Lo que hay que oír: octubre 2009

7 posts de octubre 2009

Luis de Pablo recibe el "Cervantes de la Música"

23 oct 2009 | Enlace permanente

«Mi música es lo único que sé hacer y quizás lo único válido... La música es un lenguaje y yo lo ofrezco a todos los que quieran disfrutar de él».

Luis de Pablo, compositor.

El compositor Luis de Pablo recibe el Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria, uno de los galardones más prestigiosos de la “música culta”, instituido por la Sociedad General de Autores y Editores Españoles. En esta IX edición, Luis de Pablo se alzó con el Primer Premio entre un total de 54 compositores finalistas procedentes de 16 países iberoamericanos.

Un galardón de esta envergadura, el mayor reconocimiento para un compositor iberoamericano (debido tanto a la categoría del jurado como a su dotación), supone un homenaje a toda una vida dedicada a la creación, un compromiso que Luis de Pablo ha desarrollado durante las últimas cinco décadas como creador, divulgador y pedagogo. «La diferencia entre la España de los años 50 y la actual es abismal; la comunidad de compositores jóvenes se ha multiplicado con una velocidad vertiginosa y no sólo en cantidad sino en calidad. Contamos con un número de compositores notables (me refiero especialmente a las generaciones posteriores a la mía) comparable sólo con la que teníamos en el siglo XVIII».

Nacido en Bilbao, en 1930, a los ocho años Luis de Pablo comenzó sus estudios musicales; con tan sólo trece años, ya se lanzó a componer. Sin embargo, tras la muerte de su padre, asume la responsabilidad familiar y se licencia en Derecho, en la Universidad Complutense de Madrid (1952) ejerciendo como abogado en la compañía Iberia durante años hasta que por fin, logra dar el salto laboral a la música cuando consigue «ganarse la vida gracias a la composición».

Miembro de la Generación de 1951, con apenas veinte años de edad, Luis de Pablo tuvo la lucidez como para apostar por las corrientes europeas en una época especialmente oscura para el intelectual español. Sobre la recepción de su música por parte del público doméstico en los primeros años sesenta, el maestro comenta lo siguiente: «Hablar del público de manera unívoca puede resultar abusivo: no existe “el público” sino “los públicos” y naturalmente con una música de estas características, los públicos se fueron formando gracias a la escucha y al interés por su parte. Los compositores no tenemos la exclusividad de esa curiosidad».

Revisamos algunos de los conceptos estéticos como el “estilo”, una etiqueta que debería ser sustituida por “identidad”; el compositor propone concebir la música no como disciplina aislada de las otras artes, sino como una realidad holística. «Hay compositores que asumieron un estilo porque les fue dado desde su nacimiento, pero otros hemos tenido que buscar nuestra identidad propia» en un proceso de trabajo y reinvención permanente.

Su catálogo de obras es nutrido y variado en géneros; un rasgo sobresaliente es su especial atención a la música vocal, en concreto, la ópera; con Luis de Pablo se demuestra que la ópera, no es un género muerto, del pasado. Cultiva la ópera porque desde siempre «tenía unas ganas terribles de hacerlo (el mejor argumento para un creador)» y porque «el castellano había sido una lengua infravalorada en la ópera» lo cual le «molestaba y humillaba».

De Pablo organizó la Primera Bienal de Música Contemporánea de Madrid (1964), dirigió con su grupo Alea el primer laboratorio de música electrónica en España y creó la primera obra musical con un ordenador IBM (1966). Confía en que la revolución de las nuevas tecnologías de la información ha aportado herramientas insospechadas para la creación y esas posibilidades técnicas transforman definitivamente la manera de trabajar de un compositor.

«Todavía estamos pagando las consecuencias de la sequía musical que se ha vivido durante décadas después de la Guerra Civil española (…) Por descontado que estamos infinitamente mejor que antes, pero hay algunas carencias que gritan como la ausencia de la música en los medios de difusión, la debilidad de la cultura musical, la escasez de bibliografía musical escrita originalmente en castellano».

Según la opinión de Luis de Pablo, la música no tiene un lugar concreto en la sociedad actual, un proceso que se ha agudizado desde el Romanticismo: «la nueva clase social emergente del XIX, la burguesía, necesitaba de la música pero no estaba dispuesta a pagar su precio en relación con otros productos y además, la Revolución Industrial perjudica a la música folklórica y popular. Esto ha provocado una serie de fenómenos interesantes: por una parte, existe un “arte culto” (dirigido a cualquiera, sin distinción de clase) y una música directa, de consumo, hecha ex profeso para aquellas personas que en su día tuvieron folklore y que lo han perdido (…) esta idea de arte prefabricado tiene un origen anglosajón, más o menos disfrazado; claro que hay excepciones, como la copla en España, la chanson francesa o la canzoni italiana, pero duraron poco tiempo».

Enhorabuena maestro, por este Premio Iberoamericano Tomás Luis de Victoria, considerado como el premio “Cervantes de la Música”.

Pueden volver a escuchar esta entrevista con Luis con Luis de Pablo en Lo que hay que oír (martes 20/10/09 10:30 -11:30 hs) en los http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/dcast

CONTENIDOS DE LOS ÚLTIMOS PODCASTDE LO QUE HAY QUE OÍR:

LO QUE HAY QUE OÍR I (23/10/09) 09:00 - 10:00

La violinista Mariana Todorova interpreta la Fantasía Escocesa de Max Bruch en una grabación de la Orq. Sinf. RTVE a las órdenes de Adrian Leaper. La Orquesta Barroca de Sevilla recupera la cantata Delicioso Clavel del barroco español Juan Francés de Iribarren.

LO QUE HAY QUE OÍR II (23/10/09) 10:00 – 11:00

Trío para flauta, violonchelo y piano de Bohuslav Martinu. William Christie al frente de Les Arts Florissants recrea La Musa de la Ópera de Louis Nicolas Clarambault. Daniel Blanch interpreta el Concierto para piano y orquesta de Carlos Suriñach.

LO QUE HAY QUE OÍR III (23/10/09) 11:00 – 11:30

Benjamin Schmid interpreta la Sonata para violín solo en Sol menor de Eugene Ysaye. Sorteo de invitaciones para la ópera en cine, Simon Boccanegra de Verdi (29/10/09 transmisión a partir de las 18:30 horas también en Radio Clásica).

LO QUE HAY QUE OÍR I (22/10/09) 09:00 - 10:00

El barítono Nathan Gunn interviene en la versión de Dona Nobis Pacem, cantata de Vaughan Williams. Sinfonía núm. 1 en Do Mayor de Carl Maria von Weber interpretada por Roy Goodman al frente de The Hannover Band.

LO QUE HAY QUE OÍR II (22/10/09) 10:00 – 11:00

Reportaje entrevista con Miguel Roa director musical de La Tabernera del Puerto de Sorozábal, actual título en cartel del Teatro de la Zarzuela de Madrid. Recuperación histórica de Buenas Noches, don Simón, zarzuela de Cristóbal de Oudrid, protagonizada por la soprano Sonia de Munck. Divertimento núm. 2 para 3 corni di bassetto, KV 439 de Mozart, en versión del Stadler Trio.

