MADRID DESIGN 2021

    viernes 19.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA. 22.02.21 ESPECIAL MADRID DESIGN

Os invitamos a escuchar un programa realizado en directo desde el Centro Cultural Fernán Gómez de Madrid, con motivo de la edición 2021 del Madrid Design

 

PORTADA: RATS ON RAT. TOKYO MUSIC EXPERIENCE.

Logo madrid design

 

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ENT. ALVARO MATIAS. director de Madrid Design

Madrid Design Festival es un festival internacional que tiene como objetivo convertir a Madrid en la capital del diseño y situarla en un lugar privilegiado en el contexto internacional. La cita anual se celebra durante el mes de febrero y abarca todas las disciplinas de diseño, desde la arquitectura al diseño gráfico pasando por la comunicación o el interiorismo, hibridando todas ellas en un  formato contemporáneo e innovador. Exposiciones, encuentros, talleres y conferencias, entre otros, dan forma un programa de 183 actividades protagonizadas por 512 diseñadores, especialistas y profesionales del sector. Producto, gráfico, moda, arquitectura, interiorismo, gastronomía… El festival invita a descubrir el diseño y sus procesos desde múltiples perspectivas: Javier Mariscal, Paula Scher, Moritz Valdemeyer, Patricia Urquiola, Carme Pinós, Joanie Lemercier, Cruz Novillo, Lucas Muñoz, Ana Locking, Álvaro Catalán de Ocón, Manuel Fernández o Diego Guerrero. MDF21 cuenta con el apoyo y la participación de 72 instituciones, marcas, empresas, museos y espacios de la ciudad, que mostrarán durante dos meses una panorámica del mejor diseño madrileño y nacional así como su capacidad para resolver los desafíos más complejos.

Música:NEUTZEITLCHE BODERBELAGE. SAM IRL.

 

ENT. Carmen Pinós 

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Carme Pinós. Escenarios para la vida” es un recorrido a través de la arquitectura de Carme Pinós, una de las grandes figuras de la arquitectura española contemporánea, en su primera retrospectiva, comisariada por Luis Fernández-Galiano.

Carme Pinós inicia su carrera en la década de 1980 junto a Enric Miralles, periodo al que se dedica la primera parte de la exposición, y donde se recogen ocho proyectos realizados conjuntamente.

Probablemente, esta primera etapa es la más conocida mediáticamente y, sin embargo, no es la de más peso en la carrera de Pinós. El Museo ICO, perseverando en su compromiso con la inmensa, y en ocasiones desconocida, riqueza de la arquitectura española, apuesta con esta exposición por la puesta en valor de la carrera y figura de Carme Pinós en sí misma, con la apertura, en 1991, del Estudio Carme Pinós, en activo hasta la actualidad. Es a este fructífero periodo al que se dedica la segunda parte de la muestra, la más extensa, con 80 proyectos realizados por el Estudio Carme Pinós en estos treinta años de andadura. Una tercera y última sección recoge la biblioteca de Pinós y relata la importancia de los libros en sus proyectos profesionales y personales.

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La arquitectura de Carme Pinós es diversa, adaptada a cada proyecto individual, pero con una base común: la importancia del contexto y del entorno sobre la que esta arquitectura se asienta. Y es que, como ella misma explica, la arquitectura construye paisaje o construye ciudad:  no es una escultura. Con cada actuación urbana, hemos de tener el propósito de hacer ciudad, el propósito de dignificar nuestro entorno. Cuando trabajo, considero que mi intervención se propone, en último término, mejorar, embellecer el contexto. Esta férrea creencia en la necesidad de acoger el entorno, sea natural o urbano, se aprecia en todos sus trabajos, entre los que podemos destacar el Caixaforum de Zaragoza (2014), las mejicanas Torres Cube (2005/2014), o la barcelonesa Escuela Massana de Artes y Diseño (2017).

www.fundacionico.es

Esta exposición forma parte del programa de Madrid Design Festival 2021 hasta el 9 de mayo

www.cpinos.com

 

Musica:RICHARD VON DER SCHULENBURG. CARAVAN OF THE PENTAMATICS.

ENT.Patricia Esquivias

PATRICIA ESQUIVIAS TRES FRANJAS

Patricia Esquivias es una artista reconocida a nivel internacional y también en nuestro país has desarrollado una importante trayectoria con exposiciones en el Tea de Tenerife, el Artium de Vitoria, también en el CAC de Sevilla y en Madrid, en el C2m, en el reina sofía, centro centro y ahora el Circulo de Bellas artes, todos ellos hitos de la cultura contemporánea..... 

 

Tres franjas de bosque. Intervención. Circulo de Bellas Artes. Madrid
15.02.21 > 21.02.21

Enmarcada en #Surrealistos y #MadridDesignFestival
[el M 16FEB a las 18:00h la artista Patricia Esquivias presentará su instalación en la 4ª planta]
Uno de los elementos arquitectónicos y de diseño más sorprendentes que existen en el edificio del Círculo de Bellas Artes, de 1926, es La Fuentecilla. Situada en el vestíbulo de la cuarta planta, es en realidad el remate exterior, en forma de fuente, del pináculo de la cúpula del Salón de Baile, ubicado en la segunda planta. El proyecto de esta escultura decorativa en forma de fuente se atribuye al propio Antonio Palacios y a los hermanos Zuloaga (Teodora, Esperanza y Juan), quienes lo realizaron en cerámica en su taller de la antigua iglesia románica de San Juan de los Caballeros.

 

Patricia Esquivias construye sus narraciones a partir de memorias, anécdotas e información, conformando unas narraciones en las que la autora presenta documentos a una cámara fija sin ningún corte y evitando cualquier tipo de montaje posterior.

 

En sus creaciones las microhistorias se entremezclan con la gran Historia de forma aparentemente dispersa, en un intento de revelar la imposibilidad de narrar la historia de manera lineal, simple y objetiva.

 

Música: the revolution of super visions.

 

ANA DOMINGUEZ SIEMENS. COMISARIA DE MATERIA GIS.

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Con los recursos naturales del planeta al límite del agotamiento y en una  sociedad de consumo que produce desperdicios en enormes cantidades,  muchos diseñadores están jugando un importante papel en la investigación  y desarrollo de nuevos materiales acorde con las necesidades y retos del  siglo XXI.  

Materia gris” es un recopilatorio de nuevos materiales que van  apareciendo en el campo del diseño. Ingenieros, arquitectos, biólogos,  botanistas… son muchas las profesiones implicadas en el desarrollo  de este campo. La exposición presenta cerca de cuarenta proyectos  de “biomateriales” particularmente interesantes por su naturaleza  biodegradable y en los que se centra el reto del futuro de una producción  industrial en la que se eliminen los plásticos de un sólo uso y se sustituyan  otros por una versión más sostenible. Cueros elaborados con algas o  con residuos de manzana, fibras textiles resultantes de la manipulación  de agujas del pino, contrachapados salidos de la mazorca de maíz y  muchos otros materiales sorprendentes cuya materia prima son algas,  bacterias, hojarasca, pescado, leche, hongos, insectos, café, kombucha,  frutas, etc. Muchos de ellos han surgido de la re-utilización de los residuos  de la industria –incluyendo los de la industria alimentaria–, otros de la  manipulación de elementos naturales o son resultado de una extensiva  investigación científica.  

Los proyectos han sido seleccionados por su interés desde el punto de  vista del diseño, es decir, atendiendo al modo en que los diseñadores  no sólo resuelven un problema sino que aportan también su ingenio y  creatividad al jugar con estos nuevos materiales con los que expresan  también sus inquietudes personales, políticas y sociales, su sentido del  humor y su interpretación de los parámetros culturales, destacando la  importancia de la sostenibilidad y la economía circular. 

Estos son los diseñadores participantes: Jorge Penadés, Naifactory, Álvaro Catalán de Ocón, Tamara Orjola, WooJai Lee, Studio Thus that, Lionne van Deursen, Thomas Vailly, Basse Stittgen, NYVIDD, Nacho Carbonell, Tessa Silva, Marjan van Aubel y James Shaw, Formafantasma, Fernando Laposse, Alix Bizet, Vollebak, Thomas Buchanan, Ananas Anam, Rodrigo García, Julia Lohman, Scarlett Yang, Mabel Synthetic, Mabel Synthetic, Gianantonio Locatelli, Caro Pacheco, Maurizio Montalti, Valdis Steinars, Vlasta Kubušová, Sarmite Polakova, Kosuke Araki, Baptiste Cotten, Studio Swine, Manuel Jouvin.

La exposición se complementa con un archivo de los materiales más  interesantes salidos del “Master in design through new materials” de la  escuela Elisava de Barcelona.  

Lucas Muñoz es responsable del diseño y montaje de la exposición. Su  proyecto combina el uso de materiales almacenados de exposiciones  anteriores con recursos de primera necesidad (libretas, latas, lápices, etc.)  de un modo ingenioso e inesperado con un carácter circular y social.

MUSICA: BILL CALLAHAN AND BONNY PRINCE BILLY. MIRACLES.

