Arte, populismo y festivales frente a la pandemia.

    viernes 23.oct.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

programa 26.10.20

PORTADA: AUTECHRE. 01. M4 LEMA. SIGN.

Autechre sign

El mítico dúo británico de electrónica publica SIGN, un nuevo disco que ve la luz través de WARP Records. Este nuevo álbum, compuesto por 11 temas, supone el segundo lanzamiento de Autechre en 2020 tras la publicación de AE_LIVE 2016/2018, una colección que recopila una serie de grabaciones de sus giras de 2016 y 2018 en ciudades como Berlín, Melbourne, Oslo, Helsinki, Tallinn, Nijmejen o Zagreb. Desde que comenzaran a publicar a principios de los 90, Autechre han sido uno de los dúos más innovadores e influyentes de la música electrónica.

Autechre-2020

Con un estilo que va desde la electrónica americana clásica, el ambient y la música concrète, su música ha tenido una evolución constante que desafía las convenciones del ritmo y la estructura. A pesar de lo desafiante que puede llegar a ser su obra, con frecuencia han recibido elogios por parte de la crítica y su influencia a día de hoy es ineludible: legiones de artistas electrónicos han emulado su estilo. Después de ayudar a establecer las bases de los que posteriormente la prensa llamaría IDM con su debut de 1993, Incunabula, Autechre continuó publicando discos notables como Tri Repetae en 1995 y LP5 en 1998. Después de hacer un regreso a su lado más accesible con Quaristice en 2008, comenzaron a lanzar algunos de los trabajos más ambiciosos de su carrera con Exai (2013) y continuando con las grabaciones AE_LIVE, las cuales llegan a las 8 horas de grabación.

 

 

MUSICA: LACLAUD. SEVEN. ABOUT VEGA.

ENT. DANIEL MAYRIT

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Uno de los vuestros”: la radiografía del candidato populista

 

·       En plena carrera electoral en Estados Unidos, el artista Daniel Mayrit se mete en la piel de un candidato global en Uno de los vuestrosun estudio visual de la estética populista, un proyecto que cobra forma de campaña política ficticia en Instagram

 

·       Este trabajo desgrana, a través de la fotografía, la performance y el montaje digital, la estrategia comunicativa que ha impulsado las carreras políticas de candidatos como Donald Trump, Jair Bolsonaro, Matteo Salvini o Vladimir Putin 

  

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Es joven, blanco, heterosexual, amable, pero contundente, moderno, pero lo justo. Su sonrisa socarrona se deja ver en casi todas las fotografías, ya sea al lado del mismísimo Trump, de la canciller alemana Angela Merkel, abrazando a un par de osos panda o rodeado de escolares. Daniel Mayrit es el yerno perfecto, el candidato idóneo. “¡Soy uno de los vuestros!”, gritaría en un mitin que podría tener lugar en cualquier parte de Occidente. Su campaña electoral ficticia ya ha comenzado en redes sociales como Instagram

 

En Uno de los vuestros: un estudio visual de la estética populista, el artista Daniel Mayrit desgrana la estrategia comunicativa del populismo: cómo se crea la imagen de un candidato y esa personalidad impostada de un líder mesiánico que acabará “salvando” a esos potenciales votantes. Para ello, el autor recurre a la fotografía, la performance y el montaje digital, parodiando algunas de las imágenes más icónicas protagonizadas por los principales políticos del mundo que han utilizado esta estrategia populista en sus carreras. 

 

Un troleo que evidencia los cimientos sobre los que se construye un mensaje populista con tintes conservadores: el clásico fake anti-establishment, en el que el carismático candidato dice preocuparse y estar del lado de las clases sociales más humildes, aunque toda su vida haya estado llena de lujos y comodidades; la importancia de crear un “ellos” (mujeres, inmigrantes, LGTBI…) para que exista un “nosotros”; la idea de proyectarse como ese líder mesiánico que nos salvará de “los peligros que enfrenta el mundo”; y el uso irreverente de las redes sociales desde donde retar a todo aquel que no esté dispuesto a auparle hasta el éxito político, incluidos los medios de comunicación. 

 

https://www.danielmayrit.com/

INSTRAGRAM @danielmayrit

 

MUSICA: MARK PRITCHARD. BE LIKE WATER.

 

 

Video:

 

 

 

MUSICA: TATI LMAR. SALIDA

 

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CURATED SPACE MUESTRA LA OBRA DE 15 ARTISTAS REPRESENTADOS POR ALGUNAS DE LAS MÁS DESTACADAS GALERÍAS DE NUESTRO PAÍS

 

La séptima edición de la feria de arte contemporáneo MARTE reunirá a 15 de las más destacadas galerías de arte emergente de nuestro país, edición que será una de las escasas citas que se celebrarán dentro del circuito de arte contemporáneo nacional e internacional.


El Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón acoge del 5 al 8 de noviembre, en el marco del programa CURATED SPACE, la selección realizada por el director artístico de MARTE, Nacho de Tomás. Como es habitual, y seña de identidad de la feria, cada galería presenta un solo show de un artista con el propósito de profundizar en su universo creativo y de comprender la trayectoria de éste. Cabe destacar que entre las propuestas de este año se encuentra obra reciente de artistas que reflexionan sobre la pandemia en sus trabajos: como es el caso de J. Antonio Vallejo y Xesco Mercé.

Este año MARTE CURATED SPACE presenta a Arantxa Goyeneche de Gema Llamazares (Gijón), Alejandro Calderón de Espacio Nuca (Salamanca), Carolina Valls de Galería Shiras (Valencia), Breza Cecchini de Espacio Líquido (Gijón), Carlos Cartaxo de Pep Llabrés Art Contemporani (Palma de Mallorca), Elisa Terroba de La Gran (Madrid), Javier Aquilué de La Carbonería Espacio de Arte (Huesca), José Antonio Vallejo de DDR Art Gallery (Madrid), Julio Sarramian de Herrero de Tejada (Madrid), Kati Riquelme de Piramidón Centre d’Art Contemporani (Barcelona), Luis M. Rico de Córner Gallery (Madrid), María Acuyó de Naranjas con Arte (Vila-real), Miguel Scheroff de Renace Contemporary Art (Baeza), Xesco Mercé de Espai Nivi Coll Blanc (Castelló) y Victoria Iranzo de Galería Punto (Valencia).

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Elisa Terroba.

 

Por su parte UBE, patrocinador de la feria, contará con un espacio en el que presentar la obra de Manuel Martín Moreno. CURATED SPACE dispone de dos espacios dedicados a los ganadores del Premio MarteCastellón y Premio Marte Nacional a un Proyecto Contemporáneo que en esta edición han recaído en Agustín Serisuelo y Paula Valdeón, respectivamente.

 

 

MUSICA: JANE WEAVER. THE REVOLUTION OF SUPER VISIONS. Flock

 

 

MUSICA: ACID COCO. YO BAILO SOLA.

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Gandia acoge la 5ª edición del RRRR! Festival de Arte y Reciclaje. Diferentes actividades artísticas y recicladas se sucederán del 13 al 30 de octubre en el Teatre del Raval de Gandia

 

El festival nos propone reflexionar, a través del arte, sobre el cambio climático provocado por la sobre-explotación del planeta. “Ahora más que nunca, proyectos como el RRRR son necesarios y contribuyen a impulsar este cambio vital y social’’.

 

Por quinto año consecutivo Gandia acoge el RRRR! Festival de Arte y Reciclaje, una iniciativa de LaCasaCalba desarrollada en colaboración con la Concejalía de Gestión Responsable del territorio y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Gandia y que tiene como objetivo la concienciación, mediante el arte, de la problemática ambiental en relación a la generación y gestión de residuos, desde una perspectiva crítica, lúdica y participativa.

 

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El festival nació hace cinco años, como punto de encuentro del arte y el reciclaje y se ha consolidado como referente singular en el País Valenciano y en el Estado, como una ventana que los mismos artistas consideran una oportunidad para mostrar sus obras en las cuales está presente la estrategia de las 4 R: Reducir, Reutilizar, Recuperar y Reciclar.

 

Del 13 al 30 de octubre se sucederán actividades y espectáculos para todos los públicos y, algunos de los espectáculos en abierto, se ofrecerán también en campaña escolar e igualmente tendrá lugar este año un taller para docentes en colaboración con el Cefire de Gandia. 

Todas las actividades del festival se desarrollan en los diferentes espacios del Teatre del Raval de Gandia, como la sala, el vestíbulo, el primer piso y la calle. “Con la reciente reapertura del espacio cultural hemos establecido un protocolo sanitario adaptado en la nueva normativa y, por lo tanto, es un espacio seguro donde disfrutar de la cultura y el arte’’, explica Francesc Burgos.

 

También formarán parte del festival otros propuestas recicladas en forma de talleres como la exposición participativa Restos del mar, a cargo de Factoría Artis3 (La Safor), que se podrá realizar por turnos los dos fines de semana, de 17h00 a 19h00.

 

Cómo en el resto de ediciones, el RRRR! Festival de Arte y Reciclaje cuenta con la proyección de un documental para todos los públicos: Out of plastic, de Cleanwave.org (Islas Baleares). La película, que cuenta con varios reconocimientos en festivales de cine, es un llamamiento a la exigencia de reaccionar a la alarmante amenaza de la contaminación de plástico en todos los aspectos de nuestras vidas

 

www.rrrrfestival.org

 

 

MUSICA: ARBOL. AMSTERDAM HOTEL. JUST ANOTHER CONFUSED ANIMAL

 

MUSICA: JUAN NO SE QUÉ. ELIPTIC ORBIT

KAIOLA%20Cartel

 

www.facebook.com/kaiolafestibala

 

MUSICA: AINARA LEGARDON. COMO LOBOS.

 

 

MUSICA: OKKRE. FULL RISE 

 

CONTRAPORTADA: AUTECHRE. 03.SI00. SIGN.

 

Rosa Pérez   23.oct.2020 09:16    

Experimentación, Arquitectura, Patrimonio y Fotografía

    viernes 16.oct.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 19.10.20

 



 

PORTADA: ACID COCO. YO BAILO SOLA. MUCHO GUSTO EP

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Acid Coco se fue de Colombia hace muchos años, pero nunca está lejos. Canalizando cumbia, punk, champeta y reguetón y otros ritmos tropicales con sonidos electrónicos con los que han creado un trabajo de emoción visceral que atraviesa paisajes musicales. El amor a Colombia, los recuerdos de vidas pasadas son algunas de las fuentes que inspiraron al dúo en el proceso de escribir y crear este álbum.

A veces, estar separados te acerca aún más.

Estas pistas se grabaron durante dos frenéticas sesiones en Ginebra; ideas, letras, música, recuerdos grabados, una purga creativa impulsada por el colapso emocional y físico. La creación resultó ser la panacea y Colombia el refugio, un lugar donde podían enjuagar sus demonios evocando sueños de antaño, tanto musical como espiritualmente.

En Mucho Gusto, que es el título del disco de Acid Coco, encontrarás ritmos que hablan de la variedad, de la densidad y diversidad de la música colombiana. Son estilos de música hechos para hacer bailar a la gente. Son estilos que nacieron nostálgicos, ligados a los entornos de donde vinieron, pero también llenos de maldad, canciones serias mezcladas con frases ingeniosas y juegos de palabras divertidos, sin miedo a burlarse de sí mismos. Este es el espíritu de Acid Coco.

 

 

Musica: SUSANA LOPEZ. IBHN ARABI

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ent. JUAN CARLOS CASTRO Y JUAN CARLOS CEMBREROS

 

ENSO DESCUBRE SU CUARTA EDICIÓN DE OCTUBRE 2020

El Festival de Producción y Música Electrónica ENSO celebrará su cuarta cita, del 29 al 31 de octubre de 2020, en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante.

Con la participación -a través de masterclass, lives y sesiones- de Raúl Cantizano + Los Voluble , Chelis, Gela, Mweslee, Minima Inmoralia, Xols, Marta Verde + Jose Venditti, Susan Drone y Artificiero. Y más artistas por anunciar…

Estrena dos nuevas secciones: Docu Mental_ documentales musicales de experimentación sonora y Rare Sessions_ sesiones de exploración sonora fuera del circuito comercial.

Con la colaboración de GVA Consorci de Museus de la Comunitat ValencianaLas Cigarreras Centro Cultural y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante.También de la Universidad de Alicante y de Metrodanceclub.

ENSO -la propuesta multidisciplinar que sinergia música, arte, tecnología y documentación sonora- crece y regresa, del próximo jueves 29 al sábado 31 de octubre de 2020, al Centro Cultural Las Cigarerras (Alicante) con una nueva apuesta en formato semi-presencial y, en esta nueva ocasión, con la intención de ampliar y consolidar el Festival de Producción y Música Electrónica ENSO y la de iniciar una transición del festival a un modelo de contenidos presenciales y en streaming.

OBJETIVOS ENSO 2020

Los objetivos de ENSO 2020 son la difusión, con paridad, de la cultura audiovisual de la música y arte electrónicos y todas sus vertientes experimentales; la promoción de contenidos culturales de calidad relacionados con música, ciencia y arte electrónicos; dar visibilidad y apoyar a artistas locales, nacionales e internacionales cuyas propuestas y obra tienen un grado de experimentación, singularidad y riesgo que no les permite disponer de un circuito estable y serio donde exponer su trabajo y, por supuesto, ubicar a Alicante y su tejido artístico y cultural en el mapa nacional de música, arte, ciencia y tecnología.

Además, en esta nueva y cuarta edición, ENSO 2020 proponen dos nuevas secciones en el festival: Docu Mental Rare Sessions.

El cartel oficial de ENSO 2020 lo protagoniza un diseño inspirado en un espectograma de sonido, en las diferentes maneras de interpretarlo gráficamente.

