Atmósfera

Mining, Sun Electric

 

MINING

El pasado 8 de noviembre vio la luz “Chimet”,  un proyecto de sonificación algorítmica meteorológica y del estado del mar.

Chichester West Pole Beacon, también conocido como Chimet, es un sistema de información meteorológica integral que registra las condiciones en Hayling Bay, West Sussex, tanto en tiempo real como históricamente. La instrumentación de Chimet registra datos que incluyen temperatura del aire y del agua; presión barométrica; velocidad y dirección del viento; profundidad del agua; altura, período y frecuencia de las olas; y hora del día.

Durante un período de siete días en octubre de 2017, el devastador huracán Ophelia del Atlántico alimentó directamente otro evento meteorológico, conocido como tormenta Brian en el Reino Unido. MINING mapeó los datos de esta tormenta en varios valores y parámetros musicales, incluido el rango armónico, el tono, la densidad y el volumen, lo que dio como resultado una pieza continua de diseño de sonido electrónico que traza directamente los contornos de los dos sistemas de tormenta. Después, se añadieron interpretaciones instrumentales improvisadas de piano, violonchelo y sintetizador.

ZANE TROW

Al clamor de los demes en descomposición, estamos… presentes

criaturas del crepúsculo: ¿ya es de noche?

aliento… atención oscura

nunca quieto, el trueque oxidado canta lejos de las calles

las ranas tienen un panfleto

la nihilidad y el infinito ahora

el abstracto críptico de la duración

Las más simples de estas obras han sido las que han recibido más halagos hacia su forma deseada… polvo en la brisa de un momento sonoro… otras son un gesto textual hacia nociones peculiares del sonido como memoria y evocación.

Estos versos describen la obra que abrimos esta noche: “Quire” de Zane Trow, creada, grabada, mezclada y procesada en el estudio Vector, Slacks Creek, entre 2021 y 2023, un trabajo con el que Zane Trow quisiere mostrar su respeto y reconocer a: los custodios tradicionales, los ancianos pasados, presentes y emergentes, los propietarios tradicionales de las tierras, los vientos y las aguas.

SEBASTIEN GUERIVE

A Sebastian Guerive ya lo conocéis de sobra, se ha convertido inmediatamente en uno de nuestros artistas residentes.

En noviembre de 2023 nos llegaba su delicioso  "Obscure Clarity", una combina acústica electrónica de texturas sonoras y momentos de piano íntimos, en el espíritu de la escritura neoclásica.

Esta noche queremos seguir escuchando este fascinante trabajo, escuchando tres de sus temas.

“Obscure Clarity” de Sebastien Guerive es una obra descomunal. Los corales y las voces onomatopéyicas recorren el álbum, creando un diálogo universal con el oyente. A veces similar a la escritura de música religiosa, es la dimensión espiritual lo que es importante en este álbum, esta sensación de elevación en contraste con paisajes sonoros y texturas más oscuros y ásperos.

Sebastien Guerive ha formado parte desde el primer día que escuchamos su trabajo, en uno de nuestros artistas residente y recorremos sus proyectos casi por completo. En eso estamos esta noche, en escuchar pausadamente su “Obscure Clarity” de finales de 2023 un disco con ascensos musicales en el espíritu del rock progresivo, dados por la potencia y el espesor de los sonidos electrónicos y la amplitud de la orquestación de los instrumentos acústicos.

Con Obscure Clarity, Sébastien Guérive continúa componiendo la banda sonora de una película sobre el papel esencial de la luz en el desarrollo de la vida.

MUSIQUE INFINIE

Musique Infinie es un dúo formado por Noémi Büchi y Feldermelder, un nuevo proyecto colaborativo que entrelaza dos enfoques compositivos distintos y los fusiona en un núcleo masivo.

Mientras que Büchi combinó su experiencia en música clásica y electroacústica con un enfoque audaz de la composición en su aclamado álbum debut Matter de 2022, el artista multidisciplinar Feldermelder ha estado expandiendo su práctica artística hacia reinos inexplorados durante más de 20 años.

Juntos, se involucran en una exploración desafiante y concertada de las fuerzas elementales que se despliegan entre ellos.

Abrimos esta noche su álbum debut, titulado I, el producto de la hibridación, con composiciones inicialmente guiadas por la simplicidad que se extienden después radicalmente expandidas y transformadas en formas intrincadas y arreglos extraordinarios. La perspectiva de la clasificación estilística trasciende a través del eclecticismo, en un material que asimila elementos de la música clásica, el jazz, el folk y la música de cine al vocabulario de la música electrónica experimental. Las piezas que componen I crean un mundo paradójico, formidable y eufórico a la vez.

SUN ELECTRIC

Publicado en Noviembre de 2024

Sun Electric, el dúo de música electrónica con base en Berlín formado por Tom Thiel y Max Loderbauer, estuvo entre los pioneros de la presentación de música electrónica “en vivo” a principios de los años 90, cuando las opciones de reproducción en tiempo real del propio sonido eran una fracción de lo que disfrutamos hoy.

