultural.  

Fundado en 1947, el festival francés es otra de las más importantes manifestaciones europeas del espectáculo contemporáneo en vivo. Este mes Aviñón se convierte en una ciudad-teatro, transformando su patrimonio arquitectónico en diversos lugares de representación, majestuosos o sorprendentes, que acogen a decenas de miles de amantes del teatro de todas las generaciones.

Propuestas museísticas

Pintores flamencos

Pieter Bruegel “El viejo” es el protagonista de este año en Flandes. Coincidiendo con el 450 aniversario de su muerte la ciudad de Bruselas lo recuerda con una exposición permanente inmersiva en el Museo Real de Bellas Artes, donde la denominada Caja Bruegel proyecta los cuadros más famosos del pintor flamenco. La Biblioteca Real de Bélgica, custodia la colección de dibujos del artista y tiene previsto inaugurar en octubre una muestra sobre sus grabados,  el palacio de la dinastía prepara una proyección multimedia 360º sobre su vida y obra, y en el castillo de Gaasbeek, recuerdan la influencia del artista en el arte moderno y contemporáneo.

El año Bruegel es una oportunidad para conocer su personalidad y sus obras a través de recorridos específicos. Hay que aprovechar el viaje para conocer otros aspectos de la cultura belga.  En la iglesia de Sint Anna-Pede se inicia un recorrido por quince instalaciones creadas por artistas contemporáneos que interpretan los paisajes del maestro Bruegel y que se intercalan con ofertas culturales muy diferentes, como las rutas por los diferentes estilos arquitectónicos de cada ciudad que se visita o rastrear la historia de la cerveza, una cultura reconocida por la Unesco, como patrimonio inmaterial.


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Este fin de semana en la Aquitania francesa celebran el centenario de una fiesta muy especial la Félibrée, que recupera música y tradiciones de los occitanos. Un certamen itinerante que dura un fin de semana y que este año se celebra en la ciudad de Périgeux, capital del departamento de Dordoña-Perigord. Las calles se engalanan con unas 400.000 flores y el domingo se oficia una misa en occitano y se organiza un banquete multitudinario: la Taulada. En este almuerzo al aire libre se degusta el Tourain blanchi (sopa de ajo), rotí de cerdo y alubias con corteza, ensalada y de postre, queso con trufas, y fresas del Perigord.

Occitania ocupó una gran parte del suroeste de Europa, en zonas como el mediodía francés, el valle de Arán, el Principado de Mónaco y una parte del Piamonte italiano. Fue uno de los centros más importantes de la cultura entre los siglos IX al XIII, su momento de mayor esplendor, y una de las primeras lenguas que sustituyó al latín en documentos, piezas teatrales y gramáticas. Considerada una cultura refinada dio lugar a la literatura trovadoresca que se extendió por Europa Occidental e influyó en idiomas próximos como el catalán, el Reino de Navarra o los condados franceses de Tolosa, Foix y Provenza. Fue siempre una unidad cultural y lingüística, pero nunca llegó a constituir una unidad política.


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Foto Twitter

Por último recordar que el Museo del Louvre de París trasladará a partir del 17 de julio y hasta mediados de octubre, su obra más emblemática La Gioconda. El cuadro de Leonardo da Vinci se muda a la Galería Médici, para poder finalizar la renovación de la sala en la que se expone habitualmente (la sala de los Estados). No es el primer viaje interno dentro de las paredes de la pinacoteca parisina, donde ya fue trasladada en cuatro ocasiones. Más difícil es que salga del museo, porque es una obra particularmente frágil. El Louvre calcula que el 70% de sus visitantes tienen un objetivo principal: ver esta joya artística.

Más propuestas culturales de julio

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Ángela Gonzalo del Moral    4.jul.2019 16:33    

Ciudades europeas: Oporto a través de sus edificios culturales

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Foto: angelaGonzaloM

La Fundación Serralves de Oporto, celebra estos días su trigésimo aniversario, y lo hace como cada año, abriendo sus puertas en uno de los mayores eventos de cultura contemporánea de Europa, con más de 160.000 participantes en un fin de semana. Es una tradición en la ciudad. Durante 48 horas, se organizan anualmente -de forma ininterrumpida-, actividades de jazz, teatro, bailes y espectáculos de circo.

 

Fundación Serralves

Durante el resto del año, cuando recupera la tranquilidad, se puede pasear por jardines de modelos francés, romántico, inglés... que incluye paisajes muy diversos, desde terrazas inclinadas, a frondosos bosques. Una geometría laberíntica, compaginando los jardines con terrenos agrícolas. A lo largo de 18 hectáreas (maginad 18 campos de fútbol) se distribuyen extraordinarias obras de Richard Serra, Claes Oldenburg, Dan Graham, Angelo de Sousa, Alberto Carneiro o Maria Nordman. ¡Hasta tiene un palomar!, con un toque artístico y un olivo con casi 1.500 años, regalo del Alentejo.

