Inma Prieto, Elena del Rivero, Mario Gutierrez Cru, Olga Diego y Javier Díez Ena

    viernes 15.nov.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.11.19

 



PORTADA: THEREMONIAL II. JAVIER DÍEZ ENA..

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Theremonial II es un viaje alrededor de un planeta de sonidos, que configura el paisaje sonoro de Javier Díez Ena, thereminista, y músico electrónico que ha formado de diversos proyectos sonoros y que desde hace algún tiempo transita en solitario generando composiciones con el Theremin.
El Theremin, cumple un siglo y ese disco es un homenaje a un instrumento que nació como sistema de seguridad, y que en la interpretación de Díez Ena se expande hasta llegar a crear texturas insospechadas. Con Theremonial II, continúa la saga iniciada en su anterior disco Theremonial editado en 2017 y de nuevo ha utilizado este instrumento como única fuente sonora, adoptando todos los roles musicales asociados a una banda: ritmo, bajo, melodía y armonía.

www.javierdiezena.com

 

MUSICA: BELIEF DEFECT. DELIVERANCE

 

ENT. IMMA PRIETO, NUEVA DIRECTORA DE ES BALUARD. 

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La Fundació Es Baluard ha presentado a la nueva directora de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Imma Prieto. Este procedimiento se ha desarrollado con la voluntad de seguir las buenas prácticas en los museos y centros de arte, lo que ha determinado que sea un jurado independiente de expertos quien ha elegido el mejor proyecto para el museo.

La Comisión de Valoración de este proceso, convocado el pasado 21 de marzo por la Fundació Es Baluard y que recibió un total de 24 candidaturas, ha sido formada por Ferran Barenblit, director del Museu d'Art Contemporani de Barcelona MACBA, Rosa Ferré, directora Artística de Matadero Madrid, Karin Ohlenschläger, directora de Actividades de Laboral, el artista Daniel García Andújar, la comisaria independiente Neus Cortés, la gestora cultural especializada en arte contemporáneo Eva Mulet y el comisario independiente y ex director del Irish Museum of Modern Art, Enrique Juncosa.

En el primer acto público desde la reconstitución del Patronato de la Fundació Es Baluard y la renovación de sus miembros el pasado día 1 de octubre, la nueva presidenta del Patronato, Catalina Cladera, ha apuntado que "ahora también estrenamos un nuevo ciclo en el museo, liderado por Imma Prieto, una cara nueva al frente de este proyecto coral, generador de cultura y que ha conseguido conectar con los mallorquines y mallorquinas y con el ámbito artístico internacional".

La directora Imma Prieto ha defendido que hay que pensar el museo "como un espacio abierto al servicio de la ciudad, entendido como generador de conocimiento y capaz de activar el espíritu crítico". En este sentido, ha explicado que entre los principales objetivos se encuentran la excepcionalidad y la internacionalización del museo.

En cuanto a su proyecto museístico, Prieto ha señalado que la primera línea de investigación para Es Baluard, titulada "Colección. Archivo y Memoria visual", se concibe como una forma de "relacionar los fondos del museo y diferentes archivos con teorías culturales de nuestra contemporaneidad, que construirá una red historiográfica con instituciones culturales y asociaciones de las Illes Balears, reescribiendo el relato de la propia Colección".

La segunda línea, "Ciudad. Arte y Comunidades", se propone establecer un vínculo entre imagen, urbanismo, sociedad y teorías de la cultura. De este modo, se pretende "cartografiar la pluralidad de realidades visuales y sociales a partir de representaciones urbanas, flujos de población y el turismo, entendiendo la ciudad como un organismo vivo en constante transformación".

Finalmente, la nueva directora del museo ha expresado que "Imaginarios y visualidades", la tercera línea del proyecto, se constituye desde la "reinserción de los imaginarios en procesos donde se cruzan saberes artísticos y sociales, definiendo imaginarios que abarcan desde la teoría hasta la práctica". De este modo, el objetivo es "acercarse a las problemáticas sociales y narrativas históricas pensando en el futuro".

Imma Prieto entra en sustitución de Nekane Aramburu (marzo de 2013 - marzo de 2019)

Prieto es comisaria independiente, escritora y profesora de arte contemporáneo y nuevos medios en la EU-Eram de la Universitat de Girona. Como comisaria ha desarrollado proyectos de exposición en el ámbito internacional y nacional como TEMP Art Space (Nueva York), Palazzo Ca'Tron (Venecia), Muca (Roma), Biennal del Istmo Centreamericano (Guatemala) y en el MNAC Museu Nacional d’Art de Catalunya, Fundació Miró, Fàbrica de Creació Fabra i Coats, La Virreina Centre de la Imatge, Fundació Vilacasas, Arts Santa Mònica, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Artium Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Bòlit Centre d’Art Contemporani de Girona, entre otros.

Colabora en diferentes catálogos, libros de investigación y escribe con regularidad en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia y en las plataformas digitales A*Desk y Campo de Relámpagos. Ha sido manager del grupo de investigación europeo ELAA (European Live Art Archive 2008-2012), formado por la Universitat de Girona, la Universidad de Oxford y la residencia de artistas Glaugair de Berlin.

Por otra parte, también colabora con otros grupos de investigación internacional como Émergence del arte vidéo en Europe (1960-1980), formado por la Université Paris 8. Su práctica profesional se desarrolla a partir de un diálogo entre comisariado, investigación y escritura. El año 2017 realizó su primer documental 'Eco de Primera Mort' y en 2018 le otorgaron el Premio Internacional a la crítica de Arte GAC.

 

MÚSICA: MINJI KIM. HIPPO

MÚSICA: M59_SG_ETROPOLIS

ENT. ELENA DEL RIVERO.

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EXPOSICIÓN: El archivo del polvo, de la artista Elena del Rivero. NAVES MATADERO-Centro Internacional de Artes Vivas .

Acudimos a la presentación de la exposición El archivo del polvo, de Elena del Rivero, en la que también se encontraba el comisario de la instalación, Mateo Feijóo.

La exposición presenta una escenografía contemporánea de la tragedia a partir del trabajo de Elena del Rivero tras los atentados del 11S. Una reflexión sobre la guerra, el polvo y las migraciones a partir de las piezas que la artista elaboró cuando su estudio se vio afectado tras el colapso de la Torre Sur. Del Rivero limpió todos los objetos de polvo y contaminación producida por el atentado y desde allí documentó con una cámara de vídeo las labores de limpieza de la zona y su cotidianidad.

 

La instalación incluye la pieza Chant, ya vista en Washington y Nueva York y por primera vez en Madrid. El resto de materiales presentados son inéditos hasta el momento.

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Elena del Rivero junto a Mateo Feijóo.

 

La inauguración tendrá lugar el mismo día 13 a las 20:30h. y contará con la performance de la Premio Nacional de Danza, Mónica Valenciano que inspirándose en el trabajo de Elena del Rivero ha creado La luna llena en la cicatriz, en la que participarán la propia Elena del Rivero y la historiadora del arte María José Balsach.

La artista española Elena del Rivero vive y trabaja en Nueva York desde hace treinta años. Su trabajo se reparte por numerosas colecciones españolas como la del Museo Reina Sofía (Madrid), la Fundación La Caixa (Barcelona) y Fundación Caja-Burgos (Burgos), o americanas como la del Metropolitan Museum (NY), MOMA (NY) y National Gallery of Art (Washington DC).

 

MUSICA:SIGNAL DELUXE. SKYLINER FRONTIER

MÚSICA: MARIUK. ECHO

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PROYECTOR en Tabacalera.promoción del arte

 

Entrevistas a Mario Gutierrez Cru y Olga Diego.


