Ejercicio de Memoria

    jueves 6.ago.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.08.20

 

 

PORTADA: SUSANA LOPEZ. 01. LUZ NEGRA

SUSANALOPEZ

el próximo 14 de agosto se publica el nuevo álbum Crónica de un secuestro, de Susana López, conocida también como Susan Drone. Y lo hace en el sello Elevator Bath de Austin, Texas. Un sello referente en la música experimental desde los noventa pues también ha publicado a grandes artistas como Masami Akita, Matt Shoemaker, Jim Haynes, Thomas Bey William Bailey o Rick Reed.

 

Estas composiciones fueron creadas durante el confinamiento por COVID-19, entre marzo y abril de 2020 en Murcia, España. 
Crónica de un secuestro es un álbum creado buscando la espiritualidad a través de diferentes manifestaciones artísticas como la literatura sufí de Ibn Arabí (místico sufí), las tradiciones secretas en el arte o las leyendas del folklore nórdico. La creación artística como forma de manifestación espiritual y de libertad.

 

CRÓNICA DE UN SECUESTRO
Se publica el 14 agosto de 2020 por Elevator Bath, Austin, Texas
Compuesto, grabado y editado por Susana López aka Susan Drone
Masterizado por James Eck Rippie
Fotos y diseño gráfico de Susana López

 

 

MUSICA: BRUCE BRUBAKER & MAX COOPER. 11. OPENING

 

ENT. CONCHA JEREZ

Concha jerez

Desde el 28 de julio, se presenta en el Museo Reina Sofía la exposición Que nos roban la memoria, de la artista Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941).

En ella, la ganadora del Premio Velázquez de artes plásticas 2017 recupera y revisa su trabajo desde los años setenta hasta la actualidad con el concepto de la memoria como eje principal. Además, y por primera vez en el Museo, en esta muestra, se utilizan las cuatro escaleras del edificio Sabatini como soporte para sendas intervenciones específicas creadas para la ocasión.

 

MUSICA: VVAA. ER030. SYNTH ALLIEN. A PENA.

MUSICA: GAECIA. UTOPIA

ENT. ZORAYA GHANEM

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Summer Tracks WEB

 

La I edición del Summer Show de Programa Taide reúne las obras de un conjunto de artistas procedentes de diversos puntos del planeta: Alemania, España, Japón, Reino Unido y República Checa.

Con esta iniciativa, en la que los artistas acompañan sus obras con “tracks” musicales, continuamos con nuestra misión de impulsar el trabajo de artistas jóvenes y emergentes a nivel internacional en un momento en el cual el apoyo al arte es más necesario que nunca.

Summer Tracks

Una iniciativa de @programataide

Obras disponibles para su adquisición por parte del público desde las 12:00 pm del 22 de julio de 2020 hasta el 6 de septiembre de 2020 a las 23:00 en https://programataide.com/summer-tracks/ 

Artistas participantes en la campaña de venta confirmados hasta la fecha:

Lía Ateca (1991), española residente en Madrid (España)
Lucie Jirků (1981), checa residente en Praga (República Checa)
Jonipunto (1981), español residente en Sevilla (España)
Simay Keles (1988), alemana residente en Hamburgo (Alemania) 
Magdalena Maatkare (1988), alemana residente en Langenargen (Alemania) 
Kotaro Machiyama (1980), japonés residente en Tokyo (Japón)
Pau Masana (1988), español residente en Madrid (España), Patricia de Norverto (1995), española residente en Madrid (España)
Sam Smyth (1991), británico residente en Norfolk (Reino Unido)
Manon Steyaert (1996), francesa residente en Londres (Reino Unido)
Özlem Thompson (1983), turca residente en Londres (Reino Unido)

 

Sobre Programa Taide

Fundada en 2018, Programa Taide es una plataforma de gestión cultural y producción artística dedicada a promover e impulsar el trabajo y el potencial creativo de artistas visuales mediante un programa que les proporciona mecanismos de exposición y difusión de su obra.

Fundadores: Zo Ghanem y José Luis Guijarro

MUSICA. CHANELL COLLEN EP. CRAWL.

 

MUSICA: IURY LECH. ONTONANOLOGY ET BANALITÉ.

Ontonanology

Presentación Iury Lech.

MUSICA: IURY LECH. DILAPIDATED ELLIPSIS.

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR.04 TOU MIKROU VORIÁ.

ENT. JAVIER AYARZ Y DELSO.

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ESPACIO NEXO990 ABRE SU SEGUNDA TEMPORADA CON “TIERRA, AGUA, FUEGO”, UNA MIRADA PANORÁMICA A LA VIGENCIA DEL BARRO COMO MATERIAL PARA LA CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

-       La muestra reúne obras de 18 artistas con muy diversas tipologías de trabajo, tanto en el orden plástico como en el conceptual

-       La apertura, inicialmente prevista para el 15 de marzo, quedó aplazada por el estado de alarma. Se ha organizado un sistema de visitas con aforo reducido y medidas de seguridad siguiendo las recomendaciones sanitarias .

La exposición “Tierra, agua, fuego” protagoniza la segunda temporada en espacio Nexo990, un proyecto que ocupará desde el 10 de julio hasta el 18 de octubre las dos salas y el exterior de las instalaciones, con la participación de un total de 18 artistas. La muestra ha sido coordinada por el colectivo Néxodos y el Museo de Cerámica de Aranda de Duero, en colaboración con el Ayuntamiento de Monzón de Campos y la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León. La apertura, inicialmente prevista para el 15 de marzo, quedó aplazada por la pandemia del coronavirus. Una vez finalizado el estado de alarma, se ha organizado un sistema de visitas con aforo reducido, con las medidas de seguridad que recomiendan las autoridades sanitarias.

El hilo conductor de la propuesta es la utilización de la tierra y el barro como material para la creación contemporánea. La exposición formula una mirada panorámica sobre la vigencia de esta materia prima en la práctica artística de nuestro tiempo, con muy diversas tipologías de trabajo tanto en el orden plástico como en el conceptual.

De esta forma, en una comunidad donde tanta importancia tuvo la alfarería como industria artesana —hoy en vías de extinción— hasta la década de los setenta del pasado siglo, se plantea una aproximación coral a un elemento que forma parte esencial de la identidad etnográfica, económica y cultural de nuestro medio rural, desde diferentes lenguajes, técnicas y disciplinas contemporáneas. Tal y como señala Julián Valle en el texto de la hoja de sala que acompaña la exposición “estamos en la tierra adentro, en la profundidad del orbe, en su fondo más luminoso”.

El proyecto responde a tres de las principales líneas de trabajo del colectivo Néxodos y, de forma singular, en el espacio Nexo990:

Relación con el territorio. El espacio Nexo990 está ubicado en el antiguo matadero municipal de Monzón de Campos (Palencia), en la comarca natural de Tierra de Campos. Además de la importancia esencial de la tierra como base del sector primario que caracteriza la zona por el cultivo cerealista, su característica arquitectura tradicional está basada en el adobe.

Generar tejido cultural. El proyecto ha sido coordinado con el Museo de Cerámica de Aranda de Duero (Burgos), con el objeto de estimular conexiones con otros centros de producción artística y, de esta manera, contribuir a generar tejido cultural en el medio rural, uno de los objetivos del colectivo Néxodos.

Diálogo entre artistas. Otro de los objetivos fundamentales es desarrollar proyectos que den visibilidad a los creadores que trabajan en las comunidades donde se desarrollan los proyectos, propiciando un diálogo permanente con artistas de trayectoria acreditada en la escena nacional o internacional.

 Artistas participantes | Raquel Algaba, Monona Álvarez, Tania Blanco, Bettina Geisselmann, José Ignacio Gil, Lorena Lozano, Miguel Martínez Delso, Alejandro Martínez Parra, Benjamín Menéndez, Rafael Pérez, María Oriza, Luis Pérez Calvo, Javier R Casado, Fernando Renes, Félix Sanz, Natalia Suárez, María Tamames y Julián Valle.

Néxodos | Es un colectivo de creación contemporánea orientado al desarrollo de proyectos vinculados a territorios de la periferia, la puesta en valor de espacios alternativos y el impulso de nuevos formatos para la participación ciudadana. Constituido como asociación en 2018, el grupo lo integran 14 miembros con competencias multidisciplinares, cuyo trabajo se desarrolla principalmente en las comunidades autónomas de Castilla y León y Asturias.

Hasta la fecha ha celebrado dos encuentros bienales de creación contemporánea en San Román de Candamo (Asturias) y en 2019 puso en marcha espacio Nexo990 en Monzón de Campos y la plataforma sonora “Vestíbulo”, dedicada a la música experimental.



Toda la información en www.nexodos.art



MUSICA: LA CHARRASCONA. VILLALAAR.

ENT. BETTINE GEISSELMANN Y MONONA ALVAREZ





Sobre los artistas participantes

Raquel Algaba (Madrid, 1992) // Su obra ha sido expuesta en el Museo Barjola de Gijón, en el CEART de Fuenlabrada o en la Neomudéjar de Madrid, entre otros, y trabaja con Galería Fúcares. Entre los premios, adquisición TMF JustMad XX, Projectarte II o AlNorte XVI. Ha sido artista residente en Resistències del GVA en Valencia (2020), Fundación Bilbaoarte (2018) o Aquemarropa V (2018). Sus figuras habitan un espacio liminal entre lo mental y lo físico tratando de reflejar el estado fragmentario del sujeto contemporáneo.

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Monona Alvarez

Monona Álvarez (Valladolid, 1958) // Ceramista con taller en Tudela de Duero, lleva desde la década de los setenta dedicando su vida a esta práctica creativa desde que inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Valladolid. Su constante trabajo de investigación sobre nuevas soluciones formales y plásticas aplicadas a la cerámica utilitaria, tiene como resultado una renovada lectura de la alfarería tradicional, materializada en piezas de enorme calidez y sutileza. Desde los años ochenta ha participado en numerosas exposiciones y obtenido diferentes premios en el ámbito de la artesanía contemporánea.

Tania Blanco (Oviedo, 1987) // Ha realizado estudios universitarios de Bellas Artes en Salamanca y Roma, así como una especialización en diseño gráfico y preimpresión y un Grado Superior de Grabado y Técnicas de Estampación. En 2019 ganó el premio de la Muestra de Arte del Principado de Asturias. Su práctica de investigación artística se centra en la organización de las geometrías de lo cotidiano, buscando aquellas figuras que se encuentran en objetos y situaciones que acontecen en lo doméstico, identificando sus potencialidades como generadores de nuevas formas.

