Gonzalo Borondo, Jansky, Raquel Buj, Festival Fotografía CyL, Nacho Sotomayor

    viernes 16.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 19.04.21

PORTADA: NACHO SOTOMAYOR. From there. EPHEMERAL.

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1. adj. Pasajero, de corta duración.

2. adj. Que tiene la duración de un solo día.

 Organismos unicelulares, grupos de cuerpos desenfocados en una danza frenética, huellas multicolores de dedos y manos sobre un fondo blanco de paz transparente. Eso podría ser «Ephemeral».

 También es posible que tenga algo que ver con la inconsistencia de las cosas, lo volátil de nuestra existencia y lo pasajero de nuestras experiencias. Nada se detiene en esta realidad vertiginosa…

 Pero algo de nosotros siempre permanece, a pesar de que nuestras ideas e intenciones, nuestros principios y logros, todo eso desaparezca cómo el agua entre los dedos de nuestra mano, sutilmente, en silencio, sin dramas. El ciclo continúa y los errores seguirán siendo los mismos, arrastrándonos de nuevo, una y otra vez, en un caleidoscopio de belleza y miseria.

 Efímero es también el batir de las alas, el olor del miedo y la opaca necesidad de amor. Es un baile entre el pasado, el presente y el futuro, un contoneo absurdo entre miradas de desconfianza. El tedio persistente de nuestras almas translúcidas.

 Nos aferramos al presente con tenaz melancolía, confiando en un futuro que nos ha de aportar todo lo necesario e inútil para que, de ese modo, cuando inevitablemente al final nos internemos en el mas absoluto de los silencios, ese silencio también será efímero, como lo es el amor, la belleza y la nada.

 

MUSICA: VILLALAR. AIRE

ENT. GONZALO BORONDO

ROSA BORONDO

El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente presenta el proyecto expositivo Hereditas, del artista Gonzalo Borondo, gracias al patrocinio de la Diputación de Segovia.
 
Esta muestra es una compleja intervención en el espacio del museo que tiene como propósito cuestionar el pasado desde los presupuestos del presente y, en concreto, poner en valor la naturaleza del Museo como lugar en el que preservar nuestro Patrimonio para las generaciones venideras y mostrar la maravillosa capacidad del arte de devolver a la vida objetos que perdieron su función original.  También, rendir tributo a la naturaleza como fundamento de la cultura e inspiración del arte y de los símbolos religiosos.
Hereditas ofrece al espectador una experiencia inmersiva, más allá de la mera contemplación y le sitúa ante una “interacción” del artista sobre el lugar.
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Borondo inició este tipo de acciones en el año 2017 (Cenere, Selci, Italia, fue la primera), pero lo que hace de Hereditas una creación distinta de todas las realizadas hasta ahora es que tiene lugar en un Museo. Aquí, paradójicamente, el white cube (como se ha denominado el espacio expositivo en la época moderna) queda anulado, para convertirlo, valga el juego de palabras, en un black cube, y así rescatar aquellos usos que tuvo el edificio.

MUSICA: VILLALAR. PELABRAVO

 

 

MUSICA: JANSKY. the RUSPOLIA FAIRY

ENT. JANSKY

JANSKY

MUSICA: JANSKY. SHIFTING PLACES.

 

 

MUSICA: LAGOON. DTREGANT

ENT. RAQUEL BUJ.

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Raquel Bujarrón aborda el diseño de moda como una laboratorio en el que experimentar su hibridación con la arquitectura, tanto de manera conceptual, como material.

Su trayectoria es una búsqueda de una camino independiente e interdisciplinar. Ha pasado por su propio estudio de arquitectura, pero tras realizar un Master en Arquitectura, Moda y Diseño, que cuando funda su proyecto dentro de la moda, con el que llamó la atención en la Pasarela Cibeles de 2018.

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Su visión del vestido como la arquitectura de la piel, ahonda en la búsqueda de nuevos materiales y técnicas con la que proponer un tipo de ropa que va más allá de convencionalismo, de géneros, de exclusividad.

Elementos poco comunes en moda, como siliconas, láminas de aislamiento térmico o decorativas para vidrios, además de materiales con memoria de forma como nitinol o polímeros, que normalmente no van unidos al cuerpo

 

MUSICA: LYNDA BLAIR. CARABANCHEL. INMER EP .

 

MUSICA: ALEX ALBRECHT. PUPETEERS

 

ENT. ANNE MORIN

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Nace el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que tendrá lugar del 21 de abril al 29 de mayo en Palencia

El festival aborda la imagen como un espacio donde convergen distintas disciplinas, estilos y épocas y reunirá a grandes nombres de la fotografía internacional y nacional contemporánea y del siglo XX. 11 exposiciones, 7 conversaciones, 3 conferencias, 1 ciclo de cine y casi 50 artistas conforman la programación de esta nueva cita para los amantes de la fotografía, que aspira a convertirse en una referencia a nivel nacional e internacional.
 
William Klein, Joel Meyerowitz, Robert Frank, Lee Friedlander, Valérie Belin, Sandro Miller y Vivian Maier son algunos de los fotógrafos internacionales que participan en esta primera edición. Entre los nombres nacionales destacan Miguel Vallinas, Gabriel Cualladó, Álvaro de Castro Cea y Patricia Escriche.
 
‘Otras miradas’ es el ciclo de cine con una selección de cinco películas vinculadas al mundo de la fotografía que han sido seleccionadas por la cineasta Isabel Coixet.
 
El festival está organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León y cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Palencia y la Diputación de Palencia. También colaboran con el festival los Lucie Awards de Nueva York, legendaria institución del mundo de la fotografía, y la École Nationale Supérieure de la Photographie de Arles.

 
 
 

Palencia vuelve a convertirse en una tierra de confluencias, literal y metafóricamente. La riqueza de su historia, cultura y tradiciones hacen de esta ciudad, cuyos orígenes se remontan a la época romana, el escenario ideal para acoger la primera edición del Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que se celebrará del 21 de abril al 29 de mayo de 2021. La intención de este evento se ciñe al propio significado de la palabra "Festival", cuyo origen latino, Festivus, significa “celebración”.
 
Esta primera edición abordará la imagen desde este ángulo, en su diversidad, alteridad y pluralidad. La fotografía, vector de conocimiento, de comunicación y de intercambio, es un lenguaje que trasciende las fronteras, y es en esta idea de convergencia donde se crea la identidad de un Festival, que es ante todo un lugar de encuentro y de reflexión. Varios ejes se cruzan y juntos forman una estructura que permite a la imagen asentarse en la ciudad de Palencia, irradiar y propagarse en todos los espacios y en todos los soportes.
 
Los grandes museos de la ciudad, los espacios urbanos y su mobiliario, las plazas, las calles y los parques forman parte de este nuevo gran proyecto y se convierten en el teatro en el que la imagen es la única protagonista. En esta primera edición aparecen algunos de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX y contemporánea, que vienen a establecer diálogos y correspondencias en este caleidoscopio de múltiples facetas que es la ciudad de Palencia.
 
Las imágenes de 
William Klein se codean con las de Joel Meyerowitz, y se encuentran en el Nueva York de los años cincuenta y sesenta. El cine de Robert Frank dialoga con las fotografías de Lee Friedlander y ambos nos hablan de la imagen dentro de la imagen. Valérie Belin y Sandro Miller (fotógrafo nacido en Chicago, ciudad con la que Palencia está hermanada), se enfrentan y nos hablan de las diferencias de identidad que unen o separan. Álvaro de Castro Cea, en estrecha colaboración con el Archivo Histórico Provincial de Palencia, vuelve sobre sus pasos 100 años después e instala sus retratos de nuestros antepasados. Andy Warhol, Helmut Newton, Sally Mann, William Wegman o Walker Evans juegan con el tiempo y nos muestran sus instantáneas que sólo guardaban para ellos. Miguel Vallinas, fotógrafo de renombre internacional de Medina del Campo, no lejos de Valladolid, instalará sus Segundas Pieles en el Paseo del Salón de Isabel II, y su serie Ceci n’est pas en el espacio Nexo990 de Monzón de Campos.

El 
Best of Show, organizado en colaboración con la legendaria institución neoyorquina, los Lucie Awards, ofrecerá una visión panorámica de la creación contemporánea internacional. Además, establecemos una colaboración con l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles para que las jóvenes generaciones puedan mostrar sus trabajos que serán proyectados en una gran pantalla en el corazón de Palencia.
 
El Festival será también un lugar de confluencia intelectual, de 
encuentros y conversaciones con comisarios, historiadores, fotógrafos y otras figuras emblemáticas del panorama internacional contemporáneo, que se plantearán verdaderas preguntas sobre los temas inherentes a los contenidos de las exposiciones. Estas conversaciones se retransmitirán en directo y estarán disponibles en la página web del Festival (www.fifcyl.com).
 
La dimensión pedagógica es fundamental, ya que genera un proceso de sedimentación del conocimiento, que en sí mismo es un objetivo primordial del Festival. Se propondrán diversas actividades a las comunidades locales, como visitas, conferencias y encuentros, con el fin de generar fluctuaciones a gran escala y atraer a los visitantes para que participen y experimenten el Festival.
 
En unos días estará disponible toda la programación en la web del festival:
www.fifcyl.com

 
 
 
 

 

ARTISTAS
WILLIAM KLEIN / LEE FRIEDLANDER / ROBERT FRANK / JOEL MEYEROWITZ / VALÉRIE BELIN / SANDRO MILLER / ÁLVARO DE CASTRO CEA / MIGUEL VALLINAS / EXPOSICIÓN “BEST OF SHOW” DE LOS LUCIE AWARDS (REBECCA MOSEMAN, WEI FU, PETRA BARTH, MARIANO BELMAR, CHLOE MEYNIER, JAMIE JOHNSON, JULIA FULLERTON-BATTEN), POLAROID COLLECTION (SALLY MANN, MARINA ABRAMOVIC, GISÉLE FREUND, PATRICK TOSANI, WALKER EVANS, NANCY BURSON, WILLIAM WEGMAN, ANDY WARHOL)
 

PROYECCIÓN – PORTFOLIOS
GABRIEL CUALLADÓ / PATRICIA ESCRICHE / VIVIAN MAIER / ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DE LA PHOTOGRAPHIE D’ARLES (SARA SZABO, HENG ZHENG, ROBIN PLUS)
 

CONFERENCIAS - CONVERSACIONES
NATHALIE HERSCHDORFER / ROGER SZMULEWICZ / CRISTINA ANDREU CUEVAS / TAMARA KREISLER / WILLIAM EWING / MARTA GILI / ISABEL COIXET / DAVID CAMPANY / SUSAN BARAZ

ESPACIOS
MUSEO DE PALENCIA
FUNDACIÓN DÍAZ-CANEJA. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO CULTURAL PROVINCIAL
SALA DE EXPOSICIONES NEXO990

 

 

MUSICA: BILL CALLAHAN & BONNIE PRINCE BILLY. MIRACLES.

 

CONTRAPORTADA: NACHO SOTOMAYOR. EPHEMERAL.

