ARQUITECTURAS CINEMATOGRÁFICAS, SOÑADAS Y PERFORMATIVAS

    viernes 7.may.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 10.05.21

PORTADA: MAX WÜRDEN. SCRIPT 2. CALL TO ADVENTURE

Cover

El álbum Script del alemán Max Würden, supone la primera entrega comisariada de edición de discos junto al Muelle records, publicada por el sello Oigovisiones de Málaga. En esta ocasión es Pepo Galán quien ha seleccionado a Max Würden, quenos invita a la reflexión y el recogimiento , buscando la calma y la esperanza, quizás por estar compuesto en la primavera de 2020 .

MAX WÜRDEN

A lo largo de de las cinco piezas que incluye Script, Würden va superponiendo capas de sonido, sutiles veladuras de arpegios y punteos con los que construir ambientaciones muy propias de las bandas sonoras de cine, género al que ha dedicado gran parte de su producción, siempre a caballo entre la interpretación en directo y la experimentación en el estudio.

 

 

 

MUSICA: ARQUITECTO VS GREEN. THE UMBREAKABLE

ENT. IVAN DE LA NUEZ.

 

ES BALUARD MUSEU PRESENTA LA EXPOSICIÓN 
«LA UTOPÍA PARALELA. CIUDADES SOÑADAS EN CUBA (1980-1993)»

  • Esta exposición nos acerca a un mundo de sueños urbanos a partir de proyectos concebidos por una generación de creadores nacidos con la Revolución cubana que explotaron intelectualmente en la década de los ochenta
     

  • La muestra ofrece un recorrido, a través de ocho capítulos, por propuestas creadas por arquitectos, artistas y activistas que se desentienden de la imagen estereotipada de las ciudades cubanas y visibilizan una utopía colectiva crecida en las laderas de la utopía estatal
     

  • El proyecto se abre al público el próximo 15 de abril a partir de las 19.00 horas, con todas las medidas de seguridad e higiene, y se podrá visitar hasta el 26 de septiembre

 

ESBALUARD1


Es Baluard Museu d'Art Contemporani de Palma presenta «La utopía paralela. Ciudades soñadas en Cuba (1980-1993)», una exposición que nos acerca a un mundo de sueños urbanos a partir de varios proyectos concebidos por una generación de arquitectos, artistas y activistas nacidos con la Revolución cubana que explotaron intelectualmente en la década de los ochenta.

Este proyecto de Iván de la Nuez con Atelier Morales se abre al público el próximo 15 de abril a partir de las 19.00 horas con todas las medidas de seguridad e higiene y se podrá visitar hasta el 26 de septiembre de 2021 en el espacio B de Es Baluard Museu.

«La utopía paralela» se compone de ocho capítulos para hacer un recorrido desde los solares (una versión cubana de las favelas) a las barbacoas (una forma vernácula de ganar espacio en las edificaciones con puntales altos); del art déco que sobrevive en el Malecón habanero hasta el kitsch retro de los años cincuenta del siglo pasado; de Italo Calvino a la Base Naval de Guantánamo; de la ciudad colonial al bicentenario de la Revolución Francesa, asumiendo o esquivando todo tipo de monumentos.

Entre los autores se encuentran proyectos de Ramón Enrique Alonso, Teresa Ayuso, Nury Bacallao, Juan Blanco, Francisco Bedoya, Daniel Bejerano, Inés Benítez, Emilio Castro, Felicia Chateloin, Orestes del Castillo Jr, Adrián Fernández, José Fernández, Rafael Fornés, María Eugenia Fornés, Eduardo Rubén García, Óscar García, Universo Francisco García, Florencio Gelabert, Hedel Góngora, Alejandro González, Juan-Si González, Gilberto Gutiérrez, Héctor Laguna, Lourdes León, Teresa Luis, Jorge Luis Marrero, Rosendo Mesías, Juan Luis Morales, Huber Moreno, Rolando Paciel, Enrique Pupo, Ricardo Reboredo, Carlos Ríos, Patricia Rodríguez, Abel Rodríguez, Alfredo Ros, Gilberto Seguí, Regis Soler, Antonio Eligio Tonel Eliseo Valdés y Taller Le Parc (2a Bienal de La Habana).

ESBALUARD2




Por otra parte, el Museo organiza una visita exclusiva a la exposición con Iván de la Nuez el próximo 15 de marzo dentro del programa Amics d'Es Baluard y un calendario de visitas guiadas gratuitas programadas para los días 25 de mayo y 15 de junio. Ambas actividades requieren de inscripción previa.

La década de los ochenta en Cuba fue percibida por la arquitecta y escritora Emma Álvarez Tabío Albo como "década ciudadana" de la Revolución y por el crítico Gerardo Mosquera como "década prodigiosa". A su vez, el poeta Osvaldo Sánchez se refirió a aquella generación como "los hijos de la utopía", el trovador Carlos Varela como "los hijos de Guillermo Tell" e Iván de la Nuez como la protagonista de una "cultura disonante ".

"Entre 1980 y 1993, tuvo lugar en Cuba un proyecto insólito y contradictorio: la creación de una arquitectura occidental sin mercado, la puesta en órbita de una utopía colectiva ignorada por el propio Estado socialista, la activación de un movimiento que empezó como crítica al urbanismo oficial de la época y que hoy cobra actualidad como una espada de Damocles sobre las construcciones del capitalismo de Estado a la vista", explica Iván de la Nuez.

Esta utopía colectiva, "crecida en las laderas de la utopía estatal, guiada por el empeño irrenunciable de convertir la arquitectura en ciudad. Y la ciudad, en ciudadanía", añade.

En este sentido, el proyecto muestra varios proyectos que se desentienden de la imagen estereotipada y repetida hasta el infinito de las ciudades cubanas –en particular La Habana Vieja– y se nos ofrece una expansión hasta pueblos tradicionales como Cojímar, desastres periféricos como Alamar o el impacto de la caída del Muro de Berlín en el Guantánamo de 1989. De la recuperación de Italo Calvino como “cubano” o del reciclaje del arte povera como un dispositivo útil para avanzar hacia el porvenir.

La exposición está organizada por Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma en coproducción con La Virreina Centre de la Imatge, a partir de la exposición «La utopía paralela. Ciudades soñadas en Cuba (1980-1993)». Con la colaboración especial del Archivo Cifo-Veigas, La Habana.

 

MUSICA: NACIONAL ELECTRONICA. TRANSFERENCIA

 

 

 

MUSICA: NINASONIK. BURNING IN THE SKY

ENT. PEP MARTIN. Y  NINA AMAT 

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En su primera edición, BARQ, el Festival Internacional de Cine de Arquitectura de Barcelona, cuenta con 8 largometrajes y 11 cortos a competición. Todos los títulos, que podrán verse del 11 al 16 de mayo 2021, profundizan en diversas historias humanas a través de la arquitectura.

BARQ, una cita pionera

Coincidiendo con la Semana de Arquitectura de Barcelona 2021, la capital catalana acogerá del 11 al 16 de mayo la primera edición del BARQ Festival. Hasta la fecha, el único Festival Internacional de Cine de Arquitectura de Barcelona. Sin duda, esta iniciativa de NIHAO FILMS, con el apoyo de la Fundació Mies van der Rohe, Arquin-FAD, el Colegio de Arquitectos de Catalunya, la Fundación Arquia y la Fundación ICO, nace con un claro objetivo. A través de la arquitectura y del séptimo arte, pretende mostrar y hacer reflexionar sobre realidades sociales de plena actualidad. Sin ir más lejos, los títulos seleccionados tratan temas como el acceso a la vivienda, la sostenibilidad, la inclusión o el debate de género.

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Inauguración y clausura

BARQ Festival arrancará y terminará por todo lo alto con dos premieres nacionales. En primer lugar, el protagonista de la inauguración será el documental Tokyo Ride, de Ila Bêka y Louise Lemoine; una road movie que tiene a la capital japonesa como escenario. Del mismo modo, en la clausura, podrá disfrutarse de Making a Mountain, de Rikke Selin Fokdal y Kaspar Astrup Schröder. En él se explica cómo el arquitecto Bjarke Ingels llevó a cabo en Dinamarca la construcción de la central eléctrica CopenHill.

 

Cortometrajes a competición en la Sección Oficial

Los cortometrajes también tienen un gran peso en la programación del BARQ Festival. Estos son los que forman parte de la Sección Oficial: In Between, de Në Mes; Next Sunday, de Marta Bogdanska; Calling Architecture, de Anna MacIver-Ek y Axel Chevroulet; Extreme Conservation: Croft Lodge Studio, de Andrew Spicer; Filamento, de Carlos Santana de Mora; De Lentloper, de Martijn Schinkel, Una Conversación sobre la comida y la ciudad, de Habitar-UPC Grup d’investigació y Blai Tomàs; Cigarras, gatos y otros animales, de Nina AmatRaft Islands, de Milan Nikić; The Hermit’s Castle, de Louie Levisom y, por último, Max Holzheu: A Legacy of Guatemalan Brutalist Architecture, de Carlos Luxo.

WWW.BARQFESTIVAL.COM

 

 

NINA AMAT

Nina Amat

Barcelona

Nina Amat nació en Barcelona, donde se graduó como arquitecta en la Universidad Politécnica. Durante su intercambio a París participó en un seminario de cine y arquitectura, gracias al cual descubrió que lo que más le gustaba de la arquitectura no eran los edificios sino la gente que vivía en ellos. Por esa razón se trasladó a Estados Unidos, donde aprovechó para realizar un curso de filmmaking en la NYU y trabajar para una productora local. Volvió a España para graduarse en un Master de Dirección Cinematográfica en ESCAC, de donde han salido sus últimos proyectos. Nina vive ahora entre los dos continentes con muchas ganas de seguir contando historias.


WWW.NINAAMAT.COM

 

 

 

MUSICA: CHAPTER FOUR REMIX. REDEMPTION. (PINA REMIX)

 

 

 

MUSICA: O6 RICTAHARD VON DER SCHULENBURG. DANCE OF THE SPACE PERTAX

ENT. MONICA MANEIRO. 

 

PLATAFORMA

Plataforma es un proyecto que quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, las artes escénicas, la literatura, la arquitectura y el diseño, invitando a reflexionar sobre el espacio público e integrando servicios e instituciones de la ciudade para actuar como motor para el desarrollo y la cohesión social.

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la ecología, con la tradición y con la innovación cultural, convencidos de que es desde la creatividad desde donde podemos construir un futuro más amable y responsable.

LARIBOT

Plataforma es un festival ideal para este momento de restructuración cultural, por su transversalidad y la descentralización de sus localizaciones, por su escala, por su programación pensada para espacios singulares, por la posibilidade de seguir con facilidad los debidos protocolos de sostenibilidad y de seguridad para la salud en las acciones propuestas.

 

DEL 26 DE MAYO AL 5 JUNIO. Santiago de Compostela.

www.plataforma.gal

 

 

MUSICA: MATHEW E. WHITE AND LONEY HOLLIE, I´M NOT TRIPPING

MÚSICA: PEPO GALAN. DAWN CLOSE/STARE

 

CONTRAPORTADA: MAX WÜRDEN. SCRIPT 5. RETURN WITH THE ELIXIR.