Canciones para una Revolución ocupará Tabacalera. Promoción del Arte del 22 de Noviembre al 26 de Enero.


La muestra está inspirada en el mítico documental anti-franquista Canciones para después de una guerra en la que Basilio Martín Patino se jugaba su vida poniendo imágenes y sonido en y a una España donde la libertad se debatía con la constante censura.

PROYECTOR ocupará las estancias Estudios y La Fragua de Tabacalera. Promoción del Arte para iniciar una conversación sobre la doble censura que recorre nuestra época, la que recae sobre el individuo por expresarse en las redes y la que indirectamente se sufre a través del silencio administrativo acomodado.

PROYECTOR os ofrece pequeñas píldoras, unas somníferas otras revulsivas, que invitan, cada una a su modo, a posicionarnos, a levantarnos, a reaccionar. Creemos que todos nosotros debemos encontrar nuevas maneras de enfrentarnos a nuestro tiempo.

Es por eso que durante estos casi dos meses, no solo se tendrá la oportunidad de visitar la exposición, que contará con 12 obras de dentro y fuera de nuestras fronteras, sino que también habrá la posibilidad de un encuentro con los propios artistas, y del 13 al 16 de Enero ofrecemos un taller a cargo del colectivo DEMOCRACIA.

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Exposición y Encuentro de artistas:
El viernes 22 de noviembre a las 19:30h se inaugura Canciones para una revolución y qué mejor manera de empezar que con un Encuentro de Artistas, impulsado por LAP (Laboratorios Arte PROYECTOR) donde podremos charlar con los artistas Elke Andreas Boon, Sergio Cáceres, Andrés Denegri, Olga Diego, Rubén Martín de Lucas y María Ruido en la sala IDEAS de Tabacalera. Promoción del Arte. El encuentro será moderado por Jesús Carrillo, y da voz a los artistas para que sean ellos, de primera mano, los que presenten sus obras

Desde entonces y hasta el 26 de Enero, las puertas de Estudios y La Fragua estarán abiertas para todo aquel que quiera alzar su voz. En Estudios los artistas Olga Diego (foto 1), Elke Andreas Boon, Katherinne Fiedler, João Tabarra (foto 2), Jaume Pitarch, Patxi Araújo y Sergio Cáceres nos acercarán a las revoluciones y al sentimiento revolucionario con sutileza, una reflexión abierta y profunda a través de la poesía, la ironía o la metáfora. Por otro lado, en La Fragua se reflexionará entorno a los conceptos de revolución, patria y nación de la mano de los artistas Rubén Martín de Lucas, María Ruido, Bárbara Fluxá, Núria Güell y Andrés Denegri.

 

MÚSICA: NORBAK. HARA

MÚSICA: SUSAN DRONE. RAZOR EDGE.

ENT. OSCAR GARCIA, autor de Dios Salve el Arte Contemporáneo.

Dios salve 

Dios salve el arte contemporáneo, que está a la venta desde el pasado día 22, nos invita a un viaje a través de los siete pecados capitales: la avaricia, la gula, la ira, la pereza, la lujuria, la envidia y la soberbia, de la mano de varios de los artistas más importantes (e irreverentes) de nuestro tiempo: Damien Hirst, Jeff Koons, Anish Kapoor, Fernando Botero, Mu Boyan, Erwin Wurm, Ángela de la Cruz, Marina Abramovic ́, Regina José Galindo, Robert Rauschenberg, Tracey Emin, Wilfredo Prieto, Robert Mapplethorpe, Takashi Murakami, Deborah de Robertis, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Muelle, Shepard Fairey «OBEY» y Banksy.

 

MÚSICA: SHANGAI RESTORATION PROJECT. TACTILE SONIC GLIDE.

 

MÚSICA: JAVIER DIEZ ENA. NISEI HULA. THEREMIN II

 

Rosa Pérez   15.nov.2019 08:21    

II CONGRESO INTERNACIONAL ARTES Y DIVERSIDAD. MURCIA

    sábado 9.nov.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 11.11.19

 

 

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Proponemos un programa resumen de lo que han sido las jornadas del II Congreso Internacional de Artes y Diversidad, Identidad, Tránsito, Territorio y Violencias, celebrado en Murcia.

En esta nueva edición se han abordando retos tan importantes en la sociedad actual como la gestión de la diversidad, siendo en esta ocasión los constructos identitarios en la red, los límites fronterizos, la igualdad de trato y las incipientes violenciaS, los ejes temáticos en los que se enmarcan las actividades programadas.

 

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Destacamos del programa la participación del reconocido filosofo y escritor  Paul B. Preciado que  inaugura el congreso en una conversación con el arquitecto e investigador Miguel Mesa del Castillo sobre su último libro “Un Apartamento en Urano, Crónicas del cruce” para hablar sobre cambio de paradigma, migración, frontera, sexualidad, feminismo expandido y revolución planetaria en el mismo bloque donde la performance Celeste González presentará “T.O.P.” su último proyecto escénico y contaremos con una propuesta  online y performática «Sal de la pantalla y bésame»: un encuentro íntimo y digital entre un espectador y un webcamer creado por Cristian Alacaraz y Ramón Gazquez.

También destaca la participación de la ensayista y pensadora Remedios Zafra que ofrecerá una conferencia sobre “Ciberfeminismos y (des)identidades” y la investigadora y docente Esther (Mayoko) Ortega que dará una ponencia sobre “Afrografías: resistencias y disidencia sexual”, las artistas murciana Coco Guzmán, afincada en Canadá o Edurne Herran, y Silvia Albert Sopale autora de  “No es un país para Negras”. Además el congreso contempla una jornada para facilitar herramientas de intervención para la prevención del el acoso en entornos educativos con jóvenes  donde hablaremos con el sexólogo Roberto Sanz y el investigador y escritor Ritxar Bacete.

http://cepaim.org/event/ii-congreso-internacional-de-artes-y-diversidad-identidad-virtual-territorio-fronteras-y-violencias/

 

 

Rosa Pérez    9.nov.2019 13:11    

BLANCA SOTO, MUSEO PATIO HERRERIANO, EACC Y THE WRONG

    jueves 31.oct.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 04.11.19

 

PORTADA: MARIUK. ECHO. IF YOU EVER GET LOST

MARIUK

Mariuca es la mitad de Northwest, un dúo con sede en Londres que ya hemos mostrado en estas páginas. 
Mariuca, lanza su primer proyecto en solitario, un  LP como Mariuk, del que ella es  la escritora, productora, ingeniera, intérprete y mezcladora.
Este disco es el reflejo de los últimos dos años en los que, como mucha gente hoy en día, ha intentado conocerse a mi misma mientras navega las turbulentas aguas de las redes sociales, la industria de la música como productora de música independiente y sus propios problemas personales. El álbum es bastante ecléctico. Cada tema transita, con personalidad propia,por territorios bien distintos, y eso es de agradecer, evitando caer en la monotonía o en presentar una serie de composiciones lineales. Se llama "If You Ever Get Lost" y para no perderos aquí os presentamos una par de piezas.

El disco se presenta con un videoclip de, The Sword. sgún comenta la propia Mariuca, sobre esta pieza "Mi intención con esta canción era intentar mezclar música coral tipo medieval con un acercamiento más duro y casi punk al sonido electrónico. La canción también presenta algunos de los poemas escritos y leídos por la poetisa lituana Anele Juodaityte. Comprobadlo vosotros mismos.

 

 

 

EUSTEN ASKE. DINÁMICA DE LÍMITES. IMANOL MARRODÁN. GALERÍA BLANCA SOTO. MADRID. Hasta el 14 de diciembre de 2019.

