ESPECIAL LEV 2021

    domingo 25.jul.2021    por Rosa Pérez    17 Comentarios

PROGRAMA 26.07.21

 

PROGRAMA ESPECIAL LEV 2021L.E.V. 2021 - Cartel, Entradas y Horarios

 

Rosa Pérez   25.jul.2021 11:54    

Goshka Macuga, Enorme Studio, Festival Lev y Javier Ayarza

    viernes 16.jul.2021    por Rosa Pérez    19 Comentarios

PROGRAMA 19.07.21

PORTADA: VOIE 81. MON ROY HOME

VOIE81

Voie 81 son un duo parisino al que se le suman voces femeninas de tres captales europeas como son Paris, Madrid y Berlín. Se inspiran en el sonido de los 80 e incorporan un mensaje feminista, eco-responsable y unificador.

El álbum debut de Voie 81, este misterioso dúo compuesto por Benjamin y David que mezcla new wave y synthpop digno de los 80 con un resultado al menos fuera de lo común, llega tras haber adelantado algunos cortes en las redes , finalmente presentan su primer disco llamado Slow Down.

 

Voie 81 nos lleva rápidamente de tres a cuatro décadas atrás, cuando la corriente de la nueva ola era totalmente popular. Esto se puede escuchar en canciones embriagadoras e hipnóticas como "Dime" que abre este Slow down, pero también "Nirvana" y "The Sun" Entre electro beats epilépticos, agudos riffs de guitarra y sintetizadores epilépticos, esta es la receta para llevarnos a buen puerto este verano.

 

 

MUSICA: MAX WURDEN. ORDINARY WORLD. SCRIPT.

ENT. NEUS MIRÓ

EXPOSICIÓN. GOSHKA MACUGA. MUSAC. LEÓN.

Macuga_musac

MUSAC presenta IN FLUX, una exposición monográfica de la artista Goshka Macuga (Varsovia, Polonia, 1967) que incide en la reconstrucción de los relatos históricos y su relación con las instituciones como símbolos de poder. Comisariada por Neus Miró, constituye la primera presentación de obra de la artista en el territorio español.

Bajo el título IN FLUX, este proyecto reúne tres grandes instalaciones especialmente significativas en la trayectoria de la artista —Plus Ultra (2009), Untitled (2011) y The Nature of the Beast (2010)— junto a material encontrado en archivos y colecciones para, a partir de todo ello, proponer nuevas aproximaciones a los relatos heredados sobre los hechos y personajes históricos presentados en cada una de estas tres instalaciones.

Goshka Macuga nace en Varsovia (Polonia) en 1967 y se traslada a Londres en 1989 para continuar su formación en la Central Saint Martins School of Art y en el Goldsmiths College. En 1989 cae el muro de Berlín y se inicia la transformación del bloque del este de Europa; un contexto histórico que, si bien no está referenciado en su obra directamente, incide en su interés por la reconstrucción de los relatos históricos y su relación con las instituciones como símbolos de poder. Su trabajo se inscribe en esa práctica que algunos teóricos han denominado como “giro historiográfico” protagonizado por artistas que llevan a cabo todo tipo de investigaciones, asimilando su tarea al de un historiador. Sus obras se conforman en grandes instalaciones donde mezcla piezas de creación propia, en diversas disciplinas, con material encontrado en archivos y colecciones para, a partir de todo ello, proponer nuevas aproximaciones a los relatos heredados sobre hechos y personajes históricos. Macuga recicla constantemente imágenes y referencias. Este método se asemeja al utilizado por parte del historiador del arte Aby Warburg donde, a modo de collage, se yuxtaponen imágenes procedentes de diferentes períodos históricos que comparten tema o tratamiento estético y se constituyen en un continuum visual.

 

MUSICA: ASMUS TIETCHENS AND MIKI YUI. OBORO. NEUES BOOTS

 

MUSICA: DOTT. UNBREAKABLE

ENTORME ESTUDIO

Aprender a diseñar un espacio pequeño para flexibilizarlo y optimizarlo al máximo sin perder el estilo. Enorme Studio

Retrato

En las últimas décadas, la tecnología, la comunicación y el estilo de vida de las personas han cambiado radicalmente. Sin embargo, en el caso de la arquitectura, las viviendas siguen manteniendo la estructura rígida del pasado, a pesar de ser cada vez más pequeñas. Por eso, los arquitectos y fundadores de Enorme Studio, Rocío Pina y Carmelo Rodríguez, diseñan hogares que optimizan cada centímetro cuadrado y se adaptan a las necesidades del día a día de sus habitantes.

Hablamos de mirar los espacios pequeños con otros ojos, para rediseñarlos y aprovecharlos al máximo sin perder el estilo, junto a los creadores del estudio de arquitectura Enorme Studio.

MUSICA: POUPEES ELECTRIQUES. CONECTIVITE

 

MUSICA: LUCIE ANTUNES. LNM

 15 Aniversario de L.E.V. Festival!

Del 22 al 25 de julio, tomamos Gijón con conciertos, performances audiovisuales, instalaciones, experiencias de realidad virtual y aumentada y un taller de creación sonora para jóvenes.  

Cuatro días para sumergirnos en la cara más sorprendente de la creación sonora, audiovisual y digital de la mano de artistas locales e internacionales como Ryoichi Kurokawa, fuse*, Hsin-Chien Huang, Lucie Antunes, Fasenuova + Marta Verde o Adrien M & Claire B.

 

MUSICA: FASENUOVA. ARMA

 

MUSICA: NACHO ROMAN.

ENT. JAVIER AYARZA.

El Museo de Palencia acoge 'Infectum' una muestra con creaciones artísticas  contemporáneas de la provincia | Radio Palencia | Actualidad | Cadena SER

CONTRAPORTADA: VOIE 81.THE SUN EXTENDED VERSION

 

Rosa Pérez   16.jul.2021 10:33    

ARCO 2021

    domingo 11.jul.2021    por Rosa Pérez    2 Comentarios

PROGRAMA 12.07.21

https://www.rtve.es/play/audios/fluido-rosa

 

ENT. MARGARITA AIZPURU.

Comisariado por Margarita Aizpuru, ‘Feminario’ reúne a siete creadoras pertenecientes a distintas generaciones y con una importante proyección internacional, “que harán de embajadoras de nuestra provincia a través de toda una diversidad de disciplinas y maneras de entender el arte”: Carmen F. Sigler (Ayamonte), Rocío López Zarandieta (Isla Cristina), Sara Khalo (Punta Umbría), Victoria Rodríguez Cruz (Santa Ana La Real), Pilar Lozano (Huelva), Pilar Albarracín (Aracena) y María Suero (Huelva). Feminario

 

Feminario tiene tres ejes temáticos: Cuerpo y agua, narrativas genéticas acuáticas , en las que se enmarcan las propuestas de Rocío López Zarandieta y Victoria Rodríguez Cruz; Clichés identitarios femeninos sureños, con Pilar Albarracín y Pilar Lozano; y De lo cotidiano a lo social: mujeres y virus diversos, con la obra de Carmen Singler, Sara Kalho y María José Suero.

 

 

MUSICA: ARANDEL. NOS CONTOURS. FEAT OMETTE. (IN-BACH 2)

 

 

 

 

GALERIA ADN.

María María Acha-Kutscher

MUSICA: DJ CLICK & MASHA NATANSONI. I GOT DRUNK

Alán Carrasco.

 

MUSICA: 01. CASTORA HERZ. LA TROVA HERMÉTICA. CODEX FUTURA VOL. 2

Radiotelevisión Española presenta en ARCO 2021 un proyecto de arte inmersivo con los trabajos de tres artistas que representan a tres generaciones de la creación digital contemporánea en España: ‘Ángeles caídos’, de Marina Núñez; ‘La Pagoda de Fisac’, de Amaya Hernández; y ‘Afectos disidentes’, de Teresa Rofer.

 

Las piezas se proyectarán en una cúpula de cuatro metros de diámetro que transporta al espectador a otro mundo. La inmersión que permite este revolucionario formato crea una especie de burbuja, con espacios y tiempos diferentes, y genera un nuevo entorno audiovisual que produce una percepción no física.

 

ARTS LIBRIS. editorial EL NAUFRAGUITO

. 

El fanzine que nada a mano.

www.elnaufraguito.com

 

 

 

MUSICA: 5. GLITTER BRIDGE.PARENTHESIS NIET

 

ARSLIBRIS. XIMENA PEREZ GROBETNowhereman Press 1994-2019 25th anniversary

www.ximenaperezgrobet.com

MUSICA: NACHO ROMAN. GRIS TIERRA. 04. VIENTO FRIO

Galería ROCIO SANTACRUZ. MAR ARZA. MARINA NUÑEZIAC | Rocío Santa Cruz - ARCO E-xhibition #1 Gonzalo Elvira / Mar Arza

Naturaleza-Muerta-Oleaje-Marina-Nunez-681x1210

MARINA NUÑEZ, premio Arco/Beep de arte electrónico 2021

MUSICA: 

 

GALERIA AURAL. CONCHA JEREZConcha Jerez

 

MUSICA: LAGOON. DUB

 

 

Rosa Pérez   11.jul.2021 09:00    

Marina Nuñez, Idowu Oluwaseun, Justmad y La Iberoamericana de Toro

    viernes 2.jul.2021    por Rosa Pérez    72 Comentarios

PROGRAMA 05.07.21

 

 

PORTADA: ARANDEL. Nos contours. Inbach 2

Hay un Bach para todos” dice Arandel, “y ese descubrimiento es lo que me llevó aquí, a InBach”. Y así, un año después del lanzamiento del primer disco de InBach en InFiné, hay suficiente material para hacer un segundo. “Hay tantas cosas sobre Bach que ni siquiera sabía cuando hice la primera, pero después del lanzamiento, la gente seguía viniendo a mí, diciéndome sobre ciertas piezas que debería escuchar o reelaborar; canciones de las que nunca había oído hablar ".