LO QUE HAY QUE OÍR III (22/10/09) 11:00 – 11:30

Frans Brüggen al frente de la Orquesta del Siglo XVIII, recrea una suite instrumental de Dardanus de Rameau. Selección de páginas coreanas en versión del Grupo Vocal Millennium.

LO QUE HAY QUE OIR I (21/10/09) 09:00 - 10:00

La Fundación Juan March de Madrid continúa con su ciclo Compositores de la Naturaleza, esta tarde en Radio Clásica. Audiciones: Cuarteto de cuerda núm. 4, Do Mayor, D. 46. Paradiso (Cuaderno II) de Alfredo Aracil. Concertino para piano y orquesta de Jean Françaix con la Orq. del Ulster dirigida por Thierry Fischer.

LO QUE HAY QUE OIR II (21/10/09) 10:00 – 11:00

Contra viento y madera: arreglos para banda sobre los temas musicales que Charles Chaplin imaginó para sus películas. Otras audiciones Selección de obras de Blas de Otero en versión del dúo Cantar alla viola.

LO QUE HAY QUE OIR III (21/10/09) 11:00 – 11:30

Sinfonía en Re menor de César Franck con Maximiano Valdés al frente de la Orq. Sinf. del Principado de Asturias.

LO QUE HAY QUE OIR I (20/10/09) 09:00 - 10:00

Concierto para guitarra y orquesta de Malcolm Arnold en versión de Alen Garagic junto con la Orq. Sinf. RTVE dirigida por Pablo González. Oda a la muerte del señor Henry Purcell creada por John Blow e interpretada por el Conjunto Música Antigua Toulon

LO QUE HAY QUE OIR II (20/10/09) 10:00 – 11:00

Entrevista con Luis de Pablo, Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria 2009.

LO QUE HAY QUE OIR III (20/10/09) 11:00 – 11:30

Continuación entrevista con Luis de Pablo, Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria 2009

LO QUE HAY QUE OIR I (19/10/09) 09:00 - 10:00

Trío para violín, trompa o viola y piano en Mi Bemol Mayor, Op. 40 de Brahms interpretado por Gabor Takacs-Nagy (v.), Ferenc Tarjani (trompa) y Dezso Ranki (p.). Concierto para piano y Orquesta Op.11 de Erwin Schulhoff con Jan Simon como solista y la Orq. Sinf. de la Radio de Praga dirigida por Vladimir Valek.

LO QUE HAY QUE OIR II (19/10/09) 10:00 – 11:00

América Mágica: Virreinato de la Nueva España. Obras de Francisco López Capillas, Gaspar Fernándes y el Cuarteto Virreinal de Miguel Bernal Jiménez.

LO QUE HAY QUE OIR III (19/10/09) 11:00 – 11:30

Concierto Grosso en Re Mayor, Op. 10, núm. 4 de Willem de Fesch y Piezas para grandes y pequeños (Op. 53, 2º cuaderno) de Carl Nielsen.

Una Tabernera del Puerto más joven que nunca

22 oct 2009 | Enlace permanente

En Radio Clásica nos volcamos con nuestro género lírico por excelencia con transmisión de la representación de La Tabernera del Puerto, de Pablo Sorozábal, que se está celebrando estos días en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Miguel Roa dirige a un elenco encabezado por la soprano Sonia de Munck y el tenor Alex Vicens, que estará arropado por la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro de la Zarzuela.

La Tabernera del Puerto permanecerá en cartel hasta el próximo 8 de noviembre. Este montaje es obra del director del Teatro de la Zarzuela, Luis Olmos y, en él, se ha servido de la estética del cómic para recrear un puerto envuelto por un ambiente oscuro donde se retrata al mundo marginal, personajes turbios y negocios sucios. Sin embargo, el éxito atemporal de este título imprescindible en el repertorio de la Zarzuela, radica en otros muchos factores como el elevado grado de compromiso que exige la partitura a sus protagonistas, tal y como apuntaba el director musical Miguel Roa.

Él mismo reconoce que se reencuentra con la Tabernera tras 30 años y, lo primero que advierte es que esta señora de la escena española, no sólo se conserva espléndida a pesar de sus 73 años de vida, sino que se ha sabido adaptar a los nuevos tiempos, rejuveneciendo de esta forma su aspecto con cuidados cambios que la hacen mucho más atractiva al público de hoy.

Definida por su autor como un romance marinero en tres actos, La Tabernera del Puerto es una de las denominadas Zarzuelas Grandes… el propio Sorozábal llegó a afirmar que, durante un tiempo, sólo vivió de sus mujeres: de su tabernera, de su Katiuska, de la del manojo de rosas… Miguel Roa aseguraba en Lo que hay que oír que, en esta producción, desde la dirección musical se busca la unidad de todo el conjunto que forman orquesta, coro y solistas. Como en casi todas sus obras, Pablo Sorozábal introdujo elementos que no terminaban de encontrar su sitio en el oído del público español de la época. En este sentido, cabe destacar los ritmos de la percusión importados de la cultura afroamericana que han conocido casi tantas interpretaciones como versiones se han realizado de una partitura clave en la historia de la música escénica en nuestro país.

Jonathan Biss, humildad y entrega al piano

21 oct 2009 | Enlace permanente | 3 Comentarios

«Cuando interpreto a un genio como Schubert, me siento tan pequeño que esa es la manera de trabajar con los pies en la tierra, sin perder la humildad»

Jonathan Biss, pianista.

Jonathan Biss, uno de los pianistas más sobresalientes de la actual generación que está irrumpiendo en la primera fila internacional, ha visitado el Teatro Principal de Alicante para ofrecer un recital como primera parada de su futura agenda española. Entre ensayos y viajes, charlamos con este virtuoso norteamericano que hace juegos de abalorios para poder encajar una agenda tan comprometida. En las próximas semanas emprenderá una gira europea con escalas en Londres, Salzburgo, Bruselas, Rotterdam y París, y además participará como solista en otros tantos conciertos con orquestas de la talla de la Royal Concertgebouw, la Sinfónica de la BBC o la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín, entre otras.

«Para mí es un gran desafío poder encontrar el equilibrio entre el tiempo de estudio, la agenda de conciertos y el espacio privado para poder recargar energías; creo que es cuestión de organizarse, ser consciente de tus responsabilidades y necesidades, y reservar huecos para regresar a casa entre un viaje y otro. Siempre deberíamos ejercitar la creatividad y pensar sobre cómo empleamos nuestro tiempo; reajustar permanentemente la agenda y asumir que la vida no es perfecta».