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Foto: angelaGonzaloM

 Antigua casa de estilo art noveau del conde de Vizela, un empresario textil que se enriqueció fabricando uniformes para los soldados de las dos guerras mundiales, quiso gastar su enorme fortuna, construyendo en los años 20 uno de los espacios más modernos de la ciudad. Edificó su vivienda familiar y los espectaculares jardines. Para ello contrató a tres arquitectos: uno para la construcción del edificio, otro se encargó del mobiliario interior y un tercero diseñó los jardines. 

Quizá por sus características históricas y artísticas, quizá por su dimensión o porque fue un parque largamente reivindicado por los vecinos del barrio, se ha convertido en un lugar muy especial en el panorama nacional e internacional. Es un espacio cultural que los ciudadanos asocian a una élite intelectual que ha sido salvado por toda la población.

El Parque de Serralves incluye paisajes muy diversos y está compuesto por vestigios de un jardín del siglo XIX, por la Quinta do Mata-Sete, la Casa de Serralves y el Museo de Arte Contemporáneo del mismo nombre, cuyos jardines fueron diseñados para mezclar de forma armoniosa el paisaje y la estructura edificada.

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Diseñado por el arquitecto local Siza Vieira, el Museo de Arte Contemporáneo es el mayor centro cultural multidisciplinario del norte de Portugal, con una simplicidad arquitectónica y su entorno natural, donde se presentan exposiciones temporales de los artistas más importantes a nivel internacional , y que está incluido en el principal circuito de arte contemporáneo del mundo, junto al Moma o la Tate.

La Casa de Música

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Otro de los más renombrados arquitectos del mundo, el holandés Rem Koolhaas, diseñó otra de las obras más emblemáticas de la ciudad moderna, la Casa da Música, inaugurada poco después de la capitalidad cultural europea de Oporto en 2001.

Formado por dos auditorios, el arquitecto la diseñó como si se tratara de un meteorito gigante que hubiera caído en la ciudad. Un edificio que debía cambiarla para convertirse en parte de ella. Destaca su gran acústica y sus multiespacios y multiutilidades. El suelo es de aluminio, un elemento muy innovador, y hormigón blanco. La casa de Música está formada por distintas cajas, que conforman pequeñas salas y espacios muy versátiles. En la caja central, lo espectacular es la transparencia de la sala, donde el coro o el público se pueden sentar detrás del director. Su vidrio ondulado permite a las salas que las ondas sonoras se lancen en todas direcciones, reduciendo el posible eco.

Koolhaas, pensó en la versatilidad de sus espacios para acoger cualquier evento social (que aportan financiación al centro), la versatilidad de la luz, que añade siempre una experiencia visual y musical distinta y un ventanal que se abre sobre el espacio exterior, con su columna dedicada a las guerras peninsulares, que permite una interrelación con la ciudad, especialmente al atardecer. 

Acoge tres orquestas, la Sinfónica do Porto, la Barroca y el Coro de Casa Música.

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Esta ciudad histórica, Patrimonio de la Humanidad ha sabido mezclar su historia y la modernidad. Sus tiendas vintage, mercados tradicionales con especialidades gourmet, han encontrado su originalidad en la rica gastronomía de la zona norte de Portugal y sus vino aromáticos y sorprendentes. Una ciudad que apuesta por la cultura y el entretenimiento.

Hay que perderse y pasear por sus calles, antiguas y estrechas, y adentrarnos en las viejas tiendas de comestibles, en las plazas de colores, cafés antiguos y de moda, como el Guarany, el Majestic o la calle das Flores.

Palacio de la bolsa, el poder económico

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De sus edificios históricos destacamos el impresionante Palacio de la Bolsa, otro icono de la Oporto, que muestra la riqueza que en otros momentos ostentó la ciudad. Funcionó como bolsa hasta que en 1994 se fusionó con la de Lisboa. Actualmente es uno de los monumentos más visitados, con su famoso salón árabe, inspirado en la Alhambra. Destaca la sala dorada, de yeso y 20 kilos de pan de oro; la sala con el suelo de marquetería en 3 dimensiones, construido en el siglo XIX, y el patio de las naciones, que acoge escudos de las ciudades con las que Portugal ha tenido relaciones comerciales a lo largo de los siglos. España, Francia y Reino Unido, están en el centro, porque eran los países con los que mantuvieron más relaciones.

Su estructura es de granito y todo está hecho a mano, todavía conserva los muebles originales, de roble francés y portugués, que nunca han necesitado restauración. En las salas encontramos imágenes relacionadas con el vino, como los viñedos del Valle del Duero, la comercialización y el transporte. Entre las anécdotas de su larga historia destaca que su primer presidente fue un bodeguero holandés y otro fue reelegido 32 veces. Durante la dictadura.

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La riqueza de Oporto siempre estuvo ligada a su puerto. En sus astilleros se fabricaron los barcos de los grandes descubrimientos. Enrique el Navegante zarpó desde allí para alcanzar el continente africano.