El segundo InBach creció como un jardín a partir de las semillas del primero: un viaje ecléctico a través de fantasías melódicas, un intrincado diseño de sonido y un cierto rayo de luz pop. Algunas pistas nacieron de la actuación de la banda de Arandel en el escenario, experimentando con las canciones en vivo y componiéndolas de nuevo,

InBach vol. 2 es una consecuencia lógica, entonces, de alguien que se sumerge en un charco de música e historia tan grande que se está registrando hasta el día de hoy. Una parte sustancial de los instrumentos utilizados en el elevado y ecléctico álbum se grabaron en el Musée de la Musique de París: instrumentos raros como el piano cuadrado Erard, ondioline, violonchelo de Zach, violines Stroh. Ayudan a dar forma al sonido único del proyecto InBach de Arandel: a veces inquietantemente familiar, siempre de otro mundo y escurridizo.

En la línea de los instrumentos raros, el primer músico invitado al que Arandel se acercó para InBach fue Thomas Bloch, quien presta su don a cuatro pistas en los dos álbumes, tocando las ondes Martenot, uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos jamás inventados. “Dijo que sí de inmediato, lo cual fue una agradable sorpresa, considerando que ha trabajado con tantos artistas importantes en su carrera” (Radiohead, Gorillaz, Marianne Faithful, Tom Waits, Daft Punk, etc.).

El disco viaja elegantemente entre estilos, ideas y estados de ánimo: es un álbum claramente divertido y personal.

El uso de la palabra hablada es otra capa nueva de InBach, y actúa como un hilo lírico que lleva al oyente a través de InBach vol.2:

 

 

MUSICA: FRANCESCO TRISTANO. STRINGS OF LIFE.

ENT. MARINA NUÑEZ.

El museo presenta Marina Núñez. Vanitas, una exposición en la que la artista multimedia Marina Núñez (Palencia, 1966) recupera y reinterpreta el tradicional bodegón, vanitas o naturaleza muerta, género considerado menor y relegado en el pasado a las pintoras, para abordar desde un punto de vista post-humano, ecologista y feminista nuestra actual relación con la naturaleza. Una selección de quince piezas, entre las que se encuentran pinturas, vídeos digitales y piezas de cristal tallado con láser, remiten a la condición orgánica del ser humano y a su fragilidad. Lejos del concepto de naturaleza como conquista y motivo meramente decorativo, sus “flores heroicas” renacen vencedoras en la lucha por la abolición de alienaciones y desigualdades.

La exposición se extiende desde el balcón-mirador de la 1ª planta hacia otras salas de la colección permanente, donde sus creaciones dialogan con obras de maestros antiguos como Hans Memling, Jan de Beer o París Bordone.

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Marina Núñez. Vanitas es la cuarta entrega del programa “Kora” que cada año presenta en nuestras salas una exposición concebida desde la perspectiva de género.



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MUSICA: BASILE3. SANS RETURN

 

MUSICA. CHAPTER FOUR REMIX. BETWEEN THE CLOUDS

ENT. GALERIA  REINERS. MARBELLA.

la galería REINERS CONTEMPORARY ART, con sede en Marbella, que expone por primera vez en España al artista africano Idowu Oluwaseun.

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La exposición "Revolutions per minute: side B", que podrá verse hasta el 30 de julio, se compone de acrílicos a gran escala sobre lienzo y estudios de acrílicos sobre lino, en los que Oluwaseun explora su propia cultura a través de metáforas poéticas que muestran el desprecio global hacia la cultura y el pueblo africano y la desigualdad de género. Todo ello nutrido con referencias a la música, la moda y la cultura popular.

MUSICA: SEBASTIEN GUERIVE. MINCHT

 

 

MUSICA: amelie lens. Little robot.

ENT. JUSTMAD. SEMIRAMIS GONZÁLEZ.

La Feria de Arte Contemporáneo JUSTMAD 2021, que tendrá lugar del 8 al 11 de julio en el Palacio Neptuno de Madrid, contará con una amplia programación de actividades que completarán la feria, junto a sus casi 50 expositores.

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PREMIOS Los premios constituyen una parte importante de JUSTMAD, con ellos se busca promover las creaciones artísticas más audaces. La feria quiere poner en valor el apoyo al arte contemporáneo y acercarlo al coleccionista joven pero también consolidado, al igual que a instituciones y empresas. Los nombres de los premiados 2021 se darán a conocer durante la feria. En esta decimosegunda edición, JUSTMAD anunciará las adquisiciones para importantes colecciones como DKV Seguros, o la Colección Rucandio entre otros. Asimismo, se concederá el Premio de residencia artística ARTHOUSE HOLLAND, que ofrecerá una estancia de un mes en su residencia de Leiderdorp (Holanda) a uno de los artistas de la feria. La cuarta edición del Premio de Fotografía Joven Fundación ENAIRE, otorgado en JUSTMAD por la Fundación ENAIRE, concedió en febrero su premio 2021 a la artista Alejandra Glez., de la galería Aurora Vigil-Escalera. La ganadora, seleccionada entre los participantes de esta edición, expone actualmente en el Real Jardín Botánico de Madrid, dentro de la programación oficial de PHotoEspaña, y estará presente en la feria.

COLECCIONISMO La feria refuerza este año el programa de coleccionismo con varias actividades, patrocinios y actividades. Con la colaboración de Room Mate Hotels se incrementará la presencia de coleccionistas internacionales en Madrid durante los cuatro días de apertura. Asimismo, JUSTMAD contará con un gran número de visitas privadas de coleccionistas a la feria, de la mano de grandes profesionales, y de un completo programa VIP que les acercará a las instituciones culturales más destacadas de Madrid, como la Colección Solo o la Casa Velázquez.

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CONFERENCIAS Entre las charlas y mesas redondas de la feria destacan las enfocadas en los NFTs y las nuevas tecnologías aplicadas al mercado del arte, contando con artistas como Irene Cruz y otros expertos para hablar de este tema. El coleccionismo con compromiso en la igualdad de género estará presente con la mesa redonda que modera la gestora Carmen Tato y que entrevistará Alejandra Castro Rioseco (filántropa, coleccionista de arte, fundadora y directora de MIA Art Collection) y a Alejandra Rodríguez (comisaria de MIA en Asia).

PROGRAMA GENERAL Galería de Arte A Ciegas (Madrid), Antonia Puyó (Zaragoza), Arena Martínez Projects (Madrid), Art Concept Alternative (Florida), Olga Julián Projects (Zaragoza), Aspa Contemporary (Madrid), Galería Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Lilita - Studio Art (Valencia), Córner Gallery & Studio (Madrid), Di Gallery (Sevilla), Espacio 2 (Madrid), Espacio Primavera 9 (Madrid), Espai Nivi “Collbanc” (Castellón), Flecha (Madrid), Galeria das Salgadeiras (Lisboa), Galería José Lorenzo (A Coruña), Galería Modus Operandi (Madrid), Galerie Panoptikum (Austria), Galerie Ulf Larsson (Colonia), Helarea (Madrid), Juca Claret (Madrid), Lariot Collective (Londres), Loo & Lou Gallery (París), Metro (Santiago de Compostela), Montsequi Galería de Arte (Madrid), Movart (Madrid), Pedro Luis RequenART (Madrid), PERVE GALERIA (Lisboa), Renace (Baeza), Space Philosophy (Barcelona), The Liminal (Valencia), Trinta (Santiago de Compostela), Geomag Cube Art (Suiza), Galería de la Bálgoma (Madrid).

MUSICA: LUCIE ANTUNES. SERGEI

La percusionista estará el 23 de julio en el Teatro Jovellanos dentro de la programación del LEV DE VERANO.

 

MUSICA: Eduardo Briganti. laberinto

ENT.  VICTOR DEL CAMPO.

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Toro se convierte en capital iberoamericana de la mujer y las artes del S. XXI.



Más de 30 artistas y 150 obras convertirán a la ciudad en un “museo de arte contemporáneo”, desde el 9 de julio, hasta el 15 de septiembre

Toro se convierte en capital iberoamericana de la mujer y las artes del S.XXI, desde el 9 de julio hasta el 15 de septiembre, donde un total de más de 30 artistas y 150 obras invadirán la ciudad convirtiéndola en “un auténtico museo del arte contemporáneo”. Y es que la Iberoamericana de Toro, iniciativa cultural del Ayuntamiento de Toro y del Gabinete de la Sociedad de Amigos de las Artes, une la “expresión de Iberoamérica con la tradición, cultura, historia y patrimonio de Toro”, señalan desde su organización. Exposiciones donde la mujer es la protagonista, y donde su carácter y ambiente cultural e histórico convierte a Toro en un espacio "idóneo” para traer este proyecto.

                   

La Iberoamericana tiene como objetivosponer a Toro en el mapa a través del arte contemporáneo, y poner a Toro en el mapa a través del importante papel de la mujer en las artes plásticas.

  

Por último, el primer edil toresano informa que la entrada única para visitar todos los espacios es de 6€, con la que además se podrá ver la Colegiata y la Iglesia de San Salvador. También, agradece a Del Campo todo su trabajo, además de a todo el equipo de gobierno, y al equipo de ha hecho que el proyecto sea posible: comunicación, equipo técnico, y a todas las personas e instituciones que han hecho posible la edición de la Iberoamericana de Toro, además de al país invitado, México.

 

 

País invitado: México

 

El país invitado en esta edición es México: un total de más de 20 artistas mexicanas mostrarán su trabajo más actual en los soportes de videoarte, fotografía, pintura o libro de artista e instalaciones, con el objetivo de “reivindicar el papel de la mujer como artista, favoreciendo un diálogo de igualdad entre mujeres y hombres del mundo del arte”. En el pabellón de México, situado en la Casa de Cultura, se podrá ver a la artista Susana Casarín y su obra: “Realidades y Deseos”, en las que se trata la discriminación que sufren las personas transgénero en zonas marginales de México; también se puede ver a Ximena Pérez Grobet que expondrá sus libros; y a Flavia Tótoro Taulis que presentará la serie pictórica: “Sinópticos”, con la que pretende empatizar con “nuestra propia experiencia por medio de la exploración hacia lo micro”. Además, también se proyectará sucesivamente en el pabellón de México videos-performance bajo el nombre de: “Cuerpo, dolor y sombras” con las firmas de: María Eugenia Chellet, Sarah Minter, Ximena Cuevas, Grace Quintanilla, Inmaculada Abarca, Lysette Yoselevitz y Mónica Dower.