Susandrone Susan Drone

ENSO 2020/ POR DÍAS

ENSO 2020 comenzará, en el Escenario Caja Negra, el jueves, 29 de octubre, en C.C. Las Cigarreras, a las 17.00h, con la celebración de una mesa redonda dedicada a esos festivales nacionales, que ponen el foco en la música electrónica underground y experimental -planteando carteles cuidados, seleccionando artistas emergentes, creando un circuito alternativo al habitual y apostando por un modelo más arriesgado, alternativo- con la participación de representantes de Trandisciplina A/V, Ithaka Festival, Ombra Festival Mugako. Será presentada y moderada por el periodista musical Fernando Fuentes.

Tras ello, se podrá disfrutar, a las 22.00h, de un live de un artista por anunciar.

Escenario Caja Negra

El viernes, 30 de octubre, será el turno de las Masterclass + live desde las mentes, máquinas y manos de Susan DroneMarta Verde + José Venditti. En el Escenario Caja Negra.

El sábado 31, las Masterclass correrán a cargo de Artificiero y de Los Voluble. Los lives los realizarán Artificiero Raúl Cantizano que junto a Los Voluble, presentará su nuevo espectáculo, Zona Acordonada. 

Escenario MetroLAB

La Rare Sessions, en esta cuarta edición de ENSOlab, estarán protagonizadas por Gela, Chelis, Xols, Mwëslee y Minima Inmoralia y tendrán lugar el sábado, 31 de octubre, en el Escenario MetroLAB

La sección ‘Docu Mental’ se celebrará durante los días 5 y 6 de noviembre en la Universidad de Alicante.

 

DOCU MENTAL

5 y 6 de noviembre

Universidad de Alicante/Escenario MUA

La primera sección consiste en la proyección de documentales musicales de experimentación sonora, estableciendo contacto con la filmoteca de directores independientes del circuito nacional e internacional. Este ciclo documental une el espacio auditivo con el visual, haciendo de la propuesta un conjunto sensorial en torno a la música, el sonido y las artes cinematográficas.

Dicha proyección se realizará en la Universidad de Alicante/ Escenario MUA, así como mediante plataforma digital siempre que la distribuidora lo permita. Una vez finalizada la proyección, se realizará una mesa redonda/debate con la participación de artistas/protagonistas implicados, directores del film, así como críticos o expertos en la materia. 

Este debate será retransmitido vía streaming, así como grabado para estar disponible tanto en la web como en el canal de Youtube del festival.

Jueves, 5 de noviembre

Sender Barayón, Viaje hacia la luz’. (Luis Olano. 2019)

NitSa 94/96. El giro electrónico’ (Àlex Julià 2013)

Mesa redonda: Moderador + invitados 

Viernes, 6 de noviembre 

116-geometriadelesplendor

Geometría del Esplendor’ (José Ramón da Cruz. 2017) 

La Ruta del Bacalao 30 años después’ (Andrés Torres. 2017) 

Mesa redonda: Moderador + invitados

RARE SESSIONS

31 octubre 2020

C.C. Las Cigarreras

Escenario MetroLAB

Esta sección reúne a DJS artistas sonoros nacionales que expondrán sesiones de exploración sonora fuera del circuito comercial o estándar donde suelen trabajar. 

LINE-UP:

CHELIS/ ZGZ

GELA/ MAD

MINIMA INMORALIA/ MAD

MWESLEE/VIG

XOLS/ BCN

ENSO 2020_ MASTERCLASS/ LIVE

LINE-UP:

ARTIFICIERO 

LOS VOLUBLE + RAÚL CANTIZANO

MARTA VERDE + JOSÉ VENDITTI 

SUSAN DRONE

 

ENTRADAS Y PROTOCOLO SANITARIO COVID-19

Entrada libre hasta completar aforo. La reserva de entradas se hará mediante EvenBrite. Reservas de entradas individuales o dobles (para personas que convivan). 

Obligatorio el uso de mascarilla durante el acceso y todo el evento, tanto dentro como fuera de la sala. Será obligatorio mantener la distancia de seguridad en todo momento, y seguir los circuitos de entrada y salida indicados.

www.ensolab.es

info@ensolab.es

IG: https://www.instagram.com/ensolab.alc

FB: https://www.facebook.com/ensolab.es/

 

MUSICA: ESPLENDOR GEOMETRICO. INERCIAL.

 

 

MUSICA: LA CLAUD. ABOUT VEGA. SEVEN.

ENT. David Pérez

 

Ucles

La Fundación Fernando Núñez presenta MDU_Renacimiento, su proyecto cultural para el Monasterio de Uclés
  • Esta iniciativa está integrada por  una variada programación culturalque incluirá exposiciones, espectáculos, conferencias y gastronomía durante los próximos dos años en el Monasterio de Uclés
     
  • 'Marco y Luz en constante cambio' es una de las primeras exposiciones del proyecto que ofrecerá una nueva mirada de la arquitectura e historia del edificio a través de una experiencia inmersiva
     
  • La Fundación Fernando Núñez convertirá el edificio histórico en un gran laboratorio artístico donde el visitante conocerá los procesos de diseño, producción y realización de las proyectos que acogerá el monasterio
 
 
 

Uclés, 18 de septiembre de 2020.- La Fundación Fernando Núñez ha presentado hoy en Uclés (Cuenca) su proyecto MDU RE_NACIMIENTO, de la mano de su presidente, Fernando Nuñez y el director, David Pérez. Esta iniciativa ofrecerá en el Monasterio de Uclés una variada programación cultural que incluirá exposiciones, espectáculos, conferencias y gastronomía, durante los dos próximos años.

MDU RE_Nacimiento será un ensayo en constante cambio y movimiento que explora nuevos caminos de mediación, poniendo a la cultura y su comunicación como ejes de esta investigación. Un “proyecto abierto, vivo y humanista”, como señala el director de la Fundación Fernando Núñez, David Pérez, que convertirá al Monasterio de Uclés en un gran laboratorio artísticodonde el visitante podrá conocer los procesos de diseño, producción y realización de las obras a medida que estas vayan transformando los espacios interiores del edificio, tales como su claustro, la sala grande, la iglesia, la sacristía, el acceso a la cripta, el archivo o las estancias priorales.

Esta transformación espacial se realizará a partir de un sofisticado diseño constituido por estructuras reticulares, instalaciones audiovisuales e iluminación específica que, en su conjunto, sumergirán al público en un universo de interpretaciones artísticas, sensaciones y experiencias y conceptos históricos y culturales que se verán ampliados a través de la plataforma digital del monasterio. Concebida por la Fundación Fernando Núñez, en este site podrán conocer numerosos detalles de la arquitectura y el pasado del edificio, antigua sede de la Orden de Santiago. “Será una visita complementaria, lo que permitirá que el visitante pueda experimentar la experiencia que le proponemos en su totalidad”, asegura David Pérez.

Fundación Fernando Núñez LAB
MDU RE_NACIMIENTO es uno de los primeros proyectos de Fundación Fernando Núñez LAB, un forma propia de generar y gestionar proyectos culturales que irá poniendo en práctica nuevas formas de trabajo. Este será uno de los patrimonios que generará la nueva Fundación: un desarrollo de proyectos culturales que se podrán aplicar tanto la Monasterio y su entorno como en otros contextos.

Precisamente es en la historia del llamado “Escorial de la Mancha”, donde la Fundación Fernando Núñez tiene el objeto de su inspiración para el Monasterio. En concreto, en los periodos artísticos del Renacimiento y su evolución hacia la grandilocuencia del Barroco. “Los medios que estamos utilizando son los mismos que ya se empleaban en el siglo XVI, solo que adaptados al siglo XXI”, sostiene David Pérez. “Utilizamos la luz de los proyectores en sustitución de las velas que se usaban entonces; el sonido digital como alternativa a los instrumentos que inundaron de música el coro de la iglesia, y la imagen virtual por su similitud con las inscripciones que los constructores renacentistas tallaban en las piedras”.

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Marco y Luz en constante cambio se une a las propuestas expositivas que fueron inauguradas el pasado 14 de agosto: #PHEDesdemibalcóndel Festival PHotoEspaña y Caballeros en la Mar. La iniciativa de PHotoEspaña reúne medio centenar de fotografías que documentan el periodo de confinamiento general por parte de la ciudadanía. Por su parte, Caballeros en la Mar se configura como una muestra compuesta por imágenes históricas de los caballeros de la Orden de Santiago en la que destaca una pieza audiovisual basada en el espectáculo de música renacentista celebrado en 2019 con motivo del quinto centenario de la primera vuelta al mundo.

 

MUSICA: NAOBA. MOTMOTO CARENADO.

 

 

MUSICA: ARBOL. FROM SOUTH TO NORTH.

ENT. ELISENDA BONET. DIRECTORA

Logo48openhouse

48h Open House Barcelona es una asociación cultural sin ánimo de lucro que trabaja para divulgar el patrimonio arquitectónico de la ciudad de Barcelona y ofrece productos y servicios culturales en el ámbito de la arquitectura. Su objetivo es promover la arquitectura y ayudar a entenderla como componente imprescindible de la cultura. Su herramienta principal de actuación es el festival de arquitectura 48h Open House BCN, que da visibilidad a la figura de los arquitectos y fideliza públicos interesados en la arquitectura de la ciudad.

 

Openhouse la ciudad

El festival es gratuito y se celebra durante un fin de semana al año, en octubre. Con tal de mostrar que la arquitectura no tiene fronteras, la programación se extiende por Barcelona y su región metropolitana. Concretamente, el festival se desarrolla en seis ciudades: en Barcelona, desde 2010; en Santa Coloma de Gramenet, desde 2013; en Vilassar de Dalt, desde 2014; en Sant Joan Despí, desde 2015, en Badalona, desde 2016, y en L’Hospitalet de Llobregat, desde 2017. Durante las diez primeras ediciones (2010 – 2019), el festival ha acumulado 516.200 visitas y ha llevado a cabo 1.787 actividades, gracias a la colaboración de 9.850 voluntarios y 224 arquitectos autores voluntarios, así como al apoyo de 80 entidades y empresas.

Paralelamente a la edición del festival, durante el año la asociación desarrolla otros proyectos en colaboración con diferentes entidades: visitas arquitectónicas para los Amigos del Festival; actividades durante la Semana de la Arquitectura (música x arquitectura y Espacios Ocultos); actividades de cultura y networking para empresas, a cargo de profesionales de la arquitectura (actividad BAR-CEL-ONA); grabación y edición de vídeos (ciclo Enmarcamos la arquitectura).

La asociación forma parte de la red internacional openhouseworldwide.org, que nace en 1992 con la celebración del festival Open House London, y de la que forman parte más de 45 ciudades de todo el mundo. El trabajo de la asociación ha sido reconocido con el Premio Turismo Responsable de Catalunya 2013, otorgado por la Generalitat de Catalunya, y con la Medalla COAC 2019, en reconocimiento a las tareas de divulgación del patrimonio arquitectónico, los arquitectos y la arquitectura.

Festival-arquitectura-barcelona

48h OPEN HOUSE BCN es un festival de arquitectura, un fin de semana de puertas abiertas a muchos tipos de edificios diferentes, dirigido a los habitantes de la ciudad de Barcelona y totalmente gratis. Su vocación es implantarse transversalmente en la sociedad y el territorio. Los ciudadanos de cada distrito podrán conocer el patrimonio más cercano y el más lejano, el particular y el público, y situarlo dentro de la experiencia y la historia de cada uno, aprendiendo a quererlo.

El festival se desarrolla en seis ciudades: en Barcelona, desde 2010; en Santa Coloma de Gramenet, desde 2013; en Vilassar de Dalt, desde 2014; en Sant Joan Despí, desde 2015, en Badalona, desde 2016, y en L’Hospitalet de Llobregat, desde 2017.

El proyecto se basa en tres pilares principales: voluntariado, patrocinio y participación. Por eso es muy importante la participación y la colaboración ciudadana, de entidades, asociaciones, empresas y administraciones. Colaboraciones que pueden ser de uno en uno, haciendo red de voluntarios o desde agrupaciones sociales, culturales y empresariales. Todos juntos, con espíritu de enriquecimiento y de regeneración en torno a la arquitectura, y con el objetivo de hacer visible la arquitectura como una de las manifestaciones culturales más importantes de la ciudad.

www.48hopenhouse.org

 

MUSICA: IU TAKAHASHI.

 

 

 

MUSICA: ORKESTA MENDOZA +MEXICAN INSTITUT OF SOUND+CALEXICO. DESDIBUJADO. 10 AOS DE SOUND AND COLOURS.

ENT. Juan Gil Segovia.

 

 

Territorios Cruzados”, exposición individual de Juan Gil Segovia

Galería Antoni Pinyol, c/ Vidre, 11, Reus (Tarragona)

Del 10 al 31 de octubre de 2020

Martes a viernes de 17:00 a 20:00 hs. / sábados de 11:00 a 13:30 hs.

 

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El artista Juan Gil Segovia (Ávila, 1983) presenta en la Galería Antoni Pinyol de Reus la exposición “Territorios Cruzados”, un conjunto de obras producidas entre 2006 y 2020 que tienen como común denominador el tratamiento del paisaje y los entornos contemporáneos mediante usos no canónicos del medio fotográfico. La exposición, comisariada por Clara Isabel Arribas Cerezo, se produce tras alzarse Gil Segovia como ganador el pasado mes de junio del 28 Premi Telax, convocado por la galería desde el año 1992. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo con un texto de presentación del artista y profesor José Luis Pajares.

 

Territorios Cruzados” hace referencia, en primer término, a una práctica cada vez más frecuente en el trabajo fotográfico de Gil Segovia; la mezcla (evidente, sin trucaje digital) de diferentes entornos en una sola imagen. Del mismo modo, podemos entender el dialogo entre obras actuales y otras con más de una década de antigüedad como una serie de territorios cruzados, un conjunto vertebrado por una constante: la representación de entornos dominados por el ser humano (carreteras, arquitecturas, animales domésticos, ruinas, etc.) pero en los que, paradójicamente, la figura humana nunca queda reflejada en la imagen.

