Cuaderno de bitácora de un encierro, capítulo I

    domingo 22.mar.2020    por Rosa Pérez    27 Comentarios

PROGRAMA 30.03.20

Cuaderno de bitácora de un encierro. Primer programa de la Esperanza.

En estos días que no está tocando vivir, es cuando estamos tomando conciencia de la fragilidad, de lo absurdo que hemos ido montando entre todos, una sociedad que crece en la desmesura.

La cultura, es lo que nos diferencia de otros seres vivos y es por ello que desde este programa y desde esta emisora vamos a seguir apostando por seguir ampliando nuestro conocimiento, gracias a los artistas y su diversidad. En Fluido Rosa, vamos a intentar seguir manteniendo Ivo ese espíritu con programas renovados cada semana, haciendo n esfuerzo y no rindiéndonos a las dificultades.

Siempre hemos apostado por el trabajo en red y la tecnología, y gracias a ello, hacemos posible que os siga llegando esta cita semanal, esta balsa que sirve de escaparate para los comportamientos artísticos

 

 

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR. KYRIOS feat KABAMOS

Aegeus

El nuevo álbum del madrileño Nacho Sotomayor está inspirado en Grecia, en su music popular y en la religiosa, incorporando texturas de la ortodoxia griega. Aegeus. Dice Sotomayor que espera que no este disco nos fijemos en la esencia de las cosas. Un momento introspectivo gracias a la invitación de la escucha de este nuevo disco.

MUSICA: DAVID DUYOS. NOSTALGIA DE TU VOZ

El ‘Festival Online Mujeres de Cine’ anuncia las películas finalistas de su 1ª edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de marzo de 2020

Festivalcine mujeres

Mujeres de Cine celebrará el ‘Festival Online Mujeres de Cine’, dedicado íntegramente al cine dirigido por mujeres. Un certamen que tendrá lugar online, a través de su plataforma Mujeres de Cine VOD entre el 23 y el 31 de marzo. Con su lanzamiento afianza su espacio de reivindicación y destaca la gran aportación del trabajo de las directoras de cine al panorama cinematográfico actual. 

Un festival V.O.D. (Video On Demand) accesible por internet desde cualquier punto de España a un precio único de 5,95€, cuya programación incluye 15 películas procedentes de 5 países: España, Costa Rica, Chile, México y Portugal, con títulos de ficción documental y no ficción. Estas son las películas que integran la Sección Oficial del festival:

<3, María Cantón Cabot (2018). 64 min. España.

Ainhoa yo no soy esa. Carolina Astudillo (2018). 98 min. España.

El despertar de las hormigas. Antonella Sudasassi (2018). 94 min. Costa Rica.

Hayati (mi vida). Liliana Torres, Sofi Escudé (2018). 83 min. España.

La hija de un ladrón. Belén Funes (2019). 102 min. España.

La portuguesa. Rita Azevedo Gomes (2018). 136 min. Portugal.

La vida sin Sara Amat. Laura Jou (2019). 75 min. España.

Les perseides. Annia Gabarró, Alberto Dexeus (2019). 70 min. España.

Mudar la piel. Ana Schulz (2018). 89 min. España

Nona, si me mojan yo los quemo. Camila José Donoso (2019). 86 min. Chile.

Ojos negros. Ivet Castelo (2019). 65 min. España.

Paradise hills. Alice Waddington (2019). 95 min. España.

Una corriente salvaje. Nuria Ibañez (2018). 72 min. México.

Varados. Helena Taberna (2019). Documental. 72 min. España.

Revê de mousse. Elena Molina (76 min). Documental. 2018. España.

Además de otras películas avaladas por la crítica o de gran recorrido en festivales como Nona, si nos mojan yo los quemo, Festival Mar del Plata, Festival de Rotterdam; Les perseides, premiada en Cinespaña, FIX Xixón, Rotterdam, Festival REC; o Paradise hills, película que ha pasado por Sundance, Sitges o el de Cine Fantástico de Austin.

PREMIOS

El festival otorgará un Premio del Público dotado con 1.000€. Los y las internautas que accedan al festival tendrán la oportunidad de votar a su película favorita. El festival favorece así la participación de los espectadores y las espectadoras, y su compromiso con la igualdad de género.

Además, con el objetivo de destacar el trabajo de las directoras de fotografía en un sector especialmente masculinizado, el festival contará con el Premio RC Service a mejor Directora de Fotografía, dotado con 3.000€ en concepto de descuento de alquiler de cámara de cine digital. Un galardón que será designado por un jurado profesional. Las nominadas premio RC Service a mejor Directora de Fotografía son:

  • Ana Catalá, de la película <3
  • Neus Ollé, de la película ‘La hija de un ladrón’
  • Griselda Jordana, de la película ‘La vida sin Sara Amat’
  • Elena Molina, de la película ‘Revê de mousse’

El Jurado del Premio RC Service está integrado por Belén Macías, directora y guionista; Pilar Sánchez Díaz, directora de fotografía; Javier Muñiz, Director Festival Internacional de Cortometrajes de Soria; y Vanessa Alami, directora de fotografía.

El fallo de ambos premios se hará público el 1 de abril.

APOYOS, PATROCINIOS Y COLABORACIONES

 

El ‘Festival OnLine Mujeres de Cine’ cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte, el patrocinio de RC Service y la colaboración de Ava Foundation, Cima, Coofilm, Directed by Women, Directoras De Fotografía, Docma, Espiralarte, La Gran Belleza, PNR, Unión De Cineastas y Wofest.

Además, y en relación a los últimos acontecimientos debido a la emergencia sanitaria en España, señala: “Justo en estos días en que las autoridades recomiendan que estemos en casa el máximo tiempo posible, el ‘Festival Online Mujeres de Cine’, que es 100% online, se convierte en una posibilidad para fomentar la igualdad de género desde nuestro hogares y descubrir las propuestas algunas de las directoras más relevantes de nuestro panorama cinematográfico actual sin movernos de casa.”

UN FESTIVAL ÚNICO

Si bien ya existen festivales de cine online, en España no hay ninguno expresamente dedicado al cine hecho por mujeres. A nivel mundial existen iniciativas similares, pero la mayoría de los casos hacen hincapié en películas de temática social y de derechos humanos. A diferencia de éstos, proponemos un nuevo relato construido a partir de propuestas creativas de mujeres cineastas de todo el mundo que enriquece la oferta virtual. Por lo tanto, se trata ahora de ofrecer a los y las internautas un visión más amplia, inclusiva y  completa.

El festival cuenta con única Sección Oficial en la que entran a competición largometrajes  de cualquier nacionalidad dirigidos o codirigidos por una o varias mujeres. Todas las películas de la Sección Oficial serán accesibles desde España del 23 al 31 de marzo de 2020 en a través de Mujeres de Cine por un precio único de 5,95€.

SOBRE MUJERES DE CINE

Desde sus inicios en 2010, los ejes principales del proyecto han sido la promoción y la visibilización del cine hecho por mujeres. Ejes que se materializan en el decidido apoyo a las directoras emergentes, el fomento de sinergias y networking entre mujeres cineastas y el reconocimiento de aquellas que han abierto camino y creado referente. 

A través de programaciones, presentaciones y coloquios se apela a una reflexión activa del público sobre la situación de la mujer en el cine y en la sociedad. 

Con un excelente balance hasta la fecha de más de 120.000 espectadores, más de 250 sedes nacionales e internacionales y más de 50 alianzas con festivales, filmotecas, museos o otros relevantes agentes culturales, Mujeres de Cine arranca el año apostando decididamente por nuevos espacios de promoción online, continuando así con el salto tecnológico iniciado el pasado año.

MUSICA: MONICA VERSTAT & SONAE. BETWEEM TWO WORLDS

MUSICA: SVLJ. GRANULADA

"Granulada, el último trabajo de la productora madrileña SLVJ, se publica esta próxima semana con dos temas que transitan la frontera entre el baile, la abstracción y el paisaje sonoro.

Slvj es una de las djs madrileñas más influyentes tras la etiqueta Abismal, un colectivo que revolucionó la forma de hacer electrónica desde la periferia durante los años 2010. Sus producciones y letras han aparecido en sellos como FuturePastZine o Caballito. Durante este curso ha actuado en festivales como el She Makes Noise de Madrid o el Sonoras de Valencia j, con la que compartimos escenario.