Jonatahn Biss nació en 1980 en el seno de una familia de músicos; él representa la tercera generación de una saga cuya matriarca es su abuela, Raya Garbousova, para quien Samuel Barber compuso su Concierto para violonchelo. Ese testigo musical es heredado por sus padres, la violinista Miriam Fried y el violista Paul Biss. Por eso le preguntamos a Jonathan, si siente el peso de la tradición, la responsabilidad de asumir un legado familiar:

«Creo que he sido una persona muy afortunada al nacer en una familia de músicos, porque realmente lo que esto significa es que desde que nací, he crecido con el lenguaje musical: en mi casa siempre se ha hecho música en común; en mi entorno, la música es una forma de expresión humana natural. Creo que ésta es la mejor influencia que he recibido de ellos. Sin embargo, no suelo pensar en términos de pertenecer a una tradición familiar, porque no siento una responsabilidad especial más allá de participar en esa “tradición” al interpretar obras que desde Mozart y Schubert por ejemplo, han sido reelaboradas por generaciones de intérpretes y por lo tanto, cualquiera que interprete una obra participa de una tradición y ha de ser honesto con el compositor y su mensaje»

Jonathan Biss no ha sentido ninguna presión familiar por dedicarse a la música, todo lo contrario: sus padres al ser músicos profesionales eran conscientes de la enorme dificultad y responsabilidad que implica dedicarse a la música. Sin una vocación auténtica es imposible sobrevivir en la carrera musical, porque es un plan de vida demasiado exigente:

«La raíz de cualquier carrera musical exitosa, es el amor por la música. Todo lo que hago (y no sólo me refiero a tocar en los conciertos sino mi actividad diaria: estudiar, investigar, practicar…) está enraizado en el profundo amor por la música; tengo plena consciencia de cómo me transforma la música porque cuando interpreto, toda mi química interior se alterna en mi cuerpo, mi mente y mi espíritu».

Este joven pianista ha crecido haciendo música en casa por lo tanto, concibe la música de cámara como la máxima expresión de la comunicación musical entre los diferentes intérpretes. Como maestros ha recibido las enseñanzas de Evelyne Brancart en el Universidad de Indiana y de Leon Fleisher en el Curtis Institute de Filadelfia. Con 17 años debutó junto a Isaac Stern y poco después, se presentó como solista en Nueva York. Desde entonces, su lanzamiento internacional ha sido imparable. Recientemente acaba de presentar su último trabajo discográfico centrado en la figura de Schubert, un repertorio grabado en vivo durante un concierto celebrado en el Wigmore Hall de Londres:

«Para mí, Schubert es quizás el compositor más poderoso en términos emocionales: con tan sólo 31 años de vida fue capaz de componer casi un millar obras, algunas de las cuales son piezas clave en la historia de la música, son verdaderas obras maestras… Me resulta incomprensible cómo un ser humano es capaz de hacer tanto, claro que Schubert se elevó a la categoría de genio. Cuando interpreto a Schubert me doy cuenta del alto grado de dolor con el que Schubert vivió su propia vida, una tensión interior casi insoportable, pero que él supo trascender gracias a la música. Esta lección es un regalo maravilloso para el intérprete… Creo que para mí, sería imposible vivir con una sensibilidad así, con esa carga, con un dolor existencial tan profundo como el de Schubert»

*Entrevista con Jonathan Biss en Lo que hay que oír (16/10/09 10 horas).

Pueden volver a escuchar este reportaje en:

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir

Contenidos de los últimos podcast Lo que hay que oír:

LO QUE HAY QUE OÍR I (12/10/09) 09:00 - 10:00

Artur Pizarro interpreta el Concierto para piano y orquesta en fa sostenido menor, Op. 20 de Scriabin con la Orq. Fil. de la Radio de Hannover bajo la dirección de Martin Brabbins. La soprano Edita Gruberova se mete en la piel de Anna Bolena (Donizetti) con la Orq. de la Radio de Munich dirigida por Fabio Luisi.

LO QUE HAY QUE OÍR II (12/10/09) 10:00 – 11:00

América Mágica: Edición especial sobre la Hispanidad, con obras de Manuel de Falla, Leonard Bernstein, Bernardino Valle, Primitivo Lázaro Martínez, Claudio Santoro y Ángel Lasala.

LO QUE HAY QUE OÍR III (12/10/09) 11:00 – 11:30

Le Tombeau de Couperin de Ravel en un arreglo orquestal con Eliahu Inbal al frente de la Orq. Nacional de Francia. El tenor Peter Schreier interpreta una selección de canciones de John Dowland junto al laudista Konrad Ragossing.

LO QUE HAY QUE OÍR I (13/10/09) 09:00 - 10:00

El pirata del violín, Pavel Sporcl interpreta sendas fantasías creadas por él mismo, sobre temas tradicionales zíngaros de Transilvania y Rusia. Cuento de Hadas, Op. 16 de Josef Suk con la Real Orq. Fil. de Liverpool a las órdenes de Libor Pesek.

LO QUE HAY QUE OÍR II (13/10/09) 10:00 – 11:00

Grabmusik “Wo bin ich, Bittrer Schmerz” KV. 42 de Mozart con Ann Murray (sop.), Stephen Varcoe (bajo), Orq. Sinf. de la Radio de Sttutgart, Suedfunk-Chor, dirigidos por Sir Nevile Marriner. Eduardo Toldrá: Cuarteto en Do menor “Per L’art” (arr. Orq.). Clementina, la zarzuela de Boccherini en el Teatro Español de Madrid con Andrea Marcon al frente de la Orquesta Barroca de Venecia. Escuchamos a esta formación en el motete "Sum in medio tempestatum" RV 632 de Vivaldi con la soprano Simone Kermes.

LO QUE HAY QUE OÍR III (13/10/09) 11:00 – 11:30

Reportaje entrevista con Fabián Panisello, director del Plural Ensamble, quien presenta el Ciclo Claves de Acceso a la Música Contemporánea, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Sorteo de invitaciones. Luis Fernando Pérez ofrece un monográfico sobre el piano español “Albéniz en Contexto”.

LO QUE HAY QUE OÍR I (14/10/09) 09:00 - 10:00

El pianista Luis Fernando Pérez en el Ciclo Albéniz en Contexto del Auditorio Nacional de Música. Sorteo de invitaciones. Escuchamos a este joven pianista en una selección de sonatas del Padre Antonio Soler. Otras audiciones: Concierto para flauta y orquesta en re menor, Op. 69. de Bernhard Molique, en versión de la Orquesta Filarmónica de Niza y Alain Marion (flauta), dirigidos por Maximiano Valdés. Te Deum de Johann Adolf Hasse con la Staatskapelle de Dresde a las órdenes de Konrad Wagner.

LO QUE HAY QUE OÍR II (14/10/09) 10:00 – 11:00

Contra Viento y Madera: Repertorio militar de banda con motivo del Desfile de las Fuerzas Armadas celebrado el 12 de Octubre. Otras audiciones: Concierto para piano y orquesta núm. 3 SZ 119 de Bela Bartok con Yefim Brofman (p.) y Esa-Pekka Salonen al frente de la Orquesta Filarmónica de los Ángeles.

LO QUE HAY QUE OÍR III (14/10/09) 11:00 – 11:30

Clementina, la zarzuela de Boccherini sube al escenario del Teatro Español de Madrid. Gala de Ballet solidaria a favor de Unicef a cargo de Ángel Corella en el Teratro Real de Madrid. Audiciones: Cuarteto núm. 3 en Fa Mayor de Boccherini en versión del Artaria Quartet. Introducción del ballet Fancy Fee de Leonard Bernstein.

LO QUE HAY QUE OÍR I (15/10/09) 09:00 - 10:00

Claudio Arrau interpreta el Concierto para piano y orquesta núm. 2 en La Mayor, S 125, junto con la Orq. Sinf. de Londres dirigida por Colin Davis. Del portugués Joao Domingos Bomtempo recuperamos su Sinfonía núm. en Mi Bemol Mayor en versión de la Orquesta de Oporto dirigida por Meir Minsky.