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El Investigador, y creador Imanol Marrodám, propone una exploración sobre las líneas fundamentales del proyecto personal del autor cuyo objetivo es evidenciar y difundir los posibles usos, utilidades y aplicaciones del pensamiento creativo contemporáneo (arte)

El arte, la creación contemporánea se mueve bajo un contexto de pura simulación y representación. Un escenario “estético” de “ficción” que debilita y anula cualquier intencionalidad de uso práctico y útil para el interés de la base social, neutralizando, aislando y desarmando cualquier contenido ideológico progresista aplicable en un marco o escenario real.

Dichas investigaciones realizadas dentro del marco de la creación pertenecen a lo que se vendría en llamar “alto conocimiento”.

El conocimiento es “recolectado” por una élite para una mayor comprensión y entendimiento del contexto presente e histórico. Es un instrumento de anticipación, prevención, manipulación y aplicación que interviene de forma sustancial y relevante en la configuración actual y futura de nuestra cotidianidad.

Es uno de los pilares básicos fundamentales que contribuye a configurar nuestra estructura social política y económica.

Dentro del marco de este proyecto expositivo se myestran, entre otros trabajos: Nieve de la cima del Anboto, Butter-Fly y la presentación de la última publicación en formato libro-objeto REVBELART.

 

MUSICA: XARVS. TO CHAT WITH UNKNOW PEOPLE

 

MUSICA: NACHO ROMAN. ALOUETTE.

 

MUSEO PATIO HERRERIANO. NUEVAS EXPOSICIONES. Entrevista con Javier Hontoria.

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JAVIER GARCÍA PRIETO
Un pintar indómito
Del 30 de octubre de 2019 al 16 de febrero de 2020
Sala 8

Revisando el extenso material que tras de sí dejó Javier García Prieto (Valladolid 1954-2019), no tardamos en comprender que uno de los conceptos en torno a los que debía girar este proyecto expositivo era su actitud ante el hecho artístico y el modo tan personal, tan visceral, de aproximarse a la pintura.

García Prieto trabajaba en series y las dejaba siempre abiertas, volviendo a ellas reiteradamente, llevado por una concepción de la libertad insólita, como quien trabaja sin puerto visible al que arribar, sin cuentas que dar a nadie; cuanta nadería que evitar así, se diría. Esto fue lo que nos guió a elegir este título para la exposición, Un pintar indómito, como quien asume un quehacer incontrolable, ajeno a los parámetros que rigen habitualmente la práctica artística, tan controlada, tan estratégica, tan pendiente. A García Prieto se le aparecía en la mirilla un tiesto de su patio de Velliza y a él dedicaba el tiempo que hiciera falta, fíjense que objeto tan banal, y de este motivo tan prosaico sacó lo mejor de sí. De esa imagen de tiestos, como de sus otras series, realizó un conjunto que hoy celebramos en la selección del Patio Herreriano y en la del Museo de la Universidad como uno de las cotas más altas de su legado.

La exposición está concebida como un conjunto de temas a los que García Prieto se acercó con una reiteración casi obsesiva. Para el Patio Herreriano se ha seleccionado un número importante de papeles de un mismo formato y, por lo general, de un mismo grosor, algo que nos es baladí, pues tendía a verter grandes capas de pintura sobre el soporte, siempre sobre una base horizontal, así pintaba él. Se acercó a tan variados asuntos desde perspectivas múltiples, aunque los mirara siempre desde un mismo punto. Eso es, creemos, lo que implica ser artista: la capacidad de estar dándole vueltas y más vueltas a una misma idea, de buscarle siempre el envés a las cosas. Hemos seleccionado tiestos y más tiestos, hojas y hojas, raros rostros, bosques que dibujaba en continuidad como una misma obra y chozos tras chozos, unos tras otros pertinazmente… Hemos querido constatar cómo pueden verse mil caras en una sola, siempre desde una radical frontalidad. Por otro, en la sala del MUVa se han seleccionado sus trabajos, también obsesivos, sobre chozos, cabañas de piedra, refugio para pastores. Lo que fuera su aportación en la última muestra y el origen del proyecto con el Museo de la Universidad durante el último año. También se acogen sus obras sobre tela con los mismos temas que en sus series: hojas, flores, cabañas, bosques, rostros de mirada y extraños gestos. Obras de más tamaño en las que concentraba algunos de sus obsesiones también con óleo como el papel, en este caso sobre tela, magnificadas en su tamaño ya aturdido de sus obsesiones plásticas.

SUSANA SOLANO. acta (dos)

Susanasolano

Del 26 de octubre de 2019 al 9 de febrero de 2020
Capilla, Sala 3, Sala 4, Sala 5 y Sala 9

Si algo esperamos de toda obra escultórica, sobre todo desde que desaparecieran el pedestal y las soflamas a la que éste daba sustento, es que ocupe un espacio. Desde finales de los años setenta, a la idea de ocupar, de llenar un lugar, Susana Solano ha sumado la voluntad de producirlo, de crearlo, desde el incesante ejercicio de ampliación de horizontes físicos y conceptuales a los que ha emplazado el descomunal cuerpo de obra que ha realizado en las últimas cinco décadas y en el que continúa inmersa todavía hoy.

Acta (dos) es una exposición producida por el Institut Valenciá d’Art Moderno (IVAM), que tras su paso este verano por Valencia recala ahora en Valladolid adaptándose a los espacios del Museo Patio Herreriano y a las piezas de Susana Solano pertenecientes a la Colección Arte Contemporáneo. Son varias las razones por las que la exposición organizada por el IVAM, que llevaba por título Acta, despertaba poderosamente el interés del Patio Herreriano. Susana Solano es una de las artistas mejor representadas en la Colección, con obra muy relevante de los años ochenta. La muestra valenciana se ocupó fundamentalmente de la obra realizada en las últimas dos décadas, lo que no impidió la inclusión de obras emblemáticas realizadas con anterioridad, y en ella jugaron también un papel importante los proyectos de escultura pública que durante años ha realizado la artista.

Acta (dos) está comisariada por Ramón Escrivá, Conservador del IVAM y responsable de la muestra en Valencia, y Javier Hontoria, Director del Museo Patio Herreriano. A la obra que formó parte de la exposición valenciana se incorpora aquí una mirada complementaria que satisface nuestra voluntad de revisar y reverdecer las obras de la Colección Arte Contemporáneo.

La muestra está dividida en diferentes climas que se desprenden de la gran variedad de materiales que ha utilizado Susana Solano en este casi medio siglo de trabajo. El hierro, el mimbre, el aluminio, el yeso, el plomo…

La exposición puede verse en las salas 3, 4 y 5 de la segunda planta del Museo y también en la Capilla y en la sala 9. En la capilla se exhibirán las célebres piezas de mimbre que la artista realizó en Madeira en torno al cambio de siglo, un conjunto de obras que fueron expuestas en el Monasterio de Silos en una exposición organizada por el Museo Reina Sofía.

Exposición producida por el IVAM Institut Valencià d’Art Modern y el Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español


UNFINISHED. Sesiones de Experimentación
Jueves 3 de octubre. Patio de Novicios. 20:30 h Oscilaciones + Los Sara Fontán
Viernes 18 de octubre. Patio de Novicios 20:30 h Nacho Román + Pepo Galán
Jueves 14 de noviembre. Claustro 20:30 h Ainara Legardon
Jueves 12 de diciembre. Salón de actos 20:30 h Combray + Frieda’s still in love

https://museoph.org/

 

MUSICA: LOS SARA FONTAN. KINXI

 

MUSICA:  CARLA FILIPE (Extracto de la performance en el EACC)

Este jueves 31 de octubre se inauguró en el EACC -Espai d'Art Contemporani de Castelló- la exposición INSISTIR EN LO MISMO. VOLVER SOBRE UNA PRESENCIA SUGERIDA, que se abrirá junto con la performance "The works comes through by Rhytmic Theory" de la artista Carla Filipe.