ENT. Omar Ayyashi 

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La exposición consta de 16 fotografías de actrices como Belén Rueda, Anna Castillo, Paz Vega, Rossy de Palma, Ester Expósito, Elena Furiase o Cayetana Guillén Cuervo que visten diseños de Manuel Fernández, intervenidos por artistas como Phil Akashi, Luis Gordillo, Olga Sinclair o Jesús Zurita

Se trata de un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados a ONGs que abordan la igualdad de género

Esta exposición, realizada en colaboración con el diseñador Manuel Fernández, podrá visitarse en el pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico hasta el próximo 14 de marzo

 

N5 es el nombre de la nueva exposición del fotógrafo Omar Ayyashi que podrá visitarse hasta el próximo 14 de marzo en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico, dentro de la programación de Madrid Design Festival 2021.

Este proyecto nace de una idea de Omar Ayyashi y el diseñador Manuel Fernández para «Fashion Art Institute» que aborda el quinto Objetivo de Desarrollo Sostenible (ODS) marcado por Naciones Unidas en su Agenda 2030, la igualdad de género. Se trata de un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados a ONGs que abordan la igualdad de género.

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La exposición consta de 16 fotografías realizadas a actrices relevantes de nuestro país entre las que se encuentran: Belén Rueda, Mina El Hammani, Anna Castillo, Paz Vega, Rossy de Palma, Ester Expósito, Amaia Salamanca, Elena Furiase, Cayetana Guillén Cuervo, Juana Acosta, Bárbara Lennie y Jedet Sánchez. En estas fotografías las actrices visten diseños de Manuel Fernández que han sido intervenidos por diferentes artistas como Phil Akashi, Olga Sinclair, Grimanesa Amoros, Luis Gordillo o Jesús Zurita, entre otros

Las fotografías de las que se podrán disfrutar en la exposición han sido impresas por Clorofila Digital.

No es la primera vez que Omar Ayyashi realiza una exposición de su trabajo involucrado a proyectos solidarios. En el año 2018 en la Real Fábrica de Tapices expuso #ReciclaFuturo, por el que recibió el premio a ¨La Mejor Comunicación Social 2018” por parte de La Fundación para el Fomento del Desarrollo y la Integración (FDI). Un año después, en 2019, realizó la exposición X_ELLAS cuyos beneficios se destinaron a la lucha contra la trata de mujeres.

Sobre Omar Ayyashi

Omar Ayyashi, fotógrafo de origen Palestino nacido en Bilbao y afincado en España.

Estudia Ciencias Empresariales y Dirección y Administración de empresas Turísticas para no ejercer ninguna de las dos carreras. Tras trabajar en marketing y publicidad, ve que se ahoga en una oficina y decide echar a volar. La fotografía siempre le ha dado alas y se traslada a Madrid y a Barcelona para comenzar su formación como fotógrafo profesional.

Actualmente es colaborador fijo en diversas publicaciones capturando moda, personajes y rincones del mundo.

Siempre sensible a las injusticias cometidas con los mas desfavorecidos, a los 29 años le proponen ser embajador de «Ayuda en acción» con sus campañas gráficas y empieza viajar con la ONG hasta llegar a conseguir una serie de imágenes que muestran la realidad de la vida en distintos lugares del mundo.

www.omarayyashi.com

Sobre Manuel Fernández. El diseñador -artista-sostenible

Manuel Fernández lleva 35 años apostando por el Desarrollo Sostenible como Diseñador y Artista. Ha sido pionero -a nivel internacional- en la implantación de las 3 dimensiones de la sostenibilidad: la económica, la social y la ambiental. Fiel a este triple principio, su trayectoria demuestra que es posible fomentar la generación de riqueza; a la vez que se impulsa la prosperidad de las personas y se lucha por el respeto hacia el entorno.

Su contribución más disruptiva ha sido la materialización de FASHION ART hace 20 años; convirtiéndose en el creador de la fusión de la moda y el arte y en el inventor de un nuevo lenguaje. FASHION ART es el canal de comunicación que está concienciando sobre valores de sostenibilidad de una forma rápida y contundente a una ciudadanía que responde a la sensibilización social y ambiental de la mano de la moda y el arte. FASHION ART es el vehículo que transmitirá a las generaciones futuras, tanto el legado de Manuel Fernández, como el de otros artistas y líderes comprometidos con el desarrollo sostenible.

Esta forma innovadora de enriquecer el sector de la moda mediante la integración y su efecto sensibilizador, aportan décadas de experiencia en el compromiso con la moda y el arte responsables. Experiencia que Manuel Fernández ha sabido llevar a una madurez muy valiosa porque es capaz de atraer a los ciudadanos; poniendo en valor múltiples disciplinas y culturas.

Las evidencias a lo largo de su carrera posicionan a Manuel Fernández como un gran “Embajador de la Agenda 2030 y sus 17 ODS” ya que ha demostrado tener la inquietud de divulgar responsabilidad social y la capacidad diferencial de convencer a los ciudadanos y a los profesionales llamados a cambiar hábitos en su forma de vivir y trabajar para que nuestro mundo sea sostenible.

www.fashionartinstitute.org

 
Música: Jane Weaver. Pyramid Schemes.
 
 

ENT.- Estudio Savage.

VALENCIA PABELLON

Valencia Capital Mundial del Diseño 2022 aterriza en Madrid Design Festival con «Valencia Pavilion. The future is design», una exposición con la que proyectar el futuro y la vanguardia del diseño valenciano. Diseñada por MUT Design y comisariada por Estudio Savage, esta muestra celebra la designación de València como Capital Mundial del Diseño 2022 con el tejido creativo de todo el país, siendo la primera parada de diversas citas en el calendario del diseño internacional. 

«Valencia Pavilion. The future is design» aporta una visióvanguardista de la manufactura de producto industrial y artesanal, llevando a cabo una amplia labor de arqueología del futuro y sentando las bases del porvenir. 

Y entendiendo que este futuro aprovecha del pasado, y no renuncia a la esencia de su cultura; capaz de integrar otras disciplinas y regirse por valores modernos. 

«The future is design» 

Cinco categorías relatan este acercamiento al futuro de la creación: la economía circular, la artesanía contemporánea, el diseño social (enfocado a la economítransformadora), la frontera entre el arte y el diseño, y la tecnología. 

Esta selección comisariada por Estudio Savage, no se centra tanto en la forma o la función de los diferentes proyectos seleccionados, sino en las ideas que los vertebran y el impacto socioeconómico que aportan los mismos. 5 categorías, 5 episodios que narran y documentan la pluralidad del diseño mediterráneo, como puntas de lanza económicas y como ideas transformadoras que miran a la sociedad. 

 

La interacción entre el presente y el futuro, entre lo digital y lo manual, entre lo moderno y lo tradicional… todo ello se materializa en un recorrido de formas amables y contemporáneas, con un material que está especialmente presente en el imaginario tradicional valenciano. Diseñada por el estudio MUT Design, los elementos presentes en la propia exposición crean y definen el espacio, como un pabellón modular que se configura a partir del esparto: un material sostenible, local, ecológico y biodegradable, clave en la historia de la arquitectura y el diseñmade in Valencia. 

Proyectos presentes en la exposición 

Economía circular

VONDOM. Revolution
PORCELANOSA. Starwood Ecologic
EQUIPO DRT. Telas upcycled
AD BIOPLASTICS. Packaging compostable
ANDREU WORLD. Nuez Lounge Bio
RAÚL LAURÍ. Decafé
SARAH VIGUER. Xufa Proceso
NAIFACTORY. Reolivar

www.estudiosavage.es

Música: NORTHWEST. THE DAY

musica: TOMAGA. INTIMATE INMENSITY

Rosa Pérez   19.feb.2021 11:52    

Mostra Test Vila-real, Mujerart magazine, Hotsetan-Bilbao y Okkre Lev Xrmass

    viernes 12.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 15.02.21

PORTADA: RICHARD VON DER SCHULENBURG (RVDS) THE END. MOODS AND CENCES 2021.

SHULEMBURG

El venerado músico, sintetista y DJ de Hamburgo RVDS se une a las filas de Bureau B con los que lanza su nuevo álbum "Moods and Dances 2021", Un disco que rinde homenaje a la música de biblioteca que tanto se ha utilizado en bandas sonoras.

Muchos de los temas televisivos más famosos de las últimas décadas se produjeron como música de biblioteca. Los títulos increíblemente pegadizos de Grange Hill, Grandstand y The Archers Fueron vendidos originalmente a bibliotecas de música por compositores contratados por un precio fijo, y luego licenciados para uso en televisión, cine y radio. En los últimos años, los DJ y productores han utilizado el estilo antiguo, por ejemplo, para agregar un sabor fresco a su música. La mayoría de las piezas de Moods and Dances 2021 llevan el nombre del equipo utilizado para hacerlas y tienen como objetivo evocar "palmeras y pirámides”. Estos pastiches sonoros se costruyen combinando cajas de ritmos, órganos y varios sonidos "exóticos" de los utilizados en los años setenta en thirllers y en programa de ciencia ficción.

 

MUSICA: JANE WEAVER. MODERN REPUTATION

TEST

La Mostra d’Art i Creativitat de Vila-real TEST estrena este sábado, 6 de febrero, su edición más experiencial y evocadora con cuatro exponentes del arte emergente valenciano. 

El Convent, Espai d’Art de Vila-real abre al público del 6 de febrero al 17 de abril la exposición colectiva de Ana Spoon (escultura, dibujo, escritura e instalación), Cecilia Vidal (fotografía) y Mario Mankey, que acerca al TEST 2021 su intervención escultórica 'Te quiero un huevo'. 

