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Viajando con Chillida por España

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Museo Chillida Leku

Cuando Eduardo Chillida realiza sus primeras obras en 1951, empieza a trabajar con el hierro, un material de raíz lumínica y telúrico. Decía que no podía trabajar con el mármol, porque estaba vinculado a la luz blanca del mediterráneo y el sentía que no pertenecía a esa luz, sino a "la luz oscura, que es la luz de toda la costa atlántica". El hierro es tierra y cielo, luz y terruño, por eso sus trabajos iniciales fueron en una fragua de Hernani. Para moldear ese material que vino del cielo fraguado en el calor producido por el rozamiento de los meteoritos con la atmósfera. Un material cósmico. Ideas recogidas en el catálogo Platón y los pájaros de Germán Huici, donde expone que Gaston Bachelard decía que las esculturas de Chillida eran "la música que surge del ruido".

Era un escultor que relacionaba la capacidad física y el arte, el cuerpo del artista integrado en su obra, algo que tiene que ver más con la escultura que con la pintura. Artista de muchas simbologías, basadas en la tierra, nunca realizó réplicas, aunque sí variaciones, trabajó pincipalmente el metal, la piedra o el cemento, buscando esa relación ancestral entre espacio, ser humano y entorno.

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Museo Chillida Leku

Por ese motivo su obra funciona en lugares tan dispares como Chillida Leku, San Sebastián, Tokio o Irán. El Museo de Hernani abre sus puertas el 17 de abril, tras permanecer cerrado casi una década. Un buen momento para visitarlo y disfrutar de su imaginario. En los jardines y bosque que rodean al caserío Zabalaga del siglo XVI, sus obras son como semillas, que surgen de la tierra y se unen en simbiosis con el entorno, relacionándose con el espacio para el que los pensó el escultor. Una comunión entre presente y pasado que pervive en el futuro.

La exposición inaugural, Eduardo Chillida. Ecos, incluye obras que abarcan desde finales de la década de los cuarenta hasta el año 2000, y profundiza en el desarrollo creativo del artista, el uso de materiales y la evolución de sus ideas a lo largo de su vida. Se pueden ver obras de hierro, granito, yeso y papel, en series significativas como las Gravitaciones (esculturas de papel donde el relieve y el vacío cobran especial importancia) y las Lurras (elaboradas con tierra chamota).

Muchas obras de Chillida permanecen en colecciones privadas, pero también esculpió otras que pueden disfrutarse en muchas ciudades, principalmente españolas. Su obra se introduce en los espacios abiertos de esas urbes. Su Lugar de encuentros cuelga en uno de los puentes que cruzan la avenida de la Castellana de Madrid, los Peines del viento se abren como interrogantes dirigidos al mar de San Sebastián, la Plaza de los fueros en Vitoria se configura como uno de sus grabados, la plancha de acero Lo profundo es el aire dinamiza el muro del museo de Escultura Española del siglo XVII en Valladolid; su Topos V se abre en la Plaza del Rey en el barrio gótico de Barcelona. Como una ermita abierta en su tejado está la Casa de Goethe en Francfurt; como un barco varado mirando al árbol mítico su Gure Aitaren Etxea en Guernica; o como un abrazo su Tolerancia en los Muelles de la Sal en Sevilla; o Besarkada en Lausana; su última gran obra Berlín está en la entrada de la Cancillería.

Gure Aitaren Etxea (Guernica)

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Foto Wikipedia

La música como construcción de tiempo y espacio. En Guernica, donde los bombardeos rompieron con esas dos dimensiones, Eduardo Chillida, instaló 50 años después Gure Aitaren Etxea (la casa de nuestro padre), un memorial a las víctimas. A 200 metros del árbol de Gernika. "Tiene la forma de una proa abierta para testimoniar la voluntad de avanzar del pueblo vasco", explicaba Chillida ante su obra. Concibe esta escultura como una casa y un barco abiertos, un espacio que se activa extraordinariamente al bordear la escultura. Muros abiertos por un enorme hueco que representa la ventana que comunica con el árbol y una estela funeraria de acero instalada en uno de los muros de la obra, un símbolo de paz, que según el escultor "trata de establecer un contrapunto con el árbol de Gernika, un diálogo con el entorno", ese eje de referencia sobre el que gira su obra. 

El peine del Viento (San Sebastián)

Peine del viento (San Sebastián) @angelaGonzaloM
Foto @angelaGonzaloM

"El peine del viento es una interrogación sobre el futuro, un homenaje al viento, al que admiro mucho, y a mi pueblo, el donostiarra", decía Eduardo Chillida, mientras recordaba como iba de pequeño a la playa para otear el horizonte y saber de dónde procedían las olas. En San Sebastián está su obra más conocida y emblemática El peine del Viento, un conjunto de tres esculturas de acero instalado en un extremo de la bahía de La Concha. Las olas, el mar y el viento se funden con las esculturas. Pesan 10 toneladas cada una y están incrustadas en unas rocas azotadas por el Cantábrico. Quedan recogidas pero sin evitar el raso, mientras son abatidas por los encolerizados elementos de la naturaleza. Desde su instalación se ha convertido en una seña de identidad de la ciudad guipuzcoana.

Las tres grandes esculturas, de dos metros de altura cada una, forman parte de una serie de piezas que el artista inició en 1952 tras regresar de París y aúna la labor de todos los que colaboraron en su creación. Peña Ganchegui diseñó la plaza que culmina en las tres esculturas. El arquitecto integró en la abrupta orografía de la costa, una serie de plataformas, gradas y espacios con adoquines de granito rojo de Porriño. En el pavimento pueden apreciarse una serie de surtidores a través de los cuales, los días de fuerte oleaje, brota con fuerza aire con salitre.

Elogio del horizonte (Gijón)

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Foto: Cuaderno de Cultura Científica

En la costa cantábrica se alza su Elogio del horizonte, un encofrado de hormigón de 10 metros de alto, situado en Gijón. Diez metros de alto y 500 toneladas, hacen frente también a los elementos desde el Cerro de santa Catalina. Son dos pilares que actúan como soportes de una elipse abierta. Dos brazos desnudos y fríos parecen acoger a un cuerpo liviano que quiere volar. El cielo es el techo, en cuyo interior suena la música del viento cuando choca contra las piedras. Chillida intervino en cada una de las etapas del proceso y a pesar de ser de hormigón, la escultura es un elogio a la naturaleza, con un monolito abierto que se conecta a la tierra. Es como un refugio, con una ventana abierta al mundo y las puertas abiertas para cobijarse del viento.

Porta da música (Santiago)

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La cuarta escultura de Chillida que encontramos en el norte de España es Porta da música, en Santiago de Compostela. Una ciudad clásica con una obra moderna. Otro de los lenguajes que utiliza el escultor vasco para que dialoguen sus esculturas. Tiene forma de puerta entre cuyos márgenes se encuadran las torres de la catedral compostelana, visible en el horizonte. Está creada así para que la fuerza del viento proyectada sobre la pieza produzca un armonioso sonido. Con esta obra, el artista le rinde homenaje no sólo a la catedral, sino también al Camino de Santiago, que penetra en el casco viejo de la ciudad unos metros más abajo del emplazamiento de la escultura. Situada en el parque de Bonaval, en el casco viejo compostelano conjuga tradición y modernidad.

Homenaje a Jorge Guillén (Valladolid)

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Dirigiéndonos hacia el centro de la península, otra ciudad mantiene diálogos entre la historia y la modernidad. En Valladolid, junto al colegio de San Gregorio, en la calle Cadenas de San Gregorio, el artista ofreció su Homenaje al poeta vallisoletano, Jorge Guillén. Al contrario de otras obras al aire libre, y como la de Santiago, esta es una escultura intimista. Pegada junto al muro, en un espacio compartido por un banco de piedra y una frágil encina, confiere un contrapunto efímero y poético. Pertenece a la serie Lo profundo es el aire y se inspira en los versos que Guillén dedicó a su ciudad. En esta obra establece los límites espaciales mediante formas que se ensamblan, se funden y se complementan, delimitando con nitidez la materia y el vacío, y aludiendo al aire y al viento, los dos elementos que le dan significado a su obra a cielo abierto. Es un muro metálico entre los que discurre la añoranza de Guillén por su ciudad y en el que dialogan el pasado, presente en el muro de piedra de la capilla del siglo XV y la textura oxidada del XX. Curiosamente fue en la capital castellanoleonesa, donde se truncó la carrera futbolística del escultor vasco.

La Sirena Varada (Madrid)

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Foto Wikipedia Luis García 

En Madrid encontramos bajo el puente que une Juan Bravo con Ruben Darío sobre el Paseo de la Castellana, la Sirena varada. Esta obra de más de 6.000 kilos está suspendida por cuatro gruesos cables de acero. Chillida decía que "el hombre vivo, hace viva la materia". Pertenece a la serie "Lugar de encuentros", y es una obra colgada en el aire que no se mueve, una inmovilidad que debe romper el espectador al mirarla desde diferentes puntos, al pasar por debajo de ella y dar vueltas a su alrededor.

El autor explica con estas palabras el sentido último de su obra. "Al hormigón llego como siempre, por el problema de análisis espacial. Con este material se habían hecho muchas cosas, pero nunca se le había suspendido en el aire, lo cual contradice todas sus leyes. El asunto vino en función una vez más de una visión que tuve de una grúa en acción: el espacio cambia cuando un objeto está en el suelo o cuando es levantado; el peso levantado cambia la acción del espacio. […] Con el hormigón, en concreto, me interesaba producir una rebelión a partir del peso. En cuanto a la forma, el tema requiere un espacio interior muy definido y muy amplio. Yo no hago sino colaborar con esa función ascendente, que es como la de un globo. En cierta manera estas esculturas tienen pulmones; creando un vacío dentro que tiene una función ascendente".

Monumento a la tolerancia (Sevilla)

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En Sevilla el escultor guipuzcoano instaló su Monumento a la torelancia, junto al muelle de la Sal. Financiada por la Fundación Amigos de Sefarad, está junto al paseo de Colón, el puente de Triana y el río Guadalquivir y fue inaugurada coincidiendo con la Exposición Universal de Sevilla en 1992. La obra conmemora el edicto de Granada por el que los Reyes Católicos expulsaron a los judíos de todos sus reinos, y recuerda la ejecución de cinco miembros de una familia de aquella época. La obra está formada por dos piezas de acero enfrentadas, con la que el artista trata de reflejar el diálogo. Chillida dijo que "la idea del monumento es que algún día en Sevilla, el pueblo judío, el árabe y el cristiano volvieran a darse la mano". La obra, de grandes dimensiones -5 metros de alto y 12 de largo- da la espalda al río y al castillo de San Jorge (antigua sede de la inquisición en la capital andaluza) y mira a la ciudad, como si pretendiera acogerla con los brazos abiertos.