Carlafilipe

INSISTIR EN LO MISMO vuelve sobre UNA PRESENCIA SUGERIDA, una exposición presentada en diciembre de 2018 dentro del proyecto iNSPiTE OF en la ciudad de Oporto. Si en aquella ocasión el formato se acercaba al ensayo visual, INSISTIR EN LO MISMO pretende abordar desde la exposición un viejo interés por la cuestión de la impermanencia, por los rastros de una presencia que parece haberse evaporado, pero que sin embargo late de algún modo en una serie de piezas que ocuparán el EACC.

Partimos de nuevo de la sensación de que algo ha abandonado el lugar instantes antes de nuestra llegada, dejando como testigo de ello huellas casi imperceptibles, un calor que todavía se siente y la alteraciónde las formas que unas manos pueden practicar sobre cualquier elemento sobre el que ejerzan presión. De lo que habla INSISTIR EN LO MISMO. VOLVER A UNA PRESENCIA SUGERIDA es quizás del empeño por seguir dejando constancia de nuestro paso por el mundo. Aun cuando los medios de producción modernos han intentado relegar al ostracismo las particularidades, procurando una uniformización que limite cualquier gesto afectivo sobre lo manufacturado, de lo que se trata es de enriquecer el mundo mediante la diferencia, y así actúa esta exposición, como una atmósfera a medio camino entre lo que las manos hacen y lo que las manos reciben. Los trabajos de Kasper Akhøj, Berta Cáccamo, Alejandro Cesarco, Rui Chafes, Marguerite Duras,Claudia Fernández, Carla Filipe, Fernanda Gomes, Rubén Grilo, Julio Jara,Carlos Maciá, Jordi Mitjá y Xoan Torres vuelven sobre todas estas cuestiones. Unos lo hacen directamente a partir de la relación de la obra y sus procesos con las manos que las ejecutan y a las cuales buscan adaptarse. Otros a cuestiones afectivas o al deseo de dejar constancia del paso de otros por este lugar. VOLVER A UNA PRESENCIA SUGERIDA pretende retomar el deseo de entrar en una exposición acariciada, que nos devuelva ese calor de las manos como fuerza de trabajo, pero también como extremidades que se estrechan al otro en tiempos en que el frío parece habernos invadido.

MUSICA: CARLA FILIPE (Extracto presentación en EACC)

 

MUSICA: BENDIK GISKE. ADJUST.

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THE WRONG BIENNALE. Bienal de Arte Digital. Entrevista: David Quiles Guilló.

The Wrong Epicentre es una exposición colectiva de arte digital Es la exposición de la embajada principal para la próxima edición del bienal de arte digital The Wrong que abre el 1 de noviembre, 2o19 y presenta +4oo obras de arte de 132 artistas internacionales expuestas simultáneamente en routers y pantallas en las embajadas: + 2o: instituciones y municipios de la Comunitat Valenciana (España) que cada uno alberga una parte de la exposición. Todas juntas hacen the Wrong Epicentre. ubicaciones: las embajadas en la Comunitat Valenciana (España): Alcoi, Aldaia, Alicante, Almenara, Benetusser, Benicarló, Castelló, Chelva, El Campello, Elche, Les Coves De Vinromà, Macastre, Orihuela, Paterna, Potries, Sant Joan d’Alacant, Sant Mateu, València, Vallada, Vilafamés, Villanueva de Castellón artistas: 132 obras de arte: 4oo+ página web principal: https://epicentre.thewrong.org/

 

MUSICA: RECSUND. BUDDHA . GEOMETRY BRAIN TOY.

NOVEDADES:

MÚSICA: PROKSIMA. ETAT SECOND.

 

 

MUSICA: INTERESTELAR. DMT

MUSICA: CARLES VIARNES. MIRA GESTORUM

MUSICA. MARTA DE PASCALIS. QUITRATTUE

 

CONTRAPORTADA: MARIUK. IF YOU EVER GET LOST AGAIN.

 

 

CONTRAPORTADA: MARIUK. IF YOU EVER GET LOST AGAIN.

Rosa Pérez   31.oct.2019 10:02    

Oslobiennalen e Intersección, Arte Audiovisual Contemporáneo de Coruña

    viernes 25.oct.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

ROGRAMA 28.10.19

 

OSLOBIENNALEN 

La bienal de Oslo es un evento que nace de la peculiaridad de una propuesta que va más allá de una duración bianual. Casi cinco años van a poner a Oslo en el punto de mira de la creación contemporánea con propuestas, estudios, talleres y proyectos que se van a desarrollar por artistas invitados por el grupo curatorial formado por Eva González-Sancho Bodero y Per Gunnar Eeg-Tverbakk.

Del 17 al 20 de octubre formamos parte del equipo de periodistas, comisarios y agentes del arte que visitaron la ciudad de Oslo para conocer de cerca el ambicioso programa que están desarrollando y del que os hemos preparado un jugoso y atractivo resumen.

https://www.oslobiennalen.no/

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ENTREVISTA: EVA GONZÁLEZ, comisaria.

Nos recibe en Myntgata 2, el centro neurálgico de la bienal. Más de 3.000 metros cuadrados con 56 estudios para artistas y residencias.

Descarga

ENTREVISTA: ALEXANDER RISHAUG. Proyecto:  Y (59º54¨re.76"N10ª44¨46.03")

Artista Sonoro y compositor noruego cuyo trabajo se centra en el arte y la música experimental. Rishaug crea proyectos sonoros específicos que investiga el tiempo, la memoria, el espacio y la acústica, utilizando técnicas de grabación de campo.

Su proyecto propone la escucha del edificio gubernamental que sufrió el ataque  terrorista del 22 de julio de 2011, previo a la masacre de la isla de Utoya.  Se publicará un doble  álbum a finales de 2019.

Más info http://www.arishaug.com/

Cidade

ENTREVISTA MARCELO CIDADE. Proyecto: A round around a round around a round around a round around a round around.

Artista brasileño de arte urbano. Su proyecto se presenta en el barrio de Gronland y consiste en una instalación interactiva  que abre y cierra el espacio, dentro de su línea de trabajo experimental y reivindicativa.

Descarga (1)

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ENTREVISTA JAVIER IZQUIERDO. Proyecto: Crimes of the Future, a film about a fil about a book about a city. 

El cineasta ecuatoriano ha realizado un film, dentro el programa "Where Memories are Made", que propone la bienal como productora audiovisual utilizando imágenes de la película Sult (Hunger) dirigida por Henning Carlsen en 1966 y que cuenta la historia de un escritor anónimo que malvive por las calles de Kristiania (antiguo nombre del Oslo actual) intentando vender sus escritos a las revistas. Adaptación de la magna novela del noruego Knut Hamsun, Premio Nobel de Literatura en 1920.

 

Interseccion

La seguda edició del Festival de Arte Adiovisual contemporáneo de Coruña ha propuesto un programa atrevido en el que compaginar los trabajos de artistas internacionales como Salomé Lamas, Dora García o J.P. Sniadecki junto a jóvenes creadores gallegos y una retrospectiva de lo que ha significado el audiovisual en Galicia en las últimas décadas.

Hablamos con Dora García, Lara y Noa Castro, Carme Nogeira e Iria Vázquez. 

