Nieve sobre tierra roja


Alguien comparó la sonata para piano nº 31 op.110 de Beethoven con un retrato en miniatura de la propia vida del compositor: alegrías efímeras frente a dolor profundo y duradero, El contraste entre la despreocupación que se desprende del segundo movimiento (allegro molto) construido sobre una melodía popular de Silesia y el doliente adagio que sigue en el tercer movimiento serían la prueba...Siguiendo esa hipótesis, la fuga Allegro ma non troppo que cierra esa sonata nº31 op.110, sería la “necesaria intervención divina” que conduce al héroe a una espiral ascendente pero vacilante hacia una "ida creadora nueva"

Esa vida nueva sería la de la siguiente sonata, la 32, opus 111 y los últimos cuartetos.

Con el pianista británico Paul Lewis y su integral de sonatas para piano de Beethoven –grabadas entre 2005 y 2007, publicadas en 2009- hemos escuchado en los últimos programas de Té para tres, tanto esas dos sonatas nº31 y 32, como el Adagio de la sonata nº17, “La Tempestad”que sonó el jueves en Té para tres.

Hoy hemos escuchado, con el mismo Lewis, la “pequeña” sonata nº24 en Fa sostenido mayor; “la más tierna apertura de carta jamás traducida a música” en palabras de Demus.

El viernes pasado, pudimos disfrutar de la sonata nº15 “Pastoral en re mayor” (Allegro-Andante-Scherzo, Allegro vivace y Rondó. Allegro ma non troppo)

Este opus 28, compuesto por B. a los 31 años, fue estrenado en Viena en agosto 1802, y sería bautizada como Pastoral, más tarde por un editor. Está dedicada al barón Sonnenfels, un filósofo franc-masón con quien Beethoven no parece que tuvo relación directa.

Esta sonata “Pastoral” nos ha recordado la gran pasión que Beethoven sentía por la naturaleza y loss paseos solitarios. y el comentario que Wagner hizo al respecto –imaginando al compositor en un bosque- en su La obra de arte del futuro :

“Sólo alli, a la sombra de los árboles, entre el crujir de las frondas y el familiar murmullo del ruiseño, alcanzó B. una dichosa alianza con la naturaleza. Allís se sintió hombre y, ante la omnipotencia de los fenómenos dulces y alegres, enterró las amarguras en el fondo de su corazón”

Gone with the wind, 70 años

Aniversario de esta grandísima película de Victor Fleming, con una banda sonora a la altura de la aventura épica…y que fue estrenada precisamente un 15 de diciembre de 1939

Hablamos el próximo miércoles con Ana Vega-Toscano de los distintos temas y estilos musicales que engloba esta banda sonora y también de los muchos otros aspectos de la películas, como esos fondos rojizo anaranjados en los que las siluetas humanas y vegetales se recortaban en muchos pasajes; como imagen de la guerra de Secesión, o como metáfora, en otros momentos de la tierra roja de Tar; la tierra, en definitiva, uno de los valores esenciales de esos caballeros sureños que ven como su civilización –como decían los créditos iniciales- fue llevada por el viento

Cantata de Campesinos

Hoy pudimos comenzar con vitalidad la semana gracias a la alegría “rústica” y sencilla de la Cantata BWV 212, escrita por Bach y Picander, en homenaje precisamente a un terratiente de Sajonia.

Pequeña guia de discos escuchados en los últimos programas:

Beethoven Complete Piano Sonatas, Paul Lewis (piano) (10 CD) Harmonia Mundi, 2009

Johann Sebastian Bach SECULAR CANTATAS (Bwv 211, 212, 202, 209) Elly Ameling (soprano), Gerald English (tenor), Siegmund Nimsgern (bass)

Memoria del corazón

Querida Eva: Te envío los títulos de los poemas: DEL LIBRO "ESCRITO A CADA INSTANTE":”A mis hermanas"; "Canción de la belleza mejor" y "En las manos de Dios". INÉDITOS: "Caminos del verano"; "Arte poética" y "Epitafio”. Me dice José Cereijo que, del poema MI HIJO,hay una grabación en internet leída por el propio Panero. También hay grabaciones en el archivo sonoro nuestro. Hasta el martes. Besos. Javier Lostalé

Este es correo que Javier Lostalé nos enviaba preparando el programa del pasado martes donde pudimos hablar con él y José Cereijo de la una reciente antología sobre Leopoldo Panero. También hablamos sobre la figura de este poeta sobre el que como nos explicó Cereijo han pesado muchos los prejuicios por su “cercanía” al franquista. En muchas ocasiones se han referido a Panero como “poeta franquista” o “poeta falangista” . Como comentó en el programa, José Cereijo, su culpa, si culpa había, fue encontrarse en el bando nacional por circunstancias completamente azarosas. Y eso, no debe impedirnos ver que Leopoldo Panero es, como afirma Cereijo, “uno de los mayores poetas españoles de la posguerra”

“Leopoldo Panero. Memoria del corazón”. Ese es el título de la antología poética de Leopoldo Panero seleccionada y prologada por José Cereijo, escritor y poeta gallego. Una antología publicada este año 2009 por la editorial sevillana Renacimiento con motivo de la celebración del centenario del nacimiento del poeta leonés, quien nació el 17 de octubre de 1909.