 

Rosa Pérez   16.abr.2021 08:07    

RENZO MARTENS. LIDO RICO, PABLO ARMESTO Y HARA ALONSO

    viernes 9.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 12.04.21

 

 

PORTADA : HARA ALONSO. 40 days of silence . SOMATIC SUSPENSION

Somatic suspension

Me recuerda Hara Alonso que nos conocidos en Madrid, en el ciclo de arte sonoro de la facultad de BBAA. Desde entonces me ha interesado seguir el trabajo de esta creadora e investigadora, por su forma tan sutíl de aplicar la electrónica al universo del piano. Acaba de sacar un nuevo album para piano y electrónica, ‘Somatic Suspension’, en el sello Eotrax,

 

‘”Somatic Suspension, surge de un proceso meditativo de introspección y escucha. En este trabajo he tratado de trasladar al plano sonoro diversas experiencias físicas, abriéndome a mi propia intimidad y vulnerabilidad para así poder acceder a una composición más sensitiva. A través de explorar la repetición gestural en un biofeedback continuo se genera un material sonoro que abarca desde lo ínfimo a lo inabarcable, desde la quietud al éxtasis. Grabado con un piano electroacústico yamaha cp-70, un instrumento excepcional con una cualidad sonora única, ha invocado en mi una atmósfera lejana, un bosque borroso cubierto de hojas doradas. La electrónica acompaña y procesa el piano, transmutandolo y disolviéndolo en sí mismo.  El álbum es una danza de melodías íntimas, electrónica minimal y procesos texturales que evoca la memoria de un futuro incierto.”

Francamente uno de los mejores discos que han pasado por este espacio en los últimos tiempos., maduro y bello. Como bien dice la propia Hara es un disco intimo que retrata una epoca extraña, materializando las emociones en forma de composiciones que sirven para borrar los fantasmas que surgen ante las incertidumbres. Enhorabuena!!

 

MUSICA: nimasoniK. BURNING IN THE SKY

Renzo martens

En Fr, queremos abrirnos al estado del arte internacional, muchas veces lo hacemos con artistas españolas en la diaspora, pero hoy nos vamos a centrar en un proyecto que realmente nos ha parecido muy interesante ya que son los protagonistas quienes se han beneficiado de un proyecto que surge del artista holandés Renzo Martens, que junto alos trabajadores de plantaciones de Palma de poblaciones como Lusanga en Congo, han construido un Museo “White cube” y de cuyo proceso Renzo Martens ha realizado un documental que se está presentando de museos e instituciones de todo el mundo, poniendo a los procesos de descolonización y descentralización del arte en el punto de mira. Una iniciativa que toca temas las diferentes morales, el sistemas de patrocinio, , los modelos del mercado del arte, etc......

Hablamos con Renzo Martens, y contamos con la colaboración de Alberto Cabello en las traducciones.

 

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DESDE EL 24 de marzo, la película se proyectará cada día en las paredes exteriores del museo White Cube -diseñado por OMA- en Lusanga, R. D. Congo. Esta proyección principal contará con el apoyo de proyecciones satélite en las demás localidades. Durante la presentación, también se anunciará la primera gran exposición individual del artista ghanés de renombre internacional Ibrahim Mahama en el White Cube de Lusanga. 

 

Renzo ha pasado los últimos diez años trabajando en el Congo, el documental cuenta la historia de su proyecto durante su estancia allí. Se trata de una historia esencialmente africana: los trabajadores de una plantación en un pequeño pueblo de Ghana se enfrentan al enorme sistema artístico occidental dirigido por el capitalismo y lo hacen funcionar en su propio beneficio para liberarse del legado colonial y ganar plena autonomía. Lo más impactante es que funciona y han cosechado un enorme éxito con ello, tanto financiero como artístico. 

Whitecube

Los habitantes de Lusanga (antes propiedad y gestión de Unilever) formaron una cooperativa en la que hacen esculturas con el barro del río. Las esculturas se escanean en Lusanga y luego se envían a Ámsterdam, donde se reproducen en chocolate. Estas esculturas se han expuesto y vendido en las principales instituciones, galerías, museos y ferias de arte del mundo. Con los ingresos obtenidos, los trabajadores no sólo han podido recomprar sus tierras a las empresas que las poseían desde la década de 1920, sino que también han tenido los medios para trabajar con el estudio de arquitectura OMA y hacer que diseñen y construyan una galería de arte en funcionamiento en su plantación. ARCH Daily (el sitio web de arquitectura más visitado del mundo, [sic.]) acaba de nominar este edificio para sus premios "Building of the Year" de 2021.

 

La idea de Renzo para este proyecto surgió tras una visita al museo Tate Modern de Londres, donde le llamaron la atención los encargos de Unilever, y tuvo que pensar en las personas que trabajan en las plantaciones (de Unilever y otras) de todo el mundo, que siguen ganando cantidades realmente mínimas mientras trabajan en condiciones terribles. Quería invertir este sistema de beneficios para las multinacionales y encontrar una nueva forma en la que las personas pudieran utilizar el arte como medio de empoderamiento, permitiéndoles recuperar sus tierras y, al mismo tiempo, acabar con el monocultivo destructivo introducido por las empresas.

 

Renzo ha ayudado con los contactos y las ideas, también tuvo a René Ngongo, fundador de Greenpeace Congo, de su lado, y la gente de Lusanga tuvo las agallas de creer en este proyecto y realmente hacer algo con él.

www.humanactivies.org

 

MUSICA: SPIN AND FLOW. UNIVERSAL RHYTHM

 

 

MUSICA: CRISTINE OTT. HORIZON FAUVES.

ENT. LIDO RICO

“TU VUELO, MIS ALAS”
LIDÓ RICO
SALA VERÓNICAS
12 de febrero – 18 de abril de 2021

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Bajo el título “Tu vuelo, mis Alas” el artista Lidó Rico inaugura en la Sala Verónicas su última producción artística. Un total de nueve instalaciones de diferentes formatos y técnicas reflexionan sobre el estatus del hombre contemporáneo en la sociedad actual. “Tu vuelo, mis Alas” supone un viaje sin límites ni concesiones al interior más enigmático, sombrío y complejo del ser humano. Bajo un mismo eje argumental, siempre referido al cuerpo humano, la exposición se convierte en una azarosa travesía que nos desborda a cada encuentro, donde de manera instantánea el hilo narrativo de la muestra conecta y sumerge al espectador en un inquietante universo plagado de referencias vinculadas al más rabioso presente. De las diferentes piezas rezuman temáticas que se articulan entre lo intrigante, la sorpresa, lo desconocido, la incomunicación, la soledad, el desconsuelo, el miedo y la creencia. La piel de Lidó Rico logra transformar las paredes de Verónicas en una conmovedora secuencia de instantes congelados que esperan la presencia del espectador para ser inoculados y activados en su propia memoria. Mientras que sobre el retablo central surgen escenas realizadas con la huella de sus propias manos, decenas de ángeles inundan otros muros a modo de insólitas y mágicas salpicaduras. A través del crucero de la Iglesia, donde se aloja un descomunal autorretrato del artista realizado en aluminio, llegaremos a la sala enrejada, allí, centenares de elementos cargados de una gran simbología conforman una perturbadora circunferencia que se expande desde el muro hacia lo más profundo de nuestro espíritu, originando en el espectador un fascinante viaje psicológico cuyo destino es un sobrecogedor universo cargado de ensoñación y misterio.

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“ Tu vuelo, mis alas” propone un acercamiento a las claves del lenguaje plástico de Lidó Rico, figura central dentro de la nómina de artistas que actualmente investigan acerca del cuerpo como lugar de conflicto. Su obra solo puede ser pensada cabalmente tomando en cuenta su preocupación por el ser humano y el estatuto ambiguo de su identidad en la sociedad contemporánea. Los temas, los medios técnicos y los recursos retóricos que han jalonado su trayectoria han perfilado una indagación sobre los regímenes ético, estético y representacional del cuerpo, si bien, su poética incorpora otras derivadas que se van desgranando a través de las obras que integran esta exposición. Su trabajo se ubica bajo unos parámetros donde la dualidad entre sujeto y objeto, entre la performance y la escultura son captados en ese instante decisivo e irrespirable de ceguera, sordera e inmovilidad que supone bucear en la escayola. Esta acción no es solo un proceso que logra una huella tangible, sino que es parte esencial de la obra y, a su vez, plantea un audaz juego entre aquello que permanece oculto y lo que se muestra al espectador.

La obra del escultor murciano se ha posicionado como una de las propuestas plásticas actuales más lúcidas a la hora de transcribir y amplificar la idea de la disolución de un concepto hegemónico acerca del ser humano contemporáneo, y todo ello elaborado, paradójicamente, desde la esfera de sus propias emociones.

MUSICA: JOEL GABRIELSSON. CITADEL

Dejamos la exposición y el universo artistico de Lido Rico y lo hacemos como de puntillas, con la pieza que da titulo al primer ep de este artista sueco llamado Joel Gabrilsson que nos ha cautivado con Citadel. Un creador de atmosferas que se le ha comparado con Thom Yorke o Sufjan Stevens, pero que tiene personalidad propia y un gran futuro.

 

 

MUSICA RONE AND FRIENDS. CLOSER (CASPER CLAUSEN)

ENT. PABLO ARMESTO

Exposición Donde el camino se hace línea. Galeria Marlborough. Madrid

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Donde el camino se hace línea es la cuarta exposición individual de Pablo Armesto. En la muestra, el artista presenta una “actitud en defensa de las matemáticas, de la geometría pura” , que conecta con la tradición iniciada por Kandinski en los textos de Punto y línea sobre el plano: contribución al análisis de los elementos pictóricos y la deriva de estos en el espacio, línea- plano, plano- volumen.

La muestra se compone de más de una veintena de obras exentas y de pared de carácter interdisciplinar en las que los elementos fundamentales, como en todo el trabajo artístico de Armesto, son la línea, el espacio y la luz.

Sólo dos de las obras destacan por su dinamismo. Ambas se iluminan y desvanecen en un patrón que nunca se repite, incluyendo el tiempo, en un eterno bucle sisífico. En el conjunto expositivo el artista habla de la posibilidad de atrapar, de captar, de evidenciar aquello que es invisible, la energía y el movimiento de aquello que no vemos en el espacio. Esa lirica que escapa del soporte y transciende en algo mágico. El trabajo de Armesto en los últimos años ha girado en torno a la Ciencia y sus posibilidades estéticas, los fractales, los procesos, reflexionando sobre lo macro y lo micro del universo, ambos fuera del alcance del ojo humano. Sus esculturas de luz nos llevan a pensar en explosiones estelares, quarks, fractales o cristales de hielo.

 

MUSICA: LINDA BLAIR. CARABANCHEL

 

CONTRAPORTADA: HARA ALONSO. The Center of the sun is empty. SOMATIC SUSPENSION.

 

Rosa Pérez    9.abr.2021 08:35    

SESIÓN DE PASIÓN, para un lunes de Pascua

    viernes 9.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 05.04.21

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Os invitamos a escuchar una sesión para una noche de pasión, en la resaca de un lunes de Pascua. Con La Selección de Rosa Pérez en cabina.

 

 

Rosa Pérez    9.abr.2021 08:05    

FEMLAB. Centro Cultural España México.

    viernes 26.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 29.03.21

FemLab_02: Microhm (Mx) & Ylia (Es)

 

Entramos en el Centro Cultural de España en México, donde se está celebrando FEMLAB. 

FemLab es un proyecto de producción cultural y académica que abordará las intersecciones entre el arte y la tecnología con una perspectiva de género.