Elogio del agua (Barcelona)

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Otro elogio a otro elemento de la naturaleza lo encontramos en el parque de la Creueta del Coll en el distrito de Gracia de Barcelona. En esta antigua cantera reconvertida en parque instaló en 1987 su Elogio del agua. El bloque de hormigón pasa a tener un dinamismo al ver sus tres grandes garras alargarse para tocar el agua. El artista quería que, como el mito de Narciso, la obra se reflejase en el agua, y resalta que "yo hago la mitad de la escultura y la otra mitad la hace el agua". El Elogio del agua es una obra en hormigón que juega con su reflejo en la plancha de agua del parque a la vez que se sostiene de dos cables como sus gravitaciones, esos papeles colgados de dos cuerdas, que conforman en vez de un dibujo, un relieve en papel. Esta escultura coincide en el tiempo con la aparición de sus excelentes piezas en papel. La parte superior, definida por las líneas rectas y geométricas, se combina con una parte inferior cargada de curvas y concavidades en forma de grandes garras que parecen querer tocar el agua. En la ciudad condal tiene dos obras públicas más, Topos V, situada en la Plaza del Rey y Barcelona 1998, en la Plaza de los Ángeles.

Lugar de encuentro (Ciudad de Palma)

Lugar de encuentro en Palma

Y acabamos de nuevo en el mar. Lugar de encuentro en la Rambla de Palma, es una obra en la que conviven el arte y la ciudad mallorquina. Se trata de otra escultura de gran volumen con huecos o entradas para que los ciudadanos puedan jugar con la obra, dando una sensación de temporalidad. Son tres "Y" en forma de horquillas invertidas, que se apoyan en un equilibrio aparentemente inestable construyendo un espacio interno, un lugar de encuentro. Su contacto con el suelo es mínimo y su punto de apoyo son los tres vértices de cada Y. Porque un lugar de encuentro es pasajero, de corta duración en el que aparece un lugar interior, una cueva o un escondrijo.

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Ángela Gonzalo del Moral   17.abr.2019 10:18    

Notre Dame, la catedral que perdimos

Notre Dame y Quasimodo

La catedral de Notre Dame de París no se ha perdido para siempre, pero sí ha sufrido graves daños, tras el incendio que sufrió ayer. Ubicada en la isla de la Cité, en medio del río Sena, la Catedral de Notre Dame comenzó a construirse en 1163, pero las obras acabaron en 1345. Ahora, casi 900 años después, un incendio ha provocado parte de su destrucción. Pero vale la pena recordar la grandeza de este monumento histórico que ha convivido con París, sobreviviendo a todos sus avatares históricos.

Su construcción se inició cuando la ciudad resurgía económica y políticamente, y cuando el clero urbano comenzaba a tener una gran influencia, lo mismo que la burguesía adinerada. Como todas las catedrales góticas era un símbolo de prosperidad. El lugar escogido para su construcción ya había acogido otros edificios religiosos de la época celta, romana y la basílica de Saint-Etienne, la primera iglesia cristiana de París. Dedicada a María y de estilo arquitectónico gótico, atrae a unos 14 visitantes cada año. Las dos emblemáticas torres que presiden su fachada miden 69 metros de altura, mientras que la desaparecida aguja, instalada en el siglo XIX, alcanzaba los 93 metros.

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De su construcción destaca la fachada principal, que presenta un conjunto proporcionado con gran riqueza de detalles. Este grupo monumental destaca por el rosetón (que ha quedado intacto) y las 3 puertas: de la Virgen, del Juicio Final y de Santa Ana. Sobre ellas está la galeria de los reyes, formada por 28 esculturas de los reyes de Judea e Israel, aunque fueron destruidas durante la Revolución francesa por considerar que representaba a los reyes de Francia.

Este incendio no es la única afectación del edificio, que ha sufrido alteraciones a lo largo de los siglos, como en el XVII, cuando reinaba Luis XIV, que se retiraron sepulcros y vidrieras para sustituirlos por elementos típicos del barroco. Durante la Revolución francesa, se destruyeron varias partes y robaron algunos de sus tesoros acabando convertida en un almacén de alimentos.

Notre Dame mira a París

En su interior se preservaban tres reliquias de Cristo, la corona de espinas, un clavo y parte de la cruz y también acogía una capilla de la Virgen de Guadalupe. Las llamas devoraron la armadura de madera de más de 100 metros de largo conocido como "el bosque" debido "al gran número de vigas que hubo que utilizar para instalarlo, cada una procedente de un árbol". El interior destaca por la luminosidad que aportan sus ventanales con bóvedas y tracerías muy simples y una decoración escultórica de capiteles y elementos ornamentales vegetales. Preside el centro del ábside, la Piedad, esculpida por Nicolas Coustou, en el siglo XVIII y destaca la sillería del coro y las vidrieras.

Patrimonio de la Humanidad desde 1992, tiene el órgano principal, obra de Aristide Cavaillé-Coll, una caja adornada con autómatas y fue elegida como el "punto cero" de París. Junto a la catedral hay un medallón en forma de Rosa de los Vientos que señala ese punto concreto.

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Unos de los objetos más característicos son sus gárgolas, añadidas en el siglo XIX que tienen la función de evacuar el agua de los tejados durante las lluvias, aunque han sido protagonistas de numerosas leyendas. Algunas de ellas explican que cuando quemaron en la hoguera a Juana de Arco, las gárgolas despertaron y sobrevolaron París para vengar su muerte. Se hicieron famosas después de que Víctor Hugo, escribiera la historia de El Jorobado de Notre Dame en la novela Nuestra Señora de París, ambientada en la Edad Media y que cuenta la desdichada historia de amor de Quasimodo con la gitana Esmeralda.

Así la definía el escritor: "Y la catedral no era sólo su compañera, era el universo; mejor dicho, era la Naturaleza en sí misma. Él nunca soñó que había otros setos que las vidrieras en continua floración; otra sombra que la del follaje de piedra siempre en ciernes, lleno de pájaros en los matorrales de los capiteles sajones; otras montañas que las colosales torres de la iglesia; u otros océanos que París rugiendo bajo sus pies. (Víctor Hugo, Nuestra Señora de París, 1831).

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En su interior se vivieron momentos importantes de la historia de Francia, como la beatificación de Juana de Arco (1909), las coronaciones de Enrique VI de Inglaterra (1429) y Napoleón Bonaparte (1804) y se celebró la despedida religiosa del expresidente Charles de Gaulle. Tras la revolución francesa sufrió la profanación de la imaginería religiosa, destruyendo parte de sus obras de arte.

El histórico edificio ya había superado varias obras de restauración a lo largo de su vida. A mediados del siglo XIX y durante más de dos décadas fue restaurada por Eugène Viollet-le-Duc, que le añadió la aguja central, colocaron un rosetón al sur y se reconstruyeron todas las capillas interiores y los altares y se añadieron numerosas gárgolas que han acabado configurando su característica imagen. En el período de la Comuna de París, casi fue incendiada.

En 1963 se retiró hollín de la fachada, otorgándole su color original y entre 1991 y 2000 se realizaron varias tareas de limpieza y restauración. La última, iniciada en abril de 2019, es la que ha provocado el incendio que ha supuesto la pérdida de gran parte del edificio.

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Ángela Gonzalo del Moral   16.abr.2019 01:31    

Groenlandia, tierra para aventureros

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Tendría que haber vuelto a Málaga, pero Manuel Calvo Villena, explorador y aventurero, sigue atrapado por una tormenta en la población groenlandesa de Qaanaaq. Según explica en el diario malacitano "La Opinión" la tempestad les ha dejado incomunicados y su vuelo de regreso a Llulissat, ha sido cancelado en varias ocasiones. Manuel Calvo, no ha podido finalizar su aventura de cruzar de Groenlandia a Canadá por las aguas heladas del Ártico. A pesar de que es una tormenta de nieve, el fenómento atmosférico que lo tiene aislado, el calentamiento global, ha desecho parte del casquete polar y en donde tenía que tener un suelo de hielo, tenía agua. Mar abierto. Imposible continuar el viaje, porque la fina capa de hielo, no puede resistir el peso del trineo y los perros. El único medio de transporte que estaba utilizando para conseguir su quinto Desfío del Ártico.

Calvo inició a mediados de marzo un largo viaje de 400 kilómetros desde Groenlandia a Canadá, con la única ayuda de 16 perros y un colaborador inuit, Hans. Era su quinta edición Desfío Ártico, un programa con diferentes objetivos, que van desde la experiencia vital y de aventura del propio explorador, a la investigación, recogiendo muestras de la superficie helada y la convivencia con perros, para reflexionar sobre la necesidad mutua de animales y humanos para sobrevivir en esas condiciones extremas. Ambos han compartido muchas pruebas de supervivencia a lo largo de la historia.

Manuel elabora, desde hace cinco años, un censo de los perros autóctonos de Groenlandia y documenta in situ los efectos del cambio climático, que alteran drásticamente el ecosistema y la forma de supervivencia de los habitantes de las poblaciones situadas en esta área del planeta. Además, colabora con la Universidad de Málaga aportando muestras biológicas de la zona para la investigación que desarrollan desde hace años los científicos del centro universitario y ha comenzado a difundir en los colegios andaluces la cultura de los habitantes y los perros de esta inhóspita región.

Exploradores del Ártico

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Paso del Noroeste - Northwest passage Foto Wikipedia

El Ártico, junto con la Antártida son una de las regiones más desoladas y deshabitadas del planeta. Durante milenios su acceso fue imposible para el ser humano (al menos que esté documentado) y fue un destino soñado por exploradores y científicos. Hace 110 años que el contralmirante estadounidense Robert Peary, dijo haber alcanzado el Polo Norte. Frederick Cook, aseguraba que esa gesta la había conseguido un año antes, aunque investigaciones posteriores señalan que se quedó a pocos kilómetros del polo, aunque nunca sabremos quién llegó primero y ni siquiera si alguno de los dos lo consiguió.