 

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Bettina Geisselmann

Bettina Geisselmann (Göppingen, Alemania, 1966) // La artista, con taller en Portillo (Valladolid), estudió Económicas en Alemania y Postgrado de Grabado y Fotografía en Cuba. Su práctica multidisciplinar reflexiona sobre las percepciones subjetivas en la representación del mundo, las relaciones con el medio natural y el equilibrio socio-económico. En sus proyectos tienen un notable protagonismo materiales como el hielo, los elementos vegetales, los periódicos y, en los últimos años, el vidrio y la porcelana. Recientemente ha expuesto en Museo Patio Herreriano (Valladolid), Gabinete Art Fair e Hybrid Festival (Madrid) y Carex (Burgos), entre otros.



José Ignacio Gil (Aranda de Duero, 1965) // Dedicado profesionalmente a la comunicación, reside en Valladolid desde 1996 donde, tras participar en diferentes muestras colectivas y certámenes, principalmente en el ámbito de Castilla y León, realiza sus primeras exposiciones individuales de una pintura basada en la abstracción emocional. En 2012 la evolución de su lenguaje marca un punto de inflexión al expandir su gramática visual a nuevos formatos y soportes, materializando su trabajo en series objetuales donde los materiales utilizados (maderas, escombros y otros elementos encontrados) activan una poética existencial.

Lorena Lozano (Gijón, 1975) // Artista e investigadora, doctora por la Universidad de Oviedo (2017), licenciada en Bellas Artes (Glasgow School of Art, 2007) y en Ciencias Biológicas. Ha colaborado en Barcelona con los colectivos Idensitat y Sitesize (2008-2010) y en Glasgow en The Hidden Gardens (2001-2007). En 2012 funda «Econodos. Ecología y comunicación» y colabora en proyectos interdisciplinares de investigación artística con entidades como Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Universidad de Oviedo y Laboral Centro de Arte. Su práctica explora las intersecciones del arte y la ciencia.

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Delso

Miguel Martínez Delso (Ciruelos de Cervera, 1958) // Director desde hace más de 25 años de la Escuela y del Museo de Cerámica de Aranda de Duero, su obra escultórica es referente en la creación cerámica tanto en Castilla y León como en el ámbito nacional. Su trabajo responde más a un ciclo vital que a una demanda externa, quizá por la sana influencia del material habitual con el que elabora sus piezas, un material que tiene su propio tempo. Su trayectoria suma una veintena de exposiciones individuales, participación en multitud de muestras colectivas y obra pública.

Alejandro Martínez Parra (Aranda de Duero, 1959) // Su práctica artística es interdisciplinar e híbrida: engloba escultura, fotografía, videoinstalación, eventos performativos, piezas sonoras o poesía visual. En los ochenta y noventa forma parte de colectivos como Grupo Corps, A Ua Crag y La Constructora-12. A partir de entonces trabaja en relación con la investigación sonora, la fotografía, el lenguaje y la educación, orientados no tanto a la práctica artística convencional sino al objetivo de la reflexión poética. En los últimos años ha expuesto en Patio Herreriano (Valladolid), Musac (León), Lava (Valladolid) y Carex (Burgos), entre otros.



Benjamín Menéndez (Avilés, 1963) // Pintor, escultor, enseñante..., es un reconstructor tenaz del mosaico de la memoria, a través de los materiales que la configuran. La tierra, a través del trabajo cerámico; los minerales y su transformación industrial; y hasta los sueños, los deseos y las sensaciones canalizados mediante la pintura. Todos esos materiales hablan, en último extremo, de la simbiosis, drástica y sostenida, de la experiencia humana con el entorno donde dicha experiencia se desenvuelve. Actualmente expone en el Museo de Bellas Artes de Asturias "Caja de herramientas. Las seis caras del cubo".

María Oriza (Aranda de Duero, 1964) // Desde finales de los ochenta su obra ha obtenido reconocimiento en diversos concursos como los de Alcora, Talavera, Cerco, Madrid, Valladolid, Palencia, Castellón etc. Ha participado en distintas exposiciones colectivas como “Homo Faber” Venecia, “Convergence and Transcendence”, Corea o “Built and formed”, Alemania. Desde su primera individual en la galería Sargadelos de Santiago de Compostela, ha realizado doce exposiciones individuales, la última de las cuales ha sido “Fortaleza derramada” en el CAB de Burgos.

Rafael Pérez (Haro, 1957) // Entre 1978 y 1981 estudia Cerámica en la Escuela Massana de Barcelona. En 2007 es elegido Miembro de la Academia Internacional de Cerámica. Una intensa trayectoria con 45 exposiciones individuales, participación en más de 150 muestras colectivas, numerosos premios y obra presente en una treintena de museos y colecciones privadas, acredita el reconocimiento nacional e internacional de su trabajo escultórico. El prestigioso ceramista riojano es un enamorado de la arcilla y de su transformación en el horno, donde el fuego depara sorpresa y emoción.

Luis Pérez Calvo (Madrid, 1962) // Criado entre los barrios madrileños de Lavapiés y Embajadores, su imaginario bebe de la iconografía más castiza de lo español de las décadas de los sesenta a los ochenta, principalmente. Arqueólogo de la cultura popular, relee, pinta, dibuja, recorta, pega, ironiza y homenajea sin descanso a todos aquellos seres y recuerdos que pueblan su memoria y que trata de recuperar en un intento melancólico pero divertido por atrapar una sociedad fetichizada de un pasado reciente que desaparece poco a poco. Desde 2015 forma parte de la nómina de artistas de La Gran.



Javier R Casado (Palencia, 1985) // Doctor en Bellas Artes por la Complutense de Madrid. Desde hace años explora formas de suspensión, improductividad, impermanencia y acción mínima a través de gestos ínfimos realizados en entornos específicos. Ha impartido diversos talleres y ponencias y colaborado en proyectos artísticos y de investigación en lugares como galería Paula Alonso, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, Espacio Menosuno, Off Limits, Espositivo, Espacio de proyectos Sant Pere, Museo Emilio Caraffa, CC de España en Buenos Aires o Canal de Isabel II, además de otros sin nombre propio.

Fernando Renes (Covarrubias, 1970) // Es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Desde sus inicios, el dibujo y la escritura son sus formas de expresión. En su larga etapa de Nueva York construyó una original narrativa en la que lo íntimo convive con lo universal. En plena madurez creativa, actualmente concibe potentes instalaciones con cerámica que recuperan lo ancestral. El pasado mes de octubre, el programa de TVE Metrópolis le dedicó un programa coincidiendo con sus proyectos más recientes en el CAB de Burgos y en Bilboarte.

Félix Sanz (Valladolid, 1962) // Es licenciado en Historia del Arte y Especialista en Administración de Industrias Culturales. Tiene una amplia formación complementaria en disciplinas como la etnografía, antropología y el arte contemporáneo. Su trayectoria profesional ha estado siempre vinculada al mundo de la cultura y el arte, que compagina con su actividad de artista plástico y ceramista con múltiples exposiciones individuales y colectivas en el territorio nacional e internacional. Desde 2002 es director del Centro Regional de Artesanía de Castilla y León (Cearcal).

Natalia Suárez (Pola de Laviana, 1976) // Diseñadora y ceramista, trabaja la combinación de materias primas nobles, como la madera y la arcilla. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad Diseño por la Universidad de Barcelona y graduada superior en Ceramica Artísica por la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, Llotja, San Andreu. En su práctica creativa, bajo la firma Woodic, integra las nuevas tecnologías con los procesos artesanales en una apuesta por diseños honestos basados en el imaginario femenino, la mitología y las formas de la naturaleza.





María Tamames (Vitoria, 1986) // Graduada en Diseño de Moda y Máster en Ingeniería Textil por la Universidad Politécnica de Valencia y el Instituto Tecnológico Textil AITEX. Centra su práctica artística en proyectos experimentales relacionados con el desarrollo y el estudio textil. Vinculada vitalmente a Valladolid, reside en Madrid, donde combina sus labores docentes con la actividad investigadora. Sitúa su actividad dentro de circuitos propios del contexto de la cultura contemporánea, explorando las posibilidades expresivas de las fibras textiles en relación con otras disciplinas y materiales. Indaga vías de confluencia entre innovación, sostenibilidad y procesos artesanales.

Julián Valle (Aranda de Duero, 1963) // Fue uno de los fundadores en 1985 del colectivo A Ua Crag y, en paralelo, del grupo 2º Partido de la Montaña. En más de tres décadas de coherente trayectoria ha desarrollado su obra sobre diferentes soportes (escultura, instalación, cerámica) aunque más centrado en el dibujo y la pintura. Desde el principio, su trabajo ha permanecido siempre alrededor del paisaje, aprehendido y meditado desde su taller y espacio vital en Campillo de Aranda. Con cerca de 150 exposiciones entre individuales y colectivas, su obra está presente en una quincena de museos y colecciones públicas.

 

 

CONTRAPORTADA. SUSANA LOPEZ. O5. THOUSAND DRONES TO NUBIA.

 

 

 

 

 

Rosa Pérez    6.ago.2020 11:43    

REFRESCOS DE VERANO

    jueves 30.jul.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 03.08.20

 

 



 

PORTADA: BRUCE BRUBAKER & MAX COOPER. Two pages. IN GLASS FORMS. Bruce-brubaker-max-cooper-sonar-bcn-2019

Os presentamos un rico experimento sonoro realizado por dos musicos muy diferntes entre sí cuyo nexo de unión ha sido el mundo musical de Philip Glass al que han dedicado un álbum, innovador y dinámico. Bruce Brubaker, el pianista en colaboración con el ienfífico y experimentador sonoro Max Cooper mezclan el gran piano con las tecnicas de producción electrónica. El resultad es una nueva lectura de la obra de Philip Glass un disco increibe y provocador

 

MUSICA : IURY LEG.DILAPIDATED ELLIPSIS

ENT. SAMUEL ALMANSA

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ROOMFLAMES -  KAPLAN PROJECTS. PALMA MALLORCA. 

LA EXPOSICÓN SE PODRÁ VISITAR HASTA FINALES DE AGOSTO.

KAPLAN PROJECTS inaugura un nuevo espacio expositivo que tiene como fin acoger proyectos artísticos realizados específicamente para él. El título del primer proyecto es ROOMFLAMES y se trata de una exposición colectiva de 5 artistas: Lluís Vidaña, Samuel Almansa, Josep Santamaria, Aniya Defries y Laura Rubio. La exposición se compone de una intervención en la sala y obras de diferentes disciplinas pintura, escultura, dibujo e instalación.