Ana-Spoon-5

Ana Spoon.

Se une al cartel la intervención de E1000, que toma el relevo a Mohamed L’Ghacham y realizará la octava, y múltiple, obra urbana del TEST.


Más información: www.mostratest.org


 

MUSICA.: GONZA MAGUILLA. EXCENTRICITR ORBITAL. MEMRIES OF PHASE REM.

 

MUSICA. MATIAS RIQUELME & FERNANDO ULZIÓN. A froggy day. LA TRAHISON DES MOTS.

 

ENT. OIER IRURETAGOIENA

 

Taller-introduccion-arte-sonoro

ARRANCA MAÑANA,  HOTSETAN EL PROGRAMA DE MÚSICA EXPERIMENTAL Y ARTE SONORO DE AZKUNA ZENTROA

 

· Hotsetan, es una apuesta por visibilizar el contexto local que trabaja el sonido y la música experimental, a través de conciertos y se enmarca en eszenAZ 2020-2021 .

(Bilbao, 9 de febrero de 2021) Azkuna Zentroa - Alhóndiga Bilbao, Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao, arranca mañana con su programa de música experimental, Hotsetan, que se enmarca en eszenAZ 2020-2021.

Las y los artistas sonoros Eraeran, Myriam RZM, Matías Riquelme & Fernando Ulzión y Mudoh presentan su trabajo en el marco de Hotsetan, el Programa de música experimental y arte sonoro de Azkuna Zentroa, en una apuesta por visibilizar el contexto local que trabaja el sonido y la música experimental, a través de conciertos.

Eraeran presenta una serie de piezas electroacústicas cortas desarrolladas por Miguel A. García junto a diversos artistas sonoros locales, pensadas como complemento a los talleres de creación e improvisación. En ellas se investiga en la creación sonora colectiva, mediando con partituras en diferentes grados de libertad entre improvisación libre e interpretación, con músicos y artistas que utilizan desde medios instrumentales acústicos usados de manera tradicional a músicos electrónicos experimentales.

La performer y experimentadora sonora Myriam RZM ofrece un directo basado en la improvisación con herramientas sonoras autofabricadas DIY/DIT. «Desde 2018 desarrollo este directo basado en la improvisación con herramientas DIY/DIT, adaptadas a mis inquietudes sonoro-performativas, combinadas con pedales de fx y feedback, en acción/interacción con el propio cuerpo en movimiento», explica la artista.

El dúo compuesto por el violonchelista chileno Matías Riquelme y el saxofonista bilbaíno Fernando Ulzión, basan su trabajo en la experimentación del sonido desde la óptica de la improvisación libre. Cada presentación es única, cada pieza está inspirada en el momento y en el entorno. En esta ocasión nos presentan su último trabajo La Trahison des Mots (Sluchaj, 2020).

Mudoh (Aitor Monje) es la unión de la palabra castellana 'mudo', relacionada con el carácter instrumental de su música, y la letra 'h', que no tiene sonido propio. Mudoh es música electrónica orientada al ambient, basada en software, captura de instrumentos, sonidos de campo y edición digital.

La jornada se completa con un concierto de música improvisada, basada en la manipulación de guitarra española amplificada, percutida, frotada y tocada con diversos objetos sonantes y tratada analógicamente con pedales de efectos propios de guitarra eléctrica.

Más info .www.azkunazentroa.eus

 

MUSICA. OXID. EACH ROOM MACHINERY

 

MUSICA. TOMAGA

ENT.Bea López Jerez.

Mujerart revista

Bea López Jerez,  junto a un equipo de colaboradores, ha lanzado la revista digital de distribución gratuita "MujerArt Magazine". La revista está dedicada a las mujeres, el arte y la historia. Además de traer del recuerdo a nuestras ancestras, damos voz a mujeres contemporáneas en el mundo del arte ( artes escénicas, plásticas, música, narrativa, poesía...) nacidas antes de 1980, mujeres con amplias trayectorias y que por falta de oportunidades o un entorno poco favorable no han podido difundir su obra como merecen.

A través de convocatoria pública recibimos cientos de propuestas de las artes antes mencionadas y tras una selección con el equipo de colaboradores hemos conformado el nº 1 publicado el día 10 de enero y ya trabajamos en el siguiente.

Propuestas que han llegado desde distintos lugares del mundo. La revista de carácter cuatrimestral, está disponible en castellano, gallego, francés e inglés.

 

www.mujerartrevista.wordpress.com

 

MUSICA. Chra. Schilf.

 

 

Matadero sigue apostando por la creación digital y se vuelca con el diseño de entornos virtuales durante el Madrid Design Festival

Okkr

organizan del 16 al 20 de febrero 'Hay vida en otros mundos (virtuales)', un programa de actividades que incluye dos talleres intensivos dirigidos a estudiantes de diseño, arquitectura y moda de los centros de formación socios colaboradores de DIMAD, y una serie de presentaciones onlineabiertas al público que se emitirán en streaming a través de la web mataderomadrid.org y el canal de L.E.V. en Youtube.

En la recta final del programa vamos con un directo que está relacionado con el proyecto Planet LEV Matadero, el mundo virtual que se presentó en LEV Matadero en 2020 y que alberga experiencias artísticas.

Okkre presentó en LEV XRmass un directo en el que partía de la banda sonora que ella misma había elaborado para Planet pero combinandolo con su propio universo sonoro. El directo se realizó en el Teatro de la Laboral y se emitió online. El directo estaba acompañado por imágenes de un vuelo por el Planeta realizado por Children of Cyberspace que son el colectivo de artistas creadores del Planeta y que también estarán en esta experiencia que del 16 a 20 de febrero se celebra en Madrid.

 

 

Musica OKKRE. LIVE LEV XRMASS.

 

 

CONTRAPORTADA RICHARD VON DER SCHULEBURG. Dance of the Space Pentax

 

Rosa Pérez   12.feb.2021 11:58    

La Quema del Ninot

    viernes 5.feb.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

Programa 08.02.21

 

 

 

PORTADA: DAVID HERGUEDAS FRANCO. Humano Automático del álbum Humano Automático.

David herguedas

Verstibulo es un sello que acoge planteamientos sonoros poco convencionales y ahora pone en circulación la tercera referencia.

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El primer álbum del valiisoletano David Herguedas Franco, titulado Humano Automático es un disco que no tiene una escucha fácil pero que presenta un trabajo extraordinario, de texturas y ambientes. 7 piezas construidas a base de objetos encontrados, grabaciones callejeras, percusiones furtivas y mucho más que os invitamos a descubrir en www.nexodos.art/vestibulo

PROYECTO: LA QUEMA DEL NINOT, Santiago Sierra y Eugenio Merino

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La Quema del Ninot, es el penúltimo capítulo del proyecto Ninot, una escultura del rey Felipe VI, presentada por los artistas Santiago Sierra y Eugenio Merino en la Feria Arco 2019. La pieza que se vendía por 200.000€, con el condicionante de que debía ser quedará al cabo de un años, finalmente han sido los propios artistas quienes han realizado tal acción, ya que le pieza nunca llegó a venderse.

NINOT

La acción de la quema fue filmada y ahora se presenta su proyección con música en directo. La primera versión fue mostrada en el Teatro el Barrio de Madrid, con la banda sonora realizada en directo por el grupo madrileño Poupees Electriques.

Hablamos con los artistas y también con Carlos Arillo de Poupees quien nos introduce en el audio que podéis escuchar en este número de Fluido Rosa. 

 

 

Rosa Pérez    5.feb.2021 10:29    

Jorge Conde, Instituto Arquitectura de Euskadi, La Gran Conspiración y Jane Weaver

    sábado 30.ene.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 01.02.21

 

 

PORTADA JAN WEAVER. MOTHER REPUTATION del álbum FLOCK.

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Jane Weaver reinventa el electro pop con un nuevo álbum que se titula Flock y que verá la luz el 5 de marzo. Se trata del álbum que Jane siempre quiso hacer, donde se da a conocer la versión más genuina de su música , nada pretencioso en el que no falta el glamour, el humor y una especial sensibilidad, donde prevalencen los sonidos cosmicos, se aleja de la conceptualidad en favor del pop.

MUSICA. Jorge Conde.

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ENT. 

Jorge Conde (Barcelona, 1968) presenta en Tabacalera Estas ruinas que (no) ves son una promesa, Una promesa de un mundo mejor, especialmente en la cultura. una experiencia sensorial que suspende al visitante en el tiempo para recorrer el camino que conduce desde una infraestructura industrial obsoleta hasta una institución dedicada a la promoción de las artes y el pensamiento contemporáneo.

Conde propone un diálogo con el tiempo y con el espacio, un ejercicio discursivo sobre la transformación arquitectónica y la memoria construido sobre la fisicalidad y los nuevos usos de la Antigua Fábrica de Tabacos de Madrid, un impresionante edificio construido durante el reinado de Carlos III.

Las ruinas de este proyecto son los vestigios arquitectónicos de instalaciones industriales que ya no existen: una fábrica, un matadero, una central eléctrica, una estación del ferrocarril, una factoría automotriz, un mercado, una torre de agua. Infinitos representantes de una organización social y un modelo productivo conocidos pero hoy obsoletos, superados en la función, el tiempo y el espacio.

