Despidiendo la temporada 47 (26 de Julio de 2020)

    domingo 26.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Con este programa culminamos la temporada número 47 de TOMA UNO y no sabemos si tendrá continuación a partir de septiembre. En los últimos 18 años, nunca nos habíamos tomado vacaciones en estas fechas... hasta el presente. Tendremos todo el mes de Agosto para preparar la próxima temporada a conciencia, aunque seguiremos contactados a través de las redes sociales.

Nos hemos enterado de la muerte durante la pasada semana de Jamie Oldaker, socio fundador y batería de los Tractors, además de un respetado músico de sesión para artistas como Eric Clapton, Bob Seger o Leon Russell, entre otros muchos. Nativo de Tulsa, en Oklahoma, formó los Tractors junto al trístemente desaparecido Steve Ripley. Nos dejaron canciones inolvidables como "Baby Likes to Rock It" en 1994, a cuya presentación oficial asistimos aquel año en Nashville durante la celebración de la Fan Fair.

Hace 15 años, el ahora desaparecido Jamie Oldaker publicó en el sello Concord el álbum Mad Dogs & Okies, donde cio todo el protagonismo a invitados tan brillantes como Clapton, J.J. Cale, Ray Benson, Vince Gill, Willie Nelson o Tony Joe White. Era un homenaje a la herencia musical de su estado natal, Oklahoma, y por lo tanto no podía faltar el legendario J.J. Cale, con su voz y su guitarra en “Daylight”, un tema propio que ejemplariza a la perfección el Tulsa Sound.

Es evidente que Margo Price no deja indiferente a nadie. Así ocurrió con sus críticas directas a la administración Trump y ahora la amplitud de miras de su nuevo álbum, That's How Rumors Get Started. La artista de Aledo, en Illinois, sigue aventurandose por todos los caminos que se abren a su paso y tampoco ha dejado fuera el legado que Muscle Shoals ha dejado en la escena de la Americana. Esas influencias clásicas que van mucho más allá de Nashville se reflejan en "Prisoner of The Highway", donde habla de los músicos en gira y en el que el Southern rock y el góspel se confunden, conformando uno de los cortes más sobresalientes de un álbum que mira con cariño hacia el rock clásico.  Los que se consideran más puristas ya han levantado la voz y las quejas. El susto al saber que Sturgill Simpson era el co-productor aún no se lo han quitado de encima.

Ethan Johns, un productor curtido al lado de nombres tan eclécticos y sonoros como Ray LaMontagne, Paul McCartney o Kings of Leon, ha sido el encargado de trabajar al lado de Mary Chapin Carpenter, a la que se llevó hasta los estudios Real World de Peter Gabriel en Bath, al suroeste de Inglaterra, para grabar The Dirt And The Stars, el nuevo álbum de la cantante compositora de Nueva Jersey, que explora los desafíos del presente desde una visión íntima y personal. Mary Chapin compuso estas canciones en su granja de Virginia antes de la pandemia, y deja momentos tan intensos como “Secret Keepers”, un recordatorio de aquellas experiencias irremplazables que nunca desaparecen. Que las cicatrices desaparezcan no significa que lo haga el dolor que las produjeron. The Dirt And The Stars supone la primera colección de nuevas canciones desde que hace cuatro años publicó The Things That We Are Made Of. En 2018 lanzó junto a Ethan Johns y en los estudios de Peter Gabriel Sometimes Just The Sky que, excepto el tema que lo dio nombre, era una celebración de sus 30 años de carrera discográfica con nuevas versiones de algunas de sus canciones más queridas.

Lori McKenna, la compositora y vocalista de Stoughton, en el estado de Massachusetts, se mantiene en la senda de construir grandes canciones que profundizan en sus experiencias personales y que vienen a ser, en cierto modo, una versión femenina de lo que puedan suponer Jason Isbell o Sturgill Simpson. En el tema central de su nuevo álbum, The Balladeer, recién editado, nos encontramos con el temor de que el cantar sobre una relación feliz impida, precisamente, el reconocimiento que suele tenerse por las composiciones que describen relaciones dolorosas y desgraciadas.  

Parece ser casi una norma en Courtney Marie Andrews que no haya demasiado optimismo en sus propuestas, y en este séptimo registro se mantiene la tónica. Desde el delicioso vals de apertura, "Burlap String", hasta el final no hay una sola nota de más y su voz persiste en el convencimiento más absoluto. La joven cantante y compositora de Arizona que cumplió 29 años el pasado diciembre ha querido que su nuevo trabajo, Old Flowers, sea precisamente un disco de ruptura, con el riesgo que suponen que exista una cantidad ingente de discos que tratan sobre esas tensiones emocionales. La autocompasión puede resultar empalagosa y siempre estás en el difícil equilibrio de que una canción sea un terrible cliché terapeútico o que se convierta en un clásico intemporal.

Hace cuatro años debutaba un cuarteto de Sheridan, en Wyoming, llamado The Two Tracks con un disco homónimo que se convirtió en el mejor álbum del año para la emisora pública de aquel estado. Aquello supuso que  al año siguiente Will Kimbrough quisiera hacer su presentación como productor con Postcard Town y que ahora persista en esa labor con Cheers to Solitude, su nuevo disco, con un sonido familiar enraizado en la tradición que supone un paso significativo hacia adelante con respecto a sus propuestas previas. Se editará a mediados de agosto y fue grabado en el mítico The Butcher Shoppe de Nashville, muy pocos meses antes de que se viera obligado a cerrar para  reconstruirlo. Un tema como “All Women Are Healers” es en cierto modo un himno de apoyo a las mujeres, inspirado en el título de un libro de curación natural. El protagonismo de ellas en los cambios y la conciencia de combatir ciertos los estándares sociales y prejuicios a los que las mujeres aún se enfrentan en el mundo está muy presente.

Con sus raíces en Texas, Evan Ogden se inspira en los clásicos que escuchó por primera vez en los discos de su abuelo, pero su interés está en que las nuevas generaciones también receptivas a esas propuestas que como en “Thunderstorms”  provoca una tormenta emocional parecida a las muchas que van apareciendo lentamente a nuestro alrededor. Volvemos a encontrarnos con reflexiones muy honestas y personales de un joven músico de Austin que descubrió muy pronto lo significativo que fue el country de los años 1940, aquel que plantó las semillas para apreciar el impacto de una música conmovedora.

Omnivore sigue dando sorpresas a los coleccionistas con ediciones puntuales que recuperan tesoros inesperados e inéditos. Esta vez se trata de escarbar en los archivos del trío America y conformar Heritage II: Demos/Alternate Takes 1971-1976 como una continuación del primer volumen publicado en 2017. En esta ocasión las canciones se han centrado, excepto las dos primeras, en dos álbumes producidos por George Martin: Holiday de 1974 y Hideaway del 76. El sexto trabajo de America fue Hideaway, grabado en el Caribou Ranch de Nederland, en el estado de Colorado cuando America estaba culminando su carrera en  Warner Bros. Allí encontramos "Amber Cascades", una canción de Dewey Bunnell con una letra abstracta de tonos espirituales cuyo arrope instrumental evoca el soleado sur de California bajo el sol. La mezcla alternativa que podemos escuchar por primera vez de su tercera toma enfatiza el carácter de la composición en sí misma, sin las armonías vocales ni la orquestación que escuchamos en su edición original.

Hace exactamente 45 años, los Eagles alcanzaban el primer puesto de las listas con el álbum One Of These Nights. Fue el aldabonazo definitivo en aquel verano de 1975, consiguiendo con él un Grammy como mejor grupo de pop tras permanecer durante cinco semanas en la cima de las listas generales. Pero Bernie Leadon abandonaría la banda en diciembre de ese mismo año al no comulgar con la dirección musical tomada. El álbum One of These Nights nos dejó aún cierto protagonismo de Bernie Leadon, que participó en la composición de hasta tres de las nueve piezas del trabajo, incluyendo "Hollywood Waltz", un tema que pasó demasiado inadvertido y en el que compartía autoría con Don Henley, Glenn Frey y su hermano, Tom Leadon, que había sido socio fundador de Mudcrutch, la primitiva banda de Tom Petty. Tras tocar el bajo con Linda Ronstadt, se unió a Silver, un grupo de country-rock californiano. En 2007, Tom Petty volvió a contar con su tocayo en la reforma de Mudcrutch.

Sin abandonar a la banda californiana, el pasado miércoles, Don Henley cumplía 73 años, desde su nacimiento en la tejana Gilmer y crecer en Linden. Militó en los Four Speeds, que pasaron a llamarse Felicity, luego estuvo en Shiloh y de ahí a los Eagles. Por primera vez en su carrera, Don Henley logró hace cinco temporadas que uno de sus álbumes en solitario alcanzara la cima de las listas. Cass County, su último trabajo, debutó en el No. 1 de las de country. El artista tejano regresó de manera decidida a los sonidos de sus comienzos con un álbum que rezuma tradición en el fondo y nl las formas. La estrecha colaboración entre Don Henley y Stan Lynch, socio fundador de los Heartbreakers de Tom Petty, fue vital en la composición de muchos de los nuevos temas, pero en canciones de la categoría de “Waiting Tables”, posiblemente la mejor de aquel trabajo, participaron también Timothy B. Schmit y Steuart Smith en la creación y contó con Jamey Johnson en los coros.

“Take It Easy” de los Eagles fue la canción con la que comenzamos la primera temporada de TOMA UNO allá por 1973 y es la que hoy escuchamos para cerrar la número 47 del programa. Aunque no estaremos en antena, seguiremos en las redes sociales y nos encantaría que fuera posible vernos en los conciertos, porque la música sigue siendo cultura y apoyamos una #cultura segura. Confiamos en volver a primeros de Septiembre en la nueva temporada de Radio 3. Nos encantaría seguir cumpliendo años juntos.

¡¡¡Feliz mes de Agosto!!!

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THE TRACTORS “Baby Likes to Rock It” (Ripley/Richmand) Arista Nashville

JAMIE OLDAKER with J.J. CALE “Daylight” (Cale) Concord

MARGO PRICE “Prisoner of The Highway” (Price) Loma Vista

MARY CHAPIN CARPENTER “Secret Keepers” (Carpenter) Lambent Light/Thirty Tigers

LORI McKENNA “The Balladeer” (McKenna) CN/Thirty Tigers

COURTNEY MARIE ANDREWS “Burlap String” (Andrews) Fat Possum

THE TWO TRACKS “All Women Are Healers” (Szewc) The Two Tracks

EVAN OGDEN “Thunderstorms” (Ogden) Evan Ogden

AMERICA “Amber Cascades (Alternate Mix;Take 3)” (Bunnell) Omnivore

EAGLES “Hollywood Waltz” (Henley/Frey/Leadon/Leadon) Asylum

DON HENLEY “Waiting Tables” (Henley/Lynch/Schmit /Smith) Capitol/Virgin EMI

EAGLES “Take It Easy” (Browne/Frey) Asylum



Manolo Fernández   26.jul.2020 14:05    

Una canción para recordar (25 de Julio de 2020)

    sábado 25.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Comenzamos el último fin de semana de nuestra temporada número 47. Los mejores y los peores momentos casi siempre tienen un punto de encuentro: una canción para recordar. Ese es el argumento de “A Song To Remember”, el nuevo tema de A Thousand Horses, que lo relaciona con el mejor y peor recuerdo de tu ex. Todo se resume en "No puedo saber si esta noche te echo de menos o me alegro de que te hayas ido", reuniendo lo bueno, lo malo y lo desconcertante en el angustioso purgatorio que suele continuar a una ruptura. La producción de Dave Cobb envuelve todo en una especie de   normalidad cotidiana. A Thousand Horses provienen de Newberry, en Carolina del Sur, aunque dos de sus miembros son de Georgia y en realidad se formaron en Nashville hace 10 años. A lo largo de está década los hemos encontrado a medio camino entre los Black Crowes, la Marshall Tucker Band o Lynyrd Skynyrd.

Cuando escuchas a Robert Jon & The Wreck aparecen recuerdos de los riffs de guitarra de los Stones y los solos de Lynyrd Skynyrd junto a los juegos psicodélicos de Grateful Dead. La apertura de miras de la banda del sur de California tiene que ver con la larga experiencia de sus cinco miembros, tantos como álbumes jalonan su carrera. Su más reciente propuesta es Last Light On The Highway, con una apertura llena de sugerencias como es el caso “Oh Miss Carolina”, con influencias conmovedoras de Memphis, Nashville y Muscle Shoals hasta convertirla en un tema épico.

Antes de que concluya esta temporada de TOMA UNO, seguimos anticipando álbumes que saldrán al mercado el próximo otoño. Así ocurre con Arm in Arm, la nueva apuesta de Steep Canyon Rangers, que tiene prevista su publicación a mediados de octubre pero que ya te anticipamos. "Every River" es la fusión perfecta del bluegrass y el góspel que la banda de Carolina del Norte ha utilizado para animarnos a enfrentarnos a los desafíos del presente con una nota de esperanza. El nuevo trabajo está grabado en los estudios Southern Ground de Nashville, siendo la la primera vez que la banda ha trabajado en su álbum fuera de  su estado natal desde que se formaron hace 20 años. Producidos por Brandon Bell, Steep Canyon Rangers rinden homenaje a las tradiciones más vitales del bluegrass, aun cuando siguen explorando nuevas rutas sonoras.

A primeros de septiembre, cuando Radio 3 inaugure su nueva temporada, verá la luz The Country, el nuevo álbum de Tennessee Jet, que tiene que ver con sus experiencias infantiles en los circuitos de rodeos que tenían a su padre como jinete y se reflejan en un ambiente de honky tonk honesto. Junto a su amigo Cody Jinks ha compuesto "The Raven & the Dove", una canción esperanzadora sobre encontrar el equilibrio en un mundo lleno de  tensiones como el actual. El tejano está redefiniendo sus ideas sobre la country music desde la perspectiva de la Costa Oeste desde que se mudó a California y ha contado con el arrope de los músicos que suelen acompañar a Dwight Yoakam.