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La intervención Roomflames, realizada en las paredes de la galería y que da nombre a la exposición es el resultado de una improvisada colaboración creativa, entre los cinco artistas que, antes de empezar, apenas se conocían. El resultado es cuanto menos interesante y rico en contenido. En muy pocos días los artistas han conseguido una obra común en la que el resultado se ha traducido en la combinación formal y conceptual de todos sus estilos y, a la vez, tiene identidad propia. En ella se suceden los estratos de información al ritmo de las aportaciones de cada uno de los artistas. Formalmente la intervención tiene un aire de retablo entre postmoderno y románico. Podemos ver una estancia de perspectiva indefinida a medio camino entre una pintura de De Chirico, y una de Piero de la Francesca. Esta estancia es invadida por unas llamas donde se entrevén personas que parecen estar ardiendo a modo pecadores en el infierno románico. El motivo central son unas manos en gesto de plegaria.

Las personas, la espiritualidad y el espacio interior, rigen el discurso de estos artistas.

No en balde a todos ellos les ha tocado vivir el encierro de la cuarentena y de ella han salido con ideas y energías reforzadas. Los cinco están en un estadio temprano de su carrera, y les une un espíritu crítico hacia los extraños tiempos que estamos viviendo. A pesar de haber nacido en la última década del SXX, se refleja una preocupación por la disminución de relaciones interpersonales provocada por la que parece ser una infinita digitalización de la

comunicación personal y por los efectos psicológicos que puede tener el encierro. La circunstancia de verse obligados a relacionarse única y exclusivamente a través de las redes sociales, ha desembocado en una toma de conciencia de la lacra que puede ser la falta de comunicación intima entre las personas.

Aún así, las obras de estos cinco artistas son personales y sus ideas muy claras con respecto a esta extraña realidad en la nos encontramos.

Lluís Vidaña, ganador del art Jove 2019, nos habla de las malas prácticas ocultas de las nuevas tecnologías. De nuestro estado hipnótico cuando miramos, y del miedo inoculado en la sociedad a través de la manipulación de la información que nos llega.

Las pinturas y dibujos de Samuel Almansa, llevan la herencia informalista de la mítica escuela de Cuenca, donde estudió. Sus lienzos de técnica mixta solapan diferentes planos donde el fondo se confunde con la figura en el intento de darnos una descripción del entorno más inmediato del artista. Almansa se define como un artista versátil y urbano, de ideas frescas y espontáneas.

Josep Santamaria, nos describe el mundo digital de las pantallas emergentes que constantemente nos recuerdan nuestra dependencia digital, pero al mismo tiempo nos abren ventanas a un mundo interior de experiencias personales. Sus pinturas sobre tabla, y sus esculturas trabajan la dualidad de la ventana que mira dentro y fuera al mismo tiempo. Una abstracción geométrica que va un paso más allá de la propia pintura.

Laura Rubio, nos da una perspectiva surrealista del presente. Desarrolla perspectivas evocadoras con misteriosos personajes que las habitan. Formalmente Rubio trabaja la pintura sobre lienzo y sobre papel con un uso colorista de las formas que aporta frescura inusual a unas obras con una carga psicológica evidente.

Aniya Defries dibuja personas. Aniya ve en las personas todo lo que importa. Normalmente desnudos pintados con modelos, sufrió en la cuarentena el no poder dibujar en directo a los cuerpos que le hacen compañía. Poco color, trazo muy claro y definido: sus dibujos tienen una personalidad arrolladora difícil de definir, más que por su honestidad en el mirar y en el pensar. Estas personas, sus amigos “vivos”, cuya compañía se hace necesaria, día tras día.

 

MUSICA: ERIZONTE. CORONA VIRUS LIBERTAD

 

MUSICA: GAECIA: UTOPIA.

 

ENT. MARIA PLANAS. DIRECTORA.

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XI Bienal de Fotografía Xavier Miserachs
01.08.2020 - 11.10.2020
Palafrugell (Baix Empordà, Girona)
www.biennalxmiserachs.org

Cristina García RoderoLeopoldo PomésPere Palahí y Eugeni Forcano,entre los autores presentes en la bienal.

 

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La Bienal de Fotografía Xavier Miserachs, que celebra la XI edición del 1 de agosto al 11 de octubre en Palafrugell (Baix Empordà, Girona), anuncia la programación completa. La edición de este año cuenta con 5 exposiciones repartidas por diferentes espacios del municipio, un programa de actividades paralelas abiertas a todo el mundo y visitas guiadas para escuelas y público general. 

El objetivo de la Bienal es el de dar a conocer el trabajo de grandes figuras de la fotografía nacional e internacional, así como apoyar la obra de jóvenes fotógrafos. Además, en cada edición descubre el trabajo de un fotógrafo anónimo de la comarca, casi siempre amateur, que ha documentado la historia reciente del país.

Conscientes del momento excepcional que se está viviendo, la Bienal -siguiendo en todo momento las medidas de seguridad que exige la administración- permitirá disfrutar en directo de la mejor fotografía documental.

Esta edición cuenta con la colaboración del Ajuntament de Palafrugell, la Fundación Banc Sabadell, la Generalitat de Catalunya y la Diputació de Girona.

 

MUSICA: LA CLAUD. 01 PROMETEUS. ABOUT VEGA

 

 

 

MUSICA: AARP. THE AXIS OF EVIL. (G. BUSH)

 

ENT. IÑAKI MARTINEZ ANTELO. 

ANTELO

Plataforma es un proyecto que bajo el hilo de la performatividad quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, la música, la arquitectura y el diseño.

 

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la tradición y con la innovación cultural, preocupado por la sostenibilidad y por proyectar el talento local.  

 

Dirigido por Performa S. Coop. Galega, nace con la intención de trabajar en red y complicidad con el mayor número de agentes, instituciones y espacios posibles de una ciudad referente cultural como Santiago de Compostela.

 

Entre el 10 y el 18 de septiembre de 2020 tendrá lugar la primera edición del festival de artes performativas Plataforma, un proyecto que bajo el hilo de la performatividad quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, la música, la arquitectura y el diseño. Dirigido por Performa S. Coop. Galega, Plataforma nace con la intención de trabajar en red y complicidad con el mayor número de agentes, instituciones y espacios posibles de una ciudad referente cultural como Santiago de Compostela. 

 

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la tradición y con la innovación cultural, preocupado por la sostenibilidad y por proyectar el talento local.  

 

Para los directores del festival David Barro, Mónica Maneiro e Iñaki Martínez Antelo “Plataforma es un festival perfecto para este momento de reactivación cultural por su transversalidad y la descentralización de sus localizaciones, por su escala, por su programación pensada para espacios singulares y por la posibilidad de seguir con 

 

 

facilidad los protocolos adecuados de sostenibilidad y de seguridad para la salud en sus acciones y propuestas”. 

En esa línea, una de las singularidades del festival es la programación de cuatro exposiciones que extienden su temporalidad más allá de las fechas del festival contribuyendo a la programación de los espacios que las acogen. También que algunas de sus actuaciones solo serían posibles en un contexto de festival porque habitualmente no tienen espacio en las programaciones museísticas o en las programaciones estables de ámbito cultural. Por otra parte, el festival Plataforma fomenta la colaboración entre artistas de diferentes disciplinas lo que favorece el cruce de públicos diversos y singulares conexiones creativas.  

Plataforma es además un festival responsable, seguro, comprometido con la igualdad, con la diversidad cultural y con la sostenibilidad. Con una importante representación femenina y una decidida apuesta por el talento gallego, Plataforma reúne performances, conciertos, danza, poesía, diseño y arte contemporánea en exposiciones, acciones y conversaciones capaces de unir a protagonistas gallegos con valores de gran reconocimiento internacional como La Ribot, Premio Nacional de Danza y recientemente galardonada con el León de Oro de la Bienal de Danza de Venecia, que cerrará el festival con una conversación, una performance y una exposición en el CGAC. 

 

En el festival habrá estrenos absolutas de piezas de artistas como Paula Quintas -con la dirección de Rut Balbís-, performances creadas específicamente para el festival, como es el caso de las de María Roja, Alejandra Pombo y Berio Molina y Juan López, acciones poético-musicales inéditas de Olalla Cociña y Menina Arroutada, estrenos en España como la pieza de Pablo Fidalgo y el estreno de obras en Galicia, en gallego y con la colaboración de artistas locales, de artistas de otros ámbitos estatales como Marta Fernández Calvo -que trabajará con Su Garrido Pombo, Paulo Pascual y Faia Díaz- o Cabello/Carceller -que lo harán con Menina Arroutada, García MC, Rendi Nue y Dj Mill-. En el ámbito de la música destaca el debut y presentación del proyecto de la Orquestra Galega de Liberación, conformada por dieciséis conocidos músicos gallegos que harán su primer concierto en el Teatro Principal. 

 

Por último, destacar las cuatro exposiciones programadas en el contexto del festival: la citada de La Ribot en el CGAC; Christian García Bello en la Fundación DIDAC; Manuel Eirís en la Fundación Eugenio Granell y Mirar el sonido. Notación gráfica en la música contemporánea en el Auditorio de Galicia. 

 

 www.plataforma.gal

 

MUISCA: V5 2 MAST. BACK TO YOU. LAMLIKI.

 

MUSICA: FRENCH CONCESION. END OF TIME

 

ent. ARTISTAS Y GALERIAS MEXICANAS. GALERIA NUEVA.

GALERIA GALEREIA

Artistas: Manolo Márquez, Wendy Cabrera, Javier Sánchez, Mario García Torres, Maurizio Terracina, Alexis Mata, Nicolás Guzmán, Yutsil Cruz, Lucía Novoa, Andy Medina y Gibrán Mendoza.

Galería Galería, de Ciudad de México, presenta del 15 de julio al 15 de agosto de 2020 una exposición colectiva titulada “El que quiera oir que oiga y el que no, pues no”. Esta muestra aborda críticamente las convenciones y estructuras políticas y sociales como los órganos de poder y la sociedad en México a través de obras multidisciplinares como el vídeo, la instalación, la pintura o el arte sonoro. Estas obras tratan de responder a cuestiones sobre cuáles son los lugares desde los que construimos la realidad, desde dónde aprendimos a verla y qué lenguaje adquirimos y utilizamos para expresarnos.

Galería Galería se presenta como un espacio de crítica en la Ciudad de México donde se reflexiona sobre la producción artística contemporánea. Galería Galería es un proyecto independiente gestionado por un colectivo de curadores y artistas que trata de internacionalizar la práctica mexicana contemporánea. Ha participado en eventos como JustLX Lisboa y Trámite en Querétaro en 2019, y su naturaleza nómada le ha llevado a ocupar espacios expositivos diferentes en la Ciudad de México y ahora en Madrid con Galería Nueva.