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Esta exposición, organizada por la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura y Deporte, es el fruto de la investigación y exploración directa por parte de Conde de 120 instituciones muy diversas de Europa occidental realizadas durante una década, con el objetivo de recuperar y proyectar hacia el futuro la memoria de estos edificios y la identidad de sus territorios primigenios.

www.jorgeconde.com

MUSICA. JEAN FIXX. LOVE MACHINE

ENT.José Angel Medina, Arquitecto.

La exposición internacional Homo Urbanus aterriza en el Instituto de Arquitectura de Euskadi. Donosti.

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>La iniciativa sumergirá de jueves a sábado a la ciudadanía vasca en las calles de Bogotá, Venecia o Doha sin salir de Euskadi.

Ciudades muy diversas, desde las que tienen un rico patrimonio pasando por otras que venden la modernidad a través de sus edificios

>Homo Urbanus forma parte de la programación de la exposición hiru hiri – relatos urbanos, que recopila hasta el 25 de abril en formato postal fotografías sobre Bilbao, San Sebastián y Vitoria-Gasteiz con las reflexiones de Rafael Moneo, Esther Ferrer, Bernardo Atxaga, Karmele Jaio, entre otros creadores, desde la arquitectura hasta la ciencia.


Instituto-arquitectura

Se trata de diez mediometrajes en un entorno inmersivo creados por los artistas arquitectónicos franceses Ila Bêka y Louise Lemoine. Estos ‘paseos’ virtuales por las ciudades de todo el mundo, que ya han sido mostrados en Burdeos, Marsella o Berlín, estarán al alcance de la ciudadanía “como una manera alternativa de sumergirse en la realidad de las ciudades, más allá de sus iconos y más aún hoy, en tiempos de restricciones de movilidad y distancia social en los que los usos del espacio público se están reformulando”, explica el director del Instituto de Arquitectura de Euskadi, José Ángel Medina.

Las diez películas se centran en observar los comportamientos individuales y colectivos, las tensiones sociales y las fuerzas económicas y políticas que a diario se muestran en la ciudad,

poniendo el foco en el homo urbanus, el hombre urbano. De jueves a sábado (a las 17h y a las 18.30h), cada semana se invitará a dar un paseo por una ciudad distinta, para conocer aquello que las une y que las diferencia y para poder reflexionar sobre qué construye su identidad y cómo interactúan las personas con el entorno urbano.

Homo Urbanus forma parte del programa de la exposición hiru hiri – relatos urbanos, que muestra hasta el 25 de abril un recorrido a través de fotografías por las tres capitales vascas en formato postal, redescubriendo a través de ellas las urbes y aquellos rincones que, sin ser lugares icónicos, sí hacen de una ciudad ‘la’ ciudad para quienes la habitan. Las postales cuentan en su reverso con reflexiones de profesionales de la arquitectura como el ‘pritzker’ Rafael Moneo, autor del Kursaal donostiarra, del mundo de la literatura con los manuscritos de Karmele Jaio, Bernardo Atxaga, la visión de la artista Esther Ferrer, los versos de la bertsolari Maialen Lujanbio, o a las reflexiones de profesionales de la ciencia como Pedro Miguel Etxenike o Enrique Zuazua.

Programa para todos los públicos y para profesionales

La programación del EAI-IAE en torno a hiru hiri – relatos urbanos se completa estos días con visitas guiadas cada sábado. Las personas interesadas en estas actividades pueden inscribirse gratis en www.eai.eus.

MUSICA. SOLOLO FT NTATE FEFELA. TAUN

NTATE STUNA REPRESENTA A LA NUEVA GENERACION DE ARTISTAS SUDAFRICANOS. ESTA CANCIÓN SOLOLO ADELANTA SU PROXIMO ÁLBUM

 

INDICATIVO

MUSICA. MARC VIVES. POU

ENT. Manuela Pedrón y Agnès Pe.

 La Gran Conspiración Reactivando Videografíasdos exposiciones virtuales de arte contemporáneo de la Real Academia de España en Roma

 

Lagranconspiracion

 

La Gran Conspiración es una exposición digital de la Real Academia de España en Roma, donde cinco artistas españoles han creado piezas -diseñadas ex profeso para el medio virtual- donde reflexionan en torno a las dinámicas de internet (desde el clicbait a los asuntos del correo basura). Los comisarios son Manuela Pedrón Nicolau y Jaime González Cela, que rondan los 30-35 años. Y los artistas participantes y sus proyectos son:

Francesc Ruiz, con 'Correos', donde diseña materiales y acciones para cortocircuitar la logística de los sistemas de correos nacionales. 

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-Clara Montoya, con 'Nómadas', un viaje virtual en autostop, cíclico y sin destino, compuesto por multitud de trazados que el espectador tardaría alrededor de 50 años en completar.

-Paco Chanivet, con 'Palimpsesto', donde propone saltos entre lo virtual y lo físico a través de los recursos de la ciencia ficción, la sugestión o la hiperstición.

-Agnès Pe, con 'TMNM', donde plantea el papel de la publicidad en la historia del World Wide Web.

-Marc Vives, con 'Pou', una instalación sonora que sumerge al espectador en un 'pozo oscuro' donde remezcla los archivos sonoros que circulan en la Red como antídoto a la saturación visual.  

La Gran Conspiración es una exposición en soporte digital que reúne obras de artistas contemporáneos creadas específicamente para este formato. La muestra se despliega en un recorrido de múltiples posibilidades que permite navegar por las distintas piezas y contenidos. Así presentamos un conjunto de obras que utilizan las lógicas de la comunicación en Internet y otras posibilidades de distribución, sin pasar por un espacio expositivo físico, por el de un museo, una galería o cualquier centro de arte con paredes, vigilantes de sala y gravedad. Te animamos a bucear por este espacio virtual, a curiosear cada pieza e interactuar con ellas.

El título del proyecto juega con las dinámicas de atracción más comunes de la comunicación en Internet, desde el clickbait, a los asuntos del correo basura o el spam. También con el anglicismo gramatical de usar mayúsculas en los nombres y adjetivos del título (no aceptado por la RAE, pero súper habitual en las traducciones mecánicas que saturan este entorno). La idea de conspiración atraviesa buena parte del sentir contemporáneo. Sirve como telón de fondo sobre el que se construyen discursos que intentan explicar la realidad actual y los mecanismos e hitos que la determinan. Estas son explicaciones basadas en la proposición de alternativas a los discursos hegemónicos. Hay teorías de la conspiración de todo tipo: esclarecedoras, ridículas, cómicas, terroríficas, etc. Las teorías conspiratorias no son exclusivas de un determinado grupo político, periodo histórico, ni sector social, sino más bien múltiples y transversales a todo tipo de personas. En un mundo complejo e hiperconectado a todo tipo de niveles cualquier análisis de un aspecto de la realidad que nos rodea se quedará corto a la hora de determinar todas las conexiones, agentes, causas y consecuencias ligados a él. Esa complejidad, que imposibilita que nunca se pueda llegar a saberlo todo sobre algo, unida a la conciencia sobre esa carencia, genera una sensación de vértigo, de malestar y de reto generalizado que hace que la construcción y demolición de conspiraciones se convierta en uno de los motores del saber actual.

Al mismo tiempo, La Gran Conspiración se enmarca dentro de la tradición de las prácticas artísticas distribuidas. La historia del arte del siglo XX puede leerse como el relato de la tensión entre los artistas que buscan generar obras que se escapen del espacio del museo y los propios museos, que rastrean estas obras y crean mecanismos teóricos y expositivos para poder mostrarlas en sus salas. Esa lógica de la huida del museo está ligada desde las vanguardias históricas al deseo de fusionar el arte con la vida, de democratización y a la creencia en su poder emancipador y sanador. Esa búsqueda se desarrolló a través de múltiples vías a lo largo del siglo pasado y aun hoy se continúan inventando soportes, mecanismos y ritmos para ampliar el alcance del arte. Dentro de esta tendencia tienen un papel protagonista las prácticas artísticas distribuidas. Con ello nos referimos a aquellas iniciativas ligadas a la expansión de la obra de arte, a la dispersión (o simplemente consideración) de los diversos aspectos que la forman y rodean. Obras sobre soportes relacionados con la comunicación como son los periódicos, los panfletos, las revistas, los fanzines, los carteles, la radio o la televisión entre otros. La idea de distribución se conecta así con la de crear obras de arte que no sean únicas sino múltiples, a través de la capacidad de reproducirlas. Un tipo de obra de arte cuya esencia no radica en su singularidad y exclusividad sino en el alcance social de la misma. En esta línea también conectamos las prácticas artísticas distribuidas con el tráfico global de productos e ideas a través de la exploración de vías alternativas de divulgación. En este proceso no sólo entra en juego la obra en sí sino los mecanismos mediante los cuales se pone en circulación.

Las formas de comunicación a distancia (o telecomunicación) son el marco de estudio de este proyecto. Más específicamente, nos interesa pensar las condiciones de producción y recepción que se generan en el mundo virtual y por ello cada una de las piezas que componen esta muestra analiza e interviene aspectos concretos de la comunicación actual. 

 

www.lagranconspiracion.com

MUSICA. Agnes pe. DE la Serie Merrie Melodies.