John Baumann es posiblemente el menos conocido de los miembros de The Panhandlers, aunque su capacidad como compositor le haya llevado a firmar uno de los cortes más populares del álbum Songs for the Saints para Kenny Chesney hace un par de años. Tras el éxito con los Panhandlers, el tejano decidió retomar su carrera en solitario y ha completado un tercer álbum en ese formato que ha titulado Country Shade, editado poco antes de que William Clark Green, otro de los componentes de los Panhandlers, diera positivo en Covid-19, anulando toda su actividad. "The Country Doesn't Sound The Same" es una canción autobiográfica que hace referencia a los cambios de la country music en los momentos actuales, la influencia del estado social y lo complicado que parece resultar todo. Es una mirada al pasado con tintes nostálgicos que tiene que ver con las experiencias familiares.

Hace tres años Aaron Watson alcanzó uno de los puntos culminantes de su carrera con Vaquero, después de que The Underdog le pusiera en el mapa desde la más absoluta independencia. El Honky Tonk Kid ha continuado la racha con Red Bandana del año pasado, pero la pandemia le ha hecho continuar su tarea de compositor y ya podemos adelantar una nueva canción que bien podría ser un adelanto de otro álbum. “Whisper My Name” tiene referencias al comienzo de su ya larga carrera, cuando viajaba en una vieja camioneta con su banda y el dinero escaseaba. Habla de uno de sus lugares favoritos, la Texas Hall of Fame de College Station, donde empezaron a llenar sus conciertos. El músico de Amarillo la compuso junto al también productor Phil O’Donnell, que ha escrito temas para nombres tan relevantes como George Strait, Brad Paisley, Randy Travis y muchos más.

Dentro de un mes, aproximadamente, aparece el nuevo registro de Josh Turner, un artista de Carolina del Sur de profundas convicciones religiosas que guarda mucho del clasicismo del country-gospel y de hecho se inspiró en las formas de Luke The Drifter, el nombre que adoptó Hank Williams en su momento. El álbum, llamado Country State of Mind, se centra en algunas de las canciones que más han inspirado a Turner a lo largo de los años. Eso significa hablar de Randy Travis, John Anderson, Johnny Cash, Hank Williams y Vern Gosdin como pilares básicos de su carrera. La voz de Keith Whitley ha sido posiblemente una de las más perfectas de la escena de country music. Proveniente del bluegrass, aquel nativo de Sandy Hook, en Kentucky, pasó a formar parte del grupo de los Clinch Mountain Boys de Ralph Stanley, se reencontró con Ricky Skaggs, con quien grabó a dúo y fue el cantante solista a J.D. Crowe & The New South. Como artista en solitario tuvo un enorme éxito que culminó con "I'm No Stranger To The Rain", el último No. 1 en vida, sobrepasado por la fama. Josh Turner la ha recuperado ahora.

“Long Black Train”, aquella canción con la que Josh Turner había debutado dos años antes en el Grand Ole Opry, dio título a su disco de debut en 2003, Era un tema propio que se convirtió en uno de los favoritos de TOMA UNO porque es una de esas canciones que no te dejan indiferentes. Estuvo a punto de entrar en el Top 10 y sirvió para que todos nos fijáramos en una voz portentosa, que logró educar tras sufrir graves problemas en su adolescencia. Desde entonces, Josh Turner ha recibido el reconocimiento que se ha ido ganando con el tiempo y la perseverancia.

Tras muchos años de pretendida retirada, Garth Brooks está enfrascado en un regreso que no acaba de culminar. Su nuevo álbum es Fun, del que se van conociendo nuevos temas con cuentagotas y cuya fecha de publicación se va retrasando según se complica la gestión del Covid-19 en Estados Unidos. El más reciente anticipo es “We Belong To Each Other”, que ha inaugurado su nuevo estudio casero de Nashville, y que se suma a los muchos mensajes de unidad que están apareciendo en estos tiempos. A nosotros nos recuerda mucho a “We Shall Be Free” del 92, centrándose en lo que nos hace iguales, independientemente del color de la piel, el género, las preferencias sexuales o la propia ideología. En cuanto a la composición, parece ser que el artista de Oklahoma ha compartido la composición con otro artista muy popular, pero por el momento no quiere revelar su identidad. 

Desde que en 1976 apareció “Let Your Love Flow”, David y Howard Bellamy, la pareja de hermanos del Pasco County, en Florida, ha dejado una lista casi interminable de canciones dotadas de un sentimiento de positividad que no han perdido en el presente. Los Bellamy Brothers acaban de publicar Bucket List, un nuevo EP en el que se incluye "No Country Music for Old Men", inspirado por el fallecimiento de Kenny Rogers a principios de este año y para el que pidieron la colaboración de su viejo amigo John Anderson. Los hermanos Bellamy estaban de plena gira Friends and Heroes junto a Blake Shelton, Trace Adkins, Lauren Alaina y el propio John Anderson cuando debieron confinarse debido al Covid-19. El dúo regresó a su hogar en Florida, en cuyo estudio casero se grabó el nuevo proyecto y donde se filma el reality Honky Tonk Ranch, cuya segunda temporada se estrenará a finales de este verano. Recientemente, los Bellamy Brothers se han asociado con la compañía de marihuana medicinal Trulieve, con una línea de productos llamada Old Hippie Stash.

The Rosewood Tapes Volume One es otro de esos Eps que a veces pasan inadvertidos hasta que las emisoras de radio se empeñan en programar una de sus canciones. Hace un par de años, Jody Booth, originario de la tejana Livingston, publicó ese trabajo e invitó a Tracy Byrd a cantar con él una de las canciones emblemáticas de Waylon Jennings, uno de sus indiscutibles referentes junto al californiano Merle Haggard. Procedente de Beaumont, también en Texas, porque Vidor, a 15 millas de la ciudad, no tenía hospital, Tracy Byrd creció escuchando a los Eagles, Boston, Marshall Tucker Band y Tom Petty, pero tiene una voz profunda y unas claras influencias de la música que ha definido a su Estado natal por el hecho de pertenecer al llamado "Golden Triangle", entre Houston y la frontera de Louisiana que ha marcado sus inclinaciones artísticas. El dúo de Jody Booth y Tracy Byrd en “Lonesome, On’ry and Mean” es uno de los temas favoritos de las emisoras tejanas en estas fechas. La canción que compuso Steve Young y dio nombre al álbum de 1973 de  Waylon estableció definitivamente al legendario artista como elemento integrador del movimiento Outlaw.

Despedimos el programa con Zephaniah OHora que parece empeñado en demostrar que no es preciso haber nacido en Nashville o Texas para hacer country music, sino que lo imprescindible es contar historias honestas y auténticas. Con el espejo de Merle Haggard en el que mirarse, este músico de Brooklyn va a editar dentro de un mes su segundo álbum, Listening To The Music, dedicado a Neal Casal, que murió precisamente en agosto del año pasado y que fue el productor de ese registro. Compuesta poco después de que Zephaniah OHora hubiera terminado This Highway, su disco de debut en 2016, “Black & Blue” trata sobre esa relación que en realidad nunca terminan, a pesar de rupturas y separaciones.

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A THOUSAND HORSES “A Song To Remember” (Hobby/Stevens/Warren/Warren) Atlantic

ROBERT JON AND THE WRECK “Oh Miss Carolina” (Burrison)RJMV

STEEP CANYON RANGERS “Every River” (Sharp/Barker) Yep Roc

TENNESSEE JET “The Raven And The Dove” (McFarland /Jinks) Thirty Tigers

JOHN BAUMANN “The Country Doesn't Sound The Same” (Baumann) The Next Waltz

AARON WATSON “Whisper My Name” (Watson/O’Donnell ) BIG

JOSH TURNER “I'm No Stranger To The Rain” (Curtis/Hellard) MCA Nashville

JOSH TURNER “Long Black Train” (Turner) MCA Nashville

GARTH BROOKS “We Belong To Each Other” (No figura) Pearl    

THE BELLAMY BROTHERS with JOHN ANDERSON “No Country Music for Old Men” (Bellamy/Bellamy) Bellamy Brothers

JODY BOOTH & TRACY BYRD “Lonesome, On'ry and Mean” (Young) Son of Troy

ZEPHANIAH OHORA “Black & Blue” (OHora) Last Roundrup



Manolo Fernández   25.jul.2020 14:05    

Corre, corre, corre (19 de Julio de 2020)

    domingo 19.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Seguimos anticipando el que será nuevo trabajo de Charley Crockett, Welcome To Hard Times, octavo álbum del músico de San Benito. Esta vez es una comparación entre los artistas y los caballos de carreras a través de  "Run Horse Run". Lo hace con la mirada de un trovador robusto que recuerda con nostalgia ciertas tradiciones de antaño y que resucita también su diversidad étnica familiar que le emparenta con criollos, negros, judíos y el mismísimo Davy Crockett. En su última visita a España por el momento, Charley Crockett nos contó personalmente sobre como ha abrazado toda esa versatilidad y como su afección cardiaca congénita ha marcado su percepción de casi todo. Y ahora lo expresa con un modelo casi cinematográfico con ciertos toques góticos.

Mientras esperamos el nuevo trabajo de otro de nuestros cowboy singers favoritos, Colter Wall, hemos encontrado al músico de Saskatchewan al lado del tejano Vincent Neil Emerson, nativo de Fort Worth, y capaz de abrirse camino en los últimos tiempos como telonero de Turnpike Troubadours o  American Aquarium y otros nombres más importantes en los últimos años. Criado en el condado de Van Zandt, al este del Lone Star State, por una madre soltera de ascendencia Choctaw-Apache, se fue de casa a los 16 años para dedicarse a la música. Estuvo girando junto a Colter Wall e Ian Noe, lo que le inspiró para componer “Road Runner” que ahora ha compartido con el primero de ellos en un dúo impagable que grabaron hace un año, cuando el canadiense se acercó a Texas para tocar en el célebre picnic del 4 de julio de Willie Nelson.

Pudiera parecer que Mark Knopfler hubiera sido invitado a participar en este "Cupboard", uno de los cortes más inspirados de Glad You Made It, el nuevo álbum de Joshua Ray Walker, que debutaba el pasado año con Wish You Were Here, muy por encima de lo que suele ser un disco de presentación. Era un trabajo muy personal mediatizado por el cáncer que le habían diagnosticado a su padre. A este músico de Dallas al que le gusta acurrucarse en las profundidades del country blues. Ha madurado en muy poco tiempo y sus nuevas canciones profundizan en desarrollar sus cualidades aprendidas por una larga experiencia sobre los escenarios, también como miembro de Ottoman Turks, un cuarteto tejano que le ha permitido aumentar el nivel y la musicalidad.

Mile Twelve es un quinteto con una  flexibilidad musical a toda prueba, partiendo de las raíces del bluegrass, que sigue siendo un estilo seminal y propicio para realizar experimentos sonoros. Roll the Tapes All Night Long es un título perfecto para describir un álbum lleno de energía capaz de capturar esa tradición a través de seis versiones. Cuando escuchamos cómo se han recreado en “Whiskey Trail”, un tema que Los Lobos incluyeron originalmente en su álbum Kiko de 1992, pero que Mile Twelve han llevado a los terrenos de Old and In The Way, Grateful Dead y Newgrass Revival, mezclados con la voz de Nate Sabat.

Hill Country se ha convertido en una de las banda más recomendables con su álbum de debut, de título homónimo que viaja por las colinas del country que se reparten por distintos paisajes de estados tan representativos como California, Tennessee, Georgia o Texas, donde han grabado este trabajo que evidencian sus inclinaciones por las formas de SteelDrivers, Michael Martin Murphey o Jerry Jeff Walker. Uno de los momentos más sugestivos es "Dixie Darlin’”, con ecos de veteranos trovadores del Lone Star State.

El cantautor Matthew Szlachetka ha escrito una carta de amor a la ciudad de  Los Ángeles en "Lifeboat". Esa es la ciudad donde él mismo ha vivido durante años y de la que ha absorbido las esencias de un folk-rock que se desgrana por las canciones que conforman su tercer álbum, Young Heart, Old Soul. Es un tema sobre dejar tu zona de confort para iniciar una nueva senda, la que el mismo está experimentando tras mudarse a  Nashville, donde ha grabado junto al productor Scott Underwood, socio fundador de Train. Una vez más, estamos ante una llamada a la unidad de las personas, a los viajes emocionales. Young Heart, Old Soul es un álbum cálido y personal en el que parece caber todo el mundo con la mirada puesta en el futuro.

La última vez que vimos a Ted Russell Kamp fue como bajista de la banda de Shooter Jennings y nos prometió novedades personales. El músico lanzará el próximo viernes Down In The Den, que tiene que ver con el nombre de su propio estudio de grabación, un lugar que le “ha salvado la vida” en esta etapa de confinamiento. “Have Some Faith” es un tema con tintes de country blues que el músico neoyorquino compuso junto a Matt Szlachetka y que grabaron juntos en el estudio de Ted. Es una de esas muestras evidentes de que es lógico que sea un músico y compositor en el que siempre se puede confiar.

Eilen Jewell, una de las mejores representantes de los últimos años de ese término llamado Americana, en el que se refugian los estilos básicos de la música popular, parece romper esa extraña tradición que aleja en cierta forma a las mujeres de las canciones de la Creedence Clearwater Revival. Desde luego, salvo honrosas excepciones, como Emmylou Harris, no es muy habitual que ellas canten al grupo californiano. Eilen Jewell es una cantautora jovial y positiva nacida en Boise, en Idaho, que aprovechando estos tiempos de pandemia y alejamiento ha querido recordar sus veranos pasados en el Green River Festival, que se celebra anualmente en Greenfield, Massachusetts, grabando esta versión de “Green River”. Aquella canción de John Fogerty dio nombre al tercer Lp de Creedence Clearwater Revival, allá por 1969, y tiene que ver con un lugar donde Fogerty solía ir de niño en Putah Creek, cerca de Winters, en California. El nombre de "Green River", lo tomó, al parecer, de la etiqueta de una botella de gaseosa con sabor a lima.

