Model, arquitectura Barcelona, Concéntrico, Jose Pablo Arriaga y Pictish Trail

    viernes 13.may.2022    por Rosa Pérez    41 Comentarios

PROGRAMA 16.05.22

 

 

PORTADA:PICTISH TRAIL. ISLAND FAMILY

La música de Pictish Trail, en portada esta semana en FR, un heroe del underground escocés. Presentamos su quinto álbum Island Family, en el que el electró se mescla con lo acústico de marcado aire psicodélico.
Johnny Lynch está detrás de Pictish Trail, habitante en una de las islas del mar del norte desde donde publica en edición limitada en vinilo de color verde, además de en Cd y en plataformas. Mientras está de gira durante toda esta primavera por Reino Unido
Island Family es la visión contraria de la arcadia de Pictish Trail: una búsqueda de lo eufórico en lo bucólico, ligado a ideas y sentimientos a veces contradictorios sobre la naturaleza y el medio ambiente, la sinceridad y el artificio.
 
MUSICA: GOD IS GOD. MASHA - MARIE
 
LOGOMODEL
MODEL. FESTIVAL ARQUITECTURA BARCELONA
 
ENT. EVA FRANCH I GILABERT

Model. Festival de Arquitecturas de Barcelona es un espacio de reflexión y celebración que nos acerca la arquitectura experimental y nos ayuda a repensar cómo queremos vivir juntos a través de nuevos modelos de ciudad y nuevos imaginarios.

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El festival, impulsado por el Ayuntamiento de Barcelona y el Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC), tiene como objetivo transformar el espacio urbano en una plataforma para el talento arquitectónico y de diseño emergente, la ciudad en un foro de encuentro para líderes de pensamiento de todas partes y, más significativamente, la arquitectura en un espacio de exploración e inspiración para toda la ciudadanía.

La designación de Barcelona como Capital Mundial de la Arquitectura en 2026 por parte de la UIA-UNESCO es la semilla del festival, una invitación a preguntarse qué significa ser capital en una sociedad diversa y global, y en un momento en que el modelo de ciudad se tiene que redefinir, rediseñar y revisar a todas las escalas para dar respuesta a las múltiples crisis sistémicas de nuestro tiempo. ¿Qué conflictos, internos y externos, tendrán que afrontar las ciudades? ¿Podremos seguir construyendo edificios, calles, plazas y parques de la misma forma que lo habíamos hecho en el pasado? ¿Con qué materiales? ¿Con qué energía? ¿Adaptados a qué temperaturas? ¿A qué escala? ¿Para quién?

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Por ello, Model. Festival de Arquitecturas de Barcelona tiene la misión de hacer llegar a la ciudadanía esos debates en torno a la arquitectura y el urbanismo que tienen que ver con los retos sociales, políticos y climáticos de las ciudades del s. XXI. En un momento en que los imaginarios de futuro están en crisis, Model quiere experimentar con nuevas construcciones, imágenes, encuentros, valores, relaciones y perspectivas que nos ayuden a desafiar los imaginarios apocalípticos y la tentación de refugiarnos en la nostalgia de modelos pasados.

Durante casi dos semanas, el festival convertirá las calles de Barcelona en un laboratorio de experimentación arquitectónica y urbana donde la gente podrá descubrir y aprender con instalaciones efímeras, debates, exposiciones, proyecciones y espectáculos en diferentes espacios de la ciudad. Históricamente, Barcelona se ha caracterizado por ser una ciudad viva en su relación con el espacio público, donde la ciudadanía ha participado e intervenido en el debate sobre cómo tienen que ser las transformaciones sucesivas de la ciudad. Y eso se ha acentuado con los aprendizajes de la pandemia, cuando la crisis sanitaria mostró la necesidad de reconfigurar los entornos urbanos de forma inmediata para asegurar el derecho a la salud de todos los ciudadanos.

Model. Festival de Arquitecturas de Barcelona da continuidad a esos debates e inquietudes sobre la ciudad, que en los últimos cinco años habían tenido cabida en la Semana de la Arquitectura. La arquitectura es cultura, y Model tiene que ser un festival de ciudad que rompa con las barreras de cada disciplina para abordar estos debates con una mirada híbrida, ajustada al carácter global, interdependiente e intergeneracional de los conflictos urbanos contemporáneos.

Por este motivo, el festival, ya desde su nombre, explora la tensión entre la necesidad de reconocer que la arquitectura es y tiene que ser plural, abierta y diversa, pero al mismo tiempo tiene que discutir sobre modelos posibles: Model. Festival de Arquitecturas de Barcelona es una oportunidad para imaginar ciudades más innovadoras, más sostenibles, más justas, más feministas y con una arquitectura que no genere nuevas desigualdades.

WWW.MODEL.BARCELONA/ES

 
MUSICA: BEYOND. TIMIMINALOAYAN
 
MUSICA:THE ALEGORIST. REDWINGED PHOENIX.
 
JOSE PABLO ARRIAGA. EKIS/X. BLANCA SOTO. MADRID. HASTA 07.06.22
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Una mínima alteración en los cromosomas puede condcionarlo todo. Una equis nos cambia la vida.
Fue esa inquitud la que dio comienzo a la colección EKIS  de José Pablo Arriaga, la cual está formada a su vez por varias obras inspiradas en hechos recientes e intensos para el autor. Son etapas que Arriaga ansía tachar con una equis, episodios marcados por accidentes laborales, crisis pandémica y guerras.
Sin embargo, una equis no es un simple tachón. Son dos puntadas que cierran laherida y la apreparan para una nueva piel.
Una equis es un cruce de caminos, el punto de unión entre dos miradas opuestas. El cruce es tensión. El cruce es esperanza.
Una equis multiplicará aquello que elijamos multiplicar. Liberar la equis es liberar el nudo.
Eres EKIS desde el prncipio.
Tensión y esperanza.
Cierre y misterio.
 
 
 
MUSICA:AWKWARD MOMENTS. GAMMA RAVE
 
SONORAS
El duo londinense presentará su nuevo trabajo A Strange time EP, dentro de la programación de LA IV EDICION DE SONORAS, EL FESTIVAL QUE PONE DE MANIFIESTO EL TALENTO FEMENINO EN LA ELECTRONICA Y QUE SE CELEBRA EN EL CENTRO DEL CARMEN DE VALENCIA, POR EL QUE VAN A PASAR TAMBIÉN LEGENDARIAS COMO SUSANNE CIANI, O NAD SPIRO. TENEIS TODA LA INFO EN WWW.SONORAS.
a cuarta edición de SONORAS de nuevo llega al CCCC.
 
El ciclo de música y performance reune compositoras y creadoras que están a la vanguardia de la experimentación sonora y visual, proponiendo formas inusuales que trazan el recorrido de un encuentro que conjuga lo lúdico con lo estético y la reivindicación política.
 
Suzanne Ciani, Nad Spiro, Marta Hammond, Bromo (Paloma Peñarrubia y Azael Ferrer), She Knows (Teresa Tomás y Marcel Dadalto), Awkward Moments (Mimi Xu y Gillian Maguire) y Rosa Pérez protagonizan el cartel del singular encuentro.
 
 
PROGRAMACIÓN
 
20 de mayo
 
20:00 horas, She Knows Live.(Dúo compuesto por la valenciana afincada en Berlín, Teresa Tomás y Marcel Dadalto, ambos compositores, productores e intérpretes).
 
21:30 horas, Marta Hammond ‘Trasnmutation’ Live A/V. (Teclista y compositora que utilizando la electrónica, viaja por diferentes estados, emociones y sentimientos. Presentará su proyecto en solitario).
 
23:00 horas, Awkward Moments ‘A Strange Time’ Live A/V. (Dúo de música electrónica con sede en Londres formado por Mimi Xu, productora y compositora electrónica, y MAGUIRE, multiinstrumentista y vocalista principal. Para la performance site specific A Strange Time, se han asociado con los artistas digitales con sede en Valencia Pablo Alpe y Anisph).
 
 
21 de mayo
 
18:00 horas, Rosa Pérez Dj set. (experta en arte y música, directora y presentadora del programa de Radio Nacional de España Fluido Rosa sobre música y arte contemporáneo)
 
19:00 horas, Proyección documental ‘Sisters with transistors’ dirigido por Lisa Rovner en 2020.
 
20:45 horas, Suzanne Ciani ‘Improvisation on Four Sequences Live A/V. (Compositora cinco veces nominada al premio Grammy, pionera de la música electrónica y artista de grabación neoclásica que ha lanzado más de 20 álbumes en solitario):
 
21:45 horas, Nad Spiro ‘ ‘L’important’ Live A/V. (identidad bajo la que opera en solitario la compositora donostiarra Rosa Arruti, mujer esencial y pionera en la experimentación española, cómplice en legendarios proyectos del underground barcelonés).
 
23:00 horas, Bromo ‘No Signal’ Live A/V. (Dúo formado por la compositora e ideóloga Paloma Peñarrubia y el video artista Azael Ferrer. Bromo propone un viaje inmersivo a través del espacio).
 
MUSICA:ETIENNE JAUMET & FABRIZIO RAT. RIVE OPPOSITE
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eSTA SEMANA SE PRESENTABA EN EL GOETHE INSTITUTE DE MADRID LA NUEVA EDICIÓN DE CONCENTRICO. EL DIRECTOR DEL CENTRO, HIZO LAS VECES DE MAESTRO DE CEREMONIAS, JUNTO A JAVIER PEÑA,  ADELANTANDONOS ALGUNAS CLAVES PARA IR HACIENDO LAS MALETAS Y VISITAR LOGROÑO A PRIMEROS DE SEPTIEMBRE.
 
