A rienda suelta

Buñuel y Lagartija Nick: una provocación artística

Este año el Laboratorio de Creación de Abycine   ha surgido de la alquimia entre las incandescentes imágenes de Luis Buñuel y la música instintiva de Lagartija Nick.

Una propuesta que, un año más, ha armonizado con acertado pulso narrativo el realizador José Manuel Borrajeros.

 

Fragmento Laboratorio Creación Abycine 2017 (Lagartija Nick/Luis Buñuel/Jose Manuel Borrajeros)

 

Un maridaje extraordinario que ha conectado y retroalimentando universos creativos y que se presentó en el último Abycine 2017 y que ójala tenga un recorrido por otras salas de nuestro país (por lo pronto Antonio Arias tiene intención de grabar en estudio las canciones paridas para el Laboratorio).

Esta presentación además, coincide con el estreno del último disco de los granadinos: Crimen, sabotaje y creación, un trallazo a la mente y al corazón que nos conecta con los mejores Lagartija Nick, "seres cálidos" en permanente evolución.

 

Así pues, todos estáis invitados a esta entrevista en la que Antonio Arias (AA) y Jose Manuel Borrajeros (JM) nos acercan al proceso creativo de este fascinante proyecto que es el Laboratorio de Creación de Abycine 2017.

 

 

-Antonio, ¿Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

AA: Fue una propuesta del festival Abycine. Me encantó la idea, tratar la figura de Buñuel me dio la oportunidad de profundizar en esa maravillosa generación del 27. Jose Manuel Borrajeros hizo unas ediciones de las películas y sobre ese montaje estuvimos trabajando.

- En cuanto a la relación con Lagartija Nick, ¿cómo surge la colaboración, ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

JM: Se produjo un salto telepático en un momento determinado y pensé: Lagartija Nick y Buñuel son una buena conjunción, me puse en contacto con Antonio y se lo propuse, cuando me dijo que sí empecé a trabajar por bloques en el montaje, y finalmente construimos nuestra propia visión del espectáculo cada cual aportando sus ideas, con tiempo y codo con codo, amplificando la obra. Trabajar con Lagartija Nick ha sido alucinante, es un grupo de gente admirable como personas y como artistas.

 

 

- Esta vez habéis elegido el universo de Buñuel como material para el Laboratorio de Creación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor aragonés, imagino que ha sido una enorme complicación elegir entre su amplísima obra?

JM: Desde el Laboratorio de Creación-Abycine nunca habíamos abordado la filmografía de un director español. El universo de Buñuel es muy interesante por diferentes razones, por un lado hay muchos aspectos de su cine que lo sitúan en la modernidad más absoluta, diría que su cine es difícilmente superable por muchos directores actuales, o en caso de querer acercarse a sus constantes, éstas no dejan de estribar en eso que ha venido a llamarse Buñuelesco, es decir, una especie de calificativo de lo que él ya inventó.

 

 

Por otro lado, hay una parte de su filmografía más social que me llamaba mucho la atención, situada en terrenos fuera de lo estrictamente surrealista, temas recogidos en cintas como LAS HURDES, LOS OLVIDADOS o NAZARÍN, que configuran una mirada muy instintiva sobre la pobreza y la supervivencia, y finalmente sobre la perversidad. Yo tenía catorce años cuando vi por primera vez LOS OLVIDADOS y SIMÓN DEL DESIERTO en un programa doble de TVE, recuerdo que lo que vi me dejó impactado y que discutí mucho con un amigo cinéfilo que afirmaba que la etapa mexicana de Buñuel era muy pobre cinematográficamente, supongo que lo decía porque el look visual de la época mexicana no tenía el aspecto tan cool de su etapa francesa, lo cual le llevaba a pensar que era un cine de peor calidad. Mi amigo no tenía ni idea de lo que estaba viendo, él veía un cine pobre, yo veía un cine rico. A mi aquello me cabreaba sobremanera, así que ahora me he tomado mi revancha privada. Las películas hispano-mexicanas de Buñuel son construcciones de infiernos terrenales que nos hacen ver que el surrealismo no es sólo algo propio de los sueños, elegí esta época de la filmografía de Buñuel para el montaje porque de alguna manera representa un mundo cercano al nuestro, España y Latinoamérica, que en muchos aspectos no ha cambiado prácticamente nada.

 

 

-Sois una banda en el que el subconsciente juega un papel importante, algo en común con el mundo de Buñuel ¿cúal ha sido vuestra actitud a la hora de acercaros al universo del cineasta?

AA: Lo primero que hice fue buscar poemas de Luís Buñuel en internet, encontré seis y ahí vi el camino. Sus poemas son bastante lorquianos, eróticos y surrealistas, toda una gozada. Cantando sus textos podíamos interactuar sobre las imágenes completando su significado onírico, y al mismo tiempo generando distintos diálogos sobre las mismas.

-¿Cuál es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual?

JM: Siempre que abordo este tipo de trabajos suelo construir un guión de montaje. Previamente reviso toda la filmografía del director en cuestión y busco los lugares comunes entre una película y otra, de esa manera salen a la luz las pulsiones del director, entonces crece un hilo argumental, afluentes que guían al espectador a través de las diferentes secuencias, en el caso de Buñuel propongo un recorrido del resto de sus películas a través del cortometraje documental LAS HURDES.

 

 

-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de las imágenes a modo de BSO?

AA: Aparte de sus poemas, mi mujer me regaló un libro de Max Aub sobre Buñuel, muy recomendable. Está hecho en forma de entrevistas y contiene un dvd con todas ellas, así que teníamos testimonios de primera mano. Uno de los audios son los veinte sueños más repetidos de Buñuel, ahí estaba todo su universo freudiano, ahí estaban bastantes de sus referencias fílmicas, todo un hallazgo. Estos sueños fueron la base para tratar la última parte del montaje de las películas que era “Un perro andaluz”.

- De la filmografía de Buñuel, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto? Por lo que he leído te centraste en su obra desde Un perro andaluz hasta Viridiana.

JM: Como he comentado anteriormente me he centrado principalmente en la etapa hispano-mexicana de la filmografía de Buñuel, que es una etapa de un cine más telúrico y polvoriento que el que supone la etapa francesa, la cual es maravillosa pero ofrece otro clímax y otro examen de otra sociedad: la burguesa. El recorrido por las películas de la etapa mexicana se pegaba muy bien al universo de Lagartija Nick o al menos así lo intuí desde el principio, cuando pensé en Lagartija para poner música al montaje. Hay algo telepático en este tipo de trabajos.

 

-Me viene a la mente vuestra obra magna "Val del Omar" alrededor de la inmensa figura del creador granadino, en ese disco ponéis en práctica sus tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este caso con Buñuel, ¿habéis encontrado alguna concomitancia, ha influido aquella relectura que hicístéis allá por 1998?

AA: Val del Omar es un creador de música concreta formidable y un inventor tanto de sonidos como de aparatos increíblemente imaginativos para llevarlos a cabo. Nada que ver con el odio que Buñuel le tenía a abusar de la música en sus películas. Sabía por sus entrevistas que era un apasionado del jazz de los años veinte, temas como “Limehouse Blues” o el “Foxtrot” eran muy de su gusto. Sobre esas dos canciones compuse la música de los poemas que cantamos.

- De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?

AA: Para la puesta en escena teníamos la limitación del formato de las películas, 4:3. No podíamos interferir con las imágenes así que nos situamos a los lados, arropándolas, algo sencillo, como una especie de banda de jazz, sentados. Creo que podría funcionar en el futuro tocar en un foso, como las orquestas.

- Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto? Por ejemplo, el año pasado Los Pilotos presentaron su opus sobre Miyazaki en la Cineteca del Matadero de Madrid...

AA: Ya es un proyecto en sí muy atractivo como para guardarlo en un cajón, nos lo pasamos muy bien componiéndolo y ensayándolo. Tenemos previsto grabarlo en el estudio en diciembre y presentarlo en un futuro por supuesto.

 

 Os dejamos, finalmente, con esta entrevista que se hizo Lagartija Nick desde Abycine, donde cuentan algunas de sus pulsiones creativas, unas horas antes de presentarlo en el Teatro Circo de Albacete.

 

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

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Miyazaki-Los Pilotos: sinestesia creativa

Abycine es, sin duda, uno de los Festivales de Cine más audaces de cuantos se celebran en España por multitud de motivos: celebración del mercado audiovisual LANZA, descubrimiento de los cortos y largos "indies" más arriesgados, homenaje a jóvenes cineastas (este año se rinde culto a Jonás Trueba)... En lo que a nosotros concierne Abycine nos seduce por la puesta en marcha del Laboratorio de Creación, un campo de experimentación en el que música y cine dialogan de una forma admirable.

 Al Laboratorio de Creación le seguimos la pista desde hace varios años. Atrás quedan algunas experiencias cautivadoras como la comunión David Lynch/Joaquín Pascual, o el tándem Terrence Malick/Neuman.

Este 2016 ha supuesto una vuelta de tuerca en el formato con una propuesta fascinante en la que el cine de animación de Hayao Miyazaki ha sido reinterpretado por el realizador albaceteño José Manuel Borrajeros y por el grupo Los Pilotos (Florent y Banin). 

Así pues, hablamos  con José Manuel Borrajeros, que nos desgrana las inquietudes estéticas y visuales del proyecto y posteriormente, abrimos línea con los músicos granadinos, que nos cuentan su pasión por la obra de Miyazaki y de algunos compositores de bandas sonoras de películas. Además, nos desvelan algunas novedades como el uso por primera vez del sintetizador modular, todo un hallazgo que han experimentado en su actuación en directo.

Pero, mejor escuchamos a los protagonistas de este Laboratorio de Creación 2016 que se presentó el viernes 21 de octubre en el Teatro Circo de Albacete, no sin antes dar las gracias a Sandra Peña (prensa Abycine), José Manuel  Borrajeros y todo el equipo de José Manuel Zamora (director de Abycine) que, como siempre, nos ha dado todas las facilidades para la elaboración de este artículo. Por cierto, el festival se prolonga hasta el 30 de octubre, estáis a tiempo de disfrutar de su programación.