ENTREVISTA: MARTA PÉREZ IBÁÑEZ

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IMAGEN TOMADA EN NUESTRA PARTICIPACION EN EA MÁLAGA. 2017

MARTA PEREZMarta Pérez Ibáñez es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. Realizó cursos de doctorado con el Prof. Jonathan Brown en el Institute of Fine Arts, New York University. También es diplomada en Arte de la Contrarreforma por la Universitá Italiana per Stranieri de Perugia, Italia. Formó parte del equipo de investigadores en arte español de la Frick Art Reference Library de Nueva York. Entre 1991 y 2008, dirigió la Galería Durán de Madrid y el Premio de Pintura Durán. Ha impartido clases magistrales en el Máster de Museología de la Universidad Complutense de Madrid, el Instituto Superior de Arte, la Alliance Française y la Escuela de Negocios ESCP-EAP, entre otros.

Actualmente es presidenta del IAC, Instituto Arte Contemporáneo.

MUSICA: PAUL HASLINGER. SHUIYEJ

MUSICA:DEENA ABDELWAHEED. INSANITY

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Debido a la alerta sanitaria del COVID-19, La Caja Negra permanecerá temporalmente cerrada al público. Mientras tanto, nos mantenemos activos y os invitamos a seguir con la actividad a través de nuestra web y redes sociales. No dudéis en contactarnos para cualquier consulta:
 

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La exposición actual Antonio Saura. Foto-Grafía, 1962  sigue abierta y podéis visitarla en este link. Asímismo, os invitamos a consultar nuestras ediciones, en el dossier que elaboramos a principio de la temporada con motivo de nuestro 20 aniversario: link a dossier de ediciones
 

La inauguración de la próxima exposición John Baldessari. Madame Cezanne's Hairdos, prevista para el 16 de abril, se aplaza hasta nueva fecha, que comunicaremos tan pronto como sea posible, en función de como se desarrollen los acontecimientos y siguiendo las recomendaciones de las administraciones competentes.
 

MUSICA: ANDREA PARKER. MELODIUS

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR. FAEDRA.

ENTREVISTA: ENRIQUE MARTY Y ANA CURRA. Fundido a Negro.

Videoclip, realizado por el artista Enrique Marty junto a Ana Curra para su nuevo trabajo.

MUSICA: ANA CURRA. FUNDIDO A NEGRO. 

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MUSICA: EITH ALONSO. QUIREMITELETERNITE.

La música de Edith Alonso, la compositora madrileña cuyos inicios fueron en la electroacústica, para después pasar por la música concreta, y finalmente como exploradora de muchos procesos sonoros. Este es su nuevo trabajo, francamente interesante que os recomiendo y que podréis encontrar a través de su web edithalonso.com

MUSICA: KOMMEN. WARNING

Italiana de origen aunque residente en Barcelona desde hace 12 años, Tea a cruzado todo tipo de fronteras para llegar hasta territorios híbridos repletos de contaminación audiovisual. Entre la perforase, la danza, el documental y la generación en 3D, se ha movido por las principales ciudades europeas como fotógrafa y video creadora ahora también incorpora el sonido, como les está ocurriendo a otras artistas. Esta pieza que escuchábamos lleva como título Warning, y lo presenta bajo el alias de Kommen.  Una llamada de atención para lo que puede venir.

MUSICA: ERIK URANO. 

Flat Erik HA LANZADO su álbum más electrónico y experimental hasta la fecha. Un disco en el que SE MEZCLAN LOS silencios y momentos instrumentales CON Los breaks de percusión y las voces procesadas.

NEOVALLADOLOR, ES EL  primer álbum en Sonido Muchacho . La evolución lógica de uno de los artistas más respetados y característicos de la escena urbana.

CONTRAPORTADA: NACHO SOTOMAYOR. AEGEANCCCuaderno de bitácora 

Rosa Pérez   22.mar.2020 13:01    

SONORAS: Mercedes Peón y MUTEK: IOIO

    lunes 16.mar.2020    por Rosa Pérez    2 Comentarios

PROGRAMA 16.03.20

 



ESPECIAL SONORAS Y MUTEK

 

Proponemos un hermanamiento entre festivales. 

Sonoras, con el concierto de Mercedes Peón.

 

y MUTEK, nos permitió la escucha del proyecto de IOIO.

Imatge inicial

 

 

Rosa Pérez   16.mar.2020 11:46    

ESPECIAL MUTEK. ES 2020

    sábado 7.mar.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 769433656_780x439
09.03.20

 

Programa especial dedicado a la XI edición del festival MUTEK, Barcelona. Os invitamos a escuchar el concierto de Francesco Tristano, de Tadlee y Bleid. Escuchamos a Alain Mongueau, fundador y director de Mutek Canadá, la artista visual Milena Pafundi y la Consul de Italia, Gaia Danese como responsable del proyecto MUSE.

 

Bleid

 

 

Rosa Pérez    7.mar.2020 13:00    

Madrid Art Week

    viernes 28.feb.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 2.03.2020

 

Programa especial dedicado a la Madrid Art Week, con protagonistas de las ferias Drawing Room, JustMad, Arco  y los artistas: Alessia Rollo, Eugenio Merino y Avelino Sala, el ganador del Premio Cervezas Alambra de Arte Emergente y un largo etcétera.

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Monica Alvarez Careaga, directora DRAWING ROOM.

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Fata Morgana. Alessia Rollo, Embajada de Italia. Madrid.

 

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EUGENIO MERINO

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AVELINO SALA

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FERNANDO BAYONA

 

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ELI CORTIÑAS

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Irma Alvarez-Laviada, ganadora del Premio Cervezas Alambra, ARco 2020.

 

 

 

Rosa Pérez   28.feb.2020 12:39    

Mario Santamaría, MUSAC, Violeta Gil y Deena Abdelwahed.

    viernes 21.feb.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 24.02.20

 

PORTADA: DEENA ABDELWAHED. AH´NA HAKKEKA. DAHKAR

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La productora tunecina y Dj, Deena Abdelwahed  llegó a Francia con 26 años tras rodar en la escena de su país.

Su primer EP, Klabb, se publicó a comienzos de 2017 en Infiné y ese mismo año colaboró en el segundo álbum de Fever Ray, lo que supuso un salto cualitativo en su carrera.

Ahora esta mujer vuelve con un disco experimental un EP en el que se aleja de la pista de baile y profundiza en la producción proponiendo una lectura inteligente de una banda sonora en la que la cotidianeidad y los sonidos registradoas en grabaciones de campo, se mezcla con estructuras ritimcas propias de su background local.

 

MUSICA: CEL. PING KORRIDOR.

ENT. MARIO GUTIERREZ CRU. Coordinador de PROYECTOR20. VIDEOARTE/NEW MEDIA/ARTE DE ACCION.  ART MADRID.  12 feb-01 marzo.

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ART MADRID-PROYECTOR’20 INAUGURA SU PROGRAMA DE ACTIVIDADES Y ACCIONES EN VIVO
› La feria Art Madrid y la Plataforma de videoarte PROYECTOR inauguran un amplio programa de actividades y acciones dedicado al videoarte, el arte de acción y la performance. › El programa arranca mañana 12 de febrero con una clase magistral del artista Patxi Araújo en MediaLab Prado y la posterior inauguración de su obra site specific “Sherezade” en la fachada del edificio. › Comisariado por Mario Gutiérrez Cru, la programación abierta consta de tres clases magistrales en MediaLab Prado, una visita al estudio de Eduardo Balanza y una mesa redonda de expertos en la Sala Alcalá 31. › En esta edición el programa Art Madrid-Proyector’20 se hará extensiva a los días de feria con un stand propio dedicado a proyecciones, presentaciones y performances en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

Art Madrid inaugura la programación de actividades más intensa con motivo de su 15º aniversario. A las 17.30h del miércoles 12 de febrero, el artista Patxi Araújo iniciará la programación impartiendo una master class en el auditorio de MediaLab Prado. Bajo el título “All Prophets are Wrong” compartirá su experiencia creadora, los caminos explorados en la comunicación y sus procesos productivos incorporando la tecnología sin perder la carga del discurso. Posteriormente, a las 20.30h y a modo de inauguración se proyectará por primera vez la obra interactiva “Sherezade” . Una creación site specific de Patxi Araújo para la fachada de MediaLab Prado que propone jugar con el público a través de la generación aleatoria de oraciones y frases según la posición del espectador en la plaza delantera de la fachada. La obra podrá observarse durante todo el mes de febrero

 

MUSICA: NORTHWEST. THE DAY

 

MUSICA: KATHARINA ERNST. REMIX BY KING BRITT. X_03

ENT. MANUEL OLVEIRA director del MUSAC. LEÓN

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Una gran muestra de la Colección MUSAC inicia el 25 de enero la programación del 15 aniversario del museo.