 
TENEIS TODA LA INFORMACIÓN EN WWW.CONCENTRICO.ES
 
 
MUSICA: SELBOR. LORCA
 
MUSICA : LAURIE ANDERSON. BIG SCIENE. ARCA REMIX
 
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CASA PLANAS. 
Nos informan del estado de las convocatorias y residencias artísticas.
www.casaplanas.org
 
 
MUSICA: YANSKI MELLIFERA
 
 
MUSICA: NAD SPIRO. REPORT 5
 
 

CONTRAPORTADA:PICTISH TRAIL. IT CAME BACK

 

Rosa Pérez   13.may.2022 12:05    

GUILLERMO MORA, PACO DE LA TORRE, OPEN HOUSE BARCELONA Y NAD SPIRO

    viernes 6.may.2022    por Rosa Pérez    15 Comentarios

PROGRAMA 09.05.22

 

 

DISCO PORTADA: NAD SPIRO. REPORT 5ROTOR discos - L´IMPORTANT (FILM MUSIC WITH NO FILM) | Nad Spiro |

Presentación del nuevo álbum: “L’IMPORTANT”, dude Nad Spiro, el proyecto de Rosa Arruti, una de las pioneras en la electrónica y la experimentación de nuestro país. 

L’IMPORTANT >  Una banda sonora en busca de película

 En este soundtrack imaginario, Nad Spiro evoca una deriva espacial a bordo de una nave desaparecida:  L’Important. En su cara B recupera canciones olvidadas de la cosmonauta Nadia Spier, sugerentes temas a modo de transcripciones de cintas secretas. 

Spiro presenta este CD acompañado de un deslumbrante desplegable para el que ha contado con una tripulación estelar: relato  y dibujos de ZANE SPEER (L’Important, 1984), fotos del admirado JOAN FONTCUBERTA, diseño de MARC VALLS, + Ferran Fages (mastering), Ken Hollings... ..

 

MUSICA: RICHARD VON DER SHULENBURG. COSMIC DIVERSITY

ENT. Guillermo Mora. Sala Alcalá 31. Madrid

 

La Sala Alcalá 31 presenta la exposición “Un puente donde quedarse” en la que el artista Guillermo Mora dialoga con la arquitectura de la sala e incide sobre cómo se percibe y transita este espacio. Una puesta en cuestión de las jerarquías y los órdenes preestablecidos que conduce hacia nuevas vías de transitar, mirar y experimentar el espacio y la pintura.En esta exposición, comisariada por Pia Ogea, el espectador podrá recorrer una gran instalación que se nutre de la arquitectura de la Sala Alcalá 31 y que abarca todo el espacio. Una obra, realizada específicamente para la muestra, que está formada por 12 estructuras que cruzan el espacio de izquierda a derecha y de arriba abajo, redirigiendo la mirada del espectador. Esta instalación, que modifica el recorrido lineal de la sala con un movimiento en zig-zag, favorece la idea de pintura como barrera física, uno de los temas en los que Guillermo Mora investiga dentro de su producción artística.La relación de esta instalación con el resto de piezas que incluye la exposición establece un juego evidente entre lo macro y lo micro, entre lo expansivo y lo reducido. Por ello, “Un puente donde quedarse” pone en cuestión los límites tradicionales de la pintura: bidimensionalidad, frontalidad, representación, marco y pared, abordando al mismo tiempo otras cuestiones que trascienden lo pictórico e insinúan otras formas de existir.

Guillermo Mora (Alcalá de Henares,1980) es una de las figuras más destacadas de su generación y el artista más joven en contar con una exposición individual en la Sala Alcalá 31. En los últimos años ha cultivado un particular vocabulario visual, generando un modo abstracto de comunicación que cuestiona los protocolos y procedimientos de la pintura.Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y por The School of the Art Institute of Chicago, entre sus exposiciones individuales destacan A day with you, Irène Laub Gallery, Bruselas; Horizontal con Miquel Mont, Tabacalera, Madrid (2019) o Los fondos remontan, Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid (2017), entre otras. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales como la del Museo Voorlinden (The Caldic Collection), Holanda, The Margulies Collection at the Warehouse, Miami (EEUU), la Colección La Caixa, el Museo CA2M de Madrid y la Colección DKV.

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La Sala Alcalá 31 presenta la exposición “Un puente donde quedarse” en la que el artista Guillermo Mora dialoga con la arquitectura de la sala e incide sobre cómo se percibe y transita este espacio. Una puesta en cuestión de las jerarquías y los órdenes preestablecidos que conduce hacia nuevas vías de transitar, mirar y experimentar el espacio y la pintura.En esta exposición, comisariada por Pia Ogea, el espectador podrá recorrer una gran instalación que se nutre de la arquitectura de la Sala Alcalá 31 y que abarca todo el espacio. Una obra, realizada específicamente para la muestra, que está formada por 12 estructuras que cruzan el espacio de izquierda a derecha y de arriba abajo, redirigiendo la mirada del espectador. Esta instalación, que modifica el recorrido lineal de la sala con un movimiento en zig-zag, favorece la idea de pintura como barrera física, uno de los temas en los que Guillermo Mora investiga dentro de su producción artística.

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La relación de esta instalación con el resto de piezas que incluye la exposición establece un juego evidente entre lo macro y lo micro, entre lo expansivo y lo reducido. Por ello, “Un puente donde quedarse” pone en cuestión los límites tradicionales de la pintura: bidimensionalidad, frontalidad, representación, marco y pared, abordando al mismo tiempo otras cuestiones que trascienden lo pictórico e insinúan otras formas de existir.

Guillermo Mora (Alcalá de Henares,1980) es una de las figuras más destacadas de su generación y el artista más joven en contar con una exposición individual en la Sala Alcalá 31. En los últimos años ha cultivado un particular vocabulario visual, generando un modo abstracto de comunicación que cuestiona los protocolos y procedimientos de la pintura.Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y por The School of the Art Institute of Chicago, entre sus exposiciones individuales destacan A day with you, Irène Laub Gallery, Bruselas; Horizontal con Miquel Mont, Tabacalera, Madrid (2019) o Los fondos remontan, Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid (2017), entre otras. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales como la del Museo Voorlinden (The Caldic Collection), Holanda, The Margulies Collection at the Warehouse, Miami (EEUU), la Colección La Caixa, el Museo CA2M de Madrid y la Colección DKV.

www.guillermomora.com

 

MUSICA: RICHARD VON DER SHULENBURG. RESERT MY BRAIN.

 

 

MUSICA: JUDY (FRAGMENTO1)

ENT. Iker Ruiz de Apodaca. Intervención sonora de Judy - Kulturklik

 

 

Hotsetan. Programa de sonido y música experimental: Judy y JD Zazie conforman el cartel del concierto de música experimental que tiene lugar en mayo. Partiendo de la tradición de DJ de la que ambos provienen, se abren a generar y manipular en directo materiales electrónicos abstractos a través de la composición y la improvisación, llegando a un resultado que podría denominarse DJ experimental.

Judy es el proyecto de trabajo de Iker Ruiz de Apodaka en torno a la música electrónica, con total libertad de movimientos. Cualquier camino es viable, desde la música de baile más acelerada a la monotonía de un drone estático, con la atención siempre puesta en el contexto en el que va a sonar. Todo ello desde el manejo de hardware como sintetizadores y samplers, sin ordenador; e improvisando el directo de acuerdo con lo que vaya pasando.

La artista JD Zazie, procedente de un entorno de DJ y radiofónico, ha explorado diferentes planteamientos aplicables a la manipulación en tiempo real del sonido fijo grabado. En este concierto presenta "Memory Loss", un proyecto basado en sonidos electromagnéticos grabados en alta definición y grabaciones de campo. "Una visión abstracta de cómo la propia acción de acumular y almacenar información ya incluye la idea de pérdida. Una fantasía musical sobre cómo la decadencia de los datos almacenados se refleja en la experiencia cotidiana", explica la artista.

 

 

MUSICA: JUDY. FRAMENTO 2

 

MUSICA: 02. LABELLE. TRIANGEL.

 

ENT. PACO DE LA TORRE. GALERÍA MY NAME´S LOLITA ART. MADRID

Rosa con pacodelatorre

La exposición Imagen en diferido presenta la obra reciente de Paco de la Torre. En esta serie pictórica se realiza un viaje espacio-temporal a través de una red de teletransportadores a la adolescencia del autor, cuando el club Hoango irrumpió como un icono del erotismo del exotismo de la Almería de los años 60, en el barrio de pescadores donde vivía.

En palabras de Ignacio Gómez de Liaño, se trata de una pintura que destila un mundo de fiesta y ensueño, de visiones metafísicas y de formas que ondulan con un ritmo trepidante e incesante, que se mueven, danzan y se inter-penetran. Es un mundo noctámbulo que nos observa con ojos invisibles y mira fijamente al osado que se pone a contemplarlo... Pero, cuando se va más al fondo, lo que se ve es una meditación sobre la vida y sobre la muerte...

 

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La
s obras que componen la muestra pertenecen a la serie Teletransportadores (2020), integrada por diez cuadros de formato medio (130 x 97 cm) donde se conjugan el vanguardista facetado cubista con la tradicional técnica del temple. Se trata de imágenes-recuerdo que representan un hecho que nunca sucedió, y que fue revelado en la pintura a partir de una serie de dibujos realizados bajo los efectos de la fiebre, hace más de una década. Todas ellas comparten unas mismas claves iconográficas que imprimen al conjunto el carácter de variación sobre un tema: a partir de un núcleo rojo se entreteje una trama de capitoné y construcciones –identificadas como teletransportadores– donde mujeres desnudas armadas con pistolas se muestran hieráticas bajo la mística psicodélica de un espacio hipnótico.