Nuestro compañero Javier Lostalé nos leyó algunos de los poemas de esta antología (los señalados en el mensaje que encabeza este artículo) y nos descubrió la transparencia, y el lenguaje sencillo y directo del poeta, así como algunos de sus temas recurrentes como son la Naturaleza y Dios.

LEOPOLDO PANERO Memoria del corazón (antología poética) Selección y prólogo de JOSÉ CEREIJO. Editorial Renacimiento

Lugares donde se calma el dolor

Es el cuarto volumen de las “Memorias de Ficción” de César Antonio Molina y el libro al que dedicamos gran parte del programa del miércoles. Un libro que participa de varios géneros literarios: las memorias, el libro de viajes, la guía de viajes, el ensayo. En algunos pasajes, parece que nos encontramos ante un manual de historia natural o de antropología. El autor gallego combina su visita presencial a muchos lugares del planeta, con el seguimiento de la vida y la obra de escritores, pintores, santos…personajes reales o de ficción que son referentes importantes de nuestra cultura (Stefan Zweig, Visconti, Lampedusa,San Pablo o Buda entre muchos otros) El narrador se detiene intencionadamente en esas figuras, rastrea los escenarios físicos de su vida y conecta las artes (cine, literatura, pintura, música) en esta obra que contiene también algunas pequeñas aventuras (el descubrimiento de un cuadro famoso de Georges de La Tour en la sede del Instituto Cervantes) participa del género del reportaje, manteniendo al mismo tiempo una mirada poética constante sobre el mundo que rodea al narrador.

El libro que mezcla las experiencias puramente personales (conversaciones con su hija a lo largo de los viajes) con esos relatos históricos o reflexiones filosóficas que van surgiendo en el camino comienza no por casualidad en la colina de Possilipo (Pausilypon, el lugar que calma el dolor) con vistas a la bahía de Nápoles y concluye en Siria glosando a San Pablo quien recomendaba a sus discípulos que trabajasen por su salvación en el “temor” y en el “temblor”

En este libro se mezclan experiencias personales con relatos históricos y reflexiones filosóficas comienza en la colina de Posillipo (Pausiliypon, lugar que calma el dolor) vistas a la bahía de Nápoles…y termina en Siria, glosando la vida de San Pablo y recordando sus palabras (trabajar para la salvación con temor y temblor) reflejadas en un texto del filósofo francés y judío Jacques Derrida …Entre un lugar y otro, multitud de ciudades, paisajes, pensamientos y recordatorios de vidas vinculadas a los lugares…

A lo largo de este libro de relatos, encontramos también la nostalgia provocada por el recuerdo de anteriores visitas y nostalgia combinada con rebeldía ante el mundo actual: “Temo que vamos lenta e incruentamente hacia mundo sin libros. Internet es una inmejorable disculpa para tanto iletrado resentido. Todo el saber universal está metido en la red, pero cada vez hay menos personas cultas. Y la cultura es la que trae la libertad individual” comenta Molina en Berlín recordando la quema de 25.000 libros en 1933 cerca de la Plaza de la Opera.

Un tema fundamental de este último libro de Molina y que recorre todo su itinerario pero especialmente la extensa parte dedicada a Oriente es la reflexión sobre el hecho religioso, la historia comparada de las religiones y la mezcla de atracción y crítica que provocan en el autor actitudes como el desapego budista.