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Con el título de 'Cinco itinerarios con un punto de vista', la exposición, que podrá visitarse hasta el 7 de junio, ofrece un recorrido crítico a través de la posición del museo en torno a cinco grandes temas relevantes en las prácticas artísticas contemporáneas que han guiado la programación y el incremento de la Colección MUSAC durante los últimos años.

A partir del 25 de enero de 2020, año en el que se celebra el 15 aniversario del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León desde su inauguración el 1 de abril de 2005, la totalidad de los más de 3.000 m2 de espacio expositivo del centro estarán dedicados a mostrar la Colección MUSAC a través de la exposición Cinco itinerarios con un punto de vista.

Esta muestra presenta obras de diferentes técnicas y medios -instalación, fotografía, vídeo, escultura o dibujo- de 84 artistas nacionales e internacionales pertenecientes a la Colección MUSAC, así como una extensa selección de materiales de la colección del Centro de Documentación. Las piezas aparecen desplegadas a través de cinco itinerarios que se corresponden con cinco temas relevantes en las prácticas artísticas contemporáneas que han guiado, entre otros, el incremento de la colección y la programación del museo desde 2013, año en el que Manuel Olveira (Porto do Son, A Coruña, 1964) asumió la dirección del centro. Se trata de la exploración de las prácticas feministas y de la construcción de los cuerpos e identidades, de las teorías y prácticas decoloniales, del trabajo con el contexto y la acción situada, de los archivos y la escritura expandida en su interrelación con las artes visuales, y de las publicaciones especiales y libros de artista.

A lo largo de estos apartados podrán verse obras de Daniel G. Andújar, Luis Camnitzer, Rineke Dijkstra, Dora García, Jenny Holzer, Isaac Julien, Ana Mendieta, Muntean / Rosenblum, Shirin Neshat, Néstor Sanmiguel, o Joana Vasconcelos, entre muchos otros.

La exposición, que podrá visitarse hasta el 7 de junio, incluye un punto de vista, el del propio museo, que se inserta en un preciso contexto histórico y cultural del que la institución forma parte. Aunque las cinco temáticas que vertebran la exposición ejemplifican bien la labor del MUSAC durante los últimos años, no muestran todas las líneas de acción emprendidas para dar cuenta del complejo devenir de las artes y la sociedad en este principio de mileno. Son, eso sí, una cata prospectiva de asuntos que, o bien han marcando nuestro pasado inmediato, bien indican algunos retos y vías de transformación para el futuro, o muestran la capacidad del arte para reflexionar en torno al presente y para pensarse a sí mismo y a la ciudadanía de manera crítica.

Paralelamente a la muestra, que podrá visitarse hasta el 7 de junio, la programación de actividades culturales y educativas del museo entre febrero y junio de 2020 estará dedicada al análisis y difusión de la Colección MUSAC, a través de una nueva edición del curso de Cultura Contemporánea, talleres y actividades con artistas y agentes culturales, artes en vivo y una activa programación infantil y familiar, que se completará durante el mes de abril con una programación especial de aniversario.

Una colección dedicada a las prácticas artísticas contemporáneas.

Cinco itinerarios con un punto de vista hace hincapié uno de los mayores activos del museo: su extensa colección, que cuenta con más de mil obras de 426 artistas nacionales e internacionales, a las que se unen las 291 obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Junta de Castilla y León, depositada en el museo, y libros de artista y ediciones especiales que forman la colección del Centro de Documentación.

El acervo del museo, que comenzó a construirse en el año 2003, se compuso inicialmente de obras posteriores a 1989, año de la caída del muro de Berlín y de la reestructuración política de Europa. En 2013 el marco temporal se amplía hasta finales de los años 60, ya que en torno a estos años tuvieron lugar una serie cambios políticos, sociales, culturales y tecnológicos que configuran el germen de el escenario global de nuestros días y que sientan las bases de la creación artística contemporánea, permitiendo completar los discursos presentes en los fondos del museo.

En la Colección MUSAC están representados artistas internacionales, nacionales y un buen número de autores de Castilla y León, en el empeño por mostrar el más amplio espectro posible de maneras de entender la creación contemporánea de una manera situada que conteste la dinámica centro-periferia.

https://musac.es/

 

MUSICA: LAFAWNDAH. JOSEPH

 

MUSICA: ANDREA PARKER. TOO GOOD TO BE STRANGE

ENT. MARIO SANTAMARÍA.

EXPOSICIÓN UNFIEXD INFRASTRUCTURES AND RABBIT HOLES. BLUEPROJECT FOUNDATION. BARCELONA.

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La Blueproject Foundation presenta la exposición Unfixed Infrastructures and Rabbit Holes, de Mario Santamaría, artista seleccionado en la pasada convocatoria de proyectos de la fundación. La muestra se podrá ver en la Sala Project del 24 de enero al 22 de marzo de 2020.
Mario Santamaría se enfrenta al mundo de las telecomunicaciones, internet, redes y flujos de datos.
El programa de residencias de la Blueproject es uno de los ejes centrales de la fundación, con el objetivo de apoyar la producción de nuevos proyectos y dar a conocer el trabajo de artistas emergentes e internacionales.
La Blueproject Foundation acoge la primera exposición individual de Mario Santamaría, en la que el artista re exiona sobre la conectividad de la red, sus desplazamientos y las relaciones matéricas. Mario Santamaría es el primer artista que expone este año de los tres seleccionados en el programa de residencias de la Blueproject Foundation en la categoría de exposición. Su propuesta se seleccionó entre cerca de 600 propuestas recibidas para proyectos expositivos y proyectos performance, y en su caso, se valoró positivamente el riesgo y el carácter experimental de la propuesta. Santamaría se enfrenta al mundo de las telecomunicaciones, internet, redes y ujos de datos. Un mundo en el que estamos completamente inmersos en la contemporaneidad y sobre el que la fundación cree que vale la pena re exionar. Santamaría propone analizar esta dimensión a través de la conectividad y la infraestructura como materiales de trabajo. Posibles reapropiaciones o perversiones de las normas estructurales en el trá co de datos y su navegación hacen visible la estructura física
y geográfica de la distribución de información por la red y cuestiona, entre otros temas, la supuesta inmaterialidad o inmediatez de internet. Observar el almacenamiento y desplazamiento de los datos por las redes de telecomunicaciones también permite poner en relación el cuerpo físico con el cuerpo conectado, transformado en datos que circulan por redes y dejan rastros por donde no hemos estado.
En la exposición se podrá ver una gran instalación de suelo técnico -comúnmente encontrado en centros de almacenamiento de datos- que transforma la Sala Project y por la que se distribuyen algunos elementos y obras, como fotografía, pequeños dibujos, pantallas con vídeos, routers especí camente fabricados y cables.