 

 

 

 

 

 

 

Rosa Pérez   25.oct.2019 13:11    

Recuerdos de Verano, Aalbers, A_MAL_GA_MA y Nara is Neus.

    miércoles 16.oct.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 21.10.17

 

Traemos un programa especial con sonidos registrados en los festivales Eufónic y Parallel, con las actuaciones de AAlbers, A_MAL_GA_MA y Nara is Neus.

Aalbers Nara is neus

Rosa Pérez   16.oct.2019 14:38    

Martina Bertoni, Festival Flora, LEV Matadero, Intersección, Coruña y Alberto de las Heras.

    viernes 11.oct.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 14.10.19

 

PORTADA: MARTINA BERTONI. THE GREEN EP. THE BROOKEN LIFE OF MUSHROOMS.

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Este EP, es el resultado de su residencia en Turín, Italia, en el mes de Mayo de 2019. Está basado en la idea de crear un mapa sonoro de Royal Horse Staples, uno de los centros neurálgicos de la ciudad.

Martina Bertonia, deconstruye paisaje sonoros a través de su cello.  Con base en Berlín, esta compositora e interprete comenzó a relacionarse con su instrumento, el cello muy joven . Interesada por la diversidad de la música, sus propuestas siempre tienen ese componente de amalgama referencial. Ha trabajado realizando bandas sonoras para cine experimental, ha compuesto piezas de música clásica y sobre todo ha experimentado en campos muy diversos, siempre decontruyendo su relación con su instrumento, aplicando técnicas novedosas o incorporando la electrónica.

BERTONI

En 2018 editó su primer EP, en la primavera de 2019 lanzó su primer álbum y ahora anda preparando su nuevo álbum del que nos adelanta esta pieza, ELEVATE.

https://martinabertoni.com/

MUSICA: MARTINA BERTONI. ELEVATE.

 

MUSICA: ANA BEJAR. THE SHIP SONG.

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FLORA Festival Internacional de las Flores celebra su tercera edición del 18 al 27 de octubre de 2019. Por tercer año consecutivo la ciudad de Córdoba se convierte durante 10 días en foco de atención internacional y objeto de deseo para aficionados y expertos en instalaciones florales.

Tras dos ediciones que suman más de 600.000 visitas, FLORA vuelve a seleccionar a algunos de los más destacados artistas de instalaciones florales del mundo, que durante los meses previos visitan la ciudad y se inspiran en sus patios para la creación de una obra site-specific. El resultado estará abierto al público a partir del 18 de octubre.

Este año, la temática de las instalaciones nos lleva de la mano a nuevos lugares: “El viaje”. FLORA invita a los artistas de su tercera edición a que viajen y hagan viajar a los que visiten sus instalaciones florales. Los patios de Córdoba se convierten así, de la mano de FLORA y de los mejores artistas florales del mundo, en puerta de entrada hacia nuevos lugares y miradas.

Un jurado internacional seleccionará las dos mejores instalaciones de FLORA 2019, que recibirán un primer premio dotado con 25.000 € y un segundo premio de 10.000 €. Además se concederá -al final del festival- un Premio del Público a la instalación mejor valorada por los visitantes.

FLORA es una propuesta internacional (solo un artista español participa en cada edición) y, como tal, se convierte cada octubre en el mejor escaparate del mundo para conocer las tendencias en instalaciones florales. Los autores seleccionados para participar en FLORA destacan no solo por su calidad y reconocimiento internacional, sino por proyectar una mirada artística sobre lo floral, más allá de lo meramente decorativo o festivo.

Los artistas reinterpretan los patios cordobeses desde puntos de vista, factores culturales y contextos muy diferentes, ofreciendo una mirada inédita sobre nuestro patrimonio. FLORA propone así un intercambio cultural inédito entre un espacio tan tradicional como los patios cordobeses y un arte tan contemporáneo y sorprendente como el de las instalaciones florales, un diálogo amable entre tradición e innovación que se ha convertido ya en cita obligada de la agenda cultural española.

Si Córdoba -sus patios, sus fiestas populares, su estética, la familiaridad de sus habitantes con plantas y flores- se ha convertido en “la ciudad de las flores”, FLORA supone un nuevo paso, el más internacional, en su destino a convertirse en lugar de referencia para todo aquel interesado en la cultura de flor.

Se reúnen artistas internacionales cada año, en esta nueva edición (la tercera) serán 5 artistas de 5 países diferentes los que participaran creando instalaciones florales efímeras en algunos de los patios más icónicos de la ciudad. Los artistas son: Flor Motion, Lisa Waud, Mary Lennox, PHKA y Thierry Bouthemy.
https://festivalflora.com

 

MUSICA: DVDV.00018 CHANGE

 

MUSICA: RECSUND. BUDDHA. GEOMETRY BRAIN TOY

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MUSICA:

 

Nace L.E.V. Matadero, un nuevo festival de electrónica para Madrid. El Laboratorio de Electrónica Visual (L.E.V) es una plataforma pionera en Europa, especializada en la producción y divulgación de la creación sonora electrónica y su relación con las artes visuales que, desde hace más de 13 años, hace converger la sinergia natural entre imagen y sonido. Tras su trayectoria en Gijón, L.E.V. extiende su campo de acción y se celebrará, por primera vez, en Madrid con propuestas y contenido diferentes.

Entre el 17 y el 20 de octubre de 2019, el festival explorará la vanguardia de la creatividad digital contemporánea en Matadero Madrid, donde presentará una programación con experiencias únicas a través de diferentes proyectos y propuestas de creación audiovisual.

MÚSICA:  Hidden Jayeem - The Last Of Us

 

MÚSICA: GERALD VDH. AGAINST THE CURRET

 

INTERSECCIÓN. DEL 24 AL 27 DE OCTUBRE. A CORUÑA.

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INTERSECCIÓN es una propuesta que pretende generar un espacio de visualización de obras de arte audiovisual contemporáneo elaboradas por artistas-cineastas al margen de la industria cinematográfica tradicional, que manejan tanto códigos estéticos como procesos de creación completamente transgresores. También es un punto de encuentro, un espacio de pensamiento actual para producir conocimiento y sinergias entre artistas, investigadoras, comisarias, críticas, programadoras, instituciones y todos aquellos agentes involucrados, así como el público general. Éste último podrá conocer cada propuesta de un modo sencillo y accesible, gracias a la presencia de las autoras y otras profesionales, con quienes podrán comentar las piezas, realizar preguntas y solucionar cualquier tipo de duda o inquietud durante los amplios coloquios previstos.

INTERSECCIÓN propone una programación de absoluta vanguardia formado por obras invisibles que nunca llegan a canales de exhibición populares, sino que tan sólo se muestran en encuentros internacionales específicos como la Documenta de Kassel o la Mostra de Venecia, museos como el MoMA, el Pompidou o la Tate Modern, festivales como la Berlinale, el IFF Rotterdam, o el FID Marseille, así como galerías y otros centros de arte
PROGRAMA:
RETROSPECTIVA DE IGNACIO PARDO
En INTERSECCIÓN podremos ver diversas videoinstalaciones del artista, en el marco de la exposición titulada EXHUMACIÓN. En ella, revisaremos su trabajo instalativo desde sus primeras obras hasta las más recientes, alguna de ellas realizada ex profeso para este evento. Además, se mostrarán todas sus piezas de videoarte en una sesión comentada por el propio autor.
ARTE AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO GALLEGO
Queremos ofrecer una sesión dedicada a reflexionar acerca del arte audiovisual contemporáneo gallego creado tanto por artistas jóvenes, como por otras con una carrera consolidada. Para ello, contaremos con ocho piezas recientes: cinco estrenos mundiales y un estreno español.
Con la presencia de Edu Valiña, Noa Castro, David Catá, Ruth Montiel Arias, Claudio Pato, Carme Nogueira,Santiago Talavera y Edu Fernández.