Con la sensación de que es un impasse debido a esta situación provocada por la pandemia, Molly Tuttle va a publicar un álbum de versiones que abarcan desde los Rolling Stones a Harry Styles, pasando por The National o Cat Stevens. También ha escogido un tema de Grateful Dead como “Standing on the Moon”, que formó parte de Built to Last, el último disco de estudio de la banda californiana allá por 1989. Molly grabó las canciones en su casa y se las envió al productor Tony Berg, que reclutó a algunos músicos de sesión para que añadieran instrumentos desde sus propios hogares. También pudo contar con los apoyos vocales de Ketch Secor de Old Crow Medicine Show y de Taylor Goldsmith de Dawes. A este último podemos oírle en esta canción de los Dead.

Refugiarse en las canciones en las que siempre se puede confiar ha sido una de las reglas no escritas de este tiempo de pandemia. Y han sido muchos los artistas que han aprovechado en confinamiento para recrearse en grandes clásicos incuestionables.

Emma Swift es uno de estos casos. La artista australiana residente en East Nashville ha completado el álbum ​​Blonde on the Tracks, una reinvención de canciones de Bob Dylan que se publicará a mediados de agosto. El trabajo empezó a gestarse hace tres años, pero quedó incompleto y ahora era el mejor momento para terminarlo. Las canciones de Dylan, además, siempre han sido una buena manera de enfrentarse a los momentos difíciles. “Queen Jane Approximately” es la canción de apertura de Blonde On The Tracks con una tonalidad de folk rock muy propia de la mitad de los 60. Precisamente pertenece en origen al álbum de Dylan de 1965 Highway 61 Revisited. Una canción con ciertos tintes de misterio sobre su protagonista y que el bardo nunca cantó en directo hasta un concierto con Grateful Dead celebrado más de 20 años después de grabarla y que quedó reflejada en el álbum Dylan & The Dead.

Michaela Anne, la artista del barrio neoyorquino de Brooklyn con residencia en Nashville, sigue siendo una de nuestras favoritas desde que la conocimos acompañando a su buen amigo Sam Outlaw en una de sus visitas a España. Tras el éxito del álbum Desert Dove durante el pasado año, hemos conocido muy recientemente una nueva canción, "Good Times", que aporta un toque positivo al momento actual. De nuevo Sam Outlaw está a su lado en esa aventura de ampliar horizontes estilísticos.

Demasiado mediatizado por el complicado divorcio de Natalie Maines, The Chicks han publicado este pasado viernes Gaslighter, su primer álbum en 14 años, que ha contado con la producción de Jack Antonoff, también demasiado mediatizado por su trabajo junto a Taylor Swift o Lana del Rey. El resultado es un trabajo cuya consistencia se focaliza en los ataques enfurecidos de Natalie a su ex pareja, el actor Adrian Pasdar, pasando por encima de todo lo demás. Eso no parece hacer ningún favor a una de las formaciones femeninas más consistentes de los 90 y 2000. El álbum estaba planeado para cumplir su contrato con el sello Sony de una forma sencilla. De hecho pensaban reunir distintas versiones. Pero llegó el divorcio y todo cambió. Gaslighter tiene textos tan poderosos como “March March”“Julianna Calm Down”, con letras explícitas, y canciones como “Sleep at Night” hablar sobre dejar a un marido infiel que tiene una doble vida.

2020 está siendo un mal año para todos y de forma muy especial para la ciudad de Nashville, que sufrió un tornado mortal en marzo y que ha visto como le seguía la pandemia del coronavirus. Miranda Lambert ha querido que su nuevo single "Dark Bars" refleje la dependencia de la cultura de la vida nocturna de la conexión humana. Los bares cerrados, los taburetes y las sillas sobre las mesas vacías, los escenarios sin músicos son una especie de corazón sin latido. Hoy queremos cerrar el tiempo de TOMA UNO con la esperanza de que todo volverá, de la misma forma que se ha reconstruido el Basement East de Nashville, que quedó arrasado por el tornado hace unos meses.

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CHARLEY CROCKETT “Run Horse Run” (Crockett) Son Of Davy/Thirty Tigers

VINCENT NEIL EMERSON feat. COLTER WALL “Road Runner” (Emerson) La Honda  

JOSHUA RAY WALKER “Cupboard” (Walker) State Fair

MILE TWELVE “Whiskey Trail” (Hidalgo/Perez) Mile Twelve

HILL COUNTRY “Dixie Darlin'” (Williams) Hill Country

MATTHEW SZLACHETKA “Lifeboat” (Szlachetka/Jones) Matthew Szlachetka

TED RUSSELL KAMP “Have Some Faith” (Russell Kamp/Szlachetka) PoMo

EILEN JEWELL “Green River” (Fogerty) Signature Sounds

MOLLY TUTTLE “Standing On The Moon” (Garcia/Hunter) Compass

EMMA SWIFT “Queen Jane Approximately” (Dylan) Tiny Ghost

MICHAELA ANNE “Good Times” (Malinowski/Anne/Outlaw) Yep Roc  

THE CHICKS “Sleep at Night” (Maines/Strayer/Maguire/Geiger/Tranter) Columbia

MIRANDA LAMBERT “Dark Bars” (Lambert/Rose) Vanner/RCA Nashville



Manolo Fernández   19.jul.2020 14:05    

Linda Ronstadt, la voz perfecta (18 de Julio de 2020)

    sábado 18.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Esta vez queremos mostrar la faceta más tradicional, la más apegada a las raíces. En muchos casos, es la cara menos conocida de una mujer que ha sido capaz de hacer de su versatilidad una de sus características fundamentales. El pasado miércoles fue el cumpleaños número 74 de Linda Ronstadt. A lo largo de su carrera, ha cantado temas de todos los estilos musicales imaginables, desde country a opera y comedia musical, pasando por folk, rhythm and blues, rock'n'roll, pop o música latina. En todos los casos, su voz ha brillado tanto que se ha convertido en una de las vocalistas femeninas de mayor prestigio.

No busques la perfección en una voz que no sea la de Linda Ronstadt. Trístemente, el Parkinson la ha obligado a dejar de hacerlo. Pero hoy estamos dispuestos a rescatar esa voz insuperable seleccionando algunas de sus canciones más cercanas a la tradición. La mayor parte de ellas no son las que suenan habitualmente cuando se recuerda su carrera. Así, hemos abierto el programa con esta versión inédita de Marzo de 1973 a “Lighting Bar Blues”, un tema de Hoyt Axton que Commander Cody cantaron de forma extraordinaria. La mayor sorpresa está en el hecho de que Linda Ronstadt tocaba el fiddle junto al también violinista Gib Guilbeau,que hizo también los coros vocales junto a Herb Pedersen.

En 1956, Wanda Jackson grabó por primera vez una canción compuesta por Dick Reynolds y Jack Rhodes, que fue un éxito en el 62 por los Springfields, la banda familiar londinense en la que militaba Dusty Springfield. Era “Silver Threads And Golden Needles”, grabada más tarde por artistas de country como Skeeter Davis, Hawkshaw Hawkins, los Everly Brothers, Rose Maddox, Jody Miller o los Pozo-Seco Singers de Don Williams. En 1969, Linda Ronstadt la incluiría de esta forma en su LP de debut en solitario, Hand Snow… Home Grown. Decimos “de esta forma”, porque cuatro años más tarde, en el 73, realizaría una nueva versión, mucho menos enraizada, en su álbum Don't Cry Now.

John D. Loudermilk fue bien conocido como compositor en los 50 y 60 dejando canciones para la historia como “Break My Mind”, que George Hamilton IV cantó por primera vez en el 67 y que Linda Ronstadt llevó a su disco de debut, Hand Snow… Home Grown, dos años más tarde. Al margen de un sinfín de artistas que echaron mano en alguna ocasión del tema, los Flying Burrito Brothers, con Gram Parsons al frente, también la cantaron, aunque quedó fue de sus álbumes oficiales.

De aquel binomio mítico formado por Lester Flatt y Earl Scruggs resultaba evidente que este último estaba dispuesto a ampliar sus horizontes desde la separación de la pareja en 1969. Tres años después editó I Saw The Light With Some Help From My Friends junto a sus tres hijos, Gary, Randy y Steve, y una pléyade de invitados como la Dirt Band, Tracy Nelson o Linda Ronstadt, con quien realizó una versión sublime del clásico de Merle Haggard “Silver Wings”.

Tras la publicación en 1968 del tercer disco de los Stone Poneys, Kenny Edwards dejó el grupo tras una gira y Linda Ronstadt se quedó sola con la obligación de grabar un nuevo Lp para el Capitol. Así, al año siguiente vió la luz Hand Sown… Home Grown, un trabajo de muy escasa repercusión. Pero las cosas parecieron cambiar con su siguiente trabajo. Linda consiguió la nominación para el Grammy con "Long Long Time", incluida en el álbum Silk Purse de 1970. Pero hoy hemos preferido escuchar la versión en directo que realizó en el Troubadour de Los Angeles por aquellas fechas. Su compositor, Gary White, es un tejano al que conocimos como bajista de Circus Maximus, una banda de Austin de la segunda mitad de los 60, en la que militaba Jerry Jeff Walker.

Cuando Linda Ronstadt se lanzó a la aventura en solitario, comenzó a reclutar músicos del Troubadour para formar su propia banda de acompañamiento. Instrumentistas como Bernie Leadon, Glenn Frey, Don Henley y Randy Meisner pasaron a ser sus nuevos compañeros, de tal forma que a su alrededor se estaban gestando los Eagles. En Silk Purse había una versión de “He Darked the Sun”, una canción de Gene Clark y Bernie Leadon en el álbum The Fantastic Expedition of Dillard & Clark de dos años antes. Pero Linda realizó una llamada Nashville version, con un sonido más propio de la versión original que hoy hemos querido recuperar.

Ha pasado medio siglo desde la publicación de Silk Purse, en 1970, su segundo disco en solitario. Su apertura era esta versión de “Lovesick Blues”, un tema aparecido en los años 20 en un musical al que Hank Williams puso en el mapa sonoro cuando empezó a actuar en el Louisiana Hayride y lo llevó al primer lugar de las listas en el 49. Grabado en los Cinderella Studios de Nashville, fue la única vez en su carrera que la artista de Arizona se acercó a la Music City para grabar sus canciones. En aquella ocasión, Linda contó con músicos de la altura de Bernie Leadon, Weldon Myrick, Buddy Spicher, Troy Seals o Kenny Buttrey.

El legendario Troubadour de Los Angeles fue la cuna de un buen número de artistas convertidos en referentes de la música popular con el paso del tiempo. Aquel local de West Hollywood del que James Taylor decía que era “como un cenicero puesto boca abajo”, vio nacer al artista de Boston, además de a Buffalo Springfield, los Byrds, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt o los Eagles, cuyo primitivos miembros estaban en la banda de acompañamiento de Linda Ronstadt. Con ellos editó su tercer álbum, de título homónimo en 1972, con un claro sonido country‑rock grabado entre California y Alabama con la producción de John Boylan. Como muestra de su versatilidad, Linda se acercó al honky tonk con una versión de “Crazy Arms”, el primer No.1 de Ray Price en 1956.

La producción de John Boylan permitió también que otros músicos como Herb Pedersen, Gib Guilbeau, Sneaky Pete, Buddy Emmons, Jimmy Fadden de la Nitty Gritty Dirt Band o John David Souther participaran en el proyecto. Aquel disco fue, en cierta forma, la puerta para conocer también a nuevos compositores como Eric Kaz, Jackson Browne, Livingston Taylor  o Eric Andersen, pero también recurrió a mitos de la categoría de Woody Guthrie, Harland Howard, Hank Cochran o Johnny Cash. Del Hombre de Negro, que llevó a la vocalista a su programa de televisión en sus comienzos, eligió “I Still Miss Someone”, una pieza de finales de los 50 que había compuesto con su sobrino, Roy Cash, Jr. y que conocimos cuando grabó en la prisión de Folsom.

Una de las vocalistas favoritas de Linda Ronstadt es Patsy Cline, cuya primera grabación en el sello Decca, "I Fall To Pieces", pasaría a ser el mayor de sus éxitos, consiguiendo llegar por primera vez a la cima de las listas de country poco antes de sufrir un tremendo accidente de coche cerca de su casa de Madison, un barrio de Nashville. La explosiva facilidad de Linda en sus años de Capitol Records para interpretar clásicos como este sorprendió a muchos. En su tercer disco en solitario, con su nombre en el título y editado en 1972, dejó constancia de su respeto por la tradición y de su sensibilidad extrema.

Linda Ronstadt comenzó a trabajar con John Boylan en un nuevo disco para el sello Asylum Records, al que se unió John David Souther, con el que mantenía una estrecha relación, antes de encontrar a Peter Asher -antiguo miembro de Peter & Gordon- en el Bitter End de New York. El álbum Don't Cry Now salió al mercado en 1973 tras un año de sesiones, 150.000 dólares invertidos y tres productores. Aquel disco era fantástico, pero nosotros hoy estamos centrados en canciones más tradicionales. Linda había fichado por Asylum, pero debía un álbum a Capitol por contrato. Ese disco que se tituló Heart Like A Wheel y fue publicado en el 74, mezclando antiguas canciones con nuevos temas, incorporando country, rock y rhythm and blues. De todos es recordada su versión al clásico de Hank Williams "I Can't Help It (If I'm Still In Love With You)", donde Emmylou Harris hacía las armonías vocales, la llevó al segundo lugar de las de country y a conseguir un Grammy. Pero esta versión de “Honky Tonk Blues”, también de Hank Williams, que contaba la historia de un joven granjero que deja la granja familiar para irse a la ciudad, fue grabada en octubre de 1974 de nuevo junto a Emmylou y quedó inédita durante 25 años.

