El Séptimo Vicio

Las Palmas Film Festival, algunos deberían reflexionar

Han pasado quince años desde la primera edición de un Festival de Cine que nació para mayor gloria de la ciudad y entre la constancia de su creador, el insigne Claudio Utrera y el afecto que les ha ido deparando buenas gentes como Luis Miranda, yo no me quiero olvidar de Luis Roca y, sobre todo, sobre todo, una cantera cinéfila y cinematográfica tan peligrosa -dicho sea con la complicidad del vicio- como David Pantaleón, Ayoze O'Shanahan, Antonio Weinrichter, Amaury Santana, Mónica Hidalgo, todo el equipo de Vértigo -la pasión cinéfila de la ciudad-  y muchos otros cuyos nombres no olvido aunque no los cite, han ido quienes despacito, despacito fueron despojando a este festival de la gloria para la ciudad para ir traduciéndolo en una cita indie imprescindible. Una referencia, maldita palabreja que el universo convoca pero que muy pocos son los que la traducen en la credibilidad de un espacio para reflexionar sobre las nuevas narrativas. Y es aquí donde este festival se fue haciendo hueco: desde su devoción por el cine oriental y asiático hasta los más novísimos del cine indie USA como Alex Ross Perry, un magnífico representate de la escuela de Nueva York y que nos irá deparando un cine cada vez más importante. 

El Ayuntamiento de Las Palmas, con su alcalde actual a la cabeza decidió entre la ignorancia, el caos por la crisis y las torpezas de sus asesores condenar al festival y llevarlo casi a su desaparición. En un verano de vuelos y entrevistas, su alcalde decidió y a título personal que el Festival de Cine volvería a sus formatos habituales -exactamente lo mismo ocurrió con Punto de Vista de Navarra- pero eso sí, con presupuestos menores. 

Una vez pasado el susto y la desorientación este festival de cine regresa por los senderos marcados, a la búsqueda de un público suficiente que autorice o arrope su apuesta. Y citar al público a la hora de programar como que cualquier convocatoria las carga el diablo: ¿hay que programar para el público?, evidentemente, sí. ¿Lo que quiere el público?, depende. El público de los primeros cinco años del festival decían que sólo quería a Batman y Raquel Welch y ahora da gusto dialogar con el público y que recuerden a Brillante Mendoza, a Naomi Kawase o a Jia Zangkhee, por citar así como de memoria. 

Las instituciones políticas, sociales y culturales de la isla deben proteger muchísimo más a este festival, deberían entender que probablemente -y no tengo ni idea de cifras económicas- que se hayan gastado más de diez millones de euros en este festival desde su fundación y que hay una ilusión y energía cinematográfica en todas las islas de esta comunidad que han sido arrastradas y convocadas desde este festival. No puede entenderse ninguna iniciativa cinematográfica insular canaria sin la experiencia de los últimos quince años de este festival.

Fijensé, este año, que no ha logrado levantar la expectativa ni el vuelo suficiente a nivel nacional, nos ha mostrado la mirada nueva y valiente de una joven cineasta coreana, Soon-Mi Yoo, la poesía social del nuevo cine indio, Labour of love de  Aditya Vikram Sengupta, la enorme belleza de la naturaleza de la línea gótica en La creazione di significato, de Simone Rapisarda, la impecable decadencia rusa en la mirada de un grande, Andrei Kontchalovski, la sensibilidad interior de un Amaury Santana que no necesita volar hasta el Anapurna para convocar a la belleza, le basta con quedarse en una escuela de esta ciudad. Por no hablar de Bruno Dumont, de Naomi Kawase, de Ion de Sosa o de las noches terroríficas del gran maestro, Jesús Palacios. Y hay esperanza para pensar en lo mejor si el jurado popular, muy joven, da su premio a Theeb, de Naji Abu Nowar (Emiratos Árabes Unidos), una película que recuerda al mejor Abderramán Sissako, un cuento para una zona de Oriente que no se quita los tiros ni el terror de ninguna manera y contado desde la belleza y el silencio. 

Pero, a pesar de todos los elogios que podríamos ofrecer a este Festival de Las Palmas algunos creemos que necesita una mejor gestión o una gestión diferente, en mi más humilde opinión. Debería reflexionar y analizar el formato, crear formas nuevas y transparentes de gestión para volar por encima de la península, para seducir a un público en los territorios fértiles de la creación cinematográfica y en la conquista de nuevos espacios de proyección: Que el festival vaya al Benito Pérez Galdós es un salto de calidad importante y que la arquitectura física de Vegueta-Triana sea un espacio continuo de crítica, debate y encuentro con los medios. 