 

 

Rosa Pérez    7.may.2021 09:28    

HOMENAJE A LA FOTOGRAFÍA Y FOTOPERIODISMO

    lunes 3.may.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 03.05.21

 

 

PORTADA: CHAPTER FOUR REMIX. NO GONG BACK (FERNANDO LAGREGA REMIX)

CHAPETER FOUR

Tras tres EP’s en su discografía, el LP de debut de OMEGA dB. CHAPTER FOUR, supuso  el disco  más conceptual hasta el momento. y un trabajo  introspectivo, con grandes referencias al cine  eminentemente futurista, con capas de sintetizadores, instrumentación orgánica y todo ello sin recurrir prácticamente a automatizaciones y elementos percusivos.

Chapter Four Remisex, reune a lo mejor de la música electrónica española revisando este disco en el que aparecer remezclas de Josephine, Matsu, BeatLove, Fernando Lagreca, Structweird, NIET!, Pina y el propio OMEGA dB , unidos aquí para celebrar la electrónica más abierta y plural.

 

MUSICA: DIMITO. TIEMPO.

ENT. JOAN FONTCUBERTA

Margarita

J. Fontcuberta se sumerge en el Archivo del turismo en Baleares 
 
  • Fontcuberta descubre negativos inéditos de la actriz Margaritu Xirgu en el Archivo Planas
  • El 27 de abril participará en la mesa redonda “Mecanismos de ficción histórica” y el día 30 ofrecerá una masterclass en Casa Planas
     
 
En el marco del Art Investigation Programme, el fotógrafo y artista catalán Joan Fontcuberta se sumerge en el Archivo Planas para continuar con su investigación en torno a las imágenes halladas de la actriz catalana Margarita Xirgu.

Casa Planas invita a realizar una residencia en su archivo y viene a trabajar en un proyecto sobre la actriz catalana de los años 30.

Josep Planas, el fotógrafo del turismo de masas en Mallorca también fue un coleccionista compulsivo. En una visita a Casa Planas el pasado mes de enero de 2020, descubrió un negativo con la figura espectral de la actriz, íntima amiga de Federico García Lorca.

Gracias al programa de residencias de investigación para creadores y pensadores que desde Casa Planas vienen impulsando se persigue la misión del centro que consiste en usar el archivo para repensar de forma crítica la memoria y patrimonio archivístico.

Joan Fontcuberta estará en residencia en el Archivo Planas la última semana del mes de abril para continuar con su investigación. Durante este periodo, se plantean dos actividades públicas con el fin de conocer y conversar con el artista y su visión sobre los archivos y la imagen. 

El jueves 27 de abril a las 18:30 horas, tendrá lugar una mesa redonda bajo el título “Mecanismos de ficción histórica”. Una jornada de reflexión colectiva sobre los papel de los archivos, la imagen fotográfica en la construcción de la historia y la identidad cultural. 

La verdad de la fotografía se ha cuestionado desde la invención del medio a pesar de su capacidad y eficiencia mecánicas de representación pero debe considerarse la subjetividad del fotógrafo y el posicionamiento de la cámara, entre otros factores. Aún así, la inherente naturaleza representativa de la fotografía le confiere un estatus archivístico automático, que de facto convierte la imagen fotográfica en sustituto de un acontecimiento pasado. Se transforma en un testimonio de la historia, en un testimonio con potencial para múltiples lecturas.

 “El Archivo (..) pone en relieve la naturaleza de todos los materiales de archivo ya sean encontrados o construidos;factuales o ficticios, públicos pero privados”, Hal Foster.

La mesa estará moderada por Marina Planas, directora del Centro de Investigación y Cultura Contemporánea Casa Planas, y contará con la participación del mismo Joan FontcubertaImma Prieto, directora de Es Baluard Museo de Arte de Contemporáneo de Palma y Jaume Reus, historiador y gestor cultural.

El acto que tendrá lugar en las instalaciones del Club del Diario de Mallorca (C/ Puerto Rico 15, Palma) es gratuito y con aforo limitado. Los interesados deben reservar plaza enviando un mail a cursos@casaplanas.org

Asimismo, para conocer más a fondo la práctica artística de Joan FontcubertaCasa Planas organiza una masterclass el viernes 30 de abril a las 18 horas en el las propias dependencias del centro cultural. 

Para poder asistir a esta jornada es necesaria inscripción previa, debido a las las restricciones de aforo las plazas son limitadas, los interesados deben enviar un mail a cursos@casaplanas.org . Descuentos especiales para las socias de Casa Planas.


Sobre Joan Fontcuberta

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es artista, ensayista, docente y comisario de exposiciones. Su trabajo de creación ha merecido exposiciones monográficas en el MoMA,  Nueva York (1988); el Art Institute, Chicago (1990); el IVAM, València (1992); el MNAC, Barcelona (1999); ARTIUM,  Vitoria (2003); Maison Européenne de la Photographie, París (2014); Science Museum, Londres (2014) y en el Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá (2016), entre otros.

Como docente, ha sido profesor invitado en diferentes instituciones internacionales como la Universidad de Harvard y Le Fresnoy, Centre National des Arts Contemporains, en Francia. 

Ha publicado numerosos libros de temáticas relacionadas con la historia, la estética y la pedagogía de la fotografía: los dos últimos son “La furia de las imágenes. Nota sobre la postfotografía” (Galaxia Gutemberg, Barcelona, 2016) y “Revelaciones” (con Xavier Antich, Arcadia, Barcelona, 2019; edición en castellano, Gustavo Gili, Barcelona, 2020 ).

En 2013, Fontcuberta fue galardonado con el premio internacional de la Fundación Hasselblad, Suecia. En España, ha recibido además, el premio Nacional de Fotografía (1998) y el premio Nacional de Ensayo (2011). En 2012 recibió el premio Nacional de Cultura Artes Visuales del gobierno catalán y en 2016 el premio Ciudad de Barcelona en Ensayo y Humanidades.

 

MUSICA: NACHO SOTOMAYOR. CIRCULAR. EPHEMRAL

 

 

MUSICA; CHRISTINE OTT. 05. HORIZONS FAUVES

ENT. PABLO TOSCO.

Tosco

Ganadores de los World Press Photo 2021
 
  • La fotografía ganadora del World Press Photo del Año, de Mads Nissen, retrata uno de los primeros abrazos seguros de la actual pandemia, y el World Press Photo al Reportaje Gráfico del Año, de Antonio Faccilongo, cuenta historias de amor durante el conflicto palestino-israelí.
     
  • El 1er premio a la mejor fotografía en la categoría de Temas Contemporáneos es para Pablo Tosco, argentino con doble nacionalidad española y residente en Barcelona, con una fotografía sobre el hambre en Yemen.
     
  • Tres autores nacionales ganan sendos 3os premios en las categorías de Medio Ambiente y Naturaleza, y una valenciana obtiene la mención destacada al proyecto interactivo educativo. 
     
  • La exposición "World Press Photo 2021" en Barcelona, organizada por decimoséptimo año consecutivo por la Fundación Photographic Social Vision, se podrá visitar del 10 de noviembre al 12 de diciembre en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, con la asistencia de varios de los ganadores.
1_World Press Photo del Año: “The First Embrace” (El primer abrazo), Mads Nielssen (Politiken/Panos Pictures)
2_ World Press Photo al Reportaje Gráfico del Año: “Habibi”, Antonio Faccilongo (Getty Reportage)
DESCARGA AQUÍ > Press Kit World Press Photo 2021
El World Press Photo del Año es para The First Embrace (El primer abrazo), la fotografía del danés Mads Nissen para Politiken/Panos Pictures, que muestra a la anciana Rosa Luzia Lunardi mientras es abrazada por la enfermera Adriana Silva da Costa Souza, en la residencia de ancianos Viva Bem, de São Paulo, Brasil, el 5 de agosto de 2020.

Entre las 6 imágenes nominadas a la fotografía del año, se encontraba también Fighting Locust Invasion in East Africa (Luchando contra la plaga de langosta en África occidental)  del español Luis Tato.

El World Press Photo al Reportaje Gráfico del Año es para Habibi, del italiano Antonio Faccilongo para Getty Reportage, que narra historias de amor con el telón de fondo de uno de los conflictos contemporáneos más largos y complicados, la guerra entre Israel y Palestina. El reportaje muestra el impacto del conflicto en las familias palestinas y las dificultades a las que se enfrentan para preservar sus derechos reproductivos y su dignidad humana.

Varios de los autores premiados participarán en la exposición "World Press Photo 2021" en Barcelona, organizada por la Fundación Photographic Social Vision con el apoyo de la Fundación Banco Sabadell y que se podrá visitar del 10 de noviembre al 12 de diciembre en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).

Photographic Social Vision es una entidad sin ánimo de lucro que trae la exposición a Barcelona por decimoséptimo año consecutivo y que lleva dos décadas defendiendo los valores de la fotografía documental como herramienta útil para comprender el mundo y favorecer la transformación social.


Autores nacionales premiados en diversas categorías 

El 1er premio en la categoría de Temas Contemporáneos, Fotografías Individuales, es para Pablo Tosco, argentino que también tiene nacionalidad española y reside en Barcelona desde hace años, gracias a la imagen Yemen: Hunger, Another War Wound (Yemen: Hambre, otra herida de guerra)que  muestra a Fátima y a su hijo mientras preparan la red de pesca en la bahía de Khor Omeira, en Yemen, el 12 de febrero de 2020. A pesar de que su pueblo fue devastado, Fátima regresó para reanudar su medio de vida, comprando un barco con el dinero que ganaba vendiendo pescado.

Además, los tres autores nacionales destacados en las categoría de naturaleza y medio ambiente han ganado sendos 3os premios. El vasco Aitor Garmendia obtiene el tercer premio en la categoría de Medio Ambiente, Reportajes Gráficos, con un reportaje titulado Inside the Spanish Pork Industry: The Pig Factory of Europe (Dentro de la industria porcina española: la fábrica de cerdos de Europa) sobre la industria porcina en España -uno de los cuatro mayores exportadores mundiales de carne de cerdo- y sobre las condiciones de los animales en las granjas.

El extremeño Jaime Culebras se lleva el tercer premio en la categoría Naturaleza, Fotografías individuales, por una fotografía titulada New Life (Nueva vida), que muestra los huevos de una rana de cristal de Wiley, Nymphargus wileyi, que cuelgan de la punta de una hoja en un bosque nublado tropical, cerca de la Estación Biológica Yanayacu, en Napo, Ecuador.

 

MUSICA: caro c. curveballs. Electric mountains.

MUSICA: KMRU. WELL. PEEL

ENT. LUIS TATO

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Luis Tato, español residente en Kenia, se lleva el tercer premio también en la categoría Naturaleza, Reportajes Gráficos, por Fighting Locust Invasion in East Africa (Luchando contra la plaga de langosta en África Oriental), el mismo reportaje que le ha valido la nominación a World Press Photo del Año.

Además, la valenciana Claudia Reig Valera recibe una mención destacada al proyecto interactivo educativo (Outstanding Instructive Interactive) por Parir en el siglo XXI, documental interactivo producido por Barret Cooperativa, Lab RTVE y À Punt Mèdia, que trata sobre modelos hospitalarios de atención al parto y el nacimiento basados en el respeto a las mujeres que dan a luz. Esta pieza estaba también nominada al proyecto interactivo del año en el Concurso de Narrativa Digital de World Press Photo.