En el libro Imagen en diferido (Fire Drill, 2022) se recoge, junto a la catalogación de la obra, una completa documentación del proceso pictórico realizado entre los años 2019 y 2020. También se desarrollan las claves que rodean este prolongado periodo de gestación en un extenso cuerpo teórico que ofrece un contexto al espectador que se interne en Hoango, el proyecto que desarrolla el autor desde el año 2010.

www.mynameslolita.com

MUSICA: 10 LABELLE. ECLAT!

 

 

OpenHouseBarcelona

ENT. SERGIO ALONSO. ESPACIO OCULTO.TALLER MASRIERA.Y MIkEL ZUZAMA.DIRECTOR PROGRAMACION OPEN HOUSE BARCELONA

 

EL MES DE MAYO EL OPEN HOUSE BARCELONA PROPONE UN MODELO DE FESTIVAL SOBRE ARQUITECTURA. 

Este año se articula en torno a tres experiencias:

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Radiomedia Arquitectura. Una web repositorio de diversos menajes sobre arquitectura. Audios y video realizados por diferentes agentes de la arquitectura, en formato podcast. 

 

Música por Arquitectura

y Espacios Ocultos, donde se propone visitar algunos edificios ocultos por la ciudad y que merece la pena ser revisados a esperar de tener un uso definido. El Taller Masriera, el Sanatorio Antituberculosos, el Almacén Municipal Canyelles, Casa Tosquella y otros que serán visitados previsualización reserva.

 

 

MUSICA: JASON KOLAR. FRAGMENTO.

 

MUSICA: NAD SPIRO. REPORT.

CONTRAPORTADA: NAD SPIRO. NADA ES ALARGADA

 

Rosa Pérez    6.may.2022 09:54    

LEV 2022 PART I

    domingo 1.may.2022    por Rosa Pérez    5 Comentarios

PROGRAMA 02.05.22

LEV2022

Nos hemos venido a Gijón para vivir una nueva edición del LEV, el laboratorio de electronica visual que vuelve a convocar a los seguidores del arte más avanzado en distintos espacios de la ciudad en sus fechas habituales de primavera.

 

Esta vez con la normalidad casi recuperada, la jornada del viernes se desarrlló en el teatro de la Laboral donde se presentó el colectivo de arte multimedia de Turín SPIME.IM, que desplegó todo su arsenal para mostrar su último álbum ZERO,

Spime.im

CONCIERTO SPIME.IM 

 

La itensa jornada del sábado comenzaba en el escenario del museo del pueblo de asturias, una cita al aire libre que gozó de un tiempo extraordinario que invitó a la gente a participar de forma intensa.

Comenzó la jornada con Promising Youngter. El alias del leonés Diego Cadierno.

Promising youngster

PROMISING YOUNGSTER.

El leonés afincado en Madrid Diego Cadierno se sumó a la programación del sábado en el Muséu del Pueblu d’Asturies con su proyecto Promising/Youngster, donde da fienda suelta a su parte menos bailable.

Sin duda una de las grandes esperadas fue Jana Rush. La artista de chicago se presentó con su personal sonido deconstruido y además fue protagonista de un encuentro en el que habló de su carrera como DJ y productora. 

Jana rush

JANA RUSH 

 

Las jornadas del Museo del pueblo asturiano se han convertido en una pista al aire libre, sin duda y quien mejor que la norteamericana Jana Rush para proponer una jornada lúdica en la que el buen tiempo también fue protagonista.

Y de lo lúdico, bailable  y festivo,  a lo experimental, virtuoso e innovador.

La jornada del sábado en el Teatro de la Laboral, se presentó FORMS – String Quartet del estudio de investigación audiovisual Playmodes es un concierto multimedia en directo para cuarteto de cuerda, de música electrónica y proyecciones panorámicas, basado en la idea de «sonificación de la imagen».

Playmodes + Quartet Brossa: "Forms" — Eufònic

CONCIERTO PALYMODES.

La propuesta de Playmodes trabajada in situ junto a un cuarteto de cuerda de músicos residentes en asturias, fue uno de los momentos más atractivos, además playmodes también ha tenido una instalación artistica dentro del festival.

 

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Rosa Pérez    1.may.2022 16:48    

Isidoro Valcárcel Medina, Kai Lendre, Elena Lavellés, Lev y Ea Málaga

    viernes 22.abr.2022    por Rosa Pérez    16 Comentarios

PROGRAMA 25.04.22

PORTADA: KOTRA. ASSEMBLAGE TREMOR. RADNESS METHODS

KOTRA

KOTRA, es el nombre artistico de Dmytro fedorenko, el artista más proflifico y pionero de la escena electrónica ucraniana, aunque residente en Berlin.

Radness methods está basado en ideas ancestrales y ritmos rituales de tecnicas de meditación llevadas a la abstracción en forma de piezas contundentes grabadas a lo largo de 2021 y que ahora ve la luz en formato álbum.

 

MUSICA: KAI LANDRE. FEVER. GYBORG

ENT. KAI LANDRE (ARTISTA) Y SAÚL BAEZA (COMISARIO)

KAILANDRE

ACTIVE ACTIVISM ACT  es una exposición pionera para visibilizar nuevos formatos digitales y de activismo. Una experiencia multi-plataforma para compilar y fomentar la participación y la reflexión: un nuevo espacio para nuevos jóvenes activistas.  La exposición, que será gratuita, tendrá lugar de manera presencial del  25 de abril al 1 de mayo en el IDEAL Centre d'Arts Digitals de Barcelona, hasta el 31 de mayo también con preséncia online. Los miembros del proyecto europeo VIBE (Visions by Experience), como consorcio de agentes culturales (comisarios, productores audiovisuales, business angels, programadores, agentes museísticos y especialistas en fashion tech), son los organizadores de esta exposición. Laura Clèries y Saúl Baeza  de Elisava  Research, son los comisarios de este proyecto con el cofinanciamiento del Creative Innovation Lab Programme de la Unión Europea.   Este proyecto  rompe con los relatos habituales museísticos ofreciendo al visitante una  doble experiencia: física y digital. No sólo se podrá explorar el espacio expositivo, que contará con 7 salas diferentes, sinó que también se podrán vivir experiencias digitales. La exposición contará con diversas experiencias inmersivas, entre las que destacan Goblin Mode Healing Station by 𝕹𝖊𝖚𝖗𝖔𝕯𝖚𝖓𝖌𝖊𝖔𝖓™ una propuesta con dispositivos wearables con piezas de vestir con electrónica imprimida que integran un software que genera un patrón de vibración com el cual los visitantes escucharán una playlist a través de la ropa que se ponen; instalaciones auditivas con la activista y artista de spoken word Tashinga Matewe o la plataforma No Signal Radio que ofrecerá playlists personalizadas desde los lavabos del IDEAL; un concierto de 𝕹𝖊𝖚𝖗𝖔𝕯𝖚𝖓𝖌𝖊𝖔𝖓™ que se podrá disfrutar en directo desde IDEAL pero también cada uno desde su casa con un avatar propio en el metaverso; la propuesta Embodied Manifesto comisariada por la bailarina y performer Mabel Olea que instalará un ring de boxeo gigante desde donde una selección de artistas y coreógrafos como laSADCUM, AMAGA o María Jurado y Baz Cuervo dialogarán sobre diferentes posicionamientos del cuerpo en sus coreografías especulativas; o la impresionante experiencia inmersiva de XRebellion que permitirá al espectador vivir una manifestación multitudinária desde dentro. Kai Landre inaugurará la exposición con una experiencia musical inmersiva, que también se retransmitirá por Youtube en streaming 360º. Todas estas experiencias, entre otras muchas, estarán dinamizadas por la conocida artista y activista Samantha Hudson que acompañará al espectador/a desde su propio móvil a través de un chat de Whatsapp, dialogando y compartiendo contenidos físicamente desde la exposición o de forma remota desde cualquier parte del muno. El visitante agregará a Samantha como contacto a su teléfono móvil y ella compartirá contenido diverso como notas de voz, stickers, videos, capturas de pantalla o textos procedentes de redes sociales como TikTok, Spotify, Instagram, Youtube... apropiándose de todas las plataformas y tecnologías utilizadas diariamente por los jóvenes Gen Z.Una vez finalizada la exposición física en el IDEAL, los artistas participantes seguirán generando contenidos artísticos en sus redes sociales hasta el 31 de mayo. Compartirán desde videos, directos o podcasts hasta tutoriales de belleza. El público podrá disfrutar de estos contenidos libremente a través del chat de Whatsapp.  La exposición explora una multitud de posicionamientos protesta, implementados por más de 15 activistas creativos individuales y colectivos  de la Generación  Z  de entre 18 y 24 años, procedentes de  7 países europeos. Su objectivo es  convertirse en una plataforma de exhibición y visibilidad para creativos digitales nativos con el propósito de exponer nuevos formatos de discurso, disidencia, protesta y reivindicación sobre temas relevantes para esta generación,  facilitando el diálogo cultural. ACTIVE ACTIVISM ACT  propone un  recorrido artístico,  físico, sensorial e inmersivo  corporal con  una narrativa multicanal digital a  demanda.  Hecho por y para la Generación Z. 

MUSICA: KAI LANDRE HUMAN. CYBORG.