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En la entrada de exposición, una fotografía sacada de internet y ampliada a tamaño natural, muestra simplemente un agujero en una pared, mientras que al final de la sala vemos un vídeo de documentación en el que se puede ver un animal en el interior de un centro de datos. Con esta presencia entre fantasmagórica y real, Santamaría nos hace conscientes de un organismo vivo, un cuerpo orgánico, dentro del sistema, de los ordenadores. Una presencia que es inicialmente una amenaza para la funcionalidad de la red se transforma aquí en un reflejo de nuestra propia carne, un rastro de vida que atraviesa la complejidad tecnológica. Por otro lado, en otra parte de la exposición, podemos ver dos pantallas ubicadas en el suelo, una al lado de la otra, mostrando la misma imagen: un streaming en “tiempo real” de un péndulo de Foucault. Cada pantalla recibe la información por una red wifi distinta, una está directamente conectada a la red de la fundación, mientras que la otra se conecta a una red abierta creada por el artista, identificada por el icono de la exposición . Esta red, emitida por unos routers especialmente diseñados por Santamaría (unos tubos de espuma negra), ha sido programada para enviar la señal a diferentes sitios geográ ficos antes de finalmente llegar a Barcelona, por lo que acumula cierto retraso en su desplazamiento, visible en una de las transmisiones del vídeo del péndulo. El agujero de conejo es una forma de conectividad, una señal wifi, pero también es una incidencia, un punto de comunicación entre dos realidades: tiempo y contratiempo, carne y plástico, imaginación y computación, mapa y geografía. Los dibujos que se encuentran por la exposición ilustran justamente estos desplazamientos por los que la señal recorre, tanto geográficamente como en tiempo de retraso.
Toda la exposición propone al público adentrarse en una cierta narrativa, fragmentada y ubicada en un lugar poco determinado, en el que nos hacemos conscientes de la relación física, corporal, que tenemos con determinadas infraestructuras, supuestamente fijas e invisibles pero que pueden ser fácilmente intervenidas.
La exposición se acompaña con un texto escrito por Natalie Kane, comisaria, escritora e investigadora, actualmente comisaria de diseño digital en el Victoria and Albert Museum de Londres. A partir de proyectos anteriores de Mario Santamaría, Kane hace un relato de otras experiencias similares para enlazar con la actual propuesta presentada en la fundación.
El programa de residencias de la Blueproject es uno de los ejes centrales de la fundación, con el objetivo de apoyar la producción de nuevos proyectos y dar a conocer el trabajo de artistas emergentes e internacionales. La convocatoria se abre anualmente, alrededor de los meses de mayo y junio, y es gratuita y sin restricciones de edad, nacionalidad y temática. Cada año el número de proyectos presentados se incrementa (alrededor de 600 en la pasada convocatoria), así como la calidad de las propuestas presentadas Se seleccionan un mínimo de tres proyectos de artistas o colectivos que pueden disfrutar de un periodo de residencia para desarrollar o nalizar sus proyectos, que serán posteriormente exhibidos en la Sala Project.
En los cinco primeros años de la convocatoria se han seleccionado siempre tres proyectos expositivos. En la convocatoria 2018 han sido dos proyectos de exposición y uno de performance y ya para el año 2020 se convocaran tres de exposición y tres de performance.
Los artistas seleccionados en la pasada convocatoria han sido Mario Santamaría, Cristina Mejías y Serj en la categoría de proyecto expositivo y Laura Ramírez y Andrea Zavala, Julia Zac y Rubiane Maia para proyectos de performance. La selección ha sido realizada por el equipo de la fundación -Renato Della Poeta, Cristina López y Pedro Torres- y Aimar Pérez Galí en el caso de performance.

https://www.blueprojectfoundation.org/es/exposiciones/item/unfixed-infrastructures-and-rabbit-holes

 

MUSICA: JAVIER DIEZ ENA. MALANDROID

 

SONORAS GRACIAS

 

Violeta Gil nació en Hoyuelos, España, en septiembre de 1983. En 2002 viaja a Madrid e inicia estudios de Filología Inglesa en la Universidad Complutense y de interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En 2005 conoce a Itsaso, Pablo y Celso, con quienes funda la compañía La tristura, con la que trabaja forjando una trayectoria rápida y sólida en el panorama teatral español. Realiza también piezas en solitario. En 2015 se muda a Iowa City donde cursa el máster de Escritura Creativa. Escribe prosa y poesía. Compagina sus estudios con la práctica de la danza clásica. «Antes de que tiréis mis cosas» (Arrebato Libros) es su primer poemario.

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Violeta Gil, reconocida por su faceta de creadora y performer y por ser una de las fundadoras de la compañía de teatro La tristura. Gil presentó, Antes de que tiréis mis cosas, un poemario en vivo en el que aúna sus dos pulsiones, la escena y la palabra escrita. En el show mezcla su voz con las bases musicales de Abraham Boba.

 

CONTRAPORTADA: DEENA ABDELWAHED. LILA FI TOUNES. DHAKAR

 

 

Rosa Pérez   21.feb.2020 08:03    

ESPECIAL MADRID DESIGN FESTIVAL

    viernes 14.feb.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 17.02.20

 

 

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Programa dedicado al Madrid Design Festival, en su edición de 2020, desde el COAM (Colegio de Arquitectos de Madrid). Proponemos una aproximación al diseño contemporáneo a través de diferentes interlocutores.

 

MAX OLIVA.

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Recetas para la Disrupción. Forma parte de Studio Banana y cree en la transformación basada en el diseño. 

https://studiobanana.com/about/

 

JOSE MARÍA GÓMEZ. CEO PASSION BIKES.

 

SCOOBI

PASSION BIKES. Creadores de Soobic, un vehículo totalmente ecológico para el reparto de paquetería que ha sido adquirido por correos.

http://passionmotorbikefactory.com/

 

LLUVIA DE METEORITOS. ENORME STUDIO.

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Tras su paso por el Fuorisalone durante la Milan Design Week y la Velncia Disseny Week, llegan a Madrid Design Festival, con una espectacular puesta en escena de este proyecto en el que la empresa Finsa presenta un nuevo material de fibra en una instalación sobre el mundo astral. Centro cultural Fernán Gómez. Madrid. Hasta el 28 de febrero.

https://enormestudio.es/enormepeople

GALA FERNANDEZ.

Coam3

 

Artista y Diseñadora con una larga trayectoria con residencia en Milán.

 

http://galafernandez.com/

 

JULI CAPELLA.

 

CAPELLA

Comisario de la exposición !Funciono! porque soy así.  Muestra de una selección de objetos de la colección de Moisés Pérez de Albéniz. Centro Cultural Fernán Gómez. Hasta el 1 de marzo.

http://www.capellagarcia.com/es/estudio

Rosa Pérez   14.feb.2020 09:31    

Concentrico´20, Sala Arte Jóven Madrid, Centro del Carmen, Valencia y Felix Kubin

    viernes 7.feb.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.02.20

 



PORTADA: CEL. Felix Kubin / Hubert Zemler.

CEL

Felix Kubin es el rey del retrofuturismo, pero también es conocido por ser un galardonado dramaturgo radiofónico, arreglista de complejas bing bands, improvisador y experimentador electrónico.
El álbum debut de Cel, el dúo formado por Hubert Zemler y el propio Felix, es un laboratorio de cadencias ritmicas y descargas electro estáticas. Bajo la supervisión del productor Tobias Levin han creado siete piezas enriquecidas con instrumentos como vibrafonos, silófonos o percusiones africanas. Un disco para la escucha en el que encontrar muchas texturas y rincones quizás poco relacionados con los trabajos de Kubin, pero que nos descubren un disco en el que los límites no exiten y donde la creactividad se expande. Con el tiempo será un clásico.

CEL FELIX KUBIN & HUBERT ZEMLER

Se publica el 14 de febrero.
Premio mejor documental Dock of The Bay 2020: Felix in Wonderland/Marie Loisier. Por la forma libre y lúidica de retratar a un personaje, tan original como félix Kubin, y su mundo; en la que la película se construye como un juego creativo entre la cineasta y el músico, para reinvindicar la alegría, la creatividad y el hedonismo. Todo ello, con un rigor cenematográfico sorprendente.

 

MUSICA: ANDREA PARKER. Unnconnected

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MUSICA:DEENA ABDELWAHED. TAWA

 

MUSICA: MONIKA VERKSTATT + SONAE. BETWEEN TWO WORLDS

 

EXPOSICIÓN
UNA IMAGEN QUE NO DUELA NI CUESTE MIRAR. SALA ARTE JOVEN.  Madrid

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Entrevista Victor Aguado, comisario.