Es muy posible que Linda Ronstadt y Patsy Cline sean las dos vocalistas más sobresalientes de la historia de la música, con una versatilidad incomparable. Patsy sufrió un tremendo accidente de coche cerca de su casa de Madison, un barrio de Nashville, se fracturó la cadera y tuvo importantes heridas en la cabeza al salir despedida por el parabrisas. Fue hospitalizada durante varios meses y, apoyada aún en sus muletas, grabó una composición de Willie Nelson llamada "Crazy", que pasaría a ser su canción más vendida. Linda Ronstadt la recordó de esta forma en Hasten Down The Wind, un trabajo de 1976 que llegó tras publicar Prisoner In Disguise Ronstadt un año antes y donde eligió canciones de amigos y compositores cercanos.

No olvidemos que la madre de Linda era alemana y, sobre todo que su padre era mejicano. Este último, Gilbert, cantaba con ella y sus otros dos hijos canciones de su tierra natal en los pocos ratos de ocio que les permitía la ferretería que regentaban. Nuestra invitada de hoy nunca olvidó aquellas raíces, no solo en los distintos álbumes dedicados íntegramente a canciones hispanas, sino a lo largo de toda su carrera. Como ejemplo, hemos escogido “Lo siento mi vida”, un tema propio, creado junto a su compañero en los Stone Poneys, Kenny Edwards, y a su padre Gilbert, para el álbum Hasten Down The Wind de 1976.

En 1977, Linda Ronstadt publicaba su octavo álbum de estudio, Simple Dreams, convertido en una de las más altas cotas de su carrera y vendiendo más de tres millones de copias. Es el último de los discos en los que nos vamos a detener hoy para celebrar el cumpleaños número 74 de su protagonista. Aquel registro, además, fue el encargado de desplazar del No.1 de las listas de pop al mítico Rumours de Fleetwood Mac… y a Elvis Presley de la cabecera de las de country. Producido por Peter Asher, la fórmula fue sencilla: recoger algunas de las grandes canciones interpretadas por una de las voces más distinguida, arropada por los músicos más relevantes del momento, incluidos los Eagles. Para conmemorar los 40 años desde su lanzamiento, se reeditó el disco original con tres temas de bonificación grabados en directo en un concierto especial realizado por la cadena HBO en 1980. Entre ellas estaba "Blue Bayou", un tema de Roy Orbison que la vocalista de Arizona cantó en directo en inglés y castellano.

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LINDA RONSTADT “Lighting Bar Blues” (Axton) Elektra

LINDA RONSTADT “Silver Threads And Golden Needles” (Rhodes/Reynolds) Capitol

LINDA RONSTADT “Break My Mind (2006 Digital Remaster)” (Loudermilk) Capitol

EARL SCRUGGS & LINDA RONSTADT “Silver Wings” (Haggard) Sony/Legacy

LINDA RONSTADT “Long Long Time (Live at The Troubadour, LA)” (White) Capitol

LINDA RONSTADT “He Darked the Sun [Nashville Version]” (Clark/Leadon) Capitol

LINDA RONSTADT “Lovesick Blues (2006 Digital Remaster)” (Mills/Friend) Capitol

LINDA RONSTADT “Crazy Arms” (Mooney/Seals) Capitol

LINDA RONSTADT “I Still Miss Someone” (Cash/Cash) Capitol

LINDA RONSTADT “I Fall To Pieces” (Cochran/Howard) Capitol

LINDA RONSTADT “Honky Tonk Blues” (Williams) Elektra

LINDA RONSTADT “Crazy” (Nelson) Asylum

LINDA RONSTADT “Lo Siento Mi Vida” (Ronstadt/Edwards/Ronstadt) Asylum

LINDA RONSTADT “Blue Bayou (Live)” (Orbison/Melson) Rhino  



Manolo Fernández   18.jul.2020 14:05    

Tanto como viva (12 de Julio de 2020)

    domingo 12.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Devon Allman
y Duane Betts son la base vital de la Allman Betts Band, cuyos sonidos afilados reflejan la herencia de dos de los mejores músicos de Southern Rock, Gregg Allman y Dickey Betts personificada en sus hijos, que decidieron unir fuerzas tras un concierto de homenaje a Gregg un año después de su muerte en Phoenix. A la aventura también se unió bajista Berry Oakley Jr. — hijo de Berry Oakley, el que fuera miembro de The Allman Brothers Band. El año pasado debutaron con Down to the River y ahora anticipan un segundo registro gracias a “Magnolia Road”, que evoca los sonidos de sus padres respectivos.  

Procedentes del sur de California, Robert Jon & The Wreck  está formada por cinco músicos veteranos músicos que un día decidieron unir sus fuerzas para crear un sonido propio como resultado de enredar el rock más clásico y el southern rock con la frescura del punk californiano. Hace cinco años apareció Glory Bound, su primer larga duración, tras debutar en 2013 con un EP titulado Rhythm Of The Road. El carisma de Robert Jon & The Wreck, la enorme calidad de sus canciones y la energía de sus directos, les hicieron crecer rápidamente y conseguir la tutela de Rival Sons, con quienes terminan compartiendo gira y a los que les une una gran amistad. Su nuevo trabajo es Last Light On The Highway, con mucho de blues, rock y soul pasados por el filtro del Orange County californiano y canciones tan motivadoras como “Do You Remember”.

Ross Cooper llegó a Nashville tras abandonar los circuitos del rodeo y empezó a combinar de forma natural country y folk para completar un par de álbumes muy recomendables que ahora tendrán continuación con Chasing Old Highs, su tercer disco de estudio. Tejano de Lubbock y a medio camino entre Sam Outlaw y Ryan Adams, Ross Cooper cabalga, nunca mejor dicho, entre el regusto por la tradición de su estado y los nuevos paisajes sonoros de la country music como ha demostrado componiendo temas que han grabado Randy Rogers, Wade Bowen y William Clark Green, entre otros. Chasing Old Highs sigue la temática de su trabajo anterior, pero continúa ampliando horizontes. Además, su guitarra Gibson J-50, regalo de un amigo de la familia fallecido, ha tomado un papel protagonista en la construcción sonora del álbum. Hay canciones como “Hello Sunshine”, que abre el álbum, que traen a la memoria sonidos propios de John Hartford o Roger Miller y que dejan un mensaje de positividad sobre cómo los días no son inútiles aunque a veces no sean felices.

Corb Lund tiene un nuevo álbum titulado Agricultural Tragic. Es un proyecto para honrar el pasado, compartiendo las lecciones aprendidas y las historias escuchadas en su rancho familiar en la provincia canadiense de Alberta, donde nació. Su personalidad artística siempre le ha derivado a publicar canciones que mezclan sus orígenes rurales y los nuevos tiempos. Compuesta junto a la cantautora Jaida Dreyer, "Never Not Had Horses" pasó de ser una tonalidad divertida de principio a terminar convirtiéndose en un lamento por la pérdida y la desesperación. Tiene que ver con el dicho popular de tener demasiados caballos y poco dinero y trata de aferrarse a pequeños hilos de esperanza. Como viene ocurriendo en los últimos tiempos, las nuevas canciones visitan muchos más paisajes reales de y se acercan a un estilo de vida agrícola y rural, al margen de los estereotipos, tantas veces irreales.

Dale Watson se acogió al término Ameripolitan para diferenciarse de la industria de Nashville, como un rebelde de la country music, mezclando Outlaw Country, rockabilly, honky-tonk e incluso Western swing. Nacido en Alabama y criado en Texas, la constancia ha sido una de las características de su personalidad hasta convertirse en un músico con tintes de leyenda. Un verdadero forajido. Lo último que hemos conocido de él es esta versión a "Chevy Van", una canción de Sammy Johns, que compuso y cantó en 1973 junto a los miembros de la la mítica Wrecking Crew de Los Angeles. La canción detalla el encuentro fugaz de una pareja en la parte trasera de una Chevrolet Van.

En First Rose of Spring, el último álbum de Willie Nelson, no hay demasiadas referencias al paso del tiempo, como había sido costumbre en sus últimos trabajos, ni tantas canciones propias. Tan solo ha compuesto dos temas junto a su viejo amigo y productor Buddy Cannon, y uno de ellos es “Blue Star”. Es una canción de amor donde él promete a su pareja que se encontrarán nuevamente en el cielo. Será “la estrella azul a la derecha”Willie impone su impacto emocional con una voz entregada que se arropa en su legendaria guitarra Trigger, provocando una sensación relajante de abrazo cálido y seguro.  

Johnny Cash regresa a la actualidad con la recuperación de sus álbumes grabado en el sello Mercury en la segunda mitad de los años 80. Columbia Records decidió no contar con él y el legendario Hombre de Negro se marchó a mediados de 1986. Pero Mercury Records decidió firmarle un contrato y aquella relación duró cinco años y dejó para la historia seis álbumes. Ahora se edita The Complete Mercury Recordings 1986-1991, una caja de siete discos y el recopilatorio Easy Rider: The Best of the Mercury Recordings, con 24 de aquellos temas. Todos ellos han sido remasterizados de las cintas originales. La versión en CD incluye varias pistas inéditas e incluso un disco adicional de mezclas primitivas de las 20 canciones de su álbum, Classic Cash: Hall of Fame Series. Por supuesto una colección así no podíamos dejarla pasar por alto.

Chips Moman fue el productor de Class of ’55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un disco grabado conjuntamente por Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison recordando sus comienzos en Sun Records durante los 50. En cierta forma, también era un homenaje a su antiguo compañero en el sello Elvis Presley. El disco fue grabado en los Sun Studios y culminado en los American Sound Studios, ambos localizados en Memphis, en tan solo cuatro jornadas de septiembre de 1985. Johnny Cash, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis había colaborado juntos previamente en un par de ocasiones. El 1956 fueron protagonista junto a Elvis Presley del mítico Million Dollar Quartet y en 1982 publicaron a trío The Survivors grabado en vivo en Alemania. Johnny Cash fue solista en un par de temas de Class of ’55: Memphis Rock & Roll Homecoming, “We Remember the King” de Paul Kennerly y “I Will Rock and Roll with You”, un tema propio en el que se dejaba acompañar por un cuarteto de metal. Había problemas legales con el Hombre de Negro, ya que aún tenía contrato con Columbia. De tal forma que Chips Moman tuvo que pagar 100.000 dólares a la compañía por el permiso de grabación. Johnny Cash firmó con Mercury muy poco después.

Johnny Cash siempre supo rodearse de grandes amigos y en, Johnny Cash Is Coming To Town, su debut en solitario para Mercury en 1987, no dejó de hacerlo. Se puso en manos de "Cowboy" Jack Clement para el trabajo de producción y se reunió con sus artistas más cercanos y familiares  como June, Anita, Helen y Carlene Carter, su entonces yerno Marty Stuart y su compañero Waylon Jennings. Con este último cantó “The Night Hank Williams Came to Town”, que fue el único single extraído. Era una canción compuesta por Bobby Braddock, autor de algunos de los mayores éxitos para George Jones y Tammy Wynette, y Charlie Williams, que hizo la locución final. El tema describe la visita de Hank Williams a una pequeña ciudad para dar un concierto en 1951, con Harry Truman de presidente.

En el año 1988, Johnny Cash lanzaba el álbum Water From The Wells Of Home, una vez más producido por Jack Clement, con un buen número de colaboraciones con otros artistas, algunas especialmente brillantes, y que abarcaban desde su hija Rosanne, su hijo John, Glen Campbell, Jessi Colter, los Everly Brothers, Tom T. Hall, Waylon Jennings, Hank Williams, Jr., y Paul y Linda McCartney y Emmylou Harris, con quien interpretó un tema del legendario Roy Acuff como “As Long As I Live", en el que encontramos a Waylon, su mujer Jessi y al propio Roy Acuff en los coros.

Publicado en formato de doble Lp coincidiendo con el Record Store Day, Classic Cash: Hall of Fame (Early Mixes) es uno de los regalos de esta caja de siete CDs del Hombre de Negro. Contiene las mezclas originales de las 20 canciones que conformaron en 1988 el álbum Classic Cash: Hall of Fame Series y cuyas cintas fueron descubiertas recientemente en los archivos de Mercury. Johnny Cash decidió grabar de nuevo temas emblemáticos de sus años en Sun y Columbia aprovechando las nuevas técnicas de producción, algo que no terminó de contentar a ciertos puristas, aunque el guitarrista Bob Wootton y el batería W.S. Holland seguían a su lado. Entre aquellos viejos éxitos resucitados se encontraba “Sunday Morning Coming Down”, que este pasado viernes cumplió medio siglo desde que fue grabada por primera vez. Era el 10 de Julio de 1970. Estaba escrita por Kris Kristofferson, a quien conoció en los estudios de Columbia un año antes y al que introdujo en los círculos musicales.

En 1990 apareció en el mercado Boom Chicka Boom, cuyo título hacía referencia al sonido de los Tennessee Three, la banda de acompañamiento de Johnny Cash. En este caso, se han añadido seis cortes con cuatro primitivas versiones de otros tantos temas y dos canciones que se publicaron como caras B de un par de singles. Entre lo más destacado encontramos “Hidden Shame”, una canción que Elvis Costello compuso expresamente para el veterano artista. Costello ya había visto como uno de los temas de su álbum King of America, "The Big Light", sirvió de apertura tres años antes en Johnny Cash Is Coming to Town.

Con el regreso de “Cowboy” Clement a la producción, The Mystery of Life fue el último disco de Johnny Cash para Mercury y, lo cierto, es que no se esforzó demasiado. El artista ya había iniciado la aventura de los Highwayman con Waylon, Willie y Kristofferson y este disco contenía temas de algunas sesiones de grabación muy recientes y de sobras de su primer disco en la compañía, en 1986, Johnny Cash is Coming to Town.

