Hola saludos de binvenida a Fluido Rosa, la revista de Radio3 sobre creación contemporánea. Un espacio sonoro que ha estado en anteena desde 1998 y que hoy cierra con un programa especial en el que vamos a recuperar algunos hitos conseguidos a lo largo de la emisión. me voy de forma voluntria, por jubilación.
Una de las experiencias que hemos desarrollado en FR, fue el concurso Broadcasting art. La primera edición se convocó junto al que en ese momento se hacia referencia como el recien inaugurado Musac de León, el Museo del siglo XXI. Para la entrega de premios a los ganadores, contamos con la artista norteamericana Laurie Anderson, que nos propuso hacer una performance radiofónica, claro restá con su propio sello.
Este es un buen momento también para recuperar la pieza American Mosque de Javier Iriso, ganador del I Broadcasting art y la performance que fue emitida por Radio 3. Espero que lo disfrutéis, tanto como lo hice yo.
Transcurria el 7 de octubre de 2006, cuando Laurie Anderson, que es una de las pioneras creativas más reconocidas y audaces de Estados Unidos. Conocida principalmente por sus presentaciones multimedia , participaba en la radio performance que organizamos junto al MUSAC de Leóon, donde se realizó en directo y se retransmitió esta acción, de Laurie Anderson que ha desempeñado roles tan variados como artista visual, compositora, poeta, fotógrafa, cineasta, genio de la electrónica, vocalista e instrumentista.
La segunda convocatoria del concurso internacional de arte sonoro Broadcasting art, transcurrió en el Centro Párraga de Murcia. Gracias a nuestro partner, pudimos convocar la segunda edición del concurso y en la gala final, donde se dieron a conocer las piezas ganadoras pudimos contar con el proyecto Heart Chamber Orchestra (La Orquesta de Cámara del Corazón), un proyecto impulsado por el dúo austro-finlandés Terminal Beach y ejecutado en el escenario por una orquesta de doce músicos clásicos, en el que la electrónica y el corazón se entremezclaron en el sentido más literal. Cada uno de los 12 músicos, provenientes de los conservatorios de Murcia, tenían conectado un electrocardiograma que enviaba sus ritmos cardiacos a un software especialmente creado por Terminal Beach, software que en tiempo real iba generando la partitura que debían ir tocando los músicos sobre la marcha.
Final de la segunda edición del concurso internacional de arte sonoro Broadcasting art, impulsado desde Fluido Rosa, Radio 3 y en esta ocasión El Centro Párraga de Murcia. Así sonó el experimento de la Heart Chamber Orchestra. Era el 22 de noviembre de 2010.
DEJAMOS EL PASADO Y NOS VENIMOS AL PRESENTE. Desde FR, hemos apostado por la creación femenina, programando a multiples cedores, formando parte del colectivo intrncional Female Pressure o promoviendo eventos en los que las mujeres han sido protagonistas. En este viaje y en este programa último de FR, en Radio 3 queria que una de las últimas creadoras, con la que he tenido oportunidad de coincidir en varias ocasiones, también estuviera presente.
Hablo de Hara Alonso. Casualidades de la vida, Hara fue alumna de Javier Iriso en el conservatorio de León, al que antes escuchabamos con su pieza ganadora del I Broadcasting Art. Pues bien, Hara recientemente ha lanzado un nuevo álbum, Touch me not, que hemos presentado y escuchado aqui en FR, pero también participó en el recien nacido festival Modo Avión en Madrid, donde grabamos el concierto.
Hara Alonso en directo, se presentó junto a Ellen Söderhult, para poner de largo su album ‘Touch me not’ que ahonda en la aproximación a la sensorialidad como cuerpos y seres sensibles. A través de una experiencia de escucha profunda y en el que el público es introducido en un viaje oscilante entre una intimidad hipersensible y densas capas emocionales.
Esto ha sido todo. Para la despedida qué mejor que la música, que nos ha acompañado a lo largo de los años. Son muchas las propuestas que hemos presentado en FR y espero que hayáis disfrutado conociendolas. Me voy con mis mejores deseos para todos y todas y daros las gracias por haber estado ahí. Sin vosotros y vuestro feedback esto no habria tenido sentido. Que os vaya muy bien.!! Nos seguiremos en las redes.
Hola saludos de binvenida a Fluido Rosa, la revista de Radio3 sobre creación contemporánea. Un espacio sonoro que ha estado en anteena desde 1998 y que hoy cierra con un programa especial en el que vamos a recuperar algunos hitos conseguidos a lo largo de la emisión. me voy de forma voluntria, por jubilación.
Una de las experiencias que hemos desarrollado en FR, fue el concurso Broadcasting art. La primera edición se convocó junto al que en ese momento se hacia referencia como el recien inaugurado Musac de León, el Museo del siglo XXI. Para la entrega de premios a los ganadores, contamos con la artista norteamericana Laurie Anderson, que nos propuso hacer una performance radiofónica, claro restá con su propio sello.
Este es un buen momento también para recuperar la pieza American Mosque de Javier Iriso, ganador del I Broadcasting art y la performance que fue emitida por Radio 3. Espero que lo disfrutéis, tanto como lo hice yo.
Transcurria el 7 de octubre de 2006, cuando Laurie Anderson, que es una de las pioneras creativas más reconocidas y audaces de Estados Unidos. Conocida principalmente por sus presentaciones multimedia , participaba en la radio performance que organizamos junto al MUSAC de Leóon, donde se realizó en directo y se retransmitió esta acción, de Laurie Anderson que ha desempeñado roles tan variados como artista visual, compositora, poeta, fotógrafa, cineasta, genio de la electrónica, vocalista e instrumentista.
La segunda convocatoria del concurso internacional de arte sonoro Broadcasting art, transcurrió en el Centro Párraga de Murcia. Gracias a nuestro partner, pudimos convocar la segunda edición del concurso y en la gala final, donde se dieron a conocer las piezas ganadoras pudimos contar con el proyecto Heart Chamber Orchestra (La Orquesta de Cámara del Corazón), un proyecto impulsado por el dúo austro-finlandés Terminal Beach y ejecutado en el escenario por una orquesta de doce músicos clásicos, en el que la electrónica y el corazón se entremezclaron en el sentido más literal. Cada uno de los 12 músicos, provenientes de los conservatorios de Murcia, tenían conectado un electrocardiograma que enviaba sus ritmos cardiacos a un software especialmente creado por Terminal Beach, software que en tiempo real iba generando la partitura que debían ir tocando los músicos sobre la marcha.
Final de la segunda edición del concurso internacional de arte sonoro Broadcasting art, impulsado desde Fluido Rosa, Radio 3 y en esta ocasión El Centro Párraga de Murcia. Así sonó el experimento de la Heart Chamber Orchestra. Era el 22 de noviembre de 2010.
DEJAMOS EL PASADO Y NOS VENIMOS AL PRESENTE. Desde FR, hemos apostado por la creación femenina, programando a multiples cedores, formando parte del colectivo intrncional Female Pressure o promoviendo eventos en los que las mujeres han sido protagonistas. En este viaje y en este programa último de FR, en Radio 3 queria que una de las últimas creadoras, con la que he tenido oportunidad de coincidir en varias ocasiones, también estuviera presente.
Hablo de Hara Alonso. Casualidades de la vida, Hara fue alumna de Javier Iriso en el conservatorio de León, al que antes escuchabamos con su pieza ganadora del I Broadcasting Art. Pues bien, Hara recientemente ha lanzado un nuevo álbum, Touch me not, que hemos presentado y escuchado aqui en FR, pero también participó en el recien nacido festival Modo Avión en Madrid, donde grabamos el concierto.
Hara Alonso en directo, se presentó junto a Ellen Söderhult, para poner de largo su album ‘Touch me not’ que ahonda en la aproximación a la sensorialidad como cuerpos y seres sensibles. A través de una experiencia de escucha profunda y en el que el público es introducido en un viaje oscilante entre una intimidad hipersensible y densas capas emocionales.
Esto ha sido todo. Para la despedida qué mejor que la música, que nos ha acompañado a lo largo de los años. Son muchas las propuestas que hemos presentado en FR y espero que hayáis disfrutado conociendolas. Me voy con mis mejores deseos para todos y todas y daros las gracias por haber estado ahí. Sin vosotros y vuestro feedback esto no habria tenido sentido. Que os vaya muy bien.!! Nos seguiremos en las redes.
El LEV FESTIVAL DE GIJÓN, ha llegado a su 19 temporada y un año más ha congregado una buena selección de propuestas, tanto sonoras como visuales de impacto. Además en esta edición LEV se ha mostrado francamente abierto a expandir las identidades de género, subiendo a sus escenarios una pluralidad que no es muy habitual en otros festivales, así que mi más sincera enhorabuena. La semana pasada ya haciamos un primer acercamiento a los conciertos del LEV, y este Laboratorio de Electrónica Visual, aún nos tiene reservadas grandes propuestas.
Vamos a comenzar con YESSi PERSE que presentó, TOP5: Fairytales of Eternal Economic Growth
YESSi PERSE es un proyecto artístico transdisciplinar que opera en la intersección entre la ficción especulativa, el arte sonoro y la performance digital, propone narrativas alternativas que expanden los límites de la realidad, proponiendo mundos paralelos como herramientas de pensamiento crítico y transformación.
Durante L.E.V. Festival presentáron su trabajo más reciente, TOP5: Fairytales of Eternal Economic Growth, un álbum conceptual que explora el impacto de las grandes corporaciones tecnológicas —Meta, Microsoft, Amazon, Google y Apple— en la sociedad actual.