La Sala de Arte Joven presenta la exposición “Una imagen que no duela ni cueste mirar”, uno de los proyectos ganadores de la XI edición de la convocatoria “Se busca comisario”. La muestra, comisariada por Anne Françoise Raskin y Víctor Aguado, trata de realizar una arqueología de la noche madrileña a través de temas como la rebeldía subjetiva, la emancipación social o la alegría compartida por las colectividades temporales.

 

La exposición pretende resignificar y repolitizar la noche urbana, no como una imagen asociada al peligro, la emergencia, el dolor o el sacrificio, sino como un lugar de investigación donde las propuestas artísticas muestran las relaciones sociales que las generan. Una aproximación a la imagen de la noche y la idea de nocturnidad que se plasma mediante diversas experiencias espaciales, sonoras, corporales o coreográficas, a cargo de artistas de la escena madrileña como Paula García-Masedo, Jesús Madriñán, Elisa Pardo Puch, Marina González Guerreiro, El Puñal Dorao, Chenta Tsai y Possible Others. Estos artistas conviven con otros de diferentes naturalezas y procedencias geográficas, como Arca o Sturtevant, configurando un panorama más amplio.

MUSICA: KHAN EL ROUH MOUNT QAF

 

MUSICA: MISS KITTIN & THE HACKER. 1982


ENT. JOSE LUIS PEREZ PONS. Director del CENTRO DEL CARMEN. VALENCIA

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EPICENTRE’. THE WRONG, BIENAL INTERNACIONAL DE ARTE DIGITAL. Fechas: del 1 de noviembre al 1 de marzo de 2020.
he Wrong new digital art biennale es un evento global con el objetivo de nutrir la cultura digital de hoy. Su misión es crear, promover e impulsar el arte digital contemporáneo con visión de futuro a un público más amplio a través de un evento bienal que reúne una amplia selección de obras de arte digitales y abarca a diversos artistas, curadores e instituciones de la emocionante escena de la cultura digital actual.

A diferencia de otros años, la cuarta edición de ‘The Wrong’ se centraliza en un único espacio. El Centre del Carme será la embajada principal “Epicentre” y presentará la exposición que se difundirá de forma simultánea en routers y pantallas de todo el territorio valenciano, con la colaboración de más de 20 instituciones culturales. La bienal de arte digital podrá visitarse del 1 de noviembre de 2019 al 1 de marzo de 2020.

The Wrong sucede tanto en internet como en lugares físicos: la parte de internet ocurre en pabellones, espacios virtuales seleccionados en cualquier medio accesible en línea donde se exhiben obras de arte seleccionadas. La parte física ocurre en embajadas, instituciones, espacios de arte, galerías y espacios de artistas en ciudades de todo el mundo.

’VIAJE A CORFÚ. CARLOS PÉREZ. EL HOMBRE-MUSEO’. dEL 7.02 AL

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Viaje a Corfú. Carlos Pérez. El hombre-museo’ propone un recorrido por la trayectoria vital y profesional de Carlos Pérez (València 1947-2013), pedagogo, escritor, museógrafo y experto en las vanguardias artísticas del siglo XX. Con la exposición, a través de sus colecciones y trabajos, se ha querido recuperar la mirada aguda, crítica y divertida, la voracidad cultural y el gusto por la vida que lo caracterizaban, junto a una gran capacidad de trabajo y de ilusión por las cosas bien hechas, frente a un ambiente no siempre favorable. Entre los proyectos que no pudo llevar a cabo, había uno vinculado a la isla de Corfú, que ha servido para dar título metafórico a la exposición.

FUENCISLA FRANCÉS. PUNTO DE FUGA. Hasta el 1 de marzo de 2020

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‘Fuencisla Francés. Punto de fuga’, es el resultado expositivo de un proyecto presentado a la convocatoria pública “Trajectòries. 2018-2020” del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. En esta muestra se presenta una revisión de la producción de esta artista con una cuidada selección de su obra, realizada durante cincuenta años de intensa y extensa creatividad. Esta creadora plástica, doctora en Bellas Artes, se formó en las antiguas aulas de la facultad valenciana que se ubicaban, precisamente, en el actual Centre del Carme por lo que, en cierta medida, esta propuesta que presentamos supone un retorno a un espacio conocido y lleno de recuerdos.

Sin duda, el protagonista absoluto de esta exposición es el papel, que Fuencisla Francés trabaja en diferentes tamaños, gramajes y texturas y que utiliza tanto para dar forma a sus esculturas, como para realizar los collages de gran parte de sus trabajos o incluso en sus instalaciones, que se modifican para adaptarse al espacio expositivo de las salas ofreciendo así una visión nueva.

Pilar Tébar, comisaria

‘ESCIF. QUÉ PASA CON LOS INSECTOS DESPUÉS DE LA GUERRA’.Fecha: 20 de febrero de 2020. Sala Dormitori.Hora: 20:00 horas. Comisaria: Teresa Juan

INAUGURACIÓN ‘ESCIF. QUÉ PASA CON LOS INSECTOS DESPUÉS DE LA GUERRA’

‘Qué pasa con los insectos después de la guerra’ revela desde el romanticismo inquieto de un jardín mecánico el diálogo entre pulsiones de creación y pulsiones de destrucción que subyace a todas las propuestas de mundo. Desde el relato de la guerra, Escif articula un concierto ruidoso en el centro de un espacio de silencio que señala que, a pesar de todo, es posible seguir naciendo.

 

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Os proponemos un acercamiento a dos de los conciertos presentados en SONORAS III, en el Centro del Carmen de Valencia: Katarina Ernst y  Donna Maya

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CONTRAPORTADA: CEL.FELIX CUBIN/HUBERT ZEMLER 

Rosa Pérez    7.feb.2020 09:17    

Mujer, feminismos y electrónica: SONORAS III. Electric Indigo y Monika Werkstatt

    domingo 2.feb.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 03.02.20

 



SONORAS III. Jornadas de Música Experimental.

 

El Centre del Carme impulsa el festival SONORAS con creadoras de música electrónica. VIERNES 31 DE ENERO Y SÁBADO 1 DE FEBRERO. CENTRE DEL CARME. VALENCIA

 

En esta edición SONORAS ha invitado a mujeres que han impulsado plataformas y colectivos de apoyo y visibilización de productoras femeninas, como Gudrun Gut o Electric Indigo, pero también jóvenes creadoras y Dj´s de música electrónica. 

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Electric Indigo, es el nombre artístico de la austríaca Susanne Kirchmayr, productora, dj y creadora de la plataforma female: pressure, con la que lleva 20 años apoyando a mujeres que se mueven en la electrónica. Como compositora crea música para espacios de conciertos, clubes, instalaciones de sonido y ocasionalmente para obras de teatro y cortometrajes. En València presenta su último proyecto en directo, 511593, mientras ultima su próximo ábum, que verá la luz en primavera

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CONCIERTO ELECTRIC INDIGO

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Gudrun Gut, es una veterana de la electrónica centro europea, ella reúne a mujeres creadoras y productoras bajo el nombre Monika Werkstatt. Algunas de sus componentes, Barbara Morgenstern Mommo G, Pilocka Krach y la propia Gut, ofrecieron en SONORAS III un directo de electrónica improvisada.

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CONCIERTO MONIKA WERKSTATT

 

 

 

 

 

 

 

 

Rosa Pérez    2.feb.2020 10:29    

THE RYDER PROJECT, JUAN PABLO RODRIGUEZ FRADE, MADRID DESIGN FEST Y SONORAS VALENCIA

    viernes 24.ene.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.01.20

 

PORTADA: JUAN BELDA BIT BAND. PLASTIC ISLANDS. Del álbum No Encuentro la tónica.