Podríamos decir que eran los sucesores espirituales de formas anteriores de música “cósmica”, que consideraban que la exploración del espacio exterior e interior eran tareas igualmente valiosas. La música de Sun Electric era expansiva, épica y envolvente y priorizaba la comunión entre sonidos y oyentes por encima de la exposición pública de las personalidades de los músicos.

Nos adentramos esta noche en una de sus actuaciones, que demuestra que el espacio, por supuesto, se utilizaba como un instrumento en sí mismo. Eso es más que evidente en este nuevo lanzamiento que nos ha llegado en el mes de diciembre: un notable set de 1996 en el que Sun Electric actuó en la neogótica Votivkirche de Viena. Comenzamos con “Opening”, la pieza que abrió esa actuación. El tono del álbum completo se establece desde el principio con ella: “Opening” comienza con una charla de radio de onda corta modulada y un simple bucle ascendente/descendente, con una sensación segura y respiratoria que a menudo permite que nuevos elementos sonoros entren en la refriega sin ser inmediatamente perceptibles: es un testimonio de la naturaleza natural y no forzada del desarrollo de la música.

Seguimos inmersos en la actuación que Sun Electric ofreció en 1996 en la Votivkirche de Viena. Durante más de 75 minutos de actuación, el dúo aprovechó al máximo el tiempo de decaimiento de la reverberación de 20 segundos que ofrecía el espacio. Ahora bien, incluso en aquella época, tocar simplemente “electrónica en vivo” no era un pase libre a un estado de distinción y calidad. Esto requería un compromiso con la riqueza tonal, la estructura narrativa y un enfoque agudo, que sin duda está presente y de qué manera en esta actuación.

Y vamos a terminar el recorrido por la actuación de Sun Electric en la Votivkirche de Viena de 1996 con el tema “Flat and Endless” en el que comprobamos que el ritmo también se aborda de una manera imaginativa y sin pretensiones. La percusión mecánica se va añadiendo a la mezcla de forma constante, pero no se le permite dictar el procedimiento como lo haría en un género “dance” más claramente definido. La verdadera estrella aquí sigue siendo la forma en que los objetos musicales interdependientes se mueven a través del espacio abierto y evolucionan mutuamente con él, y los impactos percusivos son parte de una “democracia sónica”, al mismo nivel que los efectos brillantes y las ondas que se deslizan por la melodía secuenciada.

La música de Sun Electric no es un “viaje nostálgico” a una época más simple, sino una parte muy importante del diálogo musical del presente.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Mining - Petrichor – Chimet

Zane Trow -  Lilt - Quire

Sebastien Guerive - Prana - Obscure Clarity

Sebastien Guerive - Devi - Obscure Clarity

Sebastien Guerive - Daydream - Obscure Clarity

Musique Infinie - Voices Nobody Hears  -I

Sun Electric - Opening - Live At Votivkirche Wien

Sun Electric - Waitati - Live At Votivkirche Wien

Sun Electric - Flat And Endless - Live At Votivkirche Wien

Eva Sajanova & Dominik Suchy, Egil Kalman

 

EVA SAJANOVA & DOMINIK SUCHY

“Decision Paralysis” es la primera colaboración entre Eva Sajanova y Dominik Suchy, dos de los músicos más destacados de Eslovaquia. Este proyecto es una muestra brillante de minimalismo experimental que trasciende las expectativas tradicionales de la música electrónica. Un álbum excelente del que esta noche, para abrir nuestra Atmósfera, escucharemos dos de sus temas.

Eva Sajanova, vocalista autodidacta y compositora formada en composición, aporta una voz exuberante y cargada de emoción que es el alma del álbum. Sajanova, conocida por su trabajo con la banda de post jazz God and Eve y su experiencia en teatro y cine, se une aquí a Dominik Suchy, un maestro de la escena experimental y noise. Suchy tiene una prolífica carrera que abarca desde lanzamientos en solitario hasta proyectos como el noise/techno de Tittingur y el acústico/drone de Pain Palace.

Decision Paralysis destaca por su enfoque minimalista y repetitivo, pero a medida que avanzan las canciones, emergen evoluciones sorprendentes. La ausencia deliberada de percusión o ritmos tradicionales resalta la esencia del álbum: voces tratadas con capas de efectos, sintetizadores fríos y armonías envolventes. Es un trabajo que, sin abandonar lo experimental, rinde homenaje a la melodía y la armonía, un sello característico de Suchy.

Escuchamos ahora el segundo tema del álbum de Eva Sajanova “Decision Paralysis” un trabajo en el que las letras, todas en eslovaco, añaden una dimensión única. Oscilan entre poemas dadaístas juguetones y declaraciones existenciales profundas, dejando al oyente sumido en una experiencia abierta a la interpretación. Aquí, la voz de Sajanova no es solo un vehículo para las palabras, sino un instrumento en sí mismo que se entrelaza con los sintetizadores para construir paisajes sonoros complejos y emocionalmente ricos.

La portada del álbum, creada por el ilustrador eslovaco Martu, encapsula perfectamente la esencia de Decision Paralysis. Su arte combina lo natural y lo sintético, lo oscuro y lo brillante, reflejando la diversidad y profundidad del proyecto musical.