Por lo demás, mi máxima felicitación para un festival al que le dan poquito amor y le falta reconocimiento, una generosidad que al no dársela desde la ciudad, yo le veo desprotegido. Y aunque quince años es ya un adolescente, con el amago del último golpe ha crecido y ha madurado.

 

 

Soon-Mi Yoo visita Corea del Norte

Songs from the north es el titulo del primer largometraje de la realizadora nacida en Corea del Sur, Soon-Mi Yoo. Una mirada sutil, complicada, arriegada, amorosa y cargada de poesía a la realidad del régimen de Kim Jong Un. No era nada fácil el objetivo de esta cineasta que se hiciera con uno de los Leopardos de Locarno, el de mejor ópera prima, en este último verano. Luis Miranda, actual director del Festival de Cine de Las Palmas se la ha traído a Canarias para competir en su sección oficial y será seguramente una de las grandes favoritas. Complejo rodar en un país que tiene a gala de ser uno de los países más herméticos del planeta, una nación que echa sus pulsos a Occidente y ejecuta a la disidencia sin rubor ni prejuicio.

Soon-Mi Yoo que está nacionalizada norteamericana y que sabe que esta película no podrá verse en Corea, ni del Norte ni del Sur confiesa que su película está contagiada del estudio Koreanos dibujado por Chris Marker. Ella abrirá El séptimo vicio de la semana que viene, formada en la escuela de fotografía del Masachussetts College of arts y con una corta filmografía en la que destacan sus cortometrajes, ensayos de no ficción, que beben de corrientes vanguardistas y estudian sucesos que permanecen en el olvido, como Far from Afghanistan (Afghanistan: The Next Generation) (2012), Pink (2011), Dangerous Supplement (2006), Ssitkim: Talking to the Dead(2004) y Do Roo (1994) explora conflictos no resueltos y se sirve de formas poéticas para minar arquetipos y barreras propagandísticas.

Song from the north destila amor por el pueblo de Corea del Norte y muestra con habilidad el sometimiento físico y psicológico que padece bajo uno de los regímenes más hostiles para el ser humano: especialmente duro y cruel es la escenificación de un coro infantil coreano mostrando el amor por su líder. Excelente los planos arrancados al régimen por la realizadora, desde la habitación del hotel, a través de su cámara puede mostrar al espectador los rostros de los ciudadanos de Corea. del Norte sin filtrar, sin preparar. 

"Probablemente -dice la directora en su documental- si no hubiera un país como Estados Unidos, tampoco existiría un régimen como el de Corea del Norte".

 

Excelente este primer trabajo de Soon-Mi Yoo, complicado y arriesgado pero que desde la poesía y la fotografía logra llevar hasta el espectador el efecto de los viejos y antiguos conceptos de la épica, los himnos, la grandeza de los desfiles y de la construcción del enemigo. Viejas heridas abiertas la división de Corea, improbable que puedan cerrarse a corto plazo, pero si hay un camino es éste abierto por Soon-Mi Yoo, desde la ternura, desde el amor y desde el conocimiento.

Deseamos la mejor de las suertes para esta película que tiene, curiosamente, una producción portuguesa de Rosa Films, la misma que ha hecho posible el cine de Manuel Mozos, por poner un ejemplo y es curioso que un cine tan importante como éste tenga a Portugal como defensor.

Un epitafio para Fluxus

María Pérez ha elegido la movida de Fluxus para su debut en el largometraje y no ha podido hacer mejor elección. La voz ronca y profunda de un hombre del pueblo extremeño, Paco Corrales se cruza con la subversión cultural que planteó en los setenta el círculo Fluxus con Wolf Vostell a la cabeza. Un artista alemán que descubrió en la hondura extremeña de Malpartida la forma de hacer un corte de mangas al mercado, a la banca y a un mundo del dinero empeñado en decir quien es y quien no es artista.