LO QUE HAY QUE OÍR II (15/10/09) 10:00 – 11:00

Reportaje sobre la Vera Constanza, la ópera de Haydn que el Teatro Real recupera en su proyecto pedagógico. Declaraciones del director musical, Jesús López Cobos. Otras audiciones: Jian Wang es el solista en el Concierto para violonchelo y orquesta en Re Mayor de Haydn con la Orquesta de la Fundación Gulbenkian de Lisboa dirigida por Muhai Tang.Canciones de Despedida, Op. 14 de Korngold con la voz de Linda Finnie (contralto) y la Orq. Fil. de la BBC con Edward Downes a la batuta.

LO QUE HAY QUE OÍR III (15/10/09) 11:00 – 11:30

El Cuarteto Casals interpreta el Cuarteto de cuerda núm. 1 en Re menor de Juan Cristóstomo Arriaga.

LO QUE HAY QUE OÍR I (16/10/09) 09:00 - 10:00

Agenda de actualidad y revista de programación. Audiciones: Sinfonía núm. 5 de Ramón Garay, asturiano contemporáneo de Beethoven cuya obra permanece prácticamente inédita. Cantata Funeral de Primavera de Zemlinsky en versión de la Orq. Fil. de Colonia y el Coro de la Ciudad de Dusseldorf dirigidos por James Conlon.

LO QUE HAY QUE OÍR II (16/10/09) 10:00 – 11:00

Reportaje entrevista con Jonathan Biss, un pianista en diálogo con Schubert. Interpreta la Sonata en Do Mayor, D. 840 Reliquia. Otras audiciones: Concierto para violín y orquesta núm. 1 en La menor Op. 77 de Shostakovich con Sergey Khachatryan como solista y la Orq. Nacional de Francia bajo la batuta de Kurt Masur.

LO QUE HAY QUE OÍR III (16/10/09) 11:00 -11:30

La mezzosoprano Mireia Pintó encarna a la Cenerentola de Rossini junto a Roos Craigmile al piano. Convocatoria: Certamen Internacional de Guitarra de Barcelona Miguel Llobet.

Sarah Chang: la madurez de la niña prodigio

19 oct 2009 | Enlace permanente

Sarah Chang, una de las virtuosas del violín más destacadas de nuestro tiempo ha visitado Barcelona para ofrecer su versión de una página de cabecera en su instrumento: el Concierto para violín y Orquesta núm. 1 de Max Bruch. Arropada por la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, bajo la dirección de Eiji Oue, Sarah Chang nos atiende entre un ensayo y otro, y comenta que está muy ilusionada por interpretar esta obra, una de sus preferidas, y además, regresar a Barcelona, una ciudad que encuentra muy estimulante porque combina la seriedad en el trabajo, el interés cultural y la capacidad para disfrutar la vida.

Esta violinista norteamericana nació en Filadelfia en 1980 en el seno de una familia coreana. Desde la primera infancia demostró un don excepcional para la música. Con tan sólo 6 años, fue admitida en la prestigiosa academia Julliard School of Music de Nueva York, tocando precisamente el Concierto para violín de Bruch, una experiencia que ella misma recuerda de la siguiente manera:

«Recuerdo que cuando fui a mi primera audición en la Julliard School era muy pequeña, tenía 5 años y medio, (lo cual es ridículo no sé cómo pudo ser que llegara allí siento tan niña), pero el caso es que allí estaba para tocar y recuerdo que llevaba el Tercer concierto para violín de Mozart y también, el Concierto de Bruch. Entré en la Escuela y recuerdo que comenzaron las clases, una oportunidad única para quien quiera dedicarse a la música y yo estaba muy motivada e inspirada al comprobar que todos tenían tanto talento y tocaban tan bien, pero claro, estaba impactada por la diferencia de edad; yo era mucho más joven que cualquiera de mis compañeros, la media del alumnado era unos 17 años, estaban en el programa pre-universitaria, y claro yo tenía 10 años menos, tenía unos 7, así que esto me afectaba pero empecé a superarlo cuando pasé a la adolescencia. Sin embargo, me inspiró y me alentó muchísimo estar rodeada de gente mayor y de gran talento, lo cual compensaba el desequilibrio de edad que sufría».

Tras ser admitida en la Julliard School con tan sólo 6 años de edad, Sarah Chang fue tutelada por Dorothy DeLay una de las maestras indiscutibles del violín, por cuyas clases han pasado los virtuosos más brillantes de las últimas décadas como por ejemplo Itzhak Perlman, Gil Shaham, Shlomo Mintz entre otros, incluyendo al propio padre de Chang. Su profesora afirmó que cuando escuchó por primera vez a Sarah «nunca había visto algo como ella».

El dictamen por tanto, fue unánime: Sarah Chang era una niña prodigio, su perfil rompía todos los esquemas hasta entonces conocidos. Con sólo 8 años ya fue reclamada para tocar en público junto la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia, dirigida por batutas de la talla de Zubin Metha o Riccardo Muti. Un año después, era la violinista más joven en grabar un disco en una compañía internacional.

Ante una biografía de estas características tan singulares, y después de haber desarrollado una carrera en ascenso que le ha permitido evolucionar como artista e intérprete en la edad adulta, a Sarah Chang (que ahora cuenta con 28 años), le preguntamos si algún día, en el caso de tener hijos bajo su responsabilidad, si los alentaría para emprender un camino como el suyo…

«Realmente estoy en un momento de mi vida estupendo; puedo tocar lo que quiero, viajar, conocer lugares y personas, puedo tener esa agenda tan agitada porque claro, no tengo responsabilidades familiares pero si algún día tengo hijos por supuesto que les transmitiría el amor por la música, todos los niños necesitan de una educación musical porque es muy bueno para el alma, aporta disciplina y de alguna forma u otra, todos necesitamos música en nuestras vidas. Pero no me gustaría que mis futuros hijos empezaran tan pronto como yo hice, y les diría que no deberían hacer una carrera como intérprete si no lo desean realmente, porque es un estilo de vida muy específico, muy agotador, debes estar hecho para ello,”fabricado” para ello, en el sentido positivo del término; debes que trabajar una mentalidad muy concreta para ser feliz con este tipo de vida y además, nacer con una capacidad para disfrutar de manera genuina en el escenario, para adaptarte y seguir este ritmo de vida, dar conciertos y viajar permanentemente, estar de una ciudad a otra… Espero que si algún día tengo hijos, vivan una vida más normal que la que la mía»

Un fenómeno artístico como lo es Sarah Chang sólo es posible si una conjunción de múltiples factores se dan en una persona y coinciden en el espacio y en el tiempo: dotes naturales, entrenamiento desde la primera infancia, apoyo familiar, orientación profesional desde el inicio de los estudios, determinación psíquica y entusiasmo, así como disciplina, esfuerzo y constancia para forjar un carácter invencible ante el cansancio o el desaliento. Una fórmula en equilibrio perfecto entre la inteligencia racional, emocional y física, para poder abarcar así, una obra musical de envergadura, con una técnica y una interpretación brillantes. Ella nos explica su método de trabajo:

«Creo que todo el trabajo de preparación, aspectos técnicos y de mantenimiento, como yo lo llamo, debe ser realizado con antelación porque cuando ya estás en el escenario, las luces se apagan y el público está enfrente tuyo, entonces, se pone en marcha una energía que fluye sola y en ese punto, lo más importante, es ser lo más auténtico que puedas, la musicalidad habla por sí sola, ser espontáneo, dejar que la expresión y la emoción salgan, para que la electricidad del concierto en vivo pueda transmitirse a la audiencia».