 

Artistas españolas

 

La Iberoamericana también contará con la presencia de 12 artistas españolas de reconocido prestigio nacional e internacional, junto con otras de arte antiguo, que se montarán en iglesias como son la de San Sebastián o la del Santo Sepulcro. Además, la artista toresana Delhy Tejero será homenajeada a través de los “Encuentros”, donde “personalidades de la política, cultura, comunicación y las artes de España y México hablaran sobre el importante papel de la mujer en la cultura y los retos a lo que se enfrenta en la Iberoamérica del siglo XXI”. Además, también se tratará el papel de la mujer en la artesanía y en las artes y oficios.

 

Premiadas artistas españolas también participaran en esta edición, como son: Pepa Mora, que expondrá sus dibujos entre los que destacan “Lápiz sobre papel” u “Orexis”; Natalia Pintado, que tratará de homenajear a sus abuelos con su obra “Picnic”; Marina Núñez, en cuyas obras representa todo aquello que no entra dentro del canon de belleza; Susana Guerrero, que se sumerge en la mitología a través de su arte; Mar Solís, una de las creadoras “más singulares” del panorama escultórico nacional, con su obra “Fúrico, materia antimateria”; Gloria García Lorcaquien representa las formas orgánicas que vemos en la naturaleza a través de sus esculturas como “Manos de barro”; Rut Olabarrí, que expondrá interesantes obras como “Manto de ejecución”; Marina Vargas, cuyo trabajo comprende fotografía, escultura, dibujo y pintura que gira en torno a conceptos como la herencia cultural o la simbología a lo largo de la historia; y Eva Rodríguez, que desarrolla su trabajo a través del dibujo y la pintura, “entendidos como medios idóneos para la observación y la reflexión”.

 

El comisario de la Iberoamericana además informa que durante la clausura se anunciará el país invitado de la segunda edición en 2022 e irá acompañada del acto de entrega del Premio Mujer del año en las Artes, otorgado por un jurado de prestigio internacional, y un Premio a la Artista más destacada del festival elegida por votación popular de los visitantes.

 

 

MUSICA: MEATLESS. RESISTIVITYLESS

 

MUSICA: NACHO ROMAN. GRIS TIERRA.

 

CONTRAPORTADA: ARANDEL. DOXA NOTES.

 

Rosa Pérez    2.jul.2021 10:22    

El Niño de Elche, Arquitectura y urbanismo y festival Exit

    viernes 25.jun.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

FLUIDO ROSA 28.06.21

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DISCO PORTADA: AXEL DÖRNER & RICHARD SCOTT THE NEAR-FIELD OF AN ACCELERATING DISLOCATION. Del a´lbum A Journal of Elasticity.

 

El dúo del trompetista y sintetizador modular , formado por Axel Dörner y Richard Scott, comparten su última colaboración, grabada en el tanque de agua en desuso del barrio de Prenzlauer Berg de Berlín. Llevan colaborando desde 2017 y en este caso lanzan un álbum con dos piezas de larga duración titulado A Journal of Elasticity, una composición específica para ese espacio, Amplificado a través de un sistema de sonido hexafónico.

 

“Esta sensación de constante ambigüedad y elasticidad entre nosotros dos, y entre escuchar y tomar decisiones, se multiplicó aún más en estas dos grabaciones por la influencia del fascinante entorno sonoro”, ha declarado Scott. “No estoy seguro de qué tan bien una grabación puede atestiguar cuán no lineal era el entorno, constituyendo un elemento de composición interactivo por derecho propio, creando posibilidades de transformación y limitaciones en literalmente cada sonido que interpretamos.

 

 

MUSICA: NIÑO DE ELCHE. HUNDIMIENTO VERTICAL.

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ENT. NIÑO ELCHE

SCALA: La pena y el Alivio. El Niño de Elche. Tabakalera. Donostia.

Esa gitana es para mí
una escalera de vidrio
por donde sube la pena
y por donde baja el alivio. (Letra popular) 

 

La pena es una condena a la tristeza y al dolor que como toda sanción tiene un fin que es alivio. Esta escalera de diferentes glissandi conforma una ilusión de eternidad en relación con lo elemental del ser humano. La inflexión de una voz nos habla de una rotura, de la fragilidad ante un esfuerzo emocional, de una ascensión y su inevitable descendimiento. La inquebrantable delicadeza del amor es algo que nunca deja de resonar. Un cristal donde reflejarse, cortarse, apoyarse o simplemente romperse como parte del elogio. Y el suspiro.

Esta instalación sonora ha sido concebida durante la residencia Niño de Elche realizó el invierno de este mismo año en el Espacio de Artistas de Tabakalera.

 

MUSICA: NIÑO DE ELCHE. ORACIONES DEL SIGLO XXI. SONAR+D CCCB 2020

 

 

MUSICA: Eduardo Brigatnti. Elegia.

Bienal española

ENT. BIENAL ARQUITECTURA Y URBANISMO.

La XV Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo nace como un encuentro cultural para conectar la arquitectura con la sociedad  

  • La XV BEAU se celebrará en una doble sede: del 28 de junio al 16 de septiembre en el Pabellón de Barcelona, de Mies Van der Rohe y Lilly Reich, y del 2 de julio al 23 de septiembre en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, de Juan Ribero Rada, y contará con una tercera sede virtual
     
  • Esta nueva edición se vertebrará bajo el enunciado: España vacía, España llena. Estrategias de conciliación
     
  • Publicada la convocatoria de proyectos en sus cuatro categorías: Panorama de Obras de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo, Muestra de Investigación, Muestra de Proyectos de Fin de Carrera y Muestra de Fotografía

 

 

 

> COMISARIOS Y JURADO DISPONIBLES PARA ENTREVISTAS BAJO SOLICITUD

 

> Descarga bases de las convocatorias
> Descarga material gráfico

 

Madrid, 9 de febrero de 2021.- Acercar la arquitectura y el urbanismo a la ciudadanía. Es el espíritu con el que se presenta la XV edición de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (BEAU) que acaba de publicar las convocatorias de proyectos participantes en sus diferentes categorías y que se celebrará de manera paralela en una doble sede: del 28 de junio al 16 de septiembre en el Pabellón de Barcelona, de Mies Van der Rohe y Lilly Reich, y del 2 de julio al 23 de septiembre en el Patio Herreriano de Valladolid, de Juan Ribero Rada.

Convocada por el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana, a través de la Dirección General de Agenda Urbana y Arquitectura, en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Arquia, la cita reúne en dos emplazamientos emblemáticos y una tercera sede virtual las propuestas más relevantes de la arquitectura  y el urbanismo españoles de los tres últimos años (2018-2020), y estará comisariada por un equipo de arquitectos formado por dos estudios con ubicación en Valladolid y Barcelona: Óscar Miguel Ares, Anna Bach y Eugeni Bach.

Esta XV edición de la BEAU nace con la voluntad de convertirse en un lugar de encuentro que trascienda el estricto ámbito de la arquitectura y el urbanismo para reivindicar tanto su valor social como cultural así como la necesidad de respetar y cuidar estas disciplinasy analizar y reivindicar el papel social y mediador del arquitecto. En esta línea será un tema presente en el debate social el que vertebre la edición: España vacía, España llena. Estrategias de conciliación. 

MUSICA: Other Properties. Allunage

 

MUSICA: AMIRA MEDUNJANIN. SVIRAJTE MI TIHO TI´SE.

ENT. FESTIVAL  EXIT SERBIA

EXIT CARTEL

www.exitfest.org

 

MUSICA: Amelie Lens. LITTLE ROBOT

MUSICA: ASMUSH TIETCENS MIKI YUL. OBORO

 

CONTRAPORTADA:LUCRECIA DALT & AARON DILLOWAY. BORDEÁNDOLA.

Acaba de lanzarse en formato video de animación el adelanto del que será el próximo album entre Lucrecia Dalt y Aron Dilloway, dos músicos experimentales que que han grabado este disco en tres lugares diferentes entre 2019 y 2020.

 

 



La compositora colombiana residente en Berlín, Lucrecia Dalt y el que fuera iembro de Wolf yes, Aaron Dilloway comenzaron a intercambiar ideas después de aparecer juntos en un cartel en Toronto, algún tiempo después de su primer encuentro en un festival hace diez años. Finalmente comenzaron a hacer música juntos cuando Dalt visitó Nueva York para una residencia.

"Cruzamos nuestras señales", dice Dalt, "solo queríamos hacer un disco divertido, extraño e inevitablemente emotivo que de alguna manera capturara tantas cosas que amamos de la música".

 

Este video , fue realizado por el artista residente en Nueva York y fundador de Wierd Records, Pieter Schoolwerth. Lucy & Aaron verán lanzado el disco por el sello Hanson de Dilloway el 13 de julio.

Categorías: Actualidad , cultura , musica

Rosa Pérez   25.jun.2021 11:47    

ARTSLIBRIS. Barcelona 2021

    viernes 18.jun.2021    por Rosa Pérez    31 Comentarios

PROGRAMA 21.06.21

 

Artslibris cartel

Por primera vez ArtsLibris, en su 12ª edición, se celebrará en el Mercat de Sant Antoni de Barcelona

 

» ArtsLibris, que celebra su duodécima edición, tendrá lugar los días 18, 19 y 20 de junio, en el “Espai Fossat” del Mercat de Sant Antoni, con la colaboración del Mercat Dominical del Llibre.