CESAR ANTONIO MOLINA Lugares donde se calma el dolor. Editorial Destino
Relación de músicas incluidas en la entrevista con Cesar Antonio Molina

VOCALISE - ETUDE EN FORME DE HABANERA (1907)

PARA VOZ Y PIANO, MAURICE RAVEL

ARREGLO PARA TROMPETA Y PIANO RAVEL; MAURICE

Solista :

WYNTON MARSALIS (TROMPETA) JUDITH LYNN STILLMAN (PIANO)

VALZER BRILLANTE de IL GATTOPARDO (EL GATOPARDO) (1963)

(BSO DEL FILM)

ROTA; NINO / VERDI; GIUSEPPE <06>

ORQUESTA DE LA ACADEMIA NACIONAL DE SANTA CECILIA DE ROMA (ITALIA)

DIRECTOR :

FRANCO FERRARA

SONATA PARA FLAUTA O VIOLIN Y CONTINUO EN SI MENOR OP 2 NUM 11 (1728) ADAGIO

LECLAIR; JEAN - MARIE 'EL VIEJO' Solista :

BARTHOLD KUIJKEN (FLAUTA) WIELAND KUIJKEN (VIOLA DA GAMBA) ROBERT KOHNEN (CLAVECIN)

SINFONIA 1997 (1997) <+>

TAN DUN (1957- )

Solista :

YO - YO MA (VIOLONCELLO)

Coro :

CORO DE NIÑOS 'YIP' (CHINA)

CONJUNTO IMPERIAL DE CAMPANAS DE CHINA ORQUESTA FILARMONICA DE HONG KONG

Director : TAN DUN
LAS SINFONÍAS DE WAGENSEIL

GEORG CHRISTOPH WAGENSEILl, nacido en 1715 y ligado a la corte imperial austriaca, fue una figura capital entre los compositores de mediados del XVIII. Pertenecería a lo que conocemos como periodo preclásico o anterior a Mozart. Podemos decir que sus primeras obras están en el estilo del barroco tardío; a partir aproximadamente de 1750 utiliza cada vez más el lenguaje galante y las sinfonías posteriores se aproximan ya a la forma sonata clásica.

Lo que el miércoles escuchamos fue su SINFONIA EN FA MAYOR WV 398 –allegro assai-andante-allegro assai que fue utilizada como obertura de su opera 'Il Siroe' (estrenada en 1748)

Escuchamos esta sinfonía con la Orquesta de Cámara de Stuttgart dirigida por JOHANNES GORITZKI

En el programa de este viernes próximo escucharemos algunas sinfonías más de Wagenseil con esta misma formación.

Agradecimiento: Fotografía de César Antonio Molina canales.nortecastilla.es/canales_provinciales...

El muro: músicas para 28 años y 88 días

La exposición Berlín Kreuzberg SO36, organizada por la German House de Nueva York, que permite ver el paso del tiempo en uno de los barrios más multiculturales de la ciudad a través de instantáneas en blanco y negro y en color del fotógrafo alemán Peter Frischmuth como ésta que podemos ver aqui.


28 años y 88 días es lo que duró el Muro de Berlin del que hoy conmemoramos los 20 años de su caída.

En este Té para tres, Edición Especial 20 años del muro de Berlin han sonado las siguiente músicas:

- VERKOMMENES UFER (1984) RIBERA DESOLADA , PIEZA RADIOFONICA SOBRE UN TEXTO ESCENICO DE HEINER MUELLER LEIDO POR UNA CINCUENTENA DE VIANDANTES ANONIMOS DE BERLIN -HEINER GOEBBELS

-Crónica Judía de ( BORIS BLACHER, RUDOLF WAGNER-REGENY, KARL AMADEUS HARTMANN,HANS WERNER HENZE, PAUL DESSAU) CORO Y ORQUESTA SINFONICA DE LA RADIO DE LEIPZIG y solistas bajo direccion de HERBERT KEGEL

- SONATA PARA FLAUTA Y CLAVECIN EN MI BEMOL MAYOR BWV 1031 de Js BACH

MOV 2 SICILIANO ,ARREGLO PARA METALES de Enrique Crespo- GERMAN BRASS ENRIQUE CRESPO

LALAI. CANCION DE CUNA PARA DESPERTAR -BARBARA HELLER; para violin y piano <DUO 'ARTEMIS'

-ALLEGRO del CONCIERTO DE BRANDENBURGO NUM 4 EN SOL MAYOR BWV 1049

PARA ORQUESTA de Js Bach en ARREGLO PARA PIANO A 4 MANOS de MAX REGER; M

Solista : DUO DE PIANO 'TRENKNER – SPEIDEL

BERLIN IM LICHT-SONG (1928) de Kurt WEILL; KURT con: BRIGITTE FASSBAENDER (MEZZOSOPRANO) CORD GARBEN (PIANO)

TRANS EUROPE TANGO, INGRID CAVEN, JAY GOTTLIEB (piano)

VARIACIONES sobre EL HIMNO 'GOTT ERHALTE FRANZ DEN KAISER' HOB XVII, 13 (1797)

De FRANZ JOSEPH HAYDN con FRITZ KREISLER (VIOLIN) CARL LAMSON (PIANO)