En resumen, Decision Paralysis no es solo un álbum, es una experiencia sonora que invita a la introspección y a repensar los límites de la música electrónica. Es perfecto para quienes buscan sonidos que desafíen las convenciones y ofrezcan una conexión más íntima y profunda.

EGIL KALMAN

Nos adentramos ahora en una obra maestra de la música electrónica experimental: Forest of Tines - Egil Kalman plays the Buchla 200, un LP doble que nos transporta al universo sonoro único de este legendario instrumento modular de los años 70. Este trabajo sigue al aclamado Kingdom of Bells - Egil Kalman plays the Synthi 100 de 2022, y ambas producciones se lanzaron bajo el prestigioso sello iDeal Recordings.

El álbum es el resultado de una intensa residencia de Egil Kalman en el icónico Elektronmusikstudion (EMS) de Estocolmo, donde, del 21 de octubre al 7 de noviembre de 2021, exploró las infinitas posibilidades del Buchla 200. A lo largo de más de una hora, la música fluye entre paisajes sonoros envolventes: desde drones afinados meticulosamente, hasta improvisaciones minimalistas, ritmos hipnóticos y melodías folclóricas escandinavas. Este álbum no solo refleja la creatividad y el virtuosismo de Kalman, sino también la riqueza y versatilidad de este instrumento histórico.

Todas las pistas se grabaron en vivo, sin sobregrabaciones, capturando el Buchla 200 en su esencia pura. Kalman combinó las grabaciones estéreo secas con una reverberación de resorte AKG BX20, además de integrar un sistema modular eurorack para añadir control de voltaje.

Os proponemos un tema más de Egil Kalman y su disco “Forest of Tines - Egil Kalman plays the Buchla 200”.  Kalman, conocido por su trabajo con el sintetizador y el contrabajo, ha colaborado en dúos y grupos con artistas como Zoi Efstathiou, Fredrik Rasten, Miman, y Marthe Lea Band, mostrando la amplitud de su talento. El álbum incluye también composiciones originales y versiones de melodías tradicionales escandinavas.

Preparaos para una travesía sonora única, donde tradición y experimentación se encuentran en perfecta armonía.

JULIAN SARTORIUS & ENSEMBLE THIS | ENSEMBLE THAT

Abrimos esta noche “RLLRLRLRLRLRLRLRLRLLRLRLR”, el último proyecto del innovador baterista y artista sonoro suizo Julian Sartorius. Este es su tercer álbum en tres años, y en esta ocasión, Sartorius nos ofrece una obra única de percusión de 39 minutos creada en colaboración con el conjunto Ensemble This | Ensemble That.

Por primera vez, Sartorius asume el papel de director interactivo, dejando que un ensamble interprete una idea concebida por él. El resultado es una exploración fascinante donde los ritmos y sonidos evolucionan continuamente bajo su dirección. Sartorius manipula en tiempo real los instrumentos tocados por los percusionistas Brian Archinal, Victor Barceló, Miguel Angel Garcia Martin y Bastian Pfefferli, quienes ejecutan con precisión el patrón rítmico de 23 compases que da nombre al álbum.

El flujo de esta obra es un ciclo sin fin, un bucle diseñado para retornar al punto de partida. Como en su álbum Locked Grooves de 2021, Sartorius invita al oyente a sumergirse en una experiencia auditiva ininterrumpida, cargada de estados de ánimo que se transforman con cada intervención sonora. Desde pasajes minimalistas hasta paisajes musicales intensos y cambiantes, el álbum tiene un magnetismo casi místico que lo convierte en un viaje rítmico hipnótico.

Sartorius describe este trabajo como una oda a la curiosidad musical, una exploración de cómo pequeños cambios en el sonido pueden alterar profundamente la percepción emocional. Esta obra no solo amplía su práctica artística, sino que también redefine los límites de la música percusiva al integrarla con un enfoque estructural recursivo.

ANDREW OSTLER

Iniciamos ahora un viaje auditivo que rompe barreras y redefine lo que la música electrónica puede ser, escuchando tres temas del fascinante cuarto álbum de Andrew Ostler para el sello Expert Sleepers: una obra que trasciende géneros y combina magistralmente drones, influencias de la escuela de Berlín, música clásica moderna, dub e incluso toques de jazz. Este álbum representa un gran salto en la evolución artística de Ostler, destacándose por su equilibrada fusión entre la electrónica y la interpretación instrumental. El álbum se construyó a partir de improvisaciones, a las que Ostler añadió capas instrumentales para enriquecer las armonías. Canciones como "Tunes Blown Tremulous in Glass" evocan la profundidad de las composiciones de Arvo Pärt con cuerdas cambiantes que rozan lo disonante. Por otro lado, el tema principal explora dos estados emocionales: una meditación melancólica que da paso a una celebración exultante en tono mayor.

Continuamos la escucha de “Dots on a Disk of Snow” de Andrew Ostler que en esta ocasión amplía su repertorio incorporando arreglos de cuerdas y una rica variedad de instrumentos de viento y lengüeta, creando una paleta sonora tan diversa como armónica.