 

musica: TOMAGA. INTIMATE INMENSITY.

 

 

CONTRAPORTADA. JANE WEAVER. SOLARISED. FOCK

 

Rosa Pérez   30.ene.2021 09:35    

Bleda y Rosa, Arancha Goyeneche y Ariadna Cantis

    viernes 22.ene.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 25.01.21

 

 

PORTADA: CASPER CLAUSEN. OCEAN WAVE

Cover Casper Clausen - Better Way

En esta primera aventura en solitario, Casper Clausen líder de Efterklangexhibe un sentido de ingenio y exploración musical, sin restricciones de formatos, géneros y objetivos colectivos. Presenta un álbum caleidoscópico que viaja por nuevos terrenos, retorciendo densas texturas y remolinos de sonido en historias de alienación y amor.

Publicó su primer álbum en solitario “Better Way” el pasado 8 de enero.

 

 

MUSICA. A3. DONNA MAYA. Cadillac boulebard.

ENT. BLEDA Y ROSA.

ORIGEN. BLEDA Y ROSA. Exposición en DA2 Salamanca. 

Del 15 de enero de 2021 al 25 de abril de 2021
Salas 6 y 7

 

Comisariada por Sema D’Acosta.

Jebel-Irhoud-Bleda-y-Rosa-ORIGEN-FCAYC-actividad-1

Con El origen de las especies, Charles R. Darwin pone en entredicho el relato bíblico y abre, en el siglo XIX, el debate sobre el origen del hombre. En ese mismo siglo, en 1848, se descubren en Gibraltar los primeros restos de fósiles humanos. Unos años más tarde un naturalista alemán, Johann C. Fuhlrott, encontró restos en el valle de Neander que atribuyó a un ser intermedio entre el simio y el hombre. Nace así la prehistoria y la paleoantropología y con ellas la necesidad de cerrar el árbol de la evolución humana. 

Recientemente un equipo de científicos de la Universidad de Leipzig ha datado una serie de fósiles humanos hallados en el norte de África con una antigüedad de 300.000 años. Los restos de aquellos primeros hombres encontrados en el yacimiento marroquí de Jebel Irhoud han revolucionado el mundo de la antropología, pues desplazan el origen de nuestra especie a un lugar hasta ahora descartado. 

En estos casi dos siglos transcurridos entre el primer hallazgo y los últimos descubrimientos de Marruecos se ha ido generando una especie de mapa geográfico y temporal sobre el origen de nuestra especie. Una sucesión de fechas, especies, equipos científicos y lugares sobre los que se asienta este trabajo. 

El centro de arte contemporáneo de Salamanca, DA2, acoge la exposición fotográfica “Origen. Un paseo por las teorías de la evolución humana” de los artistas María Bleda y José Mª Rosa

 

Las fotografías de esta muestra recorren algunos de los lugares donde en algún momento se situó el primer hombre: el valle de Neander en Alemania, el lago Turkana en Kenia, la garganta de Olduvai en Tanzania, el río Solo en la isla de Java o la sierra de Atapuerca en España

 

La exposición consta de 17 fotografías de gran formato de la serie Origen (2003) y 14 láminas enmarcadas de Atlas Vertebrae (2018).

La representación del territorio como lugar de memoria es uno de los ejes centrales del trabajo de estos dos artistas, que obtuvieron el Premio Nacional de Fotografía en 2008. 

Origen” es una de sus series más conocidas, un proyecto iniciado en el año 2003 que todavía sigue en proceso. Su planteamiento nos propone un recorrido físico por las diferentes teorías de la evolución humana desarrolladas desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días, hipótesis que dependiendo de los hallazgos científicos de cada momento han situado el origen del hombre en espacios geográficos muy distintos.

TALLER BLEDA Y ROSA

María Bleda (Castellón, 1968) y José María Rosa (Albacete, 1970) se han consolidado como una de las referencias más destacadas de la fotografía española contemporánea. El núcleo fundamental de su trabajo es la representación del territorio, con el que buscan resaltar el complejo cruce de culturas y tiempos que lo conforman. Transforman de esta forma el género del paisaje en imágenes con un alto poder de evocación, donde se manifiesta su propia experiencia sobre los lugares que fotografían. El poso del tiempo, la huella y la memoria son los elementos intangibles que construyen sus obras. A lo largo de compactos y destacados proyectos como Campos de fútbol, Campos de batalla, Origen o Prontuario, Bleda y Rosa han consolidado una propuesta que registra la historia latente que habita en los espacios, un pasado que ellos exploran activando nuestro imaginario y nuestra memoria. Su trayectoria ha ido haciéndose más compleja mediante la incorporación progresiva en sus trabajos de una profunda reflexión sobre la construcción del espacio fotográfico y las relaciones entre naturaleza y cultura.

Han presentado sus proyectos de forma extensa a través de exposiciones internacionales entre las que merece destacar la que hoy se presenta en el DA2 (Salamanca, 2021), Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, 2018), Bombas Gens Centre d’Art (Valencia, 2017), Galería EspaiVisor (Valencia, 2015), Real Jardín Botánico (Madrid, 2010), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y Universidad de Salamanca (2009) o Kunsthalle zu Kiel (2003); así como su participación en muestras colectivas como Coleccionando procesos, Centro Botín, (Santander 2019), Doce fotógrafos, Museo Nacional del Prado (Madrid, 2018), Reading Landscape. AA Architectural Association, (Londres, 2010), Céret, un siècle de paysages sublimés. Musée d’art moderne. (Ceret, 2009), Recontres d’Arles, Magasin des Ateliers (Arles, 2005), Mediterranean: between reality and utopia, The Photographers Gallery, (Londres, 2004), o MANIFESTA 4, (Frankfurt a.M, 2002), o Paysage Contemporain, Galerie du CAUE, (Limoges, 1997).

Se amplia el plazo para visitar esta exposición en la que también se puede ver obra de Bleda y Rosa. 

 

Un Momento Atemporal

TABACALERA MADRID
29/10/2020 - 04/04/2021
Un momento atemporal es una exposición que celebra los 35 años de dedicación a las artes visuales de Injuve y lo hace con la colaboración de Tabacalera Promoción del Arte. Se trata de una propuesta de revisión del arte joven que fantasea con el deseo de entender todo ese tiempo como una suerte de presente expandido. Un momento específico que empezó en 1984 y, en esencia, se mantiene igual en 2020.

 

 

MUSICA. NORTHWEST. the day

 

 

 

 

MUSICA. LINDA BLAIR. dUCKS AND CRABS

ENT. ARANCHA GOYENECHE.

Goyeneche1

ARANCHA GOYENECHE. ESPACIO MARZANA. BILBAO. HASTA 26 DE FEBRERO 2021

 

Here comes the sun es el título de la tercera exposición individual que realiza Arancha Goyeneche en Espacio Marzana. Debido al momento histórico en el que nos encontramos, la artista ha decidido cambiar el título inicial de la muestra en el último momento. Goyeneche comparte junto con la galería Marzana la primera exposición de este ansiado y esperanzado 2021 que de forma colectiva estamos esperando para recuperar progresivamente nuestras libertades de movimiento, nuestros encuentros y abrazos.

Como es habitual en Arancha Goyeneche, su trabajo reflexiona en torno a las posibilidades y aperturas conceptuales de la práctica pictórica. A partir de distintos postulados y con una actitud libre, busca caminos inéditos y disfruta del proceso creativo en sí mismo. En la creación hay un sentido pleno de libertad, no hay límites y todo es posible. Por todo ello, la intuición, el azar y la acción juegan también un papel importante en la génesis de toda su obra.

En esta nueva exposición en la galería Espacio Marzana la artista propone un recorrido por distintos trabajos realizados en estos últimos años cuyo nexo común es el acercamiento a la escultura y al dibujo desde un planteamiento plástico y lúdico.

 

Los residuos son una parte importante del proceso creativo de Arancha Goyeneche. La artista procura no tirar nada, guardando el material de desmontaje y corte. Muchos de estos elementos conviven al lado de su mesa de trabajo o se aferran a las paredes esperando una segunda oportunidad. Además de encontrar en ellos una belleza plástica que le resulta inspiradora, es también una forma de aprovechamiento del material al que quiere otorgar una segunda vida. Así es como surge la serie Caprichos cromáticos (2017) donde las pequeñas formas amorfas que consigue con el material sobrante y, que tal vez debería de haber tirado, le sirven para experimentar con el volumen. A partir de ellas, ha elaborado unas pequeñas obras escultóricas que presenta en diálogo con los materiales residuales.
En 2019 comienza la serie Pintura con pedestal en la que pretende vulnerar las líneas que definen la pintura y la escultura como disciplinas artísticas independientes. La pintura se libera del lugar en el que de manera natural se muestra ubicada, es decir, del muro o la pared. 

 


Goyeneche2

Arancha Goyeneche ha obtenido el galardón principal de los premios de Artes Plásticas 2020 que otorga la Consejería de Cultura de Cantabria, dotado con 8.000 euros, con la obra 'Sticked painting', una pieza integrada por 15 paneles de 180x90 centímetros cada uno que cuenta con más de 15 metros de longitud, que establecen relaciones y conexiones de tipo plástico entre las artes artesanales y ornamentales con el arte contemporáneo a partir del azulejado.