FUSO, FESTIVAL INVITADO
El festival de videoarte portugués FUSO, Anual de Videoarte Internacional de Lisboa, cumple 10 años este 2018. Para celebrarlo, están llevando a cabo una itinerancia internacional que comenzó en Brasil y continuará por Europa, siendo INTERSECCIÓN su única parada en España.
Fundado en 2009, FUSO es el único festival de videoarte en Lisboa. Presenta piezas de vídeo confrontando lenguajes históricos con otros más contemporáneos, que cruzan el vídeo, la performance y el cine.
- Sesión histórica: Retrospectiva de Ernesto de Sousa.Con la presencia de Isabel Alves
- Sesión Reload: Comisariada por Marta Mestre, con obras de Raquel Schefer. Bruno Ramos, José Carlos Teixeira, Leal e Veileby, Rui Mourão, João Leitão y Salomé Lamas. Con la presencia de Jean-François Chougnet, Director Artístico de FUSO.

PARK LANES, DE KEVIN JEROME EVERSON. 480 MIN. ESTRENO EN ESPAÑA
Park Lanes es una película que muestra la rutina cotidiana de una fábrica de Virginia dedicada a la producción de suministros para boleras. Es un trabajo extenso, de ocho horas de duración, vivido a tiempo real. El título se refiere al nombre de la bolera de Mansfield, Ohio, frecuentada por el cineasta y
su familia. Estreno mundial: IFF Rotterdam,

MÚSICA: SUSAN DRONE. RAZOR EDGE. LOOMS

 

MÚSICA: VALEDA. ARTE AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO.

EXPOSICIÓN: "Dark Times, Golden Era" del dibujante bilbaíno afincado en Madrid Alberto de las Heras,  para 451, un nuevo espacio galerístico en la ciudad de Oviedo  . La exposición se inauguró dentro de la programación de la Noche Blanca de Oviedo, pero estará expuesta y abierta al público en horario comercial hasta el 17 de noviembre, 

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El presente es esclavo del pasado. En el continuo temporal de la humanidad, esa delgada e irrisoria línea de sucesos que nos ata al principio de los tiempos, solo el análisis y la ficción tienen el poder liberador de emplazarnos en otro lugar. Frente a los hechos, su libre interpretación y las nuevas ideas que ésta pueda generar por fuerza despliegan otra realidad probable, a veces incluso posible. Con la capacidad de resultar equivalentemente veraz.

Alberto de las Heras (Bilbao, 1973) lleva décadas rescatando detalles del pasado, no precisamente los más relevantes y casi todos vinculados a cierta cotidianidad subyacente, para reescribir la conciencia del presente. Por la vía de una implacable sátira. Si en exposiciones anteriores (Germania, 2013) acudió a los albores del ascenso del nazismo para suscribir esa terrible banalidad del mal retratada por Hannah Arednt, donde cualquier vecino se puede convertir en verdugo con solo empujarle levemente a serlo; o utilizó los mitos medievales de la brujería (en Witches in da House of Meat, su primera exposición, de 2008) para retratar el pavor masculino actual ante el, en aquel entonces, aún incipiente retorno del feminismo, ahora en Dark Times, Golden Era establece un certero paralelismo entre el comienzo de la cultura de masas tal y como hoy la comprendemos, y lo que esa cultura ha terminado imponiendo como rastro evidente de su omnívora capacidad de propaganda.

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Alberto de las Heras, desde esa incómoda posición de ser a la vez uno de los mejores y menos conocidos dibujantes de su generación, actúa en cierto modo como una de esas procesadoras industriales de alimentos: de manera mecánica, irreflexiva, intuitiva en la cantidad y calidad de sus ingredientes; segura en el sabor y textura de los resultados. Toma narrativas cercanas, más o menos conocidas, desde aspectos de la cultura popular o de masas a teorías filosóficas y político-sociales casi convertidas en clichés de nuestro tiempo, o al menos asumidas con mayor o menor acierto, y las somete a sucintos juegos de yuxtaposición, o a procesos de confusión de textos, a veces utilizando la sincronía, otras el anacronismo, para componer una reflexión sutil, generalmente cabal en su fondo y descabellada en su forma, siempre cargada de sarcasmo e intoxicada por su propia ideología, sobre el tiempo presente. Que no es otro que aquel que las decisiones del pasado han permitido que sea.

En Dark Times, Golden Era el artista escoge, de forma aparentemente azarosa, escenas de distintas películas, la mayoría relativas al periodo de la Edad de Oro del cine americano, desde finales del cine mudo hasta principios de los años cincuenta, cuando la resaca de la II Guerra Mundial terminó de rematar la ingenuidad en el mundo. Elige también algunos de sus rostros míticos: grandes divas de una época irrepetible o personajes de animación convertidos hoy en iconos corporativos. Amplía el margen hacia arriba y hacia abajo: retazos del cine y la televisión de autor anteriores y posteriores, a los que añade gotas de la ritualidad secretista de la magia negra, también de esa otra ritualidad que nos lleva del aquelarre a la discoteca; de la ya centenaria cultura de la celebridad y la imagen, hoy omnipresente; del imperialismo económico y cultural capitalista; de los inicios de una psiquiatría de las pulsiones sexuales aún ni dirimida ni derrotada y la interposición de unas nuevas teorías sobre la identidad -individual, colectiva y de género- en las que pueda vislumbrarse al menos un reducto para la libertad y la crítica. Todo a través de juegos estéticos referenciales en un espectro ilimitado o, mejor, limitado a sus intereses personales: las tradiciones de la pintura romántica y neoclásica, o de la ilustración de finales del siglo XIX hasta los años cuarenta del XX, por citar algunos.

En la elaboración de este melting pot (que tiene mucho también de meeting point) con materiales tan dispares, aflora una desesperada visión opaca de la realidad: la inasible sensación de que el hoy es tan fantasmagórico -en el sentido de mera ilusión- como lo fue el ayer. Y de que la humanidad difícilmente puede ser redimida a través de sus más difundidos discursos. El artista lo intenta a través del humor, consciente de la decadencia actual de las libertades. Al que esgrime como arma en una era, la que vivimos, que puede parecer dorada, pero que oculta los mismos y eternos tiempos oscuros de nuestra historia pasada.

Guillermo Espinosa.  Comisario.

 

MÚSICA: HAUNT. ABRAZAR

 

CONTRAPORTADA: MARTINA BERTONI. VISIBLE CRACKS. THE GREEN EP.

 

 

 

 

Rosa Pérez   11.oct.2019 09:10    

PILAR ALBARRACIN, ISIDRO BLASCO, MIGUEL A. RUIZ , SHE MAKES NOISE y adelanto LEV MADRID

    viernes 4.oct.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 07.10.19

 

PORTADA: HIBOTE. YAM del álbum YAKUZAM.

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Hibotep es de origen somalí, aunqu reside en Kampala (Uganda). Tras su paso por el festival Sonar, llega a Madrid a participar en el festival She Makes Noise, donde esta artista multidisciplinar, es Dj, productora, diseñadora de moda, cineasta, rompe fronteras estilísticas  y presenta las piezas de su álbum Yakuzam.

 

MUSICA: ABYSS X. LYRICAL WASING.

ENTTREVISTA: ISIDRO BLASCO. 

Una intervención escultórica de Isidro Blasco, se apodera del salón de baile del Museo Lázaro Galdiano

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  • Isidro Blasco, artista madrileño, afincado en Nueva York, con una formación arquitectónica a la que no es ajena su obra, presenta en Espacio emergente un proyecto de intervención escultórica ideado expresamente para el salón de baile del Museo Lázaro Galdiano.