 

 

 

ENTREVISTA A JOSÉ MANUEL BORRAJEROS (MONTAJE VISUAL)

-- Esta vez habéis elegido el universo de Miyazaki como material para el Laboratorio de Creación. Creo que es la primera vez que optáis por cine de animación. ¿Por qué esta elección, por qué el autor japonés?

Desde el Laboratorio de Creación llevaba personalmente un tiempo pensando que estaría bien hacer una revisión de la filmografía de Mizayaki porque creo que ha aportado al cine una visión muy distinta desde el punto de vista de la propia animación, pero también desde el punto de vista de cómo concebimos la animación aquí en occidente. En oriente se conciben las películas manga o los cómics se conciben de otra manera y es un universo muy rico plásticamente y desde luego que lo más importante, lo mejor para nosotros sin duda era intentar optar por también cambiar el tercio en ese sentido y no hacer otro laboratorio que vaya relacionado siempre con las mismas temáticas. Esto era como una sabia nueva para la sección y nos parecía muy interesante desde el punto de vista de las temáticas que utiliza Miyazaki, como desde el punto de vista de la propia plasticidad de las imágenes.

 

 

 

- ¿Cual es la línea argumental o leit motiv a partir del que habéis construido el ensayo visual ?

Las películas de Mizayaki están construidas alrededor de un montón de temas que no son tan infantiles como creemos. En este caso la revisión a la filmografía de Miyazaki era precisamente el punto central, es decir, centrarnos un poco en los temas subterráneos que hay en las películas del realizador japonés y, por otro lado, intentar también dejar nuestro pequeño tributo ahí de lo que es un poco el diseño de las películas de animación que, yo creo que confrontan mucho con la visión que tenemos en occidente, por ejemplo de la Factoría Disney, etc. Creemos que es un realizador que trata a la animación para niños, pero que también sin duda, se puede acercar a la mentalidad de un adulto.

 

- De la filmografía de Mizayaki, ¿qué películas han sido las que más han trascendido a la hora de montar el proyecto?

Como comenté antes, la variedad de temas que se dan cita en las películas de Miyazaki es enorme. De todas maneras, yo desde un principio tenía claro que el hilo conductor del argumento, del montaje de vídeo iba a ir relacionado en torno a la película de Mi vecino Totoro porque creo que es una película que retrata con mucha inocencia a cosas preternaturales o sobrenaturales y que después me podía permitir o nos podía permitir sumergirnos en el resto de la filmografía. O sea que yo creo que Mi vecino Totoro es la que lleva más el hilo conductor aunque no es la que más se repite, digamos. Pero si que el montaje está encabezado por una serie de secuencias de Totoro y también finaliza, tiene un “happy end” que está dentro de Mi vecino Totoro. Y, como digo, el resto de bloques, de secuencias, son más o menos un repaso al resto de películas de él. En realidad hay unas 10 pelis metidas ahí en 50 minutos, que yo creo que ha quedado un montaje bastante compacto y bastante orgánico.

 

 

- En cuanto a la relación con Los Pilotos, ¿ha habido contacto previo al montaje o han trabajado directamente sobre el ensayo visual definitivo?

Yo desde el principio tenía claro que me seducía mucho que fueran Los Pilotos quienes pusieran música al universo de Miyazaki por varias cuestiones: como he comentado un poco en las pelis de Miyazaki hay muchas temáticas, está el ecologismo, está la guerra, está el amor que, desde el continente quizá el espectador no lo puede apreciar, pero desde el contenido, si observas, haces un poco un análisis de las películas encuentras eso. Entonces los discos de Los Pilotos son muy variables en el sentido de que hacen una música muy vitalista, que me parece que Miyazaki también lo es, pero también tienen atmósferas muy de Ciencia Ficción muy cercanas a la Ciencia Ficción en definitiva, y eso era lo más interesante y por lo que realmente pensé en Los Pilotos para que hicieran esta incursión en el universo de Miyazaki. El contacto previo, pues ha habido un contacto previo de ofrecer el proyecto, les fascinó la idea, les encantó porque estaban de acuerdo en que la música que ellos hacían iba en la línea del cine fantástico y de la ciencia ficción y después fuimos construyendo, yo les iba pasando secuencias del montaje hasta que al final fuimos esculpiendo el montaje definitivo y bueno, el contacto ha sido paulatino, como suele ser en este tipo de trabajos. Vas pasando a los músicos tus conceptos de montaje y ellos van a su vez, metiendo un poco su línea musical en el total del montaje.

 

 

ENTREVISTA A LOS PILOTOS (REINTERPRETACIÓN SONORA)

FLORENT Y BANIN

-Cómo os llegó el proyecto y cual ha sido la forma de abordarlo?

BANIN
El proyecto nos llegó por José Manuel Borrajeros al que conocimos hace como cuatro años que vinimos a Albacete a tocar Los Pilotos y vino él con Joaquín Pascual de Mercromina y Surfing Bichos y después del concierto se quedaron con nosotros. Y hablando con José Manuel de cine, de ciencia ficción, de monstruos, de todo esto, pues hubo feeling, hubo afinidad y me habló del festival, me habló del Laboratorio de Creación y le dije que cuando quisiera que estábamos dispuestos a hacerlo que nos encantaba el cine, a Florent también le encanta y que era un proyecto atractivo para nosotros.
FLORENT
Nosotros siempre hemos tenido la idea de algún día imaginario de tener la oportunidad de utilizar nuestra música o de hacer música en concreto y bueno, cuando nos comentó este proyecto que se ha hecho realidad ahora, dijimos que si, que indudablemente si hubiera la posibilidad de poner música a lo que él nos estaba proponiendo pues encantados.
BANIN
Si, cuando me llamó este verano y me dijo que el montaje iba a ser de Hayao Miyazaki, pues dijimos hostia, no podía ser de otro más ideal para nosotros porque nos encanta, soy súper fan vaya, me he visto todas las pelis del Estudio Ghibli y ya cuando me lo dijo me entusiasmé, a tope.
FLORENT
Son de esas cosas que satisface hacerlas y el resultado final está increíble.
BANIN
Si, ha sido un montón de trabajo pero algo especial, diferente. Porque hemos hecho toda la música. Yo me había estado mirando todas las actuaciones de grupos anteriores y nadie había hecho una sincronía. O sea, todo el mundo tocaba y había alguna relación entre lo que estaba tocando y lo que estaba saliendo en las imágenes, pero era como un grupo tocando y unas imágenes por detrás que, a nivel musical, no había sinestesia con las imágenes, no? No sumaban, eran dos cosas separadas que bueno, estaba bien, es una forma de abordarlo. Pero nosotros que venimos de la electrónica donde la sincronía de música e imagen es muy estrecha, entonces, pues decidimos tirarlo por ahí. Plantearlo de una manera como si nosotros reescribiéramos la banda sonora.

 

Fragmento Laboratorio de Creación. Montaje realizado para ARS por José Manuel Borrajeros

 

-¿Qué fuentes de inspiración habéis manejado para la reinterpretación de la imágenes a modo de BSO?

BANIN
Hay cosas muy concretas. Cuando empecé a hacerlo, nosotros tenemos muchas ideas grabadas, muchos esbozos grabados y en un principio dijimos: empezamos a buscar y lo que mejor se adapte. Pero cuando ya me mandó el montaje definitivo y empecé a verlo, se me ocurrió hacer como un doble homenaje en el que esa música que creáramos estuviera inspirada en otros compositores de cine de los que también somos muy fans. Entonces, en el montaje hay 9 películas de Miyazaki. En el primer bloque está Mi vecino Totoro, que hay una niña que sale con una especie de mascota gigante que parece una especie de gato peludo, un peluche y ahí se nos ocurrió que estaría muy bien meter algo de Morricone. Morricone tiene mucha música que evoca a la infancia, que evoca ternura, que evocaba muy bien eso que sale en las imágenes de Mi vecino Totoro. Entonces ahí fue Morricone. Morricone igualmente tiene otra faceta que es como muy cruda, muy dura, muy atonal, muy ruidosa y eso lo dejamos para el bloque final que está basado en El castillo ambulante, El castillo en el cielo y La princesa Mononoke. Ahí también fue Morricone la inspiración.
Luego hay otra parte que es de aviones que Porco Rosso y El viento se levanta y ahí no tenía ninguna idea concreta y empezamos a buscar cosas de compositores que hubieran hecho música para películas de aviación. Y la primera idea que surgió fue El espíritu de San Luis, que es una película de Billy Wilder que habla del aviador que cruzó el Atlántico y el compositor que hizo la bso para esa peli es Franz Waxman  y había un tema que encajaba perfectamente y, a partir de ese tema, hemos hecho toda la pieza de eso. Luego hay una pieza de Ponyo en el acantilado que es completamente nuestra y la otra que es El viaje de Chihiro, ahí es Nino Rota la inspiración. Así que, como te digo como homenaje.

 

 

-De cara a la puesta en escena y actuación en directo, ¿habéis preparado algo especial para el concierto de Abycine?
FLORENT
Especial es todo el concepto, la verdad. Está hecho todo para hoy, no creo que se vuelva a repetir. Bueno, a la hora de afrontarlo yo sigo tocando la guitarra, Banin sigue tocando teclados, pero bueno, hemos cambiado algunos teclados, algún aparatejo por sistema de modulación.
BANIN
Si, eso no lo llevamos en los conciertos
FLORENT
Eso no lo llevamos y hoy vamos a utilizarlo por primera vez. En fin, aparatos, hablaría aquí de aparatos.
BANIN
Si, hay una cosa que hace unos años se ha puesto de moda que es una idea de los años 60: la síntesis modular. Eso fue el origen de los sintetizadores. Lo que pasa que esa idea en aquella época a la gente le pareció demasiado, era muy costosa y demasiado abstracta, la gente no entendía.
FLORENT
Era muy abstracta y que había muy poca gente dedicada a eso. Hoy día hay un boom.
BANIN
Claro, la idea era como que tu te hagas un sintetizador a la carta con lo que tu necesites, pero, como te digo, para el momento la gente no entendía, no acababa de encajar cómo se utilizaba eso en la música. Entonces, de esa idea de los modulares, se pasó a los sintetizadores autónomos digamos, que ya van con su teclado. Los sintetizadores modulares va el teclado por una parte, los osciladores por otra, los filtros por otra, la envolvente por otra… Tú te lo montas, tu escoges lo que tu necesitas, lo que se va a adaptar a tu manera de trabajo. Como te digo eso no cuajó y se pasó a una simplificación de eso. La historia de los sintes, siguió adelante y, a principios de los 90, un alemán, Dieter Doepfer, se le ocurrió retomar eso. Y, a partir de ahí, un montón de pequeños fabricantes empezaron a hacerlo otra vez. Y ahora hay un verdadero boom con eso. Toda la gente de avant-garde de música electrónica está utilizando los modulares. Y nosotros traemos hoy una maleta de...