En el siglo XVIII el comercio del vino adquirió un gran apogeo, aunque fueron los ingleses los que impulsaron el cultivo de la vid, controlando su producción y venta. Fue una época próspera para Oporto, muestra de ello fueron los importantes monumentos barrocos que se construyeron para dejar un testimonio del apogeo de la ciudad. Todavía puede verse la Torre de los Clérigos, en la parte alta de la ciudad, la iglesia do Carmo, con su altar rococó o la Catedral o Sé, que todavía conserva su aspecto hermético y fortificado de la Edad Media. 

Desde la margen derecha del Duero, la ciudad siempre tiene presente a Vilanova da Gaia, donde se instalaron las bodegas de las principales empresas vitivinícolas. Se pueden ver varios rabelos anclados en el río un recuerdo y homenaje a los barcos de vela y poco calado que transportaba las barricas desde los viñedos a las bodegas, donde envejecían el vino y lo distribuían.

El vino de Oporto ha marcado la imagen internacional de la ciudad desde principios del siglo XIX. Fue la primera denominación de origen de la historia. Uno de los grandes referentes son los hermanos escoceses, William y John Graham. Cinco generaciones de Symingtons han gestionado unas bodegas que han producido unos excelentes vinos de calidad con más de 200 medallas de oro y plata conseguidas en certámenes internacionales. Actualmente el vino aporta entre un 15 y un 20% a la economía de la ciudad.

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La ciudad de los seis puentes, siempre rivalizó con Lisboa, liderada por una rica clase de industriales que crearon a mediados del XIX, la Asociación Empresarial de Portugal. Convertida en una ciudad de servicios, sigue teniendo un importante cinturón industrial con fábricas metalúrgicas, de textiles, muebles, cerámica y calzado. De esa época son la Estación de tren de São Bento, uno de los edificios más atractivos de la ciudad, construida sobre un antiguo convento, en 1903 por José Marqués de Silva y en la sorprendente  fachada se colocaron 20.000 azulejos obra de Jorge Colaço. Sus dibujos muestran parte de la historia del transporte y de la historia de Portugal. También se encargó de los azulejos de la Iglesia de San Ildefonso.

En la zona de Ribeira, junto al puente don Luis I, los antiguos muelles y el barrio de la Ribeira, donde se descargaban y cargaban los vinos y otras mercancías de tierras lejanas, se han convertido en animados restaurantes, cafés y bares. Se puede degustar pescados, mariscos, quesos o embutidos, junto al Duero. Uno de los lugares privilegiados, que permiten ver la otra zona del río es el restaurante Fish Fixe, un espacio acogedor y con una agradable vista del Douro.

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Siguiendo en el mundo de las artes, las calles Miguel Bombarda y Breyner son parte integral del barrio de las artes, con proyectos originales, dinámicos, que han florecido en los últimos años, impulsados por jóvenes creadores que trabajan unas veces en solitario y otras en espacios de trabajo conjunto, aportando a estos artistas nuevas oportunidades de mostrar su trabajo creativo y beneficiándose de un espacio coordinado.

En gastronomía también resalta la presencia de chefs con estrella Michelin, como Rui Paula, que presenta una cocina de autor en el Restaurante DOP, situado en el Palacio de las Artes, un edificio original del siglo XIV, que gestiona la Fundación de Juventud.

Librería de los Hermanos Lello

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Una de las librerías más bonitas del mundo se encuentra en Oporto, y se ha convertido en uno de sus atractivos turísticos con una media de 3.000 visitantes por día. Ese éxito de masas se lo debe a un libro y a una escritora. Nos referimos a la librería Lello, a J.R. Rowling y a Harry Potter.

Situada en el barrio de las Carmelitas, la librería de los Hermanos Lello fue construida en 1906 y ha editado libros a algunos de los grandes escritores portugueses como Eça de Queirós y Castelo Branco. Era el lugar de auge del Oporto de principios del siglo pasado, destacando su magnífica escalera. Se ha afirmado que fueron la inspiración de las escaleras de Hogwarts en los libros de Harry Potter, aunque en Oporto, la escalera es fija.

Desde hace unos años, esa librería se convirtió en un atractivo de masas, sobre todo desde que se le relaciona con J.K. Rowling, autora de la famosa saga. La escritora británica vivió dos años en la ciudad y se dice que se inspiró en la libreria Lello para relatar las aventuras de uno de los magos más conocidos de la literatura universal.

La piedra filosofal, que da título a uno de los best sellers de la escritora, coincide con el nombre de un poema muy famoso del poeta portugués, António Gedeão, que era cantado en pubs y bares que los jóvenes estudiantes frecuentaban en los 80.