 

MUSICA. 03. YA WELDI. (ANTHONY TOGA REMIX). Hanna haïs.

 

CONTRAPORTADA: BRUCE BRUBAKER. TIROL CONCERTO.

 

Rosa Pérez   30.jul.2020 12:11    

A LA FRESQUITA, UN VERANO DE ARTE.

    viernes 24.jul.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.07.20

DISCO PORTADA: FRENCH CONCESSION. END OF TIME. JUNUS ORCA REMIX

French-concession-2020

French Concession es un proyecto de arte pop en solitario de la productora / cantante y compositora con sede en Sydney Ella Chau Yin Chi. Su propuesta nos atrae a través de sonidos etéreos que capturan a los oyentes que buscan algo diferente, como de otro mundo.

La carrera de French Concession es corta pero no por ello menos interesante.

En 2018, French Concession lanzó su EP 'Empress' con el sello Wellington, con sede en Nueva Zelanda y realizó una gira por Europa y Japón.

En 2019, French Concession participó en uno de los mayores eventos en China, el festival Shanghai Strawberry music festival así como en el Ear Up Music Festival en Hong Kong.

'Ahora llega con su álbum debut, The Garden of Synthetic Sentiments, un disco lleno de música exuberante, una selección de gemas electrónicas que confirma que French Concession es dierente a cualquier otro tipo de artista





 

 

MUSICA: SOUNDS AND COLOURS. EL BUGA. LA CASA DE ROLANDO.

ENT. ROCIO SANTACRUZ. ARTS LIBRIS.

Artslibrismanos

ArtsLibris es un proyecto de feria y festival de libros y publicaciones de artista, autoedición, fotolibro, ediciones de pensamiento y publicaciones digitales. A lo largo de sus once años, cuenta con tres ediciones en formato presencial ArtsLibris ARCOmadrid, ArtsLibris ARCOlisboa y Arts Libris Barcelona. 

Al tratarse de un proyecto en constante evolución y expansión, este año ha ampliado su panorama sumando una plataforma online que se encontrará activa los 365 días del año. Esta plataforma funciona, a la vez, como un canal de difusión de contenidos y novedades editoriales, una tienda online, y un espacio de encuentro y reflexión para editores/as, artistas, pensadores/as y diversos agentes culturales. 

Con esta reinvención del proyecto, ArtsLibris busca funcionar como un tejido online que vincula redes que orbitan alrededor de la edición contemporánea, no solo durante las tres fechas anuales de sus ferias, sino de forma activa durante todo el año. 

 

www.artslibris.cat

 

MUSICA : SOUNDS AND COLOURS. TONGAS AND MATES. UN MUNDO NUEVO. EMPEZAR.

 

MUSICA: INFINÉ EDITIONS. GASPAR CLAUS. AUX CONFINS LES ETOILES DANCENT

ENT. Clemente Bernard. Comisario exposición EL SANTO CHRISTO IBÉRICO. KOLDO CHAMORRO. MUSEO LÁZARO GALDIANO. MADRID. PHOTOESPAÑA.

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La exposición El Santo Christo Ibérico. Koldo Chamorro -fruto del convenio entre el Museo de Navarra y Oihane Chamorro, hija y heredera del artista- viaja desde el Museo de Navarra hasta el Museo Lázaro Galdiano, en el marco de PhotoEspaña 2020.

Koldo Chamorro fue un autor con una obra inconfundible y arriesgada. A lo largo de los más de treinta y cinco años de su carrera, se ocupó de cuestiones relativas a las estructuras sociales, la religión, las fiestas, los toros, el cuerpo o el sexo, casi siempre en forma de “ensayos fotográficos” elaborados a largo plazo, en los que trataba de desentrañar las claves de los temas que fotografiaba. Koldo Chamorro entendió en los últimos años del franquismo -como otros fotógrafos de su generación-, que había ciertas manifestaciones religiosas y fiestas populares que se encontraban en trance de desaparición, porque la agonía de la dictadura las arrojaría presumiblemente al olvido y (una labor etnográfica de preservar ciertas estéticas populares por el avance de la venidera globalización.

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En 1974, comenzó El Santo Christo Ibérico con la intención de elaborar un profundo análisis social que mostrase las contradicciones de un país lastrado por el atraso y el oscurantismo, pero que se veía arrastrado hacia la modernidad, planteándolo como un gran proyecto monográfico para reflexionar visualmente sobre los distintos aspectos de las liturgias y manifestaciones cristianas de la península ibérica, así como sobre la presencia de la cruz cristiana en nuestro paisaje social. Dio por finalizado este proyecto al celebrarse el Jubileo católico del año 2000.

Las 63 fotografías seleccionadas, se muestran siguiendo una sutil estructura de Vía Crucis. Esta selección ha significado bucear en el abundante archivo de Koldo Chamorro, para elegir las que integran la exposición. Todas las fotografías son copias de exposición realizadas para este proyecto.

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Para completar la visita, se proyectará en la sala el audiovisual Totum revolutum, realizado por Clemente Bernad y Carolina Martínez, basado en entrevistas a más de 70 personas, que hablan sobre la vida y la obra de Koldo Chamorro, comentando algunas de sus fotografías preferidas y contando anécdotas de su relación con el autor.

MUSICA: INFINÉ EDITIONS. MARC MÉLIA. VOXES

 

MUSICA: SUSTAINER. ANTICUARIO

ENT. SARA SARABIA.

 

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5ª EDICIÓN

 

¡Viernes a la fresquita!

 

La nano-cultura de la ciudad a flote en el verano de la COVID-19.

EAmálaga es un encuentro cultural que desde 2016 aglutina a más de 20 espacios generadores de arte y cultura contemporáneas. Tras cuatro ediciones se ha consolidado con la realización de diferentes experiencias y formatos (www.eamalaga.com), todo dirigido a dar soporte y visibilidad a estas entidades privadas que pertenecen al sector de las Industrias Culturales y Creativas (ICC) de Málaga.

EAmálaga en estos momento de crisis sanitaria y asumiendo como suya la crisis general en la vivimos se ve obligada a preparar una edición especial en la que se apoye e impulse a los espacios componentes del proyecto dentro del marco de la nueva normalidad.

La realidad de estas entidades derivada por la situación devastadora que hemos y estamos sufriendo da como resultado una total o parcial inactividad y se busca con esta edición especial de EAmálaga desarrollar actividades que posibiliten la afluencia de público y consumo adaptándose a la medidas de control sanitarias recomendadas. 

Los objetivos que cubre este formato son:

  • Apoyar a lo espacios generadores de cultura en su vuelta a la normalidad.
  • Promover y dar a conocer las actividades culturales dentro de sus entornos..
  • Incentivar el consumo de cultura como actividades alternativas de ocio.
  • Promover la alianza con otros sectores de cada zona como promotores de la actividad.
  • Adaptar actividades a las medidas recomendadas por las autoridades sanitarias.
  • Ajustar las actividades a la estación del año en la que se desarrolla. 
 

www.eamalaga.

MUSICA: BROMO. NO SIGNAL

 

MUSICA: AIRE. VILLALAR.

ENT. CHRISTINA SAVAGE

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La Casa Amarilla reúne en «Orgasmo» el éxtasis creativo de nueve mujeres

La galería plantea «un recorrido alrededor del sexo, el deseo y la pornografía en el mundo del arte contemporáneo»

Con el verano han llegado los calores a la cultura malagueña. Si la revista Litoral acaba de presentar su número dedicado a la poesía y el arte de la sensualidad y el erotismo a lo largo de la historia, La Casa Amarilla acaba de inaugurar Orgasmo, una muestra colectiva que pretende ser «un recorrido alrededor del sexo, el deseo y la pornografía en el mundo del arte contemporáneo, con obras de 9 artistas que basan su obra, o parte de ella, en mostrar sin tapujos su visión de la sociedad mediante el uso del sexo explícito o insinuado».

David Burbano reúne para la galería una selección de artistas multigeneracional del panorama nacional con Yolanda Dorda, Cristina Savage, Lydia Fernández, La Rulla, Paula Ortega, Aranzazu Guma, Misskafeína, Maribel Andrés e Irene Cruz. Mujeres que desafían la visión tradicional del éxtasis sexual en el arte, porque la historia del arte nos ha mostrado a la mujer como puro objeto sexual por y para el disfrute masculino.
Orgasmo estará en cartel hasta el próximo 9 de agosto.

Cristina Savage (Connecticut, USA, 1979) es una artista plástica conceptual y performer que creció en Hong Kong en el seno de una familia multicultural. desde 2003 reside en la ciudad de Málaga,

 

www.lacasa-amarilla.es

MUSICA: KINGLMAN. ILL STREET BLUES.

 

MUSICA: KINGLMAN. DREAM HOUSE.

 

MUSICA: TATI LAMAR. Funland.

 

Musica: skud hero. Covid 19

 

 

CONTRAPORTADA: FRENCH CONCESSION. 2x4

 

 

Rosa Pérez   24.jul.2020 11:15    

ESPECIAL VERANO SESION I

    viernes 17.jul.2020    por Rosa Pérez    4 Comentarios

20.07.20 FLUIDO ROSA. RADIO 3

Rosa encendida 2019

Proponemos una sesión para las noches de verano, intensa y seductora sin salir de casa, con Rosa Pérez en cabina.

Rosa Pérez   17.jul.2020 09:52    

Especial. Música Viral

    viernes 10.jul.2020    por Rosa Pérez    5 Comentarios

20.07.13 FLUIDO ROSA. RADIO 3

 

El confinamiento ha sido un momento muy productivo para muchos artistas. Ofrecemos un acercamiento sonoro a algunos de los discos que nos llegaron mientras el mundo se había parado.

PEDRO LINDE. PART 7(FORTIN)

CHRA. CAVALLI

CARL CRAIG. FREE AT LAST

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MURCOF. LULLABY

HARING. NUIT ROUGE.

Cineplexx. 17 MOTIVOS

MONTE. COLIBRÍ

KASSIN. NEON LIGHTS

JUAN NOSEQUE. ELLIPTIC ORBIT

Aarp. Less, from Purdue Pharma

ISA-BEL. AMBITECH. NEW ROOM EP

OMEGA dB. ‘NO GOING BACK’

MATSU. ATLAS

NAD SPIRO. MUSSOL.

NADSPIRO

CARLOS SUERO. SAND BANKS OF THE RIVER.

ANNA STEREOPOULOU. REBULDING PLANO.

NIET. CONTROL

linda Blair.