FLORENT
Un camión, traemos un camión… (risas)

BANIN
Una maletita con un módulo con cosas de síntesis modular. Y esa es la novedad con respecto a otros conciertos de Pilotos que nunca la hemos llevado.

 

 

-Ya por último, ¿hay intención de hacer una gira de presentación en otras ciudades con este proyecto?
FLORENT
Sería increible que esto tuviera una repercusión y, por supuesto, estaríamos encantados de intentar... Porque es un trabajo que está ahí, que lo hemos hecho con todo el corazón y darle continuidad sería increíble, vamos, sería lo suyo.
BANÍN
José Manuel nos está animando, lo que pasa es que estas cosas tienen su sitio y no es fácil tampoco que en una sala tengan elementos guays para hacer una proyección de calidad.

FLORENT
Pero algún festival de cine molaría también dentro de lo que es el marco del cine, dentro de lo que es esa senda, pues… estamos abiertos a cualquier oferta... (risas).
BANIN
No hay planes de hacer gira, pero si por lo que sea surge el repetirlo en cualquier otro sitio, lo hacemos encantados, claro. Aunque este es su lugar, este es su ambiente natural. Sacarlo de aquí, bueno. También mola que la gente esté sentada tranquilamente. No es un concierto en sí, es como una sonorización en directo de una película. Es como lo que se hacía antiguamente cuando las pelis mudas, salía allí la orquesta o el pianista ahí mirando la película y tocando encima. Es algo así, así que, bueno, es una cosa diferente que no se ve todo los días.

Aprovechamos para despedirnos con un antiguo post en el que analizábamos el videoclip “Longitud de onda 585nm” de Los Pilotos, a cargo del colectivo Roar!

 

Hasta el próximo capítulo de ARS!

 

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Medina 2016

 Un año más acabamos de conocer el Palmarés de la Semana de Cine de Medina del Campo que se ha celebrado entre el 11 y 19 de marzo y que ya llega a su 29 edición.

Medina del Campo no es un mero Festival que se limita a proyectar películas, sino que sobre todo es un dinamizador del sector audiovisual en España, en el que se cuidan todas sus vertientes (cortos, largos, actores, directores, exposiciones, charlas...).  Todos están llamados a la cita de Medina y, por supuesto, el videoclip tiene su espacio imprescindible.

 

 

Este 2016, el certamen de videoclips ha alcanzado su duodécima edición con casi 100 trabajos presentados a concurso, de los que han seleccionado 14 interesantes propuestas. Un crisol de piezas muy variadas donde conviven estilos y técnicas muy diferentes y que son representativas de la buena salud del formato en España.

 

         Nacho A. Villar recibe el Roel al videoclip ganador de manos de Javier Panera

 

El Festival, como ya es tradición, programó una proyección especial en el Bar Logan para exhibir en público los clips finalistas y donde el jurado (integrado por Juanma Carrillo, Rocío León y Rosa Pérez) seleccionó las piezas que consideró más destacadas.

 

                              Momento de la proyección de videoclips finalistas en el Bar Logan

 

 

Finalmente, el premio del Jurado galardonado con 1.000 euros y Roel, ha recaído en el videoclip ‘Madrid en David’ (Productora: BRBR Films), de Cálido Lehamo, realizado por Nacho A. Villar; una pieza cruda y de tono documental que atrapa desde el primer momento.

 

 

 

 

Por otro lado,  el Festival ha otorgado el premio del Público (500 euros y Roel) para la obra ‘Si te casas en Madrid’, de Artes Verbénicas, un clip-castizo sin complejos que juega a la caricatura y a la parodia.

 

 

 

 Un año más hay que felicitar al equipo encabezado por Emiliano Allende por su gran trabajo en el Festival, siempre teniendo muy presente el universo del videoclip.

En próximos post daremos cuenta de algunas actividades como la Exposición de Videoarte "Poderes Extraños" comisariada por Javier Panera y dedicada al realizador Juanma Carrillo. Se trata de una muestra que se aproxima al mundo de Carrillo y que tendrá continuidad en otras ciudades españolas (os informaremos de fechas próximamente)

 

 

. Medina del Campo presentó en exclusiva la película sobre La Bien Querida  a partir de la trilogía de vídeos que Juanma Carrillo dirigió (PREMEDITACIÓN/NOCTUNIDAD/ALEVOSÍA) un hito en la historia del clip español al partir de un formato como el  clip y transformarlo en ficción cinematográfica.

 Por cierto, y para cerrar este capítulo mencionar que el Roel de Oro fue para ‘Hermanos’, del vallisoletano Javier Roldán

 

 

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Miss Movies: calidade audiovisual

Nos adentramos en el universo de Miss Movies, una productora gallega que desarrolla proyectos audiovisuales muy cuidados, aunando lo personal y lo comercial.

Hasta el momento han realizado un par de videoclips de una factura impecable que han sido galardonados nacional e internacionalmente.

Hablamos de estos originales trabajos con Olga Osorio y Juan Galiñanes, auténticos factótum en Miss Movies, que  nos relatan cómo afrontan el proceso creativo cuando dirigen videoclips, nos cuentan sus inquietudes audiovisuales y nos muestran otras creaciones que han abordado desde su plataforma audiovisual.

 

 

-Miss Movies es una productora integrada por Olga Osorio y Juan Galiñanes ¿Cómo nace esta plataforma audiovisual y con qué objetivos?
Miss Movies nace para dar cobertura a nuestros proyectos más personales pero también hemos empezado a abordar a su través pequeños trabajos por encargo, siempre buscando la calidad como sello distintivo. Desde Miss Movies sólo hacemos proyectos que nos motiven de algún modo, ya sea por las posibilidades creativas que nos ofrecen o por las opciones de crecer como realizadores. Pero no descartamos producir más en serio en el futuro.

-Juan y Olga colaboráis activamente en producción y realización, ¿con qué criterio os repartís el trabajo en los diferentes proyectos?
Nos peleamos por ellos y el que gana se los queda, jaja. A ver, ya en serio. Los dos somos realizadores y la parte más dura de la producción se nos hace más cuesta arriba pero de momento nuestra política es que cuando uno lleva el peso creativo porque es su proyecto, su guion o porque tiene la energía para sacarlo adelante, el otro lo apoya en la parte que nos resulta más difícil porque, como te digo, ninguno de los dos somos productores, aunque es cierto que la parte creativa de la producción cada vez nos atrae más.

 

 

-Os dedicáis a la ficción (reStart, El bufón y la infanta...), publicidad (Festa do Albariño, Historias da Torre), video corporativo (SNE, L'Oreal)...¿Qué papel juega el formato videoclip en vuestra producción? ¿Cómo llegáis a realizar vuestros primeros clips?

Los videoclips nos gustan mucho, la verdad, por todo lo que tienen de posibilidad de libertad, experimentación y diversión, y ojalá podamos hacer muchos más, porque lo cierto es que de momento sólo hemos hecho dos. El primero fue Garden’s Road, para Escuchando Elefantes, y surgió como un intercambio de favores, por así decirlo, que ellos protagonizaron uno de los spots que hicimos para la fiesta del Albariño y nos cedieron la canción y en contraprestación nosotros les realizamos el videoclip, que fue todo un éxito ya que, por ejemplo, nos llevamos el Mestre Mateo al mejor videoclip de ese año y también premios en Toronto, California, Trieste, Faro, etc.

 

 

-Me gustaría centrarme en "Buscando a Superfama" de Heredeiros da Crus, una pieza divertida e irónica que parte de un estilo aparentemente sencillo.
¿Cómo nace este proyecto y quien tuvo la idea del clip?

Nos llamaron los Heredeiros da Crus, a través de su manager, Patricia Hermida. A ella le gustaba la idea de que lo dirigiese una mujer, precisamente porque Heredeiros son muy “bravús”, así que acordamos que fuese yo (Olga) la que llevase la batuta en este caso. Tras escuchar el tema les propuse dos o tres bocetos y ellos escogieron el punto de partida que luego derivó en este videoclip, que además encajaba con las limitaciones de producción que teníamos, sobre todo de tiempos. A partir de ahí fuimos puliendo la idea para que reflejase lo mejor posible el espíritu del grupo y de la canción. Ellos querían hablar de los chavales que quieren ser rockeros y que para matar su gusanillo musical o salir adelante en el mundo de la música tienen que tocar en una orquesta. Fran Velo (bajista) quería jugar con los afiches de las orquestas, pero a mi (Olga) no me terminaba de convencer su estética, así que decidimos convertirlos a ellos mismos en una sucesión de afiches, con sus elementos kitch pero manteniendo un “look” que nos funcionase. Teníamos a nuestro favor que Heredeiros da Crus son unos artistas como la copa de un pino, con muchas tablas y mucha presencia, así que sabíamos que podíamos defender esta idea que quizá con otro grupo habría sido más complicado. Además ellos hicieron un montón de aportaciones, entre ellas una absolutamente clave que es la del váter con remos, una idea que sólo podía haber salido de la imaginación de Tucho (Antonio Novo, guitarra y voces) y que le “compramos” inmediatamente.