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Las obras más antiguas están fechadas en 2006, año en el que el artista obtuvo la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Tanto estos trabajos seminales como los creados en los años inmediatamente posteriores destacan por su presencia física, ya que se trata de piezas tridimensionales, enfatizando el carácter objetual de la imagen en esta época inundada de fotografías desmaterializadas. Son piezas realizadas con emulsión fotográfica liquida, un procedimiento que aprendió siendo alumno de José Luis Pajares en la facultad de Bellas Artes de Salamanca y que, unido a la elección de la madera como soporte, otorga un aspecto pictórico a estas obras.

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Junto a estas también se muestran trabajos recientes, algunos de ellos de este mismo 2020 y creados durante el periodo de confinamiento. En estas composiciones actuales se amplían tanto los soportes (tela, papel) como los procedimientos (cianotipia, transferencia), pero permanece una constante, y es la condición de ejemplares únicos de todas las obras de la exposición, ya que el artista no realiza tiradas de sus trabajos fotográficos, renunciando de forma consciente al carácter reproductible de la fotografía.

 

Más información:

juangilsegovia.weebly.com

www.antonipinyol.com

 

 

MUSICA: ALVA NOTO.UNIEQUA

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Audiosfera. Experimentación sonora 1980-2020, una exposición sin objetos ni imágenes que presenta más de 700 obras sonoras de unos 800 creadores de todo el mundo

La muestra, comisariada por Francisco López, pretende cubrir un vacío histórico y cultural sobre los cambios más recientes en la concepción artística del audio experimental y podrá ser visitada por el público entre el 14 octubre de este año y el 11 enero de 2021.

El Museo ha configurado un diseño expositivo especial de las salas que invita a una escucha atenta y profunda de creaciones como las concebidas por Anne GillisBarbara EllisonEric LaCasaJames WebbJuan CrekAlva NotoVíctor NublaEsplendor Geométrico o, entre otros, Ryoji Ikeda

 

MUSICA: biosphere. The third planet.

 

CONTRAPORTADA: ACID COCO. LA CHANCLA. MUCHO GUSTO EP

 

Rosa Pérez   16.oct.2020 09:15    

ESPECIAL MOMENTS DESDE EL CONTENEDOR DE LA UNIVERSIDAD DE MÁLAGA.

    viernes 9.oct.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 12.10.20

 

 

 

Moments

Moments 2020.             VII Jornadas Internacionales de Cultura y Arte    Popular Independiente. Málaga. Otoño 2020

Moments volverá a convertir Málaga en el centro neurálgico de la cultura alternativa en octubre y noviembre con más de 60 actividades programadas en algunos de los enclaves más importantes de la ciudad: Museo Carmen Thyssen-Málaga, Facultad de Bellas Artes, Drunkorama, Escuela de Arte San Telmo, Librería Ancora, Teatro Canovas, Ateneo de Málaga, Escuela Apertura, Contenedor Cultural UMA, Vitamina Workroom, Adestudios, etc.

Unas jornadas de estudio de la cultura siempre con la misma filosofía que en sus inicios, y que cada año sorprende al publico de una manera inusual, con nuevos invitados y nuevos contenidos: Premio Moments 2020, Estrenos mundiales de Exposiciones protagonizadas por nombres legendarios, estrenos en España y Europa de los mejores documentales, los Workshops más interesantes de artistas locales, nacionales e internacionales, y los clásicos Encuentros con artistas y activistas culturales, presentaciones de literatura underground, realización de murales, concursos con grandes premios y muchas sorpresas.

Tras 7 ediciones Moments es ya todo un referente a nivel europeo, y un evento cultural único en el mundo, tanto en su formato como en sus contenidos, y cuya filosofía y modelo ya ha obtenido el reconocimiento en diferentes ámbitos de la cultura y la vida en su ciudad Málaga y otras capitales de Europa.

Como cada edición, Moments supone una ocasión única para descubrir sin tabúes la historia de las culturas alternativas que nacieron gracias a la filosofía D.I.Y. tan arraigada en las diferentes subculturas como el PunkRock, el Skate, el Surf, el HipHop, el Jazz, el Flamenco… y que hoy día han cambiado para siempre la concepción del arte en mayusculas. Unas jornadas que tienen como objetivo reivindicar y difundir unas propuestas que habitualmente tienen poca cabida en los centros culturales y educativos de nuestro territorio, y que son 100% auténticas y fascinantes.

 

 

LA UNIVERSIDAD COMO CONTENEDOR Y GENERADOR DE IDEAS Y PROYECTOS.

TECLA LUMBRERAS  – vicerrectora de cultura de la universidad de malaga, director del contenedor cultural y premio moments 2020 junto a otros premios moments que son Jorge Pardo y no Picky.

ALESSANDRA GARCIA. Programadora contenedor cultural de la UMA.

ACTUACIÓN: LUUU

 

ULTIMO DISCO STOP THE COPS (SEPT 2020)

Luuu

Tras Lüüü se esconde Juanlu Barlow, guitarrista autodidacta muy ligado a la escena independiente malagueña y que bajo este alias experimenta en lo musical con el ruido volcando sus obsesiones con estructuras cercanas al pop a través de la indietronica, el hip hop (digamos Anticon por ejemplo) y en los últimos tiempos la electrónica del 4×4. 

 

 

INDICATIVO

 

Salvia

 

 

Málaga es ciudad del paraíso, y no hay paraíso sin jardín, ni jardín sin cultura. SALVIA 2020: JORNADAS DE CULTURA SONORA es tu próxima visita al jardín de tu cultura. Donde has estado. Donde estarás.

La mayor variedad y calidad del paisaje sonoro actual malagueño, con las actuaciones de:
Ballena (acústico). Break The Senses. Bromo. CaraduSanto. Duro Vino. Lüüü. Jamie 4 President (acústico).
Delia Membrives & José Naranjo. Kermit. Luz Prado. Mauri. Noelia Naval & Danielle. Notes To Myself.
Pepo Galán. Sorry Kini. Trio Zwicky

Encuentros:
Flamenco: ni caminos ni fronteras”. “Málaga en vivo y los bares”. “Mujeres Artistas Málaga”.
“713avo Amor. Cruce de caminos entre la poesía y la leyenda”

Cine Documental:
Don’t Break Down – A Film About Jawbreaker”. Drunk O Rama – Historias de un Bar”. 
Salad Days – Punk Washington DC”. The Jazz Loft Eugene Smith”

2 escenarios al aire libre + zona de barra con terraza, mesas y sillas + stands + parking.




 

 

ACTUACIÓN: CARADUSANTO.

 

Albertpolo-JoseI-Noro

 ALBERTO POLO –  viene a Málaga a Moments a hacer un taller y participa en la expo FLEX YOUR CAMERA, que celebra los 40 años de dischord records.

 Alberto Polo Empezó a fotografiar de manera intuitiva sus pasiones de juventud, la escena hardcore e independiente de Barcelona, así como la subcultura del skateboarding. Casi sin darse cuenta, comenzó a publicar sus fotografías en revistas locales y hasta el día de hoy, después de 25 años de trayectoria profesional. Ha colaborado con multitud de medios especializados en ambos campos, trabajado para marcas del sector del skate e ilustrado varias decenas de discos con sus fotografías. En 2013 editó el libro “Hasta la boya y volver”, que documenta la vida en la carretera de la banda Nueva Vulcano durante la gira de su LP “Los Peces de Colores”. También ha retratado giras de otros artistas, como Daniel Higgs, Mishima o Ted Leo and the Pharmacists. Paralelamente desarrolla proyectos documentales de carácter más personal, como el proyecto de largo recorrido titulado “Love Life”, del que se publicó un primer libro en 2015 y del que espera publicar un segundo a principios del año 2021.

El taller pretende ser una motivación para buscar y defender la parte más narrativa, estética y comprometida del retrato musical. Se impartirá a través de las fotografías y experiencia del propio Alberto Polo, pero se visionarán y comentarán otros fotógrafos de referencia que han sido influencia directa para el autor, tanto desde el mundo de la música como de otros ámbitos, hayan retratado o no a músicos.

Ikermuro

 

  • Iker muro – artista urbano, murales graffiti… De Bilbao aunque residente en Canarias, es un habitual de Moments ya que son muchos los murales que ha dejado en la ciudad. Este año realizará el primero en la Universidad de malaga, un mural de gran formato ya que abordará todo un edificio.

 

Isanieto

 

 

 

Isa nieto – artista e ilustradora de Córdoba afincada en Málaga desde hace 1 década realizará un mural en Moments en la universidad.

 

DEL 20.11.2020 AL 11.01.2021

Hule”. Exposición de Isa Nieto

 

Lugar: Vitamina Workroom
Dirección: C/ Victoria, 50 Málaga
Inauguración: viernes 20 de noviembre. Hora: 18:00
Fechas: del 20 de noviembre al 11 de enero 2021

En esta muestra con un título tan sugerente se recoge parte del trabajo personal que ha realizado la artista Isa Nieto en el último año. Lo íntimo, lo cotidiano, sean objetos personales o gente de su barrio, se convierten en los protagonistas de estas ilustraciones que muestran la trivialidad de su universo cotidiano. Tal como le gusta afirmar a la propia artista, ella pinta cosas que le representan y que no quiere olvidar. El título «Hule» es algo que nos recuerda al hogar y nos lleva a un mundo íntimo y subjetivo. Hule es el elemento común que conecta la mayoría de las ilustraciones que podrás ver en esta exposición.

Paloma-penarrubia

 ACTUACIÓN: BROMO. 

 

BROMO UN PROYECO AUDIOVSUAL JUNTTO A AZAEL FERRER. SU NUEVO ALBUM no signal, …....

 

 

 

 

 

 

 

Moments Festival: www.momentsfestival.org

 

Rosa Pérez    9.oct.2020 09:11    

S8 MOSTRA DE CINEMA PERIFERICO, Coruña

    sábado 3.oct.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 05.10.20

 



Programa integramente dedicado a la Mostra realizado desde A Coruña.

S8-Mostra-de-Cinema-Periferico-2020-696x493

 

Hablamos con Angel Rueda, el director de la Mostra, con Adrian Canoura, Area Erina, Valentina  Alvarado y Carlos Vásquez, Antón Reixa, Tono Mejuto y Rocio Mesa.

 

www.s8cinema.com

 

Rosa Pérez    3.oct.2020 13:02    

Del todo Imposible

    viernes 18.sep.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 21.09.20

 



 

PORTADA: FLICA. 1 ENTRANCE TO THE WOODS.

La música de Flica describe paisajes solitarios, a base de molodías susurrantes y donde la experimentación sirve para crear ambientes intimos llenos de intensidad.

Flica

Proveniente de la escena electrónica de Kuala Lumpur, Euseng Seto alias Flica comenzó en 2007 modificando los sonidos electrónicos y acústicos. Lanzó su primer álbum, "Windwane & Window", cuyas melodías fáciles de escuchar abrieron los corazones de las audiencias asiáticas. Sobre la base de este éxito, firmó con Schole, el sello de Tokio del compositor Akira Kosemura. Poco a poco, el artista se alejó de las melodías diluidas de los primeros días, incorporando atmósferas y texturas ambientales más oscuras en sus álbumes “Nocturnal” (2008) y “Telepathy Dreams” (2009). El lanzamiento de “Weekendary” (2013) y sus giras por China y Japón son una oportunidad para estructurar sus espectáculos. Inicia una colaboración con el camarógrafo Fairuz Sulaiman y el bajista Kent Lee acentuando el ritmo embriagador de sus composiciones y ofreciendo una auténtica inmersión sonora y visual. Para sus 10 años de actividad, Flica publica su álbum “Sub: side” en el sello Schole en febrero de 2018. Tanto una síntesis de sus trabajos anteriores como un nuevo paso adelante, “Sub: side” ofrece una electrónica / ambient experimental empapado en la cultura asiática y destinado a ser más íntimo.

"Tapsskog", su nuevo EP de 4 pistas, también mezcla sutilmente texturas electrónicas / ambientales e instrumentos acústicos, con un toque neoclásico, evocando las obras de Boards of Canada o Hakura Nakamura.

September 25th, 2020 Release.

 

MUSICA: BROMO. GOLDEN RACE. No Signal.

Captura de pantalla 2020-09-18 a las 16.54.21

Entrevista Jon Uriarte, comisario de GETXOPHOTO 2020.

Organizado e impulsado por Begihandi Kultur Elkartea, GETXOPHOTO Festival Internacional de Imagen tiene lugar en Getxo (País Vasco) desde hace 13 años. Sus objetivos principales siguen siendo los mismos desde su inicio: proponer un diálogo sobre temas de actualidad y de interés general que nos afectan como ciudadanos, recuperar espacios urbanos para usos culturales o apostar por la exploración de formatos, soportes y espacios expositivos no convencionales con una rigurosa programación.

En los últimos 13 años, más de 250 artistas de renombre como Martin Parr, Nadav Kander, Naomi Harris, Phil Toledano, Marcos López, Ricardo Cases, Wang Qinsong, Alessandra Sanguinetti, Roger Ballen, Cristina de Middel, Vincent Fournier, Boushra Almutawakel, Pieter Hugo, Jacques-Henri Lartigue, Paul Fusco, Zanele Muholi, Simon Norfolk, Erik Kessels o Juno Calypso, entre otros, han participado en el Festival.

La 14 edición de GETXOPHOTO se celebrará del 3–27 Septiembre. Será una edición diferente por razones obvias. El impacto de Covid-19 ha sido enorme y todavía no alcanzamos a divisar la recesión que se avecina. En ese sentido, el Festival intenta responder a esta “nueva” situación presentando su edición más participativa, más callejera y, al mismo tiempo, más digital.