The Mystery of Life fue el último disco de estudio en el que participó el mítico batería W.S. Holland, bien conocido como "Fluke", aunque siguió acompañándole en los conciertos. Aquel disco lo cerraba la versión larga de “The Wanderer” que aparecería en la banda sonora de la película de Wim Wenders Faraway, So Close! con Johnny Cash y U2. El cuarteto británico la incluiría en su álbum Zooropa del 94. Menos mal que tres años después comenzaron los American Recordings. En cualquier caso, el Hombre de Negro casi nunca defrauda y al margen de volver a grabar “Hey Porter” y “Wanted Man” de sus años en Sun y Columbia, nos dejó “I’ll Go Somewhere and Sing My Songs Again” con Tom T. Hall.

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THE ALLMAN BETTS BAND “Magnolia Road” (Vaughan) BMG

ROBERT JON & THE WRECK “Do You Remember?” (Jon) RJMV

ROSS COOPER “Hello Sunshine” (Cooper/Walker) Start Swimming

CORB LUND “Never Not Had Horses” (Lund/Dreyer) New West

DALE WATSON “Chevy Van” (Johns) Cleopatra

WILLIE NELSON “Blue Star” (Nelson/Cannon) Legacy

JOHNNY CASH “I Will Rock and Roll with You” (Cash) America/Smash/Polygram

JOHNNY CASH & WAYLON JENNINGS “The Night Hank Williams Came to Town” (Braddock/Williams) Mercury

JOHNNY CASH & EMMYLOU HARRIS “As Long As I Live” (Acuff) Mercury

JOHNNY CASH “Sunday Morning Coming Down (early mix)” (Kristofferson) Mercury

JOHNNY CASH “Hidden Shame” (Costello) Mercury

JOHNNY CASH with TOM T. HALL “I’ll Go Somewhere and Sing My Songs Again” (Hall) Mercury



Manolo Fernández   12.jul.2020 14:05    

El diablo subió desde Georgia. Adiós, Charlie Daniels (11 de Julio de 2020)

    sábado 11.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Charlie Daniels
murió el pasado lunes por la mañana en el Summit Medical Center de Nashville tras sufrir un derrame cerebral. Tenía 83 años.

El productor Bob Johnston, que le contrataría para CBS en Nashville, le llevó a la Music City, donde era fácil verle actuar en los más diversos clubs mientras se convirtió en músico de sesión, aunque siempre le dijeron que tocaba demasiado fuerte. Intervino en el Nashville Skyline, New Morning y Self-Portrait de Dylan, aunque nunca estuvo demasiado cerca de las composiciones ni de las posturas personales del genio de Minnesota. Por eso puede incluso extrañar la selección de algunas de las 10 canciones que en 2014 completaron un disco dedicado a versionar canciones del bardo bajo el título de Off the Grid - Doin' It Dylan.

Durante una buena parte de los 60 y 70 participó en grabaciones de Marty Robbins, uno de sus favoritos, Michael Martin Murphey, Tanya Tucker, Earl Scruggs y sus amigos del sello Capricorn Records, especialmente la Marshall Tucker Band, Grinderswitch y Elvin Bishop. También estuvo con George Harrison y Ringo Starr en sus primeras grabaciones en solitario y fue miembro de la banda de acompañamiento de Leonard Cohen en sus giras. Incluso llegó a producir Elephant Mountain de los Youngbloods.

Muy poco antes de cumplir 80 años, Charlie Daniels publicó Nighthawk (algo así como “chotacabras”), un disco acústico en homenaje a los vaqueros. Se trata de una colección de temas de cowboys que siempre quiso grabar sin ningún tipo de instrumentación eléctrica, tal y como pudieran cantarse en cualquier fogata nocturna tras una larga jornada de trabajo. Ávido lector, Charlie Daniels siempre se inclinó por los libros sobre el Oeste. De hecho, el título de este trabajo hacía referencia a la novela de Louis L’Amour de 1962.  Night Hawk se convirtió en su último álbum en vida. “(Ghost) Riders In the Sky: A Cowboy Legend” es un tema que Stan Jones escribió en 1948 contando la historia de un cowboy que tiene la visión de ser perseguido por fantasmagóricos vaqueros malditos en el cielo. Uno de ellos le conmina a abandonar sus costumbres o será condenado a unirse a ellos para siempre “tratando de atrapar la manada del diablo por los cielos sin fin”.

En 1970 apareció el primer trabajo en solitario, Charlie Daniels, publicado por Capitol. Fue cuando decidió formar la Charlie Daniels Band y empiezan a asentarse los cimientos del llamado Southern rock. Honey In The Rock llegó en 1973 y allí se incluyó el single "Uneasy Rider", que fue su primera aparición en las listas de country. Aquella canción es lo más parecido a un anticipo de las formas de "The Devil Went Down to Georgia". Charlie Daniels tomó el papel de un hippie de pelo largo que sufre un pinchazo y se encuentra en un bar de rednecks donde no es bienvenido. Una situación nada cómoda.

Un año más tarde, apareció Fire On The Mountain, su álbum de debut para Epic, su nueva compañía. Con Dickey Betts de los Allman Brothers tocando el dobro, allí estaba "Long Haired Country Boy", toda una sorpresa para la escena de Nashville, donde se celebraba el fumar marihuana por la mañana y emborracharse por la noche. Cuando el single se reedito en 1980, se suavizó la letra.

Trabajando en aquel Fire On The Mountain, Charlie decidió grabar algunas canciones en directo en un auditorio de Nashville. Homenajeando a Tennessee, conocido como "The Volunteer State", la Charlie Daniels Band llamó al concierto "Volunteer Jam" e invitó a viejos amigos como los Allman Brothers o la Marshall Tucker Band. En las primeras ediciones del álbum Fire On The Mountain se incluyó un single con tres de aquellas grabaciones en directo. Aquel show pasó a celebrarse casi cada año y se convirtió en toda una institución. Con la presencia de los más diversos artistas. A finales de 1975 aparecía Nightrider que abría el adictivo “Texas”, una de los más fieras interpretaciones del Western swing tejano, que entendimos como un homenaje de la Charlie Daniels Band a la herencia de Bob Wills y sus Texas Playboys.

Hoy estamos dedicando nuestro programa al carismático y controvertido Charlie Daniels, un mocetón nacido en Wilmington, North Carolina, que se trasladó con su familia a Georgia siendo muy pequeño. Alrededor de 1953 formó una banda de bluegrass, The Misty Mountain Boys, y empezó a escribir sus primeras canciones para, un poco más tarde, dedicarse a tocar rock'n'roll y al rhythm'n'blues con los Rockets en Washington D.C. y su área de influencia. En el 59 grabó con ellos "Jaguar", un single instrumental para Epic en Fort Worth, Texas, que les hizo cambiar el nombre precisamente al de Jaguars. Es el que estaba sonando de fondo. Pero al iniciarse los años 60, Charlie Daniels, criado en el country, un amante del del swing, del bluegrass de Benny Martin, y un notable cantante y guitarrista de rock'n'roll, descubrió el jazz, e hizo algunos intentos dentro del estilo que no fructificaron. De vuelta a sus géneros más cercanos, en 1964 compuso "It Hurts Me", que aparecería en la voz de Elvis Presley como cara B de "Kissin' Cousins". Y en el 66 volvió a grabar con los Jaguars. Fue la primera vez que escuchamos su voz en “In The Middle of the Heartache”, un tema compuesto por él y muy propio del llamado soul de los ojos azules de entonces. Fue grabado en Nueva Orleans y se editó en single en 1966.

Diez años más tarde, la Charlie Daniels Band abría una etapa especialmente prolífica con grabaciones como High Lonesome, cuyo tema de apertura era “Billy The Kid”, una de sus mejores canciones y en la que contó con George McCorkle de la Marshall Tucker Band haciéndose cargo de la guitarra acústica. En aquellos momentos, sus lanzamientos como grupo fueron también acompañados de distintos volúmenes de Volunteer Jam, que se había convertido en uno de los puntos de encuentro inevitables.

Siguiendo con algunos personajes legendarios, Charlie Daniels participó en un proyecto titulado The Legend of Jesse James, grabado en 1979 y publicado al año siguiente que daba continuación a White Mansions, que en 1978 documentaba la vida de los confederados durante la Guerra Civil Americana. Lo curioso es que todas las composiciones eran de Paul Kennerly, por entonces pareja de Emmylou Harris. Daniels intervino en tres cortes, dos de ellos instrumentales. Mientras en aquel proyecto Levon Helm tomaba el papel de Jesse James, Johnny Cash era su hermano Frank y Emmylou Harris su mujer Zerelda, Charlie Daniels representó a Cole Younger, el hermano mayor de los cuatro que formaron parte de la banda desde el comienzo. Bajo ese rol interpretó “Riding with Jesse James”, convertida en una de las curiosidades de su carrera.

En el año en que grabó aquella colaboración, 1979, llegó “The Devil Went Down to Georgia”, una canción sobre un duelo de fiddles entre el diablo y un joven inexperto y presuntuoso. Supuso un cambio sustancial para la Charlie Daniels Band. Singles anteriores le habían hecho ganar aceptación en las emisoras de rock, pero los oyentes de country no respondían. Aunque siguieron siendo una de las bandas punteras en el movimiento del rock sureño, rompieron el mercado vaquero con la adaptación de un cuento clásico y la interpretación al fiddle de su líder. Consiguieron dos premios Grammy y el reconocimiento de todos gracias a un tema que en principio no estaba ni tan siquiera incluido en su álbum Million Mile Reflections, que tomo el título recordando que la banda había superado el millón de millas de recorrido en sus giras.

Además, en 1980 participó en la película Urban Cowboy y dejó un par de temas en su banda sonora, “The Devil Went Down to Georgia" y "Falling In Love For The Night", aprovechando el éxito para seguir con su Volunteer Jam y editar una nuevo álbum, Full Moon. Aquel disco tuvo como como apertura una de sus canciones legendarias, "The Legend Of Wooley Swamp". Un tema que cuenta la historia de Lucius Clay, un viejo codicioso, más preocupado por el dinero que por los demás. Guardaba todo su dinero en viejos tarros enterrados alrededor de su jardín, que desenterraba durante las noches de verano para recontar su fortuna. Tres jóvenes, conocidos como los Cable Boys, se enteraron del asunto y decidieron ir una noche al pantano de Wooley Swamp y llevarse el dinero. Le encontraron desenterrando los tarros, le golpearon y arrojaron su cuerpo al pantano. Pero según escapaban con el dinero fueron hundiéndose en las arenas movedizas, mientras escuchaban reírse al viejo.

En este recorrido por algunos de los momentos más relevantes y curiosos de la larga carrera de Charlie Daniels, no hemos ido a 1989, cuando añadió un tema a Next Of Kin, un thriller protagonizado por Patrick Swayze y Liam Neeson bajo la dirección de John Irvin. Aquella banda sonora nos permitió  escuchar 10 canciones inéditas de Gregg Allman junto a Lori Yates, Rodney Crowell, Ricky Van Shelton, Ricky Skaggs, Sweethearts of the Rodeo, George Jones, Duane Eddy y nuestro protagonista de hoy, que aportó “My Sweet Baby’s Gone”. El disco se descatalogó rápidamente y se ha convertido en toda una pieza de coleccionista que hoy hemos querido recuperar.

Pero 1990 apareció con mejor disposición y Simple Man estuvo a punto de alcanzar la cima de las listas de country. Era un disco casi conceptual que nos devolvió a un Charlie Daniels pletórico. Tanto, que un año más tarde anuncio el regreso de Volunteer Jam. En aquel trabajo había temas tan melancólicos como “Mr. DJ”, dónde un camionero pide al disc jockey que pinche una canción para un viejo que está lejos de casa, con mil millas por delante y mil millas por detrás, un dólar en el bolsillo y una mujer en la cabeza. Y aprovecha para recordar a Waylon, Willie, los Oak Ridge Boys Alabama, George Jones y Mickey Gilley, entre otros. Es una buena forma de recordar en la despedida del programa de hoy a Charlie Daniels, que moría el pasado lunes.

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CHARLIE DANIELS “(Ghost) Riders In The Sky: A Cowboy Legend” (Jones) BFD

CHARLIE DANIELS “Uneasy Rider” (Daniels) Kama Sutra

THE CHARLIE DANIELS BAND “Long Haired Country Boy” (Daniels) Epic

THE CHARLIE DANIELS BAND “Texas” (Daniels) Sony

THE JAGUARS “Jaguar” (Mellin/Johnson/Daniels) Epic

CHARLEY & THE JAGUARS “In The Middle of the Heartache” (Daniels) Whizz

THE CHARLIE DANIELS BAND “Billy The Kid” (Daniels) Epic

CHARLIE DANIELS “Riding with Jesse James” (Kennerly) A&M

THE CHARLIE DANIELS BAND “The Devil Went Down To Georgia” (Daniels/Crain/DiGregorio/Edwards/Hayward/Marshall) Epic

THE CHARLIE DANIELS BAND “The Legend of Wooley Swamp” (Daniels/Crain/DiGregorio/Edwards/Hayward/Marshall) Epic

CHARLIE DANIELS “My Sweet Baby’s Gone” (Daniels) Columbia

THE CHARLIE DANIELS BAND “Mr. DJ” (Daniels) Epic

 

Manolo Fernández   11.jul.2020 14:05    

Canciones para un año raro (5 de Julio de 2020)

    domingo 5.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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2020 es un año "raro". Pero raro raro. Por eso, cuando acabamos de llegar a su ecuador, hemos echado la mirada atrás y hemos recopilado hasta 11 canciones convertidas en clásicos que varios artistas de Americana han devuelto al presente en estos meses, dándoles un nuevo sentido, una dimensión diferente, un tinte melancólico y cercano, especialmente en tiempos de pandemia como los que sufrimos.