» 87 editores y artistas, instituciones y escuelas de arte, estarán presentes con sus publicaciones, el cuarenta por ciento de las cuales provienen de fuera de la ciudad, como Valencia, Santiago de Compostela, Madrid, Sevilla, entre otras, y cuenta, además, con expositores internacionales provenientes de París, Berlín, Lisboa, Santiago de Chile, Ciudad de México, Buenos Aires, o Salvador de Bahía » Además, la Feria cuenta con más de 73 participantes en un total de 35 actividades paralelas, que giran en torno a la idea del pensamiento y la exploración en el proceso de creación, pero también presentaciones de libros, debates, así como talleres de encuadernación, Pop up, Ebru o estampación, que tendrán lugar a lo largo de la celebración de la Feria » Arte, música, audiovisual, poesía, Bookjockey, proyectos independientes, editoriales emergentes, editoriales consagradas, fotolibro, autopublicación, edición impresa Vs edición digital, centros de arte y museos: ArtsLibris es un espacio multidisciplinar que actúa como herramienta para el diálogo, la coexistencia y la exhibición, y sirve de plataforma para editores y artistas » Itziar Okariz, artista elegida para la publicación de la serie AL con su libro Woman and Fiction; Andrea Soto Calderón, Chiquita Room, Tania Adam, Gloria Oyarzabal, (Mejor fotolibro de Europa); Oriol Vilapuig, Victoria Cirlot, Cristina Lucas, Mileto Estrella, Elhixir, Emmanuel Alloa, Jara Rocha, Andrés Galeano, Gisel Noè, Manuel Fontán del Junco, Valentín Roma, Caterina Almirall, David Armengol, María García Ruiz, Pedro G. Romero, Moritz Küng, Manolo Laguillo, Ángela Molina, Imma Prieto, Victoria Sacco, Julia Ramírez Blanco Teresa Grandas, Mar Arza , Norbert Bilbeny, Gonzalo Elvira, Jo Milne, Eduard Arbos, Santiago Garcia Tirado, Toni Clapés y Pablo Fernández, son algunos de los participantes de ArtsLibris 2021.

 

» La Feria arranca el jueves, 17 de junio con el Seminario Internacional, coordinado por la filósofa Andrea Soto Calderón, que tendrá lugar en La Virreina Centre de la Imatge. El viernes, 18 de junio, a las 14h. tendrá lugar la conferencia inaugural Soc totes les que he sigut, con motivo de la exposición y la publicación de Fina Miralles, con la participación de Teresa Grandas, Mar Arza y Valentin Roma »

ArtsLIbris consigue una asistencia de más de 12.000 personas en cuatro días de actividad. «Es interesante el giro que ArtsLibris está dando por entender que las publicaciones de artistas no sólo son los libros sino también las páginas de web, folletos, vídeos, pequeños afiches, esas formas más bastardas que quedan fuera de los grandes relatos de la historia del arte».

Andrea soto Andrea Soto

Andrea Soto Calderón Arranca una nueva edición de la Feria Internacional del libro de artista, un espacio de encuentro y reflexión abierto, que tiene como eje reivindicar el arte como vía de expresión del pensamiento y del conocimiento. En los doce años de existencia, ArtsLibris se ha consolidado como una de las ferias del libro de artista internacionales más importantes del mundo, y hace posible el encuentro entre editores y artistas de ámbito global, con el público. Una feria que ha logrado romper con el tradicional modelo anglosajón utilizado en la mayoría de las ferias de libro de artista, cuyas publicaciones predominantes son en lengua inglesa.

VILAPUIG-Oriol

Oriol Villapuig

ArtsLIbris, es una feria que se basa en la diversidad y en donde artistas y público encuentran publicaciones en catalán, español, portugués, francés, italiano, árabe, y también inglés. A pesar de las dificultades provocadas por las afectaciones de la COVID-19, que ha imposibilitado el viaje a algunos editores internacionales, ArtsLibris contará con la participación de cerca de 90 expositores nacionales, así como internacionales que provienen de ciudades como París, Berlín, Santiago de Chile, Ciudad de México, Buenos Aires, o Salvador de Bahía.

Itziar okariz

Itziar Okariz

Tras un acuerdo de colaboración con el Mercat dominical del Llibre, la presente edición tendrá lugar en el Fossat del Mercat de Sant Antoni, imaginario literario de la ciudad de Barcelona que hará posible la convivencia entre el libro de artista y el mercado del libro de segunda mano. ArtsLibris inicia la actividad el jueves 17 de junio en La Virreina Centre de la Imatge, con el seminario internacional “Maneras de hacer”, dirigido por Andrea Soto Calderón. Además, ArtsLIbris pone a disposición del público dos zonas de debate, reflexión y presentaione de libros, el Speakers Corner y el Speakers Room con actividad diaria. ArtsLibris, se hace posible gracias al apoyo de instituciones públicas, como la Generalitat de Catalunya y el Ajuntament de Barcelona, y también de fundaciones y empresas privadas.

En este programa contamos con las voces de Rocio Santacruz (directora), #Andrea Soto (comisaria), Emmanuel Alloa (filósofo), Antonio Alcaraz (UPV)  Lucia C. Pino (artista) e Itziar Okariz (artísta)

UNA FERIA PRESENCIAL Y CON ACTIVIDADES ONLINE ArtsLIbris está pensada y diseñada para la interacción, por ello se llevará a cabo íntegramente de manera presencial, pero determinadas actividades como el Seminario Internacional, se emitirán también a través de Streaming. Algunas de las charlas se grabarán y se podrán visionar diariamente a través de la web:

https://artslibris.cat/artslibris-barcelona-2021/

 

 

Rosa Pérez   18.jun.2021 10:13    

FLAMA

    lunes 14.jun.2021    por Rosa Pérez    46 Comentarios

PROGRAMA 14.06.21

 

 

FLAMA CARTEL OK

 

En Flama pretendemos impulsar, visibilizar y promover la integración profesional de la mujer en los diferentes sectores de la música experimental y medios sono/visuales. Pretendemos acercar al público malagueño y la cultura de la ciudad las nuevas tecnologías y artes digitales expresadas a través de la música electrónica. Para ello, comenzaremos al inicio de la tarde con una sesión de una alumna de la escuela de producción musical Musiluz, continuaremos con una mesa redonda en la que se tratará “El papel de la mujer en la música electrónica, desde la artista a la gestión cultural” y estará formada por Natalia Piñuel, Ylia y Rosa Pérez. A continuación la música y la imagen protagonizarán la tarde con cuatro espectáculos audiovisuales a cargo de Ylia, Dreyma, Alicia Carrera y RRUCCULLA.

CHARLA

Araceli Martín Chicano (Programadora Cultural) y Paloma Peñarrubia (Compositora musical) son las organizadoras de FLAMA (Female, Art, Music, Activism). Festival de música electrónica experimental y medios sono/visuales protagonizado por mujeres.   Flama tiene un marcado compromiso con la comunidad femenina ya que el objetivo principal es visibilizar el trabajo de las mujeres creadoras. Es un festival protagonizado por mujeres y dirigido a todos los públicos.

YLIA

YLIA

DREYMA

DREYMA

 

ALICIA CARRERA

ALICIA CARRERA

 

RRUCCULLA

RRUCCULLA

 

Rosa Pérez   14.jun.2021 09:28    

Maria Jeréz, Diana Larrea, ampliacion del MACBA, Erizonte y Eduardo Briganty

    sábado 5.jun.2021    por Rosa Pérez    59 Comentarios

PROGRAM 07.06.21

 

PORTADA: EDUARDO BRIGANTY. ELEGIA. ENTELEQUIA

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Eduardo Briganty. Entelequia. El Muelle Records, 2021 Segunda entrega, tras su debut con Microgramas, para El Muelle Records, del músico canario Eduardo Briganty. Si en ese debut, Briganty mostraba su faceta más visual dentro de su propuesta sonora, convirtiendo el disco en un intencionado tributo sonoro a algunos de sus cineastas favoritos, sobre todo, Tarkovsky, en Entelequia, continúa el paisajismo sonoro de horizontes desolados trazado en ese debut. En general, las coordenadas sónicas de Briganty siguen ancladas en los ejes de ruptura minimal marcados desde La Monte Young a Eno, por citar referencias habituales en la creación del músico canario. En concreto, en Entelequia, el cancionero de Briganty se muestra, por una parte, delicadamente coral en las canciones fabricadas con dos compañeros de sello como Pepo Galán o Lee Yi (“Esperanza”, “Remanso” y “En un lugar de la esfera celeste”), mientras que, por otra parte, impregna de atmósferas hieráticas las apuestas en solitario marca de la casa, desde “Tormenta” a “Ingrávido”, en las que los fondos sintetizados se entremezclan con el progresivo protagonismo del “drone pedal” hasta llegar al remate del álbum, en el que el título de cierre, “Stroszek”, nos lleva indisimuladamente a Werner Herzog y nos hace preguntarnos si canciones como “Laberinto Fractura “ o “Elegía” podrían haber puesto perfecta banda sonora a Nosferatu o Aguirre, o a alguno de sus más recientes documentales, si Entelequia, en definitiva, no resulta un acompañamiento sonoro ideal en ese viaje en solitario hacia el fin del mundo, de un mundo, de cualquier mundo.

 

MUSICA:MAX WÜRDEN. RETURN WITH THE ELIXIR.

ENT. MARIA JEREZ. LA MANCHA. Twingallery. Madrid. Hasta 

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Una mancha es un cuerpo extraño que invade otro cuerpo. Según la RAE, es una señal que una cosa hace en un cuerpo, generalmente “ensuciándolo” o “echándolo a perder”. O una “parte de alguna cosa con distinto color del color general o dominante en ella”. O un “pedazo de terreno que se distingue de los inmediatos por alguna cualidad”. Durante siglos, la mancha se ha considerado como una “deshonra”, en cambio, este trabajo quiere considerarla como oportunidad.

 

"No existe mancha sin el contacto con el otro. La mancha es una cosa informe que alcanza la superficie de otra cosa de manera inesperada, accidentada... y en el contacto, la mancha cambia la configuración de su superficie, generando nuevas fronteras, nuevos bordes, modificando los cuerpos",
― María Jerez, 2021

MUSICA: MARTA DE PASCALIS. SONUS RUNAE PART 1

 

MUSICA: RICHARD VON DER SCHULENBURG. DANCE ON THE SPACE

ENT. ARQUITECTOS Roger Tdó (Harquitectes) y Moisés Garcia (Christ & Gantenbein)

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Un jurado de 21 expertos ha elegido la propuesta «Galería» del estudio de arquitectura UTE Harquitectes y Christ & Gantenbein

 

Un nuevo MACBA para Barcelona

La ampliación del Museu d’Art Contemporani de Barcelona será una realidad a finales de 2023

► Una plaza a tres niveles, una galería urbana transitable, un pasaje a través del transepto de la Capella MACBA... son algunas de las propuestas del proyecto que permitirá desplegar la Colección y potenciará un museo más participativo y que interaccionará con el espacio público.