 

 

-Digo lo de estilo aparentemente sencillo pues aunque se trata de un plano prácticamente fijo, partís de unas coreografías y transformaciones (luz, vestuario, carteles de postproducción) elaboradas. ¿Cual fue la mayor complejidad de esta pieza?

Coordinar todo eso, claro. Creo que lo más complicado fue conseguir hacer los cambios de vestuario en el tiempo récord en que lo hicimos. Y, en efecto, el plano es fijo hasta que hay un travelling de retroceso pero precisamente al ser el único movimiento de cámara tiene que ser casi perfecto, el cambio de iluminación, pulir el acting…  Como ya dijimos, ellos son muy buenos y tienen muchas tablas, así que la mayor parte de las dificultades fueron de tipo técnico, pero las solventamos bastante bien porque los profesionales con los que trabajamos eran también de súper lujo. Y fue un rodaje divertidísimo, con un ambiente estupendo. 

 

 

-Salvando las distancias, me recuerda al estilo a lo "OK Go", ¿qué referencias habéis tenido a la hora de plantearos la puesta en escena del clip?

Pues Ok Go, jaja. :-) A ver, sí, de background seguramente están, de manera consciente o no, porque hemos visto muchas veces sus vídeos que nos encantan (y a quién no). Pero de manera más directa la referencia con la que trabajamos con el equipo de Arte y Foto fueron varios momentos concretos de Wes Anderson para las paletas de color, el tipo de composición de plano… 

-No querría dejar de mencionar otro de vuestros videoclips "Garden's Road" para Escuchando Elefantes, por el que habéis recibido multitud de premios nacionales e internacionales. En este caso, se trata de una creación compleja con cambios de escenografía muy dinámicos. ¿Cómo fue en este caso el proceso creativo y la forma de materializarlo en pantalla?
Un mismo espacio, aunque siga conservando las mismas coordenadas y las mismas paredes, encierra siempre vivencias y sensaciones que son las que realmente lo hacen diferente. El espacio en sí mismo no importa, tan sólo importa aquello que ocurre en él. En Garden´s Road teníamos a un personaje que necesitaba salir de su espacio, un lugar que había sido acogedor, que en algún momento le había dado seguridad, pero donde también le habían acechado sus miedos, donde había soñado con viajar, con salir, con comerse el mundo, pero al mismo tiempo lo había absorbido de tal manera que ya no sabía cómo escapar de él. Algo tan sencillo como abrir una puerta para descubrir un mundo diferente.
La canción es lo suficientemente ambigua como para concedernos algo de libertad a la hora de tratar esos espacios, para contar esas sensaciones de manera visual y para ello creamos un set sencillo que íbamos a transformar completamente jugando con la luz y el atrezo. No teníamos apenas presupuesto, pero jugando con luz y montaje se puede hacer casi de todo. Ah, claro, si cuentas con las ganas y el esfuerzo de un equipo absolutamente entregado. Ja, ja. Fue un trabajo titánico, la verdad, pero estamos muy satisfechos del resultado.

 

 

 

 

-Juan, además de tu trayectoria como director (Holy Night!), montador de animación y postproductor (para DygraFilms) también has realizado proyectos en solitario en el campo de la ficción como el corto 3-1=0. Ahora preparas un nuevo proyecto de largo para Vaca Films. ¿Puedes adelantarnos algo de este proyecto? ¿Cuáles son tus inquietudes en un medio como el cine?

En realidad nunca pensé en dedicarme al mundo de la animación. No me preparé para ello. Yo soy realizador y la animación me parece una herramienta más para contar una historia. Por supuesto, las maneras de trabajar son diferentes, pero al final, las historias son eso, historias, y da igual cómo te las cuenten, con un libro, en una pantalla o al lado de un buen fuego o con una linterna apuntando a la cara desde debajo del mentón. Lo que sí es cierto es que cambian mucho los ritmos: cuando trabajo en animación echo en falta la inmediatez que me da la imagen real, por llamarle de alguna forma, el trabajo con un actor al que le pides un cambio en el texto y no tarda dos días en hacer el plano, algo que ocurre lógicamente con un animador. Me encanta moverme en ambos mundos en paralelo, por eso siempre he hecho cosas, incluso cuando estaba metido de lleno en Dygra Films.

 

 

Cuando terminé mi etapa en Dygra, acabé de dirigir Holy Night! , la peli que acaba de estar nominada a los Goya pero que acabé hace 4 años, necesitaba esa inmediatez, ese trabajo con emociones más rápido, más potente, y aproveché uno de mis miedos para contar una historia, de ahí salió 3-1=0, un proyecto al que siempre le tendré un cariño especial y que, pese a su duración y dureza, también dio muy buenos resultados en festivales y reconocimientos. Del dinero mejor no hablamos, jajaja.

 

 

A partir de ahí fui compaginando trabajos variados, de publicidad sobre todo, con escritura de guión, que dio como resultado un par de proyectos en los que estoy de lleno trabajando con Vaca Films, uno como guionista y otro como director. En ambos casos, thriller. La verdad es que es el cine que más consumo y el que más me apetece escribir. No puedo contar mucho acerca de ellos, en un caso porque estamos en pleno proceso y aún no sabemos dónde va a acabar, todo guión es un ser vivo, y en el otro porque hasta que encarrilen el proyecto no puedo hablar de él. Así que toca esperar. Créeme que por mi parte, ¡me encantaría contar cosas pronto! Pero estos procesos son lentos. Es una carrera de fondo que necesita muchísima perseverancia y alguien que sepa posicionar los productos en el mercado. Lo de la perseverancia y las ganas no me preocupa, porque tengo aún para rato y la segunda parte tampoco, porque si las cosas siguen para adelante sé que con Vaca estoy en las mejores manos. Así que como buen gallego te puedo decir que… malo será. Ilusionado estoy y eso ayuda para tirar en estos tiempos tan revueltos.

-Olga, por tu parte, además del corto mencionado "reStart", que ha recibido multitud de premios, te dedicas profesionalmente a la docencia (profesora de Dirección de Fotografía en la Facultad de Ciencias de Comunicación de UDC y de Procesos y Medios de Comunicación en IES Imaxe e Son de A Coruña) y tienes una vocaciòn por la estética fotográfica.
¿Cómo compatibilizas estas diferentes facetas con la producción?

Como puedo, porque no siempre es fácil. Aunque ya sabes el dicho de que si quieres que algo se haga dáselo a una persona ocupada: suelo ser más productiva cuanto más ocupada estoy. Y ser profe de audiovisual tiene muchas ventajas, por ejemplo que para proyectos no comerciales tipo cortometrajes puedo liar a alumnos, a los que ya conozco y sé cómo funcionan, para que trabajen conmigo en una relación que nos beneficia a ambos porque los alumnos tienen ocasión de trabajar con profesionales de mucho prestigio y trayectoria que forman parte de nuestro equipo habitual. Me consta que aprenden mucho con la experiencia e incluso algunos han conseguido trabajo a raíz de esto. Además, la docencia me obliga/permite mantenerme al día y al revés: hacer producciones me viene muy bien como profe para hablar no sólo desde la teoría sino también desde la experiencia. En cuanto a la fotografía, este era mi campo principal hace unos años y sigo haciendo mis trabajos personales, con calma. De hecho ahora mismo estoy exponiendo en una colectiva en Santiago de Compostela.

 

 

-Además, para tu tesis doctoral realizaste un estudio sobre  la imagen las periodistas en el cine de los años 90. Con la perspectiva de los años ¿Cómo crees que ha evolucionado esta representación?

A la hora de acotar el ámbito de estudio de la tesis quise poner en juego tres cuestiones que me estimulan o interesan particularmente como son el cine, el periodismo (lo soy de formación y en este ámbito desarrollé mis primeros años de vida profesional) y la representación de la mujer, que me parece un tema en el que todavía tenemos mucho que avanzar y mejorar. Dicho esto, es cierto que la representación de la mujer en general ha mejorado (tenemos ejemplos estimulantes como heroínas de blockbuster tipo las protagonistas de Los Juegos del Hambre o la última entrega de Star Wars) en lo que podríamos denominar la punta del iceberg pero paralelamente ha empeorado en ámbitos como la publicidad o el entretenimiento televisivo (incluyo en él el infoentertainment). Es un tema complejo y es difícil dar una respuesta breve.

-Ya para acabar, ¿tenéis algún proyecto de videoclip en cartera?
Tenemos un par de propuestas pero de momento está todo en el aire, así que mejor no vamos a comentar nada para no gafarlas.

-Por último me gustaría preguntaros cómo veis el audiovisual gallego en el siglo XXI, ¿Tenéis un equipo habitual de trabajo cuando ponéis proyectos en marcha? ¿Os condiciona vivir en Galicia a la hora de desarrollar vuestras creaciones?

El audiovisual vive en Galicia un momento muy estimulante y prometedor. Estos años duros en lo económico han traído a cambio un repunte de la creatividad, con propuestas muy diversas e interesantes, y estimulantes ejemplos de proyectos ambiciosos y gran éxito como El Desconocido, que es un puntazo para todo el sector aquí por muchas razones, entre otras porque demuestra que en efecto hemos alcanzado un estadio de madurez, pese a que la historia del audiovisual en Galicia es aún muy corta, a nivel tanto técnico, como creativo y productivo.

 

 

En cuanto a nosotros, sí, tenemos la enorme suerte de contar con un equipo bastante estable, generoso y súper profesional que funciona maravillosamente, gente con un currículum de infarto que cree en nosotros y en nuestros proyectos y que además funciona muy bien entre sí. Finalmente el mercado en Galicia es más pequeño que en otros lugares, claro, lo que quizá nos condiciona a la hora de abordar proyectos más comerciales o de conseguir financiación, pero a cambio tenemos, como te hemos dicho, el respaldo de nuestros colegas que además son amigos, tanto en lo que respecta al equipo técnico y artístico como a productoras con las que solemos trabajar, el respaldo de la Escola de Imaxe e Son y la facultad de Comunicación… ¡¡¡Y unas localizaciones maravillosas!!! Por la parte negativa, Galicia está todavía un poco lejos físicamente del resto del mundo: los aviones son más caros y las comunicaciones menos buenas de lo que nos gustaría, por lo que es más difícil o da más pereza moverse a festivales, estrenos, etc., y aunque Internet palia un poco estas carencias es bien cierto que estar físicamente en los sitios ayuda mucho. Claro que a nosotros, si surge un proyecto interesante, no nos importaría nada desplazarnos a Madrid o a dónde fuese para desarrollarlo, pero de momento no ha surgido.