El noruego Roald Amundsen fue el primer hombre en recorrer el Paso del Noroeste, que une los océanos Pacífico y Atlántico, aunque en este caso era por el continente americano a través del estrecho de Davis y Bering. En su época tuvieron grandes problemas de cruzar por el Ártico helado, debido a las grandes capas y bloques de hielo, que impedían continuar el camino. Todo lo contrario de lo que le ha ocurrido a Manuel Calvo, que se ha topado con zonas en las que no se podía continuar, por falta de hielo. Este pasaje, que acabó con la vida y las ilusiones de muchos expedicionarios, podría abrirse al transporte comercial sin la necesidad de necesitar rompehielos, lo que significaría una tragedia ecológica y medioambiental en la zona. Otro aventurero que alcanzó el Polo Norte, de forma bastante original, fue el italiano Umberto Nobile, diseñó un dirigible que despegó de la isla noruega de Svalbard con 16 tripulantes y en una hora alcanzó el polo, aunque la meteorología les obligó a aterrizar en un lugar no prevsito, la comunidad inuit de Teller.

No fue hasta el invierno de 1968-69, cuando el británico Wally Herbert, llegó a pie al Polo Norte tras una travesía de 16 meses y 6.000 kilómetros, saliendo de Alaska y llegando a Noruega. El canadiense Richard Weber, ha realizado seis expediciones al Polo Norte, y ha liderado más de 40 expediciones a la zona. En 2006, junto al británico Conrad Dickinson, llegaron utilizando solo raquetas de nieve.

Patrimonio de la Humanidad en Groenlandia

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Foto Twitter

Situado en la parte central del noroeste de Groenlandia, se encuentra Aasivissuit-Nipisat, unos cotos de caza marítimos y glaciares de los inuits. Más al norte está el fiordo helado de Ilulissat, uno de los pocos glaciares más activos y rápidos del mundo, con una progresión de 19 metros diarios, por los que la capa de hielo de esta inmensa isla se evacúa hacia el mar. Más al norte todavía, encontramos Kujataa, un ejemplo de agricultura nórdica e inuit que encierra testimonios de las historias culturales paleo-esquimales y de migraciones de granjeros nórdicos y cazadores inuit, desarrollados entre los siglos X y XVIII. Un paisaje que atestigua la agricultura en el casquete Ártico y la primera instalación de un asentamiento nórdico fuera de Europa. Todos estos lugares han sido catalogados por la Unesco, como patrimonio de la Humanidad.

Fiordo helado de Ilulisat

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© M & G Therin-Weise

Situado en la costa occidental de Groenlandia, a unos 250 km al norte del círculo polar ártico, el fiordo helado de Ilulissat es el lugar de desembocadura del Sermeq Kujalleq, uno de los pocos glaciares por los que la capa de hielo de esta inmensa isla septentrional se evacua hacia el mar. Patrimonio de la humanidad desde 2004, es uno de los glaciares más activos y rápidos del mundo, con una progresión de 19 metros diarios. Su volumen anual de evacuación de hielo es superior a 35 km3 y corresponde al 10% de la producida por todo el casquete de hielo de Groenlandia. De todos los glaciares existentes fuera del Antártico, el Sermeq Kujalleq es el que produce una mayor masa de icebergs. Las observaciones de que viene siendo objeto desde hace más de 250 años han permitido un mejor conocimiento de los cambios climáticos y la glaciología del casquete polar. Su inmensa masa de hielo, unida al ensordecedor estruendo que provoca su desplazamiento rápido hacia el mar en el fiordo lleno de icebergs, es un fenómeno de la naturaleza sobrecogedor y espectacular.

Kujataa, agricultura nórdica e inuit

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Foto: © Niels Christian Clemmensen / Christian K. Madsen

Kujataa es un paisaje agrícola subártico situado en la región sur de Groenlandia. Encierra testimonios de las historias culturales paleo-esquimales –de los pueblos cazadores-recolectores llegados de Islandia a partir del siglo X–, y de las migraciones de granjeros nórdicos, de cazadores y otras comunidades inuit que se desarrollaron a partir de finales del siglo XVIII. A pesar de sus diferencias, estas dos culturas –la nórdica groenlandesa y la europea inuit– y las condiciones ambientales específicas del lugar crearon un paisaje cultural basado en la agricultura, el pastoreo y la caza de mamíferos marinos. Este paisaje, reconocido su valor por la Unesco en 2017,  atestigua de la más antigua introducción de la agricultura en el Ártico y de la primera instalación de un asentamiento nórdico fuera de Europa.

Aasivissuit-Nipisat, Cotos de caza marítimos y glaciares de los inuits

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Foto: © Jens Fog Jensen

Situado en la parte central del noroeste de Groenlandia, este sitio posee vestigios ilustrativos de 4.200 años de la historia de sus poblaciones indígenas que han configurado todo un paisaje cultural con sus hábitos de caza de animales marinos y terrestres, migraciones estacionales y su rico e intacto patrimonio cultural inmaterial vinculado al clima, la navegación y la medicina. Elementos característicos de este sitio son las grandes casas para pasar la temporada invernal, las huellas de las partidas de caza del caribú y los yacimientos arqueológicos de la cultura inuit, tanto la prehistórica como la histórica. Declarado Patrimonio de la Humanidad en 2018, está integrado por siete localidades importantes. Desde la de Nipisat, situada al oeste, hasta la de Aasivissuit, situada al este en las proximidades del casquete polar, el paisaje cultural de este sitio es una muestra de la perdurabilidad de las culturas humanas de Groenlandia y de sus ancestrales migraciones estacionales.

Nuuk

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Foto Wikipedia / Oliver Schauf

El aeropuerto de Nuuk es pequeño, pero sirve de conexión para viajar a otros lugares de la isla, que como no tiene carreteras, obliga a moverse en avionetas, la mayoría de las conexiones son con la aerolínea local Air Greenland que viaja a Kangerlussuaq y Narsarssuaq.

Ubicada en la desembocadura de un fiordo, esta ciudad de menos de 20.000 habitantes, aunque interesante, no tiene importantes atractivos turísticos. Situada en la falda del monte Sermitsiaq, es tranquila y relajada, donde destacan las casitas de colores, principalmente azules, verdes y rojas, aunque también hay bloques de pisos y con una geografía muy desigual con numerosos montículos. Uno de los edificios más destacados y sorprendentes es el centro cultural Katuaq, un local moderno, inspirado en las auroras boreales, también hay que reseñar el antiguo puerto colonial danés, donde se encuentra la vivienda más antigua: la casa amarilla de Egede, el colonizador de la ciudad, que tiene una estatua en una de las colinas que conforman la capital groenlandesa. Otro edificio histórico es la catedral roja, la iglesia de Nuestro Salvador y el museo nacional, dedicado a lo cultura inuit.

Si viajas, tienes que tener en cuenta que en agosto, las temperaturas siguen siendo habitualmente por debajo de los 10 grados y con fuertes vientos. No es extraño que los vuelos sean desviados a otras ciudades. Uno de los souvenirs más típicos son los tupilaqs, amuletos fabricados por los chamanes con huesos, piel y pelo de animales, principalmente de caribú, foca y colmillos de cetáceos, principalmente narval, un unicornio marino. Otra de las compras curiosas es la ropa groenlandesa. También hay que tener en cuenta, que es un lugar muy caro.

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Ángela Gonzalo del Moral    8.abr.2019 15:31    

La floración: colores y olores atraen a miles de turistas

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Foto: angelaGonzaloM
Estos días los campos del hemisferio norte se cubren de colores. Lilas, blancos, amarillos, rojos..... Las flores se desperezan, al principio poco a poco, pero luego muestran sus delicados pétalos de forma coordinada. De Japón a Estados Unidos.
 
Los que más llaman la atención, los más mediáticos, son los cerezos, principalmente en Japón, China, el Valle del Jerte o Washington. En Polonia florece el azafrán, en el desierto de Estados Unidos, amapolas de un brillante naranja iluminan la tierra árida. Le llaman la superfloración. Las diferentes especies se diseminan a distinta altura. En los Andes chilenos, el de Atacama  -el más árido del mundo-, cuando aparecen las inusuales precipitaciones, se abren sitio entre la tierra una minúsculas flores, igual que en el Valle de la Muerte, en Estados Unidos. 
 
Hace unas semanas lo hicieron los almendros, las camelias.....  Más tarde llegarán los girasoles, la lavanda, ciruelos, manzanos, melocotoneros, amapolas, piornos.... Algunas de esas atracciones de la naturaleza están cerca de nosotros.... otras se producen más lejos.... incluso, muy lejos.
 
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Foto: angelaGonzaloM
 
Los cerezos son una imagen ligada a Japón o al Valle del Jerte. Ver estos árboles cargados con flores rosadas y blancas, es un motivo suficiente para que decenas de miles de personas viajen a esos lugares para presenciar este mágico fenómeno de la naturaleza. Y los centros de promoción turística, se apresuran en dar toda la información para que puedan llegar a tiempo. Los servicios meteorológicos facilitan las fechas en que eso sucederá. Dependiendo del lugar, la floración de los cerezos se produce este año entre el 18 de marzo y el 4 de mayo. En Sapporo, Japón, está previsto para esa fecha. En Tokio la última semana de marzo, volvió a inundar de blanco los más de mil ejemplares de Shinjuku Gyoen o las zonas de picnic de Yoyogi. 
 
Glicinias Japón
Foto: twitter
 
En ese país del lejano oriente, donde se cultivan con esmerado cuidado plantas, árboles y flores, a finales de abril aparecen las glicinias, que cubren de variados colores los túneles artificiales de los jardines de Kawachi Fuji. Es una maravilla pasear por debajo de unos 22 tipos de glicinias de diferentes colores. Una época idónea para caminar por el jardín multicolor de Shikisai-no-oka, donde florecen al mismo tiempo unas 30 variedades como lavanda, lupino, girasoles....en la isla de Hokkaido. 
 
Además del colorido las flores nos aportan fragancias, como las flores de azahar en la primavera sevillana, o las jacarandas. La lista sería interminable.

Amapolas y girasoles

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Foto Living en Carmona
 
Dentro de unas semanas los campos se cubrirán de rojo, cuando las amapolas inicien su despertar en Toledo. En Polán han revitalizado su actividad económica con esta floración. En Treviño y los valles alaveses hay localizadas unas 80 hectáreas de estas flores, tiñendo sus campos de rojo o malva. En La Bureba o el Valle de Tobalina hay miradores para permiten capturar esta belleza y lo mismo ocurre con los girasoles.
 