«Creo que tengo la profesión más maravillosa del mundo; de veras que lo creo, porque para mí no es un trabajo es una opción de vida. Aunque tenga que viajar, vivir en un hotel, llevar mi vida en un equipaje de un lado para otro, no tener una vida normal; a pesar de todo eso, es especial, todo se me olvida cuando estoy en el escenario soy tan feliz, con un público a quien tocar, en una sala preciosa y entonces, subo al escenario, estoy en compañía de una orquesta, un director, en puedo conectar con una electricidad que me supera y me hace vibrar, porque estás allí para entregar todo lo que eres y tienes y recibirlo después del público. Nada de lo que he vivido fuera del escenario puede ser comparable a esta experiencia, me siente auténticamente viva y feliz. Por eso, creo que es la mejor profesión del mundo, al menos para mí»

Detrás de cada interpretación de Sarah Chang hay mucho esfuerzo y trabajo invertido, pero también una extraordinaria capacidad para el disfrute y la emoción. Por eso, le preguntamos, qué situaciones divertidas le han pasado últimamente sobre el escenario:

«Siempre suceden cosas divertidas durante un concierto: algunas anécdotas relacionadas con el violín como la rotura de una cuerda, alguna vez estalla alguna cuerda, algo dramático que hay que superar en escena… Recuerdo situaciones curiosas como por ejemplo, mi debut en Australia, en la Opera de Sydney, iba a tocar el Concierto de Tachaikovsky y quería estrenar un precioso vestido de Valentino color azul celeste que me encantaba, pero tenía una ristra de botones muy incómodos así que le pedí a la modista que cambiara los botones por unos automáticos (porque no tengo paciencia con los botones antes de un concierto): así que me dirigía a alzar mi arco para emprender mi primer ataque cuando estallaron los botones automáticos; imagínate, me quería morir, dos mil personas mirándome y yo allí con todo el vestido abierto y el director, ajeno a esto, comenzó con la introducción, mientras yo, con una mano agarrando el violín y con la otra, tratando de cerrar el vestido, podía ver cómo el público estaba alucinando y los profesores de la orquesta sonriendo, haciendo verdaderos esfuerzos por no estallar en carcajadas… Algo dramático en un momento pero que al final resulta muy divertido…»

Así con optimismo, fuerza vital y sentido del humor nos despide Sarah Chang, una virtuosa de nuestro tiempo de la cual el propio Yehudi Menuhin afirmó lo siguiente: «Sarah Chang es la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que jamás he escuchado».

*Reportaje entrevista con Sarah Chang en Lo que hay que oír (08/10/09) 10 horas.

Pueden volver a escuchar nuestros podcast en:

http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/

Contenidos de los últimos podcast de Lo que hay que oír:

LO QUE HAY QUE OIR I (06/10/09) 09:00 – 10:00

Thomas Zehetmair dirige a la Northern Sinfonia en la Sinfonía núm. 4, Op. 120 de Schumann. William Christie al frente de Les Arts Florissants recrea Confitebor tibi domine in consilio de Michel Ricard de Lalande.

LO QUE HAY QUE OIR II (06/10/09) 10:00 – 11:00

Alexander Sinchuk, último ganador del Concurso Internacional de Piano Rachmaninov en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sorteo de invitaciones. Audiciones: Vladimir Ashkenazy interpreta la Sonata para piano núm. 1 en Fa menor, Op. 6 de Scriabin. Cuarteto de Cuerda en La Mayor, Op. 2 de Richard Strauss.

LO QUE HAY QUE OIR III (06/10/09) 11:00 – 11:30

Haendel vuelve al Teatro Real de Madrid con Teodora en versión de concierto de los Gabrieli Consort and Players dirigidos por Paul McCreesh. En su interpretación escuchamos Mater Ora Filium de Arnold Bax.

LO QUE HAY QUE OIR I (07/10/09) 09:00 – 10:00

El Aula de Reestrenos de la Fundación Juan March regresa a Radio Clásica esta tarde con un concierto de cámara a cargo el Trío Salazar. Audiciones: Cuarteto de Cuerda núm. 1 en Do sostenido menor de Pavel Haas. Sonata para violonchelo y piano en Sol menor, Op. 65 de Chopin con Alexander Kaniazev (vc.) y Nikolai Lugansky (p.).

LO QUE HAY QUE OIR II (07/10/09) 10:00 – 11:00

Ahime misero ío canto de Lodovico Viadana en versión de la Capella Palatina. Contra viento y madera: música de banda danesa y francesa de la mano de la Danish. Concert Band y de la sección de viento de la Orq. Municipal de Burdeos en una selección de obras Gioacchino Rossini, Leif Kayser y André Frederic Eler. Otras audiciones del magacín: Piezas de concierto de Enrique Fernández Arbós con Ara Malikian (violín) y la Orq. Sinf. de Madrid bajo la dirección de Jesús López Cobos.

LO QUE HAY QUE OIR III (07/10/09) 11:00 – 11:30

En el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, L’Arbore di Diana de Vicente Martín y Soler. Del compositor valenciano que rivalizaba en aplausos con Mozart, escuchamos su Divertimento para octeto de viento y contrabajo ad libitum núm. 2 en Si bemol Mayor sobre temas de su ópera “Una cosa rara” en versión del Conjunto Moonwinds a las órdenes del clarinetista Joan Enric Lluna.

LO QUE HAY QUE OIR I (08/10/09) 09:00 – 10:00
Suite de Danzas Antiguas, de Evaristo Fernández Blanco con Orq. Sinf. de RTVE, dirigida por Adrian Leaper. Mark Elder dirige a la Orchestra of the Age of the Enlightenment en una selección de Bianca e Fernando, opera de Bellini. Sinfonía en Do Mayor del compositor alemán Joseph Martin Kraus.

LO QUE HAY QUE OIR II (08/10/09) 10:00 – 11:00

Entrevista con la violinista Sarah Chang, una virtuosa de nuestro tiempo. Recuperamos la figura de Michele Puccini (padre de Giaccomo) con su Magnificat.

LO QUE HAY QUE OIR III (08/10/09) 11:00 – 11:30

La Fundación Juan March de Madrid estrena el ciclo de Sábados Temáticos. Audiciones: Tres Piezas para piano de Fernando Remacha en versión de Jorge Robaina. Concierto para trompeta, dos oboes y contínuo de Telemann dirigido por Bob Van Asperen y con Wolfgang Basch como solista.

LO QUE HAY QUE OIR I (09/10/09) 09:00 – 10:00

Reportaje entrevista con Salvador Brotons quien estrena su Concierto para trompa con la Orquesta Nacional de España y Javier Bonet como solista. El coreano Jae-Moon gana el Premio de Composición Musical Reina Sofía. El Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos celebra su IX Edición.