Empezamos con Blackberry Smoke, una de las bandas más poderosas de la escena del Southern rock, fortaleciendo su estatus con grabaciones como su último EP Live From Capricorn Sound Studios, donde rinden homenaje a ese mítico edificio situado en Macon, Georgia, con diferentes versiones de temas clásicos que fueron registrados entre aquellas paredes. La apertura de ese trabajo y del programa de hoy es esta imponente versión de “Midnight Rider”, un tema de hace medio siglo que The Allman Brothers Band incluyeron en su segundo álbum, Idlewild South

A pesar de la reunión de Brooks & Dunn, el dúo más sólido de la escena del country desde la década de los 90, Ronnie Dunn quiso realizar una fugaz visita a un par de docenas de canciones que le han influido muy directamente a lo largo de su vida y las reunió en el álbum Re-Dunn: Twenty Four Hit Songs abarcando una enorme cantidad de estilos y propuestas sonoras. Parecía inevitable que el artista tejano echara mano de “Against The Wind”, que Bob Seger grabó hace 40 años para dar título a uno de sus LPs más brillantes y reafirmarse en su deseo de mantener la integridad personal según sigues caminando hacia delante, contra el viento.

En los últimos tiempos estamos asistiendo a una sucesión de encuentros naturales entre distintas culturas verdaderamente enriquecedoras. La Americana es el mejor lugar de acogimiento para que, por ejemplo, el   vocalista Eric Burton y el guitarrista Adrian Quesada formaran Black Pumas hace tres años. El resultado de poner en común sus experiencias anteriores en las tierras de Austin, dio como resultado un primer álbum de título homónimo que ha tenido una cercana continuación con una versión a esa reflexión sobre la lucha diaria que Tracy Chapman tituló “Fast Car” en 1988.

Gretchen Peters, la veterana artista de Bronxville, en Nueva York, y una de las cantautoras más apreciadas, ha publicado el álbum The Night You Wrote That Song: The Songs of Mickey Newbury, en el que ha hecho suyas las  narraciones de un trovador ya de por sí tan personal como  Mickey Newbury. Dentro de una selección incontestable, Gretchen ha puesto un énfasis especial en su interpretación de “San Francisco Mabel Joy”, un tema que cuenta las experiencias californianas de un muchacho de Georgia y que el músico tejano dejó para historia como parte del álbum Looks Like Rain de 1969.

La californiana Molly Tuttle es otra de las artistas que se ha manifestado especialmente activa en los últimos meses, colaborando en distintos proyectos junto a los músicos de Old Crow Medicine Show y poniendo al día sus propios  archivos. De esta forma recuperó una versión de “Helpless” que había hecho durante las sesiones de When You’re Ready y con la banda de Ketch Secor culminó los arreglos coincidiendo con el medio siglo de historia desde que    Crosby, Stills, Nash & Young publicaran  la versión original para su álbum Déjà Vu.

Townes Van Zandt es siempre un refugio al que poder acudir. Volver a los sonidos clásicos que han servido de cimientos para el edificio de la música popular es casi una necesidad. Así lo ha hecho Tracy Grammer, pareja artística del fallecido Dave Carter, con quien formó uno de los dúos de folk más recomendables de la última década del siglo XX. Tras cuatro álbumes como solista Tracy nos regaló una versión con un evidente tinte emocional de "If I Needed You", conservando fielmente el espíritu con el que fue creada cuando formó parte en 1972 del álbum The Late Great Townes Van Zandt y que el cantautor tejano dedicó a su productora Anne Mittendorf Eggers.

Muy poco antes de la llegada de la pandemia, la californiana Alice Wallace decidió mudarse a Nashville para dar más amplitud a su trabajo. Su álbum Into The Blue es uno de esos discos siempre recomendables que pudo presentar en directo en su visita a España. Coincidiendo con la celebración de 14 de febrero, Alice recordó uno de aquellos discos que sonaban en el hogar familiar y decidió hacer una versión especial en single de vinilo y edición limitada. Era “Long Long Time”, que su heroína Linda Ronstadt había grabado hace 50 años para su álbum Silk Purse, el segundo de su carrera en solitario. Para dar el toque íntimo de la composición de Gary White se puso en manos del productor Doug Lancio y dejó que su voz se meciera con el violín de Xander Hitzig.

Yendo a la tradición más básica de la country music que fue la inspiración de algunas de las figuras punteras del nacimiento del folk rock y el country rock en los comienzos de los 70, Tessy Lou Williams, convertida en una de nuestras nuevas favoritas, encontró a los Osborne Brothers y decidió versionar “Pathway Of Teardrops”, un tema legendario que ya habían cantado dos referentes del bluegrass contemporáneo como Rhonda Vincent o Alison Krauss. La artista de Montana persiste en su emocionado y respetuoso regreso a las esencias y los modos tradicionales.

Tanto como líder de los Textones como en su carrera en solitario, Carla Olson ha mantenido el entusiasmo por preservar la herencia de aquellos sonidos que escuchábamos en la segunda mitad de los 60 y primeros 70. Su último disco, Have Harmony Will Travel 2, establece una perfecta intersección de folk y country rock clásico con paisajes californianos. De esta forma nos ha regalado una deliciosa versión de la composición de Richie Furay "A Child’s Claim to Fame", que nos sitúa en 1967 y en el segundo álbum de Buffalo Springfield, además de en el vibrante Deliverin’ de Poco. Como invitados ha contado con Timothy B. Schmit, junto a quien interpreta el tema a dúo, e incluso con Rusty Young tocando el banjo, el dobro y la guitarra acústica.

John Hartford fue imprescindible para que el bluegrass progresara y la experimentación marcara un desarrollo del estilo que parecía casi imposible. El músico neoyorquino fue también una pieza clave en sus fusiones naturales con el country y el folk, dejando un legado que en los últimos tiempos está siendo reconocido por los más diversos músicos de la Americana. En estas fechas sale a la luz On The Road: A Tribute To John Hartford, donde un buen puñado de músicos que han crecido con sus enseñanzas. Y es inevitable que "Gentle On My Mind" aparezca como una referencia de sus creaciones, siendo además el mayor de sus éxitos. The Infamous Stringdusters, la banda de bluegrass con sede en Nashville que se caracteriza por saltarse casi todos los protocolos del género, ha dejado una versión respetuosa y enternecedora de la canción.

La herencia más directa del sentimiento outlaw se refleja en Lukas Nelson y Shooter Jennings, descendientes directos de Willie y Waylon, y que grabaron juntos el tema central de la serie de Netflix The Ranch versionando “Mammas, Don't Let Your Babies Grow Up To Be Cowboys”, la canción que compuso el matrimonio formado por Patsy y Ed Bruce advirtiendo a las madres de la dureza de la vida de los vaqueros como para que sus hijos lo sean. Lukas y Shooter han evocado la primitiva grabación de sus padres en 1978 y hoy nos sirve de despedida de este primer fin de semana de Julio y nos emplaza para el próximo en la sintonía de Radio 3.

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BLACKBERRY SMOKE “Midnight Rider” (Allman/Payne) 3 Legged

RONNIE DUNN “Against the Wind” (Seger) LWR

BLACK PUMAS “Fast Car” (Chapman) ATO/Pias

GRETCHEN PETERS “San Francisco Mabel Joy” (Newbury) Scarlet Letter

MOLLY TUTTLE feat. OLD CROWN MEDICINE SHOW “Helpless” (Young) Molly Tuttle  

TRACY GRAMMER “If I Needed You” (Van Zandt) Tracy Grammer

ALICE WALLACE “Long Long Time” (White) Singular Recordings/National Treasury

TESSY LOU WILLIAMS “Pathway of Teardrops” (Pierce/Walker) Warehouse

CARLA OLSON with TIMOTHY B. SCHMIT “A Child's Claim to Fame” (Furay) Sunset Blvd.

THE INFAMOUS STRINGDUSTERS “Gentle on My Mind” (Hartford) LoHi

LUKAS NELSON & SHOOTER JENNINGS “Mammas Don't Let Your Babies Grow Up To Be Cowboys” (Bruce/Bruce) Curb



Manolo Fernández    5.jul.2020 14:05    

En algún lugar del camino (4 de Julio de 2020)

    sábado 4.jul.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Zane Williams
se ha refugiado en Hill Country tras una carrera en solitario que ha dejado hasta siete álbumes muy recomendables. La banda la completan músicos de la solvencia del trovador Paul Eason, con tres álbumes propios además de ser el guitarrista habitual de Kevin Fowler, el multiinstrumentista Andy Rogers y una base ritmo que conforman el batería de Houston Lyndon Hughes y el bajista de Austin Sean Rodríguez“Janie Lynn” se nos antoja como una canción perfecta para inaugurar el mes de julio en su primer fin de semana. El quinteto, con base en Texas, está encantado caminando por parajes fronterizos entre el country, el bluegrass y el folk, tal y como se manifiesta en su disco de debut, de título homónimo en el que aparecen ciertas referencias a Tom Petty, Jerry Jeff Walker o a James Taylor , como es el caso de “Somewhere Down The Road”, una canción con reflexiones de carretera donde, una vez más, las armonías vocales completan un edificio sonoro pleno de sugerencias.

Hay personajes inolvidables, en el mejor de los sentidos, y ese es el caso de Tom Petty, el artista de Florida que nos abandonó hace casi tres años. Su carrera en solitario nos dejó tres álbumes impagables y el segundo de ellos, el mítico Wildflowers de 1994 se convirtió en una de las joyas de su discografía. En realidad todos los Heartbreakers estuvieron al lado de su líder, excepto el batería Stan Lynch que fue sustituido por Steve Ferrone. Gracias a la familia de Petty y a sus archivos, se ha recuperado esta maqueta de uno de los temas punteros de aquel registro como es el caso de“You Don’t Know How It Feels”. En este caso, está grabada en su estudio casero un año antes de la edición del disco y los seguidores impenitentes del músico encontrarán diferencias en la letra, como una muestra más del proceso de creación. La versión que hoy escuchamos de “You Don’t Know How It Feels” da una sensación mucho más íntima y personal de la original. Además,encontramos un verso que más tarde aparecería en la penúltima canción de aquel mismo álbum, Crawling Back to You" que reflejó, como todo aquel Wildflowers, los 20 años de fracaso de Tom Petty en su matrimonio con Jane Benyo, de quien se divorciaría dos años más tarde. Había estrofas como "Estoy tan cansado de estar cansado/Seguro que la noche seguirá al día/La mayoría de las cosas que me preocupan/Nunca suceden de todos modos".

Las sesiones de grabación de Wildflowers comenzaron en 1992, cuando el músico de Florida tenía la intención de dar continuidad a su debut en solitario Full Moon Fever del 89. Pero Petty había llegado a un acuerdo con Warner, con quien había grabado como miembro de los Traveling Wilburys, y aunque mantuvo a Rick Rubin como co-productor junto a Mike Campbell, decidió tomar el mando de aquel proyecto. De hecho, grabaron casi 30 canciones con la intención de que el álbum fuera doble, pero la compañía le convenció de que eligiera poco más de una docena. El éxito fue absoluto. Tras la muerte del músico se retomó la idea que él mismo expresó en sus  últimos días de completar aquel proyecto, pero las diferencia entre la familia fue dilatando los tiempos. Ahora todo parece resuelto.

El nuevo álbum de los Jayhawks, XOXO, que se publicará la próxima semana,  evidencia que Gary Louris no tiene el monopolio del ahora cuarteto, especialmente en cuanto a la autoría de las canciones, aunque también existe un reparto en el protagonismo vocal. Además, la participación de Tim O’Reagan, Karen Grotberg y Marc Perlman se muestra solida y sugestiva. O’Reagan y Grotberg, por ejemplo, han participado junto a Louris en la composición de “Bitter Pill”, que ilustra la búsqueda interminable de la felicidad sin conformarse con cada momento y que a nivel de texto es una especia de continuación de "Lovers Of The Sun" del álbum Paging Mr. Proust de hace cuatro años. Aquel disco llegó tras el fugaz regreso a los Jayhawks de Mark Olson, la banda regresó  a una formación de cuarteto, la misma que editó en 1997 Sound of Lies y que fue responsable de un álbum tan brillante como Smile en 2000 y la misma que nos ha regalado XOXO en pleno 2020.  Entre aquella docena de canciones selectas encontramos “Lovers Of The Sun”, donde los Jayhawks parecían estar mucho más cerca de Liverpool que de Minneapolis. El espíritu de los Beatles había hecho mella en Gary Louris y a nivel de texto ahora tiene continuidad en “Bitter Pill”, de su último álbum.

El cantante y compositor Ray LaMontagne se ha esmerado en Monovision, su último álbum, convirtiéndolo en un prodigio a nivel creativo con ejemplos palpables del estilo de "I Was Born to Love You", donde la sencillez e incluso la discreción se adueñan de una historia mil veces contada. Este octavo disco del músico de New Hampshire es volver a lo básico, con una portada que incluso enfatiza con la idea mediante una vieja grabadora de cinta abierta. La calidez y la artesanía protagonizan un trabajo reconfortante de tonalidades sepia que resulta imprescindible en estos tiempos.

Es prácticamente indiscutible que las mejores composiciones de aquellos tiempos convulsos de comienzos de los 70 fueron repartiéndose por distintos álbumes del canadiense Neil Young, como si quisiera esconder el sufrimiento que la separación de su novia de entonces supuso en su vida. Aún así, parece que dejó algunos temas de estructura poderosa como “Separate Ways”, que ahora ha utilizado para abrir  “oficialmente” Homegrown. La amargura del final de aquella relación con la actriz Carrie Snodgress, es un impacto frontal en el disco   El tono melancólico de Homegrown se establece de inmediato con "Separate Ways", con Ben Keith en el Steel, el contrapunto de Levon Helm y un recuerdo sonoro inevitable de Harvest, aunque en aquel legendario trabajo el sentimiento era totalmente inverso. Neil Young empezó a cantar en su gira del 93 y dejó de hacerlo en la de 2014, cuando su matrimonio con la desaparecida Pegi Young se estaba desmoronando.