VIOLENT VICKIE. CIRCLE SQUARE

MUSICA: KINGLMAN. DREAM HOUSE





 

Rosa Pérez   10.jul.2020 09:36    

Arte Urbano, vanidad y Tiempo detenido

    viernes 3.jul.2020    por Rosa Pérez    1 Comentarios


PROGRAMA 06.07.20

PORTADA: DUALIZE. EON

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DUALIZE PRESENTAN ‘UNITY TWO’ EN SEVEN VILLAS MUSIC

Este nuevo dúo alicantino, formado por Sergio Mateo y Jose Rodríguez, debuta en el sello de Pablo Bolívar.

Desde Alicante, vía Santander, recibimos la primera referencia que viene firmada por Dualize, el dúo formado por los DJS y productores Sergio Mateo y Jose Rodríguez, dos referentes del mejor sonido electrónico levantino desde hace décadas.

En este nuevo proyecto -léase, Dualize- ambos se entregan al IDM-ambient-dowtempo, alejándose de ese sonido club que les ha caracterizado y que tantas madrugadas de bailes sin fin nos ha procurado. En este ‘Unity Two’ -que publica el exquisito sello Seven Villas Music de un Pablo Bolívar que no necesita presentación- comparten espacio discográfico con el artista danés Andi Muller.

EON’ Y ‘DENSE’

Los dos cortes que firman Dualize -Eon’ y Dense’- son una inmejorable carta de presentación de este nuevo proyecto en el que todo se ha trata con meticulosidad, sapiencia y maestría. ‘Eon’ es puro Dualize, electrónica downtempista e inteligente que tiene en la evocación sintética vs. Emotiva su razón de ser. Sonido impoluto, arpegios, melodías sobre una base suave y acolchada. Tan cinematográfico y ambiental, música que se puede ver y hasta paladear. Con un final inesperado en el que todo muta y crepita.

 

 

MUSICA: Villalar. Adios de una mujer.

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ENT. GONZALO BORONDO

INSURRECTA. GONZALO BORONDO. SEGOVIA. HASTA EL 23 DE ABRIL DE 2021.

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El artista Gonzálo Borondo, con su exposición Insurrecta, participa de la conmemoración del 500 aniversario del levantamiento comunero en la ciudad. El formato es un recorrido que incluye todas las vallas publicitarias municipales alejadas del epicentro turístico de Segovia; un total de 32 piezas repartidas en 17 localizaciones de libre acceso que convierten el paisaje urbano en un museo al aire libre.

Borondo invita a descubrir los 5 capítulos de INSURRECTA, tratando de generar con ello reflexiones e indagar en el sustrato cíclico de la historia, tomando como eje la revuelta comunera. A la vez, el artista nos invita a conocer el lado menos conocido impulsando la visibilidad de los “No Lugares”.

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El conjunto del proyecto contiene diferentes técnicas; sin embargo, todas las obras presentan como matriz común el monotipo, técnica que usa las herramientas del grabado pero generando una sola copia con lo que Borondo quiere homenajear la intención divulgativa de las series de grabaos “Los caprichos” y “Los desastres” de Goya.

www.gonzaloborondo.com

 

 

MUSICA: Villalar. La Charrascona.

 

 

 

MUSICA: ECHION. THE CALL

 

ENT. JAVIER CHOZAS.

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TABACALERA- LA FRAGUA | 02.07.2020 - 12.10.2020 MADRID

A través de una instalación escultórica que ocupa el espacio de La Fragua, Javier Chozas plantea una reflexión abierta sobre la articulación del deseo, la vanidad y la culpa en el ecosistema contemporáneo, cada vez más definido y diseñado en la esfera digital.

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Utiliza el lenguaje escultórico y propone una escenografía continua que nos asoma a la dimensión más oscura del deseo, al espacio de lo carnal frente al personaje, la osadía frente al miedo al rechazo, la pugna entre identidad y la piel.

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A partir de esta serie de obras y su proposición espacial, esta exposición nos acerca al universo estético del artista, que abre una puerta para cuestionar nuestro modo de canalizar el deseo y vincularnos en un mundo cada vez más mediatizado. 

www.javierchozas.com


 

MUSICA: IURY LEG. WUXIAN.

 

Presentación de PEDRO LINDE del proyecto Lizard king poems.

MUSICA: FORTIN 01.

 

ENT. ALVARO RODRIGUEZ FOMINAYA. C3A CORDOBA.

El C3A es un lugar de encuentro entre disciplinas para compartir, vivir sentir y disfrutar de la cultura. Uno de los objetivo es acercar la creación contemporánea a la ciudadanía y ofrecer espacios de reflexión y creación a los artistas. Tras la reapertura hablamos con su director sobre los proyectos abiertos .

Entre sus actuales propuestas destacamos

PAULINE OLIVEROS. RETROSPECTIVA

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Del 25 de junio 2020 hasta el 17 de enero 2021

Sala T3. Comisario: Álvaro Rodríguez Fominaya

El C3A presenta la primera muestra retrospectiva de la compositora Pauline Oliveros (Houston, 1932-2016). Pauline Oliveros es una pionera de la música electrónica y creadora del concepto de Escucha Profunda. En los años 60 participa en la fundación del San Francisco Tape Center, del que será primera directora tras su integración en Mills College. Su trabajo en el ámbito de la improvisación, la meditación, la performance, la música electrónica y su labor como académica, editora y activista, desborda cualquier intento de clasificación. Su investigación en torno a la escucha y el sonido, culmina con la creación de la Deep Listening Band y la fundación del Deep Listening Institute*.

Pauline Oliveros colabora con muchos de los grandes músicos, coreógrafos y artistas de su época, entre los que están Steve Reich, John Cage, David Tudor, Merce Cunningham, Elaine Summers, Alison Knowles, Allan Kaprow, Paula Josa-Jones, Deborah Hay, Susan Marshall e IONE.

La muestra incluye una selección de documentos inéditos, fotografías, grabaciones y audiovisuales mediante los que se recorre la trayectoria creativa de esta compositora.

ANA PRADA. TODO ES OTRO

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Del 24 de enero hasta el 13 de septiembre de 2020

Sala T4 y Atrio. Comisarios: Manuel Olveira y Álvaro Rodríguez Fominaya

El C3A presenta la muestra individual Todo es otro de la artista Ana Prada (Zamora, 1965). Una revisión de trabajos desde 1994. La obra de Ana Prada parte del objeto cotidiano para construir, desde la unidad de medida imaginaria de tazas, pelotas de golf, rulos o cuchillos, estructuras geométricas complejas, a veces de escala monumental.

Esta interrelación entre objeto cotidiano y escultura está en el centro de la tensión conceptual y formal que gira entorno a estas obras. Al mismo tiempo el volumen escultórico, la medida y el material generan diversos espacios y planos de perspectiva para el observador. Lo que en la distancia puede parecer una retícula, un tótem o un cubo, en el plano cercano se desvela como un conjunto de cucharas o botes de plástico desprovistos de su función utilitaria.

Esta búsqueda de objetos, texturas, materiales y colores, no es una asociación casual sino el resultado de un proceso de experimentación donde las propiedades de estos elementos se subordina a la obra de arte. De esta manera, Ana Prada lleva los materiales al límite de su frontera física de carga, pesos y fuerzas.

Coproduce: MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León

www.c3a.es

 

MUSICA: MWN. (LUIS ORTIZ) + CESAR MARTE.

 

MUSICA: HARALD.GROSKOPF. TAIKI 

 

 

ENT. ANA BERRUGUETE

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Ana Berruguete, directora exposiciones de la fabrica y responsable de exposiciones de photoespaña.

 

 

 

PHotoESPAÑA DIGITAL 

Tiempo detenido. Memoria fotográfica del confinamiento.

 

FUNDACIÓN ENAYRE y  PHotoESPAÑA reúnen en Tiempo detenido, Memoria fotográfica del confinamiento el trabajo de cuarenta fotógrafos que exploran la experiencia del confinamiento en España a través de diferentes miradas y voces narrativas. Un proyecto colectivo en formato de libro y también en exposición digital, que reunirá en la web del festival estos  trabajos.

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El confinamiento y la situación de crisis mundial provocada por la pandemia del coronavirus han dado un nuevo sentido a términos como urgencia, ausencia y tiempo. En un mundo detenido por la enfermedad, la urgencia y el aislamiento, las fotografías del proyecto nos hablan de la quietud y la inquietud, de una velocidad emergente y otra más lenta y pausada, de un tiempo interior y otro exterior. La vida en suspenso ha arrollado nuestras prisas y ha dejado imágenes que pasarán a formar parte de nuestra memoria.

Tiempo Detenido es memoria y testimonio, de carácter poliédrico y transversal, abordado desde diversos puntos de vista que genera diferentes temáticas como la espera, la emergencia, el vacío, la enfermedad, la muerte, la familia, la solidaridad, la urgencia, la esperanza, etc. a través de la fotografía. Se trata de un homenaje a la narración de vidas y a la suspensión del tiempo, además de un reflejo de un estado anímico y mental que oscila entre el olvido de uno mismo y la conciencia de sí mismos. El tiempo que habita en las imágenes que permanecen en la memoria. E l proyecto, cuenta con trabajos realizados por 40 fotógrafos en los últimos meses durante el confinamiento, desde que se decreta el estado de alarma el pasado 14 de marzo en España. La investigación y localización de trabajos realizados por los fotógrafos ha corrido a cargo de Eduardo Nave –él mismo ha fotografiado un Madrid desierto-.

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PHotoESPAÑA y Fundación ENAIRE han hecho la selección final de trabajos y autores, entre los que se encuentran Carlos Spottorno, Estela de Castro, Gianfranco Tripodo, Jorquera, Lurdes R. Basolí, Manu Bravo, Paola de Grenet, José Colón, Juan Millás, Judith Prat, Rafael Trapiello, Samuel Aranda y Anna Surinyach, entre otros.

Los trabajos reunidos son de carácter documental, pero también otros nos hablan de ensoñaciones y anhelos. El público podrá votar el mejor trabajo, que recibirá un premio de 3.000 euros.Los trabajos se mostrarán en la web del festival y una selección en un libro editado por La Fábrica y Fundación ENAIRE en el que las imágenes estarán acompañadas por las reflexiones de Elvira Lindo, Carlos del Amor y Mireia A. Puigventós.