 

  • La instalación, que se exhibe en la primera planta del Museo Lázaro Galdiano desde el 4 de octubre y hasta el 26 de enero de 2020, presenta un espacio en movimiento a través de una construcción realizada con elementos planos montados sobre bastidores y cubiertos por fotografías tomadas en distintos puntos del Museo.

 

  • Espacio emergente no solo pone en relación distintos ámbitos del Museo, sino que también interviene en la manera de aproximarse a la Colección por parte de los visitantes, generando un encuentro entre el público de arte más clásico y el de arte más actual.

 

  • En esta obra -según apunta el comisario de la muestra, Fernando Quesada- Isidro Blasco hace visible el proceso individual de percepción del espacio y, al construirlo, lo vuelve una experiencia compartida.

 

Madrid, 24 de octubre de 2019. Espacio Emergente es un proyecto de intervención escultórica site-specific en el espacio principal sobre el que gira el Museo Lázaro Galdiano.

El proyecto busca intervenir no solo en el propio espacio físico y perceptivo, sino en el espacio institucional y social, así como en la memoria misma del museo.

La instalación consiste en una gran construcción realizada con elementos planos ligeros montados sobre estructuras de bastidores con un componente arquitectónico muy marcado.

Las superficies base se cubren con fotografías C-print de gran formato y alta resolución, que reproducen los fragmentos del museo como un espacio móvil y en fuga. Las imágenes fotográficas manipuladas digitalmente se diferencian drásticamente de la atmósfera y las texturas físicas del espacio real. Se trata por tanto de dobles reproducciones —fotográficas o de superficie, y escultóricas o de volumen—, que no solo reproducen el espacio, sino que lo reconfiguran gracias a su condición inequívocamente constructiva. Se persigue la amplificación de la experiencia del espectador, su apertura al propio espacio del museo, que con este proyecto cobra un gran protagonismo, y la sensibilización hacia su historia.

Percepción, memoria, identidad y espacio son por tanto los conceptos básicos con los que este proyecto pretende trabajar.

La obra de Isidro Blasco pone en juego la percepción artística y la conexión entre las artes. Su pieza es una escultura en la que tanto arquitectura como fotografía forman parte y se confunden. La deconstrucción de la mirada se recompone en esta nueva visión.

Isidro Blasco nació en Madrid en 1962 y vive en Nueva York desde 1996. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense y doctorando en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Ha sido escultor en residencia en la Academia de España en Roma en 1991. Ha recibido la beca Pollock Krasner Foundation en 1998 y 2010 y la Guggenheim Foundation Fellowship in Visual Arts en 2000. Sus obras pertenecen a las colecciones del Museum of Modern Art MoMA, el Whitney Museum of American Art, el Tweed Museum of Art y el Chicago Institute of Contemporary Art, entre otras instituciones. Su trabajo se ha exhibido en el P.S.1./MoMA de Nueva York y el Whitney Museum, Champion Branch. Ha tenido una exposición individual en el Museo Nacional Reina Sofía en 2004 y muestras en Nueva York, Shangay, Sydney, Lisboa y São Paolo.

INFORMACIÓN PRÁCTICA

Espacio emergente. Isidro Blasco

Comisario:           Fernando Quesada

Organiza:          Museo Lázaro Galdiano

Fechas:   Del 4 de octubre de 2019 al 26 de enero de 2020

 

 

MUSICA: ELECTRIC INDIGO. SEPT. 

 

MUSICA: NATALIA ESCOBAR. LA BESTIA

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MUSICA: NWRMNTC. UPPERBERRY VIBRATIONS

 

MUSICA. FUNERAL SOUVENIR. GAS DE ABIDJAN.

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ENTREVISTA. MIGUEL A. RUIZ.

Un visionario que a mediados de los 80 formó porte de una escena musical poco conocida y que estos dÍas vive un resurgir y reconocimiento por parte de nuevas generaciones adictas a la música electrónica hecha en nuestro país.

Bajo el nombre de Funeral Souvenir, publicó "La noche del anhídrido", fue grabado en 1987 e inicialmente editado en formato cassette. Un trabajo de música industrIAl con toques rítmicos muy marcados, voces tratadas y efectos que transitan a lo largo de todo el álbum Han pasado 32 años pero el tiempo no ha hecho estragos en él. Ahora se reedita a través del sello Verlag System con bonus traks y accesos a descargas en la versión Vinilo.

 

MUSICA: FUNERAL SOUVENIR. MIEDO EL CRICKET

 

MUSICA: KELLY MORAN. IN PARALLEL.

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Entre el 17 y el 20 de octubre de 2019, el Festival L.E.V. Matadero (organizado por Matadero Madrid en coproducción con Cineteca Madrid y la plataforma Datatron) explorará la vanguardia de la creatividad digital contemporánea. El amplio programa del festival, con espectáculos audiovisuales, performances y experiencias sonoras, ocupará diversos espacios de Matadero Madrid: Nave 16 (equipada con el sistema de sonido inmersivo Soundscape), Nave 0, Plaza Matadero y Cineteca Madrid.
El festival, que contará con la presencia de grandes nombres de la electrónica y la creación audiovisual, como Morton Subotnick (acompañado por Lillevan y Alec Empire), Aïsha Devi, Plaid o Ryochi Kurokawa, ofrecerá en su nueva sección, VORTEX, experiencias únicas que girarán en torno a la Realidad Virtual.

MUSICA: EMPYSET. BLADE.

MUSICA:PLAID. MARU. SHE MASK REMIX

 

MUSICA: AMAS. SCARLETT WOMAN I AN´T

 

 

CONTRAPORTADA: HIBOTEP. HWD. del álbum YAKUZAM.

 

 

 

Rosa Pérez    4.oct.2019 14:03    

XII ENCUENTRO ARQUITECTURAS COLECTIVAS. PALMA MALLORCA

    miércoles 25.sep.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 30.09.19

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Arquitecturas Colectivas es una red en continuo crecimiento de personas y colectivos interesados en procesos cooperativos orientados a cuidar y transformar nuestros entornos. Es un instrumento para trabajar de forma colaborativa en proyectos e iniciativas, reflexionando sobre los procesos de construcción colectiva del hábitat y planteando alternativas pragmáticas.

 

Desde 2007, cada año se celebra un encuentro en una ciudad diferente con el objetivo de reforzar y ampliar la red y consolidar una forma de hacer ciudad/barrio desde, por y para las personas.

 

La XII edición del Encuentro Internacional de Arquitecturas Colectivas se celebrará en Palma, Mallorca-Islas Baleares, en los barrios de La Soledat, Nou Llevant y Es Molinar, del 25 al 29 de septiembre de 2019.

 

El encuentro de este año se centrará en la imposición de los falsos paraísos y los mecanismos de transformación urbana que expulsan a la gente de sus barrios,  y la consecuente situación de déficit de la cultura de los bienes comunes que esto genera.. Ante esta realidad, ponemos en valor la necesidad de generar una red de iniciativas emergentes del territorio para trabajar de forma colaborativa y reivindicarnos como protagonistas de la transformación social, cultural y urbana  de nuestros barrios, de nuestro entorno.

 

Con una legislación que no contempla el decrecimiento turístico sino que lo favorece, desprotegiendo a vecinos y vecinas, remarcamos la importancia de trabajar de forma conjunta por el derecho al barrio y al territorio.