A través de una estética sonora que mezcla la polifonía coral, voces sintéticas y composiciones medievales, YESSi PERSE reflexionan sobre el tecnofeudalismo, la extracción de datos y la servidumbre digital impuesta por las grandes tecnológicas. Claramente les faltó la subitulación de su discurso para llegar de forma más clara y contundente.
CONCIERTO DE YESSI PERSE. FRAGMENTO
Vamos ahora con la artista audiovisual alemana Amelie Duchow que presentó LOGOS MATER Duchow trabaja en el ámbito experimental de la relación entre sonido, espacio y percepción visual. Su enfoque conceptual combina microsonidos sutiles y estructuras electrónicas complejas con articulaciones visuales inmersivas, creando obras que retan los límites de la percepción.
En esta edición de L.E.V. Festival, mostró su proyecto LOGOS MATER, donde investiga sobre cuestiones esenciales:
¿Cómo suena una lengua más allá del significado de sus palabras?
¿En qué medida nos influye el sonido de una lengua?
¿Cómo resuena en nosotros el sonido de una lengua?
La composición sonora de LOGOS MATER se inspira en elementos fonéticos y acústicos que exploran la esencia de las lenguas del mundo. Para ello, Amelie Duchow invita a personas de todo el mundo a participar en el proyecto mediante una plataforma web donde pueden grabar su voz. Estas aportaciones vocales son analizadas y transformadas por la artista, dando lugar a un proceso creativo de alteración sonora.
CONCIERTO AMELIE DUCHOW. FRAGMENTO
En esta edición de L.E.V Festival, se presentó en primicia en España ANIMAL, la nueva obra de Ash Fure. En parte performance y en parte escultura sonora, ANIMAL transforma el espacio en un circuito de entrenamiento sensorial diseñado en colaboración con el arquitecto Xavi Aguirre. A través de la vibración de conos de altavoz y láminas de policarbonato, la obra propone una experiencia auditiva que no solo se escucha, sino que se siente físicamente, invitando al público a ejercitar sus capacidades afectivas y a explorar su conexión corporal con el sonido. Ash Fure, es una compositora experimental que desdibuja los límites entre música, arquitectura y performance para esculpir experiencias sonoras viscerales.
CONCIERTO ASH FURE. FRAGMENTO
Todos los conciertos que hemos escuchado hasta ahora, acontecieron en el Teatro de la Laboral, pero ahora nos vamos a otro de nuestros escenarios favoritos, el Botánico En una mañana gris, pudimos vivir el concieto de Mizu.
Mizu es una artista que construye paisajes sonoros expansivos a través de su singular forma de tocar el violonchelo. En el L.E.V Festival, presentó un espectáculo en vivo que reúne lo mejor de sus tres trabajos hasta la fecha: 4 | 2 | 3, Forest Scenes y Distant Intervals, presentando una experiencia multisensorial que incorporó interpretación en vivo y expresión corporal. Una delicia para los oidos que espero podáis disfrutar. Sus composiciones se caracterizan por la fusión de grabaciones de violonchelo con manipulación electrónica y producción experimental, generando atmósferas hipnóticas y envolventes.
El concierto pudo disfrutarse a través de auriculares inalámbricos, permitiendo sumergirse por completo en la música y el entorno.
CONCIERTO MIZU.
Nos vamos y para el cierre, hacemos una pequeña concesión a la programación nocturna en La Nave de la laboral, donde se presentó BABii, es alter ego de la creadora y aventurera electrónica Daisy Warne, que vino a presentar su nuevo álbum, Daredevil 2000, en el que crea una interpretación abstracta del mal, proyectándola en su visión imaginaria del infierno.
Uno de los festivales que mejor se asocian anuestra visión del arte contemporáneo, es el Laboratorio de Electrónica Visual, LEV, que la pasada semana se celebraba en Gijón. comenzó el 1 de mayo con la inauguración de los proyectos visuales, instalciones y experiencias de realidad virtual como Oto’s planet de Gwenael François. El proyecto dirigido por May Abdalla y Barry Gene Murphy, IMPULSE: PLAYING WITH REALITY que es una experiencia de realidad mixta, sobre el Trastorno por Déficit de Atención. o la propuesta de Ivan Liu, Echoes of the Land, una instalación interactiva que investiga la conexión entre la actividad humana y los fenómenos naturales. Siempre sorprendentes. Pero vamos a los conciertos. El viernes 2 de mayo pudimos ver un espectáculo de Colin Self, al que ya habiamos en 2019, presentando su nuevo espectáculo ¡Gasp!, en el teatro de la Laboral.
Colin Self músico, performer, nos propueso ampliar la conciencia y cuestionar los planteamientos binarismos, así como los límites de la percepción y la comunicación. Trabaja con comunidades de distintas disciplinas y de echo, trabajó con un grupo de bailarines locales,
Colin Self dejó al público fascinado la primera vez que participó el LEV y no hizo menos en este 2025, que se presentó en el Teatro de La Laboral para presentar ¡Gasp!, la segunda ópera de su serie Self’s Shadow. Una obra explora el diálogo transdimensional, la guía espiritual y la ancestralidad queer, mientras destaca la brillante práctica artística de Self, que combina canto, movimiento y espectáculo en una experiencia cautivadora. Realmente impactante.
CONCIERTO COLLIN SELF. FRAGMENTO.
La siguiente invitada, fue sin duda uno de los platos fuertes de esta edición. Katarina Gryvul que junto a Alex Guevara presentaron en LEV el estreno en España de Spomyn, una performance multidisciplinar basada en el próximo álbum homónimo de Gryvul. SPOMYN, es una exploración profundamente personal de la naturaleza fragmentada y frágil de la memoria, donde se examina cómo los destellos de distorsión y pérdida dan forma a la esencia de lo que somos.Y todo ello mezclado con elementos sónicos deconstruidos que se entrelazan con un ambiente frágil y patrones rítmicos irregulares, envueltos en un espectáculo de luz dinámico y envolvente, generado por Alex Guevara, creando una profunda experiencia sensorial.
Katarina Gryvul es una compositora de formación clásica, violinista y productora musical. Creadora de paisajes sonoros a través de instrumentos, voz y sintetizadores analógicos. Alex Guevara es un artista digital especializado en la visualización de datos. Sus obras, centradas en el ámbito audiovisual, integran elementos sonoros y lumínicos para crear paisajes inmersivos.
Katarina desplegó una colección de composiciones pop corales en las que Gryvul va incorporando elementos deconstruidos y que forman parte de su espectáculo Spomyn en el que invita a los oyentes a embarcarse en un viaje a mundos llenos de belleza ignota.
CONCIERTO KATARINA GRYVUL.
Nos vamos ahora al sábado 3 de mayo, por la mañana, en el Museo del Pueblo de Asturias, donde de forma relajada y lúdica se concentran conciertos con ganas de probocar el baile.
Y comenzamos con Lila Tirando a Violeta, la productora uruguaya, con base en Irlanda, que además de experimentación incorpora grabaciones de campo y ritmos de latinoamérica.
Durante la primavera de 2025, lanzará un nuevo álbum con el sello berlinés Unguarded, y en el L.E.V Festival tendremos el privilegio de disfrutar de este esperado trabajo.
Una artista que además de sus prolíficos trabajos en solitario, ha realizado colaboraciones con algunos de los talentos de la industria de la música electrónica, así como participado en festivales como Mutek, Primavera Sound, Boiler Room, She Makes Noise o el festival Unsound.
CONCIERTO LILA TIRANDO A VIOLETA. FRAGMENTO.
Los músicos locales también tiene su espacio en el LEV. JAILED JAMIE (aka Skygaze) es el proyecto más orientado a la pista de baile de Jaime Tellado. Arquitecto de profesión, Jaime lleva más de una década formando parte activa de la escena underground española, con una trayectoria que lo ha llevado a actuar en los principales festivales del país, como Sónar, L.E.V. o MIRA, además de presentar su directo en países como Estados Unidos, Bélgica, Italia o Ucrania.
El 2025 marcará un nuevo hito en su carrera con el lanzamiento de su tercer álbum de larga duración, Hyperdrive, que fue presentado en primicia durante el festival L.E.V. y publicado en abril de este mismo año.
Jailed Jamie, desplegó su creatividad y fusion de géneros , consolidando su identidad musical. Además estuvo al frente de n taller irigido a jóvenes creadores, sobre producción musical.
Uno de los festivales que mejor se asocian anuestra visión del arte contemporáneo, es el Laboratorio de Electrónica Visual, LEV, que la pasada semana se celebraba en Gijón. comenzó el 1 de mayo con la inauguración de los proyectos visuales, instalciones y experiencias de realidad virtual como Oto’s planet de Gwenael François. El proyecto dirigido por May Abdalla y Barry Gene Murphy, IMPULSE: PLAYING WITH REALITY que es una experiencia de realidad mixta, sobre el Trastorno por Déficit de Atención. o la propuesta de Ivan Liu, Echoes of the Land, una instalación interactiva que investiga la conexión entre la actividad humana y los fenómenos naturales. Siempre sorprendentes. Pero vamos a los conciertos. El viernes 2 de mayo pudimos ver un espectáculo de Colin Self, al que ya habiamos en 2019, presentando su nuevo espectáculo ¡Gasp!, en el teatro de la Laboral.