 

www.phe.es/tiempo-detenido

 

MUSICA: BEAT LOVE. AVIAN HEART

 

 

MUSICA: SKUD HERO. COVID 19

 

 

CONTRAPORTADA: DUALIZE. DENSE

 

 

 

 

 

Rosa Pérez    3.jul.2020 09:25    

Migraciones, Mística y Ecología

    viernes 26.jun.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 29.06.20

 

 

PORTADA: HARALD GROSSKOPF. SO WEIT SO GUT. SYNTHESIST ( 40TH ANIVERSARY EDITION)

Synthesist

El músico de la electrónica alemana Harald Grosskopf re-edita “Synthesist”, su disco debut como solista, a través del sello Bureua B, 40 años después de su publicación, en 1980 y que documenta el trabajo de todo un verano encerrado con un sintetizador Minimoog y una grabadora.

Synthesist” fue el primer disco que Grosskopf lanzó en solitario, tras sus trabajos previos en grupos de krautrock como: Ashra y Wallenstein y fue publicado por el sello Sky Records. Para esta edición de aniversario que festeja sus cuatro décadas, Bureua B reunió nuevas interpretaciones de las piezas del disco, a cargo de artistas como Pyrolator –alias del músico alemán Kurt Dahlke-, Paul Frick y Thorsten Quaeschning de Tangerine Dream, entre varios otros.

www.haraldgrosskof.de

 

MUSICA: ECHION . SCREAMER

ENT. TANA GARRIDO

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EXPOSICIÓN: ALINA AGUILA Y TANA GARRIDO: De la infancia a la vejez, y también viceversa. Azkuna Zentroa. Bilbao Hasta el 18 de julio.

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Las artistas residentes del Programa de Residencias de Prácticas Artísticas 2019, Tana Garrido (1989) y Alina Aguila (Cuba, 1987), muestran De la infancia a la vejez, y también viceversa, el resultado de los proyectos llevados a cabo durante su residencia en Azkuna Zentroa, en colaboración con el programa Artista x Artista’ del Estudio Carlos Garaicoa en La Habana. Los trabajos de ambas artistas conforman un diálogo que reflexiona sobre la infancia, el juego, el desprendimiento y la memoria colectiva.

MUSICA: BELAU feat Kristine Stube Teglbjaerg. Rapture.

 

MUSICA: BROMO. NO SIGNAL

ENT. SIXE PAREDES

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Exposición: Círculo Sagrado. Sixe Paredes. Galería Rocio Santa Cruz. Barcelona. Hasta el 10 de septiembre 2020.

 

En el año 2008, Sixe Paredes fue uno de los seis artistas invitados por la Tate Modern de Londres para pintar su fachada principal, por primera vez. Desde entonces, se han sucedido con éxito sus exposiciones internacionales en Paris, Pequín, Bruselas, México, Londres, Madrid, Montreal. 

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A pesar de su trayectoria internacional, Sixe Paredes no exponía en Barcelona desde el año 2011. CíRCULO SAGRADO se articula a partir de diferentes estilos, que van desde la Abstracción Pictórica más pura, con la que hace un guiño con difuminados y golpes líquidos que se escurren, hasta sus orígenes en la pintura en la calle. Simultáneamente, dialoga con otros lenguajes en los que la forma se hace y se deshace, acompañando lienzos con piezas hechas con ensamblajes de varios materiales: lanas y cuerdas, cuentas y barras de maderas pintadas. Y llega hasta la trasmutación en el uso de los mismos elementos simbólicos, que explora con otros soportes artísticos, como el videoarte o la utilización de textiles urdidos a mano, que siguen tradiciones ancestrales de origen mesoamericano, fruto de su experiencia artística en Perú.

 

MUSICA: KINGLMAN. DREAM HOUSE

 

PRESENTACION SQUD HERO+ ROMA CALDERON

 

 

MUSICA: SQUD HERO. COVID´19

 

 

ENT. PEPA REVERTER.

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Tot Cor es un proyecto artístico, colaborativo y solidario que apela a la generosidad y los buenos sentimientos. Su pieza principal es el Cor, un jarrón hecho con el corazón para reivindicar los valores fundamentales que constituyen la riqueza del ser humano: amor, bondad, humanidad, ética, respeto, generosidad y fraternidad.

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La silueta del Cor, que en catalán significa corazón, es un símbolo universal. Está presente en muchas culturas y recurrimos a él cuando queremos compartir y exteriorizar sentimientos. No lo hemos inventado. Lo hemos materializado como un objeto icónico, que aparentemente tiene la simple función de un jarrón, para convertirlo en la base de un proyecto artístico. Eso es lo maravilloso del arte, que puede convertir algo que es abstracto, como un sentimiento, en algo formal para darle visibilidad y cargarlo de significado.

Queremos crear una gran familia de corazones que sea tan diversa como la vida misma. En esta exposición los artistas y diseñadores que participan son Juli Capella, Lolita Cortés, Rosa Cortiella, los díez, Meritxell Duran, Catalina Estrada, Jaime Hayon, Javirroyo, Miralda, Marre Moerel, Sergio Mora, Lázaro Rosa-Violán, Anna Ruiz, Jordi Torres y Ramón Úbeda. Una selección de creadores de diferentes procedencias y estilos que representan la gran diversidad cultural que nos rodea. En el futuro se sumarán otros autores a este proyecto donde colaboran también destacados fotógrafos como Marcela Grassi y Rafael Vargas. Y la empresa Adaequo, que ha realizado un banco para sentarse a la sombra del Cor. Una pieza única producida con

la última tecnología de impresión 3D.

Una parte importante de Tot Cor es la solidaridad con las personas que padecen males incurables que son invisibles para una gran parte de la sociedad. Todas las piezas de la colección se comercializan y una parte de los beneficios que generen sus ventas se destinará a la Fundación Miquel Valls, una entidad privada y sin ánimo de lucro, pionera en el Estado español, que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas afectadas de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica) 

Pepa Reverter es la comisaria de esta exposición y la artista que ha diseñado este jarrón como un manifiesto con la idea de enviar un mensaje colectivo de esperanza y la intención de crecer en un proyecto amplio, que adquiera otras dimensiones y formatos donde podamos seguir hablando del amor y los buenos sentimientos con creatividad, a través del diseño, porque el amor es lo que te acerca a los demás. El Cor es un simple objeto, un elemento decorativo para la casa o el espacio de trabajo que está ya en los canales comerciales. Pero el lugar infinitamente más importante al que puede llegar está en nuestros propios corazones.

WWW.PEPAREVERTER.COM

 

MUSICA: IURY LEG. STELLIUM.

 

MUSICA: LOVE-SONGS. DAS LABYRINTH. NICHT NICHT

 

ENT. FERRAN BARENBLITZ

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Hablamos con Ferran Barenblitz, director del MACBA, que poco a poco vuelve a la normalidad con una programación llena de contenidos y propuestas para todas las edades.

www.macba.cat

 

 

CONTRAPORTADA: HARALD GROSSKOPF. TAI KI. SYSNTHESIST

 

 

Rosa Pérez   26.jun.2020 09:58    

Poesía, fotografía y feminismos

    viernes 19.jun.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 22-06-20

 



PORTADA: LOVE-SONGS. DAS LABYRINTH del álbum Nicht Nicht

 

Love-Songs, son un trío de Hamburgo que desde 2012 vienen haciendo una mezcla de electro acústica con la que explorar los confines de la improvisación y los procesos creativos. Hasta ahora habían publicado varios Ep´s  y un mini álbum titulado Inselbegabun y es en 2020 cuando han cambiado de sello discográfico y afrontan una nueva etapa con un disco titulado Nicht Nicht

 

 

MÚSICA: MWM+CESAR MARTEL. INSIDE US

ENT. HENAR SASTRE, fotógrafa.

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Húrgura, es un poemario fotográfico escrito por Fermín Herrero (Premio Nacional de la crítica, Gil de Biedma, Adonais, de las letras de Castilla y León) que cuenta con fotografías de Henar Sastre.

Los poemas que contiene este libro , editado por Páramo, han sido escritos como vaga imitación de los Juéjù de la literatura china clásica, de hace once, doce, trece o catorce siglos, una estrofa de cuatro versos, cuya extensión, algo más amplia, y la menor sujeción de su naturaleza, permiten una mayor respiración que la de los socorridos Jaikus japoneses.

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Henar Sastre se ha encargado de poner imágenes a los poemas de Herrero. Fotoperiodista en el Norte de Castilla, ha sido galardonada con el premio Nacioanl de fotografía y ha trabajado con escritores como Delibes, Martin Garzo o Jiménez Lozano.

 

MÚSICA: TIMU14. KLEMENT BONELLI feat COCO. SOMETHING

MÚSICA: SLVJ. GRANULADA

ENTREVISTA JAVIER PORTO.

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EXPOSICION: LOS AÑOS VIVIDOS. JAVIER PORTO. Comisariada por Pablo Sycet Torres.  Iglesia de las Francesas. Valladolid 

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En el arranque de los 80, Javier Porto conjugó su vocación de fotógrafo callejero del Madrid de la época con los salones glamurosos de N. York cuando en el 84 trabajó como asistente de Robert Mapplethorpe.

La extensa trayectoria profesional de Javier Porto y su relación con la cultura española de las últimas décadas ha sido tan imprevisible como una larga historia de amor no siempre bien avenida.

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La exposición, Los Años vividos se divide en dos bloques de características bien diferentes,"La noche se mueve" y la suite "Grace, Andy, Keith, Robert y Cía"

 

MÚSICA: ECHION. THE CALL

 

PRESENTACIÓN . CRUDELITAS

 

MÚSICA: CRUDELITAS. DESHUMANIZACIÓN

 

ENTREVISTA: ANGEL LÓPEZ SOTO,fotoperiodista, ganador en la categoría de Deporte de los SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS 2020, con su trabajo sobre los luchadores en Senegal.

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La lucha se ha convertido en el deporte nacional número uno en Senegal y partes de Gambia. Este deporte que en algunas zonas de África es más popular que el fútbol, mueve hasta 50.000 espectadores en un estadio. Para muchos es parte de la vida, tradición y cultura africanas en las que hay una mezcla de creencias animistas y musulmanas. Las imágenes de Angel muestran a luchadores entrenando en una playa de Dakar.

 

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MÚSICA: NAU LEONE. RAICES

ENT. ROCIO DE LA VILLA Y MARIBEL DOMENECH.

 

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El Centro del Carme de Cultura Contemporánea de Valencia presenta "Acciones Cotidianas", de la artista valenciana Maribel Domenech, una gran retrospectiva que recoge 35 años de carrera y que se encuentra dentro de la convocatoria "Trajectories" que el Consorcio de Museos de la Comunidad pretende rescatar la obra de creadores de larga trayectoria y que , como el en caso de Domenech, no han tenido la representación que se merecen dentro de la ciudad.  