El segundo evento de este programa incluye actividades de formación y un concierto en la Fábrica Virtual para compartir una experiencia musical a distancia con las artistas Leslie García, alias Microhm (Mx) y Susana Hernández, más conocida como Ylia (Es), dos mujeres que actualmente operan en el ámbito de la producción de música electrónica en México y Europa. A través de sus actividades, FemLab busca difundir el trabajo de artistas de distintas generaciones y estilos musicales en un ambiente libre de violencias de género u otro tipo. La idea es también generar intercambios en tiempo real con el público asistente, así como un archivo de materiales didácticos para consulta gratuita en línea que puedan seguir empoderando nuevas creadoras en México y el resto del mundo.

Microhm Ylia

Dos productoras de música electrónica y artistas multifacéticas con una pasión por la pista de baile y los sintetizadores se encontrarán en una semana de actividades que incluyen una entrevista extendida con cada una de las invitadas, un panel de discusión sobre las formas de autogestión en la música electrónica y un concierto presentado en la Fábrica Virtual de la Casa del Lago de la UNAM.

La tercera edición de FemLab, a desarrollarse entre el lunes 5 y el sábado 10 de abril, presenta el encuentro de la artista originaria de Querétaro Mara Nieto alias Ninasonik con la artista portuguesa Vanessa Sousa, mejor conocida como Valody (Pt). Ambas creadoras enfocan sus prácticas profesionales en la música electrónica bailable, ejerciendo como djs y como productoras de techno y géneros cercanos, por lo que conocen las realidades de las pistas de baile contemporáneas y las problemáticas con relación al género que se presentan en dichos ambientes y comunidades culturales, tanto en México como en Portugal.

*Podrás seguir las transmisiones a través del  Facebook CCEMx y del auditorio virtual de Casa del Lago UNAM

 

Toda la información en www.ccemex.org/evento/femlab_03

 

Rosa Pérez   26.mar.2021 13:03    

SACO, 77 Magazine, Fundación Japón en Madrid y Caro C.

    viernes 19.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 22.03.21

 



 

PORTADA: CARO C. DREAMERS FOR ELISA. ELECTRIC MOUNTAINS

Caro c

El cuarto álbum de Caro C, exxpresa a través de 12 composiciones el amor de Caro por las montañas, los elementos naturales y la tecnología.

Esta hechicera sonora, como la ha denominado max Reinhardt de la radio 3 británica ha contado con la ayuda de la Fundación que apoya a músicos diferentes que construyen propuestas sonoras complejas y en este caso costruidas con una paleta de sonidos que incluye piano, voz, un coro adaptado de Covid, sonidos encontrados, un litófono muestreado y software.

Electric Mountains, es un disco en el que volver a dejarnos sorprender por esta mujer que es capaz de generar paisajes llenos de evocación e imaginación infinita, pero tambien de cortes bailables para alegrar tanto sufrimiento en tiempo de pandemia.

Además aquellos que compren su disco a través de Bandcamp, una parte de lo recaudado irá a parar a la campñaa we make events asi como a Help usicians UK

 

 

MUSICA: JOHAN JOHANSSON. FIGHT FROM THE CITY

 

SACO. SEMANA DEL AUDIOVISUAL CONTAMPORANEO DE OVIEDO.

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ENTREVISTA PABLO DE MARIA (DIRECTOR) Y JAVIER PATO Y DADIVD MACHADO (DISEÑADORES DE SONIDO)

la Semana del Audiovisual Contemporáneo de Oviedo regresa a la cartelera cultural de la capital asturiana con una programación que continúa ahondando en el vínculo entre el audiovisual y el resto de las artes, apostando por propuestas artísticas novedosas que el público de Oviedo será el primero en disfrutar, alentando la creación artística en la ciudad con el encargo de piezas audiovisuales, sonoras y musicales. La séptima edición de SACO enfoca figuras tan trascendentales en la historia del cine como Charles Chaplin y Work Kar-Wai. Del 19 al 28 de marzo, el certamen ovetense albergará seis cine-conciertos, diez películas, una muestra interactiva, dos videoinstalaciones y un taller online para público infantil, una programación diseñada con mimo que se desarrollará bajo las normas de seguridad recomendadas por las autoridades sanitarias.

SACO 7 tendrá lugar en los teatros Campoamor y Filarmónica, el Museo de Bellas Artes de Asturias y el Museo Arqueológico de Asturias. La entrada de todas las actividades será gratuita, salvo Luces de la ciudad por Oviedo Filarmonía. Para el resto de la programación, el público deberá retirar las invitaciones en entradas.oviedo.es y en la taquilla del Campoamor a partir de las 11:00 horas del día anterior a cada sesión.

Una de las singularidades de SACO es la producción de espectáculos y nuevos enfoques artísticos. La séptima edición estrenará tres cine-conciertos con grandes clásicos del cine como son La carreta fantasma y Nosferatu, y un espectáculo basado en obras maestras de la animación estadounidense de la primera mitad del siglo XX.

SONIDO DEL ARTE

Vuelve al Museo de Bellas Artes de Asturias El sonido del arte. En esta edición, SACO ha contado con dos diseñadores españoles de gran recorrido en el cine y la televisión: David Machado, ganador del Goya al mejor sonido por El desconocido, y Javi Pato. Y frente a ellos, seis obras de mujeres artistas: Sin título, de Kely; Retrato de joven, de María Blanchard; Verano por la tarde, de Reyes Díaz; Sin título, de Maite Centol; San José con el niño, de Angelica Kauffman, y Camino del Llosón (Jove), de Carolina del Castillo.

La pinacoteca asturiana acogerá también la videoinstalación Postales Filmadas. Durante el primer estado de alarma de 2020 por la covid-19, SACO ofreció al público esta propuesta que fusionaba el día a día confinado de directores y directoras con música, diálogos o textos de sus películas favoritas en las voces de intérpretes de doblaje y locutores de radio. Casi un año después, ofrece aquellas primeras postales y seis más realizada en los últimos días del confinamiento para que el público las disfrute como un todo.

El Museo Arqueológico volverá a acoger Plano sonoro, videoinstalación con Oviedo en el foco de los cineastas asturianos Ramón Lluís Bande, Gonzalo Tapia y Celia Viada Caso, y de los diseñadores de sonido Jorge Alarcón, Óscar Nieto y Fernando Pocostales.

SACO 7 acogerá el taller Fantástico binomio audiovisual, destinado a niños y niñas entre 8 y 12 años. Aprovechando el centenario del nacimiento de un referente de la pedagogía y la literatura infantil y juvenil como Gianni Rodari, las responsables de Educa y Cine le rinden homenaje con una de sus especialidades: poner en movimiento palabras e imágenes. Los participantes en esta actividad realizarán una película de animación. Esta actividad será online y gratuita. La inscripción comenzará el próximo lunes a través de semanasaco.com.

 

MUSICA:EXPLAIN. STAIRS.

 

 

 

 

MUSICA: MAX RITCHER. ON THE NATURE

 

ENTREVISTA: 77 MAGAZINE

Interior ahlam

 

Ahlam Shibli. Survival Berlín, 2020 (work in progress) 77 Magazine núm.2



77 Magazine es un nuevo proyecto de múltiple fotográfico en Ediciones Originales. 
Cada número, dedicado a un solo autor, estará compuesto por cinco o más  fotografías plegadas (47 x 32 cm); imágenes en la frontera entre el material de estudio y la obra resuelta. 77 es el número de clasificación de los libros de fotografía en las bibliotecas. Partimos de esta referencia para acercarnos, con nuestro proyecto, a un espacio de representación propio de la fotografía. Es la idea de archivo como categoría desplazada por el discurso estético específico de la historia del arte. Los trabajos proceden de creadores de distintos campos: fotoperiodistas, fotógrafos, pintores, arquitectos, cineastas, diseñadores o escritores. 
 

77 Magazine núm.2
Comisariado por Ahlam Shibli 
(Palestina, 1970)

El trabajo fotográfico de Ahlam Shibli se centra en el reconocimiento de personas y territorios que viven sometidos a diferentes tipos de opresión. Sus fotografías, de carácter documental, se organizan en series. Las imágenes van acompañadas de datos contextualizadores y textos en los que aparecen elementos del reportaje, que penetran así el campo del arte contemporáneo.
La obra de Ahlam Shibli se ha expuesto en la Documenta de Kassel, la Bienal de Estambul, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museum of Modern Art de Warsaw, el Jeu de Paume de París, el Museu de Arte Contemporânea de Serralves, en Oporto, y la Darat al Funun de Amman.
Se han dedicado varias monografías a su obra, entre ellas 
Ahlam Shibli, editado por Youlhwadang Publishers; Dependence, editado por Ediciones Originales; Phantom Home, editado por MACBA, Jeu de Paume, Museu de Serralves y Hatje Cantz; Go there, Eat the mountain, Write the past, publicado por Darat al Funun — The Khalid Shoman Foundation; Trauma, publicado por Peuple et Culture Corrèze, y Trackers, publicado por Verlag der Buchhandlung Walther König.


Ahlam Shibli ha comisariado para 77 Magazine un conjunto de siete fotografías de distintos artistas, entre las cuales incluye, a doble página, una realizada por ella. Estas fotografías muestran aspectos de la pandemia de la COVID en la población palestina. Los artistas seleccionados por Ahlam Shibli son Aref MassalhaMohamed Harb y Monther Jawabreh, los tres participantes en el proyecto In memory of tomorrow, 2020-2021, de la A. M. Qattan Foundation's ongoing project, en Ramallah, Palestina.

En su aportación a 77 Magazine, Ahlam Shibli pone el acento en este pliegue en torno al autor como educador, coordinador y comisario de una colección que construye un modelo colectivo, que es, a la vez, obra propia, y que amplía el concepto de autoría tal como lo pensaba el mercado del arte y el discurso de la historia del arte.

www.edicionesoriginales.com

 

 

MUSICA: GLIMPSE INTO PAST.

 

 

MUSICA: PLUGIN. SAND WIND

 

 

ENTREVISTA. ALEJANDRO RODRIGUEZ.. FUNDACION JAPON EN MADRID.

 

FJM10 X MUTEK: Arte y tecnología en Japón

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Llegamos a los últimos días de la conmemoración del 10º Aniversario del centro de Fundación Japón en Madrid y MUTEK ES , festival dedicado a la creatividad digital en sonido, música y arte audiovisual, ha querido hacernos un regalo muy especial, una edición exclusivamente dedicada a la música y el arte de Japón.
 

En esta ocasión, y gracias a esta colaboración que nos ha permitido durante los últimos años disfrutar del mejor arte digital japonés, podremos ver online y de forma completamente gratuita tres espectáculos seleccionados por MUTEK ES con un especial protagonismo de la música y las artes visuales: el espectáculo 傀儡神楽 ALTER the android KAGURA, un concierto del pianista Eiichi Sawado con el acompañamiento visual de la pintora Akiko Nakayama y una actuación del artista sonoro FUJI|||||||||||TA.
 

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El programa de esta edición tan especial de MUTEK ES  se completa con una entrevista a Takashi Ikegami, profesor de Ciencias de Sistemas Generales en la Universidad de Tokio y responsable del proyecto 傀儡神楽 ALTER the android KAGURA, y una charla de Maurice Jones, director artístico de MUTEK JP, sobre la creación digital actual en Japón.

Fechas: Del jueves 18 al domingo 28 de marzo de 2021.