MUSICA: SMRU, WHY ARE YOU HERE. PEEL


Finalmente, dentro del Concurso de Narrativa Digital, el World Press Photo al Proyecto Interactivo del Año lo ha ganado Reconstructing Seven Days of Protests in Minneapolis After George Floyd’s Death (Recreando siete días de protestas en Minneapolis después de la muerte de George Floyd) de Holly Bailey (The Washington Post), Matt Daniels y Amelia Wattenberger (The Pudding). Calling Back From Wuhan (Llamando desde Wuhan), de Yang Shenlai/Tang Shiaolan, ha obtenido el World Press Photo al Video del Año.

Exposición "World Press Photo 2021"
Del 10 de noviembre al 12 de diciembre
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

 

CONTRAPORTADA: CHAPTR FOUR REMIX. THE WIND WHISPERS (Omega db remix)

 

Rosa Pérez    3.may.2021 18:23    

Arte, Cine, Arquitectura y Experimentación Sonora

    viernes 23.abr.2021    por Rosa Pérez    17 Comentarios

PROGRAMA 26.04.21

 

 

PORTADA. Lucy Gooch. ASH AND ORANGE. RAIN´S BREAK

LucyGooch LEAD_credit_Ashley_BourneSMALLER

La música de Lucy Gooch, propone una visión estética inusualmente desarrollada, que une la calidad atmosférica de la música ambiente con las estructuras de la composiciones corales y ligereza del pop.

Su EP Rain´s Break, supone una exploración de la represión, el deseo y la herencia entre paijes ilusorios. Rain´s Break está inspirado en las primeras películas en technicolor de Powell o Pressburgr. Lucy utilizada sintetizadores y capas vocales para contrar los elementos de la pantalla y la narrativa de cada pelicula en cancones que se mueven a través de diferentes modos de creación y renovación. T.

 

Musica: SHANGAI RESTORATION PROJECT. INVOLUNTARY PROPHET. BRAVE NEW WORLD SYMPHONY

Bienal shangai

ent. ANDRES JAQUE. 13TH BIENAL SHANGAY

ANDRÉS JAQUE Y ROSA PÉREZ

La 13ª Bienal de Shanghai, Bodies of Water (Cuerpos de agua) presenta un programa que quiere invitar a artistas, activistas, científicos, pensamientos y ciudadanos en general a sentir, discutir y reconstruir la unión con el agua, la humedad y lo acuático.

Desafiando el formato habitual de la bienal de arte, será la primera etapa de un programa extendido de ocho meses que permitirá a los artistas, pensadores y curadores que participan desarrollar su trabajo en estrecha colaboración con la Ciudad de Shanghai, su gente, sus redes. su activismo, sus organizaciones e instituciones. Bodies of Water culmina con la inauguración de la exposición el 10 de abril de 2021, que permanecerá abierta hasta el 27 de junio de 2021.

El curador jefe de la Bienal, el arquitecto y escritor Andrés Jaque, y su equipo curatorial compuesto por You Mi, Marina Otero Verzier, Lucia Pietroiusti y Filipa Ramos, colaboran con la Facultad de Filosofía de la Universidad de Fudan, el Instituto de Artes Visuales de Shanghai y la red multimedia DOCU TV para ejecutar el montaje representado de cinco días, donde conferencias, debates, proyecciones y talleres convertirán la Central del Arte en un espacio de experimentación corporal.

AC/E apoya la participación del curador jefe Andrés Jaque, la curadora Marina Otero, la diseñadora Paula Vilaplana y los artistas Debajo del Sombrero (Lola Barrera, José Manuel Egea, Andrés Fernández, Miguel García, María Lapastora, Belén Sánchez), Nerea Calvillo, Carlos Casas, Carlos Irijalba, Antoni Muntadas, Itziar Okariz, Daniel Fernández Pascual, Iván López Munuera y obras de Pepe Espaliú.

MUSICA: SHANGAI RESTORATION PROJECT. Positive disintegration. BRAVE NEW WORLD SYMPHONY.

 

MUSICA: HARA ALONSO. DESNUDA. SOMATIC SUSPENSION.

Haraalonso

ENT. HARA ALONSO

Hablamos de su nuevo álbum Somatic Suspensión.

www.haraalonso.com

 

MUSICA: HARA ALONSO. THE CENTER OF THE SUN IS EMPTY. SOMATIC SUSPENSION

 

MUSICA:DIMITO. TIEMPO

ENT. JOSE MARIA MARBAN

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"No sabemos lo que pensaría Andrei Tarkovski de 'Stalker in the land', pero (además de por la brillantez intrínseca de la obra de José María Marbán), vemos legitimado el proyecto en algunos pasajes de 'Esculpir en el tiempo' (el libro que escribió Tarkovski), entre ellos el siguiente: 'La película se hizo de tal manera que el espectador podía tener la impresión de que todo aquello podía suceder hoy mismo y de que la zona estaba muy próxima'. Las localizaciones que se ven en la película han sido descritas en alguna ocasión como escenarios posapocalípticos, y resulta curioso comprobar, primero, cómo construye una historia considerada de ciencia-ficción sin espectaculares efectos especiales y, segundo, cómo hemos podido ver recientemente otros escenarios posapocalípticos en las calles de nuestras ciudades completamente vacías a causa del confinamiento provocado por la pandemia. En ambos casos, además, estamos hablando de imágenes preñadas de una extraña belleza.

Del mismo modo, es interesante constatar la vigencia de los planteamientos de Tarkovski, pues 'Stalker' puede ser entendida como un viaje interior, en el que la zona es nuestras entrañas morales más recónditas (un viaje que todos hicimos en cierta medida durante el citado confinamiento y del que no todo el mundo salió indemne): 'La zona es sencillamente la zona. Es la vida que el hombre debe atravesar y en la que o sucumbe o aguanta. Y que resista depende tan solo de la conciencia que tenga en su propio valor, de su capacidad de distinguir lo sustancial de lo accidental'.

La recepción del trabajo de Tarkovski por parte de Marbán se traduce en fuente de inspiración directa para el desarrollo tanto de las series fotográficas 'Sueños' y 'Naturaleza Cambiante' como de la instalación titulada 'Umbral'. Este último trabajo es una recreación personal del corazón de la zona; la habitación que, misteriosa y mágicamente, capacita la materialización de los deseos de quien consiga llegar hasta ella. 'Sueños' y 'Naturaleza Cambiante', por su parte, nos invitan a mirar con otros ojos nuestro entorno más cercano, combinando en sus imágenes las referencias a 'Stalker' y la indexación de la fotografía de José María Marbán con distintas localizaciones (Tierra de Campos y  Montes Torozos).

Junto a 'Umbral' y al conjunto fotográfico que forman 'Sueños' y 'Naturaleza Cambiante', el tercer vértice de este triángulo expositivo es la serie 'Dípticos'. Si hasta ahora hemos hablado de relectura del trabajo de Tarkovski o de inspiración en su obra, ahora vamos a atrevernos a hablar de colaboración. Y lo hacemos porque los 'Dípticos' son una contraposición de fotogramas de 'Stalker' con obras de Marbán, un fructífero diálogo visual de igual a igual en el que el conjunto supera a la suma de las partes".

Juan Gil Segovia

MUSICA: ARVO PART. SCIEGELL IN SPIEGELL

 

CONTRAPORTADA. LUCY GOOCH. 6AM

 

Rosa Pérez   23.abr.2021 08:13    

Gonzalo Borondo, Jansky, Raquel Buj, Festival Fotografía CyL, Nacho Sotomayor

    viernes 16.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 19.04.21

 

PORTADA: NACHO SOTOMAYOR. From there. EPHEMERAL.

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1. adj. Pasajero, de corta duración.

2. adj. Que tiene la duración de un solo día.

 Organismos unicelulares, grupos de cuerpos desenfocados en una danza frenética, huellas multicolores de dedos y manos sobre un fondo blanco de paz transparente. Eso podría ser «Ephemeral».

 También es posible que tenga algo que ver con la inconsistencia de las cosas, lo volátil de nuestra existencia y lo pasajero de nuestras experiencias. Nada se detiene en esta realidad vertiginosa…

 Pero algo de nosotros siempre permanece, a pesar de que nuestras ideas e intenciones, nuestros principios y logros, todo eso desaparezca cómo el agua entre los dedos de nuestra mano, sutilmente, en silencio, sin dramas. El ciclo continúa y los errores seguirán siendo los mismos, arrastrándonos de nuevo, una y otra vez, en un caleidoscopio de belleza y miseria.

 Efímero es también el batir de las alas, el olor del miedo y la opaca necesidad de amor. Es un baile entre el pasado, el presente y el futuro, un contoneo absurdo entre miradas de desconfianza. El tedio persistente de nuestras almas translúcidas.

 Nos aferramos al presente con tenaz melancolía, confiando en un futuro que nos ha de aportar todo lo necesario e inútil para que, de ese modo, cuando inevitablemente al final nos internemos en el mas absoluto de los silencios, ese silencio también será efímero, como lo es el amor, la belleza y la nada.

 

MUSICA: VILLALAR. AIRE

ENT. GONZALO BORONDO

ROSA BORONDO

El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente presenta el proyecto expositivo Hereditas, del artista Gonzalo Borondo, gracias al patrocinio de la Diputación de Segovia.
 
Esta muestra es una compleja intervención en el espacio del museo que tiene como propósito cuestionar el pasado desde los presupuestos del presente y, en concreto, poner en valor la naturaleza del Museo como lugar en el que preservar nuestro Patrimonio para las generaciones venideras y mostrar la maravillosa capacidad del arte de devolver a la vida objetos que perdieron su función original.  También, rendir tributo a la naturaleza como fundamento de la cultura e inspiración del arte y de los símbolos religiosos.
Hereditas ofrece al espectador una experiencia inmersiva, más allá de la mera contemplación y le sitúa ante una “interacción” del artista sobre el lugar.
BORONDO1
 
Borondo inició este tipo de acciones en el año 2017 (Cenere, Selci, Italia, fue la primera), pero lo que hace de Hereditas una creación distinta de todas las realizadas hasta ahora es que tiene lugar en un Museo. Aquí, paradójicamente, el white cube (como se ha denominado el espacio expositivo en la época moderna) queda anulado, para convertirlo, valga el juego de palabras, en un black cube, y así rescatar aquellos usos que tuvo el edificio.

MUSICA: VILLALAR. PELABRAVO

 

 

MUSICA: JANSKY. the RUSPOLIA FAIRY

ENT. JANSKY

JANSKY

MUSICA: JANSKY. SHIFTING PLACES.

 

 

MUSICA: LAGOON. DTREGANT

ENT. RAQUEL BUJ.

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Raquel Buj aborda el diseño de moda como una laboratorio en el que experimentar su hibridación con la arquitectura, tanto de manera conceptual, como material.

Su trayectoria es una búsqueda de una camino independiente e interdisciplinar. Ha pasado por su propio estudio de arquitectura, pero tras realizar un Master en Arquitectura, Moda y Diseño, que cuando funda su proyecto dentro de la moda, con el que llamó la atención en la Pasarela Cibeles de 2018.

Raquel2

Su visión del vestido como la arquitectura de la piel, ahonda en la búsqueda de nuevos materiales y técnicas con la que proponer un tipo de ropa que va más allá de convencionalismo, de géneros, de exclusividad.