Las piezas finales, las dos que seguiremos escuchando, como esta que suena ya "The Doom's Electric Moccasin" y la que sonará después "Rowing in Eden", añaden un giro inesperado al incluir elementos de percusión. Por ejemplo, esta "The Doom's Electric Moccasin" combina ritmos electrónicos vibrantes con un solo de trompeta espontáneo,

Y suena ya "Rowing in Eden" un tema que yuxtapone una batería relajada con un coro de clarinetes que teje un paisaje sonoro casi hipnótico.

El álbum está disponible en una edición especial de vinilo transparente/blanco, acompañado de un diseño de portada sobresaliente de Carl Glover, que complementa visualmente la experiencia sonora.

CHRISTIAN KLEINE

Celebramos en Atmósfera el esperado regreso de Christian Kleine, una de las figuras más respetadas en la escena de IDM y electrónica, con su trabajo Environmental Cure, que vio la luz a finales de 2023, un trabajo que sin duda ha supuesto ser una joya más en su impresionante trayectoria artística, marcada por su autenticidad y un enfoque meticuloso en el diseño sonoro. Y por supuesto, merece que nos paremos un rato a escucharlos, así que sonarán en nuestro programa de hoy tres de sus temas.

Estamos recorriendo “Environmental Cure” de Christian Kleine.Conocido por su capacidad de tejer melodías evocadoras y texturas intrincadas, Kleine explora en este disco la relación entre la humanidad y la naturaleza que nos rodea. A través de paisajes sonoros cautivadores y ritmos elaborados, Environmental Cure ofrece un refugio auditivo, perfecto para quienes buscan un escape de lo cotidiano.

Este es el último tema que escucharemos por hoy de “Environmental Cure” de Christian Kleine, pionero en los géneros que una vez definieron la IDM y que ha demostrado una habilidad constante para innovar sin perder su esencia. Este álbum consolida su legado como un artista que combina experimentación y sensibilidad, creando composiciones que trascienden el tiempo.

KEE AVIL

Terminamos nuestra primera hora de Atmósfera con “Crease Remixed” de Kee Avil, publicado en el sello Constellation en 2023 (a Atmósfera llegó en los primeros meses de 2024) y una emocionante reinterpretación del álbum debut de Kee Avil, Crease de 2022. Mientras Kee trabaja arduamente en su próximo proyecto para 2024, invitó a cuatro artistas excepcionales a reimaginar las pistas de su primer disco, llevándolas a nuevos y emocionantes territorios sonoros.

Estos remixes descomponen y reconstruyen los ensamblajes electroacústicos meticulosamente elaborados del álbum original, sumergiéndolos en paisajes más electrónicos y sampladelic. Desde atmósferas inquietantes hasta ritmos exuberantes con toques de pista de baile, Crease Remixed es un viaje sonoro que amplía los límites de la experimentación musical.

Los remezcladores seleccionados son nombres destacados de la escena:

Ami Dang, Cecile Believe, Claire Rousay y Pelada, el dúo que emergió de la escena underground de clubes de Montreal, conocido por su sonido crudo y magnético que hace la remezcla que suena ya.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

Eva Sajanova & Dominik Suchy - Koniec koniec - Decision Paralysis

Eva Sajanova & Dominik Suchy - NeTitulovaná - Decision Paralysis

Egil Kalman - Diffused - Forest of Tines: Egil Kalman plays the Buchla

Egil Kalman - Dub One - Forest of Tines: Egil Kalman plays the Buchla

Julian Sartorius - RLLRLRLLRRLRLRLRLLRLRLR - RLLRLRLLRRLRLRLRLLRLRLR

Andrew Ostler - Tunes Blown Tremulous in Glass - Dots on a Disk of Snow

Andrew Ostler - Rowing in Eden - Dots on a Disk of Snow

Andrew Ostler - The Dooms Electric Moccasin - Dots on a Disk of Snow

christian kleine - Mode&Verzweifelung - Environmental Cure

christian kleine -  Friday End - Environmental Cure

christian kleine -  Lucien - Environmental Cure

Kee Avil - Gone again (Pelada Remix) - Crease Remixed

Hans-Joachim Roedelius y Arnold Kasar, Andrea Burelli

 

GAVIN BRYARS

En el mes de noviembre abríamos una auténtica joya, “The Complete Obscure Records Collection” del sello Obscure Obscure una de las grandes anomalías y triunfos de la grabación del siglo XX, que fue concebido inicialmente por Brian Eno como un vehículo para el trabajo de su amigo Gavin Bryars, que aún no había sido grabado, antes de asumir ambiciones más grandes.

Y esta noche, iniciado ya este 2025 queremos volver a él, obviamente, una obra de esta envergadura, tendrá su espacio en Atmósfera. Lo hacemos con el primero de sus discos, el de Gavin Bryars.

“The Complete Obscure Records Collection” es una edición limitada de 1000 copias en caja, que contiene los diez lanzamientos de Obscure Records, de Brian Eno, publicados originalmente entre 1975 y 1978, presentados en réplicas en formato mini-LP de las cubiertas originales con notas originales y fundas interiores troqueladas con forro de poliéster negro.