HIMNO NACIONAL DE ALEMANIA (1797) de FJ HAYDN, interpretado, en versión instrumental por la NEW JAPAN PHILARMONIC dirigida por SEIJI OZAWA y por ORQUESTA SINFONICA DE LA RADIO DE BAVIERA-NO CONSTA DIRECTOR y en versión coral por el CORO de la POLICIA DE COLONIA

BROCKES-PASSION de TELEMANN

“Jesús martirizado y agonizante por los pecados del mundo”. Ese es el título de uno de los más importantes poemas sobre la Pasión de Cristo. Su autor fue el escritor Barthold Heinrich Brockes y se publicó en Hamburgo en 1712. Ningún otro libreto en alemán sobre la pasión tuvo tanta difusión ni fue tantas veces musicalizado como éste: se conocen al menos 30 versiones musicales. El poema destacaba por su inusual nivel de maestría, por su estilo elevado, que provoca en ocasiones emociones violentas, ya que utiliza imágenes muy gráficas sobre la historia de la Pasión. En 1716 compusieron su Brockes Passion: Reinhard Keiser, Georg Friedrich Handel y Georg Philipp Telemann.

El propio Telemann en su autobiografía dice que “el texto de Brockes ha sido reconocido por todos los expertos como imposible de mejorar”. El oratorio que el compositor escribió sobre este texto fue estrenado en Franckfurt am Main en 1716. La dedicatoria de Telemann que precedía a la obra venía a decir esto:

“Las bellas palabras producen una mejor impresión aún cuando la armonía las hace llegar a nuestros oídos. Así, nuestro espíritu se inflama con una doble llama: ese ha sido el objetivo de mi trabajo.

Aquí expreso mi deseo: que mi pluma, humedecida con mis lágrimas, inunde de emoción los ojos del oyente. Y si el rugido del trueno habita en mi música, provocará al mismo tiempo miedo, estupor y temblor…”

La estructura musical del oratorio es muy variada. Una extensa sinfonía es seguida por varias escenas que comprenden un total de 31 arias irregularmente distribuidas, un aria con coro, varios duetos y ariosos, un trío, un cuarteto, 16 coros y distintos recitativos secco y accompagnato. Telemann incluye números tan variados porque pretende conseguir una obra con secciones breves y muy contrastantes. Sin embargo, la sinfonía introductoria es excepcional en una obra vocal de estas características. En primer lugar por sus dimensiones: dura aproximadamente unos 8 minutos, y en segundo lugar por su sonoridad: comienza con unos compases muy estáticos que crean una atmósfera de inmovilidad que progresivamente va creciendo en tempo y en volumen. Después se produce un diálogo entre el oboe y las cuerdas.

La orquestación que Telemann propone para esta obra incluye dos traversos, tres flautas de pico, dos oboes, dos trompetas, dos trompas, violin concertante, viola d’amore, tres violas y fagot, además de la cuerda y el bajo continuo. Además, el compositor utiliza estos amplios efectivos orquestales para crear un sistema de simbolismo musical: las trompas caracterizan los momentos conectados con el pecado, la muerte y el demonio; el sonido dulce del oboe nos habla de la proclamación de la salvación de los pecados que conlleva la muerte de Jesús, y con las trompetas aparece el mensaje del evangelio: la resurrección del cuerpo a la vida eterna.

Hemos escuchado esta obra esta semana en Té para tres en la siguiente versión discográfica publicada en 2009:

GEORG PHILIPP TELEMANN: BROCKES-PASSION. ORATORIO DE PASIÓN PARA SOLISTAS, CORO Y ORQUESTA TVWV 5:1. Akademie für Alte Musik Berlin. RIAS Kammerchor. René Jacobs. Birgitte Christensen, Lydia Teuscher, Marie-Claude Chappuis, Donát Havár, Daniel Behle, Johannes Weisser. 2009

Imagen: Oración en el huerto, El Greco (óleo sobre lienzo)

Henri Fantin-Latour
Título:
Escena de Tannhäuser (Venusberg)
Fecha:
1864
Tipo:
Óleo sobre lienzo
Medidas:
97,5 x 130 cm
Úbicacion:
Los Angeles County Museum of Art
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Interior de Venusberg (el Hörselberg cerca de Eisenach)

Una larga gruta que forma una curva a la derecha y parece prolongarse hasta que se pierde de vista. De un hueco entre las rocas por el que se filtra débilmente la luz, se precipita una cascada verdosa que cae desde lo más alto de la cueva reflejándose tumultuosamente sobre las piedras más abajo; del embalse que recoge las aguas nace un riachuelo, que corre hacia el fondo de la escena donde alimenta un lago en el que se bañan las náyades mientras que las Sirenas reposan en sus orillas.