 

MUSICA: GOD IS GOD. LIQUID SPACE

ent. ELENA LAVELLÉS

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Recordar el futuro: La galería Lucía Mendoza presenta la primera exposición individual de Elena Lavellés
  • La muestra, comisariada por Diana Padrón, ofrece un recorrido por la trayectoria de la artista con pintura, dibujos, vídeo, esculturas, fotografías y un conjunto de obras de reciente creación 
  • La base discursiva del trabajo de Lavellés se centra principalmente en la sostenibilidad, la explotación de recursos finitos, el ecofeminismo y el cuidado de la Tierra

 

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La muestra, que podrá visitarse hasta el 30 de abril, reúne desde cartografías e imágenes que se corresponden con zonas de extracción de recursos naturales o destrucción por la industria minera en Estados Unidos, el Golfo de México, Brasil o Serbia, hasta una serie de esculturas compuestas de residuos procedentes de la quema de carbón en plantas eléctricas y realizadas en colaboración con el Instituto de Ciencias de Construcción del CSIC.Elena Lavellés (Madrid, 1981) propone una lectura alternativa a los futuros distópicos tan presentes en nuestra contemporaneidad y lo hace a través de la información que nos proporcionan el pasado, los sedimentos terrestres y el uso que se hace de ellos para comprender el mundo en el que vivimos y cómo preservarlo. La artista articula todo este núcleo de especulaciones en Recordar el futuro, uniendo ciencia, experimentación y arte, y revelando las interacciones entre las relaciones de poder corporativo, el extractivismo y los procesos de transformación de la Tierra. Lo hace a través de  diversos medios –fotografía, dibujo, pintura, escultura o vídeo– y utiliza la investigación como método con procedimientos propios de la geología que adquieren aquí todo su potencial: la capacidad de distorsionar nuestro agotado presente al permitirnos leer el futuro en el pasado.
 

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MUSICA: AGORIA FT ELA MINUS. WHAT IF THE DEAD DREAM.

 

MUSICA: RONE. CALL CENTER.

ENT. ISIDORO VALCARCEL MEDINA

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Bernal Espacio Galería presenta en Galería Nueva Las Letras la próxima exposición individual de Isidoro Valcárcel MedinaSin salir del Barrio de las LetrasDel 22 al 30 de abril de 2022Apertura: viernes 22 de abril.Calle San Agustín, 14. Madrid.Horario: de martes a sábado de 11 a 14 h y de 17 a 20 h.Bernal Espacio Galería presenta la exposición de Isidoro Valcárcel Medina titulada Sin salir del Barrio de las Letras, que se inaugurará el próximo mes de abril en el espacio GN Las Letras de Madrid.La muestra, que durará solo una semana, reunirá varias series recientes (2020-2022) realizadas en su Barrio de las Letras durante el confinamiento. Asimismo, conmemora los sesenta años de la primera exposición individual del artista en la Galería Lorca de Madrid y los 50 años de su participación en los míticos encuentros de Pamplona.El legendario artista conceptual español recibió en 2007 el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 2011 el Premio Arte y Mecenazgo de “la Caixa” y en 2015 el Premio Velázquez. Anotaciones de Valcárcel Medina sobre las series de la exposición:“Paisaje de balcón vienen a ilustrar la ya pasada de moda cultura de la contemplación urbana desde lo alto de nuestros miradores, los cuales también han hecho levantar los Planos de la encrucijada

VALCARCEL MEDINA
Sin salir del Barrio de las letras I se dedica a la época de clausura de los años recientes y pretende reflejar tanto la visión como la escucha del desamparo, el cual tal vez podría tomarse por descuido, en un sentido o percepción profesionalizada. La calle en la que concluye el recorrido de Sin salir del Barrio de las Letras I se llamó de la Visitación hasta que pasó a recordar el nombre de Manuel Fernández y González, un literato de escasa categoría, pero de alta resonancia en su época. Es a él a quien se refieren unas palabras en el final de la grabación sonora y así mismo a quien se dedica este proyecto de lápida, que data de hace unos años, y que de haberse ejecutado, habría de sumarse a las más de un centenar de placas o lápidas que ilustran este barrio, ya sea en sus paredes o en sus suelos.Sombras del continuo viene a dar salida, sea en imagen, sea en textos, a las dudas que siempre ha generado el concepto o la discutible evidencia del transcurrir urbano, tan humano a estas alturas y tan sostenible.Sin salir del Barrio de las Letras II busca reflejar, todo lo fríamente que sea posible, el deambular del desplazado, habitual a la par que doméstico y sin embargo sospechosamente inadecuado en su realidad. Pasar a limpio. Tal vez cercado por la escasez de los estímulos al uso, el ánimo creativo recurre al recuerdo de ciertos abandonos, frustraciones u olvidos del pasado para revitalizarlos, aunque quizá sólo se logre cubrir el expediente".

 

MUSICA: RONE. 06. PARS 13TH.

 

 

MUSICA: JULIA KENT. THE LEOPARD

 

ENT. CRIS. LEV Y ARENAS MOVEDIZAS. GIJÓN

LEV2022

MAS INFORMACIÓN: www.levfestival.com

 

MUSICA: SQUAREPUSHERE. THE SWIFTY. FEED ME WEIRD THINGS (REMASTERED)

 

MUSICA: BEYOND. TIMININALOAYAN

 

ENT. SARA SARABIA. EA MALAGA 

Eamalaga-2022

En Acción es un festival de cuatro días en el que se presenta un programa de doce acciones creadas exprofeso por los socios de EAmálaga. Se llevará a cabo desde el 28 de Abril al 1 de Mayo inclusive y durante estos días podremos recorrer la cuidad de Acción en Acción disfrutando del ecosistema cultural local. 
Lo que prima de este festival es el carácter experiencial y efímero, se propone al espectador creaciones culturales que se consuman en el momento cómo reflejo de un ecosistema que puede estar per también puede desaparecer pues su sostenibilidad es delicada. Aunque esto es característica común a nivel mundial es tantos aspectos que puede extrapolarse a la "Fragilidad de los ecosistemas" en general. 
 
MÁS INFORMACIÓN: www.eamalaga.cpm

 

 

CONTRAPORTADA: KOTRA. PHASE TRANSITIONS. RADNESS METHODS

 

 

 

Rosa Pérez   22.abr.2022 10:16    

Londres, Alicante, Segovia y tributo a Mira Calix

    viernes 8.abr.2022    por Rosa Pérez    1 Comentarios

PROGRAMA 11.04.22

MUSICA: MIRA CALIX. AN INFINITE THRUM (ARCHIELAGO) 

  

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Habitualmente la portada de Fluido Rosa sirve para dar a conocer el nuevo trabajo de un o una artista. En este número la primera plana y la contraportada la vamos a dedicar a recuperar el último album de Mirca Calix, la artista sonora y música electrónica que falleció el pasado 28 de marzo, según anunció su compañía Warp, con la que editó gran parte de su producción, siendo además una de las primeras mujeres en fichar con el sello.  

Mirca, aunque nació en Sudafrica, vivió en Londres gran parte de su vida y desde Londres lanzó su carrera como promotora, Dj y como creadora haciendo incursiones sonoras en campos como la danza o el cine.  

Empujó los límites entre la música electrónica, la música clásica y el arte de una manera verdaderamente única. 

Una buena manera de recordarla es recuperar su discografía. Hoy rescatamos su último álbum  

Absent Origin, lanzado en noviembre de 2021, que fue presentado en la Tate Modern de Londres, donde se inspiró entre sus numerosas salas sobre la tecnica del collage. 

Hemos viajado a Londres para conocer un proyecto que nos ha parecido sumamente atractivo SCAN, Spanish contemporany art network, una plataforma que da la oportunidad de internacionalización de los artistas españoles. 

musica: IGNACIO SIMON. OLD FRIENDS BEING HERE 

  MORLEY HOUSE

 ENT. PEDRO SCAN. Spanish Contemporary Art Network

SCAN es una plataforma digital creada para la propagación y difusión del trabajo de artistas contemporáneos españoles a nivel global 

SCAN pretende capturar la gran variedad y ‘textura’ de la producción artística de la nueva generación de artistas de España y Latino America

SCAN pretende instigar proyectos de colaboración artística, al mismo tiempo que proveer un foro de discusión de ideas entre artistas y sus seguidores/

SCAN aspira a facilitar el contacto entre artistas y galerías de arte, así como de apoyar a artistas emergentes facilitando el contacto con potenciales coleccionistas privados e instituciones en estados iniciales de sus carreras.

www.scan-arte.com

 

MUSICA: SELBOR . LORCA 

  

PEDRO Y OBRA ANA BARRIGA

ENT. ANA BARRIGA 

ANA BARRIGA Y PEDRO SCAN

  

Su trabajo trata de hacer una revisión de la pintura figurativa a través de la imagen fotográfica, situándonos en caminos emprendidos por este medio, incidiendo en las nuevas vertientes pictóricas que surgieron a finales del siglo XX. 

Anabarriga2

instagram.com@anabarrigaoliva

 

MUSICA: SELBOR. WITHOUT END 

  

  

MUSICA:ETIENN JAUMET & FABRIZIO RAT. PROFONDITA 

  Crystalzoo logo

ENTREVISTA Jose Luis Campos Rosique. Director de CRYSTAL ZOO 

Crystalzoo1

La singularidad de nuestros proyectos aporta un valor añadido como garantía de éxito. Llevamos la arquitectura al límite. El análisis de las características individuales dan lugar a proyectos únicos, una arquitectura que se adapta sacando lo mejor del medio.

Premio Achitizer 2021 a la mejor obra pública por la renovación y puesta al día del velódromo Luis Navarro Amorós de Novelda.

www.crystalzoo.net

 

MUSICA:TOTALLY ENORMOUS EXTINCT DINOSAURS.  BLOOD IN THE SNOW. 