Esta colección única, contiene los lanzamientos de debut de Gavin Bryars, Michael Nyman, John Adams, David Toop, Max Eastley, Harold Budd, Christopher Hobbs, Jan Steele y Simon Jeffes / The Penguin Café Orchestra, además de importantes obras de John Cage, Tom Phillips y John White y por supuesto el seminal "Discreet Music" de Brian Eno.

ROEDELIUS & ARNOLD KASAR

Cinco años después de su exitoso álbum "Einfluss", el legendario Hans-Joachim Roedelius y Arnold Kasar regresaban en diciembre de 2023 con “Zensibility”, su segundo trabajo colaborativo, lanzado bajo el sello berlinés 7K!. Este álbum presenta ocho piezas instrumentales que reflejan un diálogo único entre el piano de cola de Roedelius y los paisajes electrónicos minimalistas de Kasar.

El álbum, grabado en apenas tres días antes del confinamiento de 2020, sigue un método especial de llamada y respuesta: Roedelius inicia con delicadas miniaturas para piano, y Kasar responde con sonidos electrónicos sensibles y equilibrados. El resultado es un trabajo profundamente meditativo y emocional, donde el ego queda fuera y la música fluye en total armonía.

Con “Zensibility”, Roedelius y Kasar nos regalan una obra introspectiva, respetuosa y cargada de calma, perfecta para quienes buscan una experiencia musical auténtica y reflexiva.

BRYAN SENTI & DOM BOUFFARD

En “Killing Horizon”, Bryan Senti y Dominic Bouffard nos invitan a un viaje sonoro que trasciende los límites de la realidad, explorando la paradoja entre el vacío y la creación. Este álbum, nacido de sesiones remotas durante la pandemia, captura la fragmentación de esa época, donde lo acústico y lo electrónico, lo planeado y lo improvisado, se entrelazan para formar un todo sorprendentemente cohesivo.

Bryan Senti, compositor galardonado con un BAFTA, y Dominic Bouffard, guitarrista experimental, logran una fusión única de estilos. Su música es un diálogo entre la crudeza terrenal de la guitarra de Bouffard y las elevadas texturas electrónicas y acústicas de Senti. A esta mezcla se suma el violonchelo de Noah Hoffeld, grabado desde Nueva York, que aporta calidez y profundidad a los pasajes más etéreos.

El título del álbum, que hace referencia al horizonte de sucesos de un agujero negro, parece paradójico: en lugar de aniquilación, “Killing Horizon” nos ofrece creación. Cada tema nos envuelve en un paisaje sonoro cautivador, donde cada nota invita a la introspección y cada pausa nos lleva a la reflexión.

Más que un álbum, “Killing Horizon” es una experiencia sensorial que nos recuerda cómo el arte puede transformar la incertidumbre en belleza, incluso en los momentos más desafiantes. Una obra imprescindible para los amantes de la música que conecta alma y cosmos.

KIRK BARLEY

El minimalismo orgánico del compositor y productor Kirk Barley se recoge en su álbum de estudio Marionette, publicado con Odda Recordings.

Basadas en grabaciones de campo, sonidos encontrados, improvisaciones instrumentales o procesos sintéticos, las composiciones de Barley evocan mundos sonoros en desarrollo, a medida que ideas o motivos simples se superponen y se desarrollan en piezas complejas que se revelan con el tiempo.

Marionette muestra la amplitud y variedad del sonido del artista nacido en Yorkshire, entrelazando estados de ánimo familiares y extraños de la Inglaterra rural y su arquitectura victoriana, como lo sugiere la impresión del jardín cerrado de la portada del álbum. Desplegándose entre texturas físicas (la pátina del crujido del vinilo o la lluvia suave) y los espacios hiperrealistas que habita su música, Barley describe estas composiciones como "paisajes o pinturas de escenas estáticas", y muchas de las pistas del álbum toman los ritmos de la naturaleza como su señal compositiva.

Inspirándose en el jazz, el minimalismo y el techno, Barley se centra en las cualidades detalladas del sonido, experimentando con firmas de tiempo, temporales y sistemas de afinación. Su alter ego esotérico Bambooman (2013-2018) encontró un hogar en el sello Accidental de Matthew Herbert, lanzando el álbum Whispers en 2017.

En contraste, bajo el seudónimo Church Andrews (más notablemente en colaboración con el baterista Matt Davies), produce música sintética, a menudo centrada en el ritmo, utilizando síntesis digital y técnicas de composición algorítmica, con las interpretaciones de batería en vivo que activan y modulan los sintetizadores de Barley.

Bajo su propio nombre, Barley lanzó su álbum debut Landscapes en 2019.

ANDREA BURELLI

Abrimos esta noche el álbum “Sonic Mystics for Poems (of Life and Death of a Phoenix)” del compositor afincado en Berlín, Andrea Burelli, una obra altamente autobiográfica cuyo mundo sonoro y conceptual, metafóricamente arraigado en el mito, ofrece una perspectiva mística de las cosas, al tiempo que mantiene fuertes vínculos con el tejido tangible de una existencia humana vulnerable y frágil.