Www.espaciomarzana.com

 

 

 

MUSICA. 3. TREMOR PARENTHESIS. NIET

 

MUSICA. Niet. parenthesis

ENT. Ariadna Catis.

Ariadna

Ideas de Ciudad es un laboratorio de investigación, difusión y debate sobre las transformaciones espaciales y sociales de la ciudad contemporánea. El objetivo es crear un laboratorio de ciudad, una plataforma abierta de investigación orientada a la exploración del futuro de las ciudades como espacios de cultura y generación de nuevos paradigmas sociales, tecnológicos y de innovación.

Ideas de Ciudad es un proyecto online de comunicación, reflexión y debate sobre los cambios de las metrópolis y su visión de futuro donde participarán arquitectos, urbanistas,
sociólogos, economistas y artistas, entre otros profesionales. El proyecto indaga en las transformaciones de la ciudad de los últimos años y es también una invitación a pensar
de manera colectiva en el futuro de las ciudades: una mirada caleidoscópica y multidisciplinar desde la cultura, la sociología y la tecnología, compartiendo conocimiento y la atracción de inteligencia.

Ideasdeciudad1

Ideas de Ciudad  programa presentaciones mensuales con expertos nacionales e internacionales de diferentes ámbitos del conocimiento en las que se tratarán los siguientes temas: 

 

- Movilidad, salud y calidad del aire
- La ciudad de los cuidados
- Hábitat doméstico-hábitat público
- Renovación cultural
- Innovación
- Ecología urbana

El proyecto se concibe en formato audiovisual, formalizándose en vídeos de los expertos, con una duración de 30-40 minutos y periodicidad mensual, que se emiten online desde esta página web.

Participantes:
Winy Maas
Arquitecto, socio fundador del estudio holandés MVRDV. Director de The Why Factory ( Delft University of Technology)
El arte del urbanismo. 27 enero

Olga Subirós
Arquitecta, comisaria del proyecto 
Air/Aria/Aire para la Bienal de Arquitectura de Venezia 2021
Radical Air. 24 febrero

Miriam García García
Doctora arquitecta y urbanista. Directora de LAND LAB
Ciudades ecoresilientes. 24 marzo

Marina Otero
Arquitecta, directora de investigación en Het Nieuwe Instituut, Rotterdam
Renovación cultural. 21 abril

Izaskun Chinchill
Doctora arquitecta y catedrática de Práctica Arquitectónica en Barlett School of Architecture
La ciudad de los cuidados. 26 mayo

Miguel Álvarez
Ingeniero, director de MIB España - Mobility Institute Berlin
La nueva movilidad. 23 junio

Javier Peña
Arquitecto, director del Festival de Arquitectura y Diseño Concéntrico
Instalaciones en el espacio público. 21 julio

Anna Puigjaner
Arquitecta cofundadora del estudio MAIO, galardonada con el Wheelwright Prize de la Universidad de Harvard
Espacios privados. 22 septiembre

 

Ariadna Cantis es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Autora, crítica y comisaria independiente de arquitectura y urbanismo, divide su actividad entre la difusión de la arquitectura, el urbanismo, la investigación y el comisariado, mediante proyectos, exposiciones, talleres y publicaciones, con el objetivo de generar un pensamiento crítico entre arquitectura y cultura contemporánea, investigando en los límites de las disciplinas. Ha sido asesora del Ministerio de Vivienda, coordinando el programa de exposiciones de las Arquerías de los Nuevos Ministerios y Coordinadora de la itinerancia nacional e internacional de exposiciones. Ha participado en el Proyecto Estratégico Madrid Centro como experta en Cultura y Comunicación. Directora de Comunicación del Colegio de Arquitectos de Madrid 2016-2019. Recientemente ha sido finalista del concurso de comisariado para la XV Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo 2021.

www.centrocentro.org

 

 

 

MUSICA: Rone. Esperanza. Stja gutierrez remix.

MUSICA. BROMO

 

 

CICLO SON PIONERAS.

SonPioneras es una plataforma abierta a todas las académicas que quieran mostrar su perfil como líderes, impulsoras o participantes de actividades relacionadas con la transferencia de conocimiento en su sentido más amplio ya sea a través contratos con empresas o instituciones, patentes, creación de spinoffs, así como en proyectos de cualquier naturaleza que están ayudando a promover cambios e innovaciones en nuestra sociedad actual.

Mujeres profesionales e investigadoras en arte digital. Mesa Redonda «Tecnología y Arte»

26 de enero @ 16:30 - 18:30

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El 26 de Enero de 2021 a las 16:30 horas vamos a realizar un magnífico evento online con grandes profesionales organizado en colaboración con la Asociación Cultural Miga.

➡ Mujeres profesionales e investigadoras en arte digital, con una invitada muy especial:

Rosa Pérez. Periodista cultural experta en arte y música, y directora y presentadora del programa de Radio Nacional de España RNE «Fluido Rosa» sobre música y arte contemporáneo​.

🟥 Mesa Redonda titulada «Tecnología y Arte» con pioneras especialistas en la materia:

  • Paloma Peñarrubia. Compositora e impulsora de distintos proyectos musicales como Las flores no lloran o Bromo, parte del colectivo de artes experimentales, Transdisciplina A/V. Profesora de Composición Musical para cine en Máster en Creación Audiovisual y Artes Escénicas (UMA).
  • Marta Verde. Artista visual, creadora digital y docente. Instructora en Berklee College of Music Valencia.
  • Ana García López. Doctora en Bellas Artes y profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada en el área de Proyectos Audiovisuales y Diseño (Grado) y de Dibujo Expandido (Master de Dibujo-UGR).

Moderadoras:

  • Marga Sánchez Romero. Vicerrectora de Igualdad, Inclusión y Sostenibilidad de la Universidad de Granada.
  • Julia Martínez Escudero. Gerente de la Asociación Cultural Miga, colectivo vinculado a la creación audiovisual de vanguardia y la música electrónica, y directora de proyectos de Ideas Técnicas y Estrategias Multimedia S.L. empresa especializada en nuevas propuestas y tecnologías audiovisuales aplicadas al arte y a la publicidad.

Inscribirse:

www.sonpioneras.es/actividad/

MUSICA. PLUGIN SAND WIND CLOSE/STARE. COMPILATION.

 

MUSICA: AGNES OBEL. THE CURS

CONTRAPORTADA. CASPER CLAUSEN FEEL IT COMING

 

Rosa Pérez   22.ene.2021 10:16    

Aventuras sonoras impredecibles

    viernes 15.ene.2021    por Rosa Pérez    0 Comentarios

PROGRAMA 18.01.21

 



 

Seguimos repasando el ciclo AUDIOACTIVITY, celebrado durante los meses de noviembre y diciembre en La Casa Encendida de Madrid.

Jm cidron

Juan Manuel Cidrón que presentó en Audioactivity su último disco Los Conciertos que Nunca se Hicieron, inspirado en las actuaciones que tenía programadas y, debido a la pandemia, se cancelaron. 

 

Juan Manuel Cidrón es un talento veterano de la electrónica española desde principios de los años 80, cuando comenzó su carrera. Su trabajo está basado en el sonido de sintetizadores, modulares y un impresionante repertorio de instrumentos analógicos, que conforma una de las mejores colecciones del país. Marcado en una primera parte de su carrera por músicos como Tangerine Dream o Klaus Schülze. La extensa carrera de Cidrón es difícil de seguir porque su línea de trabajo es muy independiente. Trabaja siempre desde la ultra-periferia de su Extrarradio, sello propio en el que publicó más de 20 referencias, y tiene una especial conexión con el sello madrileño Geometrik, donde editó el magistral álbum Patagón.

Desde el pasado año Cidrón, forma parte del trío Vértice junto a Saverio Evangelista (Esplendor Geométrico) y el legendario músico italiano Maurizio Bianchi. Con ellos inauguró la serie Decay Music en el sello de Milán Die Schachtel,

CONCIERTO CIDRON (fragmento)

 

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Boris Divider, propuso un concierto audiovisual construido por diferentes patrones musicales, texturas, ruido visual y grafismo creado con diferentes técnicas y generado o controlado en tiempo real. Esto permite al artista establecer una duración y un rumbo diferente para cada pieza con una libertad plena, pues todo se dispara de forma improvisada en cada instante. El resultado hace de cada actuación una experiencia diferente y exclusiva para el público. 

Boris Divider, un artista con una mezcla peculiar de formación, cursó estudios de Música en el conservatorio, de niño y después completó con sonido, electroacústica y sistemas de microelectrónica alrededor del campo musical, para más tarde conectar con el mundo de la creación visual y la animación gráfica.

 

Después de dedicar casi un par de décadas a la electrónica de club actuando en eventos y clubs como Sonar (ES), ADE (NL) o Tresor (DE), viene transformando y consolidando una puesta en escena y una temática más cercana a la instalación audiovisual. Hemos rescatado un amplio fragmento de su presentación en Audioactivity, aquí en Radio 3, donde hoy en Fr estamos escuchando algunos de los conciertos que se han podido ver en este ciclo en una primera entrega a la que auguramos larga vida por el gran espectro de propuestas que nos hace disfrutar de la experimentación de forma muy amena.

 

CONCIERTO BORIS DIVIDER (fragmento)

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Lucius Works Here, El proyecto,de una de las personalidades del underground barcelonés, Shakira Benavides.