En los dos lados de la gruta, hay salientes rocosos de formas irregulares, cubiertos de una vegetación tropical maravillosa que se asemeja a los corales. En el primer plano, ante una abertura que sube hacia la izquierda de la que emana un resplandor rosado, Venus está extendida sobre un lecho suntuoso; ante ella, con la cabeza apoyada en sus rodillas, Tannhaüser, con su arpa junto a él, está arrodillado. Las Tres Gracias están extendidas rodeando el lecho. Junto a ese lecho, así como detrás de él, cupidos adormercidos están tumbados sin orden como niños cansados tras el juego

El primer plano de la escena esta completamente iluminado desde abajo con una luz rosada de un efecto encantador, a través de la cual trasluce en un seductor contraste el verde esmeralda de la cascada de agua y el blanco de su espuma. Al fondo del plano, las orillas del lago aparecen envueltas en un vapor azulado que recuerda a un claro de luna…

(Tannhaüser, acto I, escena primera)

Asi describió Richard Wagner en el libreto de Tannhaüser el lugar donde comienza esta ópera. Y así como vemos en el óleo que encabeza este artículo la reflejó el pintor Henry Fantin-Latour, a sus 31 años. Es una de sus alegorías musicales y poéticas (basadas en lo imaginario, pre-simbolistas) que pueden contemplarse en la completa exposición ofrecida por el museo Thyssen Bornemisza que reúne pintura y dibujos llegados de distintos lugares del mundo: Estados Unidos, Portugal o Grenoble, su lugar de nacimiento. Fondos que en pocas ocasiones se han podido ver reunidos. Recorremos en el programa de mañana martes 27 de octubre los cuadros que más nos gustaron en nuestro recorrido real (también puede hacerse de forma virtual pero menos completa) el sábado pasado. La exposición está abierta en hasta el 10 de enero. De ella destacamos sobre todo los retratos y el capítulo dedicado a las "Frutas y flores" como éstos que dejamos al final del articulo.


Nuestro recorrido virtual-radiofónico de mañana nos llevará a distintos compositores que recordó Fantin-Latour en sus obras: Schumann y sobre todo Wagner, entre otros. Escucharemos piezas del Album para la juventud del primero y del segundo, un arreglo para órgano del coro de peregrinos de Tannhaüser, su obertura y si el tiempo lo permite, la primera escena (Wagner, Tannhaüser/ René Kollo-Christa Ludwig-Hans Sotin-Helga Dernesch-/Wiener Staatsopernchor-Wiener Philarmoniker/Lugar grabación Sofiensaal, Viena, Octubre 1970)


Henri Fantin-Latour
Título:
La mesa aderezada
Fecha:
1866
Tipo:
Óleo sobre lienzo
Medidas:
60 x 73 cm
Úbicacion:
Lisboa, Museu Calouste Gulbenkian


NOTA: AGRADECIMIENTO A
www.museothyssen.org

El ruido eterno de Alex Ross

La escala ascendente del clarinete con la que se abre la ópera Salomé de Richard Strauss es el comienzo musical del s. XX, o al menos eso nos dice Alex Ross en El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de su música. El ruido eterno (The rest is noise) ha sido publicado en septiembre de 2009 por la editorial Seix Barral en España. Es el primer libro de su autor, el norteamericano Alex Ross, crítico musical del New Yorker y quien también colaboró con el New York Times en los años 90. Además, ha sido galardonado en diversas ocasiones por sus aportaciones en el campo de la música contemporánea.

El ruido eterno nos propone una descripción de la música del s. XX que nos lleva desde la Viena anterior a la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20, desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Y los que lo hemos leído podemos decir que es un relato que engancha y que probablemente se convertirá en un libro de referencia.

Para aproximarnos mejor a este libro hablamos con su traductor, Luis Gago, en el programa del día 22 de octubre. Gago nos explicó las dificultades de traducir un texto tan bien escrito como éste y también las peculiaridades de la visión de un americano que habla fundamentalmente de música europea.

El jazz, la música de cine, referencias al pop… Ross nos presenta un panorama diversificado de la música de la pasada centuria sin centrarse en la evolución artística, sino en el paisaje sonoro, siempre con el punto de mira en la música culta. Además, nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes de ese período de la historia. La tensión dramática no se pierde, esa es una de las claves de El ruido eterno.

En la imagen superior: Salomé, de Caravaggio


Prokofiev: Quiero ser siempre yo mismo

La ópera El amor de las tres naranjas de Prokofiev estrenada , en francés en 1921 en Chicago…está basada en la obra teatral homónima de Carlo Gozzi (1761) y en la adaptación firmada por Meyerhold, Solovyov y Vogak.