  

  

MUSICA: JOHN HOPKINS. SIT AROUND THE FIRE

NIEVES CORREA  ROSA PEREZ Y ABEL LOUREDO

  

ENT. Ana Doldán (directora Museo Esteban Vicente) y NIEVES CORREA  y ABEL LOUREDA.

El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente presenta la instalación (DOCE) Actos de Memoria de Nieves Correa y Abel Loureda, que se configura como el resultado de una investigación, desde las artes visuales, de lugares perdidos en el tiempo, de la provincia de Segovia. Un trabajo sobre la despoblación y el abandono que quiere volver a habitar el pasado siquiera un momento para traerlos de nuevo al tiempo presente mediante la presencia, las presencias; que activan el espacio y lo transforman “materializando el pasado en el presente”. 

Este proyecto, que fue Premiado por la Beca de la Fundación Villalar en 2019, trabaja a la vez la investigación y los “actos de memoria” desarrollándose durante los doce meses de un año natural en doce lugares “perdidos en la Historia” de nuestra provincia, abarcando sus diferentes comarcas históricas. Se pretende trabajar la memoria, también en el paisaje, en las estaciones y los ritmos del tiempo en la naturaleza y, de esa manera, aquellos lugares perdidos en el tiempo se materializan de nuevo en un tiempo concreto y natural, en el tiempo de la vida. 

Para la elección de los lugares se ha determinado un ámbito temporal que empieza en el primer tercio del siglo XIX, con la Desamortización de Mendizábal, y el abandono de iglesias, conventos y monasterios; y termina entre el siglo XX y XXI, con la paulatina despoblación económica. Este lapso de tiempo refleja un cambio que empieza en el siglo XIX y se va acelerando con el paso de los años y el ritmo de nuestra historia: las decisiones políticas, las contiendas internas, los problemas económicos, la falta de infraestructuras y el abandono de las existentes, el cambio en los procesos industriales, etc. Pueblos y caseríos; iglesias, conventos y monasterios; estaciones de tren; edificios industriales y molinos; esquileos, palacios y hospitales; y fuentes y lavaderos públicos de ropa, son los seis ámbitos en los que se ha centrado la investigación. 

Desde el punto de vista social, este proyecto muestra diferentes caras del mismo suceso, la transformación socio-económica del territorio y el olvido que afecta a diferentes aspectos de la vida, que además se relacionan y potencian: el abandono de las líneas ferroviarias deviene en el abandono de los pueblos; el cese de los oficios e industrias tradicionales propicia la emigración y la despoblación… una gran cadena de sucesos que afectan a cada territorio de una manera determinada dentro del gran devenir de la Historia. 

ACTOS DE MEMORIA. ESTEBAN VICENTE

Este “habitar” de nuevo los espacios no parte de la idea de representación ni de recreación histórica; este trabajo no es un documental ni una película, se trata de crear “actos de memoria” cercanos a la performance; en los que las presencias son ellas mismas, a la vez figuras del presente y figuras del pasado o presencias del presente recordando aquel pasado. Se trata de presencias neutras, no individualizadas, vestidas con ropa contemporánea pero completamente neutra e igual en todas las situaciones. Estas presencias conocen el concepto del trabajo y su dimensión sobre la memoria y todas están familiarizadas con el concepto de performance, no narración y no representación y son libres de llevar a cabo este “acto de memoria” desde su propia sensibilidad y trayectoria. 

En palabras de Alicia Murría, para el texto del catálogo, los artistas: “Eligen tipologías, seleccionan, ordenan, esquematizan, hacen fichas, diseccionan… De este modo vemos la confluencia de dos vías de trabajo. De un lado, una mirada rigurosa, cercana a la del entomólogo que registra los detalles, que bucea en la historia del lugar, en la forma física de los elementos constructivos, en su función, describiendo con exactitud su historia, incluso rescatando los nombres de sus moradores, las ordenanzas que modificaron su destino… Por otro lado, todo esto se impregna de una especie de añoranza, sin blandura, que constata las pérdidas, las ausencias… Para el espectador funciona como una suerte de arqueología de emociones aunque no sea esta la intención de los autores. Si la visualidad se enmarca en estas coordenadas, otro tanto sucede con los sonidos, inventados o imaginados que nos retrotraen a lo que pudo ser. La imaginación del espectador se atiene a lo real, en las fotografías y en los textos-fichas, o se despliega como cuando leemos sobre restos arqueológicos aparecidos que aportan luz sobre el pasado.” 

El resultado son 12 vídeos de 12 lugares olvidados. En estos vídeos los lugares se “habitan” de nuevo, unos personajes sin tiempo y sin rostro vuelven a esperar un tren, a habitar una casa, a trabajar en un molino, ….. no se trata de una representación sino de un espacio de recuerdo, de traer al presente aquel pasado que se está diluyendo en la historia para siempre. 

Estos doce videos se configuran como un retablo contemporáneo que se muestra, en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, a partir de una proyección en loop de los doce vídeos, acompañada por doce fotografías de todos los lugares en tamaño pequeño y en blanco y negro, y un espacio sonoro que nos evoca lo que aquellos espacios pudieron ser cuando estaban llenos de vida. 

(Texto: Nieves Correa y Abel Loureda) 

 

 ENT. ANA DOLDAN, directora Museo Esteban Vicente. 

MANTO. ESTEBAN VICENTE

MANTO. Exposición de Raquel Bartolomé. Museo Esteban Vicente. Hasta el 5 junio

 

MUSICA: DEAD OF CODES. SOME LONG AGO (FRAGMENTO) 

 

 

MUSICA: AWKWARD MOMENTSKNETIC GROWTH. 

  

CONTRAPORTADA: MIRA CALIX. A RIBBON FORGOTEN. THE ELEPHANT IN THE ROOM.

 

Rosa Pérez    8.abr.2022 11:33    

TRANSDISCIPLINA A/V T-20 . MaF 2022

    domingo 3.abr.2022    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 04.04.22

Programa dedicado a Transdisciplina A/V T20 MaF 2022, en el que escuchamos las propuestas sonoras de Enrique del Castillo y Suso Saiz, y hablamos  con los músicos y de los visuales de Natalia Stuyk.

 

Cartel transdisciplina

 

 

Rosa Pérez    3.abr.2022 11:25    

ISIDRO LOPEZ APARICIO, FLORENCIA ROJAS Y FELIX LUQUE

    viernes 25.mar.2022    por Rosa Pérez    0 Comentarios

programa 28.03.22

 

PORTADA: ETIENNE JAUMET & FABRIZIO RAT. SOFFIARE INSIEME.

Etienne jaumet

En el primer trabajo conjunto, estos dos pianistas reinventar su instrumento favorito para hacer escucharlo de una forma totalmente nueva, utilizando sonidos inusuales, ritmos mecánicos que acompañan al piano y sin olvidar toda su trayectoria clásica y romántica que introducen en clave techno. 

 

MUSICA:A-WA. HAN MASH HU AL YAMAN.

ROSA E ISIDRO LOPEZ

 

GERMINAR SIN FIN. ISIDRO LÓPEZ APARICIO. MUSEO LÁZARO GALDIANO. MADRID. HASTA EL 24 DE ABRIL 2022

 

Es la propuesta expositiva de Isidro López--Aparicio en diferentes espacios del Museo. Artista, activista, mediador y curados, López-Aparicio presenta obras que enfatizan la consciencia del ciclo de la vida y la necesidad de ser fieles al contrato con la naturaleza.

Actividades paralelas

Presentación de las tesis doctorales en el contexto de Liberis Artium Universitat (LAU):

 

MUSICA: KENJI ARAKI. NABELSCHRURTANZ.

 

MUSICA: KOTRA. PHASE TRANSITIONS

EXPOSICION: AVENIDA DE LOS POBLADOS S/N. ESPACIO OTR.  MADRID. HASTA 5 MAYO

FLORENCIA 1

 

En esta ocasión Florencia Rojas presenta un proyecto sobre el solar donde estuvo la cárcel de Carabanchel. El terreno ha sido abordado por estratos: desde el subsuelo en el que se oculta un yacimiento romano, hasta el cielo o tejado de la prisión donde se amotinaron a finales de los setenta los disidentes de la Coordinadora de Presos en Lucha, pasando por la flora silvestre que ha crecido del asombro tras su derribo en 2008. 

www.florenciarojas.com

MUSICA: PERRATE-ARBOL. SEGUIRIYA DE CANAL.

 

MUSICA: LAURIE ANDERSON. BIG SCIENE. ARCA REMIX.

EXPOSICIÓN MÁQUINA MÍSTICA. Colectiva. ESPACIOS TEATROS DEL CANAL. Madrid

ROSA CON FELIX LUQUE

El artista Félix Luque es el único artista español presente en esta exposición que une ciencia, tecnología y arte e indaga en lo sagrado como huella de un poder que parece estar más allá del hombre y del universo, en palabras del comisario Charles Carcopino.

 

Félix Luque  presenta las instalaciones:  Chapter I: The Discovery y DWI: Modular

www.felixluque.com

MUSICA. NIET. THE LAND OF NOD. MARIE WILHELMINE ANDERS

 

MUSICA: THE ALLEGORIST. REDWINGED PHOENIX

 

MIN3S. KHOKHOBA.

 

CONTRAPORTADA: ETIENNE JAUMET & FABRIZIO RAT. VISIONE  POP

 

 

 

Rosa Pérez   25.mar.2022 10:52    

SACO, 8 Semana del Audiovisual Contemporáneo de Oviedo

    domingo 20.mar.2022    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 21.03.22

 

Saco8

 

MUSICA:

ENTREVISTA PABLO DE MARÍA, director de SACO.