 

Como es habitual, la programación está estructurada en dos grandes áreas: exposiciones y actividades, a las que este año, como novedad, se suma un programa online. En lo que se refiere a las exposiciones, GETXOPHOTO se vuelca más que nunca en la utilización del espacio público y ha programado casi todas ellas en la calle, al aire libre, en el eje que va desde la playa de Ereaga al Puerto Viejo, así como en el centro de Algorta. En esta edición se suman nuevos espacios a utilizar como la fachada de la oficina de Correos o la de una sede municipal de la calle Urgull. Serán una veintena de exhibiciones que girarán en torno al tema de esta edición: A la calle!

GETTXO1

El Festival se configura como una plataforma que alberga exposiciones, un open call internacional que abre las puertas a artistas de todas partes del mundo, los laboratorios que forman parte del programa de educación, el programa digital, las colaboraciones con agentes culturales e instituciones que permiten fortalecer el ecosistema cultural, los encuentros como un espacio compartido para la reflexión sobre las imágenes y la profesión o las actividades diversas como parte del programa participativo.

GETXOPHOTO también aspira a ser un festival más híbrido, en el que además de acoger fotografía también tengan cabida el vídeo, la instalación, el cine, realidad virtual o arte digital. Y también quiere a ser un festival más sostenible. Una reflexión interna nos ha llevado a elaborar un plan de sostenibilidad que nos conducirá a reducir el impacto medioambiental que se pueda generar. En este sentido el Gobierno Vasco ha otorgado a GETXOPHOTO el sello Erronka Garbia, reconociéndolo como festival sostenible.

www.getxophoto.com

 

MUSICA: GAECIA. SILENTE

 

MUSICA.: KINGLMAN. DREM HOUSE

Bgw logo2020

Del 17 al 20 de septiembre Barcelona Gallery Weekend celebrará su sexta edición, sumándose al calendrio de eventos internacionales del mundo del arte. Ideado y promovido por Art Barcelona (Abe), Associació de Galeries d’Art Contemporani, que este año celebra 30 años de trayectoria, y con la complicidad del Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, Barcelona Gallery Weekend inaugurará la temporada expositiva con 28 galerías participantes y presentando a más de 60 artistas.

Barcelona Gallery Weekend defiende el trabajo de las galerías de arte como imprescindible para la buena salud de la escena cultural y este año, en que la supervivencia del sistema artístico se ve amenazada, el evento subraya la importancia de las galerías como lugares de libre acceso para el público que, con sus programaciones, contribuyen al sostén y el crecimiento del arte y la cultura. Su papel como pioneras en el descubrimiento de nuevos talentos y en el apoyo a la producción las hace pilar fundamental del ecosistema artístico, como espacios de experimentación y generadoras de conocimiento. En el gran organismo cultural, las galerías son las neuronas que conectan a artistas, coleccionistas, público e instituciones.

Ante la dramática crisis causada por la Covid-19, la programación de Barcelona Gallery Weekend 2020 se concentrará exclusivamente en las exposiciones y actividades organizadas en las 28 galerías participantes. En un contexto en que la globalización ha revelado sus puntos débiles, el formato BGW, que rehuye las concentraciones masivas en pabellones feriales y pone en valor la personalidad de cada galería, apunta a una revisión de las relaciones entre espacio expositivo y su público, favorece el diálogo pausado y facilita las medidas de control sanitario.



Bombon Projects presenta a una de las jóvenes realidades de la creación, Anna Dot. La galería está interesada en las prácticas artísticas locales e internacionales que reflejan una sensibilidad contemporánea social y emocional, así como en la reivindicación de artistas de generaciones anteriores. Esto se traduce en el programa de exposiciones, donde se ha combinado el trabajo de artistas jóvenes con figuras históricas. El programa incluye exposiciones en el espacio de la galería, proyectos deslocalizados y ferias.

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Artista: Anna Dot

 

MUSICA: BORIS DIVIDER. DCOM016

 

L.E.V. Matadero regresa con la mejor electrónica visual, experiencias inmersivas y un viaje a un nuevo entorno virtual

  

  • Por segundo año consecutivo, Matadero Madrid organiza el Festival de Electrónica Visual y Experiencias Inmersivas L.E.V. Matadero, una cita clave que trae a Madrid la vanguardia de la experimentación en el ámbito de la creación audiovisual, la música electrónica y el uso de herramientas digitales

  • El festival propone experiencias únicas de realidad virtual, realidad aumentada, ficciones interactivas y nuevos entornos digitales, muchas de ellas de nueva creación

  • El festival desborda el recinto de Matadero para aterrizar en otros espacios públicos de la ciudad y en un planeta virtual, un nuevo entorno online de programación y creación

  • Participarán en esta edición artistas como Laurie Anderson, Hsin-Chien Huang y Claudia Maté. También se presentará el primer proyecto de realidad virtual del director de cine Darren Aronofski junto a Eliza McNitt y trabajos relacionados con grandes nombres de la creación sonora internacional como Biosphere, Sigur Ros y Matthew Herbert.

 

MUSICA: ANA STEREOPOULOU. REBUILING PLANO.

 

ENT. CHRISTIAN FERNÁNDEZ

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EXPOSICIÓN: Del todo imposible podrá visitarse en la Sala de Arte Joven hasta el 1 de noviembre

 

La muestra se centra en los límites del arte joven y sus agentes, así como en la imposibilidad de la memoria Se trata de uno de los proyectos ganadores de la convocatoria Se busca comisario de 2019

La Comunidad de Madrid inaugura hoy en la Sala de Arte Joven la exposición Del todo imposible, uno de los proyectos ganadores de la XI edición de la convocatoria Se busca comisario, que apuesta por nuevos modelos curatoriales, facilitando el acceso al mundo profesional de jóvenes comisarios. La muestra podrá visitarse hasta el 1 de noviembre, con entrada gratuita.

Esta exposición, comisariada por Christian Fernández Mirón, se pregunta si en un espacio expositivo dedicado a lo fugaz -como es la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid- puede haber capacidad de memoria, de recopilar las historias que ha albergado y alberga, y plantea un ejercicio de reflexión crítica e imaginación. Del todo imposible explora estas ideas desde la mediación, el comisariado y la creación, a través de intervenciones artísticas, casi todas ellas inéditas, sobre los límites y las posibilidades de este espacio expositivo. Una especie de anecdotario artístico de los casi 30 años de historia que esta sala lleva desarrollando su actividad

Las intervenciones y el programa de actividades surgen de colaboraciones propuestas por el comisario con diez agentes y colectivos de diferentes generaciones: Miriam Fernández Lara, Jordi Ferreiro, Mateo Maté, Clara Moreno Cela, Desmusea, GVIIIE, Onyx, Antonia Viau, Miguel Ángel Rebollo y AMECUM (Asociación de Mediadoras Culturales de Madrid). Algunos de ellos ya han pasado por la Sala de Arte Joven, a través de sus distintos programas, y en momentos diferentes de su historia, constatando así el carácter abierto y celebratorio del arte madrileño.

Todos ellos, además del comisario, forman parte de un nutrido programa de actividades, paralelo a la exposición, que incluye encuentros con artistas, performances, grupos de aprendizaje y lectura, conversaciones con especialistas e incluso una residencia de plantas en la que pueden participar los diferentes públicos.

 

Asimismo, la exposición contará con un catálogo con intervenciones de Almacén de análisis / Gregorio Apesteguía, que incluirá también conversaciones entre el comisario y todos los artistas y agentes participantes en el proyecto.

En definitiva, Del todo imposible incluye un conjunto de voces heterogéneo, que configura una panorámica coral sobre los límites del llamado arte joven, la (im)posibilidad de la memoria y los viajes en el tiempo, situada desde y sobre la trayectoria pasada, presente y futura de la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. Toda la información puede consultarse en www.comunidad.madrid/actividades/2019/exposicion-todo-imposible.

SE BUSCA COMISARIO Y EL APOYO AL ARTE EMERGENTE

La convocatoria Se busca comisario es una iniciativa de la Comunidad de Madrid que apuesta por el desarrollo de nuevos modelos curatoriales que den visibilidad a la creación emergente y faciliten el acceso al mundo profesional de los jóvenes comisarios. Tiene como finalidad la selección de dos propuestas expositivas elaboradas por jóvenes comisarios independientes para desarrollar en un semestre de la Sala de Arte Joven. Desde su inicio en 2009, 18 comisarios y un centenar de artistas se han visto beneficiados de esta propuesta, favoreciendo su incorporación a circuitos artísticos profesionales.

Se busca comisario forma parte del programa de ayudas y becas a las artes visuales emergentes de la Consejería de Cultura y Turismo del Gobierno regional. Una línea prioritaria de trabajo que se materializa en el fomento de la movilidad, formación y acceso al mundo profesional de jóvenes artistas y comisarios, que incluye también las becas de residencia en el extranjero o la convocatoria de Circuitos de Artes Plásticas.

MUSICA: BIOSPHERE.THE THIRD PLANET

MUSICA. CIRCLE SQUARE.

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Ent. Jorge Fernández León.

 

Facyl 2020

FACYL da a conocer parte de la programación online del festival, que se celebra del 22 al 26 de septiembre en Salamanca y en la red. De momento anuncia las 'Conversaciones sobre la cultura', un programa de diálogos con grandes artistas y representantes de la cultura internacional y nacional.

Destacan en este bloque nombres de creadores internacionales como Laurie Anderson, Meredith Monk, Steve Reich, Milo Rau o Thomas Ostermeier, así como representantes de la cultura y el arte como Concha Jerez, Germán Rey o Klaus Obermaier, entre muchos otros.

Por primera vez FACYL compaginará las intervenciones en internet con actuaciones presenciales en Salamanca, que se dará a conocer en los próximos días siguiendo las recomendaciones sanitarias necesarias para seguir impulsando la cultura en un entorno seguro. El festival está organizado por la Consejería de Cultura de la Junta de Castilla y León y cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Salamanca, la Diputación de Salamanca y la Universidad de Salamanca.

www.facyl.com

 

MUSICA. STEVE REICH. NEW YORK COUNTERPONT.

 

CONTRAPORTADA. FLICA. RIDING GRIFFIN

 

 

Rosa Pérez   18.sep.2020 17:11    

Más allá de lo humano.

    jueves 10.sep.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 14.09.20

 



 

PORTADA: HARMONIOUS THELONIOUS. Höhlenmenschenmuziek DEL ÁLBUM PLONG.

HARMONIOUSTHELONIOUS

Harmonious Thelonious es el proyecto en solitario del música de Düsseldorf Stefan Schwander. Su trabajo combina las influencias minimalistas de la música americana, con ritmos africanos y meolidas europeas.

Se trata de un híbrido en su extensa discografía en la que ha venido combinando experimentación y aventura, aquí además incorpora percusiones rituales , un bajo poderoso que va catalizando tod el álbum, ritmos hipnóticos y melodias bailables.

Garnibuiys Thelonious vuelve con un disco excepcional en el que muestra su gran trabajo dentro de la música electrónica en el que explora el draatisco de los sonidos del mundo generando una experiencia intensiva en cada escucha.

 

MUSICA: SUSTAINER. ANTICUARIO

 

ARENAS MOVEDIZAS./LEV GIJÓN

Arenas

¡Del 10 al 13 de septiembre llega la 19 edición de Arenas Movedizas!… en la que seguimos apostando por la investigación sobre nuevos formatos y técnicas de creación artística, relacionados con los entornos digitales, la realidad virtual y las nuevas narrativas.



ATLAS es una original experiencia de realidad expandida (una mezcla de Realidad Virtual y Aumentada), donde los artistas Yann Deval y Marie-g Losseau nos invitan a descubrir y visitar ciudades virtuales. Una reflexión sobre la influencia que tienen el urbanismo y la arquitectura en nuestro modo de vida. 



El colectivo La Maison Tangible presenta Midi Minuit, una exposición de ilustraciones animadas mediante técnicas de Realidad Aumentada, que podremos disfrutar a través de nuestros dispositivos móviles en una serie de mupis situados en varios puntos de la ciudad, creando un itinerario. Para disfrutar de esta actividad es necesario descargarse la aplicación gratuita Mainson Tangible AR a la que se puede acceder de manera directa través de un código QR visible en los Mupis.            

IOS: https://apple.co/3k5AMPa  Android: https://bit.ly/2PlBbPf

El circuito de Mupis y la aplicación estarán activos del 1 al 20 de septiembre.

La ilustradora asturiana Paula Fernández, más conocida como Dudelsea, participa en esta edición de Arenas Movedizas con su obra En el Jardín, una intervención gráfica alojada en la Sala de Estudios de la Oficina de Juventud que aborda el tema de la diversidad de género y la convivencia.

En colaboración con el Foro Cultural de Austria podremos disfrutar de dos de los cortos de animación destacados en la edición 2019 de Ars Electronica:  Strings de Ruini Shi y Seoul City Machine de Liam Young

Y, por último, una sesión de VR Cinema en Laboral Ciudad de la Cultura con Ghost in the Shell: Virtual Reality Diver de Hiroaki Higashi, una versión en Realidad Virtual de la película de animación Ghost in the Shell, referencia obligada del cyberpunk y el cine de animación japonés de los años 90.

Todo esto acompañado de la impactante imagen con la que Pasajero37 ilustra esta nueva edición.

Todas las actividades se concentran en la Escuela de Comercio, en la sede de la Oficina de Juventud, en la Antigua Cocina de Laboral Ciudad de la Cultura y en un circuito de mupis por la zona centro de Gijón.

*Todas las actividades son gratuitas. 

http://juventud.gijon.es/          https://arenasmovedizas.org/ 

 

MUSICA: LUCRECIA DALT. DISUELTA

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En los próximos días, el 18 y 19 de septiembre, tendrá lugar la cuarta edición de Archipiélago 2020. Este ciclo de conciertos dedicado a abordar lo experimental desde otras geografías y narrativas se celebrará este año íntegramente a cielo abierto, en el jardín del edificio Sabatini del Museo Reina Sofía.