 

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Ángela Gonzalo del Moral   31.may.2019 14:01    

Agenda cultural europea Abril'19

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Góbi :Dance Company Freestyle – premiere at MU Theatre — © Hrotkó Bálint - BTF

Praga acoge hasta el 22 de abril el Festival de Primavera. Aunque la música clásica y la ópera son la gran baza de este certamen se han organizado más de 150 actividades artísticas como jazz, melodías del mundo, espectáculos de danza, circo contemporáneo o teatro. Algunos de los escenarios que acogen estas actividades son el teatro de la ópera con 130 años de antigüedad, el palacio de las Artes, un gran centro de artes escénicas, que acoge el acústico auditorio Béla Bartók, o la Academia de la Música, fundada por Franz Liszt y recientemente renovada o el Centro de Música de Budapest que alberga el instituto Péter Eotvos y que es uno de los espacios más grandes de Europa, dedicados al arte contemporáneo.

La calidad y la innovación lo han convertido en uno de los festivales de arte más importantes y aclamados de Europa Central. En esta edición Rusia tiene una especial importancia dónde se podrá escuchar a algunos gigantes del mundo clásico ruso, como los Solistas de Moscú o la Orquesta Sinfónica Tchaikovsky, que participará en una velada con el coro Filarmónica de Praga.

Así como Salzburgo tiene a Mozart, Budapest está orgullosa de tener a Liszt, cuyas obras se interpretan año tras año para mostrar la complejidad de su música y la riqueza de la cultura húngara. También atrae a algunas de las mejores estrellas internacionales de la ópera como el tenor maltés Joseph Calleja, o a interpretes como el pianista y compositor estonio Kristjan Randalu.

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Teylers-Museum-A27-recto

El recientemente reinaugurado Museo de Bellas Artes de Budapest acoge la exposición "El triunfo del cuerpo" dedicado al genio Miguel Ángel Buonaroti, y que puede visitarse hasta finales de junio. Sus legendarias creaciones forman la base de su obra, como la Piedad, el David, el Juicio Final y las pinturas del techo de la Capilla Sixtina. La muestra expone 30 dibujos preparatorios de 50 obras maestras del pintor y escultor italiano, en los que se puede ver como representaba en sus obras el cuerpo desnudo.

Esta pinacoteca de la capital húngara, es uno de los museos más importantes de Europa por la diversidad, la continuidad historica y el gran número de obras maestras, que posee.

Arte rupestre en Chauvet

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La gruta de Chauvet, descubierta en 1994 y declarada 20 años después Patrimonio Mundial de la Unesco, conserva un millar de dibujos de 36.000 años de antigüedad, entre los que hay 14 animales diferentes. Uno de ellos es el león, representado casi 80 veces, algo que no ocurre en el arte rupestre en ninguna otra parte del mundo. Ese es el punto de arranque de una muestra que reúne 170 piezas en torno a la  representación del león y otros felinos en culturas animistas de la prehistoria europea, pero también de Oriente Medio, el antiguo Egipto, la Grecia y la Roma clásicas, Asia, América y África, procedentes de museos y colecciones de toda Europa.

Para preservarla en 2015 se abrió una réplica de la cueva y se realizan exposiciones temporales. La comisaria, la española María González Menéndez, explica que "hay una característica que une a estas culturas animistas" con los felinos, a los que "los hombres ven como criaturas divinas por su gran poder en la naturaleza", asociadas a la dominación. Por eso han sido los reyes y faraones quienes más han querido asociarse a su imagen y quienes en Oriente Medio tenían reservada su caza, como muestra de dominación sobre el mundo salvaje.

Barcelona, ciudad literaria

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A las puertas de San Jordi y del Cervantes, ambos se unen en Barcelona, donde abril es sinónimo de letras. El ayuntamiento ha presentado un mapa literario siguiendo las huellas de algunos escritores como Cervantes, Flaubert, Jean Genet, Vázquez Montalbán, o la escritora barcelonesa Mercè Rodoreda. Catalogada como Ciudad de la Literatura por la Unesco, el mapa recoge casi 300 puntos de especial significación literaria, que se ha distribuido por 40 bibliotecas públicas de la ciudad y que permite seguir itinerarios de unas veinte novelas directamente relacionadas con la capital catalana y que recoge monumentos, bares o restaurantes. El Quijote y Sancho Panza, entraron por el Portal del Mar y visitaron una imprenta del Call en el barrio judío, el Pla de palau y la playa de la Barceloneta, donde el ingenioso hidalgo se batió con el caballero de la Blanca Luna. El propio Cervantes vivió en el número 2 del Paseo de Colón.

El maillot más deseado

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Acabamos este recorrido cultural en Niza. El Museo nacional del deporte de esta ciudad alberga hasta el 29 de septiembre la exposición "100 años del Maillot amarillo". Una muestra que pone a disposición del público las prendas y bicicletas que usaron en el Tour de Francia ciclistas como los españoles Miguel Indurain y Luis Ocaña, los franceses Bernard Hinault y Jacques Anquetil o el belga Eddy Mercks,

Durante la decimoprimera edición de la carrera, en 1919, Henri Desgrange, director de la competición creó el maillot amarillo con los colores del periódido L'Auto, que era el sponsor de la época, fue rápidamente aceptado por los corredores y el público ya que permite identificar claramente al primer clasificado de la general, convertido en la atracción principal de la carrera.