La muestra ha sido comisariada por Rocio de la Villa y repasa a través de sus salas el arte comprometido y feminista de esta artista, a través de esculturas, instalaciones, fotografías, videos y proyectos colaborativos.

Acceso al tour virtual : vtour.centredelcarmen.es

CONTRAPORTADA: LOVE-SONGS. PROXI I del álbum Nicht Nicht.

 

 

 

Rosa Pérez   19.jun.2020 12:47    

Realidades distópicas

    viernes 12.jun.2020    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 15.06.20

 



DISCO PORTADA: NAU LEONE. Confianza

Presentamos el nuevo EP de NAU LEONE, se titula ‘Confianza’ y lo publica en su sello Be Your Own Studio Label.

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NAU LEONE DESCUBRE ‘CONFIANZA EP’

  

Nau Leone crea paisajes únicos, donde la música electrónica se transforma en puro ambiente cinematográfico. Un imaginario sonoro repleto de múltiples ejes y aristas, dando como fruto un trabajo que, por encima de todo, se define por su gran personalidad. Crea composiciones que te harán viajar sin ni siquiera moverte, auténticos soplos de aire fresco, en plena cara, que mueven y conmueven. 

CONFIANZA EP’

Confianza’ y ‘Raíces’ conforman este nuevo EP firmado por Nau Leone. Un trabajo en el que nuevamente se olvida de límites y deja todo tipo de estereotipos a un lado, conectando con su esencia profunda y bailable. Sintetizadores agresivos, ambientes, pianos e instrumentos del folclore argentino y andino como el charango o la zampoña, creando espacios realmente bellos. Música de contrastes; tan versátil que te permite disfrutarla tumbado en el sofá o quemando pista de baile sin cesar.

 

Inspirada en los paisajes de Argentina - Jujuy, Purmamarca, el EP refleja la conexión y raíces que sostiene el artista con estos parajes y, de paso, lanza un mensaje para el mundo (y para él mismo): “La confianza es lo más importante. La autoconfianza puede llevarte a lograr todo aquello que nunca imaginaste. Confiar en tu entorno te hace percibir mundos completamente nuevos”.

 

[Cover Art] Nau Leone - Confianza (BYO-001)

 

MUSICA: SUSTAINER. ANTICUARIO

ENT. ALMUDENA LOBERA

Almudena Lobera es una creadora que casi de forma premonitoria ha desplazado la mirada de los físico a lo digital, en el espacio y en el tiempo. Con dos exposiciones inauguradas en febrero y cerradas al poco tiempo aún se puede recuperar parte del trabajo invertido.

 

Almudena lobera ok

 

 

Curiosamente las dos tratan temas que se han vuelto de más actualidad debido a la "crisis de la experiencia física" que estamos viviendo. Una de ellas hablaba del uso de "STORIES" y redes como plataforma expositiva en convivencia con el espacio físico. La instalación parece una premonición a la nueva normalidad de distanciamiento social.

La que ya no abrirá al público es la de Tabacalera, "TECHNICAL IMAGES", la dejaron sólo en Visita Virtual en la web de Promoción del Are Tabacalera hasta el 2 de julio que abrirán ya con nuevo programa.

Ahí os dejamos  la información de ambas muestras, así como dos videos documentales que logramos hacer antes del confinamiento.

 

TECHNICAL IMAGES. Tabacalera Madrid

info y fotos: http://almudenalobera.com/Technical-Images

video Ministerio Cultura:

 

visita virtual: https://tourmake.it/TechnicalImagesAlmudenaLobera

"Technical Images", muestra una serie de trabajos fruto de las experimentaciones realizadas por Almudena Lobera en Japón durante la residencia Tokas (Tokyo Arts & Space) en octubre y noviembre de 2018. En esta exposición, Lobera juega trastocando dos de las coordenadas de la comunicación clásica: por un lado, el uso de un mismo lenguaje, que en este caso ella desdobla en tres: el inglés, el japonés y los códigos informáticos, y la transmisión a través de diferentes medios/tecnologías realizando una transferencia en ambos sentidos entre acciones tradicionales y analógicas, así como mecánicas y digitales.

 

 

STORIES. Espacio CDMX México

info y fotos: http://almudenalobera.com/Stories

video documental: 

 

"Stories" plantea otra manera de visitar una exposición de arte, modificando la lógica de la ubicación de la obra, el espacio y el espectador. En este caso, la muestra será la que se mueva mediante una cinta móvil, desplazándose en un movimiento continuo con una serie de obras ubicadas en ella, mientras que el espectador tendrá que detenerse frente a una ventana para dejar que la exposición pase delante de él y podrá grabarla con su Smartphone sin moverse de su ubicación. Con este proyecto, Almudena Lobera investiga acerca de la percepción, la representación y el lugar del espectador en la sociedad contemporánea. Las piezas –propuestas para una lectura lineal– son obras autónomas que conectan géneros y técnicas tradicionales con tratamientos de la imagen de aplicaciones digitales, al mismo tiempo que dialogan con el propio display en el que están expuestas. Este proyecto pretende presentar al público una escenificación crítica e irónica de los mecanismos de consumo y comunicación imperantes en nuestros días.

 

 

 

MUSICA: ASIAN DUB FOUNDATION. SWARM’

 

 

 

 

INDICATIVO

 

MUSICA: ANNA CARAGNANO E DONATO DOZZY. PAROLA

Fluido Rosa en Venecia, con Miguel Mallol.

 

Comisario y crítico de arte ha residido en Londres y desde hace años, vive y trabaja en Vencia, Italia, donde nos recibe en su casa y hablamos con él de su visión global del arte contemporáneo desde su perspectiva y nos adelanta algunos de sus proyectos para los próximos meses.

 

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www.miguelmallol.com

 

 

MUSICA: BEATLOVE. HOURLOVE

 

MUSICA: ZIUR & AISHA DEVI. BODY OF LIGHT

PROYECTO: ACCION POR EL ARTE. 

Exposición/subasta #05 comisariada por Gloria Oyarzábal . 21 junio 2020

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Bajo el título "It's such a perfect day, I'm glad I spent it with you” en la que plantearé la visibilidad de la mujer artista como eje principal, apelando al acompañamiento. Esta crisis ha puesto en evidencia, en la mayoría de los casos, lo lejos que estamos de una equilibrada conciliación –las cuidadoras y las  madres ven su mochila aún más cargada- y de una verdadera equidad – las diferencias de género, raza y clase se han extrapolado aún más- en nuestra sociedad. 

 

Si, efectivamente, las Artes visuales han quedado en penúltimo lugar de consideración dentro de las ayudas extraordinarias; dentro de estas, las mujeres artistas siguen estando invisibilizadas, quedando aún más atrás si cabe. Haciendo un guiño a la canción de Lou Reed, apelo al reencuentro, al acompañamiento, a la interseccionalidad, a la empatía y a la resilencia. 

 

Pensemos en verde, en rosa, en blanco o en negro; irónica, caustica o sarcásticamente dialoguemos en silencio; abracemos el absurdo, caminemos en paralelo, y en direcciones opuestas; identifiquemos y reconozcamos privilegios y carencias, anhelemos. Gloria Oyarzábal.

Si entras en la web https://accionporelarte.es/expo-05/ y pichas en el nombre de cada artista podrás ver las obras que se exponen/subastan.

MUSICA. PANDOE. CITIES NEED MAGIC

 

 

MUSICA: DIE WILDE JAGD. EMPFANG

Logo-ca2m

 

EL CA2M DESPUÉS DE LA COVID-19
MANUEL SEGADE

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Los museos surgieron de la necesidad de preservar objetos depositarios de una identidad cultural. Su autoridad disciplinaria emanaba de su capacidad para dar definición a un colectivo social. Si un museo recoge el legado material que compone una cultura para reproducirla en el transcurso del tiempo como igual a sí misma, su naturaleza es conservadora. Pero el legado que custodia también puede ser entendido de otra manera, con otra potencialidad: los objetos cristalizan relaciones socio-históricas de producción y cuando se les devuelve su contexto, cuando recuperan la experiencia de su sentido, pueden servir como herramientas para concebir nuevas formas de tradición que a su vez den lugar a nuevas formas sociales. Un museo de arte contemporáneo se define por fuerzas similares, pero –debido a su objeto cambiante, que atiende a un presente inmediato y que necesariamente ha de abrirse al futuro– está destinado a ser en sí mismo un proceso social. Un museo de arte contemporáneo no es una voz sino un coro de voces. No es un cuerpo, sino una forma coreográfica.

En el CA2M siempre hemos defendido que, como institución, somos una ficción especulativa: pensamos en cómo ser útiles para las prácticas artísticas que vendrán. Entonces, ¿cuál es la responsabilidad del arte con respecto a la creación de futuro? Si queremos pensar en la función de nuestras instituciones, es fundamental pensar qué le hace el arte al lenguaje, qué le hace el arte a la identidad y qué le hace el arte a la realidad. Y, sobre todo, qué les va a poder hacer.

Cuando los niveles de contaminación del virus desciendan, podremos anticipar que habrá una gran parte de la población que seguirá más aislada que nunca. Como institución pública, parece fundamental que nos activemos como un espacio en el que la gente pueda deshacer los hábitos del aislamiento, darse sentido como comunidad y generar un intercambio fluido de formas patrimoniales inmateriales, es decir: blandas, livianas y vivas, que permitan superar un invisible trauma compartido.

Aquí nuestros participantes siempre han puesto el cuerpo entero. Ahora el cuerpo es la marca de una distancia, una marca de separación en el espacio. Pero, como lugar para la reinvención de un espacio simbólico y de pensamiento común, ¿no tenemos herramientas para salvar ese trayecto? Nuestros museos de arte contemporáneo no se vuelven feministas o preocupados por los temas de género, no se vuelven interesados por la diversidad étnica o racial, ni se interesan súbitamente en demandas sociales concretas, sino que estos temas están en el corazón de las prácticas artísticas que definen nuestro sujeto institucional. Nuestras instituciones deben erigirse como parte de las condiciones materiales de igualdad.

Trabajar por la legibilidad de todo lo que acaba de ocurrirnos y nos está ocurriendo y por la inserción del problema en un circuito más amplio de coexistencia más allá de lo humano, que incluya tanto a las cosas como a las demás especies, es una tarea fundamental. En ese sentido la horticultura o tejer son formas manuales de desarrollar la resiliencia: la capacidad humana de asumir con flexibilidad situaciones límite y de sobreponerse a ellas. La resiliencia supone desarrollar la inmunización como autocuidado, comprendiendo cómo protegerse a uno mismo supone necesariamente proteger la interrelación con los demás, una comprensión de la necesaria interdependencia. Es decir: hemos de ser capaces de poner la vida en el centro de nuestras prácticas.