Dadas las circunstancias, la programación no incluye propuestas orientadas al baile como en ocasiones anteriores, y en su lugar ofrece sesiones de escucha comentadas, actuaciones pensadas específicamente para el espacio y conciertos cuadrafónicos. Todo ello con el objetivo de proponer, en un entorno seguro para la audiencia, una serie de experiencias tan interesantes como intensas, donde el público pueda reencontrarse con la posibilidad de experimentar la fisicidad del sonido en directo.

Este año la edición cuenta con la participación de cinco artistas nacionales e internacionales: Lucrecia Dalt, Tarta Relena, Jokkoo (Mbodj & Baba Sy), Jessica Ekomane y Che-ree-lee.

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR. TOU NIKOU VORIA TRIP MIX.

ENT. XAVIER MONSALVATJE. 

 

 

STAYATHOME2

Presentamos la serigrafía "Stay at Home / Quédate en casa" que Contemporánea acaba de editar. 

La obra -edición limitada a 150 ejemplares firmados y numerados- ha sido realizada por el gran Xavier Monsalvatje y es un tondo de 30,48 x 30,48 cm, es decir, un 12 pulgadas, mismo tamaño que un LP. 

Toda una memoria artística de la Pandemia que aún seguimos sufriendo. 

Precio: 60 € incluídos gastos de envío, solo hasta el 15 de septiembre. 

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La irrupción de la pandemia provocada por el virus COVID 19 nos ha llevado a un estado de alarma y, consecuentemente, a un confinamiento inéditos. Confinados en diferentes fases desde el 15 de marzo hasta el 28 de abril, todo finalizó cuando el fin del estado de alarma se anunció el pasado 21 de junio de 2020. 

 

El artista valenciano Xavier Monsalvatje (Valencia, 1965), conocido por sus cerámicas, dibujos y pinturas, desarrolla un lenguaje propio en el que la crítica social, la degradación ambiental, la ciudad o la representación de los poderes de control son temáticas fundamentales. Durante el confinamiento, el artista folcalizó su trabajo en una serie de obras destinadas a convertirse en piezas conmemorativas de este estado excepcional vivido y que a nadie le gustaría repetir.

 

Entre ellas está la obra “Quédate en casa / Stay at home”; homónima de esa orden sonora que todos hemos obedecido para el bien común y derrotar al virus. Ahora convertida en algo físico, en un objeto artístico, y en una imagen de ese momento histórico que hemos vivido durante casi 100 días. La orden-mantra que se transmitía vía megáfono de calle a calle, de casa a casa, de balcón a balcón y que llegaba a todos los rincones del país. La casa como el mejor y más sano refugio de cada uno de nosotros. Paredes que ahora lucirán mejor con este tondo de Monsalvatje de 12 pulgadas de diámetro con el recuerdo de todo lo vivido, lo pasado desvivido.

www.contemporanea.org

MÚSICA: TARTA RELENA. Infant qui nascitur

 

MÚSICA: CHANELL COLLEN. CRAWL

 

ENT. MANUEL FRANQUELO. 

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El próximo 10 de septiembre, con motivo de Apertura Madrid Gallery Weekend, el artista Manuel Franquelo-Giner presenta su tercera exposición individual en Twin Gallery, “Más allá de lo humano. La muestra está compuesta por seis obras inéditas y supone una temprana aproximación estética a los estudios críticos animales en España, un campo teórico reciente centrado en abordar lo animal desde una perspectiva crítica y analítica.

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La exposición cierra seis años de su singular investigación acerca del animal no-humano en el contexto de la producción capitalista y abre su trabajo a las posibilidades estéticas que puedan contribuir al pensamiento de los estudios críticos animales. El artista ha escogido seis publicaciones filosóficas que, individualmente, guardan una correlación directa con cada una de las obras dispuestas en la exposición. La primera obra aborda una publicación de la filósofa Katerina Kolozova titulada “El holocausto capitalista de los animales, una crítica no-marxista al capital, la filosofía y el patriarcado”, señalando el parentesco entre la capitalización de los aparatos reproductivos femeninos y el modo en el que la industria láctea entiende los cuerpos; la segunda obra parte del libro “Una incursión al interior de los mundos animales y humanos” del biólogo y filósofo Jakob von Ueküll y de un texto intervenido de Carver, aminorando el protagonismo que otorgamos a las formas en las que se nos aparece el mundo; la tercera obra parte de “Los conceptos fundamentales de la metafísica” de Heidegger, donde el artista se pregunta por el significado del animal no humano a lo largo del espacio que ocupan sus interlineados; en la cuarta obra, Franquelo-Giner interviene una edición de “El Timeo en Platón” para especular sobre el momento en el que el cosmos pasó de saberse místico, desordenado y cíclico, a adquirir un orden simbólico descendente respecto del ser humano; la quinta obra, inspirada en la publicación de la filósofa Rosi Braidotti “Por una política afirmativa”, explora la posibilidad de abordar lo protésico más allá del contexto habitual de los cuerpos; y, por último, la sexta obra materializa los efectos morales que propició “El discurso del método” de Descartes en la literatura de los estudios críticos animales. El conjunto de obras aquí propuestas, cuya producción se mueve entre el vídeo, el fresado en tres dimensiones, la pintura o el grabado, piensa sobre la animalidad, así como sobre los lugares en que habita, como una de las numerosas construcciones sociales que han persistido entre los grandes intereses de dominación de la tradición cultural del Hombre.

La muestra nos empuja, al fin y al cabo, a aproximarnos hacia otro lugar desconocido, más permeable; y, en el mejor de los casos, hacia un futuro en el que entregarnos a los encuentros que se dan en los siempre imprecisos límites de la especie. Una exposición cuyas obras pudieran regresan para pensar acerca del pasado, pero también para abrir un futuro en el que redirigir nuestros afectos y, por qué no, nuestra imaginación, hacia un orden de las cosas donde los seres y los lugares donde habitan sean nuevamente considerados.

BIOGRAFÍA

Manuel Franquelo-Giner, Madrid, 1990, vive y trabaja en Madrid. Estudió Bellas Artes en la UCM y actualmente colabora con Factum Arte. Representado por Twin Gallery, ha participado en ferias de arte contemporáneo a nivel nacional e internacional como ARCO, Estampa, Photobasel, ArtLima o Forosur, así como en distintas exposiciones en instituciones públicas como el CSIC, Conde Duque y el Centro de Arte Alcobendas en Madrid, o el Centre del Carme en Valencia. Su obra está presente en distintas colecciones privadas internacionales y nacionales como DKV, Kells, Pilar Citoler o Josep María Civit, entre otros. También tiene representación en museos o centros de arte contemporáneo nacionales, tales como el CAC de Málaga o el Centro de Arte Alcobendas en Madrid. Ha sido premiado con becas como el VII Encontro de Artistas Novos organizado por Rafael Doctor y ha colaborado con críticos, comisarios y filósofos para escribir ensayos en relación a su obra artística.

 

MÚSICA: JOKKOO. 2624.

 

MUSICA: JUAN NO SE QUE. ELIPTIC ORBIT

ENT. PROYECTOR. MARIO GUTIERREZ CRU.

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PROYECTOR

Nos enfrentamos a la edición más compleja. Tras la doce años trabajando para que el videoarte esté presente en la escena contemporánea, PROYECTOR´20 Festival de Videoartetendrá lugar del 9 al 20 septiembre 2020, presente en una docena de espacios repartidos por toda la ciudad de Madrid. 

Todas nuestras actividades, eventos, inauguraciones y presentaciones se retransmitirán online en las plataformas con las que contamos, así como a posteriori se elaborará un gran archivo que quedará disponible tanto online, como en papel.

Son un gran placer los retos que nos llevan a hacer propuestas en salas tan variadas como son las institucionales, las museísticas, las galerías privadas, los espacios independientes, los antiguos cines porno y sobretodo el uso del espacio público. Las fachadas de edificios como el Medialab Prado y las proyecciones en ¡ésta es una PLAZA! que nos permiten generar vínculos con el entorno natural más cercano, promoviendo y apoyando los proyectos sociales y colectivos.

Nuestro festival tiene como elemento diferenciador tratar de mostrar las obras de los artistas con las características que nos solicitan los mismos, lo cual siempre nos lleva a darle una gran importancia a la relación de la obra con el espacio que la acoge y en relación con el propio espectador. Disfrutamos con las videoinstalaciones multipantalla, las obras inmersivas, las que precisan del espectador para ser activadas. 

Siempre hemos querido ser un festival multisede, descentralizado, que llegue a diferentes públicos, a amantes del videoarte y a posibles nuevos apasionados, que año tras año nos acompañan y comparten con nosotros 12 días de programación realmente intensa. Unos 13 eventos repartidos en 13 sedes que acogerán una extensa selección de piezas del mejor videoarte contemporáneo nacional e internacional con la máxima tecnología actual. Además de las sedes ya mencionadas, es siempre un placer contar con nuevas incorporaciones, como es este año White Lab y Division of Labour / Galería Nueva. También destacamos nuevamente espacios que nos permiten desarrollar obras nuevas, intervenciones y videoinstalaciones site specific como son El Instante Fundación y Extensión AVAM, y otros de los que estamos muy orgullosos, y que continúan apostando por dar visibilidad a un festival de imagen en movimiento como es PROYECTOR: gratuito, internacional y de una calidad indiscutible. Estas sedes son: Cruce, Institut Français de Madrid, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala El Águila y Secuencia de Inútiles.

La programación, un año más, está compuesta por casi un centenar de obras de diversas tipologías: videoarte experimental, videoinstalaciones monocanal y multicanal, piezas interactivas y obra nueva creada site specific en exclusiva para el festival. Los vídeos han sido producidos por artistas, bien seleccionados por un jurado especializado mediante convocatoria, bien invitados internacionales seleccionados por el festival, así como comisariados desarrollados por directores de festivales, bienales, museos o proyectos independientes que nos presentarán una selección de obras. En los últimos años hemos querido ampliar nuestro ya conocido territorio europeo y latinoamericano para acercarnos a mundos más desconocidos, como hicimos el año pasado con Sudeste Asiático, y con Oriente Próximo éste. Además queremos destacar que son prácticamente todo mujeres las que están al frente de los comisariados y proyectos más potentes de estos países. Tendremos la gran oportunidad de conocerlas personalmente, pues estarán por partida doble para mostrar estas selecciones, y para participar en los encuentros profesionales presenciales y online. Encuentros que nos abren las puertas a entender las problemáticas de cada una de sus propuestas. Tampoco nos olvidamos de dar la voz a los propios creadores con los encuentros de artistas, que serán junto a los talleres y encuentros de agentes culturales piezas imprescindibles de nuestro festival.

Como sabéis no queremos centrarnos en una única temática anual, pues cerraría muchas puertas a tantísimos creadores; por ello creamos muestras para cada sede, con temáticas siempre variadas. Este año son: “A vuelta con los relatos. Feminismo, feminismos y otras sumas”, “La manipulación del paisaje”, “Realidades locales, problemáticas globales”, “El cuerpo sonoro”, “¡A Dios pongo por testigo…!”, “Arquitecturas de ficción”…. Estas temáticas nos ayudan a definir las coyunturas de nuestra sociedad, desde un punto de vista político y social, pero sin descuidar la reflexión, la ironía y experimentación que nos caracteriza.

Destacamos la colaboración de asociaciones, galerías, fundaciones, la Colección del Museo Centro de Arte Reina Sofía y la Colección Teresa Sapey.

A pesar del distanciamiento que nos obligará esta nueva edición y de las novedades que todavía ni somos capaces de imaginar, seguimos esperando una amplia física y virtual con la apuesta por lo online.

Recordemos que el videoarte nació con rabia, como crítica a los medios, al mercado, a una sociedad pasiva que solo tenía como única verdad el televisor y lo que de él nos querían vender. Hoy más que nunca creemos que los artistas deben ser las piezas claves que hagan preguntas, que nos abran posibilidades que hasta ahora ni éramos capaces de imaginar.

MUSICA: JESSICA EKOMANE. NEVER OD OR EVEN-

 

CONTRAPORTADA: HARMONIOUS THELONIOUS GEISTERTRIO BOOKING.

Rosa Pérez   10.sep.2020 12:50    

CONCÉNTRICO 06

    viernes 4.sep.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 07.09.20

 

 



PORTADA: BROMO. COPUOS. NO SIGNAL

Cover

Presentamos No signal, el esperado nuevo disco de BROMO; combo formado por Paloma Peñarrubia en la composición musical y conceptual y Azael Ferrer en el desarrollo visual y de iluminación.
El pasado 27 de Julio adelantamos la edición digital de No signal y recibiremos el otoño con la apuesta de Paloma por la edición física en vinilo 12".

Si Traces of erosion (Oigovisiones Label, 2017) tomaba como punto de partida las migraciones, con No Signal, BROMO apuntan al Espacio Común en contraposición al Espacio Cósmico; basándose en investigaciones y estudios de distintas Agencias Aeroespaciales que disciernen en torno a la colonización, explotación y militarización.

Paloma ha empleado dos años en completar No signal y en el disco se aprecia el crecimiento exponencial de su experiencia compositiva. El diseño de sonido es más completo y coomplejo, además de haber ganado en el impacto conceptual y visual de este nuevo disco junto al otro cincuenta por ciento de Bromo, Azael Ferrer. .

Concentrico logo

Proponemos un viaje a través de Concentrico 06, el festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño. 14 propuestas dispersas por la ciudad que nos invitan a reflexionar sobre los espacios públicos y privados, así como un nuevo concepto de ciudad. Visitamos las piezas de la mano de Javier Peña, director de Concéntrico junto a los artistas y arquitectos participantes. 