 

Nunca se sabe, tal vez no tardando mucho veamos a Olga o a Juan por Madrid defendiendo la viabilidad de alguno de sus proyectos.

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Sensación de realidad

Manos de Topo es un grupo "sui generis" con una forma muy singular y autoparódica de vivir la música. Muestra de ello son sus videoclips y sobre todo el reciente "Un último esfuerzo", dirigido por Alejandro Marzoa (teclista en Manos de Topo), una de las canciones incluídas en el último álbum del grupo, "Caminitos del deseo".

Una particularidad de este videoclip es que nació mucho antes el video que el audio y que no fue hasta el final cuando el realizador decidió qué canción acompañaría a la grabación de imágenes.

Hablamos con Alejandro Marzoa de este proyecto y de las múltiples conexiones que los diferentes integrantes de Manos de Topo tienen con el mundo audiovisual.

 

 

ARS: Debo decir que, más allá de la música, me sorprende en Manos de Topo las conexiones con el audiovisual.

No en vano y sino me equivoco tanto Miguel Ángel Blanca (aka Guillothina) como Alejandro Marzoa os conocísteis siendo estudiantes de cine (Escac) y posteriormente habéis realizado todo tipo de productos audiovisuales: largometrajes, documentales, cortos, publicidad, etc... en algunos casos bajo el paraguas de Boogaloo Films. 

Por otro lado, nos encontramos con Rafa de los Arcos con una videografía muy interesante (videoclips. cortos, spots...), formado también en la Escac, al que por cierto ya le dedicamos un post en ARS. 

En este sentido, os hago una pregunta genérica... ¿cómo convive el universo audiovisual con vuestra actividad y trayectoria musical en Manos de Topo?

ALEJANDRO MARZOA: Cierto, tres de los cinco miembros de Manos de Topo nos dedicamos al cine y al audiovisual. Como grupo siempre nos ha gustado cuidar mucho todo el aspecto audiovisual que complementa a la banda, imagino que por defecto profesional. Cada uno tenemos nuestras propias inquietudes y gustos cinéfilos, pero a la hora de trabajar nos entendemos muy bien. Por ejemplo, Miguel Ángel y yo llevamos muchos años formando pareja guionista/director en nuestros trabajos de ficción, incluso llegamos a codirigir ("Your Lost Memories"). Ahora estamos peleando por sacar adelante nuestro 2º largometraje formando este tándem. Al final todo está conectado, música y cine.

- Me llama la atención que salvo en el caso de Guillothina ("Ciencias exactas", "Animal de Compañía", los visuales "En el escritorio"...), la mayoría de los videoclips de Manos de topo no los dirigís vosotros, ¿por qué esta paradoja "en casa del herrero..."?

Porque como venimos de este mundo siempre hemos estado rodeados de buenos amigos con mucho talento y nos hemos aprovechado de ellos. Este tipo de ofrecimientos no se pueden rechazar. Nos sentimos muy afortunados de haber podido contar con gente como Kike Maillo o Alberto Blanco y que nos hayan regalado su trabajo y su talento.

- La mayoría de vuestras piezas audiovisuales las ha dirigido Kike Maillo: El Cartero, Tus siente diferencias (una obra sufragada por crowdfunding), Lógico que salga mal, Es feo) ¿Cómo surge esa colaboración? Intuyo que por vuestra relación en la Escac...

Exacto. Kike fue nuestro profesor en la etapa ESCAC y ahora somos muy buenos amigos. Siempre ha tenido mucho cariño por Manos de Topo. En los inicios, cuando sólo venían los amigos a vernos tocar, Kike era uno de nuestros fieles ( aún lo sigue siendo...jejeje). Y cuando sacamos el primer disco no dudo ni un segundo en apuntarse a dirigir nuestros primeros videoclips.

 

  

 

- Cada clip es un prototipo, pero dadme una pincelada de cómo fue esa serie de creaciones con Kike... ¿Hasta qué punto interveníais en la idea original y desarrollo de las piezas o era una propuesta libre del realizador?

Él siempre ha contado con toda la libertad del mundo para proponer ideas y llevarlas a cabo. De hecho, lo único que nos transmitía era la idea sobre la que se basaría el clip: "vosotros seréis los asesinos de Kennedy" (El Cartero), " Quiero hacer un Pythagoras Switch como hacen los japoneses" (Es Feo). Salíamos a rodar con él sin saber exactamente que iba a pasar en el grueso del videoclip. Kike consiguió hacer auténticas virguerías con muy poco presupuesto. Son trabajos muy cuidados. La gente siempre ha estado muy pendiente de cual sería el nuevo videoclip de los topos. Siempre ha habido un afán por superarnos a cada nuevo clip.

 

 

 

 

 

- Me da la sensación de que cuidáis mucho la "imagen" del grupo sin dejar pasar de largo la oportunidad de participar en iniciativas interesantes cuando la ocasión lo merece... Me refiero a que se os puede ver en todo tipo de proyectos audiovisuales, showcase en directo, acústicos,...

Somos un grupo que nos prestamos a ello. En muchos aspectos creo que no nos consideramos un grupo convencional, ya no sólo por el estilo musical, si no por la puesta en escena, los complementos audiovisuales, etc...

Y valgan de ejemplo algunas de estas propuestas:
Grabación de "La estatua de la libertad", con Lluis Segura para VenusPluton (a algunos todavía nos tiembla el cuello cuando vemos a Miguel Ángel Blanca cantando en la barbería...). Por cierto Lluis también dirige "No doy la talla" junto a Ingride Santos, una pieza lo-fi muy interesante.

Jajaja... que recuerdos! Me haces sentir viejo. Han pasado muchos años. El clip de "La estatua" de Venus Plutón es un clip que muchísima gente recuerda. En esa época estaban muy de moda ese tipo de vídeos a 1 única toma y en riguroso directo. Recuerdo que lo rodamos en la calle Joaquín Costa de Barcelona y a M.A. se le ocurrió entrar dando gritos por sorpresa en un establecimiento de la zona como colofón final de la canción. El gerente del local sacó un bate de beisbol de debajo del mostrador y salimos cagando leches. Viendo la viñeta y los gritos/coros que emitía M.A. el buen hombre debió pensar de todo menos que estábamos grabando un vídeo.

 

La estatua de la libertad por venuspluton 

 

Grabación de "Maquillarse un antifaz", dentro del proyecto La Pecera en riguroso B/N para la productora alicantina Aticocuatro.
Acústico de "Pinzas en los ojos" en formato multipantalla para waaau tv
Grabación de "Collar de macarrones" para el Proyecto Tots Sants...
Concierto y videocreaciones (puro found footage) para el Festival Deprop de La Pedrera en colaboración con Boogaloo Films ...

Y así podríamos seguir... ¿cuál es la pulsión que os lleva a participar en este tipo de performances?

Como digo somos un grupo al que le van como anillo al dedo este tipo de propuestas. Pero realmente el verdadero mérito es de toda la gente a la que nombras. Este tipo de plataformas, propuestas, webs, etc... son los verdaderos héroes. Y más en los tiempos que corren. Eloos si que son los valientes.

Y así llegamos a vuestro último videoclip hasta la fecha dirigido por Alejandro Marzoa "El último esfuerzo"...
Me parece una pieza muy atractiva por la mezcla de formatos...
Hasta el minuto 2:30 prima el reportaje informativo (asistimos a lo que sería una encuesta callejera). Y a partir de ahí comienza el snuff-clip (incluyendo el sonido ambiente) hasta el giro de tuerca final...
¿Cómo nace la idea de mezcla de géneros y la sorpresa final de incluir a famosos músicos indies al final? En realidad estamos más cerca de un corto que de un clip...

Exacto. Cuando les comentaba mis intenciones al resto de miembros y al equipo técnico del clip les decía lo mismo: estamos más cerca de un corto que de un videoclip, como en los buenos tiempos de Michael Jackson jajajaja... De hecho, lo último que se eligió fue la canción. El videoclip estaba rodado y la canción aún no estaba escogida. Lo decidimos en la sala de montaje.
La mezcla de formatos, las 3 partes en las que se divide el clip y ese giro final...todo estaba pensando de antemano. La idea siempre funcionó como una única: jugar con el "san benito" de la voz de nuestro cantante, dar la posibilidad a los anti fans de vengarse por tanto sufrimiento auditivo y a la vez narrar nuestro plan maestro de eliminar a la competencia y poder reinar en solitario. Todo eso cabe en nuestro último corto/clip.

 

 

 

- Me ha sorprendido leer que la canción fue lo último que decidiste. Creo que dudaste entre varias... ¿Ya habías rodado la historia cuando elegiste la definitiva?

Así fue. Es que la idea era muy complicada relacionarla con alguna de nuestras canciones. Yo sabía que la canción simplemente iría en el momento de las torturas y para saber cual funcionaría mejor, necesitaba tener el material y probarla en la sala de montaje. "Un Último Esfuerzo" resultó ser la ideal: ayuda mucho a mantener el ritmo narrativo, incluso a nivel musical, los parones que existen en la canción, nos ayudan a introducir el sonido ambiente y diálogos de los personajes que intervienen, algo que desde un primer momento quería que sucediera.
Para que me entiendas: la forma de dar salida a esta historia era transformarla en un videoclip en vez de hacer un videoclip donde contar una historia. Le dimos un poco la vuelta.