La poesía, con su contenido confesional, lidia con las dificultades insuperables del ser, pero también con la luz de la vida. Burelli canta paisajes perdidos en las arenas del tiempo y la memoria, atardeceres cautivadores, la infinitud del mar, tierras imaginarias llenas de magia, el fin del mundo y el amor.

La colección consta de 15 piezas para voces polifónicas, cuerdas y sintetizadores, con la participación de la estimada violinista Mari Sawada y la violonchelista Sophie Notte, ambas miembros del reconocido conjunto berlinés Solistenensemble Kaleidoskop.

Esta colección, con sus intrincadas estructuras rítmicas y armónicas, encuentra su lugar en la composición musical contemporánea sin limitarse a un género definido, y se nutre de la electrónica experimental, la música clásica occidental, la música clásica turca e india, así como del folclore de Europa del Este y del Sur.

MESMER

Nos sumergiremos ahora en un álbum que es mucho más que música: es un viaje sonoro a la intersección entre la naturaleza y la cultura. MESMER, el trío compuesto por Emil Jensen, Victor Dybbroe y Anders Filipsen, nos trae una obra que encapsula dos años de intensa investigación sonora, creatividad desbordante y experiencias en paisajes donde lo natural y lo humano se enfrentan y se fusionan.

Este álbum es fruto de una serie de grabaciones en vivo, pero no de la manera convencional. Estas grabaciones fueron 'deconstruidas' para transformarse en algo completamente nuevo. Todo comenzó en las afueras de Copenhague, durante viajes de campo que capturaron sonidos únicos, paisajes auditivos que reflejan la interacción entre los entornos naturales y culturales. ¿El resultado? Una paleta de estados de ánimo, texturas y energías que los integrantes de MESMER reinterpretaron magistralmente.

Los músicos tomaron estas grabaciones de campo como base para crear melodías, armonías y ritmos que dialogan con el entorno. Cada pista es un puente entre el mundo que nos rodea y el universo musical del grupo. Emil, Victor y Anders llevan más de 15 años trabajando juntos, perfeccionando su capacidad para convertir la inspiración ambiental en composiciones que no solo se escuchan, sino que se sienten.

En MESMER, el sonido es más que un medio; es una herramienta que influye en nuestra percepción, en nuestra conexión con los lugares que habitamos. Su música nos invita a abrir los oídos y el corazón a los sonidos de nuestro entorno, a descubrir lo musical en lo cotidiano. Este álbum no solo es una invitación a escuchar, sino a experimentar, a sumergirse en paisajes sonoros tanto externos como internos.

JOSEPH NADA

Joseph Nada es un artista de música electrónica, conocido por su estilo downtempo y su enfoque en el avant-pop en español. Residente en Barcelona, ha cultivado una identidad enigmática que sumerge a su audiencia en atmósferas conceptuales y cargadas de misterio. Su trabajo combina música y visuales vanguardistas, integrando animación 3D e inteligencia artificial para crear experiencias inmersivas.

Compartimos hoy con todos vosotros su nuevo sencillo titulado “No Forgettable”, un tema que crea una atmósfera envolvente e introspectiva que invita al oyente a explorar emociones y sensaciones donde el tiempo parece disolverse. Con unas vocales sugerentes y cargadas de emoción, Joseph Nada nos traslada de nuevo a su universo trascendental y cósmico. Su capacidad para narrar desde la cotidianidad conecta con el oyente en cada frase.

ETHEREAL BONDS

Detrás del artista Ethereal Bonds encontramos a Martin, un ingeniero de sonido y artista de 32 años de Alemania del Este. Es un fanático de los álbumes conceptuales y produce música electrónica experimental cinematográfica con influencias de la idm, la neoclásica, edm, glitch y post rock. "Siempre estoy trabajando en nuevas técnicas de diseño de sonido originales que me permitan fusionar sonidos orgánicos y electrónicos en mi música. Además, estoy abierto a contactos con productores de música y video y artistas de todo tipo, realmente. Me encantaría trabajar multidisciplinarmente en el futuro y me veo produciendo música para exposiciones de arte, cortometrajes, desfiles de moda y otros eventos artísticos", dice Martin.

El disco que abrimos esta noche y del que escucharemos tres cortes para terminar nuestra primera hora de Atmósfera se titula Undone, es su LP debut y lo ha publicado con Lamour Records

Continuamos escuchando “Undone” de Ethereal Bonds, un viaje musical de tres años que desafía las normas de la música electrónica. Es un viaje que implica superar los límites, combinar diversas influencias y dominar cada faceta de la producción musical. Melodías sencillas y memorables se fusionan con un diseño de sonido único, y los sonidos impulsados ​​por el azar simbolizan la imprevisibilidad de la vida.

Terminarnos por esta noche la escucha de “Undone” de Ethereal Bonds , cuyo título captura su esencia en constante evolución, haciendo eco de la temporalidad de la vida. El pulso rítmico de los relojes y las cajas de música representa la existencia fugaz, mientras que los ritmos de la música de baile subrayan temas de conformidad y presiones sociales.