 

 

 

 

Para los vecinos de Malpartida Wostell era un buen hombre, excéntrico y probablemente algo loco que prefirió los granitos y las piedras extremeñas a las contradicciones de Berlín. Y ahí tenemos a María Pérez, apenas treinta años de edad y con el desparpajo de una Mercedes Álvarez y la locura de una Agnes Varda, aunque me ha recordado mucho a los textiles profundos de los gobelinos de Andrea Milde, sobre todo en esa escena de las mujeres lavanderas extremeñas. 

María construye un divertido documental pero si te paras, la aparente dulzura divertida se torna amarga y trágica, dramática. Porque sin quererlo da fé de la muerte del deseo de libertad y de la libertad misma: No, no son tiempos para la Nouvelle Vage pero tampoco para Fluxus y tampoco para la poesía y tampoco para el arte y tiempos difíciles para el cine. Esa voz ronca de Paco Corrales (gracias a Pepe Hijes) es todo un lamento de la perdida del arte para el arte, el mismo Corrales jamás se convirtió en un cantaor profesional y probablemente eso a Vostell también le fascinaba. Magnífico este documental de María Pérez, excelente mestizaje entre el arte moderno y la antropología, pero, sobre todo, un manual para saber separar el arte del mercado. 

Lástima que no haya podido ser incluida en su sección oficial, porque es de esas películas que un festival como éste de Las Palmas de Gran Canaria, anda siempre buscando. 

 

 

Citizenfour, el sistema crea la disidencia

Lo primero que debiera hacer es pedir disculpas a los lectores de este blog, de El séptimo vicio en RTVE, ya que desde mayo de 2014 no he podido estar con una serie de lectores que siempre han mostrado generosidad y paciencia. Antes de entrar en este Oscar al mejor documental, explicarme que no hay otro motivo que la escasez de tiempo en la escritura y acabado de El cine que me importa (Larousse, 2014) y, por supuesto, en el trabajo diario de El séptimo vicio (Radio 3, de martes a viernes) y en los proyectos como El séptimo en Cineteca (primeros lunes de cada mes, en Matadero, Legazpi, Madrid), en Vicis de Filmoteca (primeros jueves de mes, en Filmoteca de Catalunya, Barcelona), en Filmolution (Radiocity, Valencia), en El árbol de las palabras (Domingos, 01:00, REE) y en el próximo proyecto Cul de sac. 

 

Creo que los lectores de este blog se merecían una explicación y ahora sí, ahora vamos a intentar regresar a una cierta periodicidad en este blog, comenzando con una de las películas-acontecimiento de este año, Citizenfour, de la realizadora norteamericana Laura Poitras, de la que recordamos referencias que nos sitúan en la estética y línea sensacionalista de su cine, como Death of prisioner (corto documental de 2013) o su documental de 2010 The Oath. 

Citizenfour describe al mejor estilo del cine gringo los encuentros entre el periodista Glenn Greenwald con Edward Snowde y con la propia cineasta, con Laura Poitras. Los encuentros son lo suficientemente fuertes e importantes como para que el tratamiento cinematográfico hubiera sido menos hollywoodiense; creo, no necesita ese punto de thriller vertiginoso que atenta contra la realidad y ve afectada una verdad aplastante: el camino hacía la dictadura ya anunciado y, al parecer, viendo a los parlamentos y parlamentarios de las democracias, inevitable.

Edward Snowden, programador de sistemas informáticos, que apenas tiene veintinueve años se da cuenta que su trabajo para la Central de Inteligencia Norteamericana es propio de las dictaduras, el control ilegal de los movimientos de sus ciudadanos y de cualquier ciudadano a través de la red, de Internet, de las redes sociales y hasta de los propios correos electrónicos y de toda su correspondencia es una agresión contra la privacidad de los individuos, algo que el gobierno de los Estados Unidos y sus colaboradores europeos toleran y dedican todos sus recursos para vigilar probablemente ya a más de dos millones de ciudadanos. El asunto ha sido desvelado y narrado a lo largo de 2013 y 2014 en periódicos e informativos de todo el mundo, la importancia de la película de Laura es haber estado en ese instante ahí y con sus cámaras y la pena es que le ha dado ese estilo narrativo cinematográfico que lo acerca al espectáculo y al mercado y lo separa de la verdad. 

Lo que nos hace pensar que más que denuncia, el espectador puede pensar en lo contrario, en la riqueza de un sistema que al menos puede contarlo, eh ahí la trampa. 