La exposición rinde homenaje a los más de 15.000 corredores que han participado en la carrera, pero especialmente a los 3.228 hombres que han llevado la prenda en algun momento. Eugène Christophe fue el primero y Eddy Merkxs el que más días ha lucido esa emblemática prenda, 111 veces. En su homenaje el Tour se iniciará este año en Bruselas.

Christian Proudhomme, Bernard Thévenet o Philippe Bouvet, tienen claro cual es el color que más les gusta: el jeune

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Ángela Gonzalo del Moral   12.abr.2019 11:34    

Agenda cultural europea diciembre 2018

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El 7 de diciembre comienza simbólicamente el año para los amantes de la ópera.La Scala de Milán ha abierto temporada con Attila, una historia de venganza de una mujer valiente contra el rey de los hunos. Este año los protagonistas han sido la sorpano española Saioa Hernández y el bajo ruso Ildar Ab-dra-za-kov. La fecha coincide con el día de San Ambrosio, santo patrón de Milán. Una curiosidad todas las funciones deben terminar antes de la medianoche y por esolas óperas más largas comienzan a primera hora de la tarde.
 
La Scala presentará "La Traviata" de Verdi, "La Cenerentola" de Rossini o "Gianni Schicci" de Puccini, con una puesta en escena de Woody Allen.
 

Navidad en el Vaticano

 
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Seguimos en Italia, porque el mismo día, en Ciudad del Vaticano se inauguró el pesebre de arena "Navidad de arena", es una escultura compuesta por un tríptico que representa, en el centro, a la Sagrada Familia y en los laterales los pastores y los Reyes Magos. La idea es de Rich Varano, un artista profesional que ha liderado a tres escultores de Holanda, Rusia y Chequia.
 
Varano, asegura que  "es una experiencia espectacularmente maravillosa, nada como lo que hubiera podido hacer en treinta años de trabajo, estar aquí rodeado de una cultura tan rica, la historia y el arte de los maestros. Es una experiencia muy emocionante".
 
Junto con el iluminado árbol de Pordenone, permanecerá en la plaza de San Pedro hasta el 13 de enero. Se trata de un abeto rojo procedente del "Bosque de Cansiglio", de 21 metros de altura. 
 

Museo de la Economía en París

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Un proyecto más pragmático es el que tiene entre manos el Banco de Francia. Quiere que los ciudadanos entiendan de manera fácil y práctica como funciona la economía. A partir de primavera París abrirá en el Hôtel Gaillard, el museo de Economía Citéco.  Fue sucursal de la entidad bancaria entre 1923 y 2006 y se encuentra situado cerca del parque Monceau. Será el único especializado en esta temática en toda Europa, inspirado en el Museo Interactivo de Economía de México. 
 
Con estos 2.400 m2 de exposición permanente de un palacio renacentista con un interior decorado con chimeneas, pavimentos, techos, madera con incrustaciones, pintadas o talladas. Para acercar la economía contarán con dispositivos espectaculares, pantallas gigantes,  salas de juegos de rol y mediadores, en lugar de guías, que orientarán al visitante. 
 

Aniversario nacimiento Alexandre Solzenicyn

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Acabamos con dos aniversarios. El hijo del disidente soviético Alexandre Solzenicyn, que escribió sobre los horrores de los campos de trabajo en la Unión Soviética, ha vuelto a Moscú para dirigir una ópera basada en los textos de su padre. "Un día de Iván Denisóvich" del compositor Alexander Chaikovski se ha estrenado en el célebre teatro moscovita del Bolshoi, coincidiendo con el centenario del premio Nobel de Literatura. Es una obra basada en la experiencia del escritor como prisionero político. La ópera muestra a guardianes de prisión en una torre de vigilancia rodeada de alambres mientras los focos se mueven en la sala como buscando a un fugitivo.
 
Su hijo destacaba que la obra del autor de Gulag, demuestra como ha cambiado el país, porque "es un país diferente al que lo expulsó en 1974". "Ya no está prohibido, sino que se estudia, se lee y se debate". Una opinión que no agrada a los actuales opositores de Vladímir Putin, al que acusan de continuar la represión contra artistas e intelectuales. 

Ópera de Viena cumple 150 años en 2019

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También está de cumpleaños la Ópera de Viena.  Ha empezado las celebraciones del 150 aniversario  con un sorprendente espectáculo, "Die Weiden", inspirada en el auge de la extrema derecha en Europa. 
 
La Wiener Staatsoper no es famosa por su audacia, pero tanto el compositor austriaco Johannes Maria Staud como el libretista alemán Durs Grünbein embarcan a los espectadores en la historia de una pareja de amantes, Lea y Peter, de vuelta en la tierra natal del joven, al borde de un río, donde descubren una comunidad en completo malestar, gangrenosa por el Miedo al extraño y al recelo. El amor idílico y pintoresco se convierte cada vez más en un velo oscuro y retrógrado. 
"El mal, en esta ópera refleja la mala política", según los autores de esta pieza inspirada por el "viraje de Europa a la derecha". Austria, que acaba estos días su presidencia de turno de la Unión Europea es un ejemplo de ello. En dicembre habrá cinco representaciones que se reiniciarán a principios del año que viene. 
 