LO QUE HAY QUE OIR II (09/10/09) 10:00 – 11:00

Grand Jeté: El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky (III). Monográfico dedicado a la danta realizado por Silvia Pérez Arroyo.

LO QUE HAY QUE OIR III (09/10/09) 11:00 – 11:30

Reportaje sobre Lulú, de Alban Berg, la ópera que Radio Clásica transmite desde el Teatro Real de Madrid: declaraciones de Eliahu Inbal, Jenifer Larmore y Agneta Eischenholz

Sir Rattle recibe el Premio Don Juan de Borbón de la Música

06 oct 2009 | Enlace permanente

«Sabemos que para formar a los jóvenes tenemos que inculcarles la idea de la confianza en el equipo, que ambas ideas se unan y, para ello, no hay mejor forma de hacerlo que a través de la música»

Sir Simon Rattle.

El director de la Orquesta Filarmónica de Berlín, Sir Simon Rattle, recalaba en Segovia para recoger el premio Don Juan de Borbón de la Música. El jurado reconocía la inquietud y el compromiso tanto personal como institucional de Rattle y de la Orquesta Filarmónica de Berlín al extender con nuevas fórmulas el disfrute de la música a los más diversos sectores sociales.

Comentaba el director de la Filarmónica de Berlín, a la hora de recibir el galardón que: «La idea, desde un principio, no era trabajar con músicos que estuviesen especialmente dotados para la música, aunque también trabajamos con ellos, sino trabajar con personas que no tuvieran o tuviesen muy poco contacto con la música para, así, introducirlos en este arte; que todos compusieran, que todos tocasen algún instrumento, siempre en colaboración con los miembros de la orquesta».

El premio Don Juan de Borbón honra la máxima excelencia en el campo de la música y su contribución a la Paz y al entendimiento entre pueblos. En el caso de Rattle, además, el jurado premiaba el proyecto educativo que el director de Liverpool lleva a cabo junto con la Filarmónica de Berlín. Simon Rattle aseguraba que: «Este premio nos ha emocionado realmente. Es muy importante para nosotros que se reconozca aquello que yo comencé con la orquesta porque sentimos que tenemos que salir y actuar de evangelistas del arte para que todas las personas, especialmente los jóvenes, conozcan la música».

El representante del proyecto educativo de la Filarmónica de Berlín, Andreas Knapp, resaltaba que lo más importante de este método de trabajo es la interacción entre los jóvenes y los propios profesores de la Orquesta: Y toda esta labor, unida, da como resultado un trabajo en común, en palabras de Simon Rattle: «En la Orquesta es esencial la idea de conjunto, del grupo. Somos un gran equipo con individuos también muy temperamentales, como puede ocurrir, por ejemplo, con el Real Madrid. Pero aún así, sigue manteniéndose como un equipo y, si no se mantiene esta idea, la orquesta estaría perdida. Sabemos que para formar a los jóvenes tenemos que inculcarles la idea de la confianza en el equipo, que ambas ideas se unan y, para ello, no hay mejor forma de hacerlo que a través de la música».

Y Sir Simon advierte que, a los jóvenes, hay que estimularlos en todas las facetas en las que puedan aportar algo a la música y la música pueda entrar en sus vidas de forma mucho más natural: «Muchas personas de esta profesión me han comentado que buscan gente joven con sensibilidad creativa, imaginativa... no personas jóvenes que trabajen como hormigas. Y se trata de buscar gente que sea capaz de unir todas estas habilidades. Y esta es la forma en la que creemos que tenemos que trabajar, crear esa unión entre jóvenes y ese es nuestro principal objetivo».

En reconocimiento a su filosofía de trabajo, Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín reciben ahora este Premio Don Juan de Borbón de la Música que ya ha recaído en otras destacadas figuras como la pianista María Joao Pyres o el maestro creador del sistema de orquestas juveniles de Venezuela, José Antonio Abreu.

* El reportaje emitido acerca del premio Don Juan de Borbón de la Música y Simon Rattle, se puede escuchar en Lo que hay que oír (01/10/09).
http://www.rtve.es/podcast/radio-clasica/lo-que-hay-que-oir/

CONTENIDOS DE LOS ÚLTIMOS PODCAST DE LO QUE HAY QUE OÍR

LO QUE HAY QUE OIR I (05/10/09) 09:00 – 10:00

La soprano Natalie Dessay protagonista del día en Radio Clásica: escuchamos su voz en una selección de I Puritani de Bellini con el Concerto Köln a las órdenes de Evelino Pidó. Heléne Grimaud interpreta la Sonara para piano núm. 28 en La Mayor Op. 101 de Beethoven.

LO QUE HAY QUE OIR II (05/10/09) 10:00 – 11:00

América Mágica: Gabriela Ortiz, compositora mexicana actual. Audiciones: Concierto Candela para percusiones en versión de la Orq. Fil. de la Universidad Nacional Autónoma de México dirigida por Ronald Zollman y con Ricardo Gallardo como solista. El pianista Alberto Cruzprieto Patios Serenos.

LO QUE HAY QUE OIR III (05/10/09) 11:00 – 11:30

Reportaje sobre la mezzosoprano Anne Sopie von Otter quien nos presenta las canciones creadas en Terezín, campo de concentración judío durante la II Guerra Mundial (programa del recital que ofrece esta tarde en el Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela de Madrid).

LO QUE HAY QUE OIR I (02/10/09) 09:00 – 10:00

Michael Shoenwandt dirige al Collegium Musicum de Copenhage en la Sinfonía núm. 4 en Si Bemol Mayor Op. 20 de Gade Niels. Cuarteto de Cuerda núm. 3 en la menor de Gounod en versión del Cuarteto Bessler-Reis.

LO QUE HAY QUE OIR II (02/10/09) 10:00 – 11:00

Grand Jeté: El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky (II). Monográfico de danza realizado por Silvia Pérez Arroyo.

LO QUE HAY QUE OIR III (02/10/09) 11:00 – 11:30

La Orquesta y Coros Nacionales de España estrenan temporada recordando a Mahler en su doble aniversario. Audiciones: Rueckert Lieder de Mahler con la voz de Janet Baker (mezzo.) junto con la Orq. Sinf. de Londres dirigida por Michael Tilson Thomas. Christian Zacharias interpreta al piano sonatas de Scarlatti. Sorteo de 20 invitaciones dobles para asistir al Maratón de Música Antigua organizado por la Sociedad de Amigos de la Música Antigua de Madrid el próximo lunes 5 de octubre en la Iglesia de San Pedro el Viejo a partir de las 18:30 horas.

LO QUE HAY QUE OIR I (01/10/09) 09:00 – 10:00

Revista de Radio Clásica: Concierto Homenaje a las Víctimas del Terrorismo a cargo de la Orquesta Sinfónica de RTVE, esta tarde con la Novena Sinfonía de Beethoven. Audiciones: El Rey Esteban (selec.) de Beethoven. Sonata para violín y piano núm. 2 en Re Mayor, Op. 94 de Prokofiev con Franz Peter Zimmermann (v.) y Alexander Lonquich (p.).