Citizenfour está en sección oficial, sorprendentemente, en un festival que apuesta por el cine que premia las dificultades de su distribución, algo que este documental tiene ya garantizado. 

Otra de las películas que aspira a estar en el palmarés de este Las Palmas Film Festival es otra de las que inexorablemente se estrenarán en España, The forbbiden room (La habitación prohibida) del incorregible realizador canadiense Guy Maddin, una exhibición del vacío de los nuevos tiempos, un diario hipster para barrocos cinéfilos. 

 

El cine de Oriente, enamora en Cannes

 

La mejor noticia para el cine español es Jaime Rosales, su película Hermosa juventud sale de Una cierta mirada, con inmejorables críticas, a pesar de que la mayoria de la crítica se ha decanta por Jauja del realizador argentino Lisandro Alonso. La peor noticia del cine español en Cannes es que está a la cola en el mercado, y o se mejora esta situación con medidas claras de apoyo a la producción, incentivos fiscales o perderemos competitividad e iniciativa. La pelota en el tejado de la administracción. 

Jaime Rosales ha hecho una de sus mejores películas, ha depurado su estilo, ha colocado la cámara más cerca, una borrachera de primeros planos sobre Ingrid García-Jonsson, una Natalia tan hermosa como gigante en la gran pantalla y la honradez y la verdad sobre una población española castigada por lo que Rosales llama terrorismo social. Extraordinario Rosales, importante la humildad a la hora de reconocer que Jose María y Miguel Morales, han dado otro final a la película, mejorándolo, que no estaba en el guión. 

 

La película que más me ha convencido hasta este momento ha sido Still the wather, de la japonesa Naomi Kawase por el relato de una historia de amor que gusta de ver en la gran pantalla, un amor joven, adolescente sumergido entre las aguas del Pacífico y los árboles centenarios de la isla. Es más hermosa que El bosque de luto y menos agobiante pero vuelve a estar presente la muerte en el cine de Kawase, cierre del ciclo humano que los humanos no saben prepararse para ella. Bellísimos los planos aéreos, los travellings, los encadenados y los fundidos de sus imágenes. Una película zen para un Occidente con demasiadas urgencias. 

Los grandes autores llegan diezmados a Cannes, esa es mi impresión no la de otros colegas, críticos y cronistas. Por mucho que digan algunos los Hermanos Dardenne no hacen creible su Dos días, una noche, una Marion Cotilllard que se convierte en una obrera que durante casi tres días tiene que vivir la pesadilla de unas votaciones en su comité de empresa, un compañero debe perder su puesto de trabajo en esta Europa del bienestar. Drama social que está lejos de la credibidilidad y del mejor cine de los Dardenne. 

Otra de las excelentes películas, y aquí no ha decepcionado Nuri Bilge Ceylan es Winter Sleep que con toda seguridad estará en el palmarés del próximo sábado y si no al tiempo. Bellísima esa Capadocia empapada de nieve, de Bergman y de Shakespeare: orgullo, jerarquias, poderes, miedo y cobardía. Grande, profundo y distitinto este cineasta turco.

Pues sí, los Cronenberg, Dardenne, Mike Leigh, Egoyan y compañía se repiten y tienen derecho, no van a estar creando todos los años obras geniales . Pero lean a más gente si les gusta el debate, aquí cada uno piensa y dice lo que quiere: a unos les repele tanta metáfora de Kawase, otros no ven a Cotillard en los Dardenne y siguen viendo a una pauvre obrerar, deprimida y al borde del suicidio y a otros les encanta la serie televisiviva que de Argentina se ha traído Almodóvar, Relatos salvajes, ahora resulta que ésto es lo más posmoderno por estos fueros.... Lo mejor del cine es discutirlo.

 

Hoy nos hemos divertido con Tony Gatlif, ese gitano maravilloso que presenta en Cannes, Gerónimo, no la hemos visto, imposible en esta marathon infinita pero Gatlif seguro que pega una patada a todo lo establecido y se escapa al sur con argelinos, turcos y gitanos . ¿Los pueblos gitanos siempre estuvimos en crisis, amigo!.

Otra buena noticia, Zhang Yimou ha vuelto con Comig Home (Gui Lai), la historia de un profesor que se pasa parte de su vida en las cárceles chinas de la Revolución Cultural China. Siempre hemos pensado que Zhang Yimou es un rebelde consentido del régimen chino y esta película es como aquellas suyas, Qiu Ju Historia de una mujer china. De hecho vuelve el maestro chino con una de sus grandes heroínas y musas, Gong Li que está incomensurable.