En medio Viena será un año más la capital de la música, con su tradicional Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena, en la sala dorada de la Musikverein, donde no puede faltar la icónica Marcha Radetzky. 
 
 
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Ángela Gonzalo del Moral   13.dic.2018 23:33    

El Teatro Real de Madrid 'afina' sus números

"Estamos abiertos a la gestión de otros espacios culturales"

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El Bicentenario del Teatro Real de Madrid, ha sido una temporada perfecta, en público y, por tanto en números. 2018 ha cerrado con una ocupación media del 92%, de 57 millones de euros (2.874 en taquilla), y un superávit de 1.200 millones de euros. Tras una temporada de éxitos como Aida, Turandot, Fausto, o algunos arriesgados como Die Soldaten o Street Scene, al finalizar el año, los resultados económicos también son satisfactorios.

Los responsables del coliseo madrileño coinciden en que fue 2018, un año excepcional, con un presupuesto mayor y una programación atrevida. Para 2019, todo vuelve a ser más comedido. El presupuesto es de 54.700 millones, "muy realista", lo califica Ignacio García-Belenguer, que espera que, como ya ocurrió el año pasado, la aportación privada siga aumentando y se pueda corregir esa cifra al alza. El presidente del Teatro, Gregorio Marañón, no cree que esa reducción afecte a la programación del año que viene "será buena, con vocación de excelencia" y a pesar de que haya menos dinero "no bajaremos ni un escalón en la calidad de las obras que presentaremos".

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El director artístico, Joan Matabosch, recuerda que se programa a 4 años vista. En 2019, se han previsto 4 espectáculos de grandes compañías de danza, 6 conciertos y recitales, y 96 sesiones de espectáculos infantiles, integrados en el programa El Real Junior, con sus sesiones familiares y escolares. El Teatro busca atraer al público del futuro. En 2018 el programa pedagógico ha llegado hasta 70.000 niños

No solo ha habido éxitos económicos, también en otras áreas. La Fundación Amigos del Teatro Real, fundada en 2016, ya tiene más de 4.000 socios, el doble que el año anterior y han aportado 400.000 euros. Aumenta también el programa de micromecenazgo "Notas Amigas" que apoyarán para comprar un clave del experto holandés Jan Kalsbeek.

En el ámbito europeo, Joan Matabosch ha destacado el éxito de algunas de sus producciones en la plataforma online europea "Opera plataform" y a nivel internacional , la celebración del primer "Opera Forum", que reunió a 400 asistentes de 70 países ha servido de puerta de entrada a Opera Latinoamericana, convirtiéndose en el primer teatro europeo en formar parte de ese colectivo que reúne a los mejores teatros del continente americano. Matabosch destaca el hecho de que "el año pasado hubo 60 novedades que no se habían presentado en España y que tampoco pueden llevarse a muchos coliseos mundiales". Pocos teatros se lo pueden permitir porque necesitan un escenario de grandes dimensiones".

Los responsables del Real no se resignan a no gestionar otros espacios culturales en Madrid, para ampliar su oferta artística, tras el fracaso de fusión con el Teatro de la Zarzuela, de momento preparan colaboraciones con Matadero, Teatros del Canal y Teatro Español, pero como dijo Marañón "estamos abiertos a una gestión de otros espacios".

Ópera en el aeropuerto

Teatro Real en Aeropuerto Barajas - Foto AENA
Foto AENA

Artistas de ópera viven en los aeropuertos entre recital y recital, pero esta semana han acudido al aeropuerto de Barajas para disfrute de los viajeros y han convertido los espaciosos y anónimos pasillos de la Terminal T4 en una platea. Lo han hecho por varios motivos. Recordar el bicentenario del Teatro Real y agradecer o dar a conocer el acuerdo de patrocinio de Aena, al teatro madrileño.

Unos estaban apunto de coger su vuelo, otros llegaban de un viaje de horas desde países lejanos, todos se sorprendían al escuchar unas notas de Nessum Dorma. Dos de los protagonistas del Turandot de Puccini han interpretado varias arias de esta obra inmortal ante el asombro de los turistas. Esta iniciativa es parte de un convenio entre AENA y el Real. La obra permanecerá en la que actúan el tenor David Butt Philip, la soprano Yolanda Auyanet y la pianista Patricia Barton, estará en escena hasta el 30 de diciembre en el Teatro Real, rindiendo homenaje a Montserrat Caballé.

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Ángela Gonzalo del Moral   13.dic.2018 17:20    

Charles Aznavour, fallece el último gigante de la canción francesa

 

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Estaba considerado el último gigante de la canción francesa del siglo XX, y una leyenda en su país . De origen armenio, Charles Aznavour era el cantante francés más conocido en el extranjero. De hecho sus recitales solían comenzar con "Les émigrants", un recuerdo a los millones de armenios que huyeron del genocidio, como le ocurrió a su propia familia. Precisamente en marzo de este año, celebró un acto en honor a Armenia.