Elementos poco comunes en moda, como siliconas, láminas de aislamiento térmico o decorativas para vidrios, además de materiales con memoria de forma como nitinol o polímeros, que normalmente no van unidos al cuerpo

 

MUSICA: LYNDA BLAIR. CARABANCHEL. INMER EP .

 

MUSICA: ALEX ALBRECHT. PUPETEERS

 

ENT. ANNE MORIN

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Nace el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que tendrá lugar del 21 de abril al 29 de mayo en Palencia

El festival aborda la imagen como un espacio donde convergen distintas disciplinas, estilos y épocas y reunirá a grandes nombres de la fotografía internacional y nacional contemporánea y del siglo XX. 11 exposiciones, 7 conversaciones, 3 conferencias, 1 ciclo de cine y casi 50 artistas conforman la programación de esta nueva cita para los amantes de la fotografía, que aspira a convertirse en una referencia a nivel nacional e internacional.
 
William Klein, Joel Meyerowitz, Robert Frank, Lee Friedlander, Valérie Belin, Sandro Miller y Vivian Maier son algunos de los fotógrafos internacionales que participan en esta primera edición. Entre los nombres nacionales destacan Miguel Vallinas, Gabriel Cualladó, Álvaro de Castro Cea y Patricia Escriche.
 
‘Otras miradas’ es el ciclo de cine con una selección de cinco películas vinculadas al mundo de la fotografía que han sido seleccionadas por la cineasta Isabel Coixet.
 
El festival está organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León y cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Palencia y la Diputación de Palencia. También colaboran con el festival los Lucie Awards de Nueva York, legendaria institución del mundo de la fotografía, y la École Nationale Supérieure de la Photographie de Arles.

 
 
 

Palencia vuelve a convertirse en una tierra de confluencias, literal y metafóricamente. La riqueza de su historia, cultura y tradiciones hacen de esta ciudad, cuyos orígenes se remontan a la época romana, el escenario ideal para acoger la primera edición del Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que se celebrará del 21 de abril al 29 de mayo de 2021. La intención de este evento se ciñe al propio significado de la palabra "Festival", cuyo origen latino, Festivus, significa “celebración”.
 
Esta primera edición abordará la imagen desde este ángulo, en su diversidad, alteridad y pluralidad. La fotografía, vector de conocimiento, de comunicación y de intercambio, es un lenguaje que trasciende las fronteras, y es en esta idea de convergencia donde se crea la identidad de un Festival, que es ante todo un lugar de encuentro y de reflexión. Varios ejes se cruzan y juntos forman una estructura que permite a la imagen asentarse en la ciudad de Palencia, irradiar y propagarse en todos los espacios y en todos los soportes.
 
Los grandes museos de la ciudad, los espacios urbanos y su mobiliario, las plazas, las calles y los parques forman parte de este nuevo gran proyecto y se convierten en el teatro en el que la imagen es la única protagonista. En esta primera edición aparecen algunos de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX y contemporánea, que vienen a establecer diálogos y correspondencias en este caleidoscopio de múltiples facetas que es la ciudad de Palencia.
 
Las imágenes de 
William Klein se codean con las de Joel Meyerowitz, y se encuentran en el Nueva York de los años cincuenta y sesenta. El cine de Robert Frank dialoga con las fotografías de Lee Friedlander y ambos nos hablan de la imagen dentro de la imagen. Valérie Belin y Sandro Miller (fotógrafo nacido en Chicago, ciudad con la que Palencia está hermanada), se enfrentan y nos hablan de las diferencias de identidad que unen o separan. Álvaro de Castro Cea, en estrecha colaboración con el Archivo Histórico Provincial de Palencia, vuelve sobre sus pasos 100 años después e instala sus retratos de nuestros antepasados. Andy Warhol, Helmut Newton, Sally Mann, William Wegman o Walker Evans juegan con el tiempo y nos muestran sus instantáneas que sólo guardaban para ellos. Miguel Vallinas, fotógrafo de renombre internacional de Medina del Campo, no lejos de Valladolid, instalará sus Segundas Pieles en el Paseo del Salón de Isabel II, y su serie Ceci n’est pas en el espacio Nexo990 de Monzón de Campos.

El 
Best of Show, organizado en colaboración con la legendaria institución neoyorquina, los Lucie Awards, ofrecerá una visión panorámica de la creación contemporánea internacional. Además, establecemos una colaboración con l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles para que las jóvenes generaciones puedan mostrar sus trabajos que serán proyectados en una gran pantalla en el corazón de Palencia.
 
El Festival será también un lugar de confluencia intelectual, de 
encuentros y conversaciones con comisarios, historiadores, fotógrafos y otras figuras emblemáticas del panorama internacional contemporáneo, que se plantearán verdaderas preguntas sobre los temas inherentes a los contenidos de las exposiciones. Estas conversaciones se retransmitirán en directo y estarán disponibles en la página web del Festival (www.fifcyl.com).
 
La dimensión pedagógica es fundamental, ya que genera un proceso de sedimentación del conocimiento, que en sí mismo es un objetivo primordial del Festival. Se propondrán diversas actividades a las comunidades locales, como visitas, conferencias y encuentros, con el fin de generar fluctuaciones a gran escala y atraer a los visitantes para que participen y experimenten el Festival.
 
En unos días estará disponible toda la programación en la web del festival:
www.fifcyl.com

 
 
 
 

 

ARTISTAS
WILLIAM KLEIN / LEE FRIEDLANDER / ROBERT FRANK / JOEL MEYEROWITZ / VALÉRIE BELIN / SANDRO MILLER / ÁLVARO DE CASTRO CEA / MIGUEL VALLINAS / EXPOSICIÓN “BEST OF SHOW” DE LOS LUCIE AWARDS (REBECCA MOSEMAN, WEI FU, PETRA BARTH, MARIANO BELMAR, CHLOE MEYNIER, JAMIE JOHNSON, JULIA FULLERTON-BATTEN), POLAROID COLLECTION (SALLY MANN, MARINA ABRAMOVIC, GISÉLE FREUND, PATRICK TOSANI, WALKER EVANS, NANCY BURSON, WILLIAM WEGMAN, ANDY WARHOL)
 

PROYECCIÓN – PORTFOLIOS
GABRIEL CUALLADÓ / PATRICIA ESCRICHE / VIVIAN MAIER / ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DE LA PHOTOGRAPHIE D’ARLES (SARA SZABO, HENG ZHENG, ROBIN PLUS)
 

CONFERENCIAS - CONVERSACIONES
NATHALIE HERSCHDORFER / ROGER SZMULEWICZ / CRISTINA ANDREU CUEVAS / TAMARA KREISLER / WILLIAM EWING / MARTA GILI / ISABEL COIXET / DAVID CAMPANY / SUSAN BARAZ

ESPACIOS
MUSEO DE PALENCIA
FUNDACIÓN DÍAZ-CANEJA. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO CULTURAL PROVINCIAL
SALA DE EXPOSICIONES NEXO990

 

 

MUSICA: BILL CALLAHAN & BONNIE PRINCE BILLY. MIRACLES.

 

CONTRAPORTADA: NACHO SOTOMAYOR. EPHEMERAL.

 

Rosa Pérez   16.abr.2021 08:07    

RENZO MARTENS. LIDO RICO, PABLO ARMESTO Y HARA ALONSO

    viernes 9.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 12.04.21

 

 

PORTADA : HARA ALONSO. 40 days of silence . SOMATIC SUSPENSION

Somatic suspension

Me recuerda Hara Alonso que nos conocidos en Madrid, en el ciclo de arte sonoro de la facultad de BBAA. Desde entonces me ha interesado seguir el trabajo de esta creadora e investigadora, por su forma tan sutíl de aplicar la electrónica al universo del piano. Acaba de sacar un nuevo album para piano y electrónica, ‘Somatic Suspension’, en el sello Eotrax,

 

‘”Somatic Suspension, surge de un proceso meditativo de introspección y escucha. En este trabajo he tratado de trasladar al plano sonoro diversas experiencias físicas, abriéndome a mi propia intimidad y vulnerabilidad para así poder acceder a una composición más sensitiva. A través de explorar la repetición gestural en un biofeedback continuo se genera un material sonoro que abarca desde lo ínfimo a lo inabarcable, desde la quietud al éxtasis. Grabado con un piano electroacústico yamaha cp-70, un instrumento excepcional con una cualidad sonora única, ha invocado en mi una atmósfera lejana, un bosque borroso cubierto de hojas doradas. La electrónica acompaña y procesa el piano, transmutandolo y disolviéndolo en sí mismo.  El álbum es una danza de melodías íntimas, electrónica minimal y procesos texturales que evoca la memoria de un futuro incierto.”

Francamente uno de los mejores discos que han pasado por este espacio en los últimos tiempos., maduro y bello. Como bien dice la propia Hara es un disco intimo que retrata una epoca extraña, materializando las emociones en forma de composiciones que sirven para borrar los fantasmas que surgen ante las incertidumbres. Enhorabuena!!

 

MUSICA: nimasoniK. BURNING IN THE SKY

Renzo martens

En Fr, queremos abrirnos al estado del arte internacional, muchas veces lo hacemos con artistas españolas en la diaspora, pero hoy nos vamos a centrar en un proyecto que realmente nos ha parecido muy interesante ya que son los protagonistas quienes se han beneficiado de un proyecto que surge del artista holandés Renzo Martens, que junto alos trabajadores de plantaciones de Palma de poblaciones como Lusanga en Congo, han construido un Museo “White cube” y de cuyo proceso Renzo Martens ha realizado un documental que se está presentando de museos e instituciones de todo el mundo, poniendo a los procesos de descolonización y descentralización del arte en el punto de mira. Una iniciativa que toca temas las diferentes morales, el sistemas de patrocinio, , los modelos del mercado del arte, etc......

Hablamos con Renzo Martens, y contamos con la colaboración de Alberto Cabello en las traducciones.

 

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DESDE EL 24 de marzo, la película se proyectará cada día en las paredes exteriores del museo White Cube -diseñado por OMA- en Lusanga, R. D. Congo. Esta proyección principal contará con el apoyo de proyecciones satélite en las demás localidades. Durante la presentación, también se anunciará la primera gran exposición individual del artista ghanés de renombre internacional Ibrahim Mahama en el White Cube de Lusanga. 

 

Renzo ha pasado los últimos diez años trabajando en el Congo, el documental cuenta la historia de su proyecto durante su estancia allí. Se trata de una historia esencialmente africana: los trabajadores de una plantación en un pequeño pueblo de Ghana se enfrentan al enorme sistema artístico occidental dirigido por el capitalismo y lo hacen funcionar en su propio beneficio para liberarse del legado colonial y ganar plena autonomía. Lo más impactante es que funciona y han cosechado un enorme éxito con ello, tanto financiero como artístico. 

Whitecube

Los habitantes de Lusanga (antes propiedad y gestión de Unilever) formaron una cooperativa en la que hacen esculturas con el barro del río. Las esculturas se escanean en Lusanga y luego se envían a Ámsterdam, donde se reproducen en chocolate. Estas esculturas se han expuesto y vendido en las principales instituciones, galerías, museos y ferias de arte del mundo. Con los ingresos obtenidos, los trabajadores no sólo han podido recomprar sus tierras a las empresas que las poseían desde la década de 1920, sino que también han tenido los medios para trabajar con el estudio de arquitectura OMA y hacer que diseñen y construyan una galería de arte en funcionamiento en su plantación. ARCH Daily (el sitio web de arquitectura más visitado del mundo, [sic.]) acaba de nominar este edificio para sus premios "Building of the Year" de 2021.