Acceso: Online. Los espectáculos se podrán ver en www.fundacionjapon.es y las conferencias en esta web y nuestro canal de YouTube.

 

 

MUSICA: IU TAKAHASHI. DEPTHSCAPE

 

 

CONNTRAPORTADA. CARO C. INFINITE VARIABLES OF TRANSMISION. ELECTRIC MOUNTAINS

 

Rosa Pérez   19.mar.2021 08:42    

Helga de Alvear, Alvaro P FF y David Armengol

    viernes 12.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PORTADA: MAPSTATION. NO NO STAUING. MY FREQUENCIES, WHEN WE

Mapstation es el proyecto de Stefan Schneider desde el año 2000. Ahora pone encirculación su octavo álbum My Frequencies, when we, inspirado en Africa y el folclore de américa del sur, el db y por supuessto el Krautrock.

Grabado entre la primavera y el otoño de 2020.

 

 

MUSICA:

MUSEO HELGA DE ALVEAR, CÁCERES.

Helga alvear

A finales de febrero se inauguraba el Museo Helga de Alvear en Cáceres, conviertiendo esta ciudad en el epicentro del arte contemporáneo internacional.

 

El acto de la apertura del edificio diseñado por el estudio Tuñón Arquitectos, candidato al Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe, y la inauguración de la muestra de la Colección Helga de Alvear que alberga en su interior: ppresenta una selección de obras de artistas de la talla de Olafur Eliasson, Pablo Picasso, Louise Bourgeois, Wassily Kandinsky, Helena Almeida o Ai Weiwei.

El edificio ha sido proyectado por el estudio Tuñon.

 

MUSICA: SEBASTIEN GUERIVE. OMEGA II. OMEGA POINT

 

MUSICA: MATHEW E. WHITE AND LONNIE HOLLIE. I´M NOT A TRIP

ENT. ALVARO P FF

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Isolation Days.  La Fiambrera Artgallery. Hasta el 22 de junio.

La Fiambrera Art Gallery da la bienvenida a la primavera y a sus aires de renacimiento y esperanza con Isolation Days, la cuarta exposición individual del diseñador y artista madrileño Álvaro P-FF. (Alvaro Pérez Fajardo)

Isolation Days (días de aislamiento) recopila una veintena de obras que el artista madrileño realizó durante los meses de confinamiento de la primavera de 2020, por entonces sin intención de exponerlas o comercializarlas. El arte surgió de la necesidad del artista para canalizar sus emociones y sus reflexiones sobre los dramáticos acontecimientos, y comunicarlas con sus seguidores y amigos a través de sus redes sociales. Pérdida, tristeza, angustia, incertidumbre, esperanza… sin duda sentimientos que casi todos nosotros sentimos entonces, y hasta seguimos sintiendo.

Las ilustraciones son una mezcla de instantáneas del día a día (fumar en el balcón mirando a los vecinos, escuchar música, jugar a la consola..) y sensaciones interiores (aburrimiento, angustia, soledad,…). Los primeros días de encierro fueron muy hardcore, con cientos de mensajes, la televisión vomitando miedos y con la intranquilidad de sentirse en un barco a merced de los vientos. Nadie sabía hacia dónde íbamos y tampoco se veía a los expertos saber dirigir el barco, así que decidí arrancar el cable de la televisión, abandonar Facebook, y aislarme con mi familia y mi música y dedicarme a dibujar para mí y mis amigos.”



 

SOBRE EL ARTISTA: Álvaro Pérez Fajardo (Madrid, 1973) es uno de los diseñadores más respetados dentro de la industria musical española. Desde que comenzó a dibujar para la escena underground de Madrid a mediados de los años noventa sus portadas y carteles han puesto imagen a la música que nos ha acompañado durante dos décadas. Con su peculiar estilo mezcla la cartelería del rock con la imaginería mejicana, el humor negro, el cine gore, la crítica social, el cartel político-propagandístico de los regímenes totalitarios, o el art-decó, utilizando un sinfín de iconos de la cultura pop puestos del revés. Desarrolla su labor profesional en su estudio The Fly Factory, junto a su hermano el fotógrafo Juan Pérez Fajardo. Desde 2014 desarrolla su producción artística personal para La Fiambrera, poniendo en práctica sus técnicas e influencias de siempre pero con la libertad de hacer algo propio que no está más que su servicio y el de su arte.

 

MUSICA: IURY LEGH. CARPATIANA. ONTONANOLOGY

 

MUSICA: RICHARD VON DER SCHLENBURG. DANCE THE SPACE

ENT. DAVID ARMENGOL, COMISARIO

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La exposición "Our garden needs its flowers. Flujos y narrativas artísticas en el Distrito Cultural de Hospitalet" propone una lectura del actual contexto artístico del Distrito Cultural a través de las artes visuales, la música y el diseño. 

El proyecto, comisariado por David Armengol y Albert Mercadé, se acompaña de un programa de actividades, conciertos y exposiciones temporales con el objetivo de poner de manifiesto la diversidad creativa de la ciudad. 

La muestra se podrá ver desde mañana sábado 27 de febrero hasta el 18 de julio en el Centro de Arte Tecla Sala en L'Hospitalet.

MUSICA: PEPO GALAN. DAWN. CLOSE/STARE COMPILATION

 

 

MUSICA: CARO C. DREAMERS FOR ELSA. ELECTRIC MOUNTAIN

 

CONTRAPORTADA: MAPSTATION

 

Rosa Pérez   12.mar.2021 15:56    

CANAL CONECT, ARTE Y TECNOLOGÍA

    viernes 5.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 08.03.21

 

 

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Los Teatros del Canal de Madrid, están celebrando Canal Conect, Entre el 5 y el 14 de marzo de 2021. Arte, ciencia, tecnología ..Propuestas artísticas innovadoras |, mostradas en Instalaciones interactivas y performativas | Mesas redondas | Talleres.

 

Espectáculos, instalaciones interactivas, encuentros, conferencias y talleres. Canal Connect celebra la confluencia del arte, de la ciencia y la multiplicidad de nuevas tecnologías en la era digital.

Estas nuevas tecnologías están transformando la sociedad del siglo XXI e influyendo a su vez en los procesos creativos, dando como resultado nuevas formas de crear y propuestas artísticas innovadoras. El arte, la ciencia y la tecnología discurren por caminos paralelos, la creatividad encuentra en la tecnología digital y en la ciencia un aliado extraordinario.

Durante Canal Connect presentaremos en todos los espacios del teatro espectáculos, una exposición de instalaciones interactivas, workshops, mesas redondas, conferencias y talleres para todos los públicos

Para Máquina Loca, exposición que se podrá disfrutar en varios espacios del teatro, hemos contado con la curaduría de Charles Carcopino. 

PORTADA: Laurie Anderson. FROM THE AIR. BIG SCIENE. 

Blanca li

ENTREVISTA. BLANCA LI, directora de los Teatros del Canal.

Blanca Li es coreógrafa, bailarina, directora de escena para ballets, musicales o operas, realizadora de cine y audiovisual, actriz, artista multimedia, y en abril del 2019, ha sido nombrada primera mujer coreógrafa a la Academia de Bellas Artes francesa, en reconocimiento a su contribución a la danza.

Ha dirigido 5 largometrajes, incluyendo la comedia musical “Le Défi”, con 150 bailarines de hip hop, en 2001, “Pas à Pas”, un documental sobre una de sus creaciones, o “Elektro Mathematrix”, un musical con bailarines de Electrodance. Ha dirigido el primer cortometraje de danza en realidad virtual en Francia en 2013. También ha creado múltiples instalaciones y eventos como para el MUSAC en Léon, el Museo Guggenheim de Bilbao, la Noche Blanca en Madrid, o el Grand Palais en Paris entre otros.



Ha trabajado con incontables artistas en la música como Coldplay, Beyoncé, Blur, Daft Punk, Paul McCartney, Kylie Minogue…, directores de cine como Pedro Almodovar, Jean-Jacques Annaud, Michel Gondry, Andrei Konchalovski, Jonas Åkerlund… y creadores de moda como Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa, Stella McCartney, Iris Van Herpen, Cartier, Hermès, Valentino…


Entre sus premios y condecoraciones, se pueden destacar la bandera de Andalucia, el premio Ideal, el premio Manuel de Falla, la medalla de la fundación Rodriguez Acosta, y la medalla de Bellas Artes de Granada. También ha recibido las insignias de “Chevalier de l'Ordre National du Mérite” en 2004, las de “Officier des Arts et des Lettres” del ministro de Cultura en Francia en 2007, las de “Chevalier de la Légion d'Honneur” del presidente de la república francesa François Hollande en 2014, y la “Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes” por el Rey Juan Carlos de España en 2009.

MUSICA: HOLLY HERNDON. FRONTIER.

Segunda

Ent. ANAISA FRANCO.

Anaisa Franco y Lot Amorós. Love Synthesizer

Proyecto: Anaisa Franco y Lot Amorós

Love Synthesizer , es una instalación artística que genera una orquesta de luz y de sonido cuando las personas se tocan en el interior de una semicúpula sensible. La obra trata de buscar una conexión mágica entre personas, en las que sientan la conexión de su cuerpo con el de otro en el interior de un instrumento musical gigante que se encargará de sintetizar los sonidos y las luces.

Anaisa Franco. Brasil, 1981

Anaisa Franco crea interfaces que elaboran artísticamente una situación “afectiva” donde las personas expanden sus sentidos a través de la interacción con las esculturas, creando nuevas formas, relaciones y experiencias entre las personas, los sujetos elegidos y el material tecnológico disponible en el mercado..

Posee un Master de Arquitectura Avanzada en el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya (IAAC) en Barcelona. Un año de M-Arch 1 en SCI-Arc en Los Angeles, un master en Arte y Tecnología Digital de la Universidad de Plymouth en Inglaterra y una licenciatura en Artes Visuales de la FAAP en São Paulo.

En los últimos años ha desarrollado instalaciones de arte público receptivo y obras de arte de nuevos medios para museos, espacios públicos, galerías, medialabs, residencias y comisionados como Shanghai City Life Festival, Annecy Paysages, Medialab Prado, Mecad, MIS, Hangar, Taipei Artist Village, China Academy of Public Art Research Center, Mediaestruch, Cite des Arts, ZKU, SP_Urban, MAC Fenosa, VIVID Sydney, EXPERIMENTA Biennale Melbourne, RUMOS Itaú Cultural, URBE, y muchos otros.

MUSICA: HOT SINCE 82. NABOO FEAT MISS KITTIN

J crowe

ENT. J. CROWE

j.crowe (Jorge Luis Crowe) es artista audiovisual, docente y desarrollador electrónico con base en Buenos Aires. Licenciado en Artes Visuales (UNCuyo).  Desde el 2008 dirige el Laboratorio de Juguete, espacio de divulgación especializado en la electrónica y sus aplicaciones creativas, educativas y artísticas. Es integrante del proyecto FLEXIBLE (arte, ciencia & tecnología para la infancia), profesor en la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF), la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF) y en la Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios (UNA).  De 2011 a 2014 trabajó para el canal PAKAPAKA (TV infantil pública) en la realización de dos programas de divulgación tecnológica/científica : Los Hacecosas (idea original y contenidos) y Desafiólogos (contenidos).

Ha realizado presentaciones musicales, muestras y talleres en más de 40 ciudades de Latinoamérica, Europa y Reino unido Unido.