Aunque Chicago acogió bien la ópera, los críticos de Nueva York condenaron la adaptación escénica y su costo (cada naranja salió a unos 43 000 dólares) . A continuación hubo producciones en Colonia, 1925, Berlin y Leningrado al año siguiente y Moscú en 1927. Gran éxito, por cierto, en la Unión Soviética de la versión rusa.

Nosotros escucharmos hoy, lunes 19 de octubre, la versión discográfica grabada en 1989 en el Auditorio Maurice Ravel de Lyon de esta ópera nihilista y negacionista de los principios operísticos clásicos. La dirigió Kent Nagano y contó con la orquesta y coros de la opera de esa ciudad y Catherine Dubosc, Gabriel Bacquier, Jean Luc Viala y Georges Gautier en los papeles principales. Utilizaron la versión francesa con libreto traducido por el propio Prokofiev y Vera Janacopoulos. Versión que, como podemos comprobar, aligera el efecto de la partitura de Prokofiev aunque tengamos casi siempre la impresión que la música fue concebida para seguir la acentuación del texto ruso.

“Creo en mis propias teorías operísticas. ¿Por qué un individuo debería pararse y decir “escuchen mi aria de concierto”? Es como si introdujéramos largos discursos repetidos en una larga obra teatral.(…) Detesto los métodos habituales. Aspiro siempre a la originalidad, no quiero ser otro bajo un disfraz. Quiero ser siempre yo mismo”

(Sergei Prokofiev, declaraciones a The Music Courier, 18 de marzo de 1920)

ODA PARA EL CUMPLEAÑOS DE LA REINA ANA

Händel desarrolló y llevó prácticamente a la perfección la mayoría de los géneros que habían florecido en la época barroca, como la ópera o el oratorio, pero también supo extraer todo el potencial a géneros como la oda músical: repentinos contrastes de carácter (de afecto, en lenguaje barroco), introducciones inesperadas de ciertos instrumentos, armonías arriesgadas y melodías vigorosas siempre rodeadas de esa majestad que caracteriza su música. Todo eso lo encontramos también en esta Oda para el cumpleaños de la Reina Ana. Pero, ¿quién fue la Reina Ana?

Ana I de Estuardo, hija de Jacobo II, fue reina de Inglaterra, Escocia e Irlanda desde 1702 (momento de la muerte de su cuñado Guillermo III de Orange) hasta su muerte en 1714. En 1707, Inglaterra y Escocia se unieron en un sólo reino, por lo que Ana se convirtió en la primera soberana de Gran Bretaña. Además, a pesar de tener 19 hijos ninguno llegó a la edad adulta, por lo que fue la última soberana británica de la casa de los Estuardo. Le sucedió en el trono un primo distante, Jorge I, de la casa de Hannover.

El 28 de julio de 1683, en el palacio de St. James, Ana se casó con el príncipe protestante Jorge de Dinamarca, hermano del rey Cristián V, una unión impopular debido a las inclinaciones francesas del país natal del novio, pero que fue de una gran felicidad doméstica. De este matrimonio nacieron 19 hijos, pero, desafortunadamente, ninguno de ellos llegaría a edad adulta.

Su más cercana amiga y posiblemente más influyente consejera fue Sarah Jennings, cuyo esposo, John Churchill, 1er duque de Marlborough, dirigió las tropas inglesas en la Guerra de Sucesión Española.

Su reinado, en cuanto a la política exterior, estuvo marcado por el enfrentamiento con Francia en la Guerra de Sucesión Española; como resultado de sus éxitos en ese conflicto, Inglaterra obtuvo, por el Tratado de Utrecht (1713), Gibraltar, Menorca, Terranova y Acadia, además de erigirse en árbitro del nuevo equilibrio europeo. Así terminaba la intervención inglesa en la Guerra de Sucesión Española (o «La Guerra de la reina Ana»), un conflicto que colocó a Felipe, nieto del rey francés Luis XIV, en el trono de España.

Ana cayó enferma víctima de un ataque de gota y murió el 1 de agosto de 1714, a los 49 años de edad.

Un año antes, poco tiempo después de que Georg Friedrich Händel decidiera instalarse en Inglaterra, se celebraba el 48 cumpleaños de la reina con La Oda para el cumpleaños de la Reina Ana HWV 74, con texto de Ambrose Philips y música de Händel.

La obra lleva por subtítulo Oda para la paz, y es que el texto de Philips hace una referencia clara a la Paz de Utrecht, cuya firma era inminente en aquel momento. Así, cada una de las 7 estrofas del texto concluyen con el siguiente estribillo: “The day that gave great Anna birth / who fixed a lasting peace on Earth” (“El día que dió nacimiento a la gran Ana, quien estableció una paz duradera en la Tierra”).