Colin Self músico, performer, nos propueso ampliar la conciencia y cuestionar los planteamientos binarismos, así como los límites de la percepción y la comunicación. Trabaja con comunidades de distintas disciplinas y de echo, trabajó con un grupo de bailarines locales,
Colin Self dejó al público fascinado la primera vez que participó el LEV y no hizo menos en este 2025, que se presentó en el Teatro de La Laboral para presentar ¡Gasp!, la segunda ópera de su serie Self’s Shadow. Una obra explora el diálogo transdimensional, la guía espiritual y la ancestralidad queer, mientras destaca la brillante práctica artística de Self, que combina canto, movimiento y espectáculo en una experiencia cautivadora. Realmente impactante.
CONCIERTO COLLIN SELF. FRAGMENTO.
La siguiente invitada, fue sin duda uno de los platos fuertes de esta edición. Katarina Gryvul que junto a Alex Guevara presentaron en LEV el estreno en España de Spomyn, una performance multidisciplinar basada en el próximo álbum homónimo de Gryvul. SPOMYN, es una exploración profundamente personal de la naturaleza fragmentada y frágil de la memoria, donde se examina cómo los destellos de distorsión y pérdida dan forma a la esencia de lo que somos.Y todo ello mezclado con elementos sónicos deconstruidos que se entrelazan con un ambiente frágil y patrones rítmicos irregulares, envueltos en un espectáculo de luz dinámico y envolvente, generado por Alex Guevara, creando una profunda experiencia sensorial.
Katarina Gryvul es una compositora de formación clásica, violinista y productora musical. Creadora de paisajes sonoros a través de instrumentos, voz y sintetizadores analógicos. Alex Guevara es un artista digital especializado en la visualización de datos. Sus obras, centradas en el ámbito audiovisual, integran elementos sonoros y lumínicos para crear paisajes inmersivos.
Katarina desplegó una colección de composiciones pop corales en las que Gryvul va incorporando elementos deconstruidos y que forman parte de su espectáculo Spomyn en el que invita a los oyentes a embarcarse en un viaje a mundos llenos de belleza ignota.
CONCIERTO KATARINA GRYVUL.
Nos vamos ahora al sábado 3 de mayo, por la mañana, en el Museo del Pueblo de Asturias, donde de forma relajada y lúdica se concentran conciertos con ganas de probocar el baile.
Y comenzamos con Lila Tirando a Violeta, la productora uruguaya, con base en Irlanda, que además de experimentación incorpora grabaciones de campo y ritmos de latinoamérica.
Durante la primavera de 2025, lanzará un nuevo álbum con el sello berlinés Unguarded, y en el L.E.V Festival tendremos el privilegio de disfrutar de este esperado trabajo.
Una artista que además de sus prolíficos trabajos en solitario, ha realizado colaboraciones con algunos de los talentos de la industria de la música electrónica, así como participado en festivales como Mutek, Primavera Sound, Boiler Room, She Makes Noise o el festival Unsound.
CONCIERTO LILA TIRANDO A VIOLETA. FRAGMENTO.
Los músicos locales también tiene su espacio en el LEV. JAILED JAMIE (aka Skygaze) es el proyecto más orientado a la pista de baile de Jaime Tellado. Arquitecto de profesión, Jaime lleva más de una década formando parte activa de la escena underground española, con una trayectoria que lo ha llevado a actuar en los principales festivales del país, como Sónar, L.E.V. o MIRA, además de presentar su directo en países como Estados Unidos, Bélgica, Italia o Ucrania.
El 2025 marcará un nuevo hito en su carrera con el lanzamiento de su tercer álbum de larga duración, Hyperdrive, que fue presentado en primicia durante el festival L.E.V. y publicado en abril de este mismo año.
Jailed Jamie, desplegó su creatividad y fusion de géneros , consolidando su identidad musical. Además estuvo al frente de n taller irigido a jóvenes creadores, sobre producción musical.
portada:Natural Information Society & Bitchin Bajas.Totality
La segunda convergencia de Natural Information Society y Bitchin Bajas,se acaba de producir años después de la primera,el álbum Automag Inary. Se trata del álbum Totality.
Desde su primera colaboración, el camino que lleva del extático jazz universal de Natural Information Society a los paisajes sonoros microtonales de Bitchin Bajas se ha vuelto cada vez más fino en su articulación.
En todo el espectro, el septeto equilibra una atmósfera de profunda búsqueda con una producción maravillosamente elaborada. Esto genera un transporte auditivo colectivo de primer orden para todos los oyentes.
Desde esa primera convergencia en 2015, Natural Information Society ha lanzado cuatro álbumes (uno en colaboración con Evan Parker, otro con Ari Brown) y Bitchin Bajas cinco (uno con una banda sonora, otro con Bonnie 'Prince' Billy y otro con canciones de Sun Ra).
Dados los múltiples caminos que ambos grupos han recorrido, tiene sentido que su segunda convergencia parezca emanar de siglos. Ha habido cambios en ambas formaciones
Grabado en un solo día con Greg Norman en Electrical Audio de Chicago, Totality es un segundo disco conjunto, en el que Experimentar con el tiempo.
musica: HANIA ARANI. THIN LINE
DE COROS, DANZAS Y DESMEMORIA (Itinerancia). ART AL QUADRAT. MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA DE MADRID. HASTA EL 1 JUNIO.
Art al Quadrat, formado en 2002, es la unión de las hermanas gemelas: Gema y Mònica del Rey Jordà (Valencia, 2 de agosto de 1982). Representadas por la galería Coll Blanc de Castellón.
DE COROS, DANZAS Y DESMEMORIA es una obra artística coral en formato
audiovisual en el que ART AL QUADRAT (Gema y Mònica del Rey Jordá) «emula» a la
Sección Femenina de FET y de las JONS, quien confeccionó un imaginario cultural y
político idealizado del folclore y tradiciones populares «español» con la organización
Coros y Danzas de España. Así se vinculó la cultura popular con el ideal del
nacionalcatolicismo franquista.
Este proyecto, con representación de todas las comunidades autónomas, transforma
aquellas estrategias de homogeneización cultural en una recuperación del folclore crítico, ese elemento que la Sección Femenina hizo desaparecer, a través de los relatos cantados de mujeres que luchan por la recuperación de la memoria.
Una instalación del programa Visiones Críticas y del programa especial del 150
aniversario. Incluida en la programación del Festival Ellas Crean.
Organizada por el Museo Nacional de Antropología en colaboración con el Ministerio de
Política Territorial y Memoria Democrática.
Art al Quadrat toman algunos de los términos utilizados peyorativamente en informes
sumarísimos de la Guerra Civil para describir a mujeres juzgadas, tales como“
peligrosa, incendiaria o escandalosa”, y los portan adosados al cuerpo, metafórica y
físicamente, con el fin de transmutarlos en algo colectivo, en un ejercicio de empatía
y sororidad con el público asistente.
MUSICA: Husa & Zeyada - Wala Wala
MUSICA: MECANICA POPULAR. RUEDA VIVIENTE
ENT. JAVIER PEÑA. DIRECTOR. CONCENTRICO. LOGROÑO
Concéntrico es un laboratorio de innovación urbana que invita a reflexionar sobre la ciudad a través de prácticas contemporánas: arquitectura y diseño como herramientas para fortalecer la comunidad y proponer nuevos usos colectivos en el espacio público.
El proyecto comenzó en 2015 como el Festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño, desarrollando más de 150 intervenciones en 10 años. La nueva temporada de Concéntrico se presenta con un enfoque renovado, que incluye una variedad de iniciativas y formatos, consolidando una década de innovaciones en arquitectura y urbanismo.
Este programa se distingue por la introducción de enfoques que responden a los desafíos actuales, celebrando el Festival del 19 al 24 de junio de 2025 en Logroño. Al ampliar su alcance y establecer nuevas fechas en diversas localizaciones, Concéntrico busca revitalizar el diálogo entre diseñadores y comunidades, enriqueciendo la experiencia del festival y su relevancia en el contexto contemporáneo.
Concéntrico, en su objetivo de iniciar nuevos formatos que den respuesta a las transformaciones urbanas, presenta tres convocatorias Objetos en la ciudad, Tercer paisaje y Picnic en el viñedo para participar en el festival en Logroño. La nueva edición se celebrará del 19 al 24 de junio de 2025.
Los tres concursos tienen un plazo de presentación de las propuestas abierto hasta el 17 de enero de 2025 a las 23:59 horas (GMT+1).
La participación, que cuentan con un formato de entrega digital, está abierta a un ámbito internacional para todos los creadores (personas o colectivos) que presenten proyectos de intervenciones dentro de cualquiera de las disciplinas de la arquitectura, paisajismo, el diseño y el arte:
Objetos en la ciudad, en colaboración con Romanian Design Week, busca reinterpretar elementos urbanos existentes mediante intervenciones temporales que agreguen nuevos significados y usos a espacios públicos en Logroño y Bucharest. A través de un ejercicio mínimo de diseño, se busca generar una nueva escala en lugares como plazas y calles, promoviendo la interacción comunitaria.
Tercer paisaje, la propuesta se basa en el manifiesto de Gilles Clément, que aboga por la preservación de los espacios marginales y no intervenidos dentro del entorno urbano, con el objetivo de emplear un solar como espacio de oportunidad y poner la vida de las personas en el centro del diseño urbano, promoviendo un urbanismo que integre la equidad, la seguridad y la accesibilidad.
Picnic en el viñedo, en colaboración con Bodegas LAN, nos inspiramos en la tradición del picnic y la sobremesa para repensar los espacios / herramientas asociados al acto de comer, dándoles un nuevo sentido en el contexto contemporáneo. La alimentación, como acto comunitario, nos conecta con lo local y lo cercano, redescubriendo el valor de la tradición en el entorno natural.