Vendió más de 100 millones de discos a lo largo de ocho décadas de actuaciones, y con 94 años, aún seguía sobre los escenarios. El 26 de octubre tenía un concierto en Bruselas y acababa de llegar de una gira por Japón, donde había cancelado varios actos por una fractura en el brazo, que sufrió tras una caída. Su última actuación en España fue en el Liceo de Barcelona el pasado junio, donde cantó sentado en un taburete la mayor parte del tiempo.

Su voz y su físico atípicos, maracaron su dilatada trayectoria, destacando sus grandes éxitos "La Bohème", "La Mamma" "Que c'est triste Venise" y "Emmenez-moi", marcadas por un tono nostálgico. Siempre mantuvo un compromiso social constante, muestra de ello son sus actos de reivindicación de la cultura armenia. También recogió otras luchas sociales como "Les comédiens", dedicado al mundo del espectáculo, al que pertenecía su familia, un tema que interpretó junto a Liza Minelli en el Palacio de Congresos de París en 1991. La homosexualidad fue retratada en "Comme ils disent", mientras que la juventud y el paso del tiempo, marcaron algunos temas como "Sa jeneusse", "La plus belle pour aller danser" o su gran éxito "La Boheme". También hizo unos guiños a la canción hispanoamericana recogiendo boleros de Los Machucambos, la salsa de Yuri Buenaventura o temas de Joan Manuel Serrat, además de grabar un tema "Morir de amor" con  el cubano Compay Segundo. 

Sin duda, fue el cantante más transversal de su país, atrayendo a varias generaciones a sus espectáculos. Nacido en París como Shahnour Varinag Aznavourian de padres armenios, el cantante, actor y compositor era conocido por su  carisma y elegancia, recibiendo a menudo el apodo de el Frank Sinatra galo, en un estilo que mezcla a la perfección la canción melódica y el romanticismo de la "chanson" francesa. Infatigable embajador de la cultura gala, su repertorio musical está compuesto por 1.200 canciones en siete lenguas diferentes, 294 álbumes, y miles de conciertos en casi cien países del mundo. A lo largo de su vida obtuvo centenares de discos de oro, platino y diamantes. Charles Aznavoice, fue uno de los autores más prolíficos de su país, componiendo canciones para Edith Piaf, Juliette Gréco o Gilbert Bécaud.

La vida musical de Aznavour comenzó en las calles, donde tocaba el violín y tras la Segunda Guerra Mundial, conoció al pianista Pierre Roche, y más tarde al editor musical Raoul Bretón, que le presentó a Edith Piaf, con la que pasó a ser un estrecho colaborador. De esa colaboración surgieron éxitos popularizados por la cantante francesa como "Il pleut" (1948), "C'est un gars" (1950), "Il y avait" (1950), "Rien de rien" (1951), "Une enfant" (1951), "Je haïs les dimanches" (1951).

En su faceta de actor, participó en unas 80 películas.  Actuó a las órdenes de François Truffaut "Dispara al pianista", Volker Schlondorff "El tambor" o Claude Chabrol "Los fantasmas del sombrerero". El año pasado obtuvo su estrella en el paseo de la fama de Hollywood, y en 1989, presentó en el Festival de San Sebastián la película, "Il maestro", de la directora belga Marion Hansel. Poseía entre otros la condecoración de la Legión de Honor, recibida en 2004.   

A pesar de crear intensas y conmovedoras baladas, quedó en un segundo plano ante los líderes de la Chanson: George Brassens, Jacques Brel y Léo Ferré.  

 angelaGonzaloM
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Ángela Gonzalo del Moral    1.oct.2018 15:38    

El mundo de la Ópera debate su futuro en Madrid

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Gloriana, considerada la obra maldita de Benjamin Britten, ha sido el envoltorio musical del primer  Foro Mundial de Opera #WorldOperaForum, que se ha celebrado en Madrid, coincidiendo con el bicentenario del coliseo madrileño. Los responsables de las más importantes redes de teatros de ópera de Europa, América del Norte y Latinoamérica, han debatido sobre los retos de este género musical nacido en el continente europeo hace poco más de 420 años. Forma parte de la tradición musical clásica europea y occidental. En él se mezcla música, poesía, artes escénicas, escenografía, iluminación, vestuarios, maquillaje, pintura, artes plásticas.... 
 
La primera ópera considerada como tal, fue Orfeo del italiano Claudio Monteverdi, compuesta en 1607 para representar en la corte de Mantua. 
 
 
¿Qué sería de la cultura musical y artística europea sin La Traviata de Verdi, el barbero de Sevilla de Rossini, las Bodas de Fígaro de Mozart, Tosca de Puccini, El anillo del nibelungo de Wagner,  Rodelinda de Händel, Igor Stravinski de Sergéi Rajmáninov, Carmen de Bizet, .. y tantos otros títulos y autores de Italia, Francia, Alemania o el Reino Unido?
 