 

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El encuentro estará orientado en las siguientes líneas temáticas:

1) Apoyar y conectar la  red de iniciativas existentes en el territorio -especialmente del conjunto balear- que de forma diversa trabajan la transformación social y ecológica del hábitat
, el acceso a la vivienda y al espacio público.

2) Reflexionar colectivamente sobre los retos a los cuales se enfrentan las Illes Balears en materia de transformación del territorio y del hábitat.

3) Elaborar propuestas más participativas y accesibles a corto y medio plazo desde una perspectiva de base, que combine lo técnico con lo asociativo, tejiendo nuevas comunidades de interveción y acción a través de la  inteligencia colectiva.

 

https://arquitecturascolectivas.net/noticias/xii-encuentro-aaccmallorca-2019

 

Contaremos con las actuaciones de:

YAK 42+ HANABI

PEDRO TROZ

BIYI AMEZ

 

Rosa Pérez   25.sep.2019 12:35    

Especial WOS FESTIVAL´19

    domingo 15.sep.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 16.09.19

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Proponemos un acercamiento a la edición de 2019 del Wos Festival, que se celebra del 11 al 19 de septiembre se celebra en Santiago de Compostela.

WOS Festival x SON Estrella Galicia se celebra desde hace seis años cada mes de septiembre en una docena de localizaciones excepcionales de la ciudad de Santiago de Compostela, todas ellas a poca distancia de la catedral, en un barrio histórico declarado Patrimonio de la Humanidad. Los espacios incluyen dos museos, dos teatros, una iglesia del siglo XVIII, edificios singulares como la Ciudad de la Cultura o la Sede de la Fundación SGAE, un mercado, dos salas de conciertos y una sala de cine independiente entre otros lugares destinados a crear experiencias únicas para una audiencia reducida. El evento supone una auténtica ruta arquitectónica y turística por la ciudad, enhebrada por un programa de propuestas en torno al riesgo, la exploración, el arte contemporáneo y digital, el contraste entre tradición e innovación, y el diálogo entre disciplinas. La programación consta de cerca de medio centenar de actividades, repartidas a lo largo de cinco días.

WOS ha sido seleccionado como el mejor festival Indoor europeo de 2018 en los European Festival Awards, galardonado con el premio nacional a la mejor Promoción Turística en los Iberian Festival Awards 2018, y destacado entre los diez mejores proyectos gallegos de 2018 en el informe Observatorio de la Cultura de Fundación Contemporánea.

El festival es una iniciativa de la productora compostelana WORK ON SUNDAY, en colaboración con la asociación de agentes culturales gallegos WOS INC. Cuenta como patrocinador principal con SON Estrella Galicia, y con el apoyo del Concello de Santiago de Compostela, Deputación de A Coruña, AGADIC – Xunta de Galicia, Cidade da Cultura, Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), Fundación Eugenio Granell, Universidad de Santiago de Compostela y Mercado de Abastos entre otras entidades.

 

Escuchamos a 

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MARY LATTIMORE / USA

Mary Lattimore es una artista residente en Los Ángeles que usa su arpa para conjurar formas abstractas que evocan recuerdos, paisajes y alusiones. Su música explora un reino de narraciones sin palabras e indefinidos relatos de viaje, donde, con la ayuda de efectos y voces ocasionales, las improvisaciones de arpa se transforman en canciones espectrales. En la actuación en vivo, Lattimore revela la magia impresionista de su instrumento, difuminando la técnica clásica y la electrónica ambiental.

 

XISELR / ES

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Xiselr es un nuevo proyecto del artista sonoro y músico experimental Xoán-Xil López basado en el uso de texturas sonoras drone interpretadas con un instrumento electrónico de construcción propia, que propone una reinterpretación de la zanfona al tiempo que investiga sobre nuevas posibilidades expresivas de la síntesis sonora y la performance electrónica. Desde el punto de vista experimental y contemporáneo, Xiselr se aproxima a la esencia, más que a la forma, del imaginario de la cultura sonora gallega y a una tradición en la que los bordones tienen una extensa presencia. En WOS presenta el proyecto en el que está trabajando en este momento, ‘Non Uniform Circular Motion’, en el que los sonidos son generados integramente por un set de dos instrumentos creados por el mismo, haciendo uso de hardware abierto, una dinamo y múltiples sensores. El título de este trabajo hace alusión al concepto del “eterno retorno” -repetición, cambio y recurrencia-, y a la conexión que existe entre ciertas sonoridades de la música contemporanea y algunas prácticas musicales pre-tonales.

 

HARRGA / UK

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Harrga («quemadura» en el dialecto marroquí darija) nació a mediados de 2017. Empujados por la escalada de la crisis migratoria, Miguel Prado (Nzumbe) y Dali de Saint Paul (EP/64, Viridian Ensemble y DSC) decidieron rendir homenaje a los ‘Harragas’ (personas que cruzan las fronteras ilegalmente y queman sus papeles, perdiendo así su identidad). 

En 2019, han publicado su álbum debut ‘Héroïques Animaux de la Misère’ , una meditación sobre el horror que se filtra por las grietas de las fronteras.

BENDIK GISKE / NO / DE

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Bendik Giske es un artista y saxofonista queer que usa la corporalidad, la vulnerabilidad y la resistencia como sus herramientas de expresión. En octubre de 2018 publicó su primer EP, ‘Adjust’ (Smalltown Supersound), con remixes de Total Freedom, Lotic, Rezzett y Deathprod.

Su álbum debut, ‘Surrender’, fue lanzado en Smalltown Supersound en enero de 2019. Este debut conduce a los oyentes por un verdadero viaje a través de la euforia y la pasión de las noches de Berlín, usando poco más que su voz, un saxofón y unos cuantos micrófonos cuidadosamente situados. Mediante la respiración, acero y músculo, Giske está transmutando su experiencia club.

 

https://wosfestival.workonsunday.es/

Rosa Pérez   15.sep.2019 17:16    

EUFONIC´19

    miércoles 11.sep.2019    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 09.09.19

 

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Especial Fluido Rosa en Eufonic. Dedicamos el programa a la escucha de algunos de los conciertos del Festival Eufonic, celebrado en Sant Carles de la Rápita del 5 al 8 de septiembre, donde hemos vivido de cerca este evento que revoluciona el Delta del Ebro con músicas electrónicas y sonidos experimentales.

En este primer acercamiento a Eufonic, proponemos la escucha de los conciertos de :

 

William Basinski.

 

 

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Joven artista multidisciplinaria alemana, el trabajo de Philis Josephine bascula entre los miedos generacionales naturales, el entumecimiento postadolescente, la hipersensibilidad y la sobrecarga de información. De alta vulnerabilidad, sus composiciones -con voz aparentemente imperfecta, drones vocales y sutilidad melódica- dejan la puerta abierta a las emociones y las reacciones, en un intento de dar un paso más hacia el futuro en búsqueda de un equilibrio constante. Las capacidades sónicas de la digitalidad a través de la inteligencia artificial, el procesamiento vocal y la manipulación visual. 

 

 

CLARA BREA

La artista sonora madrileña tiene un disco precioso, “Dystopian OST” -publicado el 2018 en el sello Solid Tapes-, un trabajo ambicioso y maduro que transcurre entre el ambient y la música industrial, que palpita y respira en pasajes oníricos y, dependiendo del momento, pueden ser placenteros o desasosegantse. Pero lo que nos ha cautivado de su proyecto presentado a la convocatoria de residencias ha sido el objetivo que se plantea llevar a cabo durante aquellos días, las relaciones sonoras entre el espacio, el tiempo, la tecnología y la natura, que tomará forma de performance sonora en el espacio más intrigante del festival.

 



Rosa Pérez   11.sep.2019 12:41    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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