PROYECTO GANADOR
Al agua patos de K37.lab (Carlos Iraburu Elizalde, Álvaro Oriol, José Rodríguez-Losada, Carlos Iraburu Bonafé), España.
El objetivo del proyecto es crear una isla climática que revitalice un espacio único y fomente la interacción con el entorno natural. Se estructurará en tres elementos: dos capas principales y un límite que las conecta, formando un jardín central con vegetación adaptada al clima. Una pérgola modular proporcionará sombra y, junto con un estanque interactivo y accesible, se busca reactivar y dar nueva vida a este espacio, invitando a la comunidad a disfrutarlo.
Concéntrico ha presentado un avance de su programación con la participación de destacados estudios y creadores. Tras una década redefiniendo el uso del espacio público a través de la arquitectura y el diseño, el festival se consolida como una plataforma internacional con presencia en ciudades como Milán, Bucarest, Barcelona, Madrid, Dammam, Huesca y Logroño.
La nueva temporada trae consigo un enfoque renovado con convocatorias para proyectos permanentes, programas educativos, exposiciones e itinerancias, consolidando su papel como referente en la reflexión sobre el urbanismo y la comunidad.
El punto culminante será el Festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño, que tendrá lugar del 19 al 24 de junio de 2025. Esta edición contará con la participación de estudios y creadores que transformarán el espacio urbano con sus intervenciones:
Leopold Banchini Architects, MVRDV, Zyva studio, SalazarSequeroMedina, Sam Chermayeff Office, Studio ACTE, Andreia Garcia + Diogo Aguiar, Bayona studio, Traumnovelle, Lemonot + O-SH, erazo pugliese, BairBalliet, Nami ñami Studio, Soft Baroque, Sahra Hersi, h3o architects, Emil Ivãnescu + Simina Filat, IC-98 & Suomi-Koivisto, Miastopracownia and Małgorzata Devosges-Cuber y Chris Kabel, entre otros.
Los equipos invitados se incorporan a la programación en coproducción con instituciones asociadas que desarrollan sus objetivos comprometidas con el desarrollo cultural, educativo, urbano y medioambiental de las ciudades. El conjunto se completa con los participantes ganadores de las convocatorias internacionales: Studio An-An, Abad, Borneo y JMBAD (Joseph Melka, Balthazar Auguste-Dormeuil).
El Festival presenta proyectos que transformarán espacios vinculados al agua, como fuentes, rotondas y la ribera del río, repensando el papel de esos recursos existentes en un contexto de cambio climático; con la alimentación, que se inspiran en la tradición del mercado, la comida colectiva, sobremesa el picnic para repensar los espacios / herramientas asociados al acto de comer, dándoles un nuevo sentido en el contexto contemporáneo; al paisaje abogando por la preservación de los espacios no intervenidos dentro del entorno urbano, con el objetivo de emplear pequeñas plazas o solares como espacio de oportunidad y poner la vida de las personas en el centro del diseño urbano, promoviendo un urbanismo que integre la equidad, la seguridad y la accesibilidad.
Concéntrico 2025 reafirma así su compromiso con la innovación urbana, impulsando el diálogo sobre el futuro de nuestras ciudades.
Concéntrico será el responsable de llevar a cabo la producción y construcción de las propuestas ganadoras en coordinación con los equipos seleccionados en los concursos. Estas intervenciones formarán parte del conjunto de los proyectos que se realizarán en diferentes localizaciones de la ciudad.
MUSICA: JAMES HOLDEN. YOU ARE GODS.
MUSICA: SCIFISOL. FICTIONFUCK.
EXISTENCIA HEDONISTA. SERGIO MURO. FUNDACIÓN CAJA RURAL DE ARAGÓN. ZARAGOZA.
ENT. SERGIO MURO
El artista Sergio Muro inaugura la exposición "Existencia hedonista" en Fundación Caja Rural de Aragón.
La muestra está compuesta por un corpus de más de 50 obras que ensalzan la vida y el color.
Es la exposición más potente que ha realizado desde que expuso en el IAACC Pablo Serrano.
El artista Sergio Muro inaugura la exposición "Existencia hedonista" en Fundación Caja Rural de Aragón -C/Cuatro de Agosto nº 4, Zaragoza- el jueves 24 de abril a las 18 horas. La muestra estará hasta el 13 de junio y se podrá visitar de lunes a viernes en horario de 18:00 a 20:00h.
Sergio Muro es uno de los artistas más originales del panorama actual de la ciudad que le vio nacer, Zaragoza. Sus obras están dotadas de una personalidad única y mantiene una ya larga trayectoria bajo unos parámetros estéticos fácilmente reconocibles y absolutamente genuinos.
Coincidiendo con su madurez personal y artística, el autor tiene ahora 50 años, presenta una exposición con obras pictóricas en su mayor parte producidas en la última década y coincidiendo en el tiempo con la apertura de su nuevo estudio profesional. Un corpus de más de 40 lienzos pintados en acrílico, 2 murales y 25 dibujos estarán expuestos en una de las salas más grandes y acogedoras de la capital aragonesa.
El concepto que engloba esta muestra pictórica es el "hedonismo”, entendido como una búsqueda de la felicidad. El artista zaragozano la interpreta como una actitud vital para disfrutar de cada momento como si fuera el último. "Un café, una conversación, correr en la naturaleza, pasear con tu perro, escuchar música, hacer el amor, leer… la ataraxia está en el interior de cada uno de nosotros, una vez que nos hemos desprendido de todo artificio", comenta Muro.
Sergio Muro San José nació en Zaragoza en 1974.
Desde hace muchos años es un gestor cultural y creador muy refutado de trayectoria internacional, habiendo organizado múltiples espectáculos, festivales y exposiciones de gran calado. Fue seleccionado como candidato para ser el subdirector artístico del MNCARS (Museo Reina Sofía), finalista para ser el Director del Museo Picasso de Málaga. Recientemente ha sido responsable cultural de la Capitalidad Europea de la cultura Burgos 2031.
Reconocido artista plástico y performativo ha hecho más de 150 performances en distintas ciudades como Copenhague, Londres, Dublín, Venecia, Marsella, Kyoto, New York, Madrid o Barcelona entre otras.
Ha estado dos ediciones en la Feria Internacional ARCO representando a Aragón, ha pintado murales para la Unión Europea, ha estado en recientemente en Art Madrid y ha expuesto en el IAACC Museo Pablo Serrano, entre otros espacios contemporáneos.
Acaba de publicar "Corriendo" con el sello LUPI.
MUSICA: RAUL GALÁN BERLANGA. REAFIRMAR.
El pasado 12 de marzo se publicó mi nuevo tema "Reafirmar" en el sello 12 min albums. Sello especializado en música electrónica experimental que saca 12 discos al año el día 12 de cada mes y de 12 minutos de duración.
bERLANGALAN, realiza Paisajes sonoros para crear imágenes y B.S.O. de una película aún no vista.
musica: CINDY POOCH. ISSEMOU.
CONTRAPORTADA: Natural Information Society & Bitchin Bajas. Always 9 seconds away.
Nos entusiasma compartir una descarga/escucha anticipada del músico abudaí Shifting Heigo, cuyo extenso y electrónico trabajo se muestra en su máxima expresión en To Model Phenomena. Me atrajo profundamente la compleja interacción entre melodía y percusión, que se entrelazan antes de estallar de forma fascinante en To Model Phenomena.
El trabajo de Shifting Heigo se sitúa a la par de algunos de los trabajos más centrados de Autechre, a la vez que explora el actual y lúdico trabajo de sintetizador que escuchamos de artistas como Nala Sinephro el año pasado. Este tira y afloja entre lo clínico y lo orgánico sigue la idea del álbum de "modelar fenómenos", que describe la "capacidad de la computadora para emular, independientemente de si el fenómeno emulado existe fuera de sus circuitos o es puramente imaginario". La interacción entre dos cerebros vivos, uno humano y otro de computadora, es un fascinante punto de partida para explorar el trabajo de Shifting Heigo, donde las fronteras entre ambos se difuminan hasta resultar irreconocibles.
Modelar fenómenos" es un concepto científico que describe la capacidad de una computadora para emular, independientemente de si el fenómeno emulado existe fuera de sus circuitos o es puramente imaginario.
En este disco, los fenómenos modelados son aquellos momentos en que la mente se lanza al vacío, confrontando nuevos paradigmas. Por ejemplo, cuando la ciencia, el arte o los medios de comunicación introducen nueva información, impulsándonos hacia una realidad transformada.
Desde este punto de partida, el músico europeo Shifting Heigo traza un camino entre realidades, evolucionando su narrativa a medida que su música se desarrolla. Esta obra se inspira en Curtis Roads (vicepresidente de Artes y Tecnología de los Medios de Comunicación en la UCSB) y sus estudios sobre síntesis granular y escalas temporales, donde cada pista de To Model Phenomena evoca una sensación de movimiento, donde nada comienza ni termina de la misma manera.
Músico fuertemente vinculado a las nuevas tecnologías, Shifting Heigo ha colaborado con la Universidad de Málaga (España) en su Grado en Diseño de Videojuegos, componiendo música interactiva, a la vez que canta como parte de la sección de tenores del Qatar Concert Choir, afiliado a la Orquesta Filarmónica de Qatar.
Actualmente radicado en Abu Dhabi, forma parte de un círculo de músicos electrónicos que rodea a la Universidad de Nueva York en Abu Dhabi, institución que apoya la música electrónica y experimental en todo Oriente Medio.
EL DISCO SE PUBLICARÁ EL 9 DE MAYO.
REPOR LUX IN TENEBRIS. MONASTERIO DE UCLÉS, CUENCA.