Ludotecnia. j. crowe. Género: propuesta audiovisual, electrónica, juguetes.

5, 6 y 7 de  marzo. Sala Negra. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 45 minutos. País: España

Ludotecnia es una presentación audiovisual en vivo basada, fundamentalmente, en el uso de juguetes modificados. Elementos electromecánicos, lámparas y otros dispositivos son secuenciados y controlados, siendo a la vez parte de la construcción musical y la puesta visual. Pequeñas cámaras capturan las acciones sobre la mesa, lo que permite al público participar de lo que está sucediendo en el “escenario”. Con los juguetes como puente, Ludotecnia se presenta ante públicos de todas las edades, sin comprometer ni suavizar su propuesta audiovisual. Ludotecnia es un humilde homenaje a la generación VHS y las películas de televisión de sábado por la tarde, llenas de criaturas stop-motion, científicos locos, superpoderes e invasiones alienígenas.

 

TAMBIEN EN TALLERES

Imparte los talleres Jorge Crowe (Jorge Luis Crowe), un artista audiovisual, docente y desarrollador electrónico con base en Buenos Aires. Licenciado en Artes Visuales (UNCuyo), desde 2008 dirige el Laboratorio de Juguete, espacio de divulgación especializado en la electrónica y sus aplicaciones creativas, educativas y artísticas. Es integrante del proyecto FLEXIBLE (arte, ciencia & tecnología para la infancia), profesor en la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF), la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF) y en la Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios (UNA). 

 

MUSICA: CARO C. DREAMERS FOR ELISA. ELECTRIC MOUNTAIN.

Tercera

ENT. ROCIO BERENGUER.

G5 INTER_ESPÈCES. Rocio Berenguer. Género: teatro / danza 

13 y 14 de marzo. Edad recomendada: a partir de 8 años. Duración: 1 hora. Sala Verde. Países: España / Francia

G5 es un doble proyecto compuesto por un espectáculo, G5, y una instalación, LITHOSYS.

¿Qué futuro le espera a la especie humana? Lejos de los escenarios catastrofistas preconizados por los medios de comunicación, Rocío Berenguer imagina una utopía, una asamblea interespecies en la que se invita a las distintas categorías de seres -humano, animal, vegetal, mineral, máquina- a negociar conjuntamente las posibilidades de su existencia en común.

G5 (2020)

El título G5 es una referencia humorística a las cumbres del tipo G8 o G20. Sin embargo, en esta cumbre no hay gobiernos de humanos: los que se reúnen son las distintas especies para debatir el futuro del planeta. Espectáculo de teatro y de arte digital.

 

LITHOSYS. INSTALACIÓN INTERACTIVA / 2020

Lithosys es una propuesta para un posible sistema de comunicación interespecies e intravida basado en el campo magnético terrestre. Se invita a todos los participantes a codificar un mensaje en la piedra y que su voz perturbe su levitación.

Autora, directora e intérprete: Rocío Berenguer

Musica: SUSAN DRONE. MUJERES DESAPARECIDAS. HAB.BLA

Sabrina

Ent. Sabrina AMRANI. Representa MENTAL KLINIK.

PUFF OUT M_2101, 2021, de :mentalKLINIK. País: Turquía / Bélgica.  Esta pieza atraviesa con indisimulada destreza las estrategias políticas invisibles y las dinámicas sociales mediante dispositivos ultracontemporáneos, con una levedad solo aparente. Como la bola de luces de una discoteca, estas proyecciones son una selección de su perspectiva multiforme del universo. Su mundo, que se resiste a los límites impuestos por un único léxico o estilo, es un universo lúdico lleno de atracción hedonista que puede vivirse como festivo y glamourosos, pero también sorprendente a medida que nos acercamos y descubrimos una violencia subyacente que sugiere un mal presentimiento tras la fiesta o el terrible principio del fin. Sus obras oscilan entre la actitudes emocionales y robóticas. Apela a todos los espectadores a la tarea de descifrar lo verdadero y lo falso, lo artificial y lo superficial, como si todo se tratara de un caso de falsificación.

 

MUSICA: ELLEN ALLIEN. I CAN´T SEE YOU. EDITADO SEPT 2020 BPITCH

Voluntario

ENTREVISTA: NICOLAS HUERTAS.Sobre la instalación THE NEMESIS MACHINE. STANZA.

 

 

Talleres

ENT. SARA ANTEQUERA + PABLO PALACIOS (SOBRE MESAS REDONDAS)Pablo Palacio, compositor y fundador del Instituto STOCOS, proyecto centrado en la transferencia de conceptos entre Arte y Ciencia.

 

 

MESAS REDONDAS.

 

No es ninguna novedad que el arte convive y se nutre de la tecnología como medio, como lenguaje y/o como compañero de viaje. Sin embargo, los avances en el sector de la innovación, así como la creatividad de los artistas y creadores, forman un tándem con infinitas posibilidades de generación de nuevas formas artísticas y nuevas formas de comunicación entre la pieza, los artistas y los usuarios que se acercan -o forman parte de ella-. Por lo tanto, la tecnología no solo funciona como medio para mostrarla, sino que puede proporcionar el propio lenguaje de la pieza, así como puede moldearla o definirla.

En el caso de la ciencia y su relación con el arte, nos encontramos con dos realidades totalmente conectadas y permeables. Al final, bajo cualquier herramienta tecnológica, está la base científica, y detrás de las técnicas que se aplican, por ejemplo, a una pieza plástica, también encontramos técnicas y conocimientos con base científica.

La relación, por tanto, del arte, la tecnología y la ciencia es, y está prácticamente en todas las piezas que vemos pero, ¿somos conscientes de ello? ¿Cómo está evolucionando esta relación? ¿Qué supone para los creadores y artistas las nuevas herramientas, lenguajes y dispositivos tecnológicos? ¿Qué aportan estos recursos a la pieza de arte? ¿Cómo varía el papel del usuario que se acerca a estas piezas?

Éstas y otras muchas preguntas serán abordadas a lo largo de las 4 mesas redondas que hemos preparado, con profesionales y expertos reconocidos nacional e internacionalmente, que aúnan arte, tecnología y ciencia en su trabajo diario. Desde instituciones, exhibidores y programadores, a creadores y artistas que ven la innovación como parte de su trabajo cultural y artístico, ofreciendo experiencias que sitúan al usuario más como protagonista de la misma, que como mero espectador. 

 

Mesa redonda Nos adentramos en la obra de los artistas de ‘Máquina Loca’. Participantes: Boris Petrovsky, Gregory Chatonsky, Dr. Stanza, Rocio Berenguer y Justine Emard.

7 de marzo de 2021, a las 16.00 h. Sala Negra. Duración: 1,20 horas.

¿Qué hay detrás de una pieza de la pieza de arte y tecnología? ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentan los creadores que aúnan ambas disciplinas? ¿Y cuáles son los procesos de creación de las piezas? Estas son solo algunas de las preguntas que se responderán en esta mesa redonda, donde conoceremos más en detalle las producciones de parte de los artistas y creadores de Máquina Loca.

Los artistas que participarán en la mesa redonda son:

Boris Petrovsky, artista alemán que ha expuesto en numerosas galerías y festivales por todo el mundo, entre otros en el Ars Electronica de Linz. Ahondará en los dos estrenos absolutos que trae a #CanalConnect: la instalación Reflex/Trigger y su pieza performativa, TRUE FALSE.

Gregory Chatonsky, artista francés, director artístico de ARTEC y del centro de investigación Imago. Presentará El sueño de las máquinas y profundizará en su proceso y la importancia de los datos y de su uso.

Dr. Stanza, artista independiente con base en Londres, presentará su instalación polisémica en constante evolución, The Nemesis Machine – From Metropolis to Megalopolis to Ecumenopolis.

Rocio Berenguer, artista española interesada en temas como la evolución de la libertad individual en nuestra sociedad, hablará del proceso de creación de su pieza interactiva, LITHOSYS, dentro del proyecto G5 INTER_ESPÈCES.

Justine Emard, artista visual cuyo trabajo se ha exhibido, entre otros, en la Bienal de Moscú, reflexionará sobre su instalación reactiva, Supraorganism, compuesta con esculturas de vidrio robotizadas.

El moderador de esta charla, Charles Carcopino, es el comisario de Máquina Loca y de  Canal Connect. Compagina su labor como creador con la de curador de exposiciones internacionales, integrando arte y tecnología.

 

 

Mesa redonda La innovación en el arte: nuevos retos y oportunidades. Participantes: Óscar Hormigos, Pablo Gervás, Javier Arrés, Covadonga Fernández, Mónica Bello y Jon Astorquiza (moderador).

9 de marzo de 2021, a las 18.00 h. Sala Negra. Duración: 1,30  horas.                                                                        

La irrupción de las tecnologías inmersivas, la Inteligencia Artificial y el blockchain en el sector del arte abre un mundo de posibilidades para los agentes culturales, artistas, creadores, instituciones y ‘espectadores’ o ‘prosumidores’ del arte. En esta mesa redonda se generará un diálogo que buscará entender en qué punto histórico-artístico y tecnológico estamos.

Óscar Hormigos, director general de ONKAOS, un proyecto de Colección Solo, que impulsa la creación artística a través de las nuevas tecnologías.

Pablo Gervás, Doctor en Informática y experto en Inteligencia Artificial, ha generado programas como PropperWryter para construir el argumento del musical Beyond the fence (primero en ser generado por ordenador y presentado en el West End de Londres) y WASP, para generar poemas.

 Mónica Bello, comisaria e historiadora del arte, desde 2015 es la directora de Arte del CERN, la Organización Europea para la Investigación Nuclear, en Ginebra.

 Javier Arrés, artista granadino reconocido como uno de los referentes del criptoarte (entre los top 20 del mundo), y ganador de la Bienal de Arte de Londres 2019 en la categoría ‘work on paper’. Covadonga Fernández, periodista, directora del Observatorio Blockchain y de Blockchain Media, entre otros.

Modera la mesa Jon Astorquiza, artista multidisciplinar y agitador cultural. Fundador de ElecktART, durante más de 10 años dirigió Technarte, las Conferencias Internacionales de Arte y Tecnología en Bilbao, y cuyo modelo exportó a Los Ángeles.


 

Mesa redonda La innovación en la base de las nuevas formas de relación con la pieza artística. Participantes: Sandra Gutiérrez, Irma Vilà, Lucía García, Cristina de Silva, Rosa Ferré y Marcos García (moderador)

 

 

 10 de marzo de 2021, a las 17.30 h. Sala Negra. Duración: 1,30  horas. 

La tecnología varía la forma en la que accedemos a las piezas artísticas, y no solo eso, también aporta un nuevo lenguaje, un nuevo entorno de representación y un nuevo medio para transmitir y contar historias. Y aquí, las instituciones y exhibidores de piezas que conjugan el arte y la tecnología, tienen mucho que decir. ¿A qué retos se enfrentan? ¿Cuál es el papel del espacio en estas nuevas instalaciones? ¿Cómo se mueven las obras de arte en estos entornos y contextos? ¿Cuál es el papel del usuario que asiste a un museo, un teatro u otros encuentros culturales? ¿Cuál es su experiencia con este tipo de eventos, instalaciones y espectáculos?

Estas y otras muchas preguntas se abordarán en esta mesa redonda, donde expertos del tejido cultural, entre los que habrá representantes de espacios, festivales y proyectos multidisciplinares cuya guía principal es la innovación en el sector artístico, compartirán con el público sus impresiones y reflexiones.