- Aunque se nota que el rodaje está planificado, desprende un toque documental ¿hasta qué punto está preparado o es fruto de cierta improvisación?
Incluso, la parte de las torturas... ¿estaban previamente pactadas o distéis rienda suelta al personal?

La parte introductoria de las entrevistas tiene de todo: decidimos salir a la aventura a ver que nos encontrábamos pero a la vez nos cubrimos con "ganchos" que nos seguirían el juego. Fue la parte más divertida. Yo no desvelé a M.A en ningún momento quienes estaban compinchados y quienes no. Con esa forma de trabajar, la sensación de realidad la tuvimos en todo momento. Evidentemente los 4 personajes que torturan a M.A eran "ganchos"desde el principio. Para esa parte necesitábamos contar con gente de confianza...jajaja. Pero el resto es gente a la que abordábamos cámara en mano para que, en caso de conocer a M.A, nos dieran su más sincera opinión. Después en montaje nos quedamos con las más llamativas, directas o provocadoras sin olvidarnos del humor.

- Desde el punto de vista de la realización, ¿algo especialmente reseñable? Parece que prima la cámara al hombro si bien me imagino que ha sido importante trabajar en multicámara para captar la reacción natural de la gente...

Sin duda. La forma inicial de enfrentarnos al proyecto fue como si tuviéramos que cubrir un "reality", desde un "Callejeros" a "Jackass". Esos fueron nuestros referentes a la hora de operar las cámaras.

- El video tiene posibles referencias a pelis como "Tesis" , "Old boy" o "Reservoir Dogs"... ¿Hasta qué punto fuiste consciente de esas influencias?

Llega un momento en el clip que la cosa se vuelve ficción y por supuesto que nos basamos en pelis de género como las que mencionas. Recuerdo volver a ver la escena de la tortura de "Reservoir dogs". Incluso la localización era un buen referente. La idea narrativa con la que queríamos jugar era que los "torturadores anónimos" cuando llegaran al lugar de tortura les diera la risa reconociendo estas influencias. Esas ideas están jugadas por montaje y por rodaje, como por ejemplo la chica que no quiere participar alegando que esto le recuerda a una "snuff movie".

 

 

Pelis como "Hostel", "Tesis", "Old Boy", también ayudaron a pensar las diferentes torturas a las que someterlo. Yo quería trabajar sobre todo el elemento de la discordia que había generado el conflicto: la voz y la forma de cantar de M.A, y para eso quería que los torturadores se cebaran con la boca de M.A. Hubo una idea muy "Old Boy" en la que le cortarían la lengua para que no pudiera cantar más, pero por una cuestión de presupuesto no pudimos llegar y la cambiamos por graparle los labios.

- En cuanto a notas de producción... ¿en qué nave rodásteis? ¿con qué tipo de equipo de cámara?

La nave de un amigo en Badalona. Las cámaras las míticas P2 para conseguir esa intención de reality que te comentaba antes.

- De los distintos departamentos, entiendo que el que más trabajo llevó fue caracterización y efectos especiales ¿quién se encargó de estas labores?

Eso y cuadrar las agendas con el resto de grupos para los cameos...jajaja. El Videoclip lo produce "Marlon Branded", una productora de branded content que se apuntó al carro. Ellos contactaron con el equipo técnico oportuno. Marcos Grillo se encargó de los efectos especiales y Tere Alonso de todo el tema de maquillaje.

- Cuando hicísteis este videoclip tan autoparódico y provocador ¿érais conscientes de la polémica y revuelo que iba a despertar?

No, ni mucho menos. Nuestra intención nunca fue molestar a nadie, si no más bien todo lo contrario, mostrar que los primeros que sabemos reírnos de Manos de Topo somos nosotros mismos. Por suerte, la inmensa mayoría de reacciones al videoclip son muy buenas y eso nos alegra enormemente.

Ya por último, no sé si es una casualidad o algo premeditado...pero en vuestra pieza "Bragas Bandera", realizado por Alberto Blanco (Crudo), también hay cierto "maltrato" hacia Miguel Ángel... ¿forma parte de una serie de clips con la violencia como leiv motiv?

No. Es simple casualidad, aunque yo creo que M.A se parece mucho a un oso de peluche gigante y a veces dan ganas de abrazarlo con fuerza...con mucha fuerza.

 

 

 

Seguro que Manos de Topo ya están tramando su siguiente gamberrada audiovisual, os la contaremos en ARS!
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Palmarés Medina 2015

 Si en el último capítulo de ARS comentábamos la exposición entorno al universo del videoclip "INESTABILIDAD Y METAMORFOSIS. Mutantes del pop. De David Bowie a Lady Gaga", comisariada por Javier Panera e integrada en la  Semana de Cine de Medina del Campo, en esta ocasión nos detenemos en el Palmarés del Certamen de Videoclips de esta edición 2015.

 

 

No nos cansamos de valorar la extraordinaria labor que el Festival de Medina está haciendo no solo con el mundo del corto, sino también con otros aspectos del audiovisual, organizando innumerables actividades culturales: retrospectivas y programación de largos, taller de animación, exposiciones, maratón-plató de cine, charlas (Conversaciones del Balneario), microteatro, actuaciones de Djs, y por supuesto una especial atención al formato videoclip.

Son ya once años planificando una sección específica dedicada al clip que ha hecho de esta muestra una cita ineludible en el panorama de Festivales en España.

Para la edición 2015 se han presentado entorno a 150 videoclips de los que llegaron a la final un total de 14 trabajos.

Como se puede apreciar son piezas muy variadas donde conviven estilos y técnicas muy diferentes y que son representativas de la buena salud del formato en España.

El Festival programó una proyección especial el sábado 14 de marzo en el Bar Logan donde se exhibieron los clips finalistas.

Finalmente, el jurado (integrado por Jesús Ordovás, Marian Grande y el que suscribe) se decantó por una obra inquietante y arriesgada, el videoclip "Failures of the modern man", de Julien Elsie, realizado por Pérez y Stein. 

 

Paul Stein (izquierda) recibe el Roel al mejor videoclip de manos de Javier Panera

 

Se da la circunstancia que hace unas semanas ARS dedicó un post a esta pieza y a la trayectoria de Pérez y Stein. Podéis recuperar esa entrevista aquí.

  

Julien Elsie - FAILURES OF THE MODERN MAN - official music video from Pérez y Stein on Vimeo.

 

 Además de este premio del Jurado galardonado con 1.000 euros y Roel, el Festival ha otorgado el premio del público (500 euros y Roel) a la obra "Ojalá estuvieras muerto", de La Bien Querida, realizado por Juanma Carrillo, que culmina la trilogía de clips producidos para el álbum Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (Elefant Records, 2015).

 

OJALÁ ESTUVIERAS MUERTO from WESHOOT AGENCY on Vimeo.

 

Por último, y aunque sin premio en metálico, el Jurado también estimó oportuno conceder una mención especial al trabajo del realizador David Iñurrieta,  por su videoclip Erin's Song para Wilhelm, una pieza audaz y no exenta de sentido del humor.

 

ERIN´S SONG wilhelm from david iñurrieta on Vimeo.

 

Apenas ha finalizado la 28º Semana de Medina del Campo y ya tenemos "mono" de más cine, música, videoclips...

Queda un año por delante, seguro que Emiliano Allende y su equipo nos vuelven a "conquistar" con atractivas propuestas para 2016.

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Camaleónica Medina

Un año más llega la Semana de Cine de Medina del Campo, y van 28 ediciones, y una vez más el Festival nos vuelve a sorprender con su programación audaz y poliédrica.

En "A rienda suelta" nos vamos a detener en los contenidos que el certamen de Medina ha planificado alrededor de la cultura del videoclip y que tienen su propia entidad dentro del Festival.

En este post daremos cuenta de la Exposición "INESTABILIDAD Y METAMORFOSIS. Mutantes del pop. De David Bowie a Lady Gaga" y la semana que viene nos detendremos en las obras presentadas al Concurso de Videoclips y  recogeremos el Palmarés de esta edición 2015.

 

Sala de Exposiciones 'Luis Vélez' de la Casa de Cultura. La exposición se podrá visitar hasta el domingo 22 de marzo (de 19.00 a 21.00 horas, en días laborables, y 12.00 a 14.00 horas los domingos)

 

La exposición, comisariada con muy buen criterio por el profesor e investigador Javier Panera, es un recorrido por distintas piezas audiovisuales de estrellas POP que han construido su carrera a partir de una constante transformación de su imagen. "Inestabilidad y metamorfosis" es una clara alusión a una de las dualidades de las que habla el semiólogo Omar Calabrese cuando define el concepto posmodernidad en su obra "La Era Neobarroca".

 

Javier Panera es profesor e Investigador de Arte Contemporáneo y Cultura Audiovisual en la USAL. En la foto, le vemos con un grupo de alumnos, explicando algunos conceptos sobre los que versa la muestra

 

 Sala de Exposiciones 'Luis Vélez' en la que se ha montado "INESTABILIDAD Y METAMORFOSIS. Mutantes del pop. De David Bowie a Lady Gaga" 

 

En este sentido, Panera nos propone un juego dialéctico en el que el videoclip se erige en una suerte de "bisturí-visual" que alimenta las mutaciones de artistas como David Bowie, Michael Jackson, Madonna, Björk, Marilyn Manson o Lady Gaga, "monstruos neobarrocos que expresan su desmesura en un happening artificial, en una performance constante del cuerpo" tal y como el propio Javier Panera apunta en el texto introductorio de la muestra.

 

 

La selección de piezas audiovisuales invita al espectador a un viaje no solo a través de las canciones sino sobre todo a través de la estética de los distintos "muta-clips" que han reinventado el look de estos músicos.

De esta forma se establece un fascinante recorrido que nos va revelando las transformaciones de cada artista a la par que se establece un diálogo con el resto de propuestas en el que se pueden apreciar variadas concomitancias (léase conexiones Bowie-Marilyn Manson, o Madonna-Lady Gaga) por solo citar someramente algunas analogías.

En total la exposición nos ofrece más de 12 horas de apasionante visionado.