Juan-Belda

El canario Juan Belda es uno de los músicos más versátiles e inquietos de la escena musical española de las últimas décadas. Músico formado en el jazz y la electrónica, Belda debuta en 1982 con el dúo Arte Moderno, dúo fundado con Javier Segura. El disco Ninette en Nueva York forma parte del legado canario al canon musical de los años de la movida. Posteriormente, Belda ha trabajado en multitud de proyectos de todo tipo, a veces relacionados con el mundo del arte y las instalaciones, además de los exclusivamente musicales. No hay género ni disciplina musical con la que Belda no haya experimentado, ya que a lo largo de su trayectoria artística ha compuesto música para cine, series de televisión, teatro y ballets. En su currículo cabe destacar también la creación, a finales de los noventa, del trío Waxbeat, formado junto a Patricia Kraus y Juan Gómez

Desde 2007 sus discos vienen firmados junto a la Bit band, formación musical que le acompaña en sus experimentos sonoros y con los que ha registrado ya cuatro álbumes. El último de ellos, No encuentro la tónica, fusiona jazz, electrónica, rock y experimentación en una nueva aventura sonora donde cada tema pertenece a una fuente de inspiración propia. En él cobran forma sonora experiencias personales de Belda en sus conciertos alrededor del mundo (“My Names is Giro Shirato”, “Nihon”), piezas que provienen de antiguos proyectos artísticos (“Plastic Islands”), referencias al cine (“El rey de la comedia”) y disquisiciones filosóficas que a veces no están exentas de humor, como el tema que da título al álbum.

Además de los miembros habituales de la Bit Band (el guitarra Epi Llorente, el bajista Enrico Barbaro, el clarinetista Pelayo Arrizabalaga y el batería Juanjo Ortí), en No encuentro la tónica colaboran músicos de la talla de Javier Colis (ex Mil Dolores Pequeños), Jorge Pardo o Pedro Barceló, además del ex Oviformia Sci Luis Prosper, que interpreta y escribe el texto de “Prosper’s Own”.

 

 

 

MÚSICA:NORTHWEST. THE DAY

ENT. THE RYDER PROJECT. MADRID.

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Siguiendo con uno de los objetivos que The Ryder se marcó en su desembarco en Madrid el pasado octubre, la artista española residente en Londres Saelia Aparicio expone por primera vez en una galería madrileña.

 

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Saelia Aparicio (1982) terminó un máster en escultura en The Royal College of Art en 2015. Su trabajo multidisciplinar habita en las ideas de lo orgánico, estableciendo analogías entre los mecanismos sociales y corporales. El cuerpo se convierte en una fuente maleable de asombro y horror para la artista. Su práctica abraca desde grandes murales de pared a esculturas en los que a menudo son protagonistas los “objet trouvés” y el cristal soplado. El humor, una estética inspirada en los cómics y la animación albergam la preocupación del impacto sobre el cuerpo humano de la vida cotidiana, el medio ambiente, las enfermedades y el paso del tiempo. En 2019, Aparicio ganó el premio Generaciones, uno de los más prestigiosos galardones que se otorgan en Europa a jóvenes artistas. En 2019 también, recibió la comisión de The Serpentine Gallery de realizar la película “Green Shoots” para un simposio dentro de su proyecto de investigación sobre ecología titulado “The Shape of a circle in the mind of the fish with plants” (La forma de un círculo en la mente de un pez con plantas).

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Aparicio presenta, con el comisariado de Rafa Barber Cortell, la exposición Planta, alzado, raíz, en la que la artista, ha creado un eco-sistema de personajes y situaciones a través de las cuales se filtra en el ideario colectivo para presentar cuerpos híbridos construidos de materiales llenos de carga semántica, en lo humano y lo no humano. Desde especies botánicas invasoras como la Fallopia Japónica que destruye cimientos o la Budeja que se crece en las grietas de los edificios, pasando por la crisis climática o los problemas de la vivienda, la obra de Aparicio navega por este presente a base de susurros, sin grandes declaraciones, sino hablando a través de los materiales, de los objetos que construye, de sus formas, generando en el espectador un deseo de imaginar con ella y pensar otros futuros juntos.

 

https://theryderprojects.com/?lang=es

MUSICA:MARTA DE PASCALIS. QUITRATUE.

 

MUSICA: MERCEDES PEON. DEIXAAS.

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SONORAS III

Festival música electrónica i experimentació sonora

Fecha: 31 de enero y 1 de febrero de 2020

Hora: 

  • 31 enero, de 20:00 a 23:30 horas
  • 1 de febrero, de 17:30 a 23:30 horas

Lugar: Centre de Carme. Sala Refectorio y Claustro Renacentista

Organiza: SONORAS, Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Centre del Carme Cultura Contemporànea

SONORAS es el primer festival de música electrónica del año que se instala en el Centre del Carme Cultura Contemporània. Se celebrará los próximos 31 de enero y 1 de febrero en compañía de destacadas creadoras del ámbito de la experimentación musical con la intención de alcanzar al gran público al que contagiar su compromiso con la comunidad creativa femenina.

En esta edición SONORAS invita a mujeres que han impulsado plataformas y colectivos de apoyo y visibilización de productoras de música electrónica como es el caso de la alemana Gudrun Gut, que reúne a mujeres creadoras y productoras bajo el nombre Monika Werkstatt. Además el festival cuenta con las artistas Electric Indigo, nombre artístico de la austríaca Susanne Kirchmayr, productora, techno dj y creadora de la plataforma female: pressure. Susana López aka Susan Drone,  compositora experimental y artista visual. Rosa Pérez, experta en arte y música, directora y presentadora del programa de RNE Fluido Rosa sobre música y arte contemporáneo. Slvj, fundadora en la década de 2010 Abismal, uno de los proyectos de música electrónica pioneros en términos de género, horizontalidad y uso de espacios. Y, Maguette Dieng, dj de origen senegalés, sus sesiones que se pueden escuchar en su programa Black Noise,  en radio Primavera Sound.

El cartel se completa con la artista multidisciplinar austríaca Katharina Ernst que une la composición abstracta y la interpretación polirítmica. Donna Maya, artista sonora afincada en Berlín que entiende sus composiciones audiovisuales como una contribución política para el cambio social. Mercedes Peón, artista española de amplio reconocimiento a nivel internacional que no ha renunciado a la raíz y la tradición con la que arrancó su carrera.  También la dramaturga española Violeta Gil, reconocida por su faceta decreadora y performer y por ser una de las fundadoras de la compañía de teatro La tristura. Y, Catalina Isis, polifacética artista de la escena independiente valenciana, vinculada principalmente al mundo de la música como dj.

SONORAS también acoge un espacio didáctico desde el que propone dos talleres la mañana del sábado 1 de febrero, uno a cargo del afamado inventor de instrumentos Yuri Landman en el que se hackeará un teléfono antiguo y otro impartido por Donna Maya en el que explicará la historia y el funcionamiento del theremin.

MÚSICA: ELECTRIC INDIGO. FERRUM.

 

musica: lafawndah. joseph.
ENT. JUAN PABLO RODRIGUEZ FRADE. Arquitecto y autor del libro Manual de Museografía.

Arquitecto y Premio Nacional 1995 de Restauración y conservación de Bienes Culturales por la Rehabilitación del Palacio de Carlos V como Museo de la Alhambra. Entre sus proyectos más destacados cabe citar el Museo Arqueológico Nacional, El Museo de Málaga y el Museo de Historia de Madrid.  Ganador del concurso de nuevos accesos del Museo Nacional Centro Reina Sofía. 

 

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MUSICA: ELECTRIC DJINN MIST. SHE´S EXCITED REMIX.

 

MUSICA: BELIEF DEFECT. DELIVERANCE

ENT. ALVARO MATIAS
MADRID DESIGN FESTIVAL. MADRID

 

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MUSICA: DEENA ABDELWAHED. A SCREAM IN THE CONSCIOUSNES

 

CONTRAPORTADA: JUAN BELDA BIT BAND. LUPITA EN EL DESIERTO.