Precisamente, uno de los retos de la ópera actual es renovar títulos, crear nuevas obras, a riesgo de que no sean bien recibidas por el público. Muchas de las óperas clásicas, comenzaron siendo un rotundo fracaso. Casi ninguno de los grandes compositores se salvo de esa agria experiencia. 
 
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Gloriana, representada y aplaudida estos días en el Teatro Real de Madrid, fue un fracaso el día de su solemne y pomposo estreno en el Covent Garden de Londres, el 8 de junio de 1953. En los palcos la realeza europea que celebraba la coronación de Isabel II en Reino Unido mientras sobre el escenario se relataba un episodio poco digno de la atribulada vida de la reina Isabel I. Se presentaban con crudeza sus sentimientos y pasiones.
 
Para el presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, eso demuestra que hay que apostar y arriesgar con nuevos proyectos. Uno de los más conocidos responsables de teatro que han marcado las temporadas operísticas, corriendo riesgos empresariales fue Nicholas Hytner, que programaba la mitad de las obras del Teatro Nacional de Londres con títulos históricos y la otra mitad con nuevas apuestas, procedentes de muchos lugares del mundo. 
 
Opera Europa reúne a 182 compañías de 42 países distintos. Su director, Nicholas Payne, cree que actualmente se corren menos riesgos a la hora de programar y recuerda que para los empresarios del siglo XIX las óperas nuevas eran los principales eventos del momento. Para Payne es necesario ofrecer al público, en concreto al europeo, "no solo las óperas tradicionales  italianas, alemanas, francesas o inglesas, sino también hemos escogido títulos procedentes de otros países como Lituania, República checa, Polonia, Finlandia, para ver lo rico que es este patrimonio europeo"
 
El Teatro Colón de buenos Aires, fue construido hace 130 años, al estilo italiano. Los expertos destacan su gran calidad acústica, fue construido por emigrantes europeos que llegaron en diferentes olas migratorias a la capital argentina. Ellos llevaron su tradición y cultura, su manera de hacer ópera, de disfrutarla y amarla. Fue un viaje de ida, pero no de vuelta.  
La directora de Opera Latinoamérica y del Teatro Colón de Buenos Aires,  María Victoria Alcaraz, se queja precisamente, de que Europa se abra poco a las nuevas producciones que se realizan en otros continentes porque cree que podrían enriquecer las temporadas de los coliseos europeos.
 
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Ópera Latinomérica (OLA), con más de 15 miembros de 8 países, aglutina, además de los Teatros Colón de Buenos Aires y Santiago de Chile, a otros coliseos como el Municipal de Río de Janeiro, el Amazonas de Manaos, y los más importantes de las capitales latinoamericanas.  
 
En el Foro Mundial de Opera, celebrado en Madrid, se han reunido más de 250 profesionales de distintos ámbitos profesionales, como gestores, directores artísticos, de escena y musicales; además de productores, editores, compositores, libretistas, o intérpretes.
 
Uno de los temas que han debatido es cómo abrir la Ópera a nuevos públicos, principalmente los jóvenes y el desafío de fidelizarlos. "Creo que las compañías pueden hacer más de lo que hacen, dice Nicholas Payne, lo que demuestra que necesitamos la ayuda de las autoridades educativas, porque muchos jóvenes no saben nada sobre este estilo musical".
 
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El director de Ópera Europa, recuerda que este Año Europeo del Patrimonio Cultural, es un buen momento para reconocer el legado formidable y creciente de este arte, y se muestra satisfecho del resultado obtenido con Opera Visión y Streaming Opera, dos plataformas que permiten transmitir gratuitamente, por internet o en salas de cine, representaciones de los grandes teatros del mundo, eso ha conseguido llegar a millones de potenciales espectadores en todos los continentes, algunos tan lejanos como el público asiático o el australiano. 
 
Nicholas Payne, recuerda como ha evolucionado la ópera en España. "La historia de la Opera en España es muy interesante, porque cuando yo era joven, no era un lugar en el que se escuchara mucha ópera, y en los últimos 30 años se ha recuperado de forma fantástica. Antes solo existía el Liceo de Barcelona, hace 20 años se reabrió el Teatro Real y más tarde se construyó el teatro de Calatrava en Valencia o el de Tenerife, o la Maestranza de Sevilla". La presidenta de OLA, acabó las sesiones reclamando a la Unesco que reconozca este género musical como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
 
La ópera es un arte total en el que confluye la música, el canto, la poesía, las artes plásticas y, en ocasiones, la danza. Una compleja alquimia que lo convierte en un espectáculo en el que participan la vista, el oído, la imaginación y la sensibilidad del público. Un arte, todavía demasiado elitista, para algunos, en el que se muestran todas las pasiones humanas.
 
 
 
Categorías: Actualidad , Música

Ángela Gonzalo del Moral   16.abr.2018 09:53    

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