El próximo viernes, en el encuentro digital haremos balance de todo lo visto en este Cannes 2014.

 

Hasta Egoyan, decepciona en Cannes

Ni Abderrahmane Sissako con Timbuktu, ni mucho menos la estupidez de Grace de Monaco, película inaugural prevío pago del impuesto por estar en el más grande de los festivales, ni un Mike Leigh correcto con la biografía del paisajista inglés J.M.W Turner y, tampoco, lástima Atom Egoyan con su repetitiva Captives logran situar nivel alto, de momento, en el lujoso festival de festivales. 

 

 

Probablemente aquí se viene de todas las esquinas del mundo para ver el mejor cine del planeta, luego las películas deben dar un punto y un tono bastante elevado, de no ser así el público se cabrea, sobre todo una exquisita selección de la crítica internacional que está pidiendo bastante más de lo que estamos viendo. Y con razón, son 30 millones de euros de presupuesto de las arcas públicas francesas y otro tanto de mercadeo y negocio. Así que nadie se va a conformar con el publi reportaje de Olivier Dahan sobre la Costa Azul y el principado monegasco, con una apática Nicole Kidman y con recursos falsos que no se avisan que son falsos. Pitada, pateada y con carcajadas por toda Le Croissier que comenzó a calentar el ambientillo. 

Después vino Abderrahmane Sissako, uno de los grandes cineastas africanos que con Timbuktu nos ofreció un relato complejo, teórico y muy en la línea de Mohsen Malkmabaf y su Kandahar, que gustaba a Occidente y molestaba al cine porque está más de lo falsario que de la emoción de la verdad, no quita que adoremos su obra anterior pero Timbuktu no convenció a los niveles que esperamos de Cannes y de Sissako. 

Míster Turner del cineasta británico Mike Leigh, con el que nos enamoramos de su cine a través de Secretos y mentiras (1996) y nos siguió convenciendo con Vera Drake (2004), es una película de Sección Oficial de San Sebastián: correcta, técnicamente perfecta y con un reparto de desmayarse. La arquitectura cinematográfica impresiona pero como que todo esto ya estamos acostumbrados a verlo en el tradicional y convencional cine británico. El Turner que le ha salido al actor Timothy Spall es una caricatura, para mi gusto, no evoluciona el personaje y se pasa toda la película como excesivo, como pasado. No así el resto del reparto. A Cannes hay que exigirle extraordinariamente mucho más. 

 

Y la tercera película en discordia nos la trae Atom Egoyam, un realizador al que le hemos declarado nuestro amor por su lenguaje, por el manejo de los tiempos, por proponer del maquiavelismo tierno de un Kubrick, de una hermosa fotografía y de saber como nadie pedir bandas sonoras inquietantes y definitivas. Con Captives vemos una mezcla de El dulce porvenir (1997) y El viaje de Felicia (1999), con alguna insinuación de Chloe (2009). Es la historia del secuestro de una pequeña mientras su padre compra una tarta en la pastelería, la mantienen secuestrada una pandilla de psicópatas pederastas que la exhiben en internet para un selecto club de canallas, mientras tanto el padre se desespera y la policía pasa mucho. Todo muy original y ya no cuela, querido director. Silbidos y voces acusando al director armenio-canadiense de vendido a los finales felices al gusto de la vieja dama de la academia de Hollywood. 

No pasa nada, es Cannes, esto acaba de empezar y quedan otros grandes favoritos, los citados lo eran, aunque nunca se sabe. 

Nuestras esperanzas por el cine de Naomi Kawase, de Jean Luc Godard, incluso o sobre todo, del realizador turco Nuri Bilge Ceylán, al que todos consideran el gran favorito, con permiso de David Cronemberg y Los hermanos Dardenne. 