 

La idea de Renzo para este proyecto surgió tras una visita al museo Tate Modern de Londres, donde le llamaron la atención los encargos de Unilever, y tuvo que pensar en las personas que trabajan en las plantaciones (de Unilever y otras) de todo el mundo, que siguen ganando cantidades realmente mínimas mientras trabajan en condiciones terribles. Quería invertir este sistema de beneficios para las multinacionales y encontrar una nueva forma en la que las personas pudieran utilizar el arte como medio de empoderamiento, permitiéndoles recuperar sus tierras y, al mismo tiempo, acabar con el monocultivo destructivo introducido por las empresas.

 

Renzo ha ayudado con los contactos y las ideas, también tuvo a René Ngongo, fundador de Greenpeace Congo, de su lado, y la gente de Lusanga tuvo las agallas de creer en este proyecto y realmente hacer algo con él.

www.humanactivies.org

 

MUSICA: SPIN AND FLOW. UNIVERSAL RHYTHM

 

 

MUSICA: CRISTINE OTT. HORIZON FAUVES.

ENT. LIDO RICO

“TU VUELO, MIS ALAS”
LIDÓ RICO
SALA VERÓNICAS
12 de febrero – 18 de abril de 2021

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Bajo el título “Tu vuelo, mis Alas” el artista Lidó Rico inaugura en la Sala Verónicas su última producción artística. Un total de nueve instalaciones de diferentes formatos y técnicas reflexionan sobre el estatus del hombre contemporáneo en la sociedad actual. “Tu vuelo, mis Alas” supone un viaje sin límites ni concesiones al interior más enigmático, sombrío y complejo del ser humano. Bajo un mismo eje argumental, siempre referido al cuerpo humano, la exposición se convierte en una azarosa travesía que nos desborda a cada encuentro, donde de manera instantánea el hilo narrativo de la muestra conecta y sumerge al espectador en un inquietante universo plagado de referencias vinculadas al más rabioso presente. De las diferentes piezas rezuman temáticas que se articulan entre lo intrigante, la sorpresa, lo desconocido, la incomunicación, la soledad, el desconsuelo, el miedo y la creencia. La piel de Lidó Rico logra transformar las paredes de Verónicas en una conmovedora secuencia de instantes congelados que esperan la presencia del espectador para ser inoculados y activados en su propia memoria. Mientras que sobre el retablo central surgen escenas realizadas con la huella de sus propias manos, decenas de ángeles inundan otros muros a modo de insólitas y mágicas salpicaduras. A través del crucero de la Iglesia, donde se aloja un descomunal autorretrato del artista realizado en aluminio, llegaremos a la sala enrejada, allí, centenares de elementos cargados de una gran simbología conforman una perturbadora circunferencia que se expande desde el muro hacia lo más profundo de nuestro espíritu, originando en el espectador un fascinante viaje psicológico cuyo destino es un sobrecogedor universo cargado de ensoñación y misterio.

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“ Tu vuelo, mis alas” propone un acercamiento a las claves del lenguaje plástico de Lidó Rico, figura central dentro de la nómina de artistas que actualmente investigan acerca del cuerpo como lugar de conflicto. Su obra solo puede ser pensada cabalmente tomando en cuenta su preocupación por el ser humano y el estatuto ambiguo de su identidad en la sociedad contemporánea. Los temas, los medios técnicos y los recursos retóricos que han jalonado su trayectoria han perfilado una indagación sobre los regímenes ético, estético y representacional del cuerpo, si bien, su poética incorpora otras derivadas que se van desgranando a través de las obras que integran esta exposición. Su trabajo se ubica bajo unos parámetros donde la dualidad entre sujeto y objeto, entre la performance y la escultura son captados en ese instante decisivo e irrespirable de ceguera, sordera e inmovilidad que supone bucear en la escayola. Esta acción no es solo un proceso que logra una huella tangible, sino que es parte esencial de la obra y, a su vez, plantea un audaz juego entre aquello que permanece oculto y lo que se muestra al espectador.

La obra del escultor murciano se ha posicionado como una de las propuestas plásticas actuales más lúcidas a la hora de transcribir y amplificar la idea de la disolución de un concepto hegemónico acerca del ser humano contemporáneo, y todo ello elaborado, paradójicamente, desde la esfera de sus propias emociones.

MUSICA: JOEL GABRIELSSON. CITADEL

Dejamos la exposición y el universo artistico de Lido Rico y lo hacemos como de puntillas, con la pieza que da titulo al primer ep de este artista sueco llamado Joel Gabrilsson que nos ha cautivado con Citadel. Un creador de atmosferas que se le ha comparado con Thom Yorke o Sufjan Stevens, pero que tiene personalidad propia y un gran futuro.

 

 

MUSICA RONE AND FRIENDS. CLOSER (CASPER CLAUSEN)

ENT. PABLO ARMESTO

Exposición Donde el camino se hace línea. Galeria Marlborough. Madrid

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Donde el camino se hace línea es la cuarta exposición individual de Pablo Armesto. En la muestra, el artista presenta una “actitud en defensa de las matemáticas, de la geometría pura” , que conecta con la tradición iniciada por Kandinski en los textos de Punto y línea sobre el plano: contribución al análisis de los elementos pictóricos y la deriva de estos en el espacio, línea- plano, plano- volumen.

La muestra se compone de más de una veintena de obras exentas y de pared de carácter interdisciplinar en las que los elementos fundamentales, como en todo el trabajo artístico de Armesto, son la línea, el espacio y la luz.

Sólo dos de las obras destacan por su dinamismo. Ambas se iluminan y desvanecen en un patrón que nunca se repite, incluyendo el tiempo, en un eterno bucle sisífico. En el conjunto expositivo el artista habla de la posibilidad de atrapar, de captar, de evidenciar aquello que es invisible, la energía y el movimiento de aquello que no vemos en el espacio. Esa lirica que escapa del soporte y transciende en algo mágico. El trabajo de Armesto en los últimos años ha girado en torno a la Ciencia y sus posibilidades estéticas, los fractales, los procesos, reflexionando sobre lo macro y lo micro del universo, ambos fuera del alcance del ojo humano. Sus esculturas de luz nos llevan a pensar en explosiones estelares, quarks, fractales o cristales de hielo.

 

MUSICA: LINDA BLAIR. CARABANCHEL

 

CONTRAPORTADA: HARA ALONSO. The Center of the sun is empty. SOMATIC SUSPENSION.

 

Rosa Pérez    9.abr.2021 08:35    

SESIÓN DE PASIÓN, para un lunes de Pascua

    viernes 9.abr.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 05.04.21

Rosa_Perez

Os invitamos a escuchar una sesión para una noche de pasión, en la resaca de un lunes de Pascua. Con La Selección de Rosa Pérez en cabina.

 

 

Rosa Pérez    9.abr.2021 08:05    

FEMLAB. Centro Cultural España México.

    viernes 26.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 29.03.21

FemLab_02: Microhm (Mx) & Ylia (Es)

 

Entramos en el Centro Cultural de España en México, donde se está celebrando FEMLAB. 

FemLab es un proyecto de producción cultural y académica que abordará las intersecciones entre el arte y la tecnología con una perspectiva de género.

El segundo evento de este programa incluye actividades de formación y un concierto en la Fábrica Virtual para compartir una experiencia musical a distancia con las artistas Leslie García, alias Microhm (Mx) y Susana Hernández, más conocida como Ylia (Es), dos mujeres que actualmente operan en el ámbito de la producción de música electrónica en México y Europa. A través de sus actividades, FemLab busca difundir el trabajo de artistas de distintas generaciones y estilos musicales en un ambiente libre de violencias de género u otro tipo. La idea es también generar intercambios en tiempo real con el público asistente, así como un archivo de materiales didácticos para consulta gratuita en línea que puedan seguir empoderando nuevas creadoras en México y el resto del mundo.

Microhm Ylia

Dos productoras de música electrónica y artistas multifacéticas con una pasión por la pista de baile y los sintetizadores se encontrarán en una semana de actividades que incluyen una entrevista extendida con cada una de las invitadas, un panel de discusión sobre las formas de autogestión en la música electrónica y un concierto presentado en la Fábrica Virtual de la Casa del Lago de la UNAM.

La tercera edición de FemLab, a desarrollarse entre el lunes 5 y el sábado 10 de abril, presenta el encuentro de la artista originaria de Querétaro Mara Nieto alias Ninasonik con la artista portuguesa Vanessa Sousa, mejor conocida como Valody (Pt). Ambas creadoras enfocan sus prácticas profesionales en la música electrónica bailable, ejerciendo como djs y como productoras de techno y géneros cercanos, por lo que conocen las realidades de las pistas de baile contemporáneas y las problemáticas con relación al género que se presentan en dichos ambientes y comunidades culturales, tanto en México como en Portugal.

*Podrás seguir las transmisiones a través del  Facebook CCEMx y del auditorio virtual de Casa del Lago UNAM

 

Toda la información en www.ccemex.org/evento/femlab_03

 

Rosa Pérez   26.mar.2021 13:03    

SACO, 77 Magazine, Fundación Japón en Madrid y Caro C.

    viernes 19.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 22.03.21

 



 

PORTADA: CARO C. DREAMERS FOR ELISA. ELECTRIC MOUNTAINS

Caro c

El cuarto álbum de Caro C, exxpresa a través de 12 composiciones el amor de Caro por las montañas, los elementos naturales y la tecnología.

Esta hechicera sonora, como la ha denominado max Reinhardt de la radio 3 británica ha contado con la ayuda de la Fundación que apoya a músicos diferentes que construyen propuestas sonoras complejas y en este caso costruidas con una paleta de sonidos que incluye piano, voz, un coro adaptado de Covid, sonidos encontrados, un litófono muestreado y software.

Electric Mountains, es un disco en el que volver a dejarnos sorprender por esta mujer que es capaz de generar paisajes llenos de evocación e imaginación infinita, pero tambien de cortes bailables para alegrar tanto sufrimiento en tiempo de pandemia.

Además aquellos que compren su disco a través de Bandcamp, una parte de lo recaudado irá a parar a la campñaa we make events asi como a Help usicians UK

 

 

MUSICA: JOHAN JOHANSSON. FIGHT FROM THE CITY

 

SACO. SEMANA DEL AUDIOVISUAL CONTAMPORANEO DE OVIEDO.

SACO7

ENTREVISTA PABLO DE MARIA (DIRECTOR) Y JAVIER PATO Y DADIVD MACHADO (DISEÑADORES DE SONIDO)

la Semana del Audiovisual Contemporáneo de Oviedo regresa a la cartelera cultural de la capital asturiana con una programación que continúa ahondando en el vínculo entre el audiovisual y el resto de las artes, apostando por propuestas artísticas novedosas que el público de Oviedo será el primero en disfrutar, alentando la creación artística en la ciudad con el encargo de piezas audiovisuales, sonoras y musicales. La séptima edición de SACO enfoca figuras tan trascendentales en la historia del cine como Charles Chaplin y Work Kar-Wai. Del 19 al 28 de marzo, el certamen ovetense albergará seis cine-conciertos, diez películas, una muestra interactiva, dos videoinstalaciones y un taller online para público infantil, una programación diseñada con mimo que se desarrollará bajo las normas de seguridad recomendadas por las autoridades sanitarias.