Lucía García, directora gerente de Fundación LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial.

Cristina de Silva creadora multimedia, comisaria y codirectora de L.E.V Festival, también dirige el proyecto de intervenciones artísticas, Arenas Movedizas.

Rosa Ferré, directora artística de Matadero Madrid, Centro de Creación Contemporánea. Entre el 2012 y el 2018 fue jefa de Exposiciones y Actividades Culturales del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCC).

Sandra Gutiérrez, coordinadora de exposiciones en Fundación Telefónica y una de las responsables del proyecto INTANGIBLES, una exposición digital con obra de la Colección Telefónica.

Irma Vilà, comisaria e investigadora de Arte, Ciencia y Tecnología; ha organizado el Ars Electronica Garden Barcelona, y es miembro del grupo de investigación DARTS (UOC), entre otros.

Modera la mesa Marcos García, que trabaja en el ámbito de los laboratorios ciudadanos y que desde 2014 y hasta 2021 ha sido director de Medialab Prado, y uno de los responsables del programa cultural de esta institución (2004-2014).



Mesa redonda La ciencia y la tecnología como mediadores de la creación artísticaParticipantes: Daniel Canogar, Pilar Almansa, Pablo Palacio, Paz Tornero, Alfredo Miralles. 14 de marzo de 2021, a las 16.00 h. Sala Roja. Duración: 1,30 horas.

 

¿Cómo es para un artista y/o creador/a, el proceso de creación de una pieza artística en entornos inmersivos, usando Inteligencia Artificial o publicando las piezas en blokchain? ¿Cómo afectan estas nuevas tecnologías a las diferentes formas de arte y en la forma de valorarlas? ¿Qué valor diferencial aportan estas piezas en las diferentes disciplinas artísticas, respecto a los soportes, medios y lenguajes que teníamos hasta ahora?

Estas son solo algunas de las preguntas que abordarán los profesionales invitados en esta mesa redonda, artistas y creadores de renombre internacional, con una extensa y reconocida trayectoria en la generación de piezas artísticas a través del uso de diferentes herramientas tecnológicas, así como expertos en materia de creatividad, arte y tecnología.

Daniel Canogar, artista visual de renombre internacional que, actualmente, colabora con el CNIO y el Human Cell Atlas en una pieza artística comisionada por Amparo Garrido.

Pablo Valbuena, artista visual interesado, principalmente, en aspectos como el tiempo, el espacio y la percepción, que trabaja en la interrelación del mundo digital y el mundo real. Sus propuestas artísticas se han podido ver en espacios públicos o instituciones culturales, entre otros.

Pablo Palacio, compositor y fundador del Instituto STOCOS, proyecto centrado en la transferencia de conceptos entre Arte y Ciencia.

Pilar G. Almansa, directora de escena, dramaturga y guionista, investigadora en el campo del teatro inmersivo.

Paz Tornero, doctora en Tecnologías de la Creatividad, es docente investigadora y tiene estudios de Danza y Bellas Artes; actualmente forma parte de OpenBioLab GRX.

Alfredo Miralles (moderador). Gestor cultural, docente y artista, coordina proyectos de arte y tecnología en el Aula de las Artes de la UC3M, además de su proyecto Plataforma de Arte y Ciencia.

MUSICA: LUCRECIA DALT. DISUELTA.

 

BROMO. NO SIGNAL. 

Rosa Pérez    5.mar.2021 15:14    

POST COLONIALISMO Y PROYECTOS ARTE SONORO

    viernes 26.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 01.03.21

 

 

PORTADA: SEBASTIEN GUÉRIVE. OMEGA II

Front Cover Album-Omega Point

Sébastien Guérive es un compositor e ingeniero con base en Nantes. Tras concluir sus estudios de violoncelle  su carrera se ha orientado a la creación musical electrónica, tanto en trabajos propios comoen proyectos para el teatro o la danza.

Omega Point es un álbum instrumental inspirado en las Bandas sonoras de las películas de ciencia ficción. Un disco compuesto en gran parte con sintetizadoras analógicos  para obtener un color sonoro rico en harmonies y texturas. La tímbrica obtenida es el resultado de la combinación de los tratamientos analógicos y numéricos.

Con Omega Point, Sébastien Guérive continúa explorando nuevos espacios sonoros para ofrecer a sus seguidores experiencias musicales inéditas.

 

MUSICA: LAGOON. DUBZERO.

 

Entrevista Sofia Hernandez Chong, directora del Kunstinstituut Melly de Rotterdam.

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El principal centro de arte contemporáneo de Rotterdam, conocido como Centro de Arte Contemporáneo Witte de With (FKAWDW), cambiará su nombre por "Kunstinstituut Melly” este 27 de enero. Es el resultado de una iniciativa multifacética de tres años de duración destinada a lograr una transformación institucional significativa y duradera, todo esto sucede bajo la dirección de la curadora mexicana Sofía Hernández Chong Cuy (directora del centro desde 2018), que ha planteado el proceso como práctica de aprendizaje colectivo a la intersección del arte y la educación. 
FKAWDW es una de las pocas instituciones culturales del mundo que ha puesto en marcha una iniciativa de cambio de nombre que toma la necesidad de dejar atrás las referencias coloniales como punto de partida para una profunda transformación institucional. En el ámbito del arte es el proyecto sin duda más destacado hasta el momento y pionero en cuanto a planteamiento y alcance de lineas de actuación, un proceso que cambia las reglas del juego y que podría llegar a ser un referencial importante para otras instituciones artísticas. Prácticas similares de cambio de nombre y transformación institucional que han inspirado a FKAWDW son la institución musical Bristol Beacon y la educativa Hopper College de la Universidad de Yale. El resultado de este proceso ha repercutido en la cultura de trabajo de la institución y en su visión artística a través de diversos cambios internos y externos. Además, se ha establecido una nueva serie de actividades, exposiciones y programas, incluido un cambio de nombre y de uso de varios espacios del edificio. Todo esto tiene ya una programación entre 2021-2024. 
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FKAWDW tomó su nombre de una calle de Rotterdam dedicada en 1871 a Witte Corneliszoon de With, un oficial naval holandés que participó en la expansión colonial y económica del siglo XVII Y SE INAUGURÓ EN 1990. El nuevo nombre "Melly" tiene que ver con la línea de trabajo de la institución, y se refiere a la obra de arte “Melly Shum Hates Her Job” (1990) del artista canadiense Ken Lum, instalada permanentemente en la fachada del edificio desde 1990 y que ha generado un verdadero culto urbano en los Países Bajos y más allá. "Melly" ha llegado a significar no sólo la imagen de una "antihéroe" femenina de clase trabajadora, sino también una nueva relación entre la institución, la calle, la ciudad y las comunidades de las que forma parte. El nuevo nombre mantiene la memoria del centro de arte a la vez que simboliza la transformación liderada por la colectividad.
www.fkawdw.nl

MUSICA: EXPLAIN. STAIRS. PIGEON EP.

 

MUSICA: REMEZCLANDOTUCIUDAD. ALE LEJU. JORORAÍ

ENT. Miguel Buendía  y Mingus

El Centro cultural de España Juan de Salazar en coproducción con artistas españoles y sudamericanos presenta el álbum Remezcla Tu Ciudad vol. 1: Asunción, una colección de temas creados por diez artistas asuncenos y dos internacionales invitados como resultante de una residencia sonora que se celebra por primera vez en nuestro país.

 




Estos diez creadores compusieron música utilizando como materia prima los sonidos de Asunción, plasmando en una serie de composiciones heterogénea, con temas que van desde el folklore a la electrónica, el hip-hop al ambient y el lounge.



Los artistas nacionales que forman parte de esta obra vanguardista son la bajista Paula Rodríguez y el percusionista Javier Palma (Trioité, Evas), Aharon Emery (Eeeks), la trompetista Mar Pérez (Darlings, Trio Blue), el reconocido arpista Juanjo Corbalán, la saxofonista Lara Barreto (Bandelaschica), el violinista Ale Leju, el productor Martín Mosqueira, el guitarrista de rock y cumbia Jorge Pflugfelder, el compositor y sonidista Daniel Huhaipeté y el rapero Eneveku (reconocido por uno de los mejores álbumes del 2020). A ellos se les suman dos tracks de dos artistas de renombre internacional: Le Parody y Villa Diamante como curadores e invitados.



El resultado son doce temas entre la electrónica, el folklore, el arte sonoro, el hip-hop y el ambient, donde cada artista muestra una cara sonora distinta de Asunción.



Este es el final de un proceso que comenzó en octubre, donde se seleccionó a estos diez  artistas entre casi cuarenta postulantes entre músicos, DJs, artistas sonoros y productores. Este proceso creativo tan singular ha creado un banco de sonidos libre de Asunción. Este proyecto fue creado y coordinado por los creadores sonoros Ion Din Anina (Sevilla), Mingus (Buenos Aires) y Miguel Buendía (residente en el Centro cultural Juan de Salazar).



En esta colección se encuentra la esencia de la ciudad vista a través de distintos ojos, y que se pone a disposición libre de creadores musicales de todo el planeta a través de la web remezclatuciudad.com 


MUSICA: LE PARODY, LAS GALLINAS

 

MUSICA: RAFAEL MARTINEZ MERCADOS. PISADAS

ENT. ISIDRO LOPEZ APARICIO.

MUESTRA SONORA DESAPARECIDA.

Libro sobre el “arte sonoro” en el que se recogen los detalles de una muestra en cinco sedes: los Campos de refugiados de Tindouf (Sahara Occidental), la ciudad de Mexico (Republica Federal de Mexico), Argel (Argelia), Maputo (Mozambique) y Sevilla (España). En cada una de las sedes se reproducen las piezas sonoras en espacios públicos con la finalidad de hacer presente el apoyo al pueblo saharaui en los contextos de cada ciudad. La muestra es una acción social donde cada una de las reproducciones en la calle es documentada y editadas las cinco en un video conjunto:

 

 

MUESTRA SONORA DESAPARECIDA (Sahara Occidental, Argelia, Mozambique y España) 5 Sedes y 20 artista . from Isidro López-Aparicio on Vimeo.



 

En el libro también aparecen descripciones de personas desaparecidas a partir de las cuales se han elaborado retratos sonoros. En el libro aparecen también las declaraciones de Noam Chomsky en apoyo al Sahara Occidental y a Palestina. El mundo del arte contemporáneo se ha convertido en un espacio de encuentro en el que muchas manifestaciones del arte tienen cabida, su liberación ha enriquecido su entendimiento y sus manifestaciones recogen recursos infinitos, y lo sonoro encontró en él una espacio natural en el que liberarse de los principios competitivos más significativos de la tradición musical para construir formas, espacios, colores, olores, acciones, gestos, … para reivindicar su lugar dentro del las artes visuales como “arte sonoro”.

Muestra Sonora Desaparecida 

 

Además entre los artistas se encuentran grandes artistas como Isidoro Varcárcel, Llorenç Barber, Bartolomé.Ferrando .. y jóvenes creadoras como Susan Drone que han hecho retratos sonoros de personas desaparecidas.