LO QUE HAY QUE OIR II (01/10/09) 10:00 – 11:00

Sir Simon Rattle galardonado con el Premio Juan de Borbón de la Música. Reportaje con declaraciones del maestro titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Audición: Mi Madre la Oca de Maurice Ravel.

LO QUE HAY QUE OIR III (01/10/09) 11:00 – 11:30

La Sociedad de Amigos de la Música Antigua de Madrid prepara un maratón musical. Sen Batuta un nuveo proyecto pedagógico en Orense. Certámen de Guitarra de Barcelona Miguel Llobet. Audiciones: Lenore de Duparc con la Orq. del Capitolio de Toulouse a las órdenes de Michael Plasson; Ryuji Kunimatsu interpreta a la guitarra las Variaciones sobre un tema de Sor, firmadas por Llobet. Sorteo de 20 invitaciones para asistir al concierto del Trío Bellemont organizado por SAMA.

Nancy Fabiola Herrera, la Carmen del siglo XXI

05 oct 2009 | Enlace permanente

«Mi cometido vital es mover las almas del público con mi voz; ser vehículo de una energía que mueva el interior de las personas».

Nancy Fabiola Herrera (mezzosoprano).

Nancy Fabiola Herrera, una de las mezzosopranos españolas con más proyección de internacional comienza el nuevo curso con una agenda repleta. Tras encarnar a Carmen en el Festival de la Arena de Verona y a Rosina en el Teatro Solís de Montevideo, esta joven canaria nacida en Venezuela, regresa a España para ofrecer una serie de recitales y emprender una gira junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi.

La semana pasada, fue la estrella invitada por la Orquesta Sinfónica de Baleares “Ciutat de Palma” en su Vigésimo Aniversario, ocasión para la cual, recreó uno de sus papeles fetiche: Carmen. Mientras preparaba los ensayos de esta ópera en Verona durante el pasado verano, la propia Nancy Fabiola nos comentaba por teléfono que el personaje no sólo demanda unas exigencias vocales y técnicas muy concretas sino además, un dominio escénico pleno (dramático y corporal): «Carmen es un personaje que tiene que cantar, bailar, actuar y tocar las castañuelas en el escenario… físicamente demanda muchos esfuerzo y para hacerlo bien, creíble, la cantante ha de comprometerse con un trabajo completo del personaje».

«Carmen es una mujer muy fuerte… Me encanta que sea una persona capaz de vivir el momento; es una mujer muy práctica, quizás pueda parecer fría y calculadora ante el amor, pero eso no es del todo cierto porque yo creo que ella vive la vida apasionadamente, se rige por sus propios códigos, no supedita su voluntad a las reglas de nadie, ni siquiera las de su comunidad. Ella se entrega intensamente a la vivencia del momento. Claro, que todo llevado al extremo no es bueno, pero la parte positiva de su actitud es esa entrega completa por la vida y la muerte… Carmen es una mujer que se siente muy bien bajo su piel, es conocedora de quién es, de su poder; posee una sensualidad y picardía innatas; rebosa alegría y sentido del humor. La pasión y la tragedia conviven en una creencia ferviente en el destino como si éste estuviera predeterminado… Sin embargo, yo no estoy de acuerdo en ese punto: creo que hay una parte del destino que está escrita y otra que nosotros vamos escribiendo con decisiones que tomamos en momentos concretos y aún sin ser conscientes de ello, estamos cambiando nuestro destino...»

Éste es el perfil psicológico y espiritual que Nancy Fabiola Herrera apunta sobre Carmen, un personaje complejo que supone un reto para cualquier mezzosoprano que se precie. La cantante canaria saltó a la primera plana de la actividad operística gracias a su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York como protagonista de la ópera Carmen en la producción de Zeffirelli (2005), en la Opéra National de Paris (2007) -como Giulietta de Les contes d’Hoffmann junto a Rolando Villazón- y en la Royal Opera House de Londres, donde regresó en 2008 para encarnar a la gitana de Bizet obteniendo otro importante éxito de público y crítica. En los últimos años, se ha metido también en la piel de Luisa Fernanda, Rosina, Suzuki y La Bruja, entre otros tantos papeles; actuando en los templos de la lírica en nuestro país así como en auditorios principales de lugares tan distantes como el New National Theater de Tokio o el Palacio de Bellas Artes de México.

Esta mezzosoprano canaria, poseedora de un timbre muy personal y de unas dotes innatas para la escena, afirma que su cometido existencial es mover el alma de las personas a través de su voz; para ello, el cantante ha de desarrollar una técnica vocal y mental, capaz de hacer sentir el instante presente. Ésa es en definitiva, la enseñanza positiva de Carmen, vivir el aquí y el ahora.

*Reportaje entrevista con Nancy Fabiola Herrera en Lo que hay que oír (30/09/09)

Contenidos de los últimos podcas de Lo que hay que oír:

LO QUE HAY QUE OIR I (30/09/09) 09:00 – 10:00

Cuarteto de cuerda núm, 2 en Sol Mayor, Op. 153 de Saint-Saëns en versión del Cuarteto Viotti. Canciones Españolas, Opus 74 de Schumann interpretadas por Mitsuko Shirai (sop.), Marjana Lipovsek (alto), Josef Protscka (ten.), Matthias Hoelle (bajo), Helmut Deutsch (p.)

LO QUE HAY QUE OIR II (30/09/09) 10:00 – 11:00

Contra viento y madera.

La Orquesta Sinfónica de Baleares “Ciutat de Palma” celebra su Vigésimo Aniversario y bajo la dirección Philippe Bender, escuchamos Mallorca de Baltasar Samper.

LO QUE HAY QUE OÍR III (30/09/09) 11:00 – 11:30

Reportaje entrevista con Nancy Fabiola Herrera, una mezzosoprano en la piel de “Carmen”. Audición: Aria de Dalila Mon cœur s’ouvre a ta voix. Nancy Fabiola Herrera junto a la Orq. Sinf. de RTVE dirigida por Adrian Leaper en una grabación en directo.

LO QUE HAY QUE OIR I (29/09/09) 09:00 -10:00

El Rapto del Serrallo de Mozart (selec.) arreglo para flauta y oboe interpretado por Wolfgang Schulz y Hansjörg Schellemberger. Artaserse, ópera de Domingo Terradellas, selección a cargo de la Real Compañía Ópera de Cámara, a las órdenes de Juan Bautista Otero

LO QUE HAY QUE OIR II (29/09/09) 10:00 – 11:00

Sinfonía núm. 5, Op. 50 de Nielsen en versión de la Orq. Sinf. de Gottemburgo dirigida por Myung-whu Chung. Arcadi Volodos, protagonista del Ciclo Grandes Intérpretes, recrea la Sonata para piano D 157 “Inacabada” de Schubert.

LO QUE HAY QUE OIR III (29/09/09) 11:00 -11:30

La técnica vocal de Alfredo Kraus analizada por Arturo Reverter: entrevista con audiciones del tenor canario comentadas por nuestro crítico de ópera, director del espacio Ars Canendi.