 

 

Resnais, mi loco favorito

 

Vaya con 2014, y nos lo queríamos perder: se ha llevado por delante al mejor actor del cine contemporáneo internacional, a uno de los músicos españoles más importante de todos los tiempos y esta mañana, mientras afinaba con el almuerzo y revisaba los periódicos americanos por aquello de la gran noche del cine americano, me dicen que se ha ido Alain Resnais. El más loco, el más joven, el más transgresor. Por Dios, cómo era Hiroshima, mon amour. Mi colega francés de France Culture me comenta: "Ya le tocaba al maestro". No sé si le tocaba o no, quién puede saber eso. Pero sí, había pasado las nueve décadas y a pesar de la edad su cine (Las malas hierbas) respiraba juventud, trangresión y ese incorregible perfil de niño travieso, de cine experiremental que se burla del sujeto, verbo y predicado. Que dibuja piruetas en el aire, que se enamora perdidamente a los 82 años y que es capaz de mostrarle al cine americano de cómo puede concebirse todo al mismo tiempo: comedia, musical, drama, intriga, aventura, ironía, belleza, elegancia y pisar los territorios del cine más elevado, ese que quiere trascender y trasciende. 

Se ha hablado quintales de ese movimiento, La nouvelle vague y de sus dioses:  Godard, Truffaut, Rohmer y en esa misma época pero en distinta orilla estaban los Chris Marker, Agnes Vardá y Jacques Demy, mil veces más directos, más experimentales, más atrévidos y con un compromiso de izquierdas más combativo. Directores que prefieren relacionarse con escritores que con guionistas, con gentes como Jorge Semprun o Margaritte Duras. 

Se ha muerto Alain Resnais, en París y siguiendo el espíritu Resnais se muere justo el día que en Los Ángeles todo son ya vísperas del smoking y de la alfombra roja.  "Resnais le quita así un poquito de protagonismo al evento del imperio".  Lo cierto es que Europa ha cambiado, apenas sonrie y la mayoria de los medios son del mismo amo y no son tiempos para la Nouvelle Vague ni para la Orilla Izquierda y dudo mucho que los movimientos que hoy se están dando en el cine puedan ser arropados por una sociedad más miedosa, más pragmática y más aburguesada que en las décadas de los sesenta y setenta, cuando la generación de Resnais además de lanzar adoquines por Saint Germain construía las bases del nuevo cine, ese cine que -digan lo que digan los postnovísimos- es de un autor, es la mirada al mundo de alguién que piensa y a partir de ahí pone en marcha a un equipo, grande o pequeño pero equipo.

Hasta pronto maestro, Alain Resnais ya está volando, sacando humo de colores de su avioneta y haciendo bucles y apareciendo y ocultándose por las nubes. 

Las plataformas de cine online (www.400Films.com) tendrán hoy miles de visitas, todos querrán recordar al gran maestro y de todas las películas yo me meteré en Las malas hierbas: por loca, por atrévida, por linda, por amorosa y porque su protagonista es tal y como se ve el propio Resnais, es el mejor homenaje de esta tarde de domingo.

 

¿No podemos dejar el revólver?

  Después de la gala del cine español, de ver todo lo que todos hemos dicho y escrito habría que reflexionar un pelín, al menos un pelín. Y otorgar al otro un trozo de razón. Probablemente lo primero que me gustaría saber es si 2013 ha sido un buen año de cine español, desde la industria y desde la cultura. Desde la industria soy el primero en no saber, al parecer bajaron las producciones cinematográficas, pero no tanto y los acuerdos cine-administracción siguen sin resolverse,  por muchos motivos y los más importantes no se cuentan o no se están contando. Desde la creación, el año, a todas luces, es extraordinario.

La primera de las críticas es que La Academia no ve ni huele otro cine que no sea el industrial, y algunos no estamos de acuerdo en que sea así, que la academia exclusivamente sea la expresión del aparato y no de las bases. Pero, bueno, ese es un debate cultural y punto. 

Otra de las críticas, La Academia no ha premiado lo mejor de lo que la propia Academia selecciona. Esto no es una verdad, es una opinión y habrá que discutirlo y no desde trincheras ni actos heróicos. Algunos pensamos que las mejores películas de las diferentes ternas son Canibal, La Herida, La Plaga, La Jaula de oro... y no pasa nada por decirlo e incluso por apuntar a las contradicciones académicas: ¿Cómo es posible que una película como Las Brujas de Zugarramurdi -y que consigue el mayor número de estatuillas- no sea candidata a mejor película y mejor director?, creo que contra nadie se atenta por apuntar eso. 