MUSICA: SUSAN DRONE. MUJERES DESAPARECIDAS. HAB-BLA

 

 

MUSICA: MATTHEW E. WHITE AND LONNIE HOLLEY. I´M NOT TIPPING

 

 

CONTRAPORTADA: SEBASTIEN GUÉRIVE. MINCHIR

 

 

Rosa Pérez   26.feb.2021 08:00    

MADRID DESIGN 2021

    viernes 19.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA. 22.02.21 ESPECIAL MADRID DESIGN

Os invitamos a escuchar un programa realizado en directo desde el Centro Cultural Fernán Gómez de Madrid, con motivo de la edición 2021 del Madrid Design

 

PORTADA: RATS ON RAT. TOKYO MUSIC EXPERIENCE.

Logo madrid design

 

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ENT. ALVARO MATIAS. director de Madrid Design

Madrid Design Festival es un festival internacional que tiene como objetivo convertir a Madrid en la capital del diseño y situarla en un lugar privilegiado en el contexto internacional. La cita anual se celebra durante el mes de febrero y abarca todas las disciplinas de diseño, desde la arquitectura al diseño gráfico pasando por la comunicación o el interiorismo, hibridando todas ellas en un  formato contemporáneo e innovador. Exposiciones, encuentros, talleres y conferencias, entre otros, dan forma un programa de 183 actividades protagonizadas por 512 diseñadores, especialistas y profesionales del sector. Producto, gráfico, moda, arquitectura, interiorismo, gastronomía… El festival invita a descubrir el diseño y sus procesos desde múltiples perspectivas: Javier Mariscal, Paula Scher, Moritz Valdemeyer, Patricia Urquiola, Carme Pinós, Joanie Lemercier, Cruz Novillo, Lucas Muñoz, Ana Locking, Álvaro Catalán de Ocón, Manuel Fernández o Diego Guerrero. MDF21 cuenta con el apoyo y la participación de 72 instituciones, marcas, empresas, museos y espacios de la ciudad, que mostrarán durante dos meses una panorámica del mejor diseño madrileño y nacional así como su capacidad para resolver los desafíos más complejos.

Música:NEUTZEITLCHE BODERBELAGE. SAM IRL.

 

ENT. Carmen Pinós 

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Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

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La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad:  no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Artes y Diseño (2017).

www.fundacionico.es

Esta exposición forma parte del programa de Madrid Design Festival 2021 hasta el 9 de mayo

www.cpinos.com

 

Musica:RICHARD VON DER SCHULENBURG. CARAVAN OF THE PENTAMATICS.

ENT.Patricia Esquivias

PATRICIA ESQUIVIAS TRES FRANJAS

Patricia Esquivias es una artista reconocida a nivel internacional y también en nuestro país has desarrollado una importante trayectoria con exposiciones en el Tea de Tenerife, el Artium de Vitoria, también en el CAC de Sevilla y en Madrid, en el C2m, en el reina sofía, centro centro y ahora el Circulo de Bellas artes, todos ellos hitos de la cultura contemporánea..... 

 

Tres franjas de bosque. Intervención. Circulo de Bellas Artes. Madrid
15.02.21 > 21.02.21

Enmarcada en #Surrealistos y #MadridDesignFestival
[el M 16FEB a las 18:00h la artista Patricia Esquivias presentará su instalación en la 4ª planta]
Uno de los elementos arquitectónicos y de diseño más sorprendentes que existen en el edificio del Círculo de Bellas Artes, de 1926, es La Fuentecilla. Situada en el vestíbulo de la cuarta planta, es en realidad el remate exterior, en forma de fuente, del pináculo de la cúpula del Salón de Baile, ubicado en la segunda planta. El proyecto de esta escultura decorativa en forma de fuente se atribuye al propio Antonio Palacios y a los hermanos Zuloaga (Teodora, Esperanza y Juan), quienes lo realizaron en cerámica en su taller de la antigua iglesia románica de San Juan de los Caballeros.

 

Patricia Esquivias construye sus narraciones a partir de memorias, anécdotas e información, conformando unas narraciones en las que la autora presenta documentos a una cámara fija sin ningún corte y evitando cualquier tipo de montaje posterior.

 

En sus creaciones las microhistorias se entremezclan con la gran Historia de forma aparentemente dispersa, en un intento de revelar la imposibilidad de narrar la historia de manera lineal, simple y objetiva.

 

Música: the revolution of super visions.

 

ANA DOMINGUEZ SIEMENS. COMISARIA DE MATERIA GIS.

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Con los recursos naturales del planeta al límite del agotamiento y en una  sociedad de consumo que produce desperdicios en enormes cantidades,  muchos diseñadores están jugando un importante papel en la investigación  y desarrollo de nuevos materiales acorde con las necesidades y retos del  siglo XXI.  

Materia gris” es un recopilatorio de nuevos materiales que van  apareciendo en el campo del diseño. Ingenieros, arquitectos, biólogos,  botanistas… son muchas las profesiones implicadas en el desarrollo  de este campo. La exposición presenta cerca de cuarenta proyectos  de “biomateriales” particularmente interesantes por su naturaleza  biodegradable y en los que se centra el reto del futuro de una producción  industrial en la que se eliminen los plásticos de un sólo uso y se sustituyan  otros por una versión más sostenible. Cueros elaborados con algas o  con residuos de manzana, fibras textiles resultantes de la manipulación  de agujas del pino, contrachapados salidos de la mazorca de maíz y  muchos otros materiales sorprendentes cuya materia prima son algas,  bacterias, hojarasca, pescado, leche, hongos, insectos, café, kombucha,  frutas, etc. Muchos de ellos han surgido de la re-utilización de los residuos  de la industria –incluyendo los de la industria alimentaria–, otros de la  manipulación de elementos naturales o son resultado de una extensiva  investigación científica.  

Los proyectos han sido seleccionados por su interés desde el punto de  vista del diseño, es decir, atendiendo al modo en que los diseñadores  no sólo resuelven un problema sino que aportan también su ingenio y  creatividad al jugar con estos nuevos materiales con los que expresan  también sus inquietudes personales, políticas y sociales, su sentido del  humor y su interpretación de los parámetros culturales, destacando la  importancia de la sostenibilidad y la economía circular. 

Estos son los diseñadores participantes: Jorge Penadés, Naifactory, Álvaro Catalán de Ocón, Tamara Orjola, WooJai Lee, Studio Thus that, Lionne van Deursen, Thomas Vailly, Basse Stittgen, NYVIDD, Nacho Carbonell, Tessa Silva, Marjan van Aubel y James Shaw, Formafantasma, Fernando Laposse, Alix Bizet, Vollebak, Thomas Buchanan, Ananas Anam, Rodrigo García, Julia Lohman, Scarlett Yang, Mabel Synthetic, Mabel Synthetic, Gianantonio Locatelli, Caro Pacheco, Maurizio Montalti, Valdis Steinars, Vlasta Kubušová, Sarmite Polakova, Kosuke Araki, Baptiste Cotten, Studio Swine, Manuel Jouvin.

La exposición se complementa con un archivo de los materiales más  interesantes salidos del “Master in design through new materials” de la  escuela Elisava de Barcelona.  

Lucas Muñoz es responsable del diseño y montaje de la exposición. Su  proyecto combina el uso de materiales almacenados de exposiciones  anteriores con recursos de primera necesidad (libretas, latas, lápices, etc.)  de un modo ingenioso e inesperado con un carácter circular y social.

MUSICA: BILL CALLAHAN AND BONNY PRINCE BILLY. MIRACLES.

ENT. Omar Ayyashi 

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La exposición consta de 16 fotografías de actrices como Belén Rueda, Anna Castillo, Paz Vega, Rossy de Palma, Ester Expósito, Elena Furiase o Cayetana Guillén Cuervo que visten diseños de Manuel Fernández, intervenidos por artistas como Phil Akashi, Luis Gordillo, Olga Sinclair o Jesús Zurita

Se trata de un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados a ONGs que abordan la igualdad de género

Esta exposición, realizada en colaboración con el diseñador Manuel Fernández, podrá visitarse en el pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico hasta el próximo 14 de marzo

 

N5 es el nombre de la nueva exposición del fotógrafo Omar Ayyashi que podrá visitarse hasta el próximo 14 de marzo en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico, dentro de la programación de Madrid Design Festival 2021.

Este proyecto nace de una idea de Omar Ayyashi y el diseñador Manuel Fernández para «Fashion Art Institute» que aborda el quinto Objetivo de Desarrollo Sostenible (ODS) marcado por Naciones Unidas en su Agenda 2030, la igualdad de género. Se trata de un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados a ONGs que abordan la igualdad de género.

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La exposición consta de 16 fotografías realizadas a actrices relevantes de nuestro país entre las que se encuentran: Belén Rueda, Mina El Hammani, Anna Castillo, Paz Vega, Rossy de Palma, Ester Expósito, Amaia Salamanca, Elena Furiase, Cayetana Guillén Cuervo, Juana Acosta, Bárbara Lennie y Jedet Sánchez. En estas fotografías las actrices visten diseños de Manuel Fernández que han sido intervenidos por diferentes artistas como Phil Akashi, Olga Sinclair, Grimanesa Amoros, Luis Gordillo o Jesús Zurita, entre otros

Las fotografías de las que se podrán disfrutar en la exposición han sido impresas por Clorofila Digital.

No es la primera vez que Omar Ayyashi realiza una exposición de su trabajo involucrado a proyectos solidarios. En el año 2018 en la Real Fábrica de Tapices expuso #ReciclaFuturo, por el que recibió el premio a ¨La Mejor Comunicación Social 2018” por parte de La Fundación para el Fomento del Desarrollo y la Integración (FDI). Un año después, en 2019, realizó la exposición X_ELLAS cuyos beneficios se destinaron a la lucha contra la trata de mujeres.

Sobre Omar Ayyashi

Omar Ayyashi, fotógrafo de origen Palestino nacido en Bilbao y afincado en España.

Estudia Ciencias Empresariales y Dirección y Administración de empresas Turísticas para no ejercer ninguna de las dos carreras. Tras trabajar en marketing y publicidad, ve que se ahoga en una oficina y decide echar a volar. La fotografía siempre le ha dado alas y se traslada a Madrid y a Barcelona para comenzar su formación como fotógrafo profesional.

Actualmente es colaborador fijo en diversas publicaciones capturando moda, personajes y rincones del mundo.

Siempre sensible a las injusticias cometidas con los mas desfavorecidos, a los 29 años le proponen ser embajador de «Ayuda en acción» con sus campañas gráficas y empieza viajar con la ONG hasta llegar a conseguir una serie de imágenes que muestran la realidad de la vida en distintos lugares del mundo.

www.omarayyashi.com

Sobre Manuel Fernández. El diseñador -artista-sostenible

Manuel Fernández lleva 35 años apostando por el Desarrollo Sostenible como Diseñador y Artista. Ha sido pionero -a nivel internacional- en la implantación de las 3 dimensiones de la sostenibilidad: la económica, la social y la ambiental. Fiel a este triple principio, su trayectoria demuestra que es posible fomentar la generación de riqueza; a la vez que se impulsa la prosperidad de las personas y se lucha por el respeto hacia el entorno.

Su contribución más disruptiva ha sido la materialización de FASHION ART hace 20 años; convirtiéndose en el creador de la fusión de la moda y el arte y en el inventor de un nuevo lenguaje. FASHION ART es el canal de comunicación que está concienciando sobre valores de sostenibilidad de una forma rápida y contundente a una ciudadanía que responde a la sensibilización social y ambiental de la mano de la moda y el arte. FASHION ART es el vehículo que transmitirá a las generaciones futuras, tanto el legado de Manuel Fernández, como el de otros artistas y líderes comprometidos con el desarrollo sostenible.