En Carmona, en los últimos años han vivido un fenómeno sin precedentes: miles de japoneses viajan hasta la localidad sevillana, atraídos por sus campos de girasoles, convertidos en un mar amarillo.... el problema de este tipo de turismo, es que muchas veces se olvidan que son tierras cultivadas, y muchos se adentran en los campos para hacerse un selfie o una fotografía en grupo... destrozándolos. Claro, que en los municipios cercanos han encontrado un negocio.... Taxistas, guías o artesanos, que fabrican todo tipo de productos relacionados con esta planta (abanicos, llaveros, imanes, paquetes de semillas). La empresa Girasoles de Carmona, ofrece rutas por sus campos y piden apadrinar un girasol. El padrino recibe una fotografía siguiendo las fases de crecimiento de la planta. 
 
D1iqkfyWkAEoXXM Foto @Fruiturisme Aitona
Foto @Fruiturisme Aitona
 
Los melocotoneros de la población murciana de Cieza, cambian de color en pocos días, transformandose en un manto que va del rosa al rojizo. Suele producirse entre febrero y marzo y esa gran extensión de frutales no dejan indiferente al visitante. Tienen tres rutas de floración, de unos 10 kilómetros cada una, que complementan con concursos de fotografías, menús típicos de la región, almuerzos camperos junto al río Segura, actuaciones musicales, mercadillos o visitas a lugares de atractivo turístico, como el despoblado islámico de Medina Siyasa. Otras rutas importantes de melocotoneros son la ciudad de Cuenca, la turolense Calanda o poblaciones situadas en la depresión del Ebro en Aragón y Cataluña. En el sur de la provincia de Lleida los agricultores también organizan visitas guiadas o en globos. Con más de 20.000 visitas, quieren que no todo se quede en la primavera, sino que visiten las poblaciones del Segrià y el Plà d'Urgell durante el verano para participar en actividades relacionadas con la recogida de los frutos. 

Tulipanes y lavanda

Lavanda-provenza
Foto: angelaGonzaloM
 
En Holanda, desde mediados de marzo hasta finales de mayo, encontramos la carretera de las flores, con más de 50 kilómetros de campiña holandesa convertida en un mar de tulipanes, la flor nacional y de la que se pueden disfrutar de unas 150 especies y unas 500 variedades. En el parque Kaukenhof, se han plantado más de siete millones de bulbos de flores. En otros lugares se mezclan con los crocos, jacintos, narcisos y lirios.
 
El paisaje de la provenza francesa se tiñe de malva, lila y violeta con la aparición de la lavanda o la lavandina en los valles de la región. Especialmente atractivo es Le Plateau de Valensole, pero hay siete rutas de lavanda que se pueden recorrer en coche, en bici o en moto, un viaje que permite descubrir magníficos pueblos provenzales con casas y calles de piedras, pequeñas iglesias y plazas con terrazas. Las colinas, por las que se extienden viñas y olivos, permiten comprobar esa explosión de color. La floración va de mediados de junio a mediados de julio y encontraréis museos de lavanda, destilerías, productores de jabones, miel, dulces, sin olvidar las fiestas que se organizan coincidiendo con esta floración. En España destacan los campos de Brihuega en la provincia de Guadalajara. Y entre junio y principios de septiembre la lavanda también surge con fuerza a pocos kilómetros de Londres.
 

Durante todos los meses, las flores que abandonan la hibernación nos sorprenden con sus diminutos capullos que cubren en pocos días sus ramas desnudas, ofreciéndonos cada año este espectáculo tan bello como efímero. 
 
 
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Ángela Gonzalo del Moral    3.abr.2019 10:15    

La Torre Eiffel, cumple 130 años, muy bien llevados

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A las 13.30h del 30 de marzo de 1889, Gustave Eiffel, izó la bandera tricolor francesa en la cima de la torre que lleva su nombre. Estaban presente las primeras personalidades de París, el Gobierno y los responsables de la Exposición Universal, que se celebraba aquél año en la ciudad de la luz.

Fue un hito arquitectónico de finales del siglo XIX, convertido en emblema de la ciudad de París, la torre Eiffel cumple hoy 130 años, sin morir de éxito. Tras dos años, dos meses y cinco días de trabajos, se inauguró para la Exposición Universal un día como hoy de 1889, aunque los parisinos no pudieron visitar esta mole de 324 metros de altura y 10 toneladas de peso, hasta el 15 de mayo. Diseñado por Gustave Eiffel, costó casi 8 millones de francos y participaron 50 ingenieros y 250 obreros.

 

Actualmente hay repartidas unas 30 copias por todo el mundo. En el hotel casino París Las Vegas, de Estados Unidos, en Grecia, Durango o Tianducheng. Pero la original, y la más bonita, es el monumento más visitado del mundo, con 7 millones de turistas anuales.

Subir a la Torre Eiffel

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Foto @ParisJeTaime

Si queréis subir a la cima, para ver las impresionantes vistas de la ciudad, los mejores momentos son a primera hora de la mañana o al anochecer, cuando se disfruta también de las luces de la capital parisina. Se puede acceder a pie (hasta el segundo piso) o en ascensor (16€ al piso 2, y 25€ al superior). La diferencia de precio es muy poca y el reto son 1.665 escalones, si os decidís por esta opción recordad que se puede subir por 10€ hasta las dos primeras plantas de la torre. Desde julio a septiembre el horario de entrada es de 9 a las 00:45 y el resto del año de las 9.30 a las 23.45h. Por las escaleras, solo hasta las 18.30h.

Para evitar las largas colas, que pueden suponer más de una hora de espera, es aconsejable comprar las entradas por venta anticipada en su web oficial (49€) . Las paradas de metro más cercanas son Trocadero, donde paran las líneas 6 y 9 o si preferís la línea 8, hay que bajar en l'Ecole militare.

De monumento temporal a símbolo universal

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Foto @ParisJeTaime

Fue pensada como una obra temporal, por eso su armazón es desmontable, sin embargo a principios del siglo XX, se colocó una antena de radio y pasó a ser un edificio imprescindible para el ejército. De hecho, durante la Primera Guerra Mundial funcionó como radio militar con el objetivo de interceptar los mensajes de Berlín. Se dice que en uno de esos mensajes codificados se localizó la verdadera identidad y la doble vida de Mata Hari, Margaretha Geertuida Zelle. Acusada de espionaje fue fusilada el 15 de octubre de 1917.

Entre las anécdotas que se cuentan, está el intento de venderla. Victor Lustig, un gran timador, trató de vender el monumento en dos ocasiones. En una de ellas consiguió engañar a un comerciante, alegando que el ayuntamiento la ponía a la venta, porque no podía mantenerla. Al final no tuvo éxito.

Adolf Hitler visitó el monumento, durante su presencia en París, aunque tuvo que conformarse con verla desde su base, porque tenía que subir a pie 1.660 escalones, ya que la resistencia había cortado los cables de los ascensores para impedir que fuera tomada por los nazis.

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Foto © Musée #Carnavalet/Roger-Viollet

Otras curiosidades que llaman la atención es que Roger Moore mantiene una reunión en la torre con un contacto del Tibet; en 1963 la visitó el astronauta, Yuri Gagarin; Edith Piaf, participó en la gala de presentación de Le jour le plus long, y Buffalo Bill la visitó en agosto de 1889. En 1948, un elefante del circo Bouglione, llegó hasta el primer piso, subiendo 347 escaleras; ha tenido incluso una Miss Tour Eiffel, -la joven Jacqueline Vialle- y en 1912, el sastre Franz Reichelt, probó un paracaídas que había inventado, pero se precipitó al vacío. En la tercera planta, hay una representación de la cena que compartieron Thomas Edison, inventor del fonógrafo y Gustave Eiffel, el padre de la "dama de hierro".

Actualmente es uno de los monumentos más solidarios del mundo. Su esbelta figura, se ha cubierto con la bandera tricolor francesa o de otros países, para denunciar ataques terroristas, se apaga para recordar la hora del planeta, se "disfraza" para reivindicar numerosas luchas sociales, o se ilumina de gala para recibir cada año nuevo. Estos días está de fiesta, con numerosas actividades, que volverán a repetirse a partir del 15 de mayo, cuando la ciudad de París, descubrió este monumento, que entonces no sabía, sería su símbolo más universal, emblemático y envidiable.

Ya lo dijo Gustave Eiffel, "estoy celoso de esta torre. Ella es más célebre que yo".

 

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Ángela Gonzalo del Moral   31.mar.2019 14:26    

Leonardo da Vinci y el renacimiento del Valle del Loira

El valle del Loira en bicicleta

(La Loire à Vélo)

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Hubo un tiempo en que la capital de Francia estuvo en el Valle del Loira. Era un lugar estratégico, bien comunicado y una zona muy rica. El río era la arteria económica del centro del país , y allí, entre los bosques de Sologne, Francisco I, uno de los reyes más violentos de la historia de Francia, también uno de los más inteligentes, construyó el castillo de Chambord. Fue el inicio del renacimiento francés, impulsado por su admirado artista, Leonardo da Vinci. Este año se cumplen 500 años de la muerte del genio italiano y el valle se vuelca para celebrarlo

El valle del Loira nos permite adentrarnos en la historia, en un apacible viaje en bicicleta. De los 900 kilómetros de vías ciclistas o pistas poco frecuentadas que recorren el río, solo vamos a realizar unos cuantos kilómetros. Nuestro objetivo son los castillos reales más importantes entre los siglos XV y XVI. Y los hemos escogido porque significó el renacimiento cultural y político de Francia, marcado por dos personajes, uno el rey Francisco I y otro más efímero, pero que fue el alma de ese movimiento: Leonardo da Vinci. Fallecido al poco de llegar a la región, hace ahora 500 años. 

Meung-sur-Loire, castillo de obispos

Meung-sur-Loire b @angelaGonzaloM
Foto: @angelaGonzaloM

Empezamos nuestro recorrido en Orleans, capital de la región de Centro-Valle de Loira y del departamento de Loiret. Es una ciudad íntimamente ligada a Juana de Arco, donde es muy difícil encontrar algún rincón que no la recuerde. Es además, la puerta de entrada al valle y sus más de 300 castillos.