El CA2M es una estructura de apoyo de la escena artística que nos rodea y uno de los elementos fundamentales para su conexión internacional. Creemos que, si esta situación nos complica, debemos abrazar la complejidad como programa, nos comprometemos a convertirnos en un espacio de acciones positivas y propositivas, necesitamos crear alianzas que lo vuelvan de nuevo confortable. Las nuevas experiencias ya nos están enseñando otro tipo de tiempos y debemos articularlos en nuevas formas de relación.

www.ca2m.org

 

 

 

CONTRAPORTADA. NAU LEONE. Raíces

 

Rosa Pérez   12.jun.2020 11:27    

Hacia la nueva normalidad

    viernes 5.jun.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 08.06.20

 

 

PORTADA: AARP.03. The “Axis of Evil" [G. Bush] . PROPAGANDA.

 

Aārp creció arrullado por la música, que sus padres le enseñaron. Heredó esta cultura como una oportunidad monumental, a veces monolítica, entre el Conservatorio y los registros familiares de Bach, Mendelssohn o Chopin. Su hermano le presentó la exuberancia del sello Warp cuando era un adolescente, con el álbum Hello Everything de Squarepusher. Cuando derrotó a The Wanderer, su alias anterior surge Aārp. 

Después de un tweet sobre Rone, Alexandre Cazac, DA de InFiné, lo contacta y le pone en un remix del grupo de la casa Downliners Sekt, luego llegaría su primer EP ArchiTextures, seguido de ArchiTextures. Rmxd en 2016., comenzando un búsqueda que le ha llevado a Propaganda, el primer álbum compuesto en el verano de 2019, en medio de crisis sociales. Muy marcado por los mandatos políticos violentos que resuenan incluso en los cuerpos, decide tratarlos con su propia ironía. Aārp tiene en mente el libro Propaganda del especialista estadounidense Edward Bernays, y se burla de la deshonestidad intelectual de las declaraciones puramente artificiales. En los títulos de sus canciones, cita a George Bush ("El 'Eje del mal'", cuya línea melódica clara en un marco denso, sugiere Oneothrix Point Never), Margaret Thatcher ("No hay alternativa"), pero también los cínicos oxímorones de Monsanto ("Roundup, el herbicida que llega a la raíz del problema") o Philip Morris ("Entregando un futuro libre de humo").

Para encarnar estas intenciones, Aārp no recurre al sonido de manifestaciones o explosiones. Sus texturas electrónicas son suficientes: materiales orgánicos, fricción cromática, melodías luminosas ... un lirismo iridiscente perfecto. Aarp_Propaganda_Sixtine_Dano

 

MUSICA. VIOLENT. VICKIE. CIRCLE SQUARE.

 

Circle Square "es una pista electrónica sombría y ruidosa con voces tristes y arrogantes que explora la ilusión de no pertenecer. El segundo sencillo de su próximo LP que verá la luz e otoño. Violent Vickie presenta en Circle Square una mezcla de ritmos techno / electro y ruidosa textura de sintetizador, que recuerda a la melodías techno oscuras a las que Vickie da rienda suelta en las fiestas de Oakland.

 

 

ENT. IGNACIO URIARTE

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Ignacio Uriarte (Krefeld, Alemania, 1972) estudió Administración y Dirección de Empresas en Madrid y en Mannheim, para entrar a trabajar seguidamente para empresas como Siemens, Canon, Interlub y Agilent Technologies en Alemania, España y México. En 2003 decidió dejar su último trabajo serio e iniciar su carrera como artista, momento a partir del cual dio a su obra el título genérico de «office art» o «arte de oficina». Sus piezas se realizan a partir del material de oficina que se encuentra por todas partes: clips, bolígrafos Bic, grapadoras, hojas de cálculo, archivadores, cartuchos de tinta, bolas de papel, etc.

 

Ignacio uriarte

 

www.ignaciouriarte.com

 

 

MUSICA: BEAT LOVE. HUMAN CONCEPT

 

 

MUSICA: LYNDA BLAIR. The River

ENT. HUGO ALONSO

 

Exposición. UNDONE, Hugo Alonso DA2 Salamanca.

Hugo Alonso, formado en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca y Roma, desarrolla proyectos expositivos cuya naturaleza es heterogénea. Inicialmente pictórica, su obra ha ido expandiéndose hacia otros campos como el vídeo, el sonido o la instalación audiovisual.

La exposición que ocupará el Domus Artium 2002 se desplegará de una forma secuencial y ascendente sobre toda la planta inferior del museo. Muda al principio, ya que únicamente lo visual tendrá presencia, irá mutando en una suerte de estímulos audiovisuales, tras los cuales el espectador será quien finalmente decida dónde están los límites físicos de esta exposición, caracterizada por una semántica ambigua y una estética con reverberaciones de película onírica, after hour, parque de atracciones y pinacoteca clásica.

Hugo-Alonso-estudio-web

Su trabajo ha estado presente de forma continuada en los últimos años en ferias de arte contemporáneo nacionales e internacionales como Zona Maco, Volta, Arco, Seattle Art Fair, Art Toronto o Art Paris y forma parte de significativas colecciones públicas y privadas como MUSAC, DA2, Colección Pilar Citoler, Colección Rucandio, Colección Bassat, CAB, Fundación BMW, Diputación de Salamanca, CEART, Fundación Gaceta u Obra Social Caja España.

MUSICA: PEDRO LINDE. PARTE 2. LIZARD KING POEMS.

Fortín artesonoro ¬ 2020

"Lizard king poems" es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Ángeles -Febrero del 69-. La obra tiene una duración de 38:52, y está articulada en 10 secciones. 

www.hugoalonso.info

PRESENTACION: SUSTAINER

 

MUSICA: SUSTAINER. ANTICUARIO.

 

MUSICA: MRM + CESAR MARTEL. DUBRIDGE. INSIDE US.

 

ENT. ALBANO

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Para conocer a nuestro siguiente invitado nos vamos a trasladar virtualmente hasta Cambridge en Reino Unido, donde vive y trabaja Albano.

Albano Hernández es un abulense cuyos primeros pasos en el mundo del arte fueron casi en la adolescencia. Hijo de Artista, del pintor Antonio de Avila, nos abre su casa para acercarnos a su obra y a su condición de creador. 

Con una amplia formación, conocedor de técnicas y de los procesos creativos que son la base de tu obra, ha definido su trabajo como la evolucionado inevitable a lo largo de los años, desde la pintura de paisajes, centrada en la relación entre identidad y espacios desérticos, hasta el desierto personal de su estudio.

Su obra es conocida por sus pinturas, pero también hay dibujo y escultura. De hecho sus piezas incluyen un buen número de elementos, donde es  posible encontrar muestras de color, paletas, cuadrículas, dameros, cruces de ajuste, notas y medidas que dejan el fondo del lienzo para situarse como protagonistas de la obra, Que enriquecen el resultado final, que se nutre de todo ese magma de texturas y formas que quedan ahí dando densidad a la pieza final.

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ESPOSICIÓN:

VoYAGE. CENTRO DE LAS LENGUAS E INTER COMUNICACIÓN DE LA UNIVERSIDAD DE CAMBRIDGE. HASTA 25 JUNIO.

 

WWW.albano.uk

 

MUSICA: LA RESISTANCE. GOIN

Résistance y su nuevo proyecto, que acaba de empezar nueva etapa y ya está disponible su primer single adelanto, GOIN. Un himno futurista de cerca de cuatro minutos de magia que alternan tramos de sosiego e inquietud con breaks hiperbailables y acelerados, y que remiten por momentos a producciones de algunos de los artistas más reverenciados de la electrónica actual: de The Blaze o Bicep (como señalaba Mondo Sonoro en el estreno de su videoclip) hasta Cashmere Cat o el Flume más 2016.

Os cuento sobre él. La Résistance, alias de Fran Milla, es dj y productor de future beats y club music. En 2017 estrenó su primer EP (+800.000 reproducciones) y ha pasado por las cabinas de Blasé, Stardust, Sala Caracol y por festivales como el FIB, Low, Warm Up... Ahora, ha vuelto a retomar su actividad y quiere estrenar en un tiempo un nuevo trabajo. 

 

 

 

MUSICA. KINGLMAN. DREAM HOUSE

ET. ANA BASATT

 

ANA BASSAT

 Ana Bassat 

 

Estudia en Barcelona y París y se licencia en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) el 1995. Obtiene un postgrado de Paisajismo en la Escuela de Ingenieros Agrónomos de Barcelona.

 

En 1997 fundó el estudio de arquitectura b720, junto a Fermín Vázquez. Actualmente ella está a cargo de la organización, la metodología, los recursos y la gestión económica de la firma, liderando el crecimiento y la expansión internacional.

 

Su estudio es autor de algunos de los últimos hitos en la ciudad de Madrid como Hotel VP Plaza España o la agencia Campus WPP La Matriz (antiguo edificio Telefónica). Ana es también coleccionista de arte, afición que ha heredado de su padre, el reconocido publicista Luis Bassat.

 

B720 MERCAT

Sobre b720

b720 Fermín Vázquez Arquitectos cuenta con oficinas en Madrid y Barcelona.  Recientemente han celebrado sus 20 años de trayectoria con una exposición en la Galería Aedes de Berlín.

Entre sus obras y reconocimientos internacionales más prestigiosos se encuentran: el Pabellón Español para la Exposición Universal de Milán de 2014, el premio CTBUH Awards 2019 al mejor rascacielos del mundo por Torre Itaim en São Paulo, AIT-Award 2014 por el mercado Encants Barcelona, RIBA Award 2010 por la Ciudad de la Justicia,  LEAF Award 2006 por el edificio Veles e Vents de la Copa America de Valencia.

Recientemente, el estudio ha inaugurado el Hotel VP de Plaza España de Madrid y su primer edificio residencial construido íntegramente en madera en el barrio de Lavapiés de Madrid. 

Entre sus proyectos en marcha destacan la remodelación del estadio Camp Nou del FCB junto al prestigioso estudio japonés Nikken Sekkei, la rehabilitación del Banco de España de Barcelona y Polaris North, un nuevo edificio de oficinas referente en la zona de Nuevo Norte Madrid, así como proyectos internacionales en distintas fases.

Su obra ha sido expuesta en el MoMA de Nueva York, en el Cité de l'Architecture et du Patrimoine de París y en la Galería AEDES de Berlín.

 

www.b720.com

 

CONTRAPORTADA: AARP. 05. There is no alternative [M. Thatcher] . PROPAGANDA.

 

 

Rosa Pérez    5.jun.2020 12:30    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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