SACO 7 tendrá lugar en los teatros Campoamor y Filarmónica, el Museo de Bellas Artes de Asturias y el Museo Arqueológico de Asturias. La entrada de todas las actividades será gratuita, salvo Luces de la ciudad por Oviedo Filarmonía. Para el resto de la programación, el público deberá retirar las invitaciones en entradas.oviedo.es y en la taquilla del Campoamor a partir de las 11:00 horas del día anterior a cada sesión.

Una de las singularidades de SACO es la producción de espectáculos y nuevos enfoques artísticos. La séptima edición estrenará tres cine-conciertos con grandes clásicos del cine como son La carreta fantasma y Nosferatu, y un espectáculo basado en obras maestras de la animación estadounidense de la primera mitad del siglo XX.

SONIDO DEL ARTE

Vuelve al Museo de Bellas Artes de Asturias El sonido del arte. En esta edición, SACO ha contado con dos diseñadores españoles de gran recorrido en el cine y la televisión: David Machado, ganador del Goya al mejor sonido por El desconocido, y Javi Pato. Y frente a ellos, seis obras de mujeres artistas: Sin título, de Kely; Retrato de joven, de María Blanchard; Verano por la tarde, de Reyes Díaz; Sin título, de Maite Centol; San José con el niño, de Angelica Kauffman, y Camino del Llosón (Jove), de Carolina del Castillo.

La pinacoteca asturiana acogerá también la videoinstalación Postales Filmadas. Durante el primer estado de alarma de 2020 por la covid-19, SACO ofreció al público esta propuesta que fusionaba el día a día confinado de directores y directoras con música, diálogos o textos de sus películas favoritas en las voces de intérpretes de doblaje y locutores de radio. Casi un año después, ofrece aquellas primeras postales y seis más realizada en los últimos días del confinamiento para que el público las disfrute como un todo.

El Museo Arqueológico volverá a acoger Plano sonoro, videoinstalación con Oviedo en el foco de los cineastas asturianos Ramón Lluís Bande, Gonzalo Tapia y Celia Viada Caso, y de los diseñadores de sonido Jorge Alarcón, Óscar Nieto y Fernando Pocostales.

SACO 7 acogerá el taller Fantástico binomio audiovisual, destinado a niños y niñas entre 8 y 12 años. Aprovechando el centenario del nacimiento de un referente de la pedagogía y la literatura infantil y juvenil como Gianni Rodari, las responsables de Educa y Cine le rinden homenaje con una de sus especialidades: poner en movimiento palabras e imágenes. Los participantes en esta actividad realizarán una película de animación. Esta actividad será online y gratuita. La inscripción comenzará el próximo lunes a través de semanasaco.com.

 

MUSICA:EXPLAIN. STAIRS.

 

 

 

 

MUSICA: MAX RITCHER. ON THE NATURE

 

ENTREVISTA: 77 MAGAZINE

Interior ahlam

 

Ahlam Shibli. Survival Berlín, 2020 (work in progress) 77 Magazine núm.2



77 Magazine es un nuevo proyecto de múltiple fotográfico en Ediciones Originales. 
Cada número, dedicado a un solo autor, estará compuesto por cinco o más  fotografías plegadas (47 x 32 cm); imágenes en la frontera entre el material de estudio y la obra resuelta. 77 es el número de clasificación de los libros de fotografía en las bibliotecas. Partimos de esta referencia para acercarnos, con nuestro proyecto, a un espacio de representación propio de la fotografía. Es la idea de archivo como categoría desplazada por el discurso estético específico de la historia del arte. Los trabajos proceden de creadores de distintos campos: fotoperiodistas, fotógrafos, pintores, arquitectos, cineastas, diseñadores o escritores. 
 

77 Magazine núm.2
Comisariado por Ahlam Shibli 
(Palestina, 1970)

El trabajo fotográfico de Ahlam Shibli se centra en el reconocimiento de personas y territorios que viven sometidos a diferentes tipos de opresión. Sus fotografías, de carácter documental, se organizan en series. Las imágenes van acompañadas de datos contextualizadores y textos en los que aparecen elementos del reportaje, que penetran así el campo del arte contemporáneo.
La obra de Ahlam Shibli se ha expuesto en la Documenta de Kassel, la Bienal de Estambul, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museum of Modern Art de Warsaw, el Jeu de Paume de París, el Museu de Arte Contemporânea de Serralves, en Oporto, y la Darat al Funun de Amman.
Se han dedicado varias monografías a su obra, entre ellas 
Ahlam Shibli, editado por Youlhwadang Publishers; Dependence, editado por Ediciones Originales; Phantom Home, editado por MACBA, Jeu de Paume, Museu de Serralves y Hatje Cantz; Go there, Eat the mountain, Write the past, publicado por Darat al Funun — The Khalid Shoman Foundation; Trauma, publicado por Peuple et Culture Corrèze, y Trackers, publicado por Verlag der Buchhandlung Walther König.


Ahlam Shibli ha comisariado para 77 Magazine un conjunto de siete fotografías de distintos artistas, entre las cuales incluye, a doble página, una realizada por ella. Estas fotografías muestran aspectos de la pandemia de la COVID en la población palestina. Los artistas seleccionados por Ahlam Shibli son Aref MassalhaMohamed Harb y Monther Jawabreh, los tres participantes en el proyecto In memory of tomorrow, 2020-2021, de la A. M. Qattan Foundation's ongoing project, en Ramallah, Palestina.

En su aportación a 77 Magazine, Ahlam Shibli pone el acento en este pliegue en torno al autor como educador, coordinador y comisario de una colección que construye un modelo colectivo, que es, a la vez, obra propia, y que amplía el concepto de autoría tal como lo pensaba el mercado del arte y el discurso de la historia del arte.

www.edicionesoriginales.com

 

 

MUSICA: GLIMPSE INTO PAST.

 

 

MUSICA: PLUGIN. SAND WIND

 

 

ENTREVISTA. ALEJANDRO RODRIGUEZ.. FUNDACION JAPON EN MADRID.

 

FJM10 X MUTEK: Arte y tecnología en Japón

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Llegamos a los últimos días de la conmemoración del 10º Aniversario del centro de Fundación Japón en Madrid y MUTEK ES , festival dedicado a la creatividad digital en sonido, música y arte audiovisual, ha querido hacernos un regalo muy especial, una edición exclusivamente dedicada a la música y el arte de Japón.
 

En esta ocasión, y gracias a esta colaboración que nos ha permitido durante los últimos años disfrutar del mejor arte digital japonés, podremos ver online y de forma completamente gratuita tres espectáculos seleccionados por MUTEK ES con un especial protagonismo de la música y las artes visuales: el espectáculo 傀儡神楽 ALTER the android KAGURA, un concierto del pianista Eiichi Sawado con el acompañamiento visual de la pintora Akiko Nakayama y una actuación del artista sonoro FUJI|||||||||||TA.
 

Sawado-Nakayama-web2

El programa de esta edición tan especial de MUTEK ES  se completa con una entrevista a Takashi Ikegami, profesor de Ciencias de Sistemas Generales en la Universidad de Tokio y responsable del proyecto 傀儡神楽 ALTER the android KAGURA, y una charla de Maurice Jones, director artístico de MUTEK JP, sobre la creación digital actual en Japón.

Fechas: Del jueves 18 al domingo 28 de marzo de 2021.

Acceso: Online. Los espectáculos se podrán ver en www.fundacionjapon.es y las conferencias en esta web y nuestro canal de YouTube.

 

 

MUSICA: IU TAKAHASHI. DEPTHSCAPE

 

 

CONNTRAPORTADA. CARO C. INFINITE VARIABLES OF TRANSMISION. ELECTRIC MOUNTAINS

 

Rosa Pérez   19.mar.2021 08:42    

Helga de Alvear, Alvaro P FF y David Armengol

    viernes 12.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PORTADA: MAPSTATION. NO NO STAUING. MY FREQUENCIES, WHEN WE

Mapstation es el proyecto de Stefan Schneider desde el año 2000. Ahora pone encirculación su octavo álbum My Frequencies, when we, inspirado en Africa y el folclore de américa del sur, el db y por supuessto el Krautrock.

Grabado entre la primavera y el otoño de 2020.

 

 

MUSICA:

MUSEO HELGA DE ALVEAR, CÁCERES.

Helga alvear

A finales de febrero se inauguraba el Museo Helga de Alvear en Cáceres, conviertiendo esta ciudad en el epicentro del arte contemporáneo internacional.

 

El acto de la apertura del edificio diseñado por el estudio Tuñón Arquitectos, candidato al Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe, y la inauguración de la muestra de la Colección Helga de Alvear que alberga en su interior: ppresenta una selección de obras de artistas de la talla de Olafur Eliasson, Pablo Picasso, Louise Bourgeois, Wassily Kandinsky, Helena Almeida o Ai Weiwei.

El edificio ha sido proyectado por el estudio Tuñon.

 

MUSICA: SEBASTIEN GUERIVE. OMEGA II. OMEGA POINT

 

MUSICA: MATHEW E. WHITE AND LONNIE HOLLIE. I´M NOT A TRIP

ENT. ALVARO P FF

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Isolation Days.  La Fiambrera Artgallery. Hasta el 22 de junio.

La Fiambrera Art Gallery da la bienvenida a la primavera y a sus aires de renacimiento y esperanza con Isolation Days, la cuarta exposición individual del diseñador y artista madrileño Álvaro P-FF. (Alvaro Pérez Fajardo)

Isolation Days (días de aislamiento) recopila una veintena de obras que el artista madrileño realizó durante los meses de confinamiento de la primavera de 2020, por entonces sin intención de exponerlas o comercializarlas. El arte surgió de la necesidad del artista para canalizar sus emociones y sus reflexiones sobre los dramáticos acontecimientos, y comunicarlas con sus seguidores y amigos a través de sus redes sociales. Pérdida, tristeza, angustia, incertidumbre, esperanza… sin duda sentimientos que casi todos nosotros sentimos entonces, y hasta seguimos sintiendo.

Las ilustraciones son una mezcla de instantáneas del día a día (fumar en el balcón mirando a los vecinos, escuchar música, jugar a la consola..) y sensaciones interiores (aburrimiento, angustia, soledad,…). Los primeros días de encierro fueron muy hardcore, con cientos de mensajes, la televisión vomitando miedos y con la intranquilidad de sentirse en un barco a merced de los vientos. Nadie sabía hacia dónde íbamos y tampoco se veía a los expertos saber dirigir el barco, así que decidí arrancar el cable de la televisión, abandonar Facebook, y aislarme con mi familia y mi música y dedicarme a dibujar para mí y mis amigos.”