Undone mantiene el atractivo físico de la música de baile al tiempo que desafía las convenciones del género con estructuras poco convencionales. En lugar de voces tradicionales, las emociones se transmiten a través de la música y el sonido.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Gavin Bryars - The Sinking Of The Titanic - The Complete Obscure Re

Roedelius & Arnold Kasar - Wordless - Zensibility

Bryan Senti & Dom Bouffard - Elevation - Killing Horizon

Kirk Barley - Kites - Marionette

Andrea Burelli - Come Fan Le Stelle - Sonic Mystics For Poems (Of Life And Death Of A Phoenix)

Andrea Burelli - Ali Di Fuoco - Sonic Mystics For Poems (Of Life And Death Of A Phoenix)

Mesmer - Intro - Terrain Vague

Joseph Nada - No Forgettable

Ethereal Bonds - Time Pervades Us All

Ethereal Bonds - A Fading Memory

Ethereal Bonds - Souls Tango In Dead Cities

Ned Pegler, Dominique Bassal

 

NED PEGLER

Este va a ser el último programa de este año 2024, los siguientes Atmósfera serán, como cada año un repaso a lo mejor que nos ha dejado este año. Y para poner un broche final a este 2024 en Atmósfera, os hemos preparado un programa con sonidos de una gran complicidad, con una fuerte carga ambiental y mensajes que os harán pensar en cuestiones complejas acerca de nuestro género favorito: la Música experimental.

Iniciamos hoy este programa tan intenso y particular escuchando algunos temas del nuevo trabajo de Ned Pegler que regresa a Riverette con un disco muy especial. Su álbum debut bajo su verdadero nombre Ned Pegler, publicado el 22 de noviembre.

"SCRIBBLES” de Ned Pegler son algunos de los puntos destacados de cientos de bocetos de varios discos duros y computadoras de los últimos 15 años. Temas que nunca acabaron en ningún lanzamiento porque Pegler consideraba que estaban "subproducidos" o no eran lo suficientemente complejos de una manera u otra.

Seguimos escuchando “Scribbles”, el disco debut de Ned Pegler ajo su verdadero nombre. Muchos de los temas que han conformado al final el disco, nacieron de probar un nuevo equipo por primera vez, o de tener una idea rápidamente antes de hacer algo más importante. Dice Pegler: “A menudo, en estos momentos, cuando menos concentrado se está en la composición y en hacer una "pista", se presenta una cualidad lúdica".

Terminamos por hoy la escucha de “Scribbles” de Ned Pegler, un disco en el que Ned explora temas de la naturaleza, el tiempo y la conciencia, encapsulando la esencia de la música ambiental en este maravilloso álbum.

DOMINIQUE BASSAL

Hoy exploramos una crítica mordaz a la música acusmática, esa rama vanguardista que se ha convertido en prisionera de su propio elitismo. Su estética rechaza cualquier forma emocional o narrativa comprensible, atrapándose en un universo de ruido insípido y predecible. Paradójicamente, sus creadores, a menudo orientados al marketing, recurren a la jerga académica para impresionar, perdiendo de vista una conexión genuina con la humanidad que experimenta la música. ¿El resultado? Sonidos difíciles de disfrutar, alejados del trabajo minucioso y colaborativo de otros géneros comerciales.

El autor, un compositor acusmático, propone una ruptura: humanizar estas composiciones y aprender de quienes hacen música para un público real. Mientras en el ámbito comercial se perfecciona cada detalle con herramientas innovadoras, la música experimental desprecia esas técnicas, tachándolas de "comerciales", olvidando que están basadas en estudios profundos sobre cómo percibimos los sonidos.

La conclusión es clara: el esnobismo ha aislado a esta música, alejando talentos que podrían enriquecerla. El álbum que os estamos proponiendo ahora de Dominique Bassal, titulado “Écraser L’autre” —descrito como incómodo y provocador— busca desafiar esas normas. ¿Puede la música experimental conectar nuevamente con las emociones y la sociedad? Es una pregunta abierta, que nos hacemos muy seriamente en nuestra Atmósfera vertebrada por este tipo de sonoridades. Escuchamos ya algunas de estas respuestas de la mano de Dominique Bassal en forma de sonido.

No quería dejar pasar por alto la portada de este disco, describe a la perfección toda esta problemática en tan solo una imagen, potente y arrolladora. Os hemos dejado la portada de “Écraser L’autre” en nuestro blog. Estamos en blog.rtve.es/atmosfera

R BENY

El artista californiano, Austin Cairns, también conocido como R Beny, destaca por su asombrosa interpretación de la idea de los detalles silenciosos.

Conocido por su increíble serie de lanzamientos en Dauw y otros sellos como Seil Records, Longform Editions, Past Inside the Present y numerosos lanzamientos propios, capturó los corazones de los oyentes como pocos con su sensibilidad melódica innata, su talento único para la creación de mundos sonoros y su vasta habilidad técnica.

"Discerned In The Fugue Of Streams" es el producto de toda su emoción e introspección, un artista que demuestra una afinidad total con sus instrumentos y la capacidad de plasmar musicalmente sus sentimientos más íntimos con perfecta claridad.