Por dar una pincelada, podemos viajar desde la desnudez hippy-psicodélica de David Bowie con "Oh! You Pretty Things (1972) en una grabación para la BBC hasta la sofisticación ochentera un tanto hortera del Bowie/Jagger de Dancing in the street (David Mallet, 1985) aglutinando un total de 27 piezas que nos muestran la inagotable capacidad camaleónica del gran Duque Blanco.

 

 

 

 

La exposición pone de relieve la obsesión de algunas estrellas del pop por la mutación: importa no tanto la identidad verdadera sino la constante metamorfosis, un rasgo que ha traido la Posmodernidad y que tiene su origen en el Barroco. 

Como ya apuntaba el profesor Jesús González Requena aludiendo a la publicidad, ésta no es otra cosa que la metamorfosis del deseo. En cierto modo ésto es trasladable a la cultura del videoclip, donde no importa tanto la construcción de un relato coherente como la mera instalación en la apariencia por muy banal que sea. 

                                  Visitantes a la exposición visionando clips de David Bowie y Marilyn Manson

 

 La exposición se completa con un compendio de videoclips (una selección de 22 creaciones entre 1980 y 2015) que presiden la sala y abundan en el concepto inestabilidad/mutación. En esa recopilación podemos encontrar piezas que van del mítico videoclip "One Minute Movies" (The Residents, 1980) hasta la Björk más contemporánea de "Virus" (Andrew Thomas Huang, 2015) pasando por autores fundamentales de la cultura del videoclip como Chris Cunningham, Floria Sigismondi, Jesse Kanda, Mark Romanek o Stéphane Sednaoui por citar solo algunos.

 

 

 En cualquier caso no se trata aquí de destripar la exposición en su totalidad sino de invitaros a conocerla (tenéis hasta el 22 de marzo) y ya de paso aprovechar y disfrutar alguna de las magníficas proyecciones que ha programado el Festival de Medina del Campo.

Enhorabuena una vez más al equipo de Emiliano Allende por su sensibilidad y compromiso con el audiovisual prestando especial atención al formato videoclip.

La semana que viene el ganador del certamen de clips!

No os lo perdáis, ya sabéis... en ARS amamos lo desconocido!

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Mirada primitiva

En este capítulo de ARS conocemos el trabajo del realizador canario Miguel G. Morales tomando como excusa el estreno de su videoclip "La Chatte de Mon Amie" para The Birkins. Miguel es un cineasta formado en la Escuela de San Antonio de los Baños en Cuba y que ha realizado interesantes programas culturales en televisión, además de hacer brillantes incursiones en la videocreación y el cine documental.

Hablamos con él sobre diversas facetas de su trayectoria profesional y cómo ha afrontado el proceso creativo de su último videoclip, construido a partir de imágenes de archivo catalogadas en la Filmoteca Canaria y en concreto inspirándose también en el documental realizado para TVE “TARO. El eco de Manrique” .

 

- Cual es tu relación con el videoclip, ¿cómo llegaste a este formato?

Contar historias y transmitir sensaciones. Desde pequeño he estado rodeado de músicos y en todos los programas de tv que he podido dirigir siempre he apostado por la música en directo y por el género del videoclip. He realizado otros videoclips siempre partiendo un poco de la improvisación, en este caso si lo he planificado un poco antes.

- Por otra parte, también veo que el documental ("aislados. La esencia de un espíritu”, “Maud. Las dos que se cruzan”, “Monsieur Domínguez”, “En el ala del sueño. Juan Ismael"), las entrevistas y programas culturales para tv ( "El Espejo" , "Atlántico" , "El Club de la Serpiente" o "Desvelados") están presentes en tu obra. ¿Cómo crees que pueden condicionar estos formatos la realización de videoclips y viceversa?

Ser documentalista y haber estado durante muchos años viendo montañas de material de archivo son la clave del enfoque de este videoclip. La idea me vino al escuchar la música de The Birkins y esas imágenes que había visionado para otros trabajaos me vinieron a la cabeza. La música atrajo a las imágenes. Darle la vuelta a imágenes que fueron filmadas como recuerdo y ponerlas al servicio de la letra.

 

 

- ¿Qué te atrae y odias del género clip?

Me atrae el que las imágenes puedan reflejar la esencia del tema musical y que en algún caso lo eleve. Tengan o no tengan las imágenes que ver con lo que cuenta la letra. No me gustan los videoclips en dónde la imagen está totalmente al servicio de la letra.

- ¿ Qué rol ha jugado en este caso la discográfica EL Genio Equivocado; intervino en el proceso o tuviste una relación directa con los músicos?

- La relación fue directa con The Birkins. Son amigos y siempre quise hacer algo con ellos. Surgió esta oportunidad y les gustó lo que propuse, a pesar de su sencillez.

- Por otro lado, ¿tienes un equipo de colaboradores más o menos fijo en tus proyectos?

Suelo trabajar con un equipo fijo en la fotografía y el sonido. En este caso todo el proceso (investigación y montaje) lo llevé solo.

- Ya sé que esto que te pregunto es complejo, pero... ¿Tienes algún principio estético o estilo que consideres que te defina a la hora de expresarte? En tu caso además de realizador eres un realizador multidisciplinar que afronta formatos variados y te has formado, entre otros centros, en la Escuela de San Antonio de los Baños en Cuba.

Soy bastante curioso y mi interés ahora está en la realidad diaria. Quizás me atraen las historias de gente anónima que me ilumina y ahora mismo estoy en un proceso de “reconexión” con mi mirada más primitiva e intuitiva. De todo lo que aprendí en Cuba, por ejemplo, todo mi base está en esos años que ahora están floreciendo, quince años después.

- Otro clásico en los cuestionarios..., pero me interesa que me cuentes brevemente posibles influencias o referentes que inspiren tu obra: cine, fotografía, comic, otros clips?

Influencias en la fotografía hay muchas. Me interesa la fotografía que está más cerca de captar el momento efímero más que de algo más estudiado (Vivian Maier, Martin Parr, García Alix). En el cine me parece imposible citar todos los nombres…pero en este momento de mi vida estoy muy cerca de Jonas Mekas, Chris Marker o Andrés Duque… me atraen también otros autores como Kaurismaki,Haneke, Miguel Gomes, Wes Anderson o Paul Thomas Anderson por ejemplo…

- Por cierto, y teniendo en cuenta tus gustos musicales ... si pudieras elegir ¿a qué artista te gustaría hacer un clip?

Ahora mismo, y si uno sueña, lógicamente hacer algo de PJ Harvey o Nick Cave…o los dos juntos otra vez! ;-) En general cualquier grupo o artista que me llegue, que me transmita algo más que buena música. Por ejemplo de Guadalupe plata o de John Grant...

- De manera más concreta y ya teniendo en cuenta el clip "La Chatte de Mon Amie"... ¿Cómo te llegó el proyecto? ¿el clip lo propusiste tú, te lo encargaron? Entiendo que al ser canarios tenías relación previa con el grupo...

Los dos últimos discos de The Birkins me los enviaron ellos de regalo. Son amigos desde hace años. Les propuse y envié un montaje previo para este tema en concreto.

 

 

 

- ¿Cómo ha sido la sintonía con el grupo en cuanto a creatividad y traslación de la canción a imagen?

Muy buena sintonía. Les expliqué que las imágenes intentaban recrear un sentimiento efímero de descubrimiento de un paraíso en su génesis para el turismo. Un canto al mar, a las piscinas, al disfrute del Sol. Los primeros ojos del extranjero en esta tierra. Intenté alejarme de lo que cuenta la letra un poco. Que fueran dos lenguajes diferentes que se encuentran.

"La Chatte de Mon Amie" es una suerte de ejercicio estético basado en el found foutage ¿cuál fue tu proceso creativo para llegar a esta propuesta? Como me apuntabas, tu trabajo como documentalista habrá sido determinante…

Totalmente. En mi trabajo de investigación de mis otros trabajos me paso semanas viendo miles de imágenes anónimas que siempre me parecían que debían tener una segunda vida. Me interesa mucho en la fotógrafía y el el cine, lo casual, el azar de grabar ciertas imágenes y como el sujeto grabado se relacionaba con las cámaras, antes muy extrañas de ver. La relación de la persona que graba con el que es grabado/a me parecía un hallazgo visual a trabajar. Esa ingenuidad ante la cámara que ya no existe.

De hecho se puede decir que este videoclip parte precisamente de la investigación realizada para  “TARO. El eco de Manrique”, un documental de dónde surgen estas imágenes del turismo primitivo en Canarias y que se hizo para  TVE.

 

 

Taro, el eco de Manrique

 

 

- Con qué criterio has seleccionado las imágenes? Has partido de un corpus muy amplio?

Las imágenes fueron seleccionadas en una mezcla de azar y búsqueda expresa de momentos o lugares que ya no existen. Siempre como leit motiv la felicidad y el disfrute (a veces infantil) de los turistas primero que empezaron a llegar a estas islas…muchas horas de archivo visionadas si que hay…

 

 

- La mayoría de películas parecen procedentes de super8 familiares... ¿se conoce a sus propietarios o son de origen desconocido?

La gran mayoría son imágenes de super 8 y 16 milimetros siempre familiares. Son imágenes depositadas en la Filmoteca Canaria que ha colaborado en este videoclip.

- Teniendo en cuenta el conjunto del clip, cuéntame brevemente tiempo que dedicaste a la preparación y montaje del clip.

El proceso duró varios meses de búsqueda, pruebas y edición final de acuerdo con el grupo. Siempre en intervalos dónde podía tener libre de mis otros trabajos.

- En cuanto a parte visual ¿ has aplicado alguna técnica especial o has desarrollado algún concepto de lenguaje visual que tuvieras en mente? ¿Algo innovador para tí?¿te has inspirado en otros clips, pelis?

- Me atrae mucho la rapidez y la genialidad del montaje del lituano Jonas Mekas…quizás como estoy muy inmerso últimamente en su obra, esto haya influido. Vuelven a ser imágenes grabadas, las de Mekas, para registrar los instantes de una vida.