La Semana Santa nos ha traido una nueva edición de Lux in Tenebris, en el Monasterio de Uclés, en Cuenca.
Lux in Tenebris. Nox Transitus es un festival cultural y espiritualiad que se celebra en el Monasterio de Uclés durante la Vigilia Pascual. En 2025, el festival propone un recorrido desde la oscuridad a la luz a través de la música, el arte, la gastronomía y la escenografía. En FR en radio 3 hemos querido vivir en primera persona esta propuesta de transito hacia la fluidez.
La edición de 2025, ha contado con dos propuestas presentadas en la iglesia del Monasterio de Ucles, la de los franceses ENSEMBLE ORGANUM La polifonía primigenia de Vox Antiqua, en la nave central, y la voz desnuda encarnada por José Hernández Pastor en el presviterio. Lux in Tenebris se completó con la sesión ambient de Ivanková y la presentación en la Sacristia de los ucranianos, Heinali and Andriana-Yaroslava Saienko que presentaban Hildegard. Es una reinvención única de la música de Hildegard von Bingen.
Anozero-Bienal de Coimbra presenta la exposiciçon The factory of Shadows, de los artistas canadienses Janet Cardiff & George Bures Miller, en el Monasterio de Santa Clara, un espacio de momento recuperado para el arte, mientras espera otro destino. Los artistas canadienses Janet Cardiff y George Bures Miller viven y trabajan en la Columbia Británica. Son reconocidos internacionalmente por sus instalaciones sonoras multimedia inmersivas y sus recorridos audiovisuales. Comisariada por el Circulo de Artes Plásticas de Coimbra, Carlos Antunes es u director y comisario.
ENT. CARLOS ANTUNES. DIRECTOR Y COMISARIO DE LA EXPO
MUSICA: MISSING PIECE. SCREAMING
"Missing piece", artista deL SELLO Absolut Ambient titulado "Screaming" y que ya puedes disfrutar en todas las plataformas digitales
MUSICA: Whiteney Johnson 73/74. TRANSLUCENCE.
MUSICA: RIOJI IKERDA. ULTRASONIC
Ryoji Ikeda, renombrado compositor electrónico y artista visual japonés, explora las características esenciales del sonido y la luz mediante una precisión matemática y una estética minimalista. Reconocido como un artista que trabaja de manera convincente tanto con medios visuales como sonoros, Ikeda orquesta meticulosamente sonido, efectos visuales, materiales, fenómenos físicos y conceptos matemáticos en actuaciones en vivo e instalaciones inmersivas.
En diciembre de 2022, codex | edition y Noton (DE) lanzaron Ultratronics, su primer álbum en una década. Este año, el L.E.V. Festival tendrá el placer de presentar su último proyecto en el Teatro de la Laboral gracias al apoyo de la Fundación Japón Madrid.
Los álbumes de Ryoji Ikeda, +/- (1996), 0°C (1998), matrix (2000), dataplex (2005), test pattern (2008) y supercodex (2013), marcaron un nuevo rumbo en la música electrónica minimalista gracias a su estética y técnicas depuradas. Desde entonces, ha desarrollado proyectos a largo plazo que combinan actuaciones audiovisuales, instalaciones y piezas de música acústica. Podéis conocer más sobre su trabajo en codex | edition, una plataforma en línea lanzada en 2018.
ENT. LEV 2025. GIJÓN (ASTURIAS)
Del 1 al 4 de mayo, Gijón se convertirá en epicentro de la creación digital, con la 19ª edición del L.E.V. Festival (Laboratorio de Electrónica Visual). Con el apoyo del Ayuntamiento de Gijón y el Principado de Asturias, el festival reunirá a artistas nacionales e internacionales en distintas sedes de la ciudad, con una programación centrada en conciertos, performances audiovisuales, instalaciones inmersivas y experiencias sonoras inigualables.
Más allá de los conciertos, L.E.V. Festival vuelve a apostar por experiencias de Realidades Extendidas. Esta última parte de la programación se presenta en sinergia con el proyecto de experimentos en torno a la cultura audiovisual Arenas Movedizas. Del 1 al 4 de mayo, la Escuela de Comercio acogerá diferentes actividades, entre las que se encuentran dos experiencias de realidad virtual y una experiencia de realidad aumentada, todas gratuitas y para todos los públicos.
LINE UP
RYOJI IKEDA Ultratronics AV live _JP
AMNESIA SCANNER & FREEKA TET HOAX _FIN/FR
ASH FURE ANIMAL _USA
IGLOOGHOST Exo AV Live _UK
KATARINA GRYVUL w/ ALEX GUEVARA SPOMYN _UA _DE/PE
COLIN SELF ¡Gasp! _USA
AMELIE DUCHOW LOGOS MATER _DE/IT
PINCH & LOREM A Red Rabbit AV live _UK/IT
BABii DD2000 AV _UK
DYLAN HENNER
MUN SING _UK
KABEAUSHÉ _KE
MIZU _USA
JAILED JAMIE (aka Skygaze) _ES
LILA TIRANDO A VIOLETA _UY
CORTICAL AV live _ES
YESSi PERSE TOP5: Fairytales of Eternal Economic Growth _ES
INSTALACIONES AV
ROBBIE COOPER Immersion (extended version) _UK
IVAN LIU Echoes of the Land _TW
REALIDAD VIRTUAL & AUMENTADA
OTO'S PLANET Gwenael François _LU
IMPULSE: Playing with Reality May Abdalla y Barry Gene Murphy _FR/UK
BLOCKSMOG Guillaumit _FR
TALLER
RITMO Y RIMA. Metodologías de producción de música hiphop contemporánea. Jaime Tellado _ES
MÁS ACTIVIDADES
SMACK Speculum _NL
MUSICA: KATARINA GRYVUL.ULAMKY LYUSTERKA
MUSICA: NORTHWEWST. Anomaly.
Northwest, el dúo de pop experimental formado en Londres pero residente en Madrid, actuará en el próximo Festival LEM 2025 en Barcelona. LEM es un legendario festival de música experimental con 30 años de trayectoria. Además, será el primer concierto de Northwest en esta ciudad.
CUÁNDO: Viernes, 16 de Mayo de 2025 HORA: 20:00h DÓNDE: LaKontra de Gràcia, Barcelona Por otra parte, Mariuca García-Lomas (la mitad de Northwest) ha tenido el privilegio de contribuir con una de sus composiciones al proyecto de videoarte y diseño sonoro Elemental Studies de TJ Norris, en el que han participado compositores como Das Synthetische Mischgewebe, Darren McClure y Mick Chillage, entre otros. El álbum recopilatorio de todas estas piezas de música experimental ha sido publicado por el sello estadounidense Carpe Sonum Records, DONDE ENTRE OTROS TAMBIÉN ESTÁ sTEPHANIE mERCHAK.
La artista noruega Stephanie Merchak,compositora, diseñadora de sonido, improvisadora y performer con un background académico. Desde los 2000 viene desarrollando una más que interesante carrera experimentadora en la que explora dierentes generos musicales y tecnicas. Esta es su contribución al proyecto audiovisual, que también se va a transformar en una instalación de 4 canales y que recoge el trabajo de tres años, tooda una declaración de amor al trabajo colaborativo y sinergico.
Vivimos en una era de hiperconectividad y sobrecarga informativa, donde la continua exposición a notificaciones, redes sociales y múltiples plataformas digitales genera una saturación constante de estímulos.
Esta situación no solo fragmenta nuestra atención, sino que erosiona nuestra capacidad de establecer conexiones profundas con nosotros mismos y con los demás.
Modo Avión es una propuesta de Coro y Espacio Vacío para mk2 Cine Paz: un ciclo de conciertos audiovisuales que busca reivindicar el acto de desconexión, donde lo sonoro y lo visual se fusionan en una experiencia inmersiva y transformadora que apela a la contemplación y la concentración plena buscando nuevas formas de habitar el presente.
13 de febrero - All Gates Open De Emil Saiz & Irene Sáenz 13 de marzo - Epifanías luminosas: el fuego, primer encuentro de Irene Ivankovà & Amanda Lago 10 de abril - Hara Alonso & Ellen Söderhult presentan touch-me-not de Hara Alonso, Ellen Söderhult y Miguel G. Morales
DEEPLOMAT & DUBLATOV AmbiDextros (Álbum) Dream Dome Records
El nuevo álbum de Deeplomat & Dublatov ya es una realidad. 'AmbiDextros', que así se llama, viene repleto de melodías de sintetizador futuristas y extravagantes. Este dúo asentado en Valencia (España) de fanáticos de los sonidos analógicos se adentra de pleno y con ingenio en los terrenos ‘groovy’ sofisticados, sintéticos y poco explorados. La docena de temas que conforman el nuevo LP no son sólo ejercicios románticos sin sentido obra de dos apasionados por los cables, los botoncitos y los equipos analógicos, sino también un esfuerzo brillante por llevar los ritmos y sonidos clásicos de los años 80 y 90 a un espacio, a un tono diferente. Moderno y definitivamente atractivo y bailable. Deeplomat & Dublatov, y en consecuencia el nuevo álbum ‘AmbiDextros’, gira en torno a la producción, la tecnología y la creatividad. Una paleta elástica de sonidos que incluye ritmos 4/4, música house vibrante, IDM, sintetizadores funky o electro con un toque peculiar. Un cóctel vibrante con un enfoque muy original en la positividad y los ritmos melódicos. Viendo el futuro con optimismo. Sea como fuere, el dúo trabajó sin preocupaciones estilísticas hasta encontrar un rollo, una temática que se mantuviera fiel a un espíritu nervioso e independiente. ¡Prepárate para un montón de ritmos contoneantes así como piruetas de sintetizador que te enviarán al espacio exterior! ‘AmbiDextros’ de Deeplomat & Dublatov está disponible a partir del 28 de marzo de 2025 en Dream Dome Records.