 

► «Galería» redefine las relaciones entre el edificio Meier, la plaza y el Convent dels Àngels. Respetando el proyecto que desarrollaron en los años ochenta Clotet y Tusquets, se contextualiza en el Raval reconociendo la estructura de patios y claustros de los antiguos conventos que caracterizaban el barrio.

MUSICA: DIMITO.TIEMPO. CODEX FUTURA VOL II.

 

MUSICA: chapter four remix. No going back. Fernando lagrega remix

ENT. DIANA LARREA. SALA VERONICAS. MURCIA. HASTA 25.07.21

Diana larrea.

El proyecto expositivo que ha concebido la artista multidisciplinar Diana Larrea (Madrid, 1972) para la Sala Verónicas, está conformado por tres obras basadas en un mismo discurso conceptual común. Estas tres obras están inspiradas en una acción artística online que Diana Larrea lleva a cabo desde el año 2017 a través de su perfil personal en las redes sociales. La acción se llama “Tal día como hoy” y es un trabajo híbrido de activismo feminista, investigación histórica y divulgación cultural. En él la artista se dedica a publicar periódicamente la biografía y las obras de mujeres artistas del pasado olvidadas y/o desconocidas. Se trata de una revisión histórica enfocada en la recuperación y revalorización de la labor artística de las mujeres que ha sido ignorada durante siglos por el discurso oficial. 

A partir de esta acción, Diana Larrea ha desarrollado el proyecto post-fotográfico “De entre las muertas” (2020), en el que ha seleccionado una serie de 100 autorretratos de grandes pintoras de la historia del arte, desde el Renacimiento hasta las Vanguardias del siglo XX. Diana ha modificado los archivos originales de estos autorretratos para mostrar los rostros de estas mujeres como si fueran registros de una fantasmagoría. A modo de lo que la artista llama “falsas cianotipias”, Larrea ha transformado digitalmente los autorretratos en forma de negativo y en color azul, para hacer referencia al antiguo método del cianotipo, que fue llevado a cabo por la que hoy está considerada la primera fotógrafa de la historia: la botánica británica Anna Atkins (1799-1871). 

 

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Otra de las obras que vemos en la sala es una proyección de vídeo en la zona del altar titulado “Una artista para cada día” (2021). En él podemos ver todas las “Instagram Stories” que Diana Larrea ha estado compartiendo a diario con sus seguidores en las redes durante un año. El vídeo está editado con 365 pequeños clips, de pocos segundos de duración cada uno, con los que la artista actualiza las figuras artísticas femeninas del pasado para traerlas a nuestro contexto social contemporáneo. Como banda sonora de este vídeo, Diana Larrea ha escogido una música litúrgica compuesta por Hildegard von Bingen (1098-1179), abadesa benedictina, filósofa, naturalista y visionaria mística. La música de Hildegard armoniza con el concepto global de esta exposición y, al mismo tiempo, sintoniza con la arquitectura de la Sala Verónicas al haber sido un lugar sacro. 

La tercera pieza está concebida por Diana de manera específica para esta ocasión y está basada en Inés Salzillo (1717-1775), hermana y colaboradora esencial en el taller barroco de imaginería del escultor murciano Francisco Salzillo (1707-1783). Se sabe que las funciones de Inés dentro del obrador eran la aplicación de la policromía de las tallas, las encarnaciones y el proceso del estofado. Siguiendo el patrón social impuesto para las mujeres en aquella época, Inés tuvo que abandonar el taller cuando contrajo matrimonio, después de 15 años dedicada a trabajar de manera no remunerada y subordinada en el negocio familiar. Diana Larrea ha querido rescatar y revalorizar la figura de Inés Salzillo y, para ello, se ha centrado en la imagen de la “Virgen Dolorosa” (1742) conservada en la Iglesia de Santa Catalina. Tomando como inspiración esta talla, Larrea ha desarrollado una instalación espacial titulada “Atelier creativo de Inés Salzillo” (2021) que está compuesta por una serie dibujos, un mural en la pared y unas piezas de madera recubiertas con pan de oro. El conjunto se interpreta como una metáfora de todos esos impedimentos que como mujer encontró Inés Salzillo a la hora de poder ejercer una profesión creativa, simbolizando esa situación de reclusión social en la que eran sobreprotegidas las mujeres en su época dentro de “jaulas de oro”. Esta idea se intensifica gracias a la ubicación que ha elegido Diana para situar la instalación, ya que se encuentra en la sala pequeña tras la celosía, un espacio cerrado donde antiguamente rezaban las monjas Verónicas en este convento de clausura.

MUSICA: POUPEES ELECTRIQUES. MEADLESS. REMIX. RESISTIVITYLESS

Proyecto ops

En esta obra de creación colectiva dirigida por Erizonte confluyen importantes artistas cercanos en ética y estética a aquellos misteriosos y perturbadores dibujos que aparecieron en algunos periódicos, libros y revistas que entre mediados de los años 60 y de los 80 (como Hermano Lobo, Triunfo o Cuadernos para el Diálogo) firmaba OPS, posteriormente más conocido con el heterónimo de El Roto. Músicos y artistas sonoros, representativos de ciertas vanguardias musicales que surgieron en la España de OPS, han compuesto para este álbum cada uno de ellos una pieza sobre estos temas: La represión, la censura, el olvido inducido o forzoso, los vicios del clericalismo, el imperialismo, la manipulación informativa, la mala educación o su carencia, los horrores de la guerra y la violencia contra la mujer. Son temáticas que coinciden con las que trató Goya en sus grabados y de quien podemos considerar a Andrés Rábago (el pintor detrás de aquellos dos seudónimos) como uno de sus legítimos herederos, al menos en este ámbito. Él mismo ha elegido los dibujos que ilustran cada una de las portadas de las ediciones individuales de cada pieza. Todas quedan aquí reunidas, junto con su carátula y alguna novedad adicional para este álbum, segundo capítulo de la Trilogía de Erizonte inspirada en el arte plasmado en los medios de comunicación como transmisores de ideas progresistas. La primera parte es la “Suite los Caprichos de Goya”, el siglo XIX, con los ideales de la Ilustración y los grabados de Francisco de Goya. La segunda corresponde a las viñetas de OPS, representativas del antifranquismo y su entorno que aparecieron en las rotativas del siglo XX. El artista y el medio gráfico para la tercera y última parte, la que corresponde a este siglo 21, está por descubr

 

 

CONTRAPORTADA: EDUARDO BRINGANTY. En un lugar de la esfera celeste (on Lee yi)

 

 

 

Rosa Pérez    5.jun.2021 17:32    

Arquitectura española en Venecia, cine experimental en Coruña y Poupees Electriques

    viernes 28.may.2021    por Rosa Pérez    57 Comentarios

PROGRAMA 31.05.21

 



PORTADA: POUPEES ELECTRIQUES. Semi conductor. ELECTRIQUES.

Electriques

Electriques es el nuevo álbum de Poupees electriques, con cambios en su formación y de nuevo en el sello Geometrik records, Un disco en el que la formación madrileña nos sumerge en la elecctrónica industrial ambiental en la que los ritmos marcados, las atmosferas densas y ciertos guiños al minimalismo y la electrónica más ancestral, nos permite hacer un recorrido intenso por los conceptos de la electricidad a través de los siete temas del álbum . Un retorno a los origenes de experimentación e inconformismo, que no defrauda y que consigue una vez más sorprender.

Dando una vuelta de tuerca más y puesto que el álbum es doble, la segunda parte es la remezcla de los temas originales realizadas por buenos amigos de la escena electrónica como Esplendor Geométrico, Orfeón Gagarin, Abraxas, Other Properties, Microplex, Meatless y Proto 70.

 

 

MUSICA: LUCY GOOCH. CHAINED TO A WORRIAN

 

PABELLON ESPAÑOL BIEAL VENECIA DE ARQUITECTURA

ENT. SOFIA PIÑERO.(comisaria)

 

PABELLON ESPAÑOL BIENAL VENECIA

 

El equipo de jóvenes arquitectos canarios, integrado por Sofía Piñero Rivero, Fernando Herrera Pérez, Domingo J. González Galván y Andrzej Gwizdala, se alzaron con el primer premio del Concurso de Proyectos para el Comisariado y Diseño Expositivo del Pabellón de España convocado por el Ministerio de Fomento del Gobierno de España, con su propuesta ‘Uncertainty’.

Según publica la Bienal en sus redes sociales, «Uncertainty funcionará como un gabinete de curiosidades, recogiendo una amplia gama de objetos exóticos que escapan a la concepción tradicional de la arquitectura, abriéndola a nuevos territorios transversales».

 

 

ESPAÑA EN LA XVII BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA

 

BIENAL VENECIA 1

 

El Pabellón de España comparte arquitecturas interdisciplinares para el futuro de la convivencia

 

·        Un equipo de 4 jóvenes comisarios ha seleccionado, a través de una convocatoria abierta, un total de 34 propuestas que se mostrarán en el pabellón.

·        Ante la incertidumbre, la arquitectura se combina con otras disciplinas al servicio de proyectos sociales.

·        La muestra española se inaugura el 21 de mayo a las 13.00h y podrá verse en Venecia hasta noviembre de 2021.

 

La crisis sanitaria generada por la COVID-19 ha provocado el aplazamiento de la XVII edición de la Bienal Internacional de Arquitectura, programada inicialmente para mayo-noviembre de 2020, y que finalmente se inaugura este mes de mayo.

El tema propuesto por su Comisario, el arquitecto Hashim Sarkis, decano de la Escuela de Arquitectura y Planificación del MIT, parte de la pregunta: ¿Cómo viviremos juntos?

Esta cuestión planteada antes de la pandemia, y la respuesta del equipo curatorial español, suponen una cierta premonición ante los desafíos a los que nos enfrenta la actual crisis sanitaria.