 

SOBRE EL ARTISTA: Álvaro Pérez Fajardo (Madrid, 1973) es uno de los diseñadores más respetados dentro de la industria musical española. Desde que comenzó a dibujar para la escena underground de Madrid a mediados de los años noventa sus portadas y carteles han puesto imagen a la música que nos ha acompañado durante dos décadas. Con su peculiar estilo mezcla la cartelería del rock con la imaginería mejicana, el humor negro, el cine gore, la crítica social, el cartel político-propagandístico de los regímenes totalitarios, o el art-decó, utilizando un sinfín de iconos de la cultura pop puestos del revés. Desarrolla su labor profesional en su estudio The Fly Factory, junto a su hermano el fotógrafo Juan Pérez Fajardo. Desde 2014 desarrolla su producción artística personal para La Fiambrera, poniendo en práctica sus técnicas e influencias de siempre pero con la libertad de hacer algo propio que no está más que su servicio y el de su arte.

 

MUSICA: IURY LEGH. CARPATIANA. ONTONANOLOGY

 

MUSICA: RICHARD VON DER SCHLENBURG. DANCE THE SPACE

ENT. DAVID ARMENGOL, COMISARIO

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La exposición "Our garden needs its flowers. Flujos y narrativas artísticas en el Distrito Cultural de Hospitalet" propone una lectura del actual contexto artístico del Distrito Cultural a través de las artes visuales, la música y el diseño. 

El proyecto, comisariado por David Armengol y Albert Mercadé, se acompaña de un programa de actividades, conciertos y exposiciones temporales con el objetivo de poner de manifiesto la diversidad creativa de la ciudad. 

La muestra se podrá ver desde mañana sábado 27 de febrero hasta el 18 de julio en el Centro de Arte Tecla Sala en L'Hospitalet.

MUSICA: PEPO GALAN. DAWN. CLOSE/STARE COMPILATION

 

 

MUSICA: CARO C. DREAMERS FOR ELSA. ELECTRIC MOUNTAIN

 

CONTRAPORTADA: MAPSTATION

 

Rosa Pérez   12.mar.2021 15:56    

CANAL CONECT, ARTE Y TECNOLOGÍA

    viernes 5.mar.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 08.03.21

 

 

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Los Teatros del Canal de Madrid, están celebrando Canal Conect, Entre el 5 y el 14 de marzo de 2021. Arte, ciencia, tecnología ..Propuestas artísticas innovadoras |, mostradas en Instalaciones interactivas y performativas | Mesas redondas | Talleres.

 

Espectáculos, instalaciones interactivas, encuentros, conferencias y talleres. Canal Connect celebra la confluencia del arte, de la ciencia y la multiplicidad de nuevas tecnologías en la era digital.

Estas nuevas tecnologías están transformando la sociedad del siglo XXI e influyendo a su vez en los procesos creativos, dando como resultado nuevas formas de crear y propuestas artísticas innovadoras. El arte, la ciencia y la tecnología discurren por caminos paralelos, la creatividad encuentra en la tecnología digital y en la ciencia un aliado extraordinario.

Durante Canal Connect presentaremos en todos los espacios del teatro espectáculos, una exposición de instalaciones interactivas, workshops, mesas redondas, conferencias y talleres para todos los públicos

Para Máquina Loca, exposición que se podrá disfrutar en varios espacios del teatro, hemos contado con la curaduría de Charles Carcopino. 

PORTADA: Laurie Anderson. FROM THE AIR. BIG SCIENE. 

Blanca li

ENTREVISTA. BLANCA LI, directora de los Teatros del Canal.

Blanca Li es coreógrafa, bailarina, directora de escena para ballets, musicales o operas, realizadora de cine y audiovisual, actriz, artista multimedia, y en abril del 2019, ha sido nombrada primera mujer coreógrafa a la Academia de Bellas Artes francesa, en reconocimiento a su contribución a la danza.

Ha dirigido 5 largometrajes, incluyendo la comedia musical “Le Défi”, con 150 bailarines de hip hop, en 2001, “Pas à Pas”, un documental sobre una de sus creaciones, o “Elektro Mathematrix”, un musical con bailarines de Electrodance. Ha dirigido el primer cortometraje de danza en realidad virtual en Francia en 2013. También ha creado múltiples instalaciones y eventos como para el MUSAC en Léon, el Museo Guggenheim de Bilbao, la Noche Blanca en Madrid, o el Grand Palais en Paris entre otros.



Ha trabajado con incontables artistas en la música como Coldplay, Beyoncé, Blur, Daft Punk, Paul McCartney, Kylie Minogue…, directores de cine como Pedro Almodovar, Jean-Jacques Annaud, Michel Gondry, Andrei Konchalovski, Jonas Åkerlund… y creadores de moda como Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa, Stella McCartney, Iris Van Herpen, Cartier, Hermès, Valentino…


Entre sus premios y condecoraciones, se pueden destacar la bandera de Andalucia, el premio Ideal, el premio Manuel de Falla, la medalla de la fundación Rodriguez Acosta, y la medalla de Bellas Artes de Granada. También ha recibido las insignias de “Chevalier de l'Ordre National du Mérite” en 2004, las de “Officier des Arts et des Lettres” del ministro de Cultura en Francia en 2007, las de “Chevalier de la Légion d'Honneur” del presidente de la república francesa François Hollande en 2014, y la “Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes” por el Rey Juan Carlos de España en 2009.

MUSICA: HOLLY HERNDON. FRONTIER.

Segunda

Ent. ANAISA FRANCO.

Anaisa Franco y Lot Amorós. Love Synthesizer

Proyecto: Anaisa Franco y Lot Amorós

Love Synthesizer , es una instalación artística que genera una orquesta de luz y de sonido cuando las personas se tocan en el interior de una semicúpula sensible. La obra trata de buscar una conexión mágica entre personas, en las que sientan la conexión de su cuerpo con el de otro en el interior de un instrumento musical gigante que se encargará de sintetizar los sonidos y las luces.

Anaisa Franco. Brasil, 1981

Anaisa Franco crea interfaces que elaboran artísticamente una situación “afectiva” donde las personas expanden sus sentidos a través de la interacción con las esculturas, creando nuevas formas, relaciones y experiencias entre las personas, los sujetos elegidos y el material tecnológico disponible en el mercado..

Posee un Master de Arquitectura Avanzada en el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya (IAAC) en Barcelona. Un año de M-Arch 1 en SCI-Arc en Los Angeles, un master en Arte y Tecnología Digital de la Universidad de Plymouth en Inglaterra y una licenciatura en Artes Visuales de la FAAP en São Paulo.

En los últimos años ha desarrollado instalaciones de arte público receptivo y obras de arte de nuevos medios para museos, espacios públicos, galerías, medialabs, residencias y comisionados como Shanghai City Life Festival, Annecy Paysages, Medialab Prado, Mecad, MIS, Hangar, Taipei Artist Village, China Academy of Public Art Research Center, Mediaestruch, Cite des Arts, ZKU, SP_Urban, MAC Fenosa, VIVID Sydney, EXPERIMENTA Biennale Melbourne, RUMOS Itaú Cultural, URBE, y muchos otros.

MUSICA: HOT SINCE 82. NABOO FEAT MISS KITTIN

J crowe

ENT. J. CROWE

j.crowe (Jorge Luis Crowe) es artista audiovisual, docente y desarrollador electrónico con base en Buenos Aires. Licenciado en Artes Visuales (UNCuyo).  Desde el 2008 dirige el Laboratorio de Juguete, espacio de divulgación especializado en la electrónica y sus aplicaciones creativas, educativas y artísticas. Es integrante del proyecto FLEXIBLE (arte, ciencia & tecnología para la infancia), profesor en la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF), la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF) y en la Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios (UNA).  De 2011 a 2014 trabajó para el canal PAKAPAKA (TV infantil pública) en la realización de dos programas de divulgación tecnológica/científica : Los Hacecosas (idea original y contenidos) y Desafiólogos (contenidos).

Ha realizado presentaciones musicales, muestras y talleres en más de 40 ciudades de Latinoamérica, Europa y Reino unido Unido.



Ludotecnia. j. crowe. Género: propuesta audiovisual, electrónica, juguetes.

5, 6 y 7 de  marzo. Sala Negra. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 45 minutos. País: España

Ludotecnia es una presentación audiovisual en vivo basada, fundamentalmente, en el uso de juguetes modificados. Elementos electromecánicos, lámparas y otros dispositivos son secuenciados y controlados, siendo a la vez parte de la construcción musical y la puesta visual. Pequeñas cámaras capturan las acciones sobre la mesa, lo que permite al público participar de lo que está sucediendo en el “escenario”. Con los juguetes como puente, Ludotecnia se presenta ante públicos de todas las edades, sin comprometer ni suavizar su propuesta audiovisual. Ludotecnia es un humilde homenaje a la generación VHS y las películas de televisión de sábado por la tarde, llenas de criaturas stop-motion, científicos locos, superpoderes e invasiones alienígenas.

 

TAMBIEN EN TALLERES

Imparte los talleres Jorge Crowe (Jorge Luis Crowe), un artista audiovisual, docente y desarrollador electrónico con base en Buenos Aires. Licenciado en Artes Visuales (UNCuyo), desde 2008 dirige el Laboratorio de Juguete, espacio de divulgación especializado en la electrónica y sus aplicaciones creativas, educativas y artísticas. Es integrante del proyecto FLEXIBLE (arte, ciencia & tecnología para la infancia), profesor en la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF), la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF) y en la Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios (UNA). 

 

MUSICA: CARO C. DREAMERS FOR ELISA. ELECTRIC MOUNTAIN.

Tercera

ENT. ROCIO BERENGUER.

G5 INTER_ESPÈCES. Rocio Berenguer. Género: teatro / danza 

13 y 14 de marzo. Edad recomendada: a partir de 8 años. Duración: 1 hora. Sala Verde. Países: España / Francia

G5 es un doble proyecto compuesto por un espectáculo, G5, y una instalación, LITHOSYS.

¿Qué futuro le espera a la especie humana? Lejos de los escenarios catastrofistas preconizados por los medios de comunicación, Rocío Berenguer imagina una utopía, una asamblea interespecies en la que se invita a las distintas categorías de seres -humano, animal, vegetal, mineral, máquina- a negociar conjuntamente las posibilidades de su existencia en común.

G5 (2020)

El título G5 es una referencia humorística a las cumbres del tipo G8 o G20. Sin embargo, en esta cumbre no hay gobiernos de humanos: los que se reúnen son las distintas especies para debatir el futuro del planeta. Espectáculo de teatro y de arte digital.

 

LITHOSYS. INSTALACIÓN INTERACTIVA / 2020

Lithosys es una propuesta para un posible sistema de comunicación interespecies e intravida basado en el campo magnético terrestre. Se invita a todos los participantes a codificar un mensaje en la piedra y que su voz perturbe su levitación.

Autora, directora e intérprete: Rocío Berenguer

Musica: SUSAN DRONE. MUJERES DESAPARECIDAS. HAB.BLA

Sabrina

Ent. Sabrina AMRANI. Representa MENTAL KLINIK.

PUFF OUT M_2101, 2021, de :mentalKLINIK. País: Turquía / Bélgica.  Esta pieza atraviesa con indisimulada destreza las estrategias políticas invisibles y las dinámicas sociales mediante dispositivos ultracontemporáneos, con una levedad solo aparente. Como la bola de luces de una discoteca, estas proyecciones son una selección de su perspectiva multiforme del universo. Su mundo, que se resiste a los límites impuestos por un único léxico o estilo, es un universo lúdico lleno de atracción hedonista que puede vivirse como festivo y glamourosos, pero también sorprendente a medida que nos acercamos y descubrimos una violencia subyacente que sugiere un mal presentimiento tras la fiesta o el terrible principio del fin. Sus obras oscilan entre la actitudes emocionales y robóticas. Apela a todos los espectadores a la tarea de descifrar lo verdadero y lo falso, lo artificial y lo superficial, como si todo se tratara de un caso de falsificación.