MUSICA: HANIA RANI. THIN LINE
ENT. DIEGO IGLESIAS CODIRECTOR MMMAD FESTIVAL. MADRID
MMMAD Festival prepara su sexta edición que tendrá lugar del 24 de abril al 24 de mayo 2025 en Madrid. El programa, de un mes de duración, contará con tres exposiciones, cuatro performances y cinco talleres, además de obras de arte digital en el espacio público en pantallas repartidas por toda la ciudad.
Entre las artistas confirmadas contamos con Alejandría, allapopp, Candela Capitán, Carles Castaño, Common Accounts, Guerreiro do Divino Amor, Lolo&Sosaku, MANS O + Joan Sandoval, Mayte Gómez Molina, Meritxell de Soto, PATIO studio (Johanna Jaskowska, Yuri Rodriguez, Felina HDB, Carlos Ojeda), Rune Bering, Simone C Niquille, Sputniko! y YESSi PERSE.
Este año, el marco teórico del festival ha sido desarrollado por la escritora y artista digital Mayte Gómez Molina, galardonada con el Premio Nacional de Poesía Joven en 2023 y autora de libros como ‘Circuito cerrado de vigilancia’ o ‘Los trabajos sin Hércules’ en los que explora temas como el cuerpo como ente político, la percepción como contrato social, la construcción de la identidad en espacios tangibles y digitales y la visibilidad e invisibilidad como recursos para sobrevivir.
La imagen de esta edición ha sido desarrollada por el colectivo PATIO studio, formado por Johanna Jaskowska, Yuri Rodriguez, Felina HDB y Carlos Ojeda, a partir del marco conceptual, como una obra digital en sí misma. Se podrá ver en las pantallas urbanas de la ciudad durante todo el mes
musica: ëken. magia dub.
MUSICA: HANNA HAÏS. UBI.
MUSICA: : HERBERT. FALLEN.
ENT. COLECTIVO SMACK.
Colectivo de artistas SMACK: “SPECULUM” (PZSB). POZU SANTA BÁRBARA, MIERES (ASTURIAS). HASTA 13 DE JULIO.
El Centro de Experiencias Artísticas Pozu Santa Bárbara de Mieres (Asturias) inaugura el próximo jueves 10 de abril Speculum, una instalación creada por el colectivo artístico SMACK, formado por Ton Meijdan, Thom Snels y Béla Zsigmond. El proyecto reinterpreta el icónico cuadro El jardín de las delicias (1490-1500) de Jheronimus van Aken, conocido como El Bosco, y que actualmente se encuentra en el Museo del Prado. La obra introduce figuras de la sociedad contemporánea, manteniendo la esencia crítica sobre los escenarios distópicos. Esta instalación es un impactante tríptico de videoarte que revisita la icónica obra de pintura flamenca al siglo XXI, convirtiéndola en un espejo de la sociedad actual. La exposición ha sido organizada por el Ayuntamiento de Mieres con el comisariado de L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual) y la colaboración de Onkaos, área de arte digital de SOLO Contemporary.
Dividida en tres paneles, la instalación acompaña al espectador por un recorrido visual que refleja diferentes escenarios de nuestro presente inmediato.
Este colectivo artístico, con sede en Breda, se sirve de la animación en 3D para crear vídeos figurativos que exploran el comportamiento colectivo, la identidad digital, la cultura de la vigilancia y la omnipresencia de las marcas. Comenzaron a trabajar juntos en 2005 tras finalizar sus estudios en la escuela de arte y diseño St. Joost School of Art & Design (AKV). El primer trabajo que realizaron fue KAPITAAL (2006), y obtuvo el primer premio en varios festivales de renombre. Produjeron SPECULUM (2016) por encargo del Stedelijk Museum Breda que se completaría más tarde con los paneles laterales comisionados por SOLO.
En Edén, un paisaje en tonos pastel evoca un Silicon Valley digital, donde la tecnología y la hiperconectividad prometen una utopía inmaterial. Sin embargo, la calma aparente, oculta una realidad controlada y en constante vigilancia por el poder de grandes corporaciones. La pantalla que se encuentra en la parte izquierda del tríptico está dedicada al Paraíso. Encontramos aquí a personajes que deambulan en un mundo dominado por la obsesión con la imagen, el consumismo y la superficialidad. Esta fue la primera pieza del tríptico creada por SMACK en 2016, como encargo del Stedelijk Museum de Breda en el marco del 500 aniversario de El Bosco, más tarde se completó con los otros dos paneles comisionados por SOLO. Finalmente, en el panel del Infierno, a la derecha, el espectador se encuentra con una visión caótica y violenta, donde los castigos están directamente vinculados a los excesos de la era digital: la sobreexposición en redes sociales, la adicción a los algoritmos y el control masivo de la información. La instalación se cierra con dos grandes pantallas que flanquean el impactante tríptico digital, donde desfilan seis personajes arquetípicos: BIG DADA, CYBERBULLY, DYNAMO TWINS, CRAPIVORE, EGONAUT y MOTHER. Cada uno de ellos está meticulosamente caracterizado, reflejando distintos aspectos de nuestra sociedad hiperconectada. En esta visión contemporánea del Infierno de Dante, donde el castigo refleja el pecado, Cyberbully muestra a un troll de Internet atrapado y atormentado dentro de un gigantesco hashtag, mientras que en Big Dada, las cámaras de vigilancia se rebelan contra su propio creador. La obsesión por la identidad en línea y el narcisismo digital quedan plasmados en Egonaut y en muchas otras de las figuras que habitan las pantallas laterales. Dynamo Twins representa la incesante rueda del trabajo sin descanso, mientras que Crapivore personifica un ser compuesto íntegramente por productos ultraprocesados. Por su parte, Mother se presenta como un cuerpo feminizado que expulsa y acoge personajes, todos ellos controlados por una entidad central. Esta sobrecogedora colección de imágenes destila el malestar contemporáneo a través de inquietantes retratos. La obra indaga en cuestiones como el aislamiento, el comportamiento de las masas y la interdependencia en un mundo dominado por la tecnología y el consumo. Los personajes que se muestran provienen de las instalaciones Paradise y Hell, y retratan un mundo distópico marcado por la invasión tecnológica y el consumismo desenfrenado. Los artistas extraen figuras individuales de su complejo universo visual y les otorgan un mayor protagonismo. Siguiendo la composición y la perspectiva de la pintura renacentista clásica, los retratos de SMACK sitúan a los personajes en paisajes monumentales y evocadores: montañas rocosas, cielos ardientes y jardines geométricos que refuerzan la profundidad y el dramatismo de cada imagen. Es relevante que ninguna de estas figuras devuelve la mirada al espectador, lo que genera una inquietante sensación de voyeurismo sobre ell@s. Sin duda son fragmentos de un espejo en el que se reflejan los malestares de nuestro tiempo. El trabajo de SMACK nos enfrenta a un universo tan fascinante como perturbador, donde la tecnología y la sociedad se entrelazan en un retrato implacable de nuestro tiempo.
SMACK es una colaboración entre los artistas Ton Meijdam (Geldermalsen, Países Bajos, 1973), Thom Snels (Tilburg, Países Bajos, 1978) y Béla Zsigmond (Budapest, Hungría, 1975). Este colectivo artístico, con sede en Breda, se sirve de la animación en 3D para crear vídeos figurativos que exploran el comportamiento colectivo, la identidad digital, la cultura de la vigilancia y la omnipresencia de las marcas. Comenzaron a trabajar juntos en 2005 tras finalizar sus estudios en la escuela de arte y diseño St. Joost School of Art & Design (AKV). El primer trabajo que realizaron fue KAPITAAL (2006), y obtuvo el primer premio en varios festivales de renombre. Produjeron SPECULUM (2016) por encargo del Stedelijk Museum Breda que se completaría más tarde con los paneles laterales comisionados por SOLO. En el año 2017 realizaron una muestra individual de su trabajo titulada Dreaming of Mass Behaviour, que tuvo lugar en Breda. Sus perspicaces animaciones han sido galardonadas con numerosos premios, incluyendo el Amsterdam Film Experience, los Premios Europeos de Diseño y los UK Music Video Awards. Su trabajo ha sido expuesto en instituciones como la galería Colnaghi de Londres, KIAF Seúl y el Digital Art Center de Róterdam, entre otros. Además, han participado en numerosos festivales, como el Holland Animation Festival, el Bogotá Short Film Festival y MMMad Madrid. Sus proyectos, con un gran recorrido internacional, han sido presentados en países como Reino Unido, Países Bajos, Corea, Brasil, Alemania, China, Vietnam, Francia y Estados Unidos entre otros.
más información en www.mieres.es
MUSICA: KATARINA GRYVUL. VDYKH VYDYK
MUSICA: KATARINA GRYVUL. VDYKH VYDYKH
MUSICA: LILA TIRANDO A VIOLETA. SIN MALDITA. IDIO L SS A
MUSICA: HARA ALONSO MEANDERING-PRINT. TOUCH M N T
ENT. NONO FESTIVAL UCLES.
Lux in Tenebris 2025 El Festival Lux in Tenebris en el Monasterio de Uclés destaca por su programación vanguardista, fusionando música antigua y electrónica mística. Dirigido por David Pérez, ofrece una experiencia multisensorial que invita a explorar la conexión espiritual entre lo tangible y lo etéreo, consolidándose como un evento cultural relevante en Castilla-La Mancha. El Monasterio de Uclés en las tres ediciones pasadas del Festival Lux in Tenebris, ha sorprendido por su calidad y por la diferenciación de su propuesta.