BIENAL VENECIA 2

Por primera vez España convocó un concurso público para el comisariado del Pabellón, y frente a un jurado de expertos, la propuesta ganadora resultó ser Uncertainty-Incertidumbre, del equipo formado por los arquitectos canarios Sofía PiñeroDomingo J. González, Andrzej Gwizdala y Fernando Herrera. Bajo este lema, el Pabellón presenta una selección de 34 proyectos, recogidos a su vez por el equipo a través de una convocatoria abierta, y a la que se presentaron 466 propuestas.

 

Uncertainty muestra arquitectura de impacto social desde distintas disciplinas, aportando nuevas reflexiones y formas de ejercer un oficio que ha sabido evolucionar para adaptarse a todas las dimensiones y necesidades de una sociedad en constante cambio. 

 

Musica: INFINITES VARIABLES OF TRANSMISSION. CARO C. ELETRONIC MOUNTAIN

 

musica: DELIRIUM NOMUS. OMNIPREENTS

ent. DEBORA LOPEZ (PROYECTO PARADE)

Arquitec«El proyecto con el que se presentan es una propuesta toxi-cartográfica que utiliza muestras de pelo humano como material arquitectónico, entendiéndolo como capaz de detectar la toxicidad de los ambientes en los que viven las personas». Han diseñado un pabellón, una especie de carpa elaborada con cabello y se hace en colaboración con un toxicólogo italiano que estudiaba el uso del pelo como sensor de toxicidad.
Es una investigación se inició en el año 2017 pensada para la ciudad de Bangkok, en Tailandia y trata de analizar la relación entre arquitectura y medio ambiente «y reflexionar sobre los lugares en los que vivimos».

musica: CHAPTER FOUR REMIX. REDEMPTION (PINA MIX)

 

musica: MAPSTATION. NO STAYUG NY FREQUENCY

ent. Sebastián Arquitectos

Campanas-sant-cugat-1El El aragonés Sergio Sebastián, que ha iluminado calles y plazas de Madrid durante las Navidades de los últimos años, se estrenó con el alumbrado navideño de Zaragoza en 2019 y el pasado año creó dos nuevos diseños para la plaza de San Felipe y el paseo de la Independencia: una aurora boreal y cientos de estrellas deconstruidas. Ahora participa con Campanas, proyecto presentado en Sant Cugat y también acaba de recibir el premio de la Bienal de Arquitectura que se celebra en Barcelona.

musica: HARA ALONSO. THE WORK OF POETRY. SOMATIc SUSPENSION

Musica: marta de pascalis. SONUS RUTINAE

S8

enT. ANGEL RUEDA. (director)

En este aún enrarecido 2021, el (S8) vuelve con renovadas fuerzas a la sala de cine al tiempo que mantiene su formato dual, ofreciendo también una extensa programación online de vocación divulgativa. Intentando aglutinar los nombres más interesantes del cine experimental, la programación del (S8) reúne a cineastas veteranos con jóvenes talentos. La cineasta alemana Deborah S. Phillips es una figura clave para entender la estrecha relación entre las bellas artes y el cine. En un trabajo ampliamente influido por la pintura y el collage, Phillips (relacionada con el laboratorio berlinés de cine analógico Labor Berlin) analiza de manera lúdica temas como el significado del color en las bellas artes, y emprende exploraciones etnográficas/plásticas en torno a los motivos del arte árabe e hindú. Además de sus películas en 16mm y 35mm, Phillips nos trae algunas de sus performances, en las que sonoriza en directo varias de sus piezas. También desde Berlín viene el británico James Edmonds, quien también es pintor y programador de cine. El trabajo de Edmonds, realizado en super 8 y 16mm, se emparenta con el de cineastas como Helga Fanderl y Ute Aurand, en películas que mezclan lo diarístico con la exploración del cine como medio a través de estudios en torno a la luz y la exposición, al color, la composición y los ritmos. Edmonds, además, nos presentará algunos de sus trabajos expandidos en formato analógico. Otro de los invitados de esta edición es el cineasta japonés radicado en Estados Unidos Tomonari Nishikawa, quien ya fuera protagonista de uno de nuestros especiales online Camera Obscura de 2020. Nishikawa, habitual de los más destacados festivales internacionales, tiene una obra fuertemente enraizada en el trabajo con la cámara de cine y los procesos fotoquímicos, que utiliza para documentar lugares y eventos ligados con su propia biografía. Otro de los puntos fuertes de la programación es el programa doble que se le dedica a la figura de José Val del Omar, el sin par granadino que aúna en su trabajo poesía, técnica y mística. Una figura histórica que formó parte de las Misiones Pedagógicas, tiene más de sesenta patentes a su nombre, inventó el cine expandido antes de que fuera siquiera acuñado ese término, y es autor de una de las obras más apabullantes del cine experimental mundial: el Tríptico Comunicación (S8) XII Mostra Internacional de Cinema Periférico – A Coruña (Spain) Andrea Villa prensa@s8cinema.com Elemental de España, obra visionaria filmada en los años cincuenta en la que recorre el país a través de sus elementos (agua, fuego y tierra). El (S8) acogerá la proyección en 35mm de esta obra maestra, junto con un programa espejo, “El cine como elemento”, en el que se rastrea el calado atemporal de las ideas de Val del Omar en obras históricas de la vanguardia y en piezas de jóvenes cineastas contemporáneos. Un programa destinado a la internacionalización de la figura de Val del Omar apoyado por AC/E y por la Fundación Val del Omar, que itinerará a los largo del próximo año. Otro de los focos a artistas insólitos de nuestra cinematografía nacional corresponde al heterodoxo cineasta, urbanista y arquitecto Juan Sebastián Bollaín, autor de una obra única, la tetralogía “Soñar con Sevilla”, hecha en super 8 a finales de los setenta, en la que inventa incisivas utopías en torno a la ciudad andaluza. Repasaremos la obra de Bollaín, en la que el sentido del humor se da la mano con una visión de futuro inteligente y hedonista.

MUSICA: JOMOON. ALAN

ENT. BRUNO DELGADO.

Bruno delgado

INGREDIENTES Y PROCEDIMIENTOS Aún con el corto tiempo transcurrido desde sus Bobinas ovinas (2018), su primera película en super 8, Bruno Delgado Ramo ha alcanzado una comprensión notoria de la especificidad del cine como medio, que se ha traducido en una serie de obras que, sin dejar de lado el aprovechamiento sensual (y reflexivo) de elementos fotográficos como el color y la luz, piensan de una manera única este invento que tenemos entre manos. Si bien Delgado (que estudió arquitectura) cuenta con una filmografía previa en vídeo digital donde lo autorreferencial se prodiga más desde lo que se conoce como «metacine», es en otras facetas de su trabajo donde se pueden ver indicios del corazón de su manera de proceder: por ejemplo, en acciones como la realizada con su maqueta de la Catedral de Málaga, que logró situar dentro del registro de Google Maps, su Fotocopia 1:1 del Guernica (aquí entra además un elemento cinematográfico: la reproductibilidad técnica de la imagen), o Make It Make It Make It Again (The smell of bananas), itinerario con subtítulos, voz y música (en colaboración con Ignacio de Antonio Antón), donde entra en juego el elemento espacial y donde se apuntan algunas de las preocupaciones sobre las que seguiría trabajando en su más reciente obra performativa en torno a la proyección cinematográfica. Delgado, además, también cuenta con una serie de publicaciones impresas autoeditadas que son parte coherente de este corpus. En lo tocante al cine, Una película en color (que pudimos ver en el (S8) 2019) nos abrió la puerta a un modo de pensamiento cinemático singular, compuesto de gestos mínimos (y asombrosamente poderosos) en torno a una idea: relacionar el cubículo que es el espacio de una habitación (una «cámara») con el cubículo que es el interior de una cámara de cine. Una película montada en cámara (nunca mejor dicho), y filmada en su totalidad dentro de su habitación sevillana, llena de finas asociaciones en las que la recurrencia de lo cotidiano termina por construir un sistema propio que (parafraseando de memoria al film) va cobrando fuerza a medida que avanza. Cada procedimiento hace referencia al cine de diversas maneras, y a un microcosmos en el que una pegatina de fruta, una página de un libro de grabados, un trozo de película o un listado de sinónimos funcionan como si se tratase de engranajes, arandelas y tornillos de un proyector o una cámara

 

MUSICA: MAX WURDEN. ORDINARY WORLD. SCRIPT.

 

 

CONTRAPORTADA: POUPEES ELECTRIQUES. RESISTIVITE. ELECTRIQUES

Rosa Pérez   28.may.2021 07:35    

Antonio Guerra, Prototipoak, Juan Jesús Yelo, Bienal Arte Paiz, Asmus Tietchens y Miki Yui.

    sábado 22.may.2021    por Rosa Pérez    57 Comentarios

PROGRAMA 24.05.21

 

 

Portada: ASMUS TIETCHENS & MIKI YUI. OBORO. NEUES BOOTS.

TIETCHEN YUI

El sello TAL presenta la primera colaboración musical entre Asmus Tietchens con sede en Hamburgo y la artista japonesa Miki Yui, que opera desde Düsseldorf desde hace casi 20 años. El respetado y enormemente influyente Asmus Tietchens dejó su huella en la escena de la música electrónica a fines de la década de 1970, mientras que Miki Yui debutó con sus configuraciones sonoras en 1999.

 

Su primer álbum conjunto NEUES BOOT que presentamos hoy, envuelve al oyente con una sensibilidad sonora poética y una claridad conceptual que fue procesada y transmitida entre sus estudios individuales en Hamburgo y Düsseldorf.

Ambos han estado muy familiarizados con la música del otro durante mucho tiempo y encontraron que su enfoque individual hacia el diseño de sonido era excepcionalmente compatible. No utilizaron sus herramientas electrónicas para simplemente lograr el máximo de posibilidades técnicas, sino para ilustrar necesidades estéticas. Esto implica una reducción deliberada y una percepción refinada de las características sonoras del material. Solo este enfoque les permitió comprender completamente el espectro completo de los sonidos y ruidos con los que estában trabajando para construir este Nuevo Barco.(Neues Boot) El método de trabajo consistió en que todos y cada uno de los tratamientos de Tiechten se basaron en una pista proporcionada por Miki, sin agregar nuevas fuentes de sonido. Estas transformaciones son exactamente lo que hace que su colaboración sea especial y única. Muy temprano habíamos acordado en New Boat como título provisional y guía. Por supuesto, al principio no teníamos idea de adónde nos llevaría este Barco Nuevo. Ahora lo sabemos. Después de varios meses de construcción de barcos, el barco ha zarpado hacia nuevos horizontes sónicos. ¡Ahoi!