Esta forma innovadora de enriquecer el sector de la moda mediante la integración y su efecto sensibilizador, aportan décadas de experiencia en el compromiso con la moda y el arte responsables. Experiencia que Manuel Fernández ha sabido llevar a una madurez muy valiosa porque es capaz de atraer a los ciudadanos; poniendo en valor múltiples disciplinas y culturas.

Las evidencias a lo largo de su carrera posicionan a Manuel Fernández como un gran “Embajador de la Agenda 2030 y sus 17 ODS” ya que ha demostrado tener la inquietud de divulgar responsabilidad social y la capacidad diferencial de convencer a los ciudadanos y a los profesionales llamados a cambiar hábitos en su forma de vivir y trabajar para que nuestro mundo sea sostenible.

www.fashionartinstitute.org

 
Música: Jane Weaver. Pyramid Schemes.
 
 

ENT.- Estudio Savage.

VALENCIA PABELLON

Valencia Capital Mundial del Diseño 2022 aterriza en Madrid Design Festival con «Valencia Pavilion. The future is design», una exposición con la que proyectar el futuro y la vanguardia del diseño valenciano. Diseñada por MUT Design y comisariada por Estudio Savage, esta muestra celebra la designación de València como Capital Mundial del Diseño 2022 con el tejido creativo de todo el país, siendo la primera parada de diversas citas en el calendario del diseño internacional. 

«Valencia Pavilion. The future is design» aporta una visióvanguardista de la manufactura de producto industrial y artesanal, llevando a cabo una amplia labor de arqueología del futuro y sentando las bases del porvenir. 

Y entendiendo que este futuro aprovecha del pasado, y no renuncia a la esencia de su cultura; capaz de integrar otras disciplinas y regirse por valores modernos. 

«The future is design» 

Cinco categorías relatan este acercamiento al futuro de la creación: la economía circular, la artesanía contemporánea, el diseño social (enfocado a la economítransformadora), la frontera entre el arte y el diseño, y la tecnología. 

Esta selección comisariada por Estudio Savage, no se centra tanto en la forma o la función de los diferentes proyectos seleccionados, sino en las ideas que los vertebran y el impacto socioeconómico que aportan los mismos. 5 categorías, 5 episodios que narran y documentan la pluralidad del diseño mediterráneo, como puntas de lanza económicas y como ideas transformadoras que miran a la sociedad. 

 

La interacción entre el presente y el futuro, entre lo digital y lo manual, entre lo moderno y lo tradicional… todo ello se materializa en un recorrido de formas amables y contemporáneas, con un material que está especialmente presente en el imaginario tradicional valenciano. Diseñada por el estudio MUT Design, los elementos presentes en la propia exposición crean y definen el espacio, como un pabellón modular que se configura a partir del esparto: un material sostenible, local, ecológico y biodegradable, clave en la historia de la arquitectura y el diseñmade in Valencia. 

Proyectos presentes en la exposición 

Economía circular

VONDOM. Revolution
PORCELANOSA. Starwood Ecologic
EQUIPO DRT. Telas upcycled
AD BIOPLASTICS. Packaging compostable
ANDREU WORLD. Nuez Lounge Bio
RAÚL LAURÍ. Decafé
SARAH VIGUER. Xufa Proceso
NAIFACTORY. Reolivar

www.estudiosavage.es

Música: NORTHWEST. THE DAY

musica: TOMAGA. INTIMATE INMENSITY

Rosa Pérez   19.feb.2021 11:52    

Mostra Test Vila-real, Mujerart magazine, Hotsetan-Bilbao y Okkre Lev Xrmass

    viernes 12.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 15.02.21

PORTADA: RICHARD VON DER SCHULENBURG (RVDS) THE END. MOODS AND CENCES 2021.

SHULEMBURG

El venerado músico, sintetista y DJ de Hamburgo RVDS se une a las filas de Bureau B con los que lanza su nuevo álbum "Moods and Dances 2021", Un disco que rinde homenaje a la música de biblioteca que tanto se ha utilizado en bandas sonoras.

Muchos de los temas televisivos más famosos de las últimas décadas se produjeron como música de biblioteca. Los títulos increíblemente pegadizos de Grange Hill, Grandstand y The Archers Fueron vendidos originalmente a bibliotecas de música por compositores contratados por un precio fijo, y luego licenciados para uso en televisión, cine y radio. En los últimos años, los DJ y productores han utilizado el estilo antiguo, por ejemplo, para agregar un sabor fresco a su música. La mayoría de las piezas de Moods and Dances 2021 llevan el nombre del equipo utilizado para hacerlas y tienen como objetivo evocar "palmeras y pirámides”. Estos pastiches sonoros se costruyen combinando cajas de ritmos, órganos y varios sonidos "exóticos" de los utilizados en los años setenta en thirllers y en programa de ciencia ficción.

 

MUSICA: JANE WEAVER. MODERN REPUTATION

TEST

La Mostra d’Art i Creativitat de Vila-real TEST estrena este sábado, 6 de febrero, su edición más experiencial y evocadora con cuatro exponentes del arte emergente valenciano. 

El Convent, Espai d’Art de Vila-real abre al público del 6 de febrero al 17 de abril la exposición colectiva de Ana Spoon (escultura, dibujo, escritura e instalación), Cecilia Vidal (fotografía) y Mario Mankey, que acerca al TEST 2021 su intervención escultórica 'Te quiero un huevo'. 

Ana-Spoon-5

Ana Spoon.

Se une al cartel la intervención de E1000, que toma el relevo a Mohamed L’Ghacham y realizará la octava, y múltiple, obra urbana del TEST.


Más información: www.mostratest.org


 

MUSICA.: GONZA MAGUILLA. EXCENTRICITR ORBITAL. MEMRIES OF PHASE REM.

 

MUSICA. MATIAS RIQUELME & FERNANDO ULZIÓN. A froggy day. LA TRAHISON DES MOTS.

 

ENT. OIER IRURETAGOIENA

 

Taller-introduccion-arte-sonoro

ARRANCA MAÑANA,  HOTSETAN EL PROGRAMA DE MÚSICA EXPERIMENTAL Y ARTE SONORO DE AZKUNA ZENTROA

 

· Hotsetan, es una apuesta por visibilizar el contexto local que trabaja el sonido y la música experimental, a través de conciertos y se enmarca en eszenAZ 2020-2021 .

(Bilbao, 9 de febrero de 2021) Azkuna Zentroa - Alhóndiga Bilbao, Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao, arranca mañana con su programa de música experimental, Hotsetan, que se enmarca en eszenAZ 2020-2021.

Las y los artistas sonoros Eraeran, Myriam RZM, Matías Riquelme & Fernando Ulzión y Mudoh presentan su trabajo en el marco de Hotsetan, el Programa de música experimental y arte sonoro de Azkuna Zentroa, en una apuesta por visibilizar el contexto local que trabaja el sonido y la música experimental, a través de conciertos.

Eraeran presenta una serie de piezas electroacústicas cortas desarrolladas por Miguel A. García junto a diversos artistas sonoros locales, pensadas como complemento a los talleres de creación e improvisación. En ellas se investiga en la creación sonora colectiva, mediando con partituras en diferentes grados de libertad entre improvisación libre e interpretación, con músicos y artistas que utilizan desde medios instrumentales acústicos usados de manera tradicional a músicos electrónicos experimentales.

La performer y experimentadora sonora Myriam RZM ofrece un directo basado en la improvisación con herramientas sonoras autofabricadas DIY/DIT. «Desde 2018 desarrollo este directo basado en la improvisación con herramientas DIY/DIT, adaptadas a mis inquietudes sonoro-performativas, combinadas con pedales de fx y feedback, en acción/interacción con el propio cuerpo en movimiento», explica la artista.

El dúo compuesto por el violonchelista chileno Matías Riquelme y el saxofonista bilbaíno Fernando Ulzión, basan su trabajo en la experimentación del sonido desde la óptica de la improvisación libre. Cada presentación es única, cada pieza está inspirada en el momento y en el entorno. En esta ocasión nos presentan su último trabajo La Trahison des Mots (Sluchaj, 2020).

Mudoh (Aitor Monje) es la unión de la palabra castellana 'mudo', relacionada con el carácter instrumental de su música, y la letra 'h', que no tiene sonido propio. Mudoh es música electrónica orientada al ambient, basada en software, captura de instrumentos, sonidos de campo y edición digital.

La jornada se completa con un concierto de música improvisada, basada en la manipulación de guitarra española amplificada, percutida, frotada y tocada con diversos objetos sonantes y tratada analógicamente con pedales de efectos propios de guitarra eléctrica.

Más info .www.azkunazentroa.eus

 

MUSICA. OXID. EACH ROOM MACHINERY

 

MUSICA. TOMAGA

ENT.Bea López Jerez.

Mujerart revista

Bea López Jerez,  junto a un equipo de colaboradores, ha lanzado la revista digital de distribución gratuita "MujerArt Magazine". La revista está dedicada a las mujeres, el arte y la historia. Además de traer del recuerdo a nuestras ancestras, damos voz a mujeres contemporáneas en el mundo del arte ( artes escénicas, plásticas, música, narrativa, poesía...) nacidas antes de 1980, mujeres con amplias trayectorias y que por falta de oportunidades o un entorno poco favorable no han podido difundir su obra como merecen.

A través de convocatoria pública recibimos cientos de propuestas de las artes antes mencionadas y tras una selección con el equipo de colaboradores hemos conformado el nº 1 publicado el día 10 de enero y ya trabajamos en el siguiente.

Propuestas que han llegado desde distintos lugares del mundo. La revista de carácter cuatrimestral, está disponible en castellano, gallego, francés e inglés.

 

www.mujerartrevista.wordpress.com

 

MUSICA. Chra. Schilf.

 

 

Matadero sigue apostando por la creación digital y se vuelca con el diseño de entornos virtuales durante el Madrid Design Festival

Okkr

organizan del 16 al 20 de febrero 'Hay vida en otros mundos (virtuales)', un programa de actividades que incluye dos talleres intensivos dirigidos a estudiantes de diseño, arquitectura y moda de los centros de formación socios colaboradores de DIMAD, y una serie de presentaciones onlineabiertas al público que se emitirán en streaming a través de la web mataderomadrid.org y el canal de L.E.V. en Youtube.

En la recta final del programa vamos con un directo que está relacionado con el proyecto Planet LEV Matadero, el mundo virtual que se presentó en LEV Matadero en 2020 y que alberga experiencias artísticas.

Okkre presentó en LEV XRmass un directo en el que partía de la banda sonora que ella misma había elaborado para Planet pero combinandolo con su propio universo sonoro. El directo se realizó en el Teatro de la Laboral y se emitió online. El directo estaba acompañado por imágenes de un vuelo por el Planeta realizado por Children of Cyberspace que son el colectivo de artistas creadores del Planeta y que también estarán en esta experiencia que del 16 a 20 de febrero se celebra en Madrid.

 

 

Musica OKKRE. LIVE LEV XRMASS.

 

 

CONTRAPORTADA RICHARD VON DER SCHULEBURG. Dance of the Space Pentax

 

Rosa Pérez   12.feb.2021 11:58    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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