Con una programación diversa y de gran calidad, dentro del estilo vanguardista que se quiere consolidar en el Festival hemos podido disfrutar durante las ediciones anteriores, en su vertiente más académica, de grandes grupos de la música, grupos de larga andadura, de la polifonía medieval más destacada, oratorios barrocos inéditos, clasicismo de Liszt o Beethoven. Schola Antiqua, Qvinta Essençia, La Academia de los Nocturnos y el Ensemble La Danserye o Los Ministriles de La Caravaggia, son algunos ejemplos.
En su vertiente más actual, la música electrónica mística ha quedado impregnada en sus claustros y en las paredes de este emblemático edificio; las saetas de la Tremendita desde sus balcones o el inclasificable y único Raúl Cantizano; el creativo compositor y percusionista, Pablo M. Jones. El envolvente Suso Saiz; la música inmersiva, experimental y ambiental de Ana Roxanne o el paisaje sonoro creando imaginarios de la vocalista y artista sonora Antonina Nowacka. El brillanate Raül Refree, investigador incansable del mundo de los sonidos y Maria Mazzota: la voz de un icono musical de la región de la Puglia, por poner algunos ejemplos que no dejaron indiferentes a los amantes de la música electrónica al servicio del misticismo más impactante.
Dirigida por David Pérez, al frente del equipo creativo LaLAB, y con la complicidad de dos comisarios que dialogan desde mundos distintos—Manuel del Sol, con su saber en música antigua, y Noelia Rodríguez (Nono), referente en la creación sonora electrónica contemporánea—, esta edición de Lux in Tenebris: Nox Transitus reúne a músicos de prestigio internacional en una puesta en escena cuidada al detalle. Una experiencia única la noche del Sábado Santo. Cuatro horas en las que se da vida a distintos espacios creando atmósferas íntimas, invitando a recorrer el tránsito espiritual de la oscuridad la luz. Una experiencia inmersiva mediante una vivencia multisensorial, con música sacra, canto llano, pero también con la electrónica más mística; una ambientación artística lumínica y una experiencia gastronómica que alientan la participación activa.
Los asistentes experimentan la noche como un rito de paso atravesando distintas estaciones que estimulan los sentidos. La experiencia se articula en siete momentos: Desde la hospitalidad propia de un contexto monacal en el Zaguán, pasan por el Bajocoro de la Iglesia, donde nos adentramos en un ritual con un sobrecogedor silencio, donde las luces se apagan y una instalación artística se torna en un eco de los Oficios de Tinieblas.
En la Nave Central, la prestigiosa agrupación Ensemble Organum, dirigida por Marcel Pérès, llegan al Monasterio de Uclés con la recuperación histórica del patrimonio medieval y renacentista del canto llano toledano y su interpretación desde las prácticas polifónicas primitivas de la Edad Media, que recuerdan al rito de las tinieblas del Sábado Santo en su forma más tradicional. Un verdadero placer acústico para elevar nuestro interior. Un hilo de luz atraviesa la tiniebla en el Presbiterio, con la intensidad sobrecogedora y la voz desnuda del contratenor especializado en música antigua José Hernández Pastor.
Asimismo la percepción sensorial adquiere una dimensión metafísica ya en la Sacristía del Monasterio, llevándonos a explorar la conexión intrínseca entre lo tangible y lo etéreo, mediante unos olores que rememoran un ritual sagrado. Y en el Refectorio y Anterrefectorio, el ágape fraternal, una experiencia gastronómica de simbolismo monacal nos lleva a una celebración que involucra todos los sentidos y a todos los presentes, en una especie de compartir de las primeras comunidades, por otro lado, tan necesario en la actualidad. Mientras, una selección musical mística en el espacio de la Sacristía de la mano de Irene Ivankovà; una suerte de ensoñación sonora inmersiva creada a través de cadencias pausadas, sonidos sostenidos, grabaciones ASMR y elementos de alta carga sensorial y un inevitable halo místicio.
La propuesta de Lux in Tenebris también se adentra en esta dimensión estética contemporánea con un concierto de música mística electrónica: una interpretación musical inmersiva acargo de los intérpretes y compositores Heinali & Andriana-Yaroslava Saienko. Recuperan, con técnicas de música electrónica, las composiciones musicales y poemas de la Sibila del Rhin, la abadesa almenana Hildegar Von Bigen, reconocida como una de las compositoras más famosas de monofonía sacra del siglo XII.
Este Festival no es solo un evento cultural; es una vivencia transformadora que invita a los participantes a atravesar la noche con los sentidos despiertos, hasta llegar al resplandor, a un nuevo ciclo lleno de promesas y esperanza, buscando despertar una profunda conexión con las tradiciones espirituales mediante una experiencia moderna y enriquecedora. Lux in Tenebris se posiciona así como un puente entre la tradición y la vanguardia fusionando la solemnidad de la liturgia con la sensibilidad artística contemporánea.
La programación del Monasterio de Uclés vuelve a obtener este año una alta valoración como proyecto cultural de Castilla la Mancha por el Observatorio de la Cultura, yendo incluso más allá y destacando según este Observatorio además, entre las mejores propuestas a nivel nacional en el ámbito de cultura rural. Uclés tiene apenas 200 habitantes y es realmente valioso el empeño de la Fundación Fernando Núñez que impulsa económicamente esta iniciativa.
Una experiencia única con tarifas de opciones flexibles que van desde los 32 euros de precio medio de cada evento, a los 72 euros del abono completo para disfrutar de todo Lux in Tenebris 2025. Para quienes además quieran pasar la noche entre los muros del Monasterio, dormir, desayunar y amanecer en el paisaje que rodea al Monasterio, se ofrece también la posibilidad de una experiencia austera, monacal, de dormir en las camarillas por 35 euros más.
Más info: https://monasteriodeucles.es/lux-in-tenebris-25/
El sello Smugglers Way de Domino se complace en presentar Disiniblud, el cautivador nuevo proyecto de colaboración de las compositoras/productoras/multiinstrumentistas Rachika Nayar y Nina Keith. Nina y Rachika se sintieron atraídas la una por la otra como imágenes especulares o dos hermanas que se reencuentran tras una vida de separación. Hace cuatro años, las artistas se conocieron en el parque María Hernández de Brooklyn, de dos manzanas de largo por dos de ancho, después de haber disfrutado de la música de la otra en Internet. Hablando de un lesbianismo a distancia desordenado, de una sincera inversión en filosofías budistas e hindúes y de un amor compartido por la BSO de Eternal Sunshine en el instituto, las dos descubrieron que sus similitudes superficiales apuntaban a una visión existencial del mundo más profunda.
Junto con el anuncio del álbum de hoy, el dúo comparte los dos primeros singles de Disiniblud, «It's Change (ft. Willy Siegel of Ponytail, Katie Dey & Julianna Barwick)» y «Blue Rags, Raging Wind (ft. Amigone)». Repleto de samples casi de tiovivo de tres vocalistas diferentes, «It's Change» es un mantra de la impermanencia, mientras que el neoclásico «Blue Rags, Raging Wind» y sus patrones de xilófono ejemplifican el núcleo del álbum de «alegría infantil », dice Rachika.
Disiniblud, que cuenta con la colaboración de Cassandra Croft, June McDoom, ASPIDISTRAFLY y Tujiko Noriko, está disponible para pre-venta en una primera edición limitada en vinilo de color naranja cornalina, CD estándar y casete con remezclas extra.
MUSICA: AREXIBO. )))).
PRESENTACIÓN DEL PABELLLON ESPAÑOL EN LA BIENAL ARQUITECTURA DE VENECIA. Cada dos años, la Bienal de Arquitectura de Venecia vuelve a la actualidad y los pabellones actúan como embajadas culturales, mostrando las preocupaciones, investigaciones y propuestas que definen el panorama arquitectónico de cada país.
Hace unos días se presentaba el Pabellón de España para la 19ª edición bajo el nombre de Internalities: Architectures for Territorial Equilibrium comisariado por Roi Salgueiro y Manuel Bouzas,y explora cómo la arquitectura española puede reducir su impacto ambiental (externalidades) y avanzar hacia la descarbonización.
Lejos de buscar un titular fácil la propuesta de “Internalities”, parece sumergirse en la diversidad de estrategias que la arquitectura y el urbanismo de nuestro país están desarrollando para navegar las incertidumbres contemporáneas.
La presentación nos sugiere un enfoque holístico, amplio y diversos, una polifonía de voces que abordan desde la crisis climática y la escasez de recursos hasta los nuevos modelos de convivencia y la relación entre tecnología y territorio. Toda la información en lacasadelaarquitectura.es
MUSICA: MIRA TUS MANOS. Mám ja jednu záhraduočku [Liptov]
Acerca de Mám ja jednu záhraduočku [Liptov]
El segundo sencillo de “The Future Sound of Slovakia vol.1”, es esta cumbia que versiona un canto tradicional de Liptov. Allí, donde los Montes Tatra son parte de paisajes impresionantes, y el folklore late con fuerza.
La letra, tragicómica, habla sobre una pareja que se acompaña sembrando romero en su jardín, hasta que ingresan al establo y ocurre un incidente con los caballos.
La música se construye sobre un loop de una antigua máquina de escribir, y a la base de guitarra, bajo y batería, se le suman instrumentos típicos de otras culturas, como el ronroco, el güiro, la cítara alpina, la guitarra acústica y el hang.