 

Miki Yui: El título del álbum, así como las pistas individuales, se han inspirado en conversaciones con Asmus. Cuando conversamos después de uno de sus conciertos con él, me habló de Kōdō, el arte o el camino del aroma. Es una ceremonia de incienso japonesa del siglo VIII. Con mucha frecuencia, los nombres de las varillas de incienso japonesas se derivan de temas naturales, p. Ej. Bairin es el ciruelo, el aroma de la primera flor que anuncia el final del invierno.

Esta poesía, la naturaleza efímera del mundo me recordó a Kigo, palabras de un Haiku (una forma de poesía japonesa), que hacen referencia a una estación en particular o un fenómeno natural. Así que elegí los nombres de las piezas individuales de Kigo como si The Boat explorara la naturaleza mientras navegaba a través de las estaciones. Solo en retrospectiva me di cuenta de que los títulos combinados crean este poema:

 

A principios de la primavera una vista nebulosa en la noche (Oboro)

Ciruelos (Bairin)

Over a Dayfly (Kagerou)

Hacia Milkyway (Amanogawa)

Amanecer (Akatsuki)

Arte de la fragancia (Kōdō)

Sobre hielo fino y frágil (Usurai)

 

 

musica:CARO C. TON KLANG KLINGT

ent. Antonio guerra. Puxa Gallery

Antonio guerra

Proceso y territorio / Process and territory

Límite transitorio / Transitory Boundary

Dentro del Festival Off de PhotoEspaña 2021 presentaremos la primera exposición en la galería de Antonio Guerra (Zamora, 1983), con un proyecto individual titulado “Límite Transitorio” que ha preparado en los dos últimos años. El joven artista español también ha sido seleccionado dentro de otras secciones del Festival por Futures (UE, Europa Creativa), plataforma fotográfica que fomenta el desarrollo profesional de artistas emergentes de todo el mundo. La muestra de Puxagallery estará abierta del 20 de mayo al 22 de julio.

Antonio guerra

El trabajo de Antonio Guerra parte de aproximaciones interdisciplinares al medio fotográfico, que compagina con otras técnicas para reflexionar sobre los modelos de construcción del paisaje contemporáneo y sus procesos de transformación. Nos ofrece distintas miradas del entorno natural y de su imaginario, interpretando el paisaje como construcción ideológica mientras se posiciona sobre la conservación de la naturaleza y las huellas de la actividad humana. Sus fotografías están dotadas de una loable factura técnica que armonizan la investigación conceptual y las calidades expresivas. 

 

musica: CHAPTER FOUR. HOPE IS A WAKING DREAM (MATSU REMIX)

 

musica: LUCY GOOCH. CHAINED TO A WOMAN

ent. Azkuna centroa

PROTOTIPOAK

PROTOTIPOAK. BIENAL INTERNACIONAL DE NUEVAS FORMAS ARTÍSTICAS

DEL 1 DE JUNIO DE 2021 AL 5 DE JUNIO DE 2021

Del 1 al 5 de junio se celebra Prototipoak. Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas en la que se presentan los proyectos desarrollados desde hace más de un año en el Centro.

Prototipoak es una Bienal de artistas con miradas diferentes, de procedencias muy distintas, que desde una práctica situada, desde la especificidad del contexto, plantean nuevas experiencias. Lo hacen a través de formas artísticas contemporáneas, con sus códigos y tiempos de creación, en escenarios y formatos que cambian, con lenguajes diversos a través de los que se cuestionan diferentes aspectos de la realidad, tratando de abrir posibilidades para transformarla.

Prototipoak AZ

Prototipoak continúa y expande el trabajo desarrollado en el programa 3, 2, 1, Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas, entre 2013 y 2015, y nace en 2016 con la intención de explorar la naturaleza, performatividad y multiplicidad de lo social a través del arte, además de contribuir a su formación de manera crítica desde una dimensión poética, estética y política.

Desde el inicio, el lugar ha sido un elemento central, no solo como el escenario donde pasa la vida, es decir como contenedor o contexto de acción, sino como lo que se constituye propiamente a través de lo que hacemos, de nuestras acciones situadas.

Un lugar complejo, en constate movimiento, en el que conviven lo normal, lo marginal, lo incierto y misterioso, lo absurdo, lo obvio, lo anodino y lo absolutamente excepcional, lo superfluo y lo fundamental para la vida.

En Prototipoak, prestamos especial atención a la posibilidad de entretejer, de entramar, de entrelazar los proyectos artísticos con el lugar, promoviendo relaciones que desborden nuestras prácticas y las de las y los artistas participantes. En la Bienal de 2021 participan los y las creadoras Sra. Polaroiska, José Ramón Ais, Diego Sologuren & Sébastien Tripod, Maider López, Laida Lertxundi & Ren Ebel, Elssie Ansareo, Elena Aitzkoa yAmalia Fernández.

SECRETS OF ELEMENTS. RANGE

 

musica: PIEZA SONORA DEL PROYECTO. PORTADA LIBRO

ent. Luis Yelo

TUYO ES

El artista sonoro Juan Jesús Yelo (Cartagena, 1964) participa en la TUYO ES, Instalación / Exposición / Presentación multidisciplinar que se inaugura el jueves 13 de mayo en la sala De Profundis de los Claustros de Santo Domingo en Jerez de la Frontera (Cádiz).

El proyecto abarca tres disciplinas a partir de la poesía en prosa sobre alquimia y hermetismo del poemario Tuyo es el sol que adoras, ya publicado, y la posterior interpretación pictórica del ensayo, que no ilustración, donde al texto e imagen se le añade una tercera dimensión, el paisaje sonoro que también surge de la misma interpretación. Las tres propuestas (texto, imagen y sonido) se pueden apreciar por separado, pero la contemplación simultánea de las tres perspectivas —literaria, plástica y musical— puede ampliar la dimensión del mensaje escrito y ofrecer como resultado una experiencia multisensorial que haga más fácil para el espectador la inmersión en el mundo alquímico y hermético.

Dicha exposición forma parte del proyecto “Tuyo es el sol que adoras” libro publicado que incluye la poesía en prosa de Carlos Manuel López Ramos, las imágenes de Antonio Mejías Acosta (óleos sobre tabla en la exposición de Jerez) y los paisajes sonoros imaginados de Juan Jesús Yelo (a través de códigos QR).

Del prólogo del libro:

Esta muestra es un trabajo de confluencia entre literatura, artes plásticas e instalaciones sonoras, fruto del cual es el libro “Tuyo es el sol que adoras”, nació de la amistad entre el pintor Antonio Mejías y yo y es así que mi propuesta de ilustrar un libro sobre alquimia y esoterismo fue para él atractiva y tentadora. Conocí entonces la producción de Antonio, sus combinaciones de elementos clasicistas y contemporáneos, con predominio de lo figurativo y un tratamiento muy novedoso del color, las texturas y las técnicas, en constante evolución, con obras en las que el volumen crea su propio espacio dentro de una atmósfera de insinuantes resonancias mitopoéticas, comprendiendo que su estilo y experiencia temática encajaban de pleno con un ejercicio de poesía en prosa que yo estaba escribiendo.

La participación de Juan Jesús Yelo convierte a Tuyo es el Sol que adoras en una manifestación interdisciplinar, dado que el campo de trabajo de Yelo, muy amigo de Antonio Mejías, es la música, elemento que se ve incorporado al conjunto del libro gracias a los avances tecnológicos de que disponemos hoy.

Contemplación. Transmutación. Transustanciación (teológica o no). Aleación, fusión, fisión. Abstracción, figuración. Procesos todos ellos que mutan los objetos (materiales o no) en otros que engrandecen (o empeoran) los originales. Los sonidos tomados en su estado fundamental sufren (o no) un proceso de transformación que parten de una idea, de una frase, de una imagen contenida en el texto de Carlos Manuel López o en las pinturas de Antonio Mejías.

Musica: PIEZA SONORA DEL PROYECTO.PULVERIZA EL COLMILLO DEL MARVAL.

 

musica: NACHO ROMAN. GRIS TIERRA. GRIS TIERRA

 BIENAL de Arte Paiz de Guatemala.

Bienal arte paiz

La 22 Bienal de Arte Paiz avanza su programación: Perdidos. En Medio. Juntos presentará 40 artistas y dos exposiciones individuales

6 de mayo - 6 de junio de 2021

La Fundación Paiz para la Educación y la Cultura se complace en anunciar un avance de la programación de la 22ª edición de la Bienal de Arte Paiz, que tendrá lugar en tres sedes en Ciudad de Guatemala y cuatro sedes en Antigua Guatemala. Curada por Alexia Tala, curadora general, y Gabriel Rodríguez, curador adjunto, la Bienal contará con la participación de 40 artistas y con dos exposiciones personales sobre el artista guatemalteco Aníbal López y la artista chilena Paz Errázuriz.

Titulada Perdidos. En Medio. Juntos – una referencia a una publicación del 2013 de la New World Academy de BAK, editada por Jonas Staal, Yoonis Osman y el colectivo We Are Here – la 22 Bienal de Arte Paiz invita a una reflexión sobre la situación de crisis perenne que afecta al Sur Global. Con Guatemala como punto de partida para investigar la diversidad cultural y geográfica de América Latina y más allá en el Sur Global, Perdidos. En Medio. Juntos explora la complejidad de interpretar el pasado y mirar hacia el futuro cuando obstáculos enraizados en la historia comprometen la interpretación del pasado y la capacidad de proyección a potenciales destinos.