Shak, pincha desde los años 90 en festivales y clubs y es la única responsable de Lucius Works Here, fundado en 2004.

Gran conocedora de la historia de la música (tanto la popular como la de vanguardia), desde hace un tiempo focaliza su interés de forma muy especial en los sonidos y los compositores del siglo XIX. Ése es el motor de TeslaFM.net, radio de su propiedad, y también de su tercer y último trabajo discográfico, Detenido en el Tiempo.

 

En su música utiliza grabaciones de campo y fragmentos sonoros de films o documentos antiguos, sampler y todo para dar forma a sus piezas sonoras que presenta de manera muy personal.

CONCIERTO Lucius Works Here (FRAGMENTO)

 

Rosa Pérez   15.ene.2021 11:08    

Experimentación y Riesgo

    sábado 9.ene.2021    por Rosa Pérez    22 Comentarios

PROGRAMA 11.01.21

 

Hoy volvemos de nuevo a Tenerife, en la primera parte del programa, donde se celebra anualmente el festival Keroxen, en el centro cultural el Tanque y que este año ha tenido que cambiar a La Laguna alguno de los conciertos y otros se han podido disfrutar via streaming.

Aquí os traemos algunos de los audios de una selección de conciertos.  Banha da cobra.

Banha da cobra

Banha Da Cobra es el proyecto de los artistas lisboetas Mestre André (computador) y Carlos Godinho (objetos). Nacido de una corriente de investigación e intervención de sonido electroacústico, Banha da Cobra parte de un lugar sonoro imaginario de actividades y paisajes artesanales, rituales y tradicionales. Las composiciones están hechas como ruinas sonoras, basadas en una ecología entre la sostenibilidad de la naturaleza sonora de lo encontrado (estructuras, lugares, objetos, etc.) y su apropiación y transformación. La recolección inherente a este proyecto es de carácter arqueológico, complementada con procesos de manipulación alquímica como la creación musical en tiempo real.

 

CONCIERTO BANHA DA COBRA.

 

La música de esta formación se puede encontrar distribuida a través del sello Discrepant. www.discrepat.net

 

En la edición de 2020, en el festival Keroxen nos encontramos con El Niño de Elche, que presentó una propuesta totalmente experimental.

Ninoelche

Hablar de la figura de Niño de Elche es olvidarse de etiquetas. Es un Artista sin límites, que lo mismo transita por el flamenco ortodoxo, que colabora con artistas como C Tangana.
A Keroxen llegó con un proyecto que nace de su investigación en el trabajo del granadino, Val del Omar, arropado por los sintetizadores y programaciones de la artista Susana Hernández.

 

CONCIERTO EL NIÑO DE ELCHE

 

Otro de los eventos que nos han traido este final de año músicas y propuestas sonoras muy diversas e interesantes ha sido el ciclo Audioactivity, comisariado por Andrés Noarbe y celebrado en la Casa Encendida de Madrid. Audioactivity nos trajo a Olivier Arson, ganador de un Goya por la música de El Reino,y presentó por primera vez su nuevo trabajo en La Casa Encendida

Oliver arson

Olivier Arson (Territoire), es además autor de las bandas sonoras de Rodrigo Sorogoyen (Antidisturbios, Que Dios nos perdone, Madre) , nos adelantó su próximo disco Étude de la profondeur compuesto en Islandia y que publicará en 2021 a través de Humo Internacional.

 

CONCIERTO TERRITOIRE.

 

 

 

Rosa Pérez    9.ene.2021 10:22    

KEROXEN 2020

    jueves 31.dic.2020    por Rosa Pérez    55 Comentarios

PROGRAMA 04.01.21

 

El festival KEROXEN, de Santa Cruz de Tenerife, es un clásico en Fluido Rosa. Anualmente ofrecemos un resumen con algunos de los conciertos presentados, en el Centro Cultural El Tanque. 

Este año, no ha sido posible mantener la programación en el emblemático espacio del Tanque y pese a los cambios han conseguido sacar una más que interesante programación adelante. Enhorabuena!!. Aquí os dejamos una muestra.

Shoeg

SHOEG El proyecto del artista sonoro y visual Carlos Martorell, Shoeg, incide en la relación entre el individuo y la tecnología.

 

Otros de los proyectos esperados fue la presencia de Francisco López y de Barbara Ellison. Con ellos además pudimos mantener una interesante charla además de escuchar fragmentos de su presentación en vivo.

Barbara ellison Francisco-López-1280x720

 

En la recta final de este programa especial dedicado al Festival Keroxen, Tomoko Sauvage.

Tomoko

Durante la última década, Tomoko Sauvage (JP / FR) ha estado trabajando combinando agua, cerámica e hidrófonos (micrófonos subacuáticos). Cuencos de porcelana, gotas de agua, ondas y burbujas, así como la retroalimentación hidrofónica y la electrónica son los ingredientes principales de su instrumento que genera el timbre escultural y fluido.

 

 

Rosa Pérez   31.dic.2020 16:41    

ESPECIAL AUDIOACTIVITY: PATRICIA ESCUDERO/LUIS DELGADO Y

    viernes 25.dic.2020    por Rosa Pérez    60 Comentarios

PROGRAMA 28.12.20

 

 

AUDIOACTIVITY

Estamos ap punto de finalizar un año que nunca hubieramos querido imaginar, pero pese a todo, también hemos tenido a nivel creativo grandes alegrias, eso lo hemos ido viendo a lo largo de los ultimos meses. La pandemia a despertado la creatividad y las ganas de seguir adelante de muchos artistas y aunque ha habido muchos eventos cancelados o pospuestos también hemos dado la bienvenida a otros, como AUDIOACTIVITY,

 

Todos los viernes de los meses de noviembre y diciembre, La Casa Encendida ha propuesto Audioactivity, un nuevo ciclo de conciertos y aventuras sonoras impredecibles. Son sesiones de electrónica de vanguardia que inducen a una escucha activa y atenta, capaces de sumergir al oyente en experiencias que pueden ser relajantes, excitantes, hipnóticas o conmovedoras. El ciclo arrancó el pasado viernes 6 de noviembre con Patricia Escudero y Luis Delgado, con su singular homenaje a Satie.

Más de tres décadas después de haber editado un vinilo con el título de Satie Sonneries dedicado a la obra de Erik Satie, y con motivo de su reedición, sus intérpretes revisan el repertorio utilizando las tecnologías actuales para ofrecer una visión nueva de aquella producción.

El sonido del piano clásico de Patricia Escudero se suma a los sintetizadores utilizados para la producción original de los años 80 y a los timbres digitales de la guitarra de Luis Delgado; todo ello imbricado a la perfección con los pentagramas de Satie y acompañado de las imágenes del París de principios del siglo XIX y retazos de la vida del compositor. No son muchos los músicos que se han aventurado a trabajar este repertorio desde la electrónica y, menos aún, llevarlo al directo.

Inspirándose en el trabajo de este artista, Luis propuso a Patricia la grabación de obras de este compositor secuenciadas con los teclados más avanzados de 1986 y que se materializó en el disco Satie Sonneries, que vio la luz en 1987 editado por El Cometa de Madrid. El pasado año, más de tres décadas después, el disco es reeditado por el sello Equilibrio y es redescubierto por una joven generación interesada en los sonidos de vanguardia. Este interés lleva a Patriciay Luis a revisar el repertorio utilizando las tecnologías actuales para ofrecer una visión nueva de aquella producción.

Patricia Escudero se trasladó a Madrid a finales de los 70, donde finalizó sus estudios musicales de piano, clave y música de cámara. Durante esos años realiza una intensa actividad como solista y forma parte de las agrupaciones musicales más relevantes del momento con las que da conciertos y giras, tanto por España como por Europa. Su interés por todo lo que tiene que ver con la evolución de los instrumentos de tecla a lo largo de la historia, desde los planteamientos historicistas a la música de vanguardia, propicia la colaboración con Luis Delgado.

Luis Delgado es un reconocido intérprete y autor desde 1970, con una larga, impresionante y singular trayectoria tanto en solitario como trabajando en numerosos grupos. Se dedica a la música antigua y medieval mientras forma parte de Mecánica Popular junto a Eugenio Muñoz, pionero y nombre de culto dentro de la electrónica española.

 

Escudero-delgado

ENTREVISTA LUIS DELGADO.

 

concierto: PATRCIA  ESCUDERO Y LUIS DELGADO.

 

PRAMA

La siguiente propuesta está firmada por Pragma es la última encarnación musical del indomable espíritu experimental de TeZ (también conocido como Maurizio Martinucci), artista italiano interdisciplinar que vive y trabaja en Ámsterdam. En directo le acompaña Giancarlo Cotticell, que también cultiva multiples alias, un artista visual italiano que participa con creaciones de vídeo analógico en vivo. Juntos proponen PRAGMA, un viaje arraigado en la tradición musical atonal e industrial, que explora las intersecciones de la electrónica analógica, la música concreta y el digitalismo contemporáneo,

 

CONCIERTO PRAGMA.