 

MUSICA: ELLEN ALLIEN. I CAN´T SEE YOU. EDITADO SEPT 2020 BPITCH

Voluntario

ENTREVISTA: NICOLAS HUERTAS.Sobre la instalación THE NEMESIS MACHINE. STANZA.

 

 

Talleres

ENT. SARA ANTEQUERA + PABLO PALACIOS (SOBRE MESAS REDONDAS)Pablo Palacio, compositor y fundador del Instituto STOCOS, proyecto centrado en la transferencia de conceptos entre Arte y Ciencia.

 

 

MESAS REDONDAS.

 

No es ninguna novedad que el arte convive y se nutre de la tecnología como medio, como lenguaje y/o como compañero de viaje. Sin embargo, los avances en el sector de la innovación, así como la creatividad de los artistas y creadores, forman un tándem con infinitas posibilidades de generación de nuevas formas artísticas y nuevas formas de comunicación entre la pieza, los artistas y los usuarios que se acercan -o forman parte de ella-. Por lo tanto, la tecnología no solo funciona como medio para mostrarla, sino que puede proporcionar el propio lenguaje de la pieza, así como puede moldearla o definirla.

En el caso de la ciencia y su relación con el arte, nos encontramos con dos realidades totalmente conectadas y permeables. Al final, bajo cualquier herramienta tecnológica, está la base científica, y detrás de las técnicas que se aplican, por ejemplo, a una pieza plástica, también encontramos técnicas y conocimientos con base científica.

La relación, por tanto, del arte, la tecnología y la ciencia es, y está prácticamente en todas las piezas que vemos pero, ¿somos conscientes de ello? ¿Cómo está evolucionando esta relación? ¿Qué supone para los creadores y artistas las nuevas herramientas, lenguajes y dispositivos tecnológicos? ¿Qué aportan estos recursos a la pieza de arte? ¿Cómo varía el papel del usuario que se acerca a estas piezas?

Éstas y otras muchas preguntas serán abordadas a lo largo de las 4 mesas redondas que hemos preparado, con profesionales y expertos reconocidos nacional e internacionalmente, que aúnan arte, tecnología y ciencia en su trabajo diario. Desde instituciones, exhibidores y programadores, a creadores y artistas que ven la innovación como parte de su trabajo cultural y artístico, ofreciendo experiencias que sitúan al usuario más como protagonista de la misma, que como mero espectador. 

 

Mesa redonda Nos adentramos en la obra de los artistas de ‘Máquina Loca’. Participantes: Boris Petrovsky, Gregory Chatonsky, Dr. Stanza, Rocio Berenguer y Justine Emard.

7 de marzo de 2021, a las 16.00 h. Sala Negra. Duración: 1,20 horas.

¿Qué hay detrás de una pieza de la pieza de arte y tecnología? ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentan los creadores que aúnan ambas disciplinas? ¿Y cuáles son los procesos de creación de las piezas? Estas son solo algunas de las preguntas que se responderán en esta mesa redonda, donde conoceremos más en detalle las producciones de parte de los artistas y creadores de Máquina Loca.

Los artistas que participarán en la mesa redonda son:

Boris Petrovsky, artista alemán que ha expuesto en numerosas galerías y festivales por todo el mundo, entre otros en el Ars Electronica de Linz. Ahondará en los dos estrenos absolutos que trae a #CanalConnect: la instalación Reflex/Trigger y su pieza performativa, TRUE FALSE.

Gregory Chatonsky, artista francés, director artístico de ARTEC y del centro de investigación Imago. Presentará El sueño de las máquinas y profundizará en su proceso y la importancia de los datos y de su uso.

Dr. Stanza, artista independiente con base en Londres, presentará su instalación polisémica en constante evolución, The Nemesis Machine – From Metropolis to Megalopolis to Ecumenopolis.

Rocio Berenguer, artista española interesada en temas como la evolución de la libertad individual en nuestra sociedad, hablará del proceso de creación de su pieza interactiva, LITHOSYS, dentro del proyecto G5 INTER_ESPÈCES.

Justine Emard, artista visual cuyo trabajo se ha exhibido, entre otros, en la Bienal de Moscú, reflexionará sobre su instalación reactiva, Supraorganism, compuesta con esculturas de vidrio robotizadas.

El moderador de esta charla, Charles Carcopino, es el comisario de Máquina Loca y de  Canal Connect. Compagina su labor como creador con la de curador de exposiciones internacionales, integrando arte y tecnología.

 

 

Mesa redonda La innovación en el arte: nuevos retos y oportunidades. Participantes: Óscar Hormigos, Pablo Gervás, Javier Arrés, Covadonga Fernández, Mónica Bello y Jon Astorquiza (moderador).

9 de marzo de 2021, a las 18.00 h. Sala Negra. Duración: 1,30  horas.                                                                        

La irrupción de las tecnologías inmersivas, la Inteligencia Artificial y el blockchain en el sector del arte abre un mundo de posibilidades para los agentes culturales, artistas, creadores, instituciones y ‘espectadores’ o ‘prosumidores’ del arte. En esta mesa redonda se generará un diálogo que buscará entender en qué punto histórico-artístico y tecnológico estamos.

Óscar Hormigos, director general de ONKAOS, un proyecto de Colección Solo, que impulsa la creación artística a través de las nuevas tecnologías.

Pablo Gervás, Doctor en Informática y experto en Inteligencia Artificial, ha generado programas como PropperWryter para construir el argumento del musical Beyond the fence (primero en ser generado por ordenador y presentado en el West End de Londres) y WASP, para generar poemas.

 Mónica Bello, comisaria e historiadora del arte, desde 2015 es la directora de Arte del CERN, la Organización Europea para la Investigación Nuclear, en Ginebra.

 Javier Arrés, artista granadino reconocido como uno de los referentes del criptoarte (entre los top 20 del mundo), y ganador de la Bienal de Arte de Londres 2019 en la categoría ‘work on paper’. Covadonga Fernández, periodista, directora del Observatorio Blockchain y de Blockchain Media, entre otros.

Modera la mesa Jon Astorquiza, artista multidisciplinar y agitador cultural. Fundador de ElecktART, durante más de 10 años dirigió Technarte, las Conferencias Internacionales de Arte y Tecnología en Bilbao, y cuyo modelo exportó a Los Ángeles.


 

Mesa redonda La innovación en la base de las nuevas formas de relación con la pieza artística. Participantes: Sandra Gutiérrez, Irma Vilà, Lucía García, Cristina de Silva, Rosa Ferré y Marcos García (moderador)

 

 

 10 de marzo de 2021, a las 17.30 h. Sala Negra. Duración: 1,30  horas. 

La tecnología varía la forma en la que accedemos a las piezas artísticas, y no solo eso, también aporta un nuevo lenguaje, un nuevo entorno de representación y un nuevo medio para transmitir y contar historias. Y aquí, las instituciones y exhibidores de piezas que conjugan el arte y la tecnología, tienen mucho que decir. ¿A qué retos se enfrentan? ¿Cuál es el papel del espacio en estas nuevas instalaciones? ¿Cómo se mueven las obras de arte en estos entornos y contextos? ¿Cuál es el papel del usuario que asiste a un museo, un teatro u otros encuentros culturales? ¿Cuál es su experiencia con este tipo de eventos, instalaciones y espectáculos?

Estas y otras muchas preguntas se abordarán en esta mesa redonda, donde expertos del tejido cultural, entre los que habrá representantes de espacios, festivales y proyectos multidisciplinares cuya guía principal es la innovación en el sector artístico, compartirán con el público sus impresiones y reflexiones.

Lucía García, directora gerente de Fundación LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial.

Cristina de Silva creadora multimedia, comisaria y codirectora de L.E.V Festival, también dirige el proyecto de intervenciones artísticas, Arenas Movedizas.

Rosa Ferré, directora artística de Matadero Madrid, Centro de Creación Contemporánea. Entre el 2012 y el 2018 fue jefa de Exposiciones y Actividades Culturales del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCC).

Sandra Gutiérrez, coordinadora de exposiciones en Fundación Telefónica y una de las responsables del proyecto INTANGIBLES, una exposición digital con obra de la Colección Telefónica.

Irma Vilà, comisaria e investigadora de Arte, Ciencia y Tecnología; ha organizado el Ars Electronica Garden Barcelona, y es miembro del grupo de investigación DARTS (UOC), entre otros.

Modera la mesa Marcos García, que trabaja en el ámbito de los laboratorios ciudadanos y que desde 2014 y hasta 2021 ha sido director de Medialab Prado, y uno de los responsables del programa cultural de esta institución (2004-2014).



Mesa redonda La ciencia y la tecnología como mediadores de la creación artísticaParticipantes: Daniel Canogar, Pilar Almansa, Pablo Palacio, Paz Tornero, Alfredo Miralles. 14 de marzo de 2021, a las 16.00 h. Sala Roja. Duración: 1,30 horas.

 

¿Cómo es para un artista y/o creador/a, el proceso de creación de una pieza artística en entornos inmersivos, usando Inteligencia Artificial o publicando las piezas en blokchain? ¿Cómo afectan estas nuevas tecnologías a las diferentes formas de arte y en la forma de valorarlas? ¿Qué valor diferencial aportan estas piezas en las diferentes disciplinas artísticas, respecto a los soportes, medios y lenguajes que teníamos hasta ahora?

Estas son solo algunas de las preguntas que abordarán los profesionales invitados en esta mesa redonda, artistas y creadores de renombre internacional, con una extensa y reconocida trayectoria en la generación de piezas artísticas a través del uso de diferentes herramientas tecnológicas, así como expertos en materia de creatividad, arte y tecnología.

Daniel Canogar, artista visual de renombre internacional que, actualmente, colabora con el CNIO y el Human Cell Atlas en una pieza artística comisionada por Amparo Garrido.

Pablo Valbuena, artista visual interesado, principalmente, en aspectos como el tiempo, el espacio y la percepción, que trabaja en la interrelación del mundo digital y el mundo real. Sus propuestas artísticas se han podido ver en espacios públicos o instituciones culturales, entre otros.

Pablo Palacio, compositor y fundador del Instituto STOCOS, proyecto centrado en la transferencia de conceptos entre Arte y Ciencia.

Pilar G. Almansa, directora de escena, dramaturga y guionista, investigadora en el campo del teatro inmersivo.

Paz Tornero, doctora en Tecnologías de la Creatividad, es docente investigadora y tiene estudios de Danza y Bellas Artes; actualmente forma parte de OpenBioLab GRX.

Alfredo Miralles (moderador). Gestor cultural, docente y artista, coordina proyectos de arte y tecnología en el Aula de las Artes de la UC3M, además de su proyecto Plataforma de Arte y Ciencia.

MUSICA: LUCRECIA DALT. DISUELTA.

 

BROMO. NO SIGNAL. 

Rosa Pérez    5.mar.2021 15:14    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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