Los gritos propios del canto eslovaco, empleados para comunicarse entre los valles, perfectamente podrían ser los que se utilizan en el altiplano boliviano. Así, la fusión de estilos e instrumentos, celebra la unión entre culturas.
La grabación se realizó en Cacheuta (donde nace la Cordillera de Los Andes), Buenos Aires (Argentina), Barcelona (Catalunya), Montpellier (Francia), Bratislava, Nová Baňa, y Dúbravica (Eslovaquia)
MUSICA: RADIZI - FALEMOS.
Radizi publica un hipnótico EP que fusiona lo ancestral con lo moderno aunando tradición peninsular y electrónica contemporánea
RADIZI, es un innovador proyecto compuesto por Ramón Rodríguez Gómez (ex-miembro de la bada de percusiones ibéricas Coetus) y Francesco Di Cristofaro (fundador del sello Liburia Records). Fusionan la tradición sonora de la Península Ibérica con la electrónica más vanguardista, y llegan a Samain Music presentando su nuevo EP ‘Susurros del tiempo’. Este trabajo es un viaje sonoro que transporta al oyente a una dimensión en la que los ecos del pasado se encuentran con las pulsaciones del presente, creando un paisaje auditivo único.
En ‘Susurros del tiempo’, los instrumentos tradicionales, como la gaita, la pandereta, el tambor o la flauta, se fusionan con potentes texturas electrónicas, logrando una atmósfera envolvente donde la música ancestral se reinterpreta a través de la innovación. Los cantos ancestrales, cargados de historia y misticismo, se entrelazan con melodías modernas, dando vida a una narrativa sonora que conecta culturas, generaciones y épocas.
El EP explora la interacción de la música electrónica con la vibrante energía de la música de raíz, creando un espacio donde las fronteras entre géneros se desdibujan y las experiencias de diferentes culturas se fusionan en una propuesta única. Este nuevo lanzamiento promete sorprender tanto a los amantes de la música tradicional como a los seguidores de la electrónica más experimental.
Tras el éxito y la expectación generada con su ópera prima ‘Cal y cemento’, con este nuevo EP, RADIZI continúa empujando los límites de la música de fusión y reafirma su capacidad para reinterpretar el pasado desde una perspectiva contemporánea, abriendo nuevas puertas al diálogo entre la música tradicional ibérica y las sonoridades globales de la electrónica.
MUSICA: SOULWAX. IT ALWAYS BINARY
ENT. ESPECIAL BELGICA.
La pasada semana asistimos a la presentación de una gran muestra de joven pintura Belga, en la ciudad de Gante. Con el título Painting after Painting, A contemporary surveay from Belgium.inauugurada en ek Museo municipall de arte contemporáneo de la ciudad, el SMAK.
Pintura tras pintura: . un estudio contemporáneo de Bélgica, del 4 de abril al 2 de noviembre. SMAK. Gante. La exposición esboza las características del reciente renacimiento de la pintura a través de una exposición colectiva: no ofrecerá una panorámica completa de la pintura en Bélgica en la actualidad, pero intentará proporcionar ideas y puntos de partida para navegar por este vasto panorama, presentando obras nuevas y ya existentes de unos 75 pintores que viven y trabajan en Bélgica desde hace tiempo. El punto de partida de la exposición es una joven generación de pintores (nacidos a partir de 1970).
Es Ann Hoste, una de las cuatro comisarias de la exposición quien nos introduce en esta exposición que bebe de la tradición pictórica flamenca.
A lo largo de la historia, Bélgica ha tenido una tradición pictórica importantísima (Van Eyck, Rubens, Van Dyck...) Aunque se ha producido un fuerte renacimiento de la pintura como medio en Bélgica y en el extranjero, no ha habido todavía una exposición reciente de pintura belga. Painting After Painting está dedicada al vibrante panorama de la pintura. contemporánea en Bélgica.
Relación de artistas:
Adam Leech, Anastasia Bay, Anna Zacharoff, Anne Van Boxelaere, Anthony Ngoya, Antoine Goossens, Aurélie Gravas, Bart Stolle, Ben Sledsens, Bendt Eyckermans, Bram Demunter, Brieuc Dufour, Carlotta Bailly-Borg, Carole Vanderlinden, Charline Tyberghein, Charlotte Vandenbroucke, Che Go Eun, Diego Herman, Dieter Durinck, Emmanuelle Quertain, Felix De Clercq, Frederik Lizen, Gijs Milius, Hadassah Emmerich, Hannah De Corte, Helmut Stallaerts, Henrik Olai Kaarstein, Jannis Marwitz, Jérôme Degive & Manuel Falcata, Joëlle Dubois, Jonas Dehnen, Julien Meert, Julien Saudubray, Karel Thienpont, Kati Heck, Koen van den Broek
Kristof Santy, Leen Voet, Libasse Ka, Lisa Vlaemminck, Loïc Van Zeebroek, Louise Delanghe,Luís Lázaro Matos, Lysandre Begijn,Mae Dessauvage, Marie Zolamian, Matthieu Ronsse, Melissa Gordon, Michaël Van den Abeele, Michiel Ceulers,b, Monika Stricker, Natasja Mabesoone, Nel Aerts, Nelleke Cloosterman, Nelson Louis, Nina Gross, Nokukhanya Langa, Pieter Jennes, Pieter Vermeersch, Samuel Hindolo, Sanam Khatibi, Sarah Smolders, Shirley Villavicencio Pizango, Stijn Cole, Tatjana Gerhard, Thom Trojanowski, Tina Gillen, Vedran Kopljar (& parents), Veerle Beckers, Victoria Palacios, Vincent Geyskens, William Ludwig Lutgens, Yann Freichels
Más información: https://smak.be/en
MUSICA: HERBERT- FALLEN
ENT. SHIRLEY VILLAVICENCIO PIZANGO.
Criada en Lima, la capital peruana, y en el pequeño pueblo de Santiago de Borja, en la selva amazónica, Shirley Villavicencio Pizango se mudó a Gante, Bélgica, a los dieciocho años. Catorce años después, Villavicencio Pizango ha logrado conciliar estas diversas experiencias para plasmar su vida cotidiana en Gante pintando retratos de familiares, amigos y desconocidos. Retrata a sus modelos entre una exuberante vegetación y entre textiles, cerámica y formas geométricas que evocan las fuentes incas. Sus pinturas son coloridas, sueltas, expresionistas y folclóricas, y sus modelos están representados con una sensibilidad concisa que transmite nostalgia, recuerdo y melancolía.
MUSICA: JEAN MICHEL JARRE. AMAZONIA
MUSICA: BEATLOVE. KISS
Kiss, nuevo single, del dúo sevillano, Beatove que verá la luz el próximo 4 de abril.
ENT. GEERT GOIRIS.
APROVECHANDO NUESTRO VIAJE A BELGICA, NOS CITAMOS CON GEERT GOIRIS, FOTOGRAFO QUE EN ESTOS MOMENTO TIENE UNA INTERESANTISIMA EXPOSICIÓN EN LA GALERIA PLANTA 1, EN CARAVANCHEL EN MADRID.
LA EXPOSICION DEL FOTOGRAFO BELGA GEERT GOIRIS SE PUEDE VER HASTA EL 2 DE MAYO EN LA SALA PLANTA 1 EN CARABANCHEL. MADRID.
MUSICA: MENHIR. OLD NEW MOON.
ADELANTAMOS HOY EL ALBUM : Thirteen Moons and a Black Hole es el último trabajo del dúo Menhir, formado por la cantante Coco Moya y el productor Iván Cebrián. Reconocidos por sus composiciones inmersivas entre el ambient y el minimalismo, llenas de texturas electrónicas analógicas y slow motions, Menhir nos invita a un viaje introspectivo y sensorial por paisajes sonoros hipnóticos.
El álbum se presenta como un ejercicio de observación y exploración de los ciclos lunares y otros objetos del cosmos como los agujeros negros. Para ello trabajaron con físicos de la Universidad Autónoma de Madrid, interpretando sus observaciones en las composiciones del disco, donde crean una danza estática entre sintetizadores analógicos, procesamientos masivos de sonido y la etérea voz de Coco Moya. Cada pista se siente como un evento que no solo escuchamos, sino que tocamos con la piel. Este LP da pie al oyente a sincronizarse con el pulso lunar y a sumergirse en su rítmica gravitacional.
Conceptualmente el álbum se nutre de la sinergia entre ciencia, naturaleza y tecnología, y nos transporta a un universo introspectivo. Como describen los propios artistas: "es un sincretismo entre cantos místicos y la electrónica de escucha; una prehistoria del futuro", comenta Coco Moya. Este trabajo captura la esencia de su sonido: íntimo, abisal y resonante.
Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
Ana Castillo, Marina Vargas y Lisabö 11 Comentarios
TEMPORAL DE VIENTO MUY DURO AQUÍ EN ESPAÑA DESDE EL JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2024 HASTA EL LUNES 26 DE FEBRERO DEL 2024
Ana Castillo, Marina Vargas y Lisabö 11 Comentarios
PROFUNDAS BORRASCAS TEMPORAL DE VIENTO MUY DURO AQUÍ EN ESPAÑA DESDE EL JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2024 HASTA EL LUNES 26 DE FEBRERO DEL 2024
Ana Castillo, Marina Vargas y Lisabö 11 Comentarios
AGUJERO DE LA CAPA DE OZONO DE RACHAS DE VIENTO HURACANADAS AQUÍ EN ESPAÑA DESDE EL JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2024 HASTA EL LUNES 26 DE FEBRERO DEL 2024