 

 

 

 

 

 

 

Rosa Pérez   25.dic.2020 10:27    

Artistas comprometidos, Grip Face y Las Naves de Valencia

    viernes 18.dic.2020    por Rosa Pérez    80 Comentarios

PROGRAMA 21.12.20

PORTADA: Jane Weaver. The revolution of supper visios. Jane-weaver-promo

Presentamos Baptism Of Fire. Un recopilatorio del sello Fire Records que nos lleva por algunos de los temas más aclamados lanzados por el sello a lo largo de 2020 y nos adelanta algunas de las perlas esperadas del inminente 2021, como este tema de Jane Weaver que nos introduce en el álbum Flock, cuya publicación se prevé para el 5 de marzo de 2021.

 

MUSICA. Tati lmar. Eyes closed

ENT. GRIP FACE

Flyergripface

Artista multidisciplinar que fija generalmente sus coordenadas en el espacio público, descubre a los trece años las múltiples posibilidades que le ofrecen el graffiti y el lenguaje gráfico urbano, en cuya dimensión no tarda en sentirse cómodo para trasladar sus mecanismos a un terreno propio.

 

Desde este 19 de noviembre Grip Face toma los espacios de Cerquone Projects Madrid, con la muestra “Máscaras de una generaciòn Millennial

Una exposición que se ha planteado un recorrido museográfico integrado por 7 piezas, las cuales van desde una intervención site-specific, varias esculturas de gran formato y una serie metapictórica que recopilan novedosas técnicas como incrustaciones de pelo y baño de terciopelo.

Para este nuevo reto artístico Grip Face recoge una legendaria tradición cultural y ofrece un juego de máscaras al actual momento de la posmodernidad. Con el inconfundible lenguaje que ha elaborado desde sus primeras creaciones artísticas, como nos comenta Basilio Baltasar en su texto “Las Máscaras de nuestro tiempo”

En estas piezas, Grip Face ve en la máscara un símbolo de transformación. Anuncia un repliegue de la conciencia, una meditación sobre la identidad, una interrogación sobre el personaje, y la renuncia a cumplir las viejas imputaciones. Por un lado, las máscaras delatan el juego de las identidades confusas de nuestro tiempo; por otro, denuncian el penoso complejo de credulidad que gobierna a la cultura contemporánea.

Este creador que sabe las posibilidades que le ofrece el arte público y en cuya dimensión no tarda en sentirse cómodo para trasladar sus mecanismos a un terreno propio, nos adentra al cómics, la introspección personal y donde el paisaje urbano juegan un papel importante. Las caras, el cabello y las manos son motivos recurrentes en sus obras, y esta muestra no escapa a esta norma donde recurre el artista.

Grip Face. Se adapta a diferentes medios, desde proyectos en interiores, como trabajos en papel, libros e instalaciones, hasta intervenciones en exteriores, incluyendo murales a gran escala, meditando en nuestro día a día con una atractiva combinación de color, abstracción y formas claramente reconocibles. EL LIBRO, Black faces, haces una recopilación de todos tus trabajos realizados a lo largo de dos años en ciudades como Amsterdam, Barcelona, Nápoles, Palma de Mallorca, Bilbao…

Cerquone continúa comprometido en difundir, investigar y dar pie a nuevos diálogos en el arte contemporáneo y sus diferentes manifestaciones. Seguimos trabajando en nuestras dos sedes de Caracas y Madrid, donde un equipo genera propuestas nuevas e innovadoras para el disfrute del público.

La exposición “Máscaras de una generación Millennial” del artista Grip Face (Palma de Mallorca - España) , se estará presentando desde el próximo 19 de noviembre en los espacios de Cerquone Projects Madrid, desde las 19:00hrs y seguirá hasta marzo de 2021.

 

 

MUSICA. Bromo. Golden Race. No Signal

 

MUSICA. FUR VOICE. WESTERN IN HEAVEN

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FUNDACION Daniel y Nina CARASSO

Este nuevo premio reconoce la labor de artistas que se comprometen como ciudadanos y ciudadanas, tanto en Francia como en España, para transformar los modelos establecidos mediante acciones destacables en respuesta a diferentes problemáticas sociales. Descubre los cinco artistas premiados este año, sus trayectorias y sus acciones… ¡tan originales como ejemplares!

Artistas ciudadanos comprometidos, actores del cambio

Las múltiples crisis que vivimos actualmente han puesto de manifiesto las graves carencias y bloqueos que afectan a nuestro mundo, que reclaman con urgencia inspiración para el cambio. Con la creación de este nuevo premio desde la Fundación queremos destacar la implicación de los artistas como agentes de pleno derecho de la transición hacia sociedades más ecológicas, inclusivas y plenas. “Ya hemos escuchado muchas veces decir que vivimos en un mundo incierto, inmerso en una suerte de crisis permanente y multiforme. En este contexto, los artistas juegan un papel determinante en la sociedad. Figuras creativas y particularmente inspiradoras desde la noche de los tiempos, los artistas tienen la capacidad de trazar los mapas del presente y construir nuevos imaginarios”, afirma Anastassia Makridou-Bretonneau, responsable de la línea de Arte Ciudadano de la Fundación, “pero tanto hoy como ayer, más allá de utilizar el lenguaje simbólico del arte, algunos de ellos deciden emprender iniciativas fuertemente vinculadas a la realidad. En su papel de artistas-ciudadanos, asumen un compromiso a largo plazo con acciones concretas y exigentes. Ponen su imaginación, su saber hacer y su experiencia al servicio de los demás y dan voz y alas a otras realidades posibles”.

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ENT JUAN JARA. Artista nómada, ajeno a cualquier escuela y disciplina, desde su compromiso ético y estético, vive y desarrolla desde hace años sus proyectos en un albergue para personas sin hogar en Madrid, donde congrega a artistas, instituciones, mediadores y ciudadanos. Recientemente, junto con sus compañeros de albergue, se ha trasladado a un antiguo monasterio en Loeches (Madrid) con la idea de poner en marcha una comunidad de vida donde confluya artistas y personas sin techo.

MUSICA. EL RAVERO. LOS VOLUBLE

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ENT. SANTIAGO CIRUJEDA.Como «arquitecto social», desarrolla nuevos protocolos para los proyectos públicos, que fluctúan entre la legalidad y la alegalidad, desde el colectivo Recetas Urbanas. Su trabajo se caracteriza por una experimentación permanente que se sirve de la ciudad como laboratorio y como espacio para la resolución de conflictos, tal y como ocurre en la construcción del Centro Sociocomunitario Cañada Real, en Madrid.

www.fondationcarasso.org

 

MUSICA. LOS RUMBERS. NANA DEL CABALLO GRANDE

 

MUSICA. ARANDEL. CRAB CANON

Brillar

  • La expo ‘Brillar’  muestra el trabajo de 14 jóvenes artistas y es el resultado de un proyecto de co-creación y trabajo colaborativo desarrollado durante meses.

  • Forma parte del apoyo de Las Naves a la creación joven e innovadora, así como a las Industrias Culturales y Creativas de la ciudad.

Brillar:

1. Dicho de un cuerpo: emitir o reflejar luz.

2. Dicho de una persona: sobresalir en talento, hermosura, etc.

3. Evocado aquí: purgar orígenes, querencias, miedos y aspiraciones.

Tener todo por delante no significa no tener nada detrás. En veintidós años, o diecinueve, cualquiera acumula un historial de vivencias suficiente como para ser mucho más que un simple tópico: joven con todo por delante. Bajo el título ‘Brillar’, esta exposición de carácter colectivo plantea una exploración emocional a través de las imágenes de 14 jóvenes creadoras vinculadas al territorio valenciano. Educación, familia, autoestima, confianza, independencia, éxito y fracaso son algunos de los temas que en ella se ponen sobre la pared para mirar más allá de mitos asociados en exceso al desarrollo personal como el talento y el esfuerzo.

La exposición ‘Brillar’ es el resultado de un proyecto de co-creación y trabajo colaborativo desarrollado durante unos meses en el que han participado las artistas Cris Bartual, Selen Botto, Silvia Castillo, Angie Donet, Gala Font de Mora, Silvia Giménez, Laura Ibáñez, Paula Lorenzo, Aina Miguel, Elsa Moreno, Susana Pérez Gibert, Francesc Planes, Elena Sanmartín e Irene Santiago.

La idea y coordinación ha estado a cargo de Jorge Alamar y en el proceso han participado también la joven escritora valenciana  Marta Rosmeri y Paula Costa, La terapeuta millennial. Del equipo de trabajo creado para la ocasión también han formado parte Belén Bru como diseñadora gráfica y Mati Martí como asistente técnica. 

Las fotógrafas participantes desarrollan sus carreras profesionales multidisciplinares e intentan salir delante de forma profesional. Para algunas de las participantes es su primera exposición institucional y sus fotografías son una forma de mostrar y reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro.

 

MUSICA. BELAU. RISK IT ALL, JUNTO A AMAHLA

 

CONTRAPORTADA:FIRE. Rats on rafts.Corte 1. tokio music experience.

 

 

Rosa Pérez   18.dic.2020 08:58    

Rosa Pérez

Bio Fluido Rosa

Desde 1982 se mueve en el mundo de la radio. Magazine FM, Secuencias, Música es Tres o Fluido Rosa son algunos de los nombres de programas que han ido marcando una trayectoria profesional llena de música y propuestas artísticas que parten del extrarradio de la creación y que finalmente van asentándose en el panorama cultural de este país.
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