El primero que encontramos al otro lado del río es el de Meung-sur-Loire, anterior al renacimiento, pero de gran importancia en la historia de la zona. Perteneció a los obispos de Orleans, y tiene dos fachadas, una más austera de carácter defensivo, que sería el antiguo castillo y otra colorida, para resaltar su reconversión palaciega.

Visitamos su sala de armaduras y aquí se nos recuerda que Juana de Arco, cruzó el río por un puente similar al que atravesamos nosotros, tras haberse refugiado en la zona, probablemente donde está el actual hotel Le Relais Louis XI, situado en el Quai Jeanne d'Arc. Durante "la guerra de los cien años", los ingleses se instalaron en el pueblo utilizando el edificio para almacenar comida, para retirarse tras las batallas o curar a los heridos. Nuestra guía, Marie Doràs, nos recuerda que un robot, Walter, ha escondido artefactos actuales que debemos descubrir durante nuestra visita. Nosotros hemos encontrado una pelota de golf, entre el mobiliario antiguo de la vivienda.

El castillo, que ha pertenecido a cinco propietarios, fue construido en 1209, hace 810 años para controlar las rutas comerciales, y rechazar posibles invasiones. En su interior, el obispo ejercía la justicia, por lo que aún conserva alguna mazmorra utilizada para sala de torturas, pero también encontramos habitaciones donde vivieron otros propietarios. Su visita nos permite conocer como era la vida cotidiana de los nobles durante el Renacimiento y en los siglos posteriores. Qué comían, cómo se trataban las enfermedades, las habitaciones de la familia, la cocina, o las diferencias entre los salones de invitados si estaban destinados a hombres o mujeres. Hasta el siglo XVIII, ambos se reunían para jugar juntos, mientras que en el s. XIX, ya se diferenciaban dos salas. En la de los hombres se podía fumar y se hablaba de negocios y en la de las damas bordaban y cosían mientras charlaban.

Meung-sur-Loire @angelaGonzaloM
Foto: @angelaGonzaloM

Alejandro Dumas, también sitúa a d'Artagnan en Meung, en su libro Los tres mosqueteros, que comienza "el primer lunes del mes de abril de 1625, el burgo de Meung, donde nació el autor del Roman de la Rose, parecía estar en una revolución completa..... porque nuestro joven tenía montura... era una jaca del Béam, de doce a catorce años, de pelaje amarillo, sin crines en la cola..... destinada al joven d'Artagnan.... regalo que le había hecho el señor d'Artagnan padre".  En el castillo estuvieron los reyes Francisco I y Luis XI, el poeta François Villon, prisionero en sus mazmorras, y el escritor Pablo de Olavide, refugiado durante la época del Terror de la Revolución francesa tras ser condenado por la Inquisición. 

Abierto al público desde 1970, actualmente el castillo es privado y los propietarios organizan numerosas actividades, como fuegos artificiales, desfiles con trajes renacentistas, bailes, o una noche blanca especial del Renacimiento. Este año también tienen previsto realizar un recorrido sensorial en la oscuridad, donde ofrecen un vino medieval y degustaciones para despertar el oído, el olor de la época o el gusto. Marie, que ha investigado sobre la gastronomía renacentista, nos explica que en la actualidad no podríamos comer la misma comida, "porque era muy fuerte para nuestros gustos actuales. Comían carnes jóvenes como ternera o aves, especialmente picantón, porque era más suave al paladar, también bolas de carne y preparaban buñuelos a la campesina, queso fresco y queso de brie". También nos descubre que en la Edad Media se condimentaban con más especias y en el Renacimiento con hierbas y se utilizaba zumo de naranja cocinada, porque esa fruta era amarga.

Anualmente visitan el castillo unas 30.000 personas y celebran hasta una Fashion week con trajes históricos y tienen una programación especial en Navidad. Organizan actividades como tiro al arco y batallas con una representación del ejército de Napoleón, otra con mosqueteros y otra con caballeros de Juana de Arco. Dar una vuelta por el pueblo, también es otro atractivo de nuestra visita a Meung-sur-Loire, este municipio situado a orillas del Loira. Se puede dormir en con un patio muy agradable.

Seguimos nuestro paseo por el Loira camino a los castillos reales. Luis XII y Francisco I vivieron en Blois, aunque este último inició la construcción de Chambord. Carlos VIII escogió Amboise y Luis XI Tours.

El Loira es un río de unos 1.000 kilómetros de largo, y el valle centro del Loira, ocupa unos 300, aptos para el cicloturismo -unas veces se circula más cerca del río y otras más lejos- El castillo de Chambord, está un poco alejado.

Chambord, el poder de Francisco I

Chambord @angelaGonzaloM
Foto: @angelaGonzaloM

La imponente silueta castillo de Chambord aparece ante nuestros ojos en un claro del bosque, su majestuosidad se agranda a cada pedalada, mientras nos empequeñece ante su solemnidad. Tiene 426 habitaciones y 282 chimeneas. A pesar de eso, Francisco I solo vivió 72 días de sus 65 años de vida y 32 de reinado.

A pesar de su agresiva política exterior con enfrentamientos bélicos con todos los reyes de su época, (principalmente de Inglaterra y España), como buen renacentista, Francisco I, educado por su madre y apoyado por su hermana, era un rey muy inteligente y sabía de arquitectura. En el castillo se nota la mano de da Vinci, con su escalera de doble hélice, una ingeniosa espiral con dos rampas nos lleva a los plantas dentro de la torre del homenaje. Dos personas pueden subirla, una en cada lado, sin encontrarse del todo, aunque se puedan seguir con la mirada. 

Chambord, nos dice Sandra Perrier, "es más un castillo de poder que una casa en la que vivir". Se quedaba muy poco tiempo y con él se movía toda la corte, se calcula que unas 5.000 personas. Así que el edificio quedaba vacío durante mucho tiempo, sin mantenimiento, y sin nadie que lo vigilara. Todos los muebles eran desmontables. Esta costumbre ha comportado que en la actualidad no haya mobiliario en esos edificios. Para Francisco I, lo importante era empezar la edificación, porque sus descendientes los acabarían. "Era un auténtico publicista", nos detalla nuestra guía Sandra, "viajaba para comunicar, para que le vieran y para mostrar su poder absoluto por toda Francia".

Chambord 2 @angelaGonzaloM
Foto: @angelaGonzaloM

No solo se lo demostraba a su pueblo, también a otros reyes. Su mayor rival en la época era Carlos V de Alemania, que le venció en la batalla de Pavía. El monarca francés fue encarcelado un año en Guadalajara, y para quedar libre Carlos le obligó a entregarle a sus dos hijos mayores, -recluidos en España durante 3 años- y a casarse con su hermana Leonor de Habsburgo. La madre de Francisco, la italiana Luisa de Saboya, y la tía de Carlos, Margarita de Austria, intentaron hacer las paces entre los dos hombres. Se conoció como la paz de las damas, y consiguieron un tiempo sin hostilidades entre los dos monarcas.

Chambord fue el lugar escogido para un encuentro entre ambos. El objetivo final de Francisco I era demostrarle su poderío a Carlos. Este vio como en las salas del castillo había unas 300 salamandras esculpidas en techos y paredes. Era su emblema, porque vive cómodo en el agua y en la tierra. La creencia popular también le daba el poder de resistir las llamas. Un animal extraordinario, que merece una corona con el lema "Me alimento del buen fuego, apago el malo". Además todas las coronas que aparecían en las paredes eran imperiales y no reales, con lo que Francisco se relacionaba directamente con Carlomagno, y competía con el emperador español. Fue una batalla simbólica, con la que el rey francés intentaba apabullar al monarca español.

Francisco I soñó el castillo de Chambord. Durante su reinado mandó construir 12 castillos. Sus preferidos eran Chambord y Fointenebleau.

Nos alejamos por el bosque de Sologne, que rodea con su muro todo el recinto. En el interior de este frondoso parque forestal cazaba ciervos, jabalíes, zorros, aves. Una fauna excepcional que todavía sigue presente. A lo que hay que añadir un jardín inglés y jardines franceses. 5.440 hectáreas. En su interior cabría toda la ciudad de París. Dicen que si Francisco I paseara por la floresta ahora, no notaría la diferencia... tan solo el muro, que fue construido siglos más tarde. Bueno, también encontraría algún campo de golf, varios estanques y fincas ecuestres.

Amboise, la ciudad que acogió a da Vinci

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Foto: @angelaGonzaloM

El castillo de Amboise, se levanta sobre una colina que domina el río Loira. Carlos VIII es el gran arquitecto al transformar el antiguo bastión medieval en un suntuoso palacio gótico. Los emblemas de Carlos y su esposa Ana de Bretaña, marcan todo el edificio. La espada de fuego de él y el armiño de ella. El rey no pudo ver su obra terminada, ya que se golpeó la cabeza en un dintel de la puerta del castillo y murió de un derrame, con 28 años en 1498. Al morir sin descendencia, le sucede su primo Luis XII, que se casa con la viuda e instala su residencia en Blois. Francisco I pasó su infancia en este castillo.

Sobre sus murallas se extiende una amplísima zona verde, el jardín de Nápoles, un parque y se disfruta de unas fantásticas vistas sobre el río y el pueblo medieval. Destaca el patio interior, los jardines románticos ingleses, los tragaluces renacentistas y góticos, la fachada de Carlos VIII y el cedro del Líbano plantado en 1840. Entre sus paredes vivieron Ana de Bretaña, Francisco I, Catalina de Medicis y Leonardo. En sus salones bailaron, se recitó poesía y se escuchó música de artistas. El castillo de Amboise está intimamente relacionado con Leonardo da Vinci. Se dice que era un hombre con mucha energía y que organizaba actos para fiestas, conciertos y banquetes.

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Foto: @angelaGonzaloM

La salida se realiza bajando por la rampa de la torre de los Mínimos, por donde entraban o salían las caballerías. En el exterior, ya en la calle su vista imponente, domina el pueblo de Amboise. Espectáculos nocturnos.

Actualmente solo podemos ver una quinta parte del palacio construido por Carlos VIII, ya que gran parte del edificio se destruyó debido al abandono y ha demoliciones históricas. En la capilla gótica de San Huberto, se encuentra la tumba de Leonardo da Vinci, que se instaló allí después de recuperar sus huesos esparcidos por el palacio. Paradójicamente murió sin tener el reconocimiento que se le otorga en la actualidad.