La aproximación de la 22 Bienal de Arte Paiz hacia asuntos relacionados con la historia contemporánea, la interculturalidad, las formas de conocimiento y la violencia, apunta a establecer puntos de encuentro entre el arte y el contexto actual. El tema curatorial Perdidos. En Medio. Juntos se centra en la capacidad del Sur Global de contar su propia historia, con una mirada atenta a sus raíces y a su presente, y reúne expresiones artísticas marcadas por un activismo o concienciación respecto a los derechos humanos y al poder de ciertas geografías, o ligadas a tradiciones y conocimientos ancestrales donde a menudo el arte se adentra en el territorio de lo sagrado. Estas expresiones artísticas se encontrarán bajo tres líneas temáticas de la exposición central: Pasados. Eternos. Futuros, Geografía Perversa / Geografías Malditas y Universos de la Materia.

Pasados. Eternos. Futuros guía los demás ejes temáticos poniendo el foco sobre el presentismo histórico como error de análisis. Es una reflexión que aborda los procesos artísticos que se centran en eventos, historias, microhistorias e identidades relacionados con

la historia contemporánea del Sur Global. Los dos proyectos especiales de exposiciones individuales del artista guatemalteco Aníbal López (Ciudad de Guatemala 1964 - 2014) y la artista chilena Paz Errázuriz (Santiago de Chile, 1944), dos figuras clave en la escena del arte contemporáneo en América Latina, desenvuelven un núcleo de reflexiones respecto a la sensación de “sin salida” de Perdidos. En Medio. Juntos y posibles formas de catarsis. Las dos exposiciones individuales presentan una producción artística que se ha desarrollado en contextos relacionados con la cultura de la raza, con las culturas indígenas y con contextos vinculados a situaciones de fuerte marginalidad.

La exposición de Aníbal López es la mayor retrospectiva organizada sobre el artista guatemalteco, fallecido en 2014. La trayectoria del artista ha abierto una amplia reflexión sobre las repercusiones éticas y morales de las dinámicas de poder en Centroamérica y una fuerte crítica al mundo del arte. La retrospectiva empieza con sus inicios como pintor, donde sus provocativas obras protagonizadas por muertos y figuras religiosas con cuerpos desnudos y personas transgénero encontraron un blanco perfecto en el conservadurismo católico de Guatemala, y llega hasta los últimos años de la vida del artistas incluye con obras emblemáticas como “El Préstamo” (2000), o la obra “Testimonio” (2012), presentada en el XII dOCUMENTA de Kassel. Entre más de 80 obras procedentes de colecciones privadas y públicas, destaca el proyecto del “Archivo Oral” de la obra de Aníbal López. Se trata de un proyecto continuativo, una comisión de la 22 Bienal de Arte Paiz finalizada a salvaguardar testimonios de colaboradores del artista desde todo el mundo.

La exposición individual de Paz Errázuriz incluye obras nuevas creadas en Guatemala expresamente para la Bienal - las primeras obras de la artista realizadas fuera de Chile - acompañadas por series emblemáticas de de los últimos 40 años de la producción de la fotógrafa. “La Manzana de Adán” (1982 - 1990), “Nómades del Mar” (1991 - 1995) y “El Infarto del Alma” (1992 - 1994), estarán acompañadas por las nuevas series “Sepur Zarco” (2019) y “Trans Guatemala” (2019) que relacionan la investigación de la artista con el contexto local. “Trans Guatemala” es una serie de trabajos en colaboración con la comunidad transgénero guatemalteca. “Sepur Zarco” muestra por primera vez el rostro de las mujeres del juicio del homónimo caso judicial. Sepur Zarco corresponde a un caso paradigmático por muchas razones: fue la que representa la primera vez que hubo en Guatemala una denuncia de mujeres de la comunidad indígena por la violencia perpetrada por los soldados durante la guerra civil que desgarró al país durante 36 años, la primera vez que militares fueron juzgados y condenados por crímenes de esclavitud doméstica y sexual, también uno de los pocos casos donde se exigió traducción a una lengua maya en un juicio.

Listado completo de artistas: Francisca Aninat (Chile), Hellen Ascoli (Guatemala), Ana Teresa Barboza (Perú), Marilyn Boror (Guatemala), Edgar Calel (Guatemala), Sebastián Calfuqueo (Chile), Benvenuto Chavajay (Guatemala), Manuel Chavajay (Guatemala), Jonathas de Andrade (Brasil), Emo De Medeiros (Benin), Detánico & Lain (Brasil), Elimo Eliseo (Guatemala), Paz Errázuriz (Chile), Forensic Architecture & Forensic Oceanography (Reino Unido), Rafael Freyre (Perú), Wingston González (Guatemala), Antonio José Guzmán (Panamá), Yasmin Hage (Guatemala), Ayrson Heráclito (Brasil), Diego Isaías Hernández (Guatemala), Jessica Kairé (Guatemala), Vanderlei Lopes (Brasil), Aníbal López (Guatemala), Oswaldo Maciá (Colombia), Nelson Makengo (Congo), Andrea Monroy (Guatemala), Uriel Orlow (Suiza), Alejandro Paz (Guatemala), Oscar Eduardo Perén (Guatemala), Antonio Pichillá (Guatemala), Ángel Poyón (Guatemala), Fernando Poyón (Guatemala), Naufus Ramírez

Figueroa (Guatemala), Naomi Rincón Gallardo (México/EEUU), Óscar Santillán (Ecuador), Maya Saravia (Guatemala), Angélica Serech (Guatemala), Jonas Staal (Holanda), Pablo Vargas Lugo (México), Heba Y. Amin (Egipto).

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Pasados. Eternos. Futuros - Es un recorrido entre cuestiones relacionadas con los procesos políticos, así como narraciones sensibles a los acelerados cambios del siglo XX y cómo estos afectan a las minorías discriminadas. Este eje temático incluye las dos exposiciones individuales de Aníbal López (Guatemala) y Paz Errázuriz (Chile), y obras de otros 10 artistas: Benvenuto Chavajay (Guatemala), Emo De Medeiros (Benin), Jessica Kairé (Guatemala), Vanderlei Lopes (Brasil), Nelson Makengo (Congo), Andrea Monroy (Guatemala), Alejandro Paz (Guatemala), Oscar Eduardo Perén (Guatemala), Naomi Rincón Gallardo (México/EEUU), Maya Saravia (Guatemala).

Universos de la Materia - Explora prácticas artísticas que hablan de saberes que han sobrevivido gracias al poder de la materia. Son artistas que se centran en la ancestralidad de la materia como manera de ver e interpretar el mundo, ya sea de los objetos y de los elementos del paisaje. La materia esconde significados intangibles que sólo el conocimiento científico o significado espiritual pueden explicar. Son 16 los artistas que forman parte de este eje temático: Francisca Aninat (Chile), Hellen Ascoli (Guatemala), Ana Teresa Barboza (Perú), Edgar Calel (Guatemala), Manuel Chavajay (Guatemala), Detánico & Lain (Brasil), Elimo Eliseo (Guatemala), Rafael Freyre (Perú), Ayrson Heráclito (Brasil), Diego Isaías Hernández (Guatemala), Uriel Orlow (Suiza), Antonio Pichillá (Guatemala), Wingston Gonzaléz (Guatemala), Óscar Santillán (Ecuador), Angélica Serech (Guatemala), Pablo Vargas Lugo (México).

Geografía Perversa / Geografías Malditas - Alimentada por las ambiciones de poder, la práctica de formas de discriminación basadas en los recursos naturales y humanos es uno de los problemas más apremiantes en Guatemala hoy en día. Este concepto aborda las visiones de artistas que hablan de las consecuencias sociales y culturales de las transformaciones y las desigualdades debidas a los procesos de colonización. Las fuerzas opresoras de las geografías del norte hacia los territorios del hemisferio sur es otra historia del presentismo que afecta a todo el Sur Global. Esta sección de la bienal explora la violencia étnica desde la historia contemporánea, la antropología y la geopolítica. Forman parte de este eje temático 12 artistas: Marilyn Boror (Guatemala), Sebastián Calfuqueo (Chile), Jonathas de Andrade (Brasil), Forensic Architecture & Forensic Oceanography (Reino Unido), Antonio José Guzmán (Panamá), Yasmin Hag (Guatemala), Oswaldo Maciá (Colombia), Ángel Poyón (Guatemala), Fernando Poyón (Guatemala), Naufus Ramírez Figueroa (Guatemala), Jonas Staal (Holanda), Heba Y. Amin (Egipto).

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Sobre la Bienal de Arte Paiz

Fundada en 1978, la Bienal de Arte Paiz es la segunda más antigua de América Latina y la sexta más antigua del mundo. Se ha realizado de manera ininterrumpida desde entonces y tiene como objetivo proponer una reflexión y una experimentación con el arte contemporáneo global y de Guatemala. La Bienal Arte Paiz está acompañada por un proyecto educativo que se extiende más allá de las fechas de la bienal y que tiene la función de arraigar el evento al contexto local y de hacer un trabajo entre las comunidades locales.

Sedes 22 Bienal de Arte Paiz

6 de mayo - 6 de junio de 2021

Ciudad de Guatemala: Casa Ibargüen, Centro de la Cooperación Española (CCE) y Centro Cultural Municipal.

Antigua Guatemala: Museo del Libro Antiguo, Fundación para las Bellas Artes -FUNBA-, Centro de Formación de la Cooperación Española -CFCE- y La Nueva Fábrica.

Sobre la Fundación Paiz para la Educación y la Cultura

Creada hace más cuatro décadas como organización de Responsabilidad Social Empresarial, la Fundación desarrolla su trabajo a través de programas educativos, culturales y artísticos. Es una organización sin ánimo de lucro comprometida con el desarrollo y la transformación de la sociedad guatemalteca para mejorar el sistema educativo actual con programas multidisciplinarios en arte y cultura y educación. La Bienal de Arte Paiz es su más importante evento, el cual históricamente ha ido adhiriendo la necesidad de diálogo, difusión e internalización del arte contemporáneo producido en Guatemala. La Bienal busca acercar el arte a todo público en general en forma totalmente inclusi

Musica: JAUKEM. BALL DES GITANES.

 

 

MUSICA; 11. GRANHA. MUÑEIRA DO ARRIERO.

 

contraportada: ASMUS TIETCHENS & MIKI YUI. AKATSUKI. NEUES BOOTS.

 

Rosa Pérez   22.may.2021 22:29    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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