Self Made Man es el nombre genérico del nuevo disco de las hermanas Rebecca y Megan Lovell, nativas de Calhoun, en Georgia, a quienes conocemos como Larkin Poe desde 2010. Cinco años antes, junto a su otra hermana, Jessica, habían formado el trío Lovell Sisters. Seis Eps y cinco álbumes de estudio es la tarjeta de presentación de esta pareja que ahora reside en Nashville rompiendo la imagen habitual de Music Row. Ellas tienen una evidente herencia sureña, con sus raíces humedecidas por el rock, el country y el blues. Su esfuerzo por trascender les ha hecho dominar buena parte de los modos y maneras de esos estilos básicos de la música popular, procurando mostrar una diversidad de sonidos que combinen modernidad y tradición sin que parezca disonante o artificioso. Este quinto disco ha escalado hasta la primera plaza de las listas de blues de Billboard, gracias a canciones como "Back Down South", con la que resulta bastante lógico que haya quienes hablen de ellas como de las “hermanas pequeñas de los Allman Brothers”.

Puede parecernos mentira, pero ya hace dos años que Susan Santos fue premiada en los European Blues Award como Best Performance y en 2019 se llevó el LA Music Critics Award  de la californiana ciudad de Los Angeles, al mejor álbum gracias a No U Turn, su quinto y último disco por el momento. Además, el pasado verano la vimos al lado de Billy Gibbons en las Noches del Botánico, y no ha parado girar por Europa y Estados Unidos en los meses previos a la pandemia. Por suerte, tuvo tiempo de grabar en en North Hollywood y regalarnos el estreno de “Dirty Money”, uno de los cortes de su próximo EP. Con una evolución creciente y un marcado acento de progreso, la artista extremeña contó con una base de ritmo formada por el batería Anthony Morra, un nativo de Nashville con un más que suficiente prestigio, y el bajista Fabrizio Grossi, que también ha ejercido como productor de un trabajo rotundo, enérgico y que permite que Susan Santos muestre sus habilidades como instrumentista.

Hoy es 4 de julio. En este día de 1776, el Congreso Continental Americano adoptó la Declaración de Independencia. Aquella fecha pasó a ser la del cumpleaños de los Estados Unidos de América. Han pasado 244 años, y en la despedida de nuestro programa de hoy queremos felicitar a aquel país y escuchar a una de las bandas que se han mostrado más activas en estos tiempos de pandemia: Old Crow Medicine Show. Su líder, Ketch Secor, nos ha regalado una nueva canción que compuso antes de la muerte de George Floyd y de las protestas posteriores. “Pray For America” pretende ser un escape, una forma de reflexionar y dar sentido a ciertas cosas… todos juntos. Secor ha comentado que se ha fijado en canciones inmortales como “Blowin’ In The Wind”, “God Bless America” o “This Land Is Your Land” por su mensaje universal, en el que todos puedan verse reflejados. Es una respuesta al racismo, es un grito de justicia ante el colapso económico o la brutalidad policial y tiene mucha intención de inspirar la unidad y poner al día ese libro de canciones de la música americana que parece necesitar actualizarse.

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HILL COUNTRY “Janie Lynn” (Williams) Hill Country

HILL COUNTRY “Somewhere Down the Road” (Williams) Hill Country

TOM PETTY “You Don’t Know How It Feels (Home Recording)” (Petty) Warner

TOM PETTY “Crawling Back to You” (Petty) Warner

THE JAYHAWKS “Bitter Pill” (Louris/O’Reagan/Grotberg) Sham/Thirty Tigers 

THE JAYHAWKS “Lovers Of The Sun” (Louris) Sham/Thirty Tigers

RAY LaMONTAGNE “I Was Born To Love You” (LaMontagne) RCA

NEIL YOUNG “Separate Ways” (Young) Reprise

LARKIN POE “Back Down South” (Lovell) Tricki-Woo

SUSAN SANTOS “Dirty Money” (Santos) Susan Santos

OLD CROW MEDICINE SHOW “Pray For America” (Secor) Columbia



Manolo Fernández    4.jul.2020 14:05    

We Are The Cowboys (28 de Junio de 2020)

    domingo 28.jun.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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En plena pandemia Willie Nelson ha cumplido 87 años como un ejemplo de supervivencia… y de muchas cosas más. Entre ellas encontramos un romanticismo inherente al arquetipo del cowboy que se refleja en “We Are the Cowboys", uno de los temas clave de su último álbum First Rose of Spring. La canción se debe a su amigo Billy Joe Shaver, que resucitó en 1981 ese  espíritu inquieto que busca su próxima aventura y que señalaba a los vaqueros como unos héroes que luchan contra las injusticias cotidianas. Willie ya grabó "We Are the Cowboys" con Shaver, Waylon Jennings y Kris Kristofferson en el álbum Honky Tonk Heroes de 2000, como un remedo de los Highwaymen. Como Willie es incapaz de estar inactivo, lanzará el próximo 15 de septiembre Me and Sister Bobbie: True Tales of the Family Band, un libro de memorias junto a su hermana mayor. Con ella también está trabajando en un libro infantil que se publicará en otoño de 2021 un libro ilustrado, titulado Sister, Brother, Family: Our Childhood in Music.

Durante los últimos dos veranos, la serie de televisión Yellowstone, que protagoniza Kevin Costner, nos ha dejado una banda sonora que ha dado cobijo a varios artistas independientes de la música de raíces, atrayendo a nuevos seguidores que no se hubieran fijado en ello, pero que ahora han abierto los oídos a estas propuestas sonoras. El pasado domingo fue el debut de la tercera temporada de Yellowstone y su  apuesta musical no difirió mucho de lo que ya habíamos escuchado hace casi un año en el programa. Desde Ryan Bingham, que sigue en el papel de Walker, Tyler Childers, Jason Isbell, Whitey Morgan, Whiskey Myers (que dieron el salto definitivo gracias a la serie), Blackberry Smoke (los grandes beneficiados de la segunda temporada), The Steel Woods, Turnpike Troubadours o  dejan más que claro que una aparición en Yellowstone no es un beneficio hipotético. El tejano Taylor Sheridan, que ya había dejado su sello con Sons of Anarchy y Comanchería, ha sido capaz de dar continuación a una historia que tiene mucho que ver con el Oeste Americano contemporáneo, revitalizando su espíritu, su tradición y su importancia real en el presente. 

Para comentar la parte cinematográfica de la serie se supone que hay especialistas, pero en cuanto a su música no podemos por menos que estar muy satisfechos con la selección de canciones que el pasado domingo hicieron palpitar a ese primer capítulo. Empezamos recordando que hace 10 años, The SteelDrivers publicaban su segundo álbum, Reckless, con  Chris Stapleton aún como miembro de la formación. Unos meses antes, el músico de Kentucky había anunciado que dejaba el grupo para dedicarse a la familia. En 2015 debutó en solitario con Traveller. Curiosamente, “Good Corn Liquor” fue la única canción que en aquel 2010 no compusieron el binomio fundamental de la banda, el que formaron Mike Henderson y Chris Stapleton. Se trata de una canción en la que intervino Ronnie Bowman junto a Stapleton, por entonces el líder de la formación. Bowman fue miembro de la Lonesome River Band junto a Dan Tyminski (después en Union Station), estuvo con Band of Ruhks y ha recorrido la escena del bluegrass como uno de sus pilares fundamentales de su desarrollo.

Como álbum, Adobe Sessions supuso un paso más en la credibilidad que Cody Jinks se ha ganado desde su debut. El artista tejano de Fort Worth se mueve en sintonía con artistas como Sturgill Simpson, Jamey Johnson, Chris Stapleton, Ryan Bingham o Whitey Morgan, conectando con una audiencia que entiende a la perfección aquello que les cuenta porque le consideran un outlaw, como ellos mismos. De aquel cuarto registro de su carrera al que dio título el haber sido grabado en una pequeña habitación de adobe del Sonic Ranch en Tornillo, Texas, “Mamma Song” ha sido el tema escogido para formar parte de la banda sonora de ese primer capítulo, un ejemplo evidente de la personalidad artística del músico y del sentido que la cinta tiene en sí misma.

Hace cinco años, Colter Wall editó un EP de siete canciones llamado Imaginary Appalachia en el que colaboraron The Dead South, Regina y Belle Plaine. Esta última, cantante y compositora de Fosston, en Saskatchewan, con cerca de 45 habitantes, cantó junto a su paisano en “Caroline”, que ahora Kevin Costner eligió para cerrar musicalmente el primer capítulo de la tercera temporada de Yellowstone, estrenado el pasado fin de semana.

Después de haber sido uno de los referentes del folk canadiense, gracias a ese impecable dúo llamado Ian & Sylvia. Gracias a eso y a los royalties por la grabación que Neil Young hizo de su composición "Four Strong Winds", Ian Tyson es propietario del T-Bar-Y, un rancho situado cerca de High River, en la provincia de Alberta. Siendo un veinteañero y convaleciente de sus heridas como jinete de rodeo, Ian Tyson empezó a dedicarse a la música. A comienzos de los 70, tras separarse personal y profesionalmente de Sylvia Fricker  se centró en el country, con grabaciones repletas de la imaginería y la mitología de la vida del cowboy como temática fundamental. Su álbum de 1986 Cowboyography es uno de los que mejor lo reflejan, con grandes canciones del estilo de “Rockies Turn Rose”.

Si en este siglo XXI queremos seguir moviéndonos en los terrenos de los cowboys, como pretendemos hacer en el programa de hoy, no podemos dejar de lado la figura de Charley Crockett, que ha decidido cancelar todas sus actuaciones previstas hasta nuevo aviso. Tras someterse a una operación a corazón abierto a comienzos del pasado 2019, poco antes de visitarnos en una gira de conciertos inolvidable, no ha querido que ni él, ni su banda, ni sus seguidores puedan estar en peligro por la Covid-19. En un comunicado, el músico de San Benito ha hecho referencia al aumento significativo de infectados, pide disculpas y, sobre todo, pide a la gente que cuide. Por suerte, el último día del próximo mes de julio, Charley Crockett lanzará su nuevo álbum, Welcome To Hard Times, cuyo tema central es un recorrido por los paisajes del Far West, manteniendo  el equilibrio entre country clásico, y ciertas pinceladas de spaghetti western.

Remitirnos a un veterano como Don Edwards es recobrar el espíritu saludable del lejano Oeste. Creció escuchando la colección de discos de 78 revoluciones de su padre que incluían desde Bach y Mozart a las canciones de cowboys. Se convirtió en un músico autodidacta que se ejercitó en el rodeo y trabajó en un buen número de ranchos de Texas y Nuevo México durante sus años juveniles, influido por los westerns de serie B. En 1964 grabó su primer álbum y desde entonces ha mantenido ese espíritu, siendo dueño, incluso, de uno de los 100 bares más famosos de América, el White Elephant Saloon de Fort Worth. Gracias a Michael Martin Murphey, Don Edwards obtuvo una parte importante del reconocimiento que siempre ha merecido, con varios de sus trabajos guardados en los Archivos Folklóricos de la Librería del Congreso y habiendo recibido el premio Wrangler de la National Cowboy Hall Of Fame por su labor en pro de la música tradicional del Oeste. “The Cowboy’s Song” pertenece a su álbum Songs Of The Trail, siendo  muy posiblemente una de las mejores canciones contemporáneas de la más pura tradición de las de vaqueros. La compuso Roy Robison, que trabajaba para la Murray Brothers Land y la Cattle Company  de Forth Worth, en Texas.

Michael Martin Murphey inauguró su West Fest inspirado por los espectáculos de Buffalo Bill, recorriendo anualmente distintas localidades de los estados de Nuevo México, Colorado y Texas, con la idea de preservar y perpetuar el espíritu del Oeste. En 1990 publicó un trabajo antológico sobre esa herencia musical titulado Cowboy Songs, donde se recogían las viejas canciones que su tío y su abuelo le enseñaron de pequeño en el Sky Ranch de Lewisville, Texas.   Al fin y al cabo, es la música de su gente, su tierra, su cultura y su propia vida. En la mitad de 1907, un poema de Badger Clark titulado “A Border Affair” era impreso en el Pacific Monthly. Un cowboy de Arizona llamado Bill Simon le puso música y la canción entró dentro de la tradición oral como “Spanish Is The Lovin’ Tongue” que Michael Martin Murphey revivió de esta forma.

Riddy Arman es una mujer nacida en Dixon, una pequeña localidad de poco más de 200 personas del Sanders County, en el estado de Montana, que mantiene el espíritu de los viejos pioneros y de manera muy especial la herencia musical familiar que le inspira canciones como “Spirits, Angels or Lies”, una maqueta grabada una noche del pasado mes de septiembre en Holy Cross, Nueva Orleans. Riddy es habitual del Cowboy Poetry Gathering que cada año desde 1985 se celebra en Elko, Nevada, y donde los ganaderos y cowboys se reúnen para compartir poemas sobre sus vidas y su trabajo.

Tessy Lou Williams estuvo casi una década al frente de los Shotgun Stars, pero ha decidido que debía lanzarse en solitario y a pesar de que no parcen ser los mejores momentos, está superando el reto con un disco de título homónimo en el que despliega diferentes tonalidades del country clásico en Willow Creek, una localidad de alrededor de 210 habitantes, también en el estado de Montana, con el respeto a la tradición que le inculcaron sus padres, también músicos. Tras su paso por la tejana Austin ha terminado en Nashville, saltando las barreras de una industria nada respetuosa con las raíces, algo que no ha influido en absoluto de Tessy, que deja muestras de su poderío con temas del calibre de "Someone Lonely",  una balada adornada por el Steel guitar de Mike Johnson. Su debut supone uno de los más apasionantes activos del presente de la country music.