A unos pasos, está la mansión de Clos Lucé, donde Leonardo vivió los últimos tres años de su vida. El edificio está dedicado en exclusiva a su ilustre húesped. Francisco I, lo nombró "primer pintor, ingeniero y arquitecto del rey". El edificio de ladrillo rosa, muestra sus talleres, la habitación en la que murió, la cocina o algunos detalles íntimos del artista italiano.

Clos Loucé @angelaGonzaloM
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Allí se exponen... y se pueden tocar, varias reproducciones de máquinas y creaciones surgidas de la creatividad del genio renacentista. En el parque está el helicóptero que imaginó, la hélice voladora, el cañón, el tornillo de Arquímedes.... Y para acabar la visita, en el patio del mismo castillo, en la terraza Renaissance, en medio de todas esas quimeras davincianas, se pueden degustar unas exquisitas recetas del renacimiento en el Auberge du Prieuré, por supuesto adaptadas por el maitre Sieur Ausin a los gustos actuales.

Blois, castillo de reyes

Escalera Blois @angelaGonzaloM

En las aguas del Loira vemos reflejada la silueta del castillo de Blois, donde nacieron muchos príncipes... y paradójicamente se gestó el fin de la dinastía Valois. Residencia favorita en el renacimiento recoge en un solo lugar, la historia de la arquitectura real francesa. Fachadas góticas, renacentistas, clásicas.

Y allí descubriremos sorprendentes dramas, intrigas palaciegas, secretos de la corte de Francia y juegos de poder. En este castillo se decidió el destino de 7 reyes y 10 reinasEn 1588, en medio de las batallas de reformistas y contrareformistas, Enrique III, convocó los Estados Generales en Blois, donde preparó el asesinato del duque de Guisa, jefe de la Santa Alianza Católica, principal facción adversaria de la monarquía. Era una noche lluviosa de diciembre de 1588. Poco meses más tarde el propio rey moriría asesinado por un fraile, tan solo unos meses después de la muerte de su madre, Catalina de Medici. Sin descendencia, con él acabó la dinastía de los Valois y llegaron los Borbones. Catalina ya intuyó ese final, alertada por su astrólogo particular que le advirtió de los malos augurios que comportaría la muerte de los Guise.

Blois videomapping @angelaGonzaloM
Foto: @angelaGonzaloM

Unos sangrientos acontecimientos que se pueden revivir en un videomapping diario durante los meses de abril a octubre. Las proyecciones sobre esta época de la historia de Francia, utilizan todas las fachadas del castillo e impresiona su realismo, y la mezcla de luz, sonido e imágenes. Un auténtico espectáculo visual.

Con esa impactante escenografía en la retina, continuamos nuestro viaje en bicicleta disfrutando del paisaje cultural del Loira, el río que ha vertebrado históricamente el centro de Francia.....

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Ángela Gonzalo del Moral   15.mar.2019 09:18    

Las desconocidas vidrieras de La Habana

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El Museo de Arte colonial de La Habana, es uno de los edificios más antiguos de la capital cubana, y una de las construcciones más significativas que rodean la Plaza de la Catedral. Vivió el gobernador militar de la isla, Luis Chacón, y posee una de las fachadas más proporcionadas de la arquitectura colonial del país caribeño. Un ejemplo del lujo que rodeaba a la aristocracia local a partir del siglo XVII.

Pero del museo, con una importante colección de muebles y artes decorativas, nos vamos a centrar en un elemento arquitectónico que se está redescubriendo en los últimos años: las vidrieras. El segundo piso del edificio es un ejemplo de ese arte, que ha conseguido sobrevivir con muchas dificultades a los embates históricos y económicos. Hubert Eisele, un turista austríaco, se sorprendía de que en esa parte del mundo, el Caribe, hubiera este tipo de arte. "Nunca hubiera pensado que en Cuba pudiera encontrar este tipo de vidrio y ahora que lo he visto, tengo que decir que es muy importante preservar este arte", explicaba hace unos días a la agencia APTN.

Editorial Unión Foto Ginapicart
Editorial Unión Foto Ginapicart

En la segunda planta del museo, las vidrieras están instaladas en grandes ventanales que muestran su esplendor junto al techo de madera. Indira Carrillo, especialista del Museo, resalta que "son parte de nuestra arquitectura tradicional y colonial. Nos distinguen, nos hacen únicos. Y son estructuras que no debemos perder".

Las vidrieras no solo están en museos de la Habana Vieja, también se encuentran en hoteles, edificios religiosos y centros culturales. Durante los siglos XVIII y XIX no faltaban en las casas aristocráticas de la isla antillana. 

En su obra La ciudad de las columnas, el escritor Alejo Carpentier, explica la importancia de esos elementos artísticos en la ciudad. “El medio punto cubano-enorme abanico de cristales abierto sobre la puerta interior, el patio, el vestíbulo, de casas acostilladas de persianas…Para entablar un diálogo con el sol hay que brindarle los espejuelos adecuados. Espejuelos que sirvan al sol para ser más clemente con los hombres. De ahí que el medio punto cubano haya sido el intérprete entre el Sol y el Hombre".

Vidriera

Adriana de la Nuez, trabaja en su recuperación y explica que "se usaron para dar sombra a algunas luces. Cuba tiene mucha luz solar y la gente necesitaba bloquear algo de su intensidad sin perderla por completo". La artista organiza tours para enseñar esta riqueza artística oculta muchas veces a los transeúntes y a los turistas, pero no es difícil ver algún resto roto en puertas de casas de la Habana vieja, patrimonio de la Humanidad, y que este año celebra el quinto centenario de su fundación.

Otra artista local, Irena Martínez, habla de lo difícil que es recuperar este pasado cultural. "Usamos una técnica o un trabajo especializado que no es común en Cuba, pero que realmente es necesario ver, ya que hay muchas vidrieras en Cuba. Y algunas de ellas están en mal estado, pero todavía se están haciendo nuevas vidrieras de colores, porque aunque es muy específico, siempre hay un cliente que está interesado en restaurar una o crear una. Aunque es difícil, porque no hacemos vidrio en Cuba, por lo que tiene que ser importado".

También encontramos lámparas de bronce, cristales de Bohemia, muebles de caoba cubana y vidrieras en el Museo de Bellas Artes. Construido en 1927, su arquitectura de estilo ecléctico, sobresale por el lujo de sus materiales como el mármol. No hay que olvidar que a principios del siglo XX, Cuba tenía una de las burguesías más adineradas del continente americano y era asidua a organizar eventos artísticos y culturales.

Centro asturiano de La Habana
Foto: Centro Asturiano La Habana

De la Nuez, que ha recorrido muchos de estos vitrales, asegura que "he visto innumerables veces las mismas piezas, y a menudo encuentro nuevos detalles. Llevo unos diez años trabajando en la Habana Vieja y, todos los días encuentro nuevos lugares con vitrales. A veces en buenas condiciones, pero generalmente vitrales en muy mal estado".

Muchos edificios de la ciudad fueron construidos en estilo Art Nouveau, un arte con una especial admiración por el vidrio, y encontramos impresionantes obras de vitrales en escalinatas de mansiones, por las que entra la luz caribeña; las típicas arcadas de mediopunto, como la ventana de la Casa de los árabes, un edificio del XVIII; en los centros regionales españoles o en tiendas como Café Habana Cristal.

Adriana de la Nuez, una artista que muestra este colorido y desconocido pasado de la isla a los turistas, tiene claro que "parte de mi trabajo es mostrar vitrales a personas que no saben mucho al respecto. Realmente disfruto haciendo eso porque aunque casi siempre vamos a los mismos lugares, siempre que vuelvo descubro cosas nuevas".

En este artículo de Ginapicart, podéis encontrar un interesante trabajo sobre la historia de los vitrales cubanos.

Un crucero por el Caribe: sueños y música

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Ángela Gonzalo del Moral   13.mar.2019 13:43    

El accidente de Ethiopian Airlines, un duro golpe para Boeing

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Foto: Agencia EFE
 
Por segunda vez en cuatro meses, un Boeing 737 MAX 8, se ha precipitado a tierra pocos minutos después del despegue. En esta ocasión el avión accidentado pertenece a la aerolínea nacional etíope Ethiopian Airlines. A bordo viajaban 149 pasajeros y 8 miembros de la tripulación.
 
En octubre del año pasado, un aparato de Lion Air, también se estrellaba 10 minutos después de despegar en Yakarta. Cayó al mar de Java, muriendo 189 personas. 
 
Los expertos aeronáuticos han pedido precaución antes las hipótesis que relacionan ambos accidentes. Richard Aboulafia, de Teal Group, cree que "es demasiado pronto para hacer comentarios importantes". Hay que esperar a conocer los datos de vuelo y las conversaciones en la cabina de mando que contienen las dos cajas negras de la aeronave estrellada esta mañana. Las causas del accidente pueden haber sido problemas técnicos, un error del piloto o la combinación de ambos factores.
 
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El Boeing 737 Max8 de la aerolínea nacional etíope se estrellaba seis minutos más tarde de despegar del aeropuerto internacional de Bole, en Addis Abeba. El piloto había avisado a la torre de control que tenía dificultades y pidió volver al aeropuerto, recibió el permiso, pero ya no regresó. A bordo, 139 pasajeros, de 35 nacionalidades, y 9 miembros de la tripulación.
 
Entre ellos había  trabajadores de la ONU, organizaciones humanitarias y turistas. Las nacionalidades abarcan 2 ciudadanos españoles,  32 kenianos, 5 alemanes, 18 canadienses, 9 etíopes, 7 franceses, 7 británicos, 2 marroquíes, 2 israelíes, 8 chinos, 8 estadounidenses, 1 nepalí, 1 yemení y 1 nigeriano, además de holandeses, eslovenos e italianos.
Entre las víctimas mortales, 19 eran personal de organizaciones internacionales, principalmente de agencias de las Naciones Unidas.
Algunos de ellos se dirigían a Nairobi para participar este lunes en la IV Asamblea de la ONU para el Medioambiente (UNEA-4), donde más de 5.000 representantes de 193 países, incluidos jefes de Estado y ministros, intentarán trazar la ruta hacia una economía más sostenible.
 
El vuelo ET302 es una de las conexiones regulares que diariamente unen las dos capitales africanas más importantes de la costa este del continente. 
 

Dos accidentes muy similares

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Foto: Ethiopia Airlines

Expertos aeronáuticos destacan varias similitudes "es el mismo avión, como con Lion Air, el accidente ocurre poco después del despegue y los pilotos han enviado mensajes para decir que estaban en problemas y luego hubo una pérdida". Es difícil decir que no parece ser el primer accidente ".  El director de Aerospace & Defence Market Analysis, Michel Merluzeau,  apunta a que "son solo similitudes y la comparación se detiene ahí ya que no tenemos información confiable en esta etapa".
                