El objetivo de SACO es desarrollar la interacción del audiovisual y el resto de las artes. En la 8 edición se han celebrado nueve cines-concierto, sesiones de cine contemporáneo, proyección de cortos experimentales, videoinstalaciones, propuestas artísticas de producción propia, talleres y charlas.

www.semanasaco.com

MUSICA.

 

MUSICA

EXPOSICIÓN: EL SONIDO DEL ARTE. Museo de las Bellas Artes. Oviedo. Hasta 1 de mayo 2022

Naufragio_Moby-Dick

Silencio ante el arte. Así ha sido la íntima interacción del espectador en los museos. Pero en SACO quisimos que la pintura dialogara con el sonido cinematográfico, un camino más en la exploración artística que distingue a la Semana del Audiovisual Contemporáneo de Oviedo. El sonido del arte es una fascinante propuesta, porque nos permite imbuirnos en las obras de maestros de la pintura siguiendo los sonidos de otros maestros, los diseñadores que recrean sus pinceladas. En la cuarta entrega contamos con Xavier Souto y Jaume Duque.

María-Teresa-de-Borbón-infanta-de-España_Soledad…-Olvido

MUSICA:

 

MUSICA

PLANO SONORO. Museo Arqueológico de Asturias. Oviedo. Hasta el 10 de abril 202

ROSA Y HUGO FONTELA

La tercera entrega de Plano sonoro invita a descubrir Oviedo a través de las miradas creadoras del agitador folclórico Rodrigo Cuevas, el pintor Hugo Fontela y la escritora Ángeles Caso y los diseñadores de sonido Kevi Aragunde, Mayte Cabrera y David Machado.

Plano sonoro es una propuesta creativa con un objetivo: ofrecer al público un retrato global del concejo y de la ciudad, invitando al público a que disfrute de estos artísticos rincones audiovisuales.

Aprovechamos nuestro encuentro con Hugo Fontela y Ángeles Caso en HET para sacar algunos aspectos de su participación en SACO.

MUSICA

 

MUSICA

INVITACIÓN AL VIAJE. , ROSE LOWDER.

ENT. ELENA DUQUE Y ROSE LOWDER.

Sesion01

Hay varios retratos de Rose Lowder en los que la vemos en medio de un esplendor campestre, filmando con su trípode y su cámara Bolex de 16mm. Una imagen que evoca a la del pintor que, con su caballete, lienzo y pincel, intenta recoger la impresión lumínica de un paisaje. Lo que cambia son las herramientas, pero el afán de Lowder es afín: se trata de poner en juego la percepción, de reflexionar sobre el color, de utilizar los matices de la naturaleza como motivo, solo que sacando partido de esa máquina prodigiosa que es la cámara de cine.

En esta edición de La invitación al viaje, Rose Lowder nos mostrará sus películas y nos hablará de sus preocupaciones pictóricas-cinematográficas en dos cuidadas sesiones.

MUSICA:

Rosa Pérez   20.mar.2022 10:06    

La Ribot, In-Sonora, arte y feminismos y música de Ukrania

    viernes 11.mar.2022    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 14.03.22

www.rtve.es/fluidorosa

 

MÚSICA: KOTRA. PHASE TRANSITIONS. RADNESS METHODS.

La escritura de Radness Methods surgió de las ideas antiguas de la música ritual de tambores y las técnicas de meditación rítmica, donde una interpretación de sonido ritual aparece como una serie de acciones sónicas abstractas, en lugar de eventos musicales, que provocan un viaje a estados y realidades no ordinarias. un camino hacia el silencio.

 

KOTRA, es el nombre artistico del artista multidisciplinar Dmytro Fedorenko, uno de los pioneros y más prolifico músico de Ukrania en creación experimental, con base en Berlin es ahí donde se ha grabado este disco que se publica el próximo 7 de abril de 2022

 

 

MUSICA: THE LAND OF NOD. NIET! REMIX. MARIE WHILHELMINE ANDERS

 

ENT. LA RIBOT

Rosa con La Ribot 2022

LA RIBOT. A ESCALA HUMANA. 

 

La Sala Alcalá 31 presenta "A escala humana", una exposición de obras plásticas, videográficas y en vivo de La Ribot

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La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid acoge, del 19 de febrero al 3 de abril de 2022 la exposición A escala humana de la artista, bailarina y coreógrafa La Ribot.  Se trata de un proyecto centrado en la noción del cuerpo y en su presencia-ausencia, tanto como vehículo de lenguaje como por la relación que establece con el edificio y los objetos expuestos: sillas escritas, cuadernos, polaroids, cartones y paredes escritas a mano, sonido de risas humanas, videos filmados con cámara en mano…

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La exposición, comisariada por Oliver Kaeser, incluirá tanto piezas plásticas y videográficas como trabajos en vivo, combinando obras creadas para la ocasión y otras preexistentes que representan y enmarcan la práctica de esta artista, que parte de la danza para crear un universo creativo transversal y multidisciplinar en torno al cuerpo y el movimiento.

 

MUSICA: rugo. Sin titulo 1. Del album Split.

Estamos orgullosos de presentar a Rugo y Drifted en su tan esperado debut en la serie de Pep Gaffe.

Pep Gaffe es un colectivo de entusiastas que están obligados a dedicar sus vidas a la gran idea de desarrollar una comunidad musical y aspiran a crear una plataforma para una excelente interacción entre artistas y operadores culturales. En Ukrania.

Esta primera entrega presenta a Rugo, nativo de Vyshhorod, desplegando sus maniobras rítmicas respaldado con excursiones llenas de ruido sobre los paisajes turbios del nativo de Poltava, Drifted .

publicado el 25 de febrero de 2022

 

MUSICA: ALEX AUGIER. LIVE

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ENT. MAITE CAMACHO, directora IN-SONORA

 

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IN-SONORA 12 LLEGA A MADRID DEL 3 AL 20 DE MARZO

La 12ª Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo llega de nuevo a Madrid con una representación de artistas internacional, muy variada y que no deja indiferente, con trabajos en formato de performance, instalación sonora y/o interactiva, realidad virtual, experiencia 360, audiovisual, pieza sonora, taller o residencia en Tik Tok.

Una amplia programación, en su mayoría de acceso gratuito, que se podrá ver en diferentes espacios de la ciudad: Réplika Teatro I Centro Internacional de Creación, la Escuela Municipal de Música y Danza María Dolores PraderaCruce ContemporáneoIED Madrid sedes Point 1 y Point 2CentroCentro, Secuencia de Inútiles, Nadie Nunca Nada No y Casa Banchel.

 

MUSICA: MARTA VERDE. LIVE

 

MUSICA: KATARINA GRYVUL. BEZODNYA. TYSHA.

ARTISTA DE ORIGEN UKRANIANO AUNQUE ACTUALMENTE RESIDENTE EN AUSTRIA. SU SEGU, SEGUNDO ALBUM TYSHA, SE PUBLICÓ EN FEBRERO DE 2022.

EL ARBOL DE LA RABIA

ENT. ANA ESTEVE REIG. Y JULIA GALÁN.

La exposición “El árbol de la rabia” en el EACC de Castellón presenta la obra de ocho artistas que hablan del feminismo hoy

 

El EACC Espai d'Art Contemporani de Castelló, presenta la exposición “El árbol de la rabia”, que se abre al público el próximo jueves 10 de marzo a las 19 h. Comisariada por Semíramis González, el título parte de un verso de la escritora afroamericana, feminista, y lesbiana Audre Lorde y busca reunir algunos de los temas centrales que han preocupado al feminismo en las últimas décadas de manera global. 
 
A partir de estas ramas diversas de un árbol feminista, las ocho artistas que forman parte del proyecto han sido reconocidas por unos trabajos atrevidos y contestatarios a lugares y espacios donde sus discursos no son, a menudo, bien recibidos
. Regina José Galindo, Kubra Khademi, Julia Galán, María María Acha-Kutscher, Marina Vargas, Ana Esteve Reig, Fatima Mazmouz y Beth Moysés manifiestan cómo la igualdad de género sigue siendo una cuestión prioritaria en la agenda política de cualquier país, independientemente del lugar en el que se encuentren los derechos humanos de cada lugar.
 
Desde artistas nacionales e internacionales, esta exposición pone de relieve cómo el arte es una herramienta prioritaria para denunciar la violencia que sufren las mujeres y como las artistas utilizan las 
herramientas visuales a su alcance para hacer llegar su denuncia a cualquier parte.
 
Según las estadísticas, 1 de cada 3 mujeres en el mundo ha sufrido violencia física o sexual por parte de su pareja o expareja. En el caso español, la mitad de las mujeres han sufrido algún tipo de violencia de género en su vida y 2021 terminaba con más de 40 feminicidios. Esta exposición, este árbol de la rabia, es una respuesta a estos datos locales y globales. Partiendo de la rabia como impulso transformador, en las obras encontramos distintas formas en las que las artistas han denunciado la violencia machista. Una rabia que vive un presente de resistencia frente a quienes no quieren soltar sus privilegios y se revuelven en su comodidad patriarcal.