LO QUE HAY QUE OIR I (28/09/09) 09:00 -10:00

Reportaje en memoria de Alicia de Larrocha, la dama del piano español recientemente fallecida con testimonios. Audiciones: PFITZNER, David: Concierto para violonchelo y orquesta en la menor, Op. Post. David Geringas (vc.), Orq. Sinf. de Bamberg. HAYDN, Michael: Misa Tempore Quadragesimae. Extempore. Dir.: Florian Heyerick. RESPIGHI: Il Tramonto. Brigitte Balleys (mezzo.), Orq. de Cámara de Lausana. Dir.: Jesús López Cobos.

LO QUE HAY QUE OIR II (28/09/09) 10:00 – 11:00

América Mágica: La música de cámara más desconocida de Carlos Guastavino. GUASTAVINO: Jeromita Linares para guitarra y cuarteto de cuerda. Eduardo Falú (guit.) y Camerata Bariloche. Sonata para clarinete y piano. Luis Rossi (cl.) y Diana Schneider (p.).

LO QUE HAY QUE OIR III (28/09/09) 11:00 -11:30

Myung-whu Chung estrena el Ciclo de Conciertos BOS. Audición: NIELSEN: Aladdin, Op. 34 (selec.). Orq. Sinf. de Gottemburgo. Dir.: Wyung-whu Chung. GRANADOS: El Pelele. Alicia de Larrocha (p.).

LO QUE HAY QUE OIR I (25/09/09) 09:00 – 10:00

Reportaje sobre la Orquesta Sinfónica Chamartín: Silvia Sanz, directora, nos explica este proyecto singular de música en familia. Audiciones: La Justa, de Mateo Flecha el Viejo; Melodías Zíngaras de Dvorak con Barbara Hendricks (soprano). Sorteo de invitaciones OSC.

LO QUE HAY QUE OIR II (25/09/09) 10:00 -11:00

Grand Jetté: El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky (I). Monográfico sobre danza realizado por Silvia Pérez Arroyo.

LO QUE HAY QUE OIR III (25/09/09) 11:00 -11:30

Arcadi Volodos interpreta la Sonata para piano núm.10 en Do Mayor Op. 70 de Scriabin. La Africana de Meyerbeer (selección) en versión de la Orq. Sinf. y Coro de la Radio de Baviera y Sonata.

LO QUE HAY QUE OIR I (24/09/09) 09:00 – 10:00

Última hora del Festival de Música de Alicante en Radio Clásica: el clarinetista Joan Enric Lluna, protagonista de la joranada.

LO QUE HAY QUE OIR II (24/09/09) 10:00 -11:00

La Parténope de Leonardo Vinci en el Festival de Ópera de La Coruña. El Conjunto Al Ayre Español interpreta el Miserere de José de Torres y Martínez Bravo.

LO QUE HAY QUE OIR III (24/09/09) 11:00 -11:30

Variaciones para piano y orquesta de Joaquim Serra con la Banda Municipal de Barcelona dirigida por Salvador Brotons.

*Para contactar con nosotros: [email protected]

Alicia de Larrocha, la gran dama española del piano

01 oct 2009 | Enlace permanente | 3 Comentarios

Nos hemos quedado sin la figura con mayor proyección internacional que ha dado el piano en nuestro país. El fallecimiento de Alicia de Larrocha deja, de alguna manera, huérfano a todo el panorama pianístico español. Abanderada de lujo de toda una generación comprometida con demostrar que el piano en nuestro país era algo más que tópicos y costumbrismo, en Lo que hay que oír, gracias al tesoro que supone el Archivo Sonoro de RNE, rescatamos algunas de las inquietudes de esta intérprete, registradas en el año 1989 en el programa Ronda de Actualidades. Una de ellas reflejaba su experiencia como embajadora de la música española fuera de nuestras fronteras. Alicia de Larrocha respondía: “Cuando empecé a ir por esos mundos y tocando, la reacción del público era mejor en todo lo que era clásicamente andaluz, del Sur: Turina, Falla… pero poco a poco han ido penetrando en toda clase de músicas. Granados en el romántico, en los catalanes, vascos… y hay cantidad de pianistas hoy día que incluyen en sus recitales la Suite Iberia completa o las Goyescas completas”.

A la hora de conocer el criterio que Alicia de Larrocha aplicaba para elegir su repertorio, la pianista se mostraba contundente: “Es una pesadilla para mí. En cuanto me preguntan qué quiero tocar, no sé nunca qué decir. Porque siempre me parece que no estoy suficientemente preparada para eso, que eso no me va a ir bien, que no voy a tener tiempo de prepararlo… Normalmente me tienen que decir: vas a tocar esto y entonces lo toco. Pero si lo tengo que elegir yo… mal asunto”.

Alicia de Larrocha conoció a los grandes directores de nuestro tiempo… ¿Con cuál de ellos se sintió más a gusto trabajando? “Hay muchísimos buenísimos, lo fundamental es que tanto director como intérprete tengan afinidad, que coincidan en toda la visión de la obra que se está trabajando. Algunas veces he estado muy contenta con directores tocando a Mozart y, por ejemplo, después, tocando un romántico, no, y viceversa”.

Nacida en Barcelona en 1923, Alicia de Larrocha comenzó su carrera artística con 17 años animada por su descubridor, Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados. Desde entonces, ha sido la única concertista española incluida en unas grabaciones con recopilaciones de los 74 mejores pianistas del siglo XX promovidas por diversas compañías discográficas.

En 1947 comenzó sus giras por Europa y más tarde cruzó el Atlántico hasta Estados Unidos. A partir de los años 60 llegó a programar más de 120 conciertos al año en todo el mundo, bien sola o acompañada de orquesta. Alicia de Larrocha se mantuvo activa hasta hace relativamente poco ya que emprendió una gira en el año 2000 por Sudamérica y participó en varias actuaciones en el año 2002 en lugares tan emblemáticos como el Palau de La Música de Barcelona o el Carnegie Hall de Nueva York.

Sobre la pérdida de Alicia de La rrocha, éstas son algunas de las reacciones manifestadas a EFE por destacadas personalidades de la música clásica en nuestro país:

“Ella ha sido un ejemplo importante para toda mi generación, todos hemos seguido sus pasos”, afirma la también pianista Rosa Torres Pardo. Para Javier Perianes, uno de los jóvenes valores del piano actual, apuntaba que De Larrocha “ha sido, es y será un referente, no sólo para los pianistas españoles, para cualquier músico con sensibilidad, y no sólo clásico, porque representó todo el valor del gran arte”. Y además, en el plano personal, subraya su “humildad y honestidad” como actitud vital. Uno de sus discípulos, Luis Fernando Pérez comenta los valores que ella le transmitió en sus clases: “Me inculcó sobre todo el equilibrio, la serenidad, el temple a la hora de tocar y me aconsejaba siempre ir poco a poco”. Y siempre recordará cómo De Larrocha le felicitó por su reciente versión de la Ibérica de Albéniz, una obra que había sido para ella, junto con el legado de Granados, como “la Biblia” del piano español. El compositor Cristóbal Halffter calificaba a su amiga como “la gran señora del piano”, a lo cual añadía Tomás Marco que esta intérprete excepcional “ha representado como nadie los ideales de la música española”, y en su legado ha dejado constancia de ello en “unas grabaciones que siguen siendo canónicas”, referencia indiscutible de la discografía histórica.