Bien podríamos decir que otra faceta de los cowboys tiene que ver con aquellos que cabalgan sobre 18 ruedas. Y hoy también es un buen día para recordar a los camioneros, sabiendo, además, que tenemos el privilegio de contar con un buen puñado de ellos como oyentes de TOMA UNO. Pues hoy, en la despedida del programa, queremos celebrar que en esta misma fecha de 1978 se estrenaba la película Convoy, protagonizada por Kris Kristofferson (en el papel de "Rubber Duck") y Ali McGraw (Melissa). Aquella canción había sido un enorme éxito en las listas de country y de pop gracias a C.W. McCallEsta es la versión adaptada para la película de “Convoy”, que el director de una agencia de publicidad llamado Bill Fries llevó al éxito en 1976, asumiendo la identidad de C.W. McCall y grabando aquella canción escrita junto a Chip Davis en la jerga de las Citizen Band Radios (CB). Estas, introducidas en Estados Unidos en 1958, han sido la forma de comunicación que ha crecido más rápidamente desde que Graham Bell inventó el teléfono. En Junio de 1974, Bill Fries estaba escuchando su CB mientras conducía su jeep. Aquello le inspiró el texto de "Convoy", escrito de tal forma que una persona no familiarizada con la jerga creería que se trata de una lengua no inglesa. "Convoy" llegó al primer lugar de las listas de country en un mes y a las de pop en cinco semanas, vendiendo más de siete millones de copias. Aquel tema sentó las bases para el film del mismo título que protagonizaron Kris Kristofferson y Ali McGraw en el 78.

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WILLIE NELSON “We Are The Cowboys” (Shaver) Legacy

KEVIN COSTNER & MODERN WEST “Dark Thoughts Ride” (Costner) Kevin’s Music

THE STEELDRIVERS “Good Corn Liquor” (Bowman/Stapleton)  Rounder

CODY JINKS “Mamma Song” (Jinks) Cody Jinks

COLTER WALL feat. BELLE PLAINE “Caroline” (Wall) Young Mary's

IAN TYSON “Rockies Turn Rose” (Tyson) Stony Plain

CHARLEY CROCKETT “Welcome To Hard Times” (Crockett) Son Of Davy/ Thirty Tigers

DON EDWARDS “The Cowboy’s Song” (Robison) Warner Western

MICHAEL MARTIN MURPHEY “Spanish Is The Lovin’ Tongue” (Dominio Público/Murphey) Warner Western

RIDDY ARMAN “Spirits, Angels, or Lies” (Arman) Western AF

TESSY LOU WILLIAMS “Someone Lonely” (Williams) Warehouse

C.W. McCALL “Convoy (Movie Theme)” (Fries/Davis) Capitol

 

Manolo Fernández   28.jun.2020 14:05    

Revival (27 de Junio de 2020)

    sábado 27.jun.2020    por Manolo Fernández    0 Comentarios

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Las instalaciones que albergan los históricos Capricorn Sound Studios, en Macon, Georgia, tienen que ver con el sello discográfico, el propio estudio de grabación, un museo, y un espacio de oficinas de la Mercer University. Nadie duda de que es el lugar más apropiado para reencontrar con tus raíces, si estas tienen que ver con el southern rock, como es el caso de BlackBerry Smoke cuyo último proyecto en forma de EP se titula Live From Capricorn Sound Studios. En la selección de sus seis canciones, dos de ellas pertenecen a Idlewild South, el segundo álbum de la Allman Brothers Band, con medio siglo de historia. Son "Midnight Rider" y "Revival", dos temas míticos. En este segundo caso, Charlie Starr y Paul Jackson se han repartido las intervenciones de guitarra de Duane Allman y Dickie Betts, el compositor del tema, y las Black Bettys aportan su poderío vocal en una canción atemporal llena de felicidad.

Los tejanos Whiskey Myers se crecieron lo suficiente tras el éxito de su anterior trabajo, Mud, que para su último álbum, con su nombre en el título, decidieron tomar las riendas y prescindir de la producción del casi intocable Dave Cobb. Incluso se repartieron las tareas de composición y contaron también con la ayuda de buenos amigos. Se fueron al Sonic Ranch, cerca de El Paso, en Texas, y se pusieron a trabajar sobre una lista de más de 30 canciones. "Bury My Bones" es una canción que, compuesta por John Jeffers con Tennessee Jet, esta inspirada por cómo se sentía a su vuelta de su gira europea del pasado año que pasó por primera vez por España.

Ya que hablamos de Tennessee Jet, aquí está la primera muestra sonora de su nuevo álbum, The Country, que aparecerá a primeros de septiembre. Se trata de "Stray Dogs", una pieza narrativa para un artista tejano que está redefiniendo sus ideas sobre la country music desde la perspectiva de la Costa Oeste. Para ello se mudó a California y ahora ha contado con el arrope de la banda de Dwight Yoakam, con el añadido evidente del twang factor a sus propuestas y dejando un tanto de lado sus primitivas influencias de la Outlaw music de Waylon y Willie, e incluso el Bakersfield sound de Merle Haggard"Stray Dogs" es un tema de tintes autobiográficos que TJ acabó de componer en el propio estudio de grabación y que muestra la tensión y la crudeza de tener que culminar algo inacabado por necesidad. Este tercer álbum del tejano parece haberse convertido en un punto de no retorno con respecto al pasado.

Seguimos insistiendo en que el ambiente de Nashville está cambiando y que no todo está perdido. Daniel Donato nació allí hace 25 años y ha aprovechado tan bien el tiempo que se ha convertido en un exquisito instrumentista de su Telecaster que hace un par de años fue nominado por la Americana Music Association en esa categoría. Todavía recuerda que estando en secundaria tocaba en las calles de Lower Broadway ocho horas diarias cada fin de semana y se colaba en el Robert’s Western World para ver a la Don Kelley Band, que le fichó como guitarrista hasta que Paul Cauthen se lo llevó de gira. Con un estilo marinado en todos los clásicos de la country music como Merle Haggard, su favorito, también destila influencias de Grateful Dead en su álbum de debut, como queda perfectamente reflejado en "Luck of the Draw", con trazas de la vieja escuela y algún toque psicodélico. A Young Man's Country, que tiene prevista su salida para el 7 de agosto, fue grabado en el Sound Emporium de Music City con el guitarrista Robben Ford como productor.

El incontenible Daniel Romano nos está dejando casi exhaustos en este 2020 con la publicación de hasta seis álbumes… por el momento. Como en el caso de Content to Point the Way, la cuarta de esas entregas, supone una apuesta poderosa por el mejor country rock con evidentes guiños a la herencia atemporal de un mito de la categoría de Gram Parsons, que parece haberle bendecido desde los paisajes de Joshua Tree. El canadiense nativo de Welland, en la provincia de Ontario, grabó este registro con The Outfit, su banda de acompañamiento, como un regreso de tintes sentimentales y decididos al country, consiguiendo una atmósfera llena de melancolía que permite canciones enternecedoras como “Little Shirley Melrose”, gracias a la intervención vocal de Julianna Riolino.

Tras el éxito del álbum Desert Dove durante el pasado 2019 que puso en órbita a Michaela Anne, la artista del barrio neoyorquino de Brooklyn, aunque con  residencia en Nashville, reclama la esperanza y el optimismo como dos piezas clave para seguir adelante y más aún en momentos como el actual en “Good Times”, su más rotunda novedad con el mensaje de que los "buenos tiempos" están a la vuelta de la esquina. De nuevo su buen amigo Sam Outlaw está a su lado, profundizando en ese camino de abarcar fórmulas más amplias que en registros anteriores, aunque no olvida su debilidad por Linda Ronstadt y Emmylou Harris, dos de sus heroínas.

En estos momentos de nostalgia seguro que hemos recurrido en varias ocasiones a recuperar algunas grabaciones que tenían un tanto olvidadas. Los artistas de Americana también lo han venido haciendo y encontramos algunos resultados excepcionales. Es el caso de Erin Enderlin, que durante años ha firmado canciones que todo podemos recordar en las voces de Randy Travis, Alan Jackson, Reba McEntire o Lee Ann Womack y que ahora ha preferido evocar una canción de 1987 como "Fishin 'In The Dark", que la Nitty Gritty Dirt Band incluyó en su álbum Hold On y que supuso su última visita a la cima de las listas. Para esta nueva versión, Erin Enderlin ha contado con la guitarra de uno de sus miembros fundadores, Jeff Hanna. Tras lanzar dos álbumes y un EP, Enderlin publicó el pasado año Faulkner County, que hace referencia a su tierra natal de Arkansas.

La pasada semana recordábamos que Kelsey Waldon está nominada a los premios de la Americana Music Association en la categoría de Artista Emergente del Año. Ella cantó sobre sus orígenes en "Kentucky, 1988", uno de los momentos más personales de su álbum White Noise/White Lines y ahora ha querido regresar a su pueblo de Monkey’s Eyebrow para recordar sus primeros pasos, sus problemas familiares y las dificultades para resolverlas, desnudas y elocuentes. Ese trabajo, publicado en año pasado, supuso que tras 15 años sin hacerlo el sello Oh Boy firmara a un nuevo artista. Todo fue gracias al ahora desaparecido John Prine, que confió en la fortaleza de esta cantante y compositora de tintes rurales que ya había editado dos álbumes de forma independiente en 2014 y 2016.

La última canción grabada por John Prine, "I Remember Everything", se ha convertido en directamente en No. 1 de la lista de ventas de canciones digitales de Billboard en el apartado de rock, suponiendo la más alta repercusión popular como intérprete del legendario músico, fallecido en Abril a consecuencia de la Covid-19. El tema, producido por Dave Cobb, fue grabado en la sala de estar de Prine el año pasado y no se había dado a conocer hasta que concluyó el homenaje virtual Picture Show: A Tribute Celebrating John Prine, en el que intervinieron Kacey Musgraves, Vince Gill, Bonnie Raitt, Margo Price, Sturgill Simpson, Jason Isbell y Amanda Shires, entre otros. Gracias a su emisión se ha recaudado recaudado casi medio millón de dólares para NAMI, Alive, Make the Road New York y MusiCares.

Ayer se editó Monovision, el nuevo trabajo de Ray LaMontagne, lo que significa un distanciamiento con respecto a sus últimas grabaciones y una vuelta a las formas de los contadores de historias de los 70 recobrando los elementos comunes sobre la disidencia. Hay un cierto encuentro de consuelo y tranquilidad en las cosas simples y en las personas cercanas. Su tema de apertura, "Roll Me Mama Roll Me", es la primera invitación del músico de New Hampshire a recrearnos en una calidez relajante envuelta en pura artesanía sonora que nos permite volver a las raíces. La escucha en la radio de "Treetop Flyer" del álbum Stills Alone de Stephen Stills fue lo que impulsó a Ray LaMontagne a convertirse en cantautor. Lo descubrió un ejecutivo de RCA mientras teloneaba a John Gorka y Jonathan Edwards y sus maquetas, grabadas de nuevo, vieron la luz con el título de Trouble en 2004. Ahí empezó todo.

Ayer se editaba el nuevo álbum de Will Hoge Tiny Little Movies, tras una batería de protestas viscerales que dieron forma a American Dream. El artista de Nashville no ha perdido su sentido crítico, ni endulza temas complicados como en el caso de una ruptura desordenada, que es el motivo de "Even the River Runs Out of This Town". Mantiene su crudeza, el tono reflexivo de su voz y nos hace comprender cuando las batallas están perdidas, siempre con algún acento que nos recuerde a Bob Seger, John Mellencamp o Tom Petty, y en ocasiones nos traiga a la memoria a Neil Young y sus Crazy Horse ya que Will Hoge grabó Tiny Little Movies con su banda de acompañamiento en las giras.

En septiembre de 2008, Old Crow Medicine Show grababan su tercer álbum de estudio, Tennessee Pusher, con la producción de Don Was. En aquel momento, una canción como “Motel In Memphis” pudo pasar inadvertida ante la importancia que los críticos dieron a temas como "Methamphetamine", pero Ketch Secor ha querido ahora concederle la notoriedad que merece volviendo grabarla y añadiendo un vídeo que hace referencia al Lorraine Motel en el que fue asesinado en 1968 Martin Luther King. Ketch Secor ha vuelto a contar con la formación más habitual del presente de Old Crow Medicine Show, que incluye a Molly Tuttle en la guitarra acústica, Cory Younts a la mandolina, Robert Price con el banjo y Morgan Jahnig como bajista y Jerry Pentecost en la batería. Con ellos nos citamos para mañana en la sintonía de Radio 3.

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BLACKBERRY SMOKE “Revival (Live From Capricorn Sound Studios)” (Betts) 3 Legged

WHISKEY MYERS “Bury My Bones” (Jeffers/Tennessee Jet) Wiggy Thump/Thirty Tigers

TENNESSEE JET “Stray Dogs” (Tennessee Jet) Thirty Tigers.

DANIEL DONATO & COSMIC COUNTRY “Luck Of The Draw” (Donato)  Cosmic Country

DANIEL ROMANO’s OUTFIT “Little Shirley Melrose” (Romano) You've Changed

MICHAELA ANNE “Good Times” (Malinowski/Anne/Outlaw) Yep Roc   

ERIN ENDERLIN “Fishin' in the Dark” (Waldman/Photoglo) Blaster

KELSEY WALDON “Kentucky, 1988” (Waldon) Oh Boy

JOHN PRINE “I Remember Everything” (Prine/McLaughlin) Oh Boy/Thirty Tigers

RAY LaMONTAGNE “Roll Me Mama, Roll Me” (LaMontagne) RCA

WILL HOGE “Even the River Runs out of This Town” (Hoge) EDLO/Thirty Tigers 

OLD CROW MEDICINE SHOW “Motel in Memphis” (Secor) Columbia



Manolo Fernández   27.jun.2020 14:04    

Manolo Fernández

Bio Toma Uno

Manolo Fernández es el director del programa Toma Uno, de Radio 3, un espacio que es, desde que empezó en 1973, una apuesta por la vanguardia, los géneros básicos de la música popular y sus fusiones... y las alternativas que nacen cada día. Su presentador y director, Manolo Fernández, ha estado en todas las emisoras de Radio Nacional de España, especialmente en Radio 3, donde sigue al frente del programa siendo considerado uno de los máximos especialistas en Americana Music.
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