Handel organizó las 7 estrofas del texto de Philips en 9 secciones protagonizadas por tres solistas vocales: soprano, contratenor y bajo, mientras que el estribillo, que varía musicalmente en cada reaparición, es cantado por un coro a 4 voces.

En el programa de hoy vamos a escuchar la oda completa en esta novedad discográfica:

GEORGE FRIDERIC HANDEL: ODE FOR THE BIRTHDAY OF QUEEN ANNE. DIXIT DOMINUS. Hélène Guilmette. Andreas Scholl. Andreas Wolf. Vocalconsort Berlin. Akademie für Alte Musik Berlin. Marcus Creed. HARMONIA MUNDI. 2009

Además, en Té para tres de hoy martes y 13 conoceremos el primer fragmento de uno de los libros de la semana:

LA HISTORIA DEL SEÑOR SOMMER (PATRICK SÜSKIND)

Se trata de un divertido relato contado por un niño que nos narra las peripecias de un misterioso andariego: el señor Sommer: anda en silencio, de prisa, como si lo persiguieran, con su mochila vacía y un largo y extraño bastón, rondando por los sueños y las pesadillas de un niño… El señor Sommer no desaparece hasta que ese niño ha dejado de trepar a los árboles.

También conoceremos en el programa de hoy una de las primeras músicas compuestas para el cine: El asesinato del Duque de Guise op. 128 de Camille Saint-Saëns. Los acompañamientos musicales de las películas de cine mudo consistían precisamente en partituras originales compuestas expresamente para acompañar una cinta determinada. La partitura para El asesinato del duque de Guise fue escrita para el visionado de la película basada en el asesinato de Le Balafré (el acuchillado o el herido, apodo de Henri, el tercer Duque de Guise), un asesinato que ocurrió en Bois en 1588.

La película El asesinato del duque de Guise se realizó en 1908 y fue dirigida por André Calmettes con decorados de Emile Bertin y escenario de Henri Lavedan. Cuando Saint-Saëns compuso la música para esta película tenía 73 años. Nosotros la hemos extraído de este disco:

CAMILLE SAINT-SAËNS: EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES. QUINTETO CON PIANO EN LA MENOR. L’ASSASSINAT DU DUC DE GUISE, OP. 128. Ensemble Musique Oblique. HARMONIA MUNDI. 2000

En la imagen: Retrato de la Reina Ana cuando aún era Princesa de Dinamarca (título que obtuvo de su matrimonio con Jorge de Dinamarca) realizado en 1687 por el cotizado retratista holandés Willem Wissing.

Ries: el espíritu de Beethoven

Durante dos generaciones, los antepasados de Ferdinand Ries fueron músicos de la capilla de la corte del principe elector de Bonn. Pero en 1794, cuando Ferdinand tenía 10 años, las tropas napoleónicas pusieron fin a la vida de la corte. El padre de Ferdinand, hasta entonces maestro de capilla perdió su empleo y tuvo que afrontar las necesidades de su amplia familia –Ferdinand tenía 10 hermanos y hermanas-como profesor de música y músico independiente

Ferdinand recibió sus primeras lecciones musicales a los cinco años, primero de su padre, después de un violoncellista de la corte de Bonn. A los 11, compuso su primer minueto y poco más tarde, para el aniversario de su padre, todo un cuarteto de cuerda. A los 18 años, partió para Viena para estudiar allí junto cerca de su compatriota Ludwig Van Beethoven. Cuando llegó, Beethoven estaba justamente ocupado terminando su oratorio Cristo en el monte de los Olivos, y Ries, a quien dio lecciones gratuitas, debió a cambió copiar partituras y ayudar al estreno de la obra

Ries pasó cuatro años en Viena y la experiencia de aquel oratorio de Beethoven le marcó mucho. Después de haber viajado durante muchos años como concertista por Alemania, Francia, Escandinavia o Rusia, se instaló en 1813 en Londres, donde se quedaría 12 años. Como director de la Philarmonic Society ganaba bastante para mantener a sus tres hijos y para poder ahorrar. Cuando pudo regresó a su patria: primero a Godesborg, después a Franfort am Main.

En composición abordó prácticamente todos los géneros y combinaciones instrumentales “He montado todos los caballos y asnos de la música” escribiría él mismo en 1828 a su hermano Joseph. Su catálogo de obras nos ofrece la cifra de más de 150 obras publicadas.