- ¿Qué equipo técnico has utilizado para la edición?

El videoclip se ha montado en Final Cut.

 

Para despedirse, Miguel quiere lanzar un mensaje para el grupo que le ha permitido plantear el videoclip con total libertad...

Agradecer a The Birkins, una suerte que te den esa libertad para plantear este proyecto.

Se acerca la Navidad,

hasta el próximo capítulo de ARS!

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Profundo divertimento

En septiembre de 2010, el director de fotografía Jimmy Gimferrer saltó a los titulares de los medios de comunicación tras recibir el premio del Festival de Cine de San Sebastián a la mejor dirección de fotografía por la película Aita, dirigida por José María Orbe.

 

 

En este caso, tras el galardón se esconde una personalidad compleja y poliédrica. Una visita fugaz a imdb nos muestra un Gimferrer polifacético: actor, director de arte, diseñador de vestuario... si bien todo lo preside su experiencia como director de fotografia para obras de Albert Serra (El cant dels ocells, 2008)/ Els noms de Crist, 2010/El senyor ha fet en mi meravelles, 2011/Història de la meva mort, 2013), Luis Miñarro (Stella Cadente, 2014), y trabajos para algunos otros cineastas.

 

 

En ARS queremos reivindicar precisamente una faceta menos conocida de Jimmy Gimferrer como director de videoclips, que en su caso, tiene una clara inspiración cinematográfica:

 

"Llegué al videoclip a través del cine, rodé unas imágenes que pretendían ser los apuntes de una película experimental, (que no he realizado todavía), a los Astrud les gustaron y me encargaron un video… al final fueron tres. Rodé un poco con ellos y estas imágenes junto con las otras se convirtieron en lo que Genís llama la trilogía escandinava".

Así es como nacen a lo largo de 2007: "Miedo"- "Paliza"- "Minusvalía", una serie de videoclips todos ellos en blanco y negro con fuentes de inspiración muy variadas:

"Para Minusvália me inspiré en el cine impresionista del primer Renoir. Para Paliza: en unas fotos que hice durante un ensayo de Astrud y para el 'Miedo que tengo' en las famosas imágenes de Jacques Brel interpretando “Ne me quite pas”.

Precisamente y a raíz de Minusvalía Klaus&Kinski contactaron con Gimferrer (a Marina le había gustado el clip de Astrud) para encargarle el video musical de "La duda ofende" (Jabalina, 2012) un trabajo sincero donde la narración cinematográfica se funde extrañamente con la música.

"Hay una especie de conexión narrativa entre la letra de la canción y las imágenes, por lo demás me voy adaptando como puedo sin prestar demasiada atención a la música. A veces aparecen sorpresas, nuevas conexiones, intento dirigirlas y ponerlas en evidencia".

La inspiración para esta pieza parte de un anuncio de perfume (Lou Lou de Cacharel)  y de un videoclip de Alain Bashung: Faites monter.

 

 

Una pieza realizada en apenas dos tardes con equipos Canon 5D y en la que la elección del blanco y negro en este caso responde " a un medio para paliar la falta de medios en la dirección de arte".

Jimmy Gimferrer tiene una visión muy crítica de la publicidad contemporánea, si bien, como en el caso de este videoclip, contempla alguna excepción:

"Solo hay que encender la tele para ver que la publicidad es moralmente maléfica y formalmente abominable, esto no quiere decir que a veces, y a pesar de ella, tenga algún elemento interesante que puede ser utilizado con otro fin. En el caso del anuncio de Cacharel me gusta el guión, cosa sorprendente en un anuncio!. La idea es mínima pero totalmente cinematográfica: unas voces “off” preguntan si alguien ha visto a la tal Lou Lou mientras la vemos girarse a cámara afirmando su identidad, “Lou Lou c’est moi”.

Gimferrer parte de una premisa fundamental: "no aburrirse realizando un spot comercial de una canción", es decir, disfrutar más allá de convenciones y apostar por un proyecto que "merezca existir" .

La obra de Jimmy Gimferrer se completa con videos musicales para su grupo-fetiche Astrud. Así, nos encontramos la pieza "La música de las supercuerdas" (Elefant, 2010), inspirándose en una escena de la película “Le pont des arts” (2004) de Eugene Green.

 

 

 

En "Lo popular" (Astrud & Col·lectiu Brossa, Elefant, 2011) toma como percha una actuación de Léo Ferré en televisión, para componer una creación de trazo libre que va más allá de los cánones comerciales del formato.

 

  

 

Actualmente Jimmy está finalizando un videoclip para la canción "Un caballo solo" contenido en el disco de José Domingo "Almería" (2014).

Os dejamos como adelanto algunos fotogramas que nos ha hecho llegar el director.

 

Fiel a sus principios, Jimmy solo hace videos para sus amigos y su estilo íntegro huye de la especulación.

Pensar la idea y estar atento a lo real, ahí radica el misterio, de un autor que no olvida sus señas de identidad también como director de foto:

"Obviamente estoy interesado en la fotografía, la considero parte esencial de lo que alguien llamó la “presencia de lo real”, el gran misterio, que es lo que mas me interesa en el arte cinematográfico".

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Cocina creativa

"El reciclaje audiovisual es uno de los recursos más habituales en nuestro trabajo, aunque no es el único. A decir verdad, el planteamiento surge como consecuencia de un proceso en el que indagamos con diferentes elementos. Es algo parecido a lo que sucede en la cocina cuando comienzas a experimentar con ingredientes nuevos para elaborar una paella. La receta la conocemos, está escrita y en cada zona geográfica tiene su particularidad, pero ahora vamos a cambiar las reglas y sometamos el proceso constructivo a un nuevo orden, introduzcamos ingredientes nuevos, etc..."

De esta forma tan metafóricamente gastronómica nos cuenta la pareja creativa Dori&Grey su vuelta al videoclip esta vez realizando una pieza ("Le vent doit se taire") para Gastmans, el músico hispano-belga que hace unos meses estrenaba su último disco "Cabotages" (Green Ufos, 2013).

Realmente, el proyecto se empezó a "cocinar" a raiz de la presentación de "La Película Descacharrada" en el pasado Festival de Cine de Sevilla, a la que Álvaro Gastmans asistió y que fue el germen de la colaboración con Dori&Grey.

En este nuevo proyecto el tándem creativo transforma en esta ocasión el discurso narrativo adoptando la animación como técnica para construir un western psicodélico con influencias de Moebius y del spaguetti-western.

 

 

Los realizadores han indagado en el universo de Gastmans (un músico poliédrico, dibujante de cómic, cinéfilo, profesor de idiomas...) para elaborar una pieza original, alejada de los estereotipos de la "chanson" francesa (tópicos del trovador, iconos de París...).

"El estilo musical de la canción ha sido determinante para distanciar nuestra propuesta de la letra y el mensaje que transmitía. Nos dejamos llevar totalmente por el apartado instrumental, por la melodía de la canción, por sus influencias de banda sonora de spaguetti-western (Ennio Morriconne, Luis Enriquez Bacalov, Dimitri Tiomkin, etc.) y por el pop psicodélico (Donovan, Robin Gibb, Kevin Ayers, etc...)".

 

 

 

Llama la atención el inicio y cierre del videoclip que se nutre de imágenes reales relacionadas con el western; en la intro mostrando la llegada de un tren y al final citando el plano secuencia de un jinete alejándose, que recuerda a Clint Eastwood en "Sin perdón".

Entre ambas partes encontramos una secuencia de colores (verde, rojo, azul, naranja) que son la base escenográfica que da cohesión interna a la obra y que también mantiene el ritmo visual.

 

 

Fondo y forma se articulan armónicamente destacando el collage de mujeres pistoleras, la figura mítica de la cowgirl como heroína:

"A nivel narrativo siempre pensamos en la figura de la mujer como protagonista de la historia. Aunque no descartamos la idea del personaje masculino, es cierto que nos interesaba mucho el cine-western encarnado por mujeres. La superposición y repetición incansable de mujeres protagonistas empuñando un arma y desafiando al espectador, es sin duda, un homenaje a todas esas mujeres que desempeñaron papeles tan extraordinarios".

 

 

La labor de investigación y documentación de Dori&Grey para llegar a este friso de mujeres ha sido ardua pero ha merecido la pena:

"Las imágenes de los personajes femeninos pertenecen a una gran cantidad de películas (seríamos incapaces de enumerarlas todas). 

Les Pétroleuses, Once Upon a Time in the West, Colts au soleil, Cjamango, The Great Silence, Lola Colt, Belle Starr, Montana Belle, Gunfighters, Shalako, Cat Ballou, Calamity Jane, Annie Get you Gun, The girl from yesterday, Hannie Caulder, etc...".

En este sentido, la figura simbólica de la "femme fatale" sobrevuela el videoclip en contraposición con el cowboy solitario que vaga a lomos de su caballo manteniendo de este modo una especie de "duelo emocional". Precisamente el personaje masculino está tomado de la película "Joshua" (Larry G. Spangler, 1976)

"Nos sorprendió el paralelismo que dicho personaje guarda con Django Unchained de Tarantino".

 

 

En lo que respecta a la parte visual el tándem de realizadores ha trabajado con algunas técnicas novedosas para ellos, como por ejemplo el uso del iPad como herramienta para recortar las imágenes de los collage (con una aplicación llamada PopAGraph).

En cuanto al dibujo y animación de personajes han recurrido a la técnica de la rotoscopia apoyándose en  software como Adobe Ideas, Illustrator o Animation Creator:

"Fue un proceso totalmente manual, trabajando directamente sobre cada fotograma para extraer únicamente el elemento de interés, trabajando independientemente cada una de las imágenes". 

Como en un film de Sergio Leone, de repente empiezan a sonar unos acordes de Morricone... es el momento de despedirnos hasta el próximo capítulo de ARS.

No sin antes dejaros con Gena Rowlands apuntandoos directamente, tal y como han querido homenajear a John Cassavetes l@s chic@s de Dori&Grey en su videoclip.

 

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