Arquitecturas para reactivar la ciudad

Concentrico2


Uno de los ámbitos de trabajo de Concéntrico es explorar el potencial infrautilizado de los espacios urbanos vacíos y plantear funciones alternativas. En la sexta edición, tres de las instalaciones proponen esta estrategia desde enfoques muy diferentes: Circo aéreo de KOGAA en un aparcamiento del Centro Histórico de la ciudad, Across Boundaries de Taneli Mansikkamäki (AGO) en un límite entre propiedad pública y propiedad privada, Hex · pansiva de Escuela de Arquitectura de Toledo en un patio de una biblioteca.

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Toda la información en : www.concentrico.es

CONTRAPORTADA: BROMO. GOLDEN RACE. NO SIGNAL

Rosa Pérez    4.sep.2020 13:00    

Ejercicio de Memoria

    jueves 6.ago.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.08.20

 

 

PORTADA: SUSANA LOPEZ. 01. LUZ NEGRA

SUSANALOPEZ

el próximo 14 de agosto se publica el nuevo álbum Crónica de un secuestro, de Susana López, conocida también como Susan Drone. Y lo hace en el sello Elevator Bath de Austin, Texas. Un sello referente en la música experimental desde los noventa pues también ha publicado a grandes artistas como Masami Akita, Matt Shoemaker, Jim Haynes, Thomas Bey William Bailey o Rick Reed.

 

Estas composiciones fueron creadas durante el confinamiento por COVID-19, entre marzo y abril de 2020 en Murcia, España. 
Crónica de un secuestro es un álbum creado buscando la espiritualidad a través de diferentes manifestaciones artísticas como la literatura sufí de Ibn Arabí (místico sufí), las tradiciones secretas en el arte o las leyendas del folklore nórdico. La creación artística como forma de manifestación espiritual y de libertad.

 

CRÓNICA DE UN SECUESTRO
Se publica el 14 agosto de 2020 por Elevator Bath, Austin, Texas
Compuesto, grabado y editado por Susana López aka Susan Drone
Masterizado por James Eck Rippie
Fotos y diseño gráfico de Susana López

 

 

MUSICA: BRUCE BRUBAKER & MAX COOPER. 11. OPENING

 

ENT. CONCHA JEREZ

Concha jerez

Desde el 28 de julio, se presenta en el Museo Reina Sofía la exposición Que nos roban la memoria, de la artista Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941).

En ella, la ganadora del Premio Velázquez de artes plásticas 2017 recupera y revisa su trabajo desde los años setenta hasta la actualidad con el concepto de la memoria como eje principal. Además, y por primera vez en el Museo, en esta muestra, se utilizan las cuatro escaleras del edificio Sabatini como soporte para sendas intervenciones específicas creadas para la ocasión.

 

MUSICA: VVAA. ER030. SYNTH ALLIEN. A PENA.

MUSICA: GAECIA. UTOPIA

ENT. ZORAYA GHANEM

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Summer Tracks WEB

 

La I edición del Summer Show de Programa Taide reúne las obras de un conjunto de artistas procedentes de diversos puntos del planeta: Alemania, España, Japón, Reino Unido y República Checa.

Con esta iniciativa, en la que los artistas acompañan sus obras con “tracks” musicales, continuamos con nuestra misión de impulsar el trabajo de artistas jóvenes y emergentes a nivel internacional en un momento en el cual el apoyo al arte es más necesario que nunca.

Summer Tracks

Una iniciativa de @programataide

Obras disponibles para su adquisición por parte del público desde las 12:00 pm del 22 de julio de 2020 hasta el 6 de septiembre de 2020 a las 23:00 en https://programataide.com/summer-tracks/ 

Artistas participantes en la campaña de venta confirmados hasta la fecha:

Lía Ateca (1991), española residente en Madrid (España)
Lucie Jirků (1981), checa residente en Praga (República Checa)
Jonipunto (1981), español residente en Sevilla (España)
Simay Keles (1988), alemana residente en Hamburgo (Alemania) 
Magdalena Maatkare (1988), alemana residente en Langenargen (Alemania) 
Kotaro Machiyama (1980), japonés residente en Tokyo (Japón)
Pau Masana (1988), español residente en Madrid (España), Patricia de Norverto (1995), española residente en Madrid (España)
Sam Smyth (1991), británico residente en Norfolk (Reino Unido)
Manon Steyaert (1996), francesa residente en Londres (Reino Unido)
Özlem Thompson (1983), turca residente en Londres (Reino Unido)

 

Sobre Programa Taide

Fundada en 2018, Programa Taide es una plataforma de gestión cultural y producción artística dedicada a promover e impulsar el trabajo y el potencial creativo de artistas visuales mediante un programa que les proporciona mecanismos de exposición y difusión de su obra.

Fundadores: Zo Ghanem y José Luis Guijarro

MUSICA. CHANELL COLLEN EP. CRAWL.

 

MUSICA: IURY LECH. ONTONANOLOGY ET BANALITÉ.

Ontonanology

Presentación Iury Lech.

MUSICA: IURY LECH. DILAPIDATED ELLIPSIS.

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR.04 TOU MIKROU VORIÁ.

ENT. JAVIER AYARZ Y DELSO.

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ESPACIO NEXO990 ABRE SU SEGUNDA TEMPORADA CON “TIERRA, AGUA, FUEGO”, UNA MIRADA PANORÁMICA A LA VIGENCIA DEL BARRO COMO MATERIAL PARA LA CREACIÓN CONTEMPORÁNEA

-       La muestra reúne obras de 18 artistas con muy diversas tipologías de trabajo, tanto en el orden plástico como en el conceptual

-       La apertura, inicialmente prevista para el 15 de marzo, quedó aplazada por el estado de alarma. Se ha organizado un sistema de visitas con aforo reducido y medidas de seguridad siguiendo las recomendaciones sanitarias .

La exposición “Tierra, agua, fuego” protagoniza la segunda temporada en espacio Nexo990, un proyecto que ocupará desde el 10 de julio hasta el 18 de octubre las dos salas y el exterior de las instalaciones, con la participación de un total de 18 artistas. La muestra ha sido coordinada por el colectivo Néxodos y el Museo de Cerámica de Aranda de Duero, en colaboración con el Ayuntamiento de Monzón de Campos y la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León. La apertura, inicialmente prevista para el 15 de marzo, quedó aplazada por la pandemia del coronavirus. Una vez finalizado el estado de alarma, se ha organizado un sistema de visitas con aforo reducido, con las medidas de seguridad que recomiendan las autoridades sanitarias.

El hilo conductor de la propuesta es la utilización de la tierra y el barro como material para la creación contemporánea. La exposición formula una mirada panorámica sobre la vigencia de esta materia prima en la práctica artística de nuestro tiempo, con muy diversas tipologías de trabajo tanto en el orden plástico como en el conceptual.

De esta forma, en una comunidad donde tanta importancia tuvo la alfarería como industria artesana —hoy en vías de extinción— hasta la década de los setenta del pasado siglo, se plantea una aproximación coral a un elemento que forma parte esencial de la identidad etnográfica, económica y cultural de nuestro medio rural, desde diferentes lenguajes, técnicas y disciplinas contemporáneas. Tal y como señala Julián Valle en el texto de la hoja de sala que acompaña la exposición “estamos en la tierra adentro, en la profundidad del orbe, en su fondo más luminoso”.

El proyecto responde a tres de las principales líneas de trabajo del colectivo Néxodos y, de forma singular, en el espacio Nexo990:

Relación con el territorio. El espacio Nexo990 está ubicado en el antiguo matadero municipal de Monzón de Campos (Palencia), en la comarca natural de Tierra de Campos. Además de la importancia esencial de la tierra como base del sector primario que caracteriza la zona por el cultivo cerealista, su característica arquitectura tradicional está basada en el adobe.

Generar tejido cultural. El proyecto ha sido coordinado con el Museo de Cerámica de Aranda de Duero (Burgos), con el objeto de estimular conexiones con otros centros de producción artística y, de esta manera, contribuir a generar tejido cultural en el medio rural, uno de los objetivos del colectivo Néxodos.

Diálogo entre artistas. Otro de los objetivos fundamentales es desarrollar proyectos que den visibilidad a los creadores que trabajan en las comunidades donde se desarrollan los proyectos, propiciando un diálogo permanente con artistas de trayectoria acreditada en la escena nacional o internacional.

 Artistas participantes | Raquel Algaba, Monona Álvarez, Tania Blanco, Bettina Geisselmann, José Ignacio Gil, Lorena Lozano, Miguel Martínez Delso, Alejandro Martínez Parra, Benjamín Menéndez, Rafael Pérez, María Oriza, Luis Pérez Calvo, Javier R Casado, Fernando Renes, Félix Sanz, Natalia Suárez, María Tamames y Julián Valle.

Néxodos | Es un colectivo de creación contemporánea orientado al desarrollo de proyectos vinculados a territorios de la periferia, la puesta en valor de espacios alternativos y el impulso de nuevos formatos para la participación ciudadana. Constituido como asociación en 2018, el grupo lo integran 14 miembros con competencias multidisciplinares, cuyo trabajo se desarrolla principalmente en las comunidades autónomas de Castilla y León y Asturias.

Hasta la fecha ha celebrado dos encuentros bienales de creación contemporánea en San Román de Candamo (Asturias) y en 2019 puso en marcha espacio Nexo990 en Monzón de Campos y la plataforma sonora “Vestíbulo”, dedicada a la música experimental.



Toda la información en www.nexodos.art



MUSICA: LA CHARRASCONA. VILLALAAR.

ENT. BETTINE GEISSELMANN Y MONONA ALVAREZ





Sobre los artistas participantes

Raquel Algaba (Madrid, 1992) // Su obra ha sido expuesta en el Museo Barjola de Gijón, en el CEART de Fuenlabrada o en la Neomudéjar de Madrid, entre otros, y trabaja con Galería Fúcares. Entre los premios, adquisición TMF JustMad XX, Projectarte II o AlNorte XVI. Ha sido artista residente en Resistències del GVA en Valencia (2020), Fundación Bilbaoarte (2018) o Aquemarropa V (2018). Sus figuras habitan un espacio liminal entre lo mental y lo físico tratando de reflejar el estado fragmentario del sujeto contemporáneo.

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Monona Alvarez

Monona Álvarez (Valladolid, 1958) // Ceramista con taller en Tudela de Duero, lleva desde la década de los setenta dedicando su vida a esta práctica creativa desde que inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Valladolid. Su constante trabajo de investigación sobre nuevas soluciones formales y plásticas aplicadas a la cerámica utilitaria, tiene como resultado una renovada lectura de la alfarería tradicional, materializada en piezas de enorme calidez y sutileza. Desde los años ochenta ha participado en numerosas exposiciones y obtenido diferentes premios en el ámbito de la artesanía contemporánea.

Tania Blanco (Oviedo, 1987) // Ha realizado estudios universitarios de Bellas Artes en Salamanca y Roma, así como una especialización en diseño gráfico y preimpresión y un Grado Superior de Grabado y Técnicas de Estampación. En 2019 ganó el premio de la Muestra de Arte del Principado de Asturias. Su práctica de investigación artística se centra en la organización de las geometrías de lo cotidiano, buscando aquellas figuras que se encuentran en objetos y situaciones que acontecen en lo doméstico, identificando sus potencialidades como generadores de nuevas formas.

 

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Bettina Geisselmann

Bettina Geisselmann (Göppingen, Alemania, 1966) // La artista, con taller en Portillo (Valladolid), estudió Económicas en Alemania y Postgrado de Grabado y Fotografía en Cuba. Su práctica multidisciplinar reflexiona sobre las percepciones subjetivas en la representación del mundo, las relaciones con el medio natural y el equilibrio socio-económico. En sus proyectos tienen un notable protagonismo materiales como el hielo, los elementos vegetales, los periódicos y, en los últimos años, el vidrio y la porcelana. Recientemente ha expuesto en Museo Patio Herreriano (Valladolid), Gabinete Art Fair e Hybrid Festival (Madrid) y Carex (Burgos), entre otros.



José Ignacio Gil (Aranda de Duero, 1965) // Dedicado profesionalmente a la comunicación, reside en Valladolid desde 1996 donde, tras participar en diferentes muestras colectivas y certámenes, principalmente en el ámbito de Castilla y León, realiza sus primeras exposiciones individuales de una pintura basada en la abstracción emocional. En 2012 la evolución de su lenguaje marca un punto de inflexión al expandir su gramática visual a nuevos formatos y soportes, materializando su trabajo en series objetuales donde los materiales utilizados (maderas, escombros y otros elementos encontrados) activan una poética existencial.

Lorena Lozano (Gijón, 1975) // Artista e investigadora, doctora por la Universidad de Oviedo (2017), licenciada en Bellas Artes (Glasgow School of Art, 2007) y en Ciencias Biológicas. Ha colaborado en Barcelona con los colectivos Idensitat y Sitesize (2008-2010) y en Glasgow en The Hidden Gardens (2001-2007). En 2012 funda «Econodos. Ecología y comunicación» y colabora en proyectos interdisciplinares de investigación artística con entidades como Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Universidad de Oviedo y Laboral Centro de Arte. Su práctica explora las intersecciones del arte y la ciencia.

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Delso

Miguel Martínez Delso (Ciruelos de Cervera, 1958) // Director desde hace más de 25 años de la Escuela y del Museo de Cerámica de Aranda de Duero, su obra escultórica es referente en la creación cerámica tanto en Castilla y León como en el ámbito nacional. Su trabajo responde más a un ciclo vital que a una demanda externa, quizá por la sana influencia del material habitual con el que elabora sus piezas, un material que tiene su propio tempo. Su trayectoria suma una veintena de exposiciones individuales, participación en multitud de muestras colectivas y obra pública.