Rosa Pérez   24.ene.2020 09:57    

IGNASI ABALLI, CARLOS MACIÁ, ANA LAURA ALÁEZ, COLECTIVOS OFFMOTHERS Y CONSONNI Y NORTHWEST

    viernes 17.ene.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 20.01.20

 



PORTADA:

NORTHWEST. BEFORE THE SPELL. II

Hace 4 años, nació Norhtwest. Poco después de habernos mudado a Inglaterra para perseguir nuestro sueño de hacer música, tras haber vendido casi todas nuestras pertenencias y dejado nuestros trabajos en España, subimos una canción a internet llamada Reflection sin tener ni idea de lo que nos depararía el futuro. En estos cuatro años han pasado muchas cosas: hemos girado varias veces por toda Europa, organizado un festival en Londres, lanzado 10 videoclips, dibujado 570 ilustraciones a mano para hacer un homenaje a algunas de nuestras películas favoritas, generado unas cuantas piezas de video-arte, colaborado con diseñadores de moda, fotógrafos, directores de cine, bailarines/as… Hemos reflexionado y cuestionado el modo en el que se lanza y se promociona la música hoy en día y, como experimento, escrito a mano y mandado 450 postales por todo el mundo a todos los que nos habéis apoyado en esta locura.
Hoy queremos celebrarlo como sólo sabemos hacerlo: haciendo más arte y música. Así que hoy hemos decidido lanzar la segunda parte de nuestro disco debut. Si, hay un segundo LP. Queríamos que fuera una sorpresa (aunque algunos de vosotros ya lo sabíais). Nuestro primer disco es oficialmente un disco doble. La primera parte (I) ya la conocisteis algunos en 2018 (cuando mandamos las postales) y otros a principios de este año (cuando lo lanzamos oficialmente en internet). Hemos trabajado muy duro en este disco doble. Como ya sabéis, es un trabajo completamente autoeditado y autoproducido. Hemos experimentado mucho y hecho cosas que creemos que nunca se han hecho en el mundo de la música pop como en canciones como Before The Spell (donde pedimos a un clarinetista que improvisara en base a unas notas y luego cogimos todas esas grabaciones y las cortamos, pegamos, editamos… y fuimos creando una canción poco a poco mientras improvisábamos las líneas de voz) o Pyramid (donde por un feliz accidente creamos una polirritmia con forma piramidal). Para acompañar el lanzamiento de este LP, hemos decidido subir un video que hemos creado para una de nuestras canciones favoritas del disco: Winterland. Aquí lo tenéis:

 

 

MÚSICA:NACHAP & FERNANDO LAGRECA. AUTUM GLINTS

IGNASI ABALLI

ENREVISTA IGNASI ABALLI. 


IGNASI ABALLI, SIN IMAGEN Del 29 noviembre de 2019 al 12 de abril de 2020.
Blueproject Foundation C/Princesa, 57. Barcelona

La Blueproject Foundation presenta sin imagen, un proyecto site-specific del artista catalán Ignasi Aballí para la sala Il Salotto, que se podrá ver del 29 de noviembre de 2019 al 12 de abril de 2020.
En la exposición sin imagen, Ignasi Aballí juega con la palabra y el concepto de imagen, entre lo definido y lo inexpresable.
La propuesta site-specific que se instalará en la sala Il Salotto es de carácter conceptual y experiencial y se podrá ver hasta el 12 de abril de 2020.
Ignasi Aballí expone por primera vez en una exposición individual en la Blueproject Foundation. La inauguración tendrá lugar el 29 de noviembre a las 19h y contará con la presencia del artista. En esta ocasión, Aballí reflexiona sobre la presencia y el alcance de una imagen (como una obra de arte), a partir de palabras y su significado. Un planteamiento compartido por la fundación, que se resuelve con este encargo realizado al artista, de trabajar específicamente con la dimensión espacial de la sala.
sin imagen se compone básicamente de dos elementos diferenciados pero a la vez completamente relacionados. Por un lado, una intervención arquitectónica que altera la percepción del espacio expositivo y su recorrido, sin dejar de estar completamente integrada en el mismo; por otro, puntuando ese recorrido y sobre las paredes, palabras que, situadas a la altura de los ojos, se revelan ante la mirada del observador y explican por qué en su lugar no se presenta una obra.
Las nuevas paredes construidas no están dispuestas perpendicularmente a las paredes que delimitan la sala, sino que muestran un desplazamiento tangencial hacia parejas de columnas distribuidas por el espacio, que experimenta así una nueva configuración arquitectónica. Cada pared puede ser entendida como un plano, un espacio dispuesto a acoger una imagen, una obra, y el artista cambia esta visualización por una palabra cuyo significado problematiza la relación entre lo visible y lo imaginario. Palabras en lugar de una imagen que se ofrecen como alternativa a una ausencia, a la falta de algo que ver. Las palabras sustituyen a supuestas obras ausentes, pero no son ellas mismas una nueva obra: su sentido en la instalación es el de advertencia y explicación, como un texto de sala expandido.
En la trayectoria de Ignasi Aballí, la utilización de palabras -como texto y como imagen- es frecuente. La relación que la palabra y su significado establecen con el soporte ha sido ampliamente explorada en diferentes obras. Una serie de lienzos pintados de un color sobre el que se superpone su descripción o las diferentes denominaciones de un color escritas encima de la pintura servirían de ejemplo. En otros casos, los listados de palabras -normalmente recortadas de periódicos, dispuestas en un determinado orden (alfabético, numérico, repetitivo…) o clasificadas según diferentes criterios- también están muy presentes en su manera de entender o descifrar el mundo que le rodea, cuestionando la estructura lingüística del conocimiento. Como diría Foucault en Las palabras y las cosas, “Lo propio del saber no es ni ver ni demostrar, sino interpretar.”
En la propuesta site-specific de carácter conceptual que presenta en la Blueproject Foundation, Ignasi Aballí sigue esta línea de trabajos de base textual, pero aquí se desplaza a una dimensión espacial y juntas provocan un colapso entre palabra e imagen, entre lo definido y lo inexpresable. Adentrarse en el espacio de la instalación es como recorrer los meandros de la memoria, buscar el rastro de imágenes difusas o que no existen, en lo que podríamos considerar como una escenografía de la ausencia.
Abandonada, ausente, escondida, imperceptible, transparente, inaceptable, inimaginable, impensable, desconocida, invisible, no vista, inexistente, descartada, efímera, inaccesible, anulada, rechazada, eliminada, tapada, censurada, robada, inmaterial, secreta, suprimida, son palabras, todas ellas, sin imagen.

 

MÚSICA: PECHBLENDE. AND I AM THE ARROW

 

MÚSICA: AMAS. LAURANCE´S WAY.

 

ENTREVISTA CARLOS MACIÁ.

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DEL 31 DE OCTUBRE DE 2019 AL 16 DE FEBRERO DE 2020 - EACC

EXPOSICIÓN

INSISTIR EN LO MISMO. VOLVER SOBRE UNA PRESENCIA SUGERIDA

INSISTIR EN LO MISMO vuelve sobre UNA PRESENCIA SUGERIDA, una exposición presentada en diciembre de 2018 dentro del proyecto iN SPiTE OF en la ciudad de Oporto. Si en aquella ocasión el formato se acercaba al ensayo visual, INSISTIR EN LO MISMO pretende abordar desde la exposición un viejo interés por la cuestión de la impermanencia, por los rastros de una presencia que parece haberse evaporado, pero que sin embargo late de algún modo en una serie de piezas que ocuparán el EACC.
 
Partimos de nuevo de la sensación de que algo ha abandonado el lugar instantes antes de nuestra llegada, dejando como testigo de ello huellas casi imperceptibles, un calor que todavía se siente y la alteración de las formas que unas manos pueden practicar sobre cualquier elemento sobre el que ejerzan presión. De lo que habla INSISTIR EN LO MISMO. VOLVER A UNA PRESENCIA SUGERIDA es quizás del empeño por seguir dejando constancia de nuestro paso por el mundo. Aun cuando los medios de producción modernos han intentado relegar al ostracismo las particularidades, procurando una uniformización que limite cualquier gesto afectivo sobre lo manufacturado, de lo que se trata es de enriquecer el mundo mediante la diferencia, y así actúa esta exposición, como una atmósfera a medio camino entre lo que las manos hacen y lo que las manos reciben.
 
Los trabajos de Kasper Akhøj, Berta Cáccamo, Alejandro Cesarco, Rui Chafes, Marguerite Duras, Claudia Fernández, Carla Filipe, Fernanda Gomes, Rubén Grilo, Julio Jara, Carlos Maciá, Jordi Mitjá y Xoan Torres vuelven sobre todas estas cuestiones. Unos lo hacen directamente a partir de la relación de la obra y sus procesos con las manos que las ejecutan y a las cuales buscan adaptarse. Otros a cuestiones afectivas o al deseo de dejar constancia del paso de otros por este lugar. VOLVER A UNA PRESENCIA SUGERIDA pretende retomar el deseo de entrar en una exposición acariciada, que nos devuelva ese calor de las manos como fuerza de trabajo, pero también como extremidades que se estrechan al otro en tiempos en que el frío parece habernos invadido.
 