 

Ana Esteve Reig

ANA ESTEVE
Doble Ficción, 2021.Doble Ficción es un vídeo en el que vemos varias escenas de acción interpretadas por mujeres. La pieza hace referencia directa a los mecanismos de ficción cinematográficos y a la figura del especialista de riesgo. La idea de rodar estas escenas viene dada al conocer que hasta hace bien poco los hombres doblaban los personajes femeninos en las escenas de riesgo, siendo muy pocas veces las que una mujer especialista podía doblar a los personajes femeninos. Con este trabajo Ana Esteve quiere dar visibilidad al sexismo que lamentablemente sigue existiendo en muchos oficios y profesiones. La idea surgió al conocer y leer la autobiografía de Julie Ann Johnson, la primera mujer doble especialista de riesgo de la historia del cine quién tras publicar su historia, fue la precursora del #metoo al contar todos los problemas y barreras que se encontraba al ser mujer para poder ejercer su profesión porque se creía que las mujeres no eran capaces de doblar escenas de riesgo. En consecuencia, la artista decide ponerse en contacto con el primer y único equipo femenino de especialistas de riesgo de España llamado Valkiria Stunts para doblar escenas en las que sepamos que el doblador era un hombre a pesar de que el personaje era una mujer. El vídeo es el resultado de una colaboración estrecha con las componentes del equipo Valkirias Stunts. Esteve deja que ellas elijan las escenas, dándoles el protagonismo y visibilidad a un oficio que si está bien hecho, queda imperceptible a la mirada del espectador. El resultado ha sido un trabajo metódico de producción cinematográfica tratando de copiar plano a plano, seguir la coreografía de las luchas y del mismo modo, un montaje muy técnico y una edición de sonido (foleys) y banda sonora muy importantes para conseguir esa magia ficticia que tiene la imagen audiovisual cinematográfica. La obra es una coreografía violenta a modo de simulacro feminista reivindicativo en el que las protagonistas se hacen visibles para protagonizar aquello que hasta hace bien poco no se les permitía.

Julia GalánProyecto #Cuerpos en Rebeldía, 2022.A través del proyecto Los derechos no tienen nacionalidad Galán aborda la situación actual de las mujeres en el mundo. Nos habla del uso político del cuerpo en los movimientos feministas por la igualdad del siglo XXI, que tendrá un territorio en disputa: el propio cuerpo de las mujeres y las herramientas movilizadoras que han utilizado en este siglo para continuar despatriarcalizando su cuerpo y su vida, que se regulan desde diferentes ámbitos: religión, moral, costumbres, educación, familia, medicina, publicidad, estética o el derecho. El proyecto consta de tres acciones: fotografía, video y una posible acción colaborativa en redes. Serie de Fotografías Ocho fotografías que muestran cuerpos de las mujeres ocultados, amordazados, asfixiados por las banderas de diferentes países. En estas fotografías el cuerpo de las mujeres es el campo de batalla y un reflejo del control sobre el cuerpo y territorial con el simbolismo de las banderas.

JULIA GALÁNdeLos derechos no tienen nacionalidadUn video que se desarrolla de un modo fragmentario y abierto, en donde se muestran el contrarresto a la creciente ola de violencia ejercida sobre las mujeres a través de movilizaciones en el espacio público. En el video se superponen imágenes tomadas de diferentes manifestaciones feministas en las calles alrededor del mundo con la narración de palabras que forman parte de lucha feminista. 

 

MUSICA: POLY CHAIN.KIEL. DOGTOOTH.

La hechicera de los sintetizadores, Poly Chain, regresa a Dom Trojga para lanzar un EP completo sensacional! Proveniente de Kiev,

Primero se hizo un nombre durante los años que pasó en Varsovia, lanzando su LP debut y convirtiéndose en un elemento fijo en la escena underground de Polonia. Después de regresar a Ucrania, extendió aún más sus alas, con lanzamientos emocionantes y apariciones internacionales regulares que la pandemia frustró brevemente. Su largamente esperado EP para Dom Trojga es una delicia en su estilo característico, repleto hasta el borde de incesantes arpegios psicodélicos que corren sobre ritmos crudos y directos.

FECHA PUBLICACION 17 DE MARZO 2022 EN SELLO DOM TROJGA. DE VARSOVIA. POLONIA

 

musica: ZAVOLOKA. VYMIR, ORNAMENT.

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Kaateryna Zavoloka es una de las más conocidas creadoras de origen ucraniano con base en Berlín, compositora, artista sonora y visual, ha creado dos sellos discograficos y forma parte de colectivos artisticos COMO CLUSTER LIZARD. Su ultimo álbum hasta el momento se titula Ornament donde se incluía esta pieza Vymir

 

 

CONTRAPORTADA: VALENTINA GONCHAROVA. INSIGHT.

VALENTINA GONCHAROVA

Violinista, experimentalista de la nueva era, intérprete de conjunto de cámara. La carrera de Valentina Goncharova (n. Kiev, 1953) comparte paralelismos con los asociados con el nuevo movimiento musical más amplio del siglo XX y la difusión de tecnologías de grabación casera. Valentina pasó su juventud inmersa en el mundo de la música clásica bajo el dominio soviético, primero en Kiev y luego en Leningrado (ahora San Petersburgo) desde los 16 años. Con la supervisión de los profesores M. Vayman y B. Gutnikov aprendió violín de concierto y desarrolló estilos de interpretación alternativos junto con pianistas expertos. Alumna del conservatorio de Leningrado durante los años 1969 a 1983, su repertorio incluía música para violín y luego se expandió a la composición de música contemporánea. La naturaleza improvisadora del free jazz y luego los incipientes círculos de rock experimental también intrigaron a Valentina durante este período en Leningrado. Partiendo de las reglas del conservatorio, actuó brevemente en clubes de rock clandestinos junto a futuros miembros del grupo industrial Pop-Mechanika (Mecánica Popular). Este estado de cambio perpetuo es fundamental para la variedad que se encuentra en 'Recordings Vol. 1’, Compuesto y arreglado por Valentina Goncharova Grabado en Tallinn y Londres durante 1987—1991

 

 

Rosa Pérez   11.mar.2022 09:36    

Madrid Design 2022 + Mutek

    jueves 3.mar.2022    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 07.03.22

Proponemos una mirada personal por el Madrid Design y la música la ponen algunos de los artistas participantes en Mutek-Barcelona 2022

Cartel madriddesign

 

MUSICA: AYA. THE ONLY SOLUTIOIN. IM HOLE.

 

ALVARO MATÍAS. Director.

ROSA CON ALVARO MATIAS. MDESIGN

TRANSFORMACIÓN, ECONOMIA Y PROSPERIDAD: MADRID DESIGN FESTIVAL MIRA AL FUTURO EN SU QUINTO ANIVERSARIO

Re disñando el mundo.

 

 

Durante los meses de febrero y marzo, la ciudad de Madrid se rendirá al mejor diseño nacional e internacional en 41 exposiciones, 7 instalaciones, 219 actividades y la participación de 637 profesionales.

 

 

MUSICA: ASTRID SONNE. FIELDS F GRASS. OUTSIDE OF YOUR LIFETIME.

 

AGUA-DULCE_Jarras-Spout-de-Studio-Sway

ANA DOMINGUEZ SIEMENS. comisaria de la exposición Dulce Agua. Centro Centro

CentroCentro participa con tres exposiciones: Dulce agua – muestra comisariada por Ana Domínguez Siemens que reúne diversos proyectos en los que, desde el diseño, se aborda el problema de la escasez de agua dulce en el planeta;

 

Como bien dice Naciones Unidas, el agua es un derecho, no un privilegio. Sin embargo, sólo el 2,5 % del agua de la Tierra no es salada y buena parte de ella es de difícil acceso. Hasta 3.500 millones de personas podrían estar sufriendo escasez de agua en el año 2025.

Ante esta crisis que se avecina es oportuno mostrar lo que diversos diseñadores, nacionales e internacionales, están haciendo al respecto. Se trata no sólo de enseñar objetos relativos al mundo del agua y soluciones a problemas relacionados con ella –cómo almacenarla, limpiarla, depurarla, utilizarla con más raciocinio, etc.–, sino también de mostrar proyectos cuya intención es llamar la atención sobre estos asuntos y hacerlos más visibles al ciudadano, de modo que tenga un efecto sobre el buen uso que cada uno debe hacer sobre este bien tan precioso.

La exposición mostrará objetos relacionados con el consumo de agua, como algunas nuevas interpretaciones del botijo, botellas y jarras pensadas para que desaparezcan las botellas de plástico de las mesas de los restaurantes. También ejemplos de fuentes públicas, que cada día serán más comunes, así como artilugios diseñados para su purificación –como los filtros que tienen efecto inmediato–, artefactos que usan la energía solar para desalinizar el agua o estructuras que pueden facilitar la recolección del agua de lluvia y también filtrarla para su consumo. Además, en relación a la polución de los océanos, mostraremos una selección de muebles y objetos realizados en plástico rescatado del mar, desde prendas de ropa y calzado hasta sillas o tejidos. Asimismo, llamaremos la atención sobre algunos excesos del mundo de la moda como el hecho de que se empleen 10.000 litros de agua para fabricar un solo pantalón vaquero y enseñaremos algunas alternativas.

 

 

MUSICA: BENDIK GISKE. FLUTTER. CRACKS.

 

 

NATALIA DE Soulsight proyecto Next Gen: Senior

ROSA CON

IKEA reflexiona sobre el envejecimiento activo en las ciudades

La plaza de Colón acogerá la instalación Next Gen Seniors. Rediseñando la ciudad del futuro para la sociedad más longeva de la historia con la que IKEA, de la mano del estudio Espadaysantacruz, invitará al público a reflexionar sobre el futuro de las ciudades, tomando como punto de partida el envejecimiento de la población. Y es que en 2050 España será uno de los países más envejecidos. 

 

Este proyecto nace fruto de los encuentros y conversaciones surgidas en el seno del festival a lo largo de estos primeros años entre organizaciones, instituciones y marcas. Madrid será la primera etapa de un recorrido que continuará en junio en la Barcelona Design Week y en septiembre en la World Design Capital Valencia 2022.