Alejandro Martínez Parra (Aranda de Duero, 1959) // Su práctica artística es interdisciplinar e híbrida: engloba escultura, fotografía, videoinstalación, eventos performativos, piezas sonoras o poesía visual. En los ochenta y noventa forma parte de colectivos como Grupo Corps, A Ua Crag y La Constructora-12. A partir de entonces trabaja en relación con la investigación sonora, la fotografía, el lenguaje y la educación, orientados no tanto a la práctica artística convencional sino al objetivo de la reflexión poética. En los últimos años ha expuesto en Patio Herreriano (Valladolid), Musac (León), Lava (Valladolid) y Carex (Burgos), entre otros.



Benjamín Menéndez (Avilés, 1963) // Pintor, escultor, enseñante..., es un reconstructor tenaz del mosaico de la memoria, a través de los materiales que la configuran. La tierra, a través del trabajo cerámico; los minerales y su transformación industrial; y hasta los sueños, los deseos y las sensaciones canalizados mediante la pintura. Todos esos materiales hablan, en último extremo, de la simbiosis, drástica y sostenida, de la experiencia humana con el entorno donde dicha experiencia se desenvuelve. Actualmente expone en el Museo de Bellas Artes de Asturias "Caja de herramientas. Las seis caras del cubo".

María Oriza (Aranda de Duero, 1964) // Desde finales de los ochenta su obra ha obtenido reconocimiento en diversos concursos como los de Alcora, Talavera, Cerco, Madrid, Valladolid, Palencia, Castellón etc. Ha participado en distintas exposiciones colectivas como “Homo Faber” Venecia, “Convergence and Transcendence”, Corea o “Built and formed”, Alemania. Desde su primera individual en la galería Sargadelos de Santiago de Compostela, ha realizado doce exposiciones individuales, la última de las cuales ha sido “Fortaleza derramada” en el CAB de Burgos.

Rafael Pérez (Haro, 1957) // Entre 1978 y 1981 estudia Cerámica en la Escuela Massana de Barcelona. En 2007 es elegido Miembro de la Academia Internacional de Cerámica. Una intensa trayectoria con 45 exposiciones individuales, participación en más de 150 muestras colectivas, numerosos premios y obra presente en una treintena de museos y colecciones privadas, acredita el reconocimiento nacional e internacional de su trabajo escultórico. El prestigioso ceramista riojano es un enamorado de la arcilla y de su transformación en el horno, donde el fuego depara sorpresa y emoción.

Luis Pérez Calvo (Madrid, 1962) // Criado entre los barrios madrileños de Lavapiés y Embajadores, su imaginario bebe de la iconografía más castiza de lo español de las décadas de los sesenta a los ochenta, principalmente. Arqueólogo de la cultura popular, relee, pinta, dibuja, recorta, pega, ironiza y homenajea sin descanso a todos aquellos seres y recuerdos que pueblan su memoria y que trata de recuperar en un intento melancólico pero divertido por atrapar una sociedad fetichizada de un pasado reciente que desaparece poco a poco. Desde 2015 forma parte de la nómina de artistas de La Gran.



Javier R Casado (Palencia, 1985) // Doctor en Bellas Artes por la Complutense de Madrid. Desde hace años explora formas de suspensión, improductividad, impermanencia y acción mínima a través de gestos ínfimos realizados en entornos específicos. Ha impartido diversos talleres y ponencias y colaborado en proyectos artísticos y de investigación en lugares como galería Paula Alonso, Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, Espacio Menosuno, Off Limits, Espositivo, Espacio de proyectos Sant Pere, Museo Emilio Caraffa, CC de España en Buenos Aires o Canal de Isabel II, además de otros sin nombre propio.

Fernando Renes (Covarrubias, 1970) // Es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Desde sus inicios, el dibujo y la escritura son sus formas de expresión. En su larga etapa de Nueva York construyó una original narrativa en la que lo íntimo convive con lo universal. En plena madurez creativa, actualmente concibe potentes instalaciones con cerámica que recuperan lo ancestral. El pasado mes de octubre, el programa de TVE Metrópolis le dedicó un programa coincidiendo con sus proyectos más recientes en el CAB de Burgos y en Bilboarte.

Félix Sanz (Valladolid, 1962) // Es licenciado en Historia del Arte y Especialista en Administración de Industrias Culturales. Tiene una amplia formación complementaria en disciplinas como la etnografía, antropología y el arte contemporáneo. Su trayectoria profesional ha estado siempre vinculada al mundo de la cultura y el arte, que compagina con su actividad de artista plástico y ceramista con múltiples exposiciones individuales y colectivas en el territorio nacional e internacional. Desde 2002 es director del Centro Regional de Artesanía de Castilla y León (Cearcal).

Natalia Suárez (Pola de Laviana, 1976) // Diseñadora y ceramista, trabaja la combinación de materias primas nobles, como la madera y la arcilla. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad Diseño por la Universidad de Barcelona y graduada superior en Ceramica Artísica por la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, Llotja, San Andreu. En su práctica creativa, bajo la firma Woodic, integra las nuevas tecnologías con los procesos artesanales en una apuesta por diseños honestos basados en el imaginario femenino, la mitología y las formas de la naturaleza.





María Tamames (Vitoria, 1986) // Graduada en Diseño de Moda y Máster en Ingeniería Textil por la Universidad Politécnica de Valencia y el Instituto Tecnológico Textil AITEX. Centra su práctica artística en proyectos experimentales relacionados con el desarrollo y el estudio textil. Vinculada vitalmente a Valladolid, reside en Madrid, donde combina sus labores docentes con la actividad investigadora. Sitúa su actividad dentro de circuitos propios del contexto de la cultura contemporánea, explorando las posibilidades expresivas de las fibras textiles en relación con otras disciplinas y materiales. Indaga vías de confluencia entre innovación, sostenibilidad y procesos artesanales.

Julián Valle (Aranda de Duero, 1963) // Fue uno de los fundadores en 1985 del colectivo A Ua Crag y, en paralelo, del grupo 2º Partido de la Montaña. En más de tres décadas de coherente trayectoria ha desarrollado su obra sobre diferentes soportes (escultura, instalación, cerámica) aunque más centrado en el dibujo y la pintura. Desde el principio, su trabajo ha permanecido siempre alrededor del paisaje, aprehendido y meditado desde su taller y espacio vital en Campillo de Aranda. Con cerca de 150 exposiciones entre individuales y colectivas, su obra está presente en una quincena de museos y colecciones públicas.

 

 

CONTRAPORTADA. SUSANA LOPEZ. O5. THOUSAND DRONES TO NUBIA.

 

 

 

 

 

Rosa Pérez    6.ago.2020 11:43    

REFRESCOS DE VERANO

    jueves 30.jul.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 03.08.20

 

 



 

PORTADA: BRUCE BRUBAKER & MAX COOPER. Two pages. IN GLASS FORMS. Bruce-brubaker-max-cooper-sonar-bcn-2019

Os presentamos un rico experimento sonoro realizado por dos musicos muy diferntes entre sí cuyo nexo de unión ha sido el mundo musical de Philip Glass al que han dedicado un álbum, innovador y dinámico. Bruce Brubaker, el pianista en colaboración con el ienfífico y experimentador sonoro Max Cooper mezclan el gran piano con las tecnicas de producción electrónica. El resultad es una nueva lectura de la obra de Philip Glass un disco increibe y provocador

 

MUSICA : IURY LEG.DILAPIDATED ELLIPSIS

ENT. SAMUEL ALMANSA

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ROOMFLAMES -  KAPLAN PROJECTS. PALMA MALLORCA. 

LA EXPOSICÓN SE PODRÁ VISITAR HASTA FINALES DE AGOSTO.

KAPLAN PROJECTS inaugura un nuevo espacio expositivo que tiene como fin acoger proyectos artísticos realizados específicamente para él. El título del primer proyecto es ROOMFLAMES y se trata de una exposición colectiva de 5 artistas: Lluís Vidaña, Samuel Almansa, Josep Santamaria, Aniya Defries y Laura Rubio. La exposición se compone de una intervención en la sala y obras de diferentes disciplinas pintura, escultura, dibujo e instalación.

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La intervención Roomflames, realizada en las paredes de la galería y que da nombre a la exposición es el resultado de una improvisada colaboración creativa, entre los cinco artistas que, antes de empezar, apenas se conocían. El resultado es cuanto menos interesante y rico en contenido. En muy pocos días los artistas han conseguido una obra común en la que el resultado se ha traducido en la combinación formal y conceptual de todos sus estilos y, a la vez, tiene identidad propia. En ella se suceden los estratos de información al ritmo de las aportaciones de cada uno de los artistas. Formalmente la intervención tiene un aire de retablo entre postmoderno y románico. Podemos ver una estancia de perspectiva indefinida a medio camino entre una pintura de De Chirico, y una de Piero de la Francesca. Esta estancia es invadida por unas llamas donde se entrevén personas que parecen estar ardiendo a modo pecadores en el infierno románico. El motivo central son unas manos en gesto de plegaria.

Las personas, la espiritualidad y el espacio interior, rigen el discurso de estos artistas.

No en balde a todos ellos les ha tocado vivir el encierro de la cuarentena y de ella han salido con ideas y energías reforzadas. Los cinco están en un estadio temprano de su carrera, y les une un espíritu crítico hacia los extraños tiempos que estamos viviendo. A pesar de haber nacido en la última década del SXX, se refleja una preocupación por la disminución de relaciones interpersonales provocada por la que parece ser una infinita digitalización de la

comunicación personal y por los efectos psicológicos que puede tener el encierro. La circunstancia de verse obligados a relacionarse única y exclusivamente a través de las redes sociales, ha desembocado en una toma de conciencia de la lacra que puede ser la falta de comunicación intima entre las personas.

Aún así, las obras de estos cinco artistas son personales y sus ideas muy claras con respecto a esta extraña realidad en la nos encontramos.

Lluís Vidaña, ganador del art Jove 2019, nos habla de las malas prácticas ocultas de las nuevas tecnologías. De nuestro estado hipnótico cuando miramos, y del miedo inoculado en la sociedad a través de la manipulación de la información que nos llega.

Las pinturas y dibujos de Samuel Almansa, llevan la herencia informalista de la mítica escuela de Cuenca, donde estudió. Sus lienzos de técnica mixta solapan diferentes planos donde el fondo se confunde con la figura en el intento de darnos una descripción del entorno más inmediato del artista. Almansa se define como un artista versátil y urbano, de ideas frescas y espontáneas.

Josep Santamaria, nos describe el mundo digital de las pantallas emergentes que constantemente nos recuerdan nuestra dependencia digital, pero al mismo tiempo nos abren ventanas a un mundo interior de experiencias personales. Sus pinturas sobre tabla, y sus esculturas trabajan la dualidad de la ventana que mira dentro y fuera al mismo tiempo. Una abstracción geométrica que va un paso más allá de la propia pintura.

Laura Rubio, nos da una perspectiva surrealista del presente. Desarrolla perspectivas evocadoras con misteriosos personajes que las habitan. Formalmente Rubio trabaja la pintura sobre lienzo y sobre papel con un uso colorista de las formas que aporta frescura inusual a unas obras con una carga psicológica evidente.

Aniya Defries dibuja personas. Aniya ve en las personas todo lo que importa. Normalmente desnudos pintados con modelos, sufrió en la cuarentena el no poder dibujar en directo a los cuerpos que le hacen compañía. Poco color, trazo muy claro y definido: sus dibujos tienen una personalidad arrolladora difícil de definir, más que por su honestidad en el mirar y en el pensar. Estas personas, sus amigos “vivos”, cuya compañía se hace necesaria, día tras día.

 

MUSICA: ERIZONTE. CORONA VIRUS LIBERTAD

 

MUSICA: GAECIA: UTOPIA.

 

ENT. MARIA PLANAS. DIRECTORA.

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XI Bienal de Fotografía Xavier Miserachs
01.08.2020 - 11.10.2020
Palafrugell (Baix Empordà, Girona)
www.biennalxmiserachs.org

Cristina García RoderoLeopoldo PomésPere Palahí y Eugeni Forcano,entre los autores presentes en la bienal.

 

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La Bienal de Fotografía Xavier Miserachs, que celebra la XI edición del 1 de agosto al 11 de octubre en Palafrugell (Baix Empordà, Girona), anuncia la programación completa. La edición de este año cuenta con 5 exposiciones repartidas por diferentes espacios del municipio, un programa de actividades paralelas abiertas a todo el mundo y visitas guiadas para escuelas y público general. 

El objetivo de la Bienal es el de dar a conocer el trabajo de grandes figuras de la fotografía nacional e internacional, así como apoyar la obra de jóvenes fotógrafos. Además, en cada edición descubre el trabajo de un fotógrafo anónimo de la comarca, casi siempre amateur, que ha documentado la historia reciente del país.

Conscientes del momento excepcional que se está viviendo, la Bienal -siguiendo en todo momento las medidas de seguridad que exige la administración- permitirá disfrutar en directo de la mejor fotografía documental.

Esta edición cuenta con la colaboración del Ajuntament de Palafrugell, la Fundación Banc Sabadell, la Generalitat de Catalunya y la Diputació de Girona.

 

MUSICA: LA CLAUD. 01 PROMETEUS. ABOUT VEGA

 

 

 

MUSICA: AARP. THE AXIS OF EVIL. (G. BUSH)

 

ENT. IÑAKI MARTINEZ ANTELO. 

ANTELO

Plataforma es un proyecto que bajo el hilo de la performatividad quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, la música, la arquitectura y el diseño.

 

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la tradición y con la innovación cultural, preocupado por la sostenibilidad y por proyectar el talento local.  

 

Dirigido por Performa S. Coop. Galega, nace con la intención de trabajar en red y complicidad con el mayor número de agentes, instituciones y espacios posibles de una ciudad referente cultural como Santiago de Compostela.