 
COMISARIO Ángel Calvo Ulloa

ARTISTAS Kasper Akhøj, Berta Cáccamo, Alejandro Cesarco, Rui Chafes, Marguerite Duras, Claudia Fernández, Carla Filipe, Fernanda Gomes, Rubén Grilo, Julio Jara, Carlos Maciá, Jordi Mitjá y Xoan Torres
 
MÚSICA: SIGNAL DELUXE. SKYLINER FRONTIER
 
 
ENTREVISTA: SUSANA CARRO.
 
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EXPOSICIÓN DOSIS MÍNIMAS. COLECTIVO OFFMOTHERS. MUSEO BARJOLA. GIJÓN.

OFFMOTHERS

Algunas mujeres deciden en pleno verano irse de camping porque piensan en las vacaciones como si fueran un manantial sin límites por los cuatro costados. Así se inicia el relato con el que COLECTIVO OFFMOTHERS presenta su nueva propuesta de colaboración artística galardonada con el III Premio Museo Barjola. Desde la certeza de que la vida se expresa mejor a través de la metáfora que de los silogismos aristotélicos, el colectivo abandona su discurso más didáctico para emprender un proyecto que apela a la intuición: se ofrecen signos que, como una partitura, encontrarán intérpretes virtuosos o interpretaciones confusas. La partitura a interpretar: Dosis mínimas; un proyecto interdisciplinar que constituye la sexta propuesta que el Colectivo presenta al público. No está de más recordar que Elena de la Puente, Natalia Pastor, Roxana Popelka, Gema Ramos, Eugenia Tejón y yo misma, Susana Carro, empezamos nuestra andadura como COLECTIVO OFFMOTHERS en el año 2014 con la vocación de problematizar la maternidad en tanto conflicto político y de género. Si bien nuestra formación interdisciplinar nos permitió fundamentar estas cuestiones desde la Filosofía y la Sociología, el instrumento para expresarlas no fue el rigor del concepto sino el poder de seducción y de convocatoria del arte.

Pájaros en la cabeza (marzo de 2016), Acordamos un viaje perfecto (septiembre del 2016), Animales domésticos (septiembre del 2017), Casa Tomada (mayo del 2018) e Incendios (marzo de 2019) son los títulos de los proyectos anteriores: piezas con las que reflexionar sobre la ambivalencia emocional de la maternidad, sobre la dificultad para aunar el hecho de ser madre y mantener un proyecto propio, sobre el ámbito del hogar como espacio para la domesticación de las mujeres, piezas para la reivindicación de la casa como espacio propio y, en definitiva, para constatar el abismo entre la maternidad como experiencia y la maternidad como institución. ¿Miradas de madres sobre la maternidad?; sí, pero también mucho mas, pues el COLECTIVO OFFMOTHERS lo hace desde una perspectiva de género y los estudios de género son siempre análisis que involucran a mujeres, a hombres y a su particular modo de interactuar en sociedad. Precisamente a las consecuencias de esa particular interacción en materia de crianza es a donde pretende conducirnos Dosis mínimas. El poder que la ideología patriarcal concede al hombre y los valores tradicionales que asocian mujer y ámbito doméstico, conducen a una vivencia de la maternidad como extenuación: mujeres agotadas por el peso de una doble jornada laboral y con sentimiento de culpabilidad por no atender bien ni el ámbito tradicionalmente asignado, el privado, ni el ámbito público recientemente conquistado.

MÚSICA: SUSAN DRONE. RAZOR EDGE
 
ENT. ANA LAURA ALÁEZ.
 

ENT. ANA LAURA ALAEZ 

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Exposición: TODOS LOS CONCIERTOS, TODAS LAS NOCHES, TODO VACÍO. Ana Laura Aláez. Del 8 NOVIEMBRE 2019 - 26 ENERO 2020 CA2M. MÓSTOLES.

COMISARIA BEA ESPEJO

Hablar de la obra de Ana Laura Aláez es adentrarse en el paraíso artificial de las apariencias. Un mundo donde los cánones son invertidos, las identidades son poliédricas y la ambigüedad es un valor. La obra que viene realizando desde principios de los noventa siempre ha deambulado entre realidades y ficciones, el cuerpo y sus representaciones, los objetos y el comportamiento frente a ellos. El suyo es un trabajo alegórico que más que inventar imágenes las confisca, testigo de un momento histórico en el que el arte rompía con los discursos lineales, la idea de progreso y buscaba esos recorridos oblicuos a través de la historia del arte. En un contexto como el vasco, donde el arte tiene una fuerte impronta de la tradición escultórica heredada por Oteiza, Ana Laura siempre ha reivindicado la diferencia como belleza.


Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío reúne algunos de los últimos trabajos de Ana Laura Aláez en diálogo con otros del inicio de su trayectoria. La exposición se propone como un giro al origen, ir al punto de partida para trabajar entre las fisuras de los temas que han acompañado su trabajo en los últimos veinte años: el cuerpo como peana, la peana como escultura, la escultura como canción, la noche como material, la identidad como conflicto, la impostura como posibilidad. La idea es indagar en la búsqueda de representarse como lenguaje, eje de su trabajo en todo este tiempo. En esta ocasión, el proyecto busca hablar desde un lugar elusivo, evitando las alusiones directas, un espacio ruidoso que no tiene que ver tanto con el sonido como con una rebelión calmada. Como traslada entre líneas el título de la exposición, título a su vez de uno de sus trabajos menos conocidos, un lugar contundente y evanescente a la vez.

 

MÚSICA: EDITH ALONSO. NADIE TE ESPERA.

 

Entrevista: María Mur. Colectivo Consonni

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24 de enero de 2020. Azkuna Zentroa. Bilbao. 19h.

Llega el punto final de la residencia de la editorial consonni, colectivo residente en Azkuna Zentroa - Alhóndiga Bilbao durante 2018-2019, donde hemos creado la emisora #consonniradioconAz y a lo largo de dos años hemos experimentando con la palabra y la escucha radiofónica, difundiendo cultura crítica.

Queremos celebrar este cierre con un encuentro de creadoras para poner en diálogo el arte contemporáneo y la literatura, con los feminismos como hoja de ruta y la radio como trasmisor. En este Radio Show Live de despedida en el Auditorio de Alhóndiga Bilbao, nos centramos en tres obras literarias clave, como punto de partida para seguir imaginando juntas. Por un lado, dos novelas escritas en los setenta: Mujer al borde del tiempo de Marge Piercy y Yo veo / Tú significas de Lucy R. Lippard. Por otro, el ensayo Seguir con el problema de Donna J. Haraway.

Trabajos empoderadores en los que se experimenta con el lenguaje, de la mano de tres autoras de larga trayectoria en el activismo feminista. Piercy, Lippard y Haraway nos instan a tener una mirada crítica sobre el mundo que vivimos e imaginar otros escenarios mejores. Para abrir el apetito, introducirnos las obras literarias y hablar de literatura especulativa y experimental, contamos con una suculenta mesa redonda moderada por Teresa López-Pellisa en la que participan Haizea Barcenilla, Helen Torres y Arrate Hidalgo.

El plato fuerte del evento lo ponen tres referenciales artistas como Idoia Zabaleta, Mursego y María Arnal a las que hemos invitado para que interpreten desde las artes en vivo y la música estos libros convirtiendo la palabra en cuerpo, en acción y en sonido. Mujeres creadoras de diferentes disciplinas y generaciones se cruzan: Mursego y Lucy Lippard; Idoia Zabaleta y Marge Piercy y María Arnal y Donna Haraway. Los textos de unas sirven de fuente de inspiración para las otras. Zabaleta, Arnal y Mursego realizan su personal interpretación de cada trabajo literario. Las palabras escritas toman cuerpo sobre el escenario.

https://www.consonni.org

 

CONTRAPORTADA:

MÚSICA: NORTHWEST. WINTERLAND. II


 

Rosa Pérez   17.ene.2020 11:10    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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