Otro de los puntos que ha dividido al personal: ¿es la película de David Trueba la mejor y más bonita del año?; pues para muchos para nada y para La Academia, sí. Perfecto. ¿Dónde está el problema?, si decimos habitualmente que todo esto es un juego en el que se gana y se pierde y, sobre todo, que es un disparate definir como "mejor" o "peor" una película, pues aceptemos el juego y no salpiquemos ni llevemos a las alcantarillas el tema.

Y La Academia debería apuntarse las sugerencias y las críticas desde el territorio de las opiniones y no desde el heróico victimismo. La Academia sería deseable que pudiera abrirse más al otro cine e incorporar al público que también es cine, no debería olvidarlo. La Academia haría bien plantearse el estilo de la gala....  Y todo estos puntos y más son sugerencias que se llevan apuntando hace años , desde la línea Borau y en esa línea andaba Alex de la Iglesia porque ese era el pasado, debía ser el presente y convertirse en el futuro. Y en la gala, la presidencia de la academia, debería despojarse de épica y trascendencia, porque para héroes queridos amigos, son los que están viviendo en condiciones muy difíciles en nuestro país o los que se juegan el tipo para defender a una ciudadana de una agresión o salvar a un niño, durante horas en un quirófano. Pero esto son opiniones y las opiniones deben circular libremente sin que nadie señale o investigue o certifique quién tiene o no derecho a exponerlas.

El cine interesa, y las cotas de audiencia son más importantes de lo que parece y lo mismo que se censura a la academia, al inmovilismo del sector habrá que decirle al ciudadano que el valor de las entradas es muy parecido al de un par de cañas por el centro y que con ese dinero se pagan los trabajos de profesionales del cine español que son premiados y galardonados en todo el mundo.

Todas las críticas son buenas, son expresiones del ciudadano, con más o con menos mala leche , con más o menos acierto pero son opiniones, es mucho peor penalizar las opiniones, sancionarlas o dramatizarlas. Y tanto derecho para el ejercicio de una opinión tiene un estudiante de arte o de periodismo que un avalado crítico cinematográfico con veinte años de experiencia. Las opiniones deben respetarse y discutirlas pero no negarlas. 

A mi me puede parecer lamentable que una Academia del Cine Español no sepa, no quiera o pueda negarle la candidatura a un Basilio Martín Patino o un Victor Erice, y pondré todas mis emociones en juego en esa crítica pero son opiniones, tan sólo opiniones.

Tenemos un cine importante: digan lo que digan, hay decenas de buenos autores y debemos cuidar y estar más atentos a hacer sociedad que a designar quienes son los malos de esta película. No hay malos, hay luces y sombras desde todos los sectores pero cuidemos nuestro cine, es importante y yo no creo en caza de brujas ni quintacolumnistas que afilen sus cuchillos. Déjemos la propuesta cinematográfica en el debate, es bueno, pero no lo carguemos de guerracivilismo.

Me parece especialmente grave  que en las redes sociales haya amenazas de muerte contra gente del cine. Es excesivo y penoso. Habrá que hacer un ejercicio reflexivo serio. La marca España es desde el cine y el deporte desde donde más se está notando y trabajando, y lo menos que necesita este país son más divisiones y más enfrentamiento. Despojemos, por favor, el análisis y el debate de la épica, del honor y déjemos a los héroes para la sociedad, para esa sociedad que lucha por remontar.

Europa ama a Almodóvar

La producción belga Alabama Monroe de Félix Van Groeningen y la ganadora de la última palma de oro, La vie d'Adele de Abdellatif Kechiche son las favoritas para que mañana en Berlín una de las dos se proclame la mejor película del cine europeo 2013, aunque podría saltar la sorpresa y que Italia o España se llevara el gato al agua con La mejor oferta de Giuseppe Tornatore, con La gran belleza de Paolo Sorrentino o Blancanieves de Pablo Berger. 

La academia del cine europeo se fundó en 1988 y el impulsor fue el cineasta alemán Wim Wenders que sigue siendo el presidente de una institución que está financiada prácticamente por el gobierno alemán que guarda para Berlín la sede y prácticamente la inspiración germana en sus formas y en su línea organizativa. Así la gala se celebra un año en la ciudad de Berlín, al siguiente se selecciona una ciudad europea para volver al año siguiente a la capital alemana y así sucesivamente. Se está estudiando en la actualidad cambiar el formato y que cada año la gala europea del cine se celebre en la capital europea de la cultura.