En ambos casos, también se sabe que las compañías son serias. En el caso de Ethiopian Airlines, la más importante del continente africano, que une Addis Abeba con más de 130 destinos diferentes, muchos de ellos capitales europeas y africanas. La aerolínea etíope ha destacado que el piloto del  aparato accidentado, Yared Getachew  tenía más de 8.000 horas de vuelo.
                
Desde el accidente de Lion Air, el 737 MAX 8 plantea muchas preguntas en la comunidad aeronáutica, mientras que este programa tuvo problemas durante el desarrollo de este dispositivo. El fabricante de Boeing incluso decidió suspender en mayo de 2017 los vuelos de prueba de este modelo, debido a un problema de calidad en la fabricación del motor producido por CFM, una empresa conjunta de la estadounidense General Electric y la francesa Safran. Además no hay que olvidar que es un servicio esencial para el transporte global y el comercio internacional.
                
A fines de enero, la multinacional habían entregado 350 unidades del nuevo jet de doble pasillo a sus compradores, de un total de 5.011 pedidos registrados por Boeing, una acumulación equivalente a más de siete años de producción al ritmo actual. Este nuevo accidente es un golpe para Boeing, cuya familia de MAX de medio recorrido es la versión remotorizada del 737, el más vendido de todos los tiempos con más de 10,000 aparatatos fabricados. El MAX es un programa esencial de la compañía estadounidense para la próxima década, ya que representa el 64% de la producción total del fabricante hasta 2032 y tiene márgenes operativos significativos". Muy pocos dudan de que si la empresa debe hacer correcciones técnicas las hará, no solo para asegurarse el negocio, sino por la seguridad de los pasajeros.
 
En las próximas horas y días, la compañía debe demostrar como gestiona esta nueva crisis, y debe tranquilizar a los viajeros e inversores sobre la fiabilidad de su avión. Algunos expertos no descartan que Boeing probablemente será castigado en el mercado bursátil, pero también consideran que el daño será limitado para el grupo norteamericano, duopolio con el Airbus europeo.
 
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Foto: EFE/EPA/STR
                
Hay que recordar que tras el accidente del primer 737 MAX 8 de la compañía Lion Air en Indonesia el 29 de octubre de 2018, la comunidad aeronáutica, especialmente los pilotos, cuestionó la falta de información de las compañías y mostraron sus dudas sobre su nuevo sistema antibloqueo. Incluso la federación de pilotos estadounidenses había puesto de manifiesto un problema de información errónea de los sensores de incidencia (AOA, sensor de ángulo de ataque) "que podría ser el error causal del accidente de Lion Air".
                
Investigadores etíopes y estadounidenses llevarán a cabo la investigación juntos. La Agencia de Seguridad del Transporte de los Estados Unidos (NTSB, por sus siglas en inglés) ha anunciado que tiene un equipo de inspectores preparados para ayudar en la investigación.
 
Ethiopian Airlines, que es 100% propiedad del Estado etíope, ha experimentado una expansión muy fuerte en los últimos años. Su flota tiene más de 100 aviones, lo que la convierte en la más grande de África. En 2018, un estudio de la firma de reenvío ForwardKeys indicó que Addis Abeba había superado a Dubai como el primer aeropuerto de tránsito para los pasajeros que llegaban al África subsahariana.
        
El último accidente grave de un avión de Ethiopian Airlines fue protagonizado por un Boeing 737-800 que explotó después de despegar del Líbano en 2010. Los 83 pasajeros y siete miembros de la tripulación murieron.
 
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Ángela Gonzalo del Moral   10.mar.2019 23:40    

Viareggio y su espectacular carnaval de carrozas

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Foto angelaGonzaloM

El carnaval transforma durante tres semanas a Viareggio, una pequeña población costera de la Toscana italiana. Música, ingenios metálicos, esculturas de papel maché llenan de colorido y espectáculo sus calles, y atrae cada vez a más turistas. En nada recuerda a sus inicios en el lejano 1873, cuando por su casco histórico comenzaron a desfilar carros decorados con elementos agrícolas y guirnaldas de flores. Desde entonces cada año se supera en ingenio y espectáculo.

A principios del siglo XX (1905), el desfile cambia se traslada al paseo marítimo, ampliando el espacio, tanto para dar más cabida a un mayor número de personas, como para albergar más carrozas y más grandes. El papel maché, descubierto por el fabricante local Antonio d'Arliano, en 1925, facilitó la creatividad de las esculturas móviles, aligerando su peso y estilizando las figuras. Actualmente son obras dignas de un teatro móvil. 

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Foto: angelaGonzaloM

Los inicios del carnaval de Viareggio sirvieron para desfogar a la alta burguesía, descontenta con los excesivos impuestos que pagaba. Con el tiempo se añadieron desfiles con carrozas alegóricas y en los años 20 se fue abriendo paso el "veglioni di colore" una fiesta donde las mujeres se vestían con coloridos trajes y los hombres de esmoquin.

Es uno de los carnavales más espectaculares de Italia y Europa convertido en un símbolo de alegría, diversión y solidaridad. Sus impresionantes carros alegóricos con figuras de papel maché superan los 15 metros de altura y son fruto del trabajo de casi un año y más de 250 personas. Los cinco grandes desfiles de máscaras, que se inician con un ensordecedor disparo de cañón, son los actos más representativos, pero a su alrededor hay todo un mundo de diversión, participación, emociones... y gastronomía identificativa. Las 'chiacchere' es una masa de harina, mantequilla frita, espolvoreada con azúcar glass, conocida como 'cenci'.

No es difícil compararlo con las fallas de Valencia, por sus críticas sociales y políticas, de las que no se salva nadie y porque son construidas por artistas profesionales, que construyen las pintorescas carrozas y los sorprendentes ingenios mecánicos. Las esculturas se levantan y se almacenan en la Cittadella, donde durante todo el año los artesanos y artistas trabajan en los talleres y hangares que se distribuyen en ese espacio con una característica forma elíptica. El complejo tiene una estructura arquitectónica específica, con un patio compuesto por 16 almacenes, un museo del Carnaval, el Museo Carnevalotto de arte contemporáneo, un archivo histórico, un restaurante y una gran plaza elíptica central, convertida en un escenario mágico para albergar espectáculos. Esta es el área donde se llevan a cabo algunos de los eventos más importantes de Viareggio, como conciertos de verano, fiestas y espectáculos de danza.

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Foto angelaGonzaloM

Desde la Ciudadela, que abrió sus puertas en diciembre de 2001, comienza el espectacular desfile, cargado de creatividad, colores, música y fuegos artificiales. Una vez acabado el carnaval, los viaregginos, las destruyen para empezar a construir las del año siguiente. Como si de un ninot se tratara, algunos de los elementos más espectaculares se incluyen en la decoración del municipio, se venden o se readaptan a otros eventos culturales. Pero acabado el carnaval, ¡comienza el siguiente! Con el tiempo, se ha convertido en un patrimonio colectivo, y ha acabado formando parte del ADN de sus ciudadanos.

El Carnaval de Viareggio tiene su máscara simbólica: Burlamacco. Creado por el pintor y gráfico local, Uberto Bonetti ,en 1930, la máscara ha sido la protagonista en el cartel oficial como símbolo del evento, junto con Ondina.. Bonetti se inspiró en las máscaras de la "Commedia dell'Arte", pero diseñó Burlamacco de una manera futurista. Quería resumir en la máscara dos momentos destacados de la vida de Viareggio: el carnaval y el verano (con los colores blanco y rojo que eran los colores típicos de las sombrillas en las playas durante los años treinta). Burlamacco es un arlequín símbolo de la fiesta y Ondina representa al verano y la playa.

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Foto angelaGonzaloM

Se calcula que los gastos del carnaval, que dura tres semanas, ascienden a unos cinco millones de euros, pero aportan unos ingresos de más de 20 millones de euros, y atraen a unos 600.000 visitantes. Para ver el desfile, o para participar se han de pagar 20 € y 15 más si se accede a la tribuna central, que permite una visión privilegiada del entorno. Los que prefieren vivir la fiesta desde dentro, pueden mezclarse entre el público y casi tocar las figuras.

La televisión popularizó esta celebración, ya que en 1954 la RAI lo retransmitió en directo y cuatro años más tarde lo hizo Eurovisión. Actualmente lo transmite el martes de carnaval, sobre las cuatro de la tarde, con un desfile más reducido en el que solo participan las grandes carrozas que optan a los mejores premiios. Durante quince días se programan eventos paralelos como conciertos, bailes, concursos de máscaras y hasta actividades deportivas.

Lugares de interés en Viareggio

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Antes de adentrarnos en el centro histórico de la ciudad, os proponemos la visita al espacio que mantiene vivo el carnaval durante todo el año. En el Museo del Carnaval, los visitantes pueden descubrir todos los secretos del mundo del papel maché. La historia del Carnaval de Viareggio está narrada por documentos originales, bocetos, carteles y miniaturas. En la entrada, la estatua de Burlamacco, la máscara oficial recibe con una sonrisa a los visitantes para guíarlos en el fantástico mundo del Carnaval. Se explican las diferentes etapas de la construcción de las obras de papel maché, y pueden manipular la arcilla y el papel para experimentar el arte de la fabricación.

El Museo de Arte Contemporáneo Carnevalotto está ubicado en la Ciudadela y alberga la colección de los premios anuales; sugerentes objetos de arte que simbolizan cada edición y a la carroza ganadora. Obras de arte que realmente se convierten en parte del patrimonio cultural del carnaval  y de la ciudad. 

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Foto angelaGonzaloM

El Carnaval de Viareggio siempre está buscando nuevos idiomas y medios expresivos para sorprender al público. Al igual que el arte, que nunca es idéntico a sí mismo y que está en constante evolución, allí las formas, volúmenes, colores, y la materia cobran vida y revelan sus almas.

Esta es la razón por la que estos dos mundos, el del papel y el arte contemporáneo, se han encontrado y han formado una unión perfecta desde 1987. Esta institución está íntimamente ligada a la Fondazione Carnevale y el Studio Saudino, que se enriquece anualmente con la contribución de un prestigioso artista elegido entre los más importantes de nuestros tiempos.