Pero el género que el género que marcó su primer encuentro con Beethoven –el oratorio- no lo abordó hasta muchos años más tarde. Para el Festival de Música del Bajo Rin que se celebraba alternativamente en Aquisgrán, Dusseldorf y Colonia (en el que trabajó muchos años como director de orquesta y compositor) compuso en 1829 Der sieg des glauben, op 157 y siete años más tarde el oratorio que hoy escuchamos, Los Reyes en Israel

En 1836, el comité del Festival de música de Dusseldorf cosechó un inmenso éxito con el oratorio Paulus de Mendelssohn. Para el festival del año siguiente, que tendría lugar en Aquisgran, el comité encargó a Ries un nuevo oratorio, además de dirigir musicalmente por novena vez aquel el Festival.

Ries pensó en abordar el tema de Esther pero luego se echó atrás ya que Handel –un competidor peligroso- ya lo había tratado. Además el tema tampoco convendría para un oratorio no muy largo, al estilo del de Beethoven que era el modelo que Ries quería utilizar.

El tema elegido finalmente fue el conflicto de poder entre los dos primeros reyes israelitas, Saul y David. Handel había abordado también este tema. Pero si Handel eligió a Saul como héroe principal, Ries colocó a David en el primer plano de su oratorio

Fue el sacerdote WILHELM SMETS, escritor y autor de libros de poesías, y ensayos científicos e históricos quien se ocupó de redactar el libreto. “Es un trabajo bien hecho, estoy contento y espero tener éxito en mi parte como la ha tenido mi amigo Smets” escribe Ries en octubre de 1836

Asi nació el oratorio Los Reyes en Israel de Ferdinand Ries, un compositor que heredó ( no el genio que es intransferible) pero si el espíritu y la técnica de Beethoven.

La grabación que estamos escuchando realizada en 2005 es la siguiente:

Nele Gramss, soprano; Gerhild Romberger, alto; Ewa Wolak, alto; Markus Schäfer, tenor; Harry van der Kamp, bass; Marek Rzepka, bass; Kai Florian Bischoff, bass

Rheinische Kantorei

Das Kleine Konzert

Hermann Max

Elly Ameling

No son muchas las fotos disponibles de Elly Ameling y la mayoría de ellas reflejan una imagen estereotipada (acorde al marketing discográfico de su época) que poco tiene que ver con su estilo interpretativo. Esta imagen procedente de la discográfica Harmonia Mundi quizás es la que mejor puede llegar a reflejar su sencillez y dulzura a la hora de cantar.


Aunque hoy parece que todo está en Internet, no es así. Muy pocas referencias biográficas encontramos, por ejemplo, sobre Elly Ameling. E incluso en las fuentes más serias aparecen contradicciones. La página www.bach-cantatas.com nos proporciona una biografía bastante completa pero asegura, a diferencia de otras páginas, que nació en 1933. El diccionario biográfico de músicos de Theodore Baker-Nicolas Slonimsky a cuya edición en papel recurrimos señala el año 1934. En cualquier caso, ambos coinciden en que esta magnífica soprano nació en Rotterdam y es acuario (nació según ambas biografías un 8 de febrero)

Elly Ameling ofreció su primer recital en Amsterdam en 1961. Sus actuaciones con la Orquesta del Concertgebow y la Orquesta Filarmónica de Amsterdam le aportaron un inmenso éxito y un reconocimiento que pronto rebasó las fronteras de su país.
Tras haber trabajado junto a las mejores orquestas, directores o pianistas acompañantes se retiró a mediados de los noventa, después de ofrecer una serie de recitales de despedida en sus ciudades favoritas.

Su voz de gran pureza y capaz de ofrecer una amplia variedad de colores ha recorrido músicas que van de Monteverdi a Bach pasando por Mozart, Schubert, Schumann, Wolf, Debussy o Haydn (en este programa ofrecimos también su versión de las Canzonette o Canciones Inglesas) así como los compositores del XX como Britten, Poulenc o Gershwin.

Con ella, escuchamos hoy en Té para tres, en unos minutos, la Cantata Nupcial BWW 202 de Js Bach. Un delicioso registro que fue grabado en 1968.Y en el que la soprano estaba acompañada por el conjunto COLLEGIUM AUREUM

Fin de "Músicas encontradas en un verano"

El próximo viernes ofreceremos una selección amplia de la banda sonora de la película "L'Amérique insolite" de François Reichenbach firmada por Michel Legrand. Una película en la que se retratan costumbres sorprendentes de Norteameric -como los concursos de hula-hop o de gemelos- a ojos de un europeo del año 1959. Esa cinta fue la que puso en contacto a Legrand con los cineastas de la "Nouvelle Vague" como Godard con quien trabajaría en años posteriores.



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