Las películas y los galardones salen de las propuestas de una junta directiva presidida por Wim Wenders y por miembros de la cinematografia europea, en la actualidad los productores españoles Antonio Pérez y Antonio Saura pertenecen a esa cúpula de poder cinematográfico. 

De toda la andadura de estos premios es muy posible que este año sea el de mayor protagonismo español al situarse películas españolas en muchas de las categorias: Blancanieves de Pablo Berger como candidata a la mejor película, Los amantes pasajeros de Pedro Almodóvar aspira a la mejor comedia europea, La Plaga de Neus Ballús aspira a la mejor ópera prima del continente, Pablor Berger es candidato al mejor Así que sabor muy español en la gala, una gala que será retransmitida por Radio 3 a través de su web, a partir de las veinte horas del sábado 7 de diciembre. 

La academia del cine español al seleccionar a Pedro Almodóvar, a Pablo Berger y a Neús Ballús reconoce tres generaciones importantes del cine español: al cine descarado, travieso y áspero de Almodóvar, el cine de una generación que ha sostenido una imborrable calidad como pueden ser los Álex de la Iglesia, Enrique Urbizu y Pablo Berger y el posnovísimo cine español de Lois Patiño, Victor Moreno y, sobre todo, Neus Ballús, con La Plaga, una de las mejores películas de nuestro cine más nuevo. Y no podemos olvidarnos de los premios del público de la academia en el que Juan Antonio Bayona y Pedro Almodóvar son serios candidatos y también estará presente el cortometraje español ya que Misterio, de Chema García, y  Una historia para los Modlins, dirigido por Sergio Oksman. Sin olvidarnos de Naomi Watts, la actriz británica que es candidata a través del cine español, a mejor actriz. 

Así que un buen año para el cine español, en cuánto a candidaturas y reconocimiento se refiere.

El 15 M marroquí en El séptimo

 

El próximo 2 de diciembre será la última edición del año de El Séptimo en Cineteca, acontecimiento al que están todos invitados ya que se quiere compartir con dos propuestas muy hermosas para acabar 2013:  La proyección de la primera película marroquí que se proyecta en los campos de refugiados de Tindouf, en el distrito de Dajla, hace sólo unas semanas, se trata de ‘My Makhzen and me’, del marroquí Nadir Bouhmouch que narra las manifestaciones del 15 M marroquí en las ciudades de Rabat y Casablanca y de cómo respondió el gobierno y la policía marroquí. Su director, Nadir Bouhmouch presentó su trabajo en Dajla y declaró a Radio 3 que "Marruecos no evolucionará hacía la democracia hasta que resuelva y soluciona el conflicto saharaui".

La colaboración entre Radio 3 y Fisahara contempla la cobertura del festival en los próximos años, los derechos de emisión de los conciertos en las dunas del desierto del Sahara Argelino y proyectar una de las películas del palmarés en los espacios que Radio 3, que El séptimo vicio cuenta en Cineteca. En este caso, El séptimo vicio ha elegido la película marroquí por entender que es de un alto valor cinematográfico y periodístico, ya que las revueltas árabes sí han dado cien mil vueltas al mundo, lo mismo que el 15 M madrileño pero no así la versión marroquí, un país casi siempre muy hermético, un pueblo amado y respetado por la sociedad española que lo visita con mucha frecuencia pero que cuenta con un tema, el futuro del pueblo saharaui, no solucionado ni por el gobierno marroquí, ni por el español, ni por el francés y congelado por la propia Organización de las Naciones Unidas. Un pueblo vapuleado y herido, expulsado y maltratado en los campos de refugiados desde hace casi cuarenta años. Se dice bien. 

El séptimo vicio en directo, la proyección de la película de Nadir Bouhmouch inédita en España y un concierto pero que muy prometedor de Tonino Carotone que garantiza que La Cantina, la sala de proyecciones de Cineteca y toda Radio 3 sea una fiesta, una fiesta que nos recuerde que nuestros queridos hermanos saharauis deben volver a su casa, a sus casas y a su mar del Sahara Occidental. Desde la paz, desde el dialogo, desde la música, desde el cine y desde la radio. 

 

Todos aquellos que lo deseais, estáis invitados, tan sólo tenéis que solicitar vuestras invitaciones o aquí (nombre y apellidos) o e el facebook del séptimo vicio (https://www.facebook.com/elseptimovicio)