 

Entre el 10 y el 18 de septiembre de 2020 tendrá lugar la primera edición del festival de artes performativas Plataforma, un proyecto que bajo el hilo de la performatividad quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, la música, la arquitectura y el diseño. Dirigido por Performa S. Coop. Galega, Plataforma nace con la intención de trabajar en red y complicidad con el mayor número de agentes, instituciones y espacios posibles de una ciudad referente cultural como Santiago de Compostela. 

 

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la tradición y con la innovación cultural, preocupado por la sostenibilidad y por proyectar el talento local.  

 

Para los directores del festival David Barro, Mónica Maneiro e Iñaki Martínez Antelo “Plataforma es un festival perfecto para este momento de reactivación cultural por su transversalidad y la descentralización de sus localizaciones, por su escala, por su programación pensada para espacios singulares y por la posibilidad de seguir con 

 

 

facilidad los protocolos adecuados de sostenibilidad y de seguridad para la salud en sus acciones y propuestas”. 

En esa línea, una de las singularidades del festival es la programación de cuatro exposiciones que extienden su temporalidad más allá de las fechas del festival contribuyendo a la programación de los espacios que las acogen. También que algunas de sus actuaciones solo serían posibles en un contexto de festival porque habitualmente no tienen espacio en las programaciones museísticas o en las programaciones estables de ámbito cultural. Por otra parte, el festival Plataforma fomenta la colaboración entre artistas de diferentes disciplinas lo que favorece el cruce de públicos diversos y singulares conexiones creativas.  

Plataforma es además un festival responsable, seguro, comprometido con la igualdad, con la diversidad cultural y con la sostenibilidad. Con una importante representación femenina y una decidida apuesta por el talento gallego, Plataforma reúne performances, conciertos, danza, poesía, diseño y arte contemporánea en exposiciones, acciones y conversaciones capaces de unir a protagonistas gallegos con valores de gran reconocimiento internacional como La Ribot, Premio Nacional de Danza y recientemente galardonada con el León de Oro de la Bienal de Danza de Venecia, que cerrará el festival con una conversación, una performance y una exposición en el CGAC. 

 

En el festival habrá estrenos absolutas de piezas de artistas como Paula Quintas -con la dirección de Rut Balbís-, performances creadas específicamente para el festival, como es el caso de las de María Roja, Alejandra Pombo y Berio Molina y Juan López, acciones poético-musicales inéditas de Olalla Cociña y Menina Arroutada, estrenos en España como la pieza de Pablo Fidalgo y el estreno de obras en Galicia, en gallego y con la colaboración de artistas locales, de artistas de otros ámbitos estatales como Marta Fernández Calvo -que trabajará con Su Garrido Pombo, Paulo Pascual y Faia Díaz- o Cabello/Carceller -que lo harán con Menina Arroutada, García MC, Rendi Nue y Dj Mill-. En el ámbito de la música destaca el debut y presentación del proyecto de la Orquestra Galega de Liberación, conformada por dieciséis conocidos músicos gallegos que harán su primer concierto en el Teatro Principal. 

 

Por último, destacar las cuatro exposiciones programadas en el contexto del festival: la citada de La Ribot en el CGAC; Christian García Bello en la Fundación DIDAC; Manuel Eirís en la Fundación Eugenio Granell y Mirar el sonido. Notación gráfica en la música contemporánea en el Auditorio de Galicia. 

 

 www.plataforma.gal

 

MUISCA: V5 2 MAST. BACK TO YOU. LAMLIKI.

 

MUSICA: FRENCH CONCESION. END OF TIME

 

ent. ARTISTAS Y GALERIAS MEXICANAS. GALERIA NUEVA.

GALERIA GALEREIA

Artistas: Manolo Márquez, Wendy Cabrera, Javier Sánchez, Mario García Torres, Maurizio Terracina, Alexis Mata, Nicolás Guzmán, Yutsil Cruz, Lucía Novoa, Andy Medina y Gibrán Mendoza.

Galería Galería, de Ciudad de México, presenta del 15 de julio al 15 de agosto de 2020 una exposición colectiva titulada “El que quiera oir que oiga y el que no, pues no”. Esta muestra aborda críticamente las convenciones y estructuras políticas y sociales como los órganos de poder y la sociedad en México a través de obras multidisciplinares como el vídeo, la instalación, la pintura o el arte sonoro. Estas obras tratan de responder a cuestiones sobre cuáles son los lugares desde los que construimos la realidad, desde dónde aprendimos a verla y qué lenguaje adquirimos y utilizamos para expresarnos.

Galería Galería se presenta como un espacio de crítica en la Ciudad de México donde se reflexiona sobre la producción artística contemporánea. Galería Galería es un proyecto independiente gestionado por un colectivo de curadores y artistas que trata de internacionalizar la práctica mexicana contemporánea. Ha participado en eventos como JustLX Lisboa y Trámite en Querétaro en 2019, y su naturaleza nómada le ha llevado a ocupar espacios expositivos diferentes en la Ciudad de México y ahora en Madrid con Galería Nueva.

 

MUSICA. 03. YA WELDI. (ANTHONY TOGA REMIX). Hanna haïs.

 

CONTRAPORTADA: BRUCE BRUBAKER. TIROL CONCERTO.

 

Rosa Pérez   30.jul.2020 12:11    

A LA FRESQUITA, UN VERANO DE ARTE.

    viernes 24.jul.2020    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 27.07.20

DISCO PORTADA: FRENCH CONCESSION. END OF TIME. JUNUS ORCA REMIX

French-concession-2020

French Concession es un proyecto de arte pop en solitario de la productora / cantante y compositora con sede en Sydney Ella Chau Yin Chi. Su propuesta nos atrae a través de sonidos etéreos que capturan a los oyentes que buscan algo diferente, como de otro mundo.

La carrera de French Concession es corta pero no por ello menos interesante.

En 2018, French Concession lanzó su EP 'Empress' con el sello Wellington, con sede en Nueva Zelanda y realizó una gira por Europa y Japón.

En 2019, French Concession participó en uno de los mayores eventos en China, el festival Shanghai Strawberry music festival así como en el Ear Up Music Festival en Hong Kong.

'Ahora llega con su álbum debut, The Garden of Synthetic Sentiments, un disco lleno de música exuberante, una selección de gemas electrónicas que confirma que French Concession es dierente a cualquier otro tipo de artista





 

 

MUSICA: SOUNDS AND COLOURS. EL BUGA. LA CASA DE ROLANDO.

ENT. ROCIO SANTACRUZ. ARTS LIBRIS.

Artslibrismanos

ArtsLibris es un proyecto de feria y festival de libros y publicaciones de artista, autoedición, fotolibro, ediciones de pensamiento y publicaciones digitales. A lo largo de sus once años, cuenta con tres ediciones en formato presencial ArtsLibris ARCOmadrid, ArtsLibris ARCOlisboa y Arts Libris Barcelona. 

Al tratarse de un proyecto en constante evolución y expansión, este año ha ampliado su panorama sumando una plataforma online que se encontrará activa los 365 días del año. Esta plataforma funciona, a la vez, como un canal de difusión de contenidos y novedades editoriales, una tienda online, y un espacio de encuentro y reflexión para editores/as, artistas, pensadores/as y diversos agentes culturales. 

Con esta reinvención del proyecto, ArtsLibris busca funcionar como un tejido online que vincula redes que orbitan alrededor de la edición contemporánea, no solo durante las tres fechas anuales de sus ferias, sino de forma activa durante todo el año. 

 

www.artslibris.cat

 

MUSICA : SOUNDS AND COLOURS. TONGAS AND MATES. UN MUNDO NUEVO. EMPEZAR.

 

MUSICA: INFINÉ EDITIONS. GASPAR CLAUS. AUX CONFINS LES ETOILES DANCENT

ENT. Clemente Bernard. Comisario exposición EL SANTO CHRISTO IBÉRICO. KOLDO CHAMORRO. MUSEO LÁZARO GALDIANO. MADRID. PHOTOESPAÑA.

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La exposición El Santo Christo Ibérico. Koldo Chamorro -fruto del convenio entre el Museo de Navarra y Oihane Chamorro, hija y heredera del artista- viaja desde el Museo de Navarra hasta el Museo Lázaro Galdiano, en el marco de PhotoEspaña 2020.

Koldo Chamorro fue un autor con una obra inconfundible y arriesgada. A lo largo de los más de treinta y cinco años de su carrera, se ocupó de cuestiones relativas a las estructuras sociales, la religión, las fiestas, los toros, el cuerpo o el sexo, casi siempre en forma de “ensayos fotográficos” elaborados a largo plazo, en los que trataba de desentrañar las claves de los temas que fotografiaba. Koldo Chamorro entendió en los últimos años del franquismo -como otros fotógrafos de su generación-, que había ciertas manifestaciones religiosas y fiestas populares que se encontraban en trance de desaparición, porque la agonía de la dictadura las arrojaría presumiblemente al olvido y (una labor etnográfica de preservar ciertas estéticas populares por el avance de la venidera globalización.

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En 1974, comenzó El Santo Christo Ibérico con la intención de elaborar un profundo análisis social que mostrase las contradicciones de un país lastrado por el atraso y el oscurantismo, pero que se veía arrastrado hacia la modernidad, planteándolo como un gran proyecto monográfico para reflexionar visualmente sobre los distintos aspectos de las liturgias y manifestaciones cristianas de la península ibérica, así como sobre la presencia de la cruz cristiana en nuestro paisaje social. Dio por finalizado este proyecto al celebrarse el Jubileo católico del año 2000.

Las 63 fotografías seleccionadas, se muestran siguiendo una sutil estructura de Vía Crucis. Esta selección ha significado bucear en el abundante archivo de Koldo Chamorro, para elegir las que integran la exposición. Todas las fotografías son copias de exposición realizadas para este proyecto.

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Para completar la visita, se proyectará en la sala el audiovisual Totum revolutum, realizado por Clemente Bernad y Carolina Martínez, basado en entrevistas a más de 70 personas, que hablan sobre la vida y la obra de Koldo Chamorro, comentando algunas de sus fotografías preferidas y contando anécdotas de su relación con el autor.

MUSICA: INFINÉ EDITIONS. MARC MÉLIA. VOXES

 

MUSICA: SUSTAINER. ANTICUARIO

ENT. SARA SARABIA.

 

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5ª EDICIÓN

 

¡Viernes a la fresquita!

 

La nano-cultura de la ciudad a flote en el verano de la COVID-19.

EAmálaga es un encuentro cultural que desde 2016 aglutina a más de 20 espacios generadores de arte y cultura contemporáneas. Tras cuatro ediciones se ha consolidado con la realización de diferentes experiencias y formatos (www.eamalaga.com), todo dirigido a dar soporte y visibilidad a estas entidades privadas que pertenecen al sector de las Industrias Culturales y Creativas (ICC) de Málaga.

EAmálaga en estos momento de crisis sanitaria y asumiendo como suya la crisis general en la vivimos se ve obligada a preparar una edición especial en la que se apoye e impulse a los espacios componentes del proyecto dentro del marco de la nueva normalidad.

La realidad de estas entidades derivada por la situación devastadora que hemos y estamos sufriendo da como resultado una total o parcial inactividad y se busca con esta edición especial de EAmálaga desarrollar actividades que posibiliten la afluencia de público y consumo adaptándose a la medidas de control sanitarias recomendadas. 

Los objetivos que cubre este formato son:

  • Apoyar a lo espacios generadores de cultura en su vuelta a la normalidad.
  • Promover y dar a conocer las actividades culturales dentro de sus entornos..
  • Incentivar el consumo de cultura como actividades alternativas de ocio.
  • Promover la alianza con otros sectores de cada zona como promotores de la actividad.
  • Adaptar actividades a las medidas recomendadas por las autoridades sanitarias.
  • Ajustar las actividades a la estación del año en la que se desarrolla. 
 

www.eamalaga.

MUSICA: BROMO. NO SIGNAL

 

MUSICA: AIRE. VILLALAR.

ENT. CHRISTINA SAVAGE

Captura de pantalla 2020-07-24 a las 11.10.06

La Casa Amarilla reúne en «Orgasmo» el éxtasis creativo de nueve mujeres

La galería plantea «un recorrido alrededor del sexo, el deseo y la pornografía en el mundo del arte contemporáneo»

Con el verano han llegado los calores a la cultura malagueña. Si la revista Litoral acaba de presentar su número dedicado a la poesía y el arte de la sensualidad y el erotismo a lo largo de la historia, La Casa Amarilla acaba de inaugurar Orgasmo, una muestra colectiva que pretende ser «un recorrido alrededor del sexo, el deseo y la pornografía en el mundo del arte contemporáneo, con obras de 9 artistas que basan su obra, o parte de ella, en mostrar sin tapujos su visión de la sociedad mediante el uso del sexo explícito o insinuado».

David Burbano reúne para la galería una selección de artistas multigeneracional del panorama nacional con Yolanda Dorda, Cristina Savage, Lydia Fernández, La Rulla, Paula Ortega, Aranzazu Guma, Misskafeína, Maribel Andrés e Irene Cruz. Mujeres que desafían la visión tradicional del éxtasis sexual en el arte, porque la historia del arte nos ha mostrado a la mujer como puro objeto sexual por y para el disfrute masculino.
Orgasmo estará en cartel hasta el próximo 9 de agosto.

Cristina Savage (Connecticut, USA, 1979) es una artista plástica conceptual y performer que creció en Hong Kong en el seno de una familia multicultural. desde 2003 reside en la ciudad de Málaga,

 

www.lacasa-amarilla.es

MUSICA: KINGLMAN. ILL STREET BLUES.

 

MUSICA: KINGLMAN. DREAM HOUSE.

 

MUSICA: TATI LAMAR. Funland.

 

Musica: skud hero. Covid 19

 

 

CONTRAPORTADA: FRENCH CONCESSION. 2x4

 

 

Rosa Pérez   24.jul.2020 11:15    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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