Madrid_design_festival_-_next_gen_seniors

Con Next Gen: Seniors IKEA pretende sentar las bases de ese futuro más envejecido invitando a una reflexión sobre las implicaciones que puede tener en nuestra sociedad, abrir una conversación sobre cómo queremos que sea y lo más importante, ofrecer soluciones a través del diseño para las ciudades del mañana.

 

Madrid Design Festival será la primera estación de este proyecto con una instalación física y digital, en la plaza de Colón, que sumergirá al visitante en un túnel del tiempo en el que una Inteligencia Artificial recopilará la información, pensamientos y reflexiones de la población actual respecto al futuro de los seniors en las ciudades y ofrecerá una visión de posibles retos y soluciones. Un proyecto de recopilación de datos que pretende que la visitante abra los ojos para construir un futuro mejor entre todos.

 

Cartelmutek

MUSICA: GUILLAUME AND THE COUTU DUMONTS. THE CHASE. (HARRY ROMERO EXTENDED REMIX)

 

 

MARISA SANTAMARÍA. Atlas 2022

Rosa con madriddesign

Atlas de la Cultura del Diseño parte de la premisa de que “el diseño es una herramienta estratégica primordial para afrontar las nuevas dimensiones y desafíos de un panorama incierto” y quiere servir de altavoz de las variables que marcan el presente y el futuro emergente del diseño en nuestro país.

 

Atlas nació en formato digital en Madrid Design Festival 2021 como un punto de encuentro entre profesionales de la cultura en el que poder debatir y trabajar en común para poner en valor el diseño y abordar los retos de nuestro tiempo. Un ejercicio que sirvió para cartografiar el mapa del diseño en nuestro país, que este año se amplía y crece gracias al apoyo de la Dirección General de Industrias Culturales, Propiedad intelectual y Cooperación del Ministerio de Cultura y Deportes.

 

Atlas 2022, dirigido por Marisa Santamaría, presentará un proyecto web donde converge un análisis profundo del contexto nacional e internacional en el que se integra la cultura del diseño en nuestro país; Ideas concluyentes, diagramas conceptuales y cartografías conectadas para ampliar el campo de visión y de actuación del diseño en ámbitos transversales; conversaciones convergentes entre profesionales relevantes del sector; y “escenarios deseables” y “especulaciones utópicas” que marcan los posibles caminos a seguir por el diseño español.

 

MUSICA: CARMEN VILLAIN. MOLINA. SKETCH FOR WINTER IX: PERLITA.

 

EL COLISEUM FANTASIA ARQUTECTONICA. Museo Cerralbo. -->OK. Comisario de la exposición Alberto González Lapuente.

Teatro coliseum

Se abre al público la exposición
“El Coliseum: fantasía arquitectónica”

El Coliseum es uno de los edificios emblemáticos de la Gran Vía madrileña. Fue construido en 1932, por iniciativa del compositor Jacinto Guerrero, quien quiso dotar a Madrid de un teatro cómodo, moderno y técnicamente audaz, y lo diseñaron Casto Fernández-Shaw y Pedro Muguruza. A los 90 años de su construcción, la exposición recorre su arquitectura, a caballo entre el expresionismo y el gesto costumbrista, además del desarrollo como espacio escénico.

 

 

El edificio Coliseum es un ejemplo singular de la arquitectura madrileña. Fue construido en el tramo final de la Gran Vía por iniciativa del compositor Jacinto Guerrero quien quiso dotar a la capital de un teatro cómodo, moderno y técnicamente audaz. Fue diseñado por los arquitectos Casto Fernández-Shaw y Pedro Muguruza quienes realizaron un edificio singular por su factura y estética.

La mirada a Nueva York y sus rascacielos definió el sentido vertical de la construcción, apreciable en su fachada, estrecha, desnuda y aparentemente modesta en el entorno monumental de la Gran Vía madrileña. La planta del edificio, forzada por la singularidad del solar, es un ejercicio de habilidad constructiva. El Coliseum fue también un proyecto integral. La participación de los arquitectos se aprecia en detalles decorativos próximos al art decó y en la integración de elementos de vanguardia como los muebles de acero tubular. El trazado de limpio expresionismo de la arquitectura del teatro contrasta con otros elementos de carácter costumbrista que aportan al total un eclecticismo derivado de la participación de dos arquitectos con personalidades bien marcadas.

 

 

MUSICA: FRANCE JOBIN. 03V. INTRICATION

 

Tornasol Estudio --> Guillermo Trapiello.

 

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Somos un estudio de arquitectura y diseño industrial con base en Madrid. Hacemos proyectos en los que se establecen relaciones emocionales a través de la percepción y los sentidos. Nuestro diseño se centra en el estudio de fenómenos naturales y la relación con los usuarios: luz, sonido, movimiento, materialidad, color, escala y proporción.
          Trabajamos con nuestros clientes para materializar deseos a través de la técnica y la imaginación. También colaboramos con otros estudios de arquitectura, interiorismo y agencias de comunicación.
 
Fundado por Inés Llasera y Guillermo Trapiello en 2017.


           Entender la arquitectura como agente activo en la recuperación de los entornos rurales y los equilibrios productivos, integrándose en un delicado ecosistema de forma sostenible, es la premisa con la que surge ARE (Architecture for Rural Environment), una oficina-taller experimental creada desde las asignaturas Taller de Integración I y II, de la Escuela de Arquitectura, Ingeniería y Diseño de la Universidad Europea de Madrid. Para ello, se establece contacto con un socio externo como Inland/Campo Adentro, una asociación de colaboración socio-cultural que trabaja en distintas localidades rurales de Europa en la interrelación entre el arte, la agroecología y el territorio.
          Como resultado de este proceso, se definen un campo de juego y unas reglas consensuadas para plantear las propuestas. El campo de juego es la célula de 
Inland en la cornisa cantábrica, extendido a través de las actividades económicas y de trashumancia de los pastores y las creativas llevadas a cabo por los artistas residentes. Las reglas: trabajar con materiales locales como base estructural y aquellos que no los son como complemento funcional, con un bajo nivel de tecnificación de los procesos e instrucciones legibles para hacer viable la autoconstrucción.

 

 

MUSICA: KAZUMI SAKODA. PLAZA UNIVERSIDAD. SAMPLING BARCELONA.

 

Ganadora premio MINI de Diseño. Amelie López Aranguren. Majada Rururbana. GESTORA CULTURAL CAMPO ADENTRO.

Amelie lopez aranguren

El Premio MINI de Diseño es un galardón que reconoce la actitud creativa de todos aquellos profesionales que orientan su trabajo a mejorar la vida en las ciudades. Una convocatoria que pone el foco en acciones que aumentan la eficiencia de las ciudades en su conjunto; o proyectos que hablen de las nuevas posibilidades y retos para conseguir una ciudad inteligente, inclusiva y sostenible. 

 

El galardón atiende tanto a proyectos de diseñadores profesionales, como a las propuestas que llegan desde aquellos que protagonizarán el futuro del diseño, con una categoría para nuevos talentos, estudiantes de último año o recién titulados de escuelas de diseño y universidades.

 

El comité de expertos del premio, integrado por una treintena de profesionales del diseño de muy diferentes campos, seleccionó un total de 69 proyectos para la categoría profesional. Estos abordan, entre otras cuestiones, la reutilización de materiales; la arquitectura sostenible; la economía circular o el empoderamiento de la dimensión rural.  

 

Además, dentro de la categoría de nuevos talentos, se recibieron 62 proyectos de 40 escuelas de diseño, que plantean soluciones como la iluminación inteligente, el uso de materiales reciclados, el diseño de productos para la conservación de la biodiversidad o el desarrollo de lugares de encuentro sostenibles.

 

 

MUSICA: MARINA HERLOP. MIU.

 

FEDERICO ANTELO. Instalación textil. Hotel Only you. --> VITRAL

Vitral-01

VITRAL es una obra de arte textil. Compuesta por una pieza de tejido de algodón de 1,6 metros de ancho por 25 metros de largo, estampada íntegramente a mano combinando 6 unidades geométricas diferentes, mayormente de 24 por 24 centímetros. Es una instalación creada con el propósito de subrayar el carácter artístico del textil, y por lo tanto desligado de cualquier tipo de función, siendo objeto excluyente del acontecimiento estético.

Hemos ido naturalizando el hecho de que el textil, en tanto soporte, estuviera destinado a su exclusiva ligazón a otras disciplinas del arte y del diseño, y nos acostumbramos a verlo relegado a cumplir un rol de acompañamiento. Sin embargo, el textil alberga en su propia estructura un sinfín de potencialidades expresivas que le permiten ser, por sí sólo, el núcleo de una obra artística.

Este es el objetivo de VITRAL, trabajar con las cualidades esenciales del textil y ponerlas por delante, solas, como único sustento de la obra de arte.

A nivel de su configuración visual, la pieza toma como una de sus referencias estéticas a las vidrieras de las catedrales góticas, en las que formas y colores se articulan para crear un sistema estético sumamente rico y complejo, expandiendo las barreras de su propia espacialidad. 

Esta mención histórica hace también alusión a los procedimientos artesanales puestos en juego en la ejecución de la pieza. Estampada a mano, forma a forma y color a color, es el producto de un proceso creativo demorado y reflexivo.

En tanto instalación, se establece necesariamente un diálogo entre la obra y el espacio para el que ha sido creada, el patio interior del Only YOU Hotel Atocha. En este caso, tanto la altura como las proporciones del edificio han reforzado la inspiración inicial de este proyecto, convirtiéndose en una especie de catedral contemporánea, metáfora más que oportuna para una obra con las características de VITRAL.

 

MUSICA: PERILA. MEMORIES OF GRASS. HOW MMUCH TIME IT IS BETWEEN YOU AND ME?

 

Rosa Pérez    3.mar.2022 18:52    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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