La perla del Tirreno, como se conoce a Viareggio es un municipio de largas playas y bosques de pinos rodeados por el mar y los Alpes, en donde se puede disfrutar de una arquitectura Art Decó en sus paseos más importantes, y de su histórica Via Regia, en el corazón de la ciudad antigua.

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Foto angelaGonzaloM

Situada entre el mar, los Alpes Apuanos y el lago Massaciuccoli, ofrece un conjunto único con pinares, un puerto colorido, astilleros y el paseo marítimo. El símbolo de la ciudad es la "Torre Matilde", corazón de su historia. Fue construida por el Senado de Lucca en 1550. El nacimiento del primer establecimiento de baños se remonta a 1823. Gracias a Maria Borbone se construyó la avenida “Viale dei Tigli”, para llegar al centro de la ciudad desde su villa situada en el pinar del este. De hecho, la actividad turística comenzó en Viareggio justo en este período. Muchos nombres de la cultura han estado en eta población como el poeta Percy B. Shelley, Lord Byron, Manzoni, Puccini y D'Annunzio.

Si vuestro viaje a la zona coincide con carnavales, o mejor aún, si lo podéis hacer coincidir con estas jornadas, Viareggio es una visita obligatoria. Incluso antes de introduciros en la vorágine de la fiesta, pasad por el museo del Carnaval, que ofrece un recorrido a través de la memoria etnográfica de la fiesta que se ha transmitido de generación en generación. 

Las fechas para el año que viene son 1, 9, 15, 23 y 25 de febrero. ¡El carnaval 2020, ya ha empezado! ¡Che specttacolo!

@angelaGonzaloM
@Viaje_Itaca
Instagram: @Audioguíasturísticas

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Ángela Gonzalo del Moral    5.mar.2019 20:05    

ARCO nos invita a visitar Perú, sin salir de Madrid

ARCO Foto @FeriaArco

El turismo cultural es el que más turistas mueve en el mundo. En la mayoría de los casos, porque permite conocer en primera persona culturas diferentes y a ciudadanos con costumbres y tradiciones desconocidas para el visitante. Pero ¿qué ocurre cuando podemos conocer una parte de su riqueza a muchos kilómetros de distancia? El caso que nos ocupa es un ejemplo. ¡Ah!, una cosa está clara, es imperdonable no aprovechar la oportunidad que ofrece ARCO, junto con la embajada peruana, a través de PromPeru.

 

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, ha invitado a Perú como país invitado y las autoridades peruanas no han dudado en llevar a Madrid una gran variedad de su cultura a través del arte, tanto tradicional, como histórica y actual. Madrid sirve de puente durante unos días para conocer esa propuesta, en la que desembarcarán unos 120 artistas de ese país sudaméricano y que podrá ser vista por un millón de personas en diferentes exposiciones dentro y fuera del recinto ferial.

Veintitrés artistas peruanos representados por galerías tanto peruanas como europeas, expondrán sus obras durante estos días dentro del espacio "Perú en ARCO". La selección realizada por la comisaria Sharon Lerner, -curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima, permitirá que los visitantes descubran las particularidades del arte más actual del país andino, analizar su obra y conocer el mundo en el que se desenvuelve la cultura peruana del siglo XXI, que entronca con sus raídes de cinco mil años de historia andino-amazónica.

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El foro Perú es una plataforma de reflexión e intercambio para conversar sobre las particularidades del arte contemporáneo y sus retos culturales y sociales, tanto en Perú como en el resto del mundo. Uno de los temas centrales será el Proyecto Especial Bicentenario, en el que se profundizará y reflexionará sobre los vínculos históricos y culturales entre ambos países, dos cientos años después de la independencia del virreinato.

Dieciséis exposiciones en Madrid

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Foto @EspacioFTef

Igual que en aquella ocasión España se expandió por esa región, ahora es Perú, la que se despliega en los principales museos y centros de arte de la capital, con 16 exposiciones diferentes. Fietta Jarque es la encargada de mostrar una amplia visión de la cultura plástica peruana, proponiendo un viaje que empieza hace miles de años y atraviesa diferentes épocas, lugares y plasticidades.

Una de las exposiciones más impresionantes, por su gran valor cultural, es Nasca. Buscando huellas en el desierto, en el Espacio Fundación Telefónica. Esta cultura, que todavía sigue siendo una desconocida, se desarrolló entre el 200 a.C. y el 650 en la árida costa sur del Perú. Se descubrió a inicios del siglo XX, por eso es una de las más fascinantes y enigmáticas de los Andes prehispánicos. Su llamativa cerámica, sus finos tejidos y los gigantescos geroglifos dibujados sobre las pampas son todavía centro de grandes debates. La exposición permanecerá abierta hasta el 19 de mayo y permite vivir la experiencia de volar sobre las líneas de los valles de Nasca y Palpa mediante un simulador 3D, y a través de grabaciones de instrumentos musicales de los nascas.

 


 

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Foto: @museoreinasofia

El Museo de Arte Reina Sofía prpone una nueva narrativa sobre las vanguardias latinoamericanas de los años veinte desde la perspectiva de la revista Amauta, creada y dirigida por José Carlos Mariátegui entre 1926 y 1930. Redes de vanguardia: Amauta y América Latina, que se podrá visitar hasta el 27 de mayo, sigue la trama de referencias que forjó esta publicación en el campo de la plástica y que definieron el contexto para debates artísticos sobre el indigenismo, la vanguardia, el antiimperialismo y los vínculos entre arte y política.

 


La historia más reciente del país, queda recogida en la videoinstalación Liminal, que propone Maya Watanabe. Un trabajo sobre las 600 fosas comunes no exhumadas y más de 16.000 personas que todavía siguen desparecidas, 20 años después de finalizado el conflicto armado peruano. Liminal, que puede verse en la Casa Encendida hasta el 31 de marzo, se sitúa en el momento de la exhumación, en el umbral de lo reconocible y los respetable, del no-sujeto y del sujeto reconocido, al que por fin se puede velar, permitiendo a los familiares iniciar el proceso del duelo.

 


Dimas

Foto web Matadero de Madrid

En Matadero de Madrid se puede ver Amazonías, una gran selección del Museo de Arte de Lima comisariada por Gredna Landolt y Sharon Lerner. Es un conjunto de obras de arte contemporáneo peruano y latinoamericano que facilitan la reflexión crítica en torno a distintos aspectos de este territorio sin fronteras definidas y que se ha convertido en una región de gran vitalidad cultural en los últimos años. Amazonías es una definición plural para una multiplicidad de visiones, que se organiza alrededor de cinco núcleos temáticos: la construcción de la idea de Amazonía, las visiones del cosmos, el territorio esquivo, lo urbano tropical y la memoria de la comunidad. La exposición recoge la obra de un creciente número de artistas indígenas contemporáneos que a través de sus tradiciones milenarias y de la mitología del lugar, reflexionan sobre la memoria social de sus comunidades.


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Estratos de un paisaje, de la Colección Jan Mulder Foto: Casa América

Casa América acoge la exposición fotográfica Estratos de un paisaje. El primer tercio del siglo XX fue un periodo de esplendor con nombres como Martín Chambi o los hermanos Vargas, estos en Arequipa y el primero en Cusco. Con sus instantáneas nutrieron el imaginario indigenista y la llegada de la modernidad a la burguesía urbana. Aunque la fotografía contemporánea peruana no se realizó hasta la década de los 70. En esos años se produjeron las grandes emigraciones de poblaciones hacia la capitqal, configurando un nuevo paisaje social, económico, político y cultural muy local. El paisaje humano y el paisaje urbano, se entrecruzan en estas obras, que pueden verse hasta el 27 de marzo.

 


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Foto @museodelprado

En el Museo del Prado, han invitado hasta el 28 de abril a una obra. Se trata de El Matrimonio Ñusta procedente del Museo de Osma en Lima. El cuadro representa la ceremonia matrimonial de dos parejas, Martín García de Loyola con Beatriz Ñusta y Juan de Borja con Lorenza Ñusta de Loyola. Se trata de un extraordinario ejemplo de la pintura virreinal y no refleja un hecho real, puesto que las dos uniones se celebraron con cuarenta años de diferencia y en lugares alejados. Uno se celebró en la Península Ibérica y el otro en el andino virreinato del Perú. Dos santos presiden la idílica boda, Loyola y Borja, que otorgan un tono de solemnidad al lienzo.

 


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Foto: @Promperu

Perú aprovecha que su gastronomía es arte y ha presenta en Ifema, el primer espacio gastronómico que instala un país invitado. "Perú Lovers Gastro Lounge" ofrece durante estos días degustaciones de su rica gastronomía, catas de destilados -donde no podía faltar el pisco- exhibición de alimentos naturales de alto valor nutritivo, los denominados superfoods y un restaurante pop up. Cuando acabe la feria, y hasta el 17 de marzo han organizado Perú Restaurant & Art Week. Una actividad, con menús exclusivos a precios especiales, que no solo se quedará en Madrid, sino que también podrá degustarse en Barcelona y por primera vez en Valencia. Una buena manera de conocer de primera mano la riqueza de sabores de los platos peruanos elaborados por algunos de los chefs peruanos más internacionales. Incluso está previsto que los consumidores acompañen al cocinero durante todo el proceso de compre de los ingredientes en los mercados y cocinarlos juntos. Una manera de conocer sus propiedades, los lugares donde adquirirlos, y los trucos para cocinarlos.

Información práctica sobre todas las exposiciones y la presencia de Perú en ARCO

@angelaGonzaloM
@Viaje_Itaca
Instagram: @Audioguíasturísticas

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Ángela Gonzalo del Moral   27.feb.2019 10:00    

Viaje a Ítaca

Bio Viaje a Ítaca

Un viaje nunca se acaba. Queda grabado en el recuerdo, se vuelve a él al ver una película, al leer un libro, al escuchar unas notas musicales, al mirar una fotografía, al saborear una bebida, al disfrutar una comida o cuando el país salta a la actualidad por algún acontecimiento específico. El viajero mantiene siempre un nexo interno con el lugar que un día conoció.... y trenza un vínculo con el nuevo destino que empieza a imaginar. La visita a cualquier lugar, cercano o lejano, tiene tres fases. En la etapa de preparación se sueña, en la del viaje se disfruta lo imprevisible y a la vuelta se reinventa la aventura..... Con los cinco sentidos alerta, anhela que la experiencia sea lo más enriquecedora posible.
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