La música de R Beny siempre se ha caracterizado por una melodía elegante y conmovedora, acompañada de texturas excepcionalmente esculpidas; aquí lo vemos expandirse sobre lo que ha hecho hasta ahora, retratando hermosamente la naturaleza profunda de su creatividad.

GODSPEED YOU BLACK EMPEROR

el 4 de octubre volvimos a tener noticia de los de Montreal, Godspeed You! Black Emperor. El título de su próximo álbum, No Title As of 13 February 2024 28,340 Dead, hace referencia al número de muertos en Gaza a causa del conflicto en curso con Israel. O, como dice la banda:

¿Qué gestos tienen sentido mientras caen cuerpos diminutos? ¿Qué contexto? ¿Qué melodía rota? Y luego un recuento y una fecha para marcar un punto en la línea, el proceso negativo, la pila creciente. La puesta de sol sobre lechos de ceniza mientras nos sentábamos juntos, discutiendo.

El grupo canadiense siempre ha tenido la capacidad de capturar y lamentar la oscuridad de la humanidad a través de su post-rock elegíaco pero desafiante, con sus guitarras en movimiento y sus arreglos de cuerdas contemplativos. Este single que escuchamos por primera vez esta noche, “Grey Rubble — Green Shoots” parece una respuesta totalmente apropiada al conflicto en curso. Los minutos finales de la canción se desarrollan como un réquiem, uno que nos implora que dejemos de discutir, que nos enfrentemos a la oscuridad dentro de nosotros mismos y de nuestras naciones, y que hagamos algo al respecto.

ASTROBAL

Exploramos ya el segundo sencillo del tercer álbum de Astrobal, “Miami 2064” que encapsula perfectamente el enfoque compositivo abierto que Emmanuel Mario sigue a lo largo de las diez piezas de “L'uomo e la natura”.

Synth-wave neo-noir, homenajes a los maestros de la música cósmica como Tangerine Dream, guitarras rasgueadas y voces etéreas: en solo seis minutos, Mario te lleva a un viaje interplanetario.

El álbum completo "L'uomo e la natura" de Astrobal saldrá a la venta el 7 de febrero de 2025.

ZABALA

Zabala es el nombre artístico de Jon Aguirrezabalaga, productor y compositor afincado en Bilbao. Actualmente compagina su trabajo como compositor para cine y teatro con sus propios proyectos musicales (Zabala, Black Crystals) y trabajos de producción para otros artistas como Verde Prato, Sara Zozaya, Kokoshca, Laura Sam y Juan Escribano, Airu, Reina Republicana y muchos más.

Hace una década que el ahora reputado compositor de bandas sonoras Aitor Etxebarria, fundó Forbidden Colours. El pasado mes de septiembre se anunció que el sello cerraría tras 10 años de actividad. Pero aún le quedaba un as en la manga con la publicación de No Club, un LP firmado por Zabala que desde luego, recoge la esencia de lo que ha sido esta etiqueta. Vamos a escuchar para terminar nuestra primera hora de Atmósfera tres temas de este disco. Acabamos de escuchar el primer tema del disco de No Club de Zabala con la colaboración de Verde Prato y seguimos con un segundo: “Calavera” interpretado por Rrucculla. Encontramos también otras colaboraciones como las de Sara Zozaya Liam de Full Cab.

Terminamos la escucha de ‘No Club’ de Zabala y nuestra primera hora de Atmósfera. “No Club” es un disco expansivo y absorbente con temas tracks que tratan de la falta de intimidad en el mundo moderno actual, a menudo frío e implacable, o nuestra sobreexposición a estímulos externos. 11 cancionesen las que Zabala fusiona sonidos sintéticos y orgánicos.

THE COMPLETE OBSCURE RECORDS COLLECTION

 

GIANMARIA APRILE

“Me gusta oler el bosque, escuchar música y tocarla, pero nunca lo hago lo suficiente”

Hemos abierto nuestra Atmósfera de hoy con los pensamientos de Giamaría Aprile que comenzó a principios del nuevo milenio a editar discos acercándose al mundo del post-rock para  continuar su camino musical acercándose a sonidos más experimentales  y entrar después en el mundo de la improvisación y el jazz. Confiesa Gianmaría: “ahora ya no tengo ningún compañero de viaje, solo el sonido de mi guitarra.

"Losing your bearings in the middle of the day" que da comienzo hoy a nuestra Atmósfera es una suite de 40 minutos que se interpretó con una sensación de desconcierto, dejando que el mismo material sonoro se perdiera a medida que la mente seguía sus propias revelaciones.

“La música es continua, somos nosotros los que nos alejamos” afirma Gianmaria Aprile.

THE COMPLETE OBSCURE RECORDS COLLECTION

Estamos ahora ante toda una joya, la edición limitada de 1000 copias en caja, que contiene los diez lanzamientos de Obscure Records, de Brian Eno, publicados originalmente entre 1975 y 1978, presentados en réplicas en formato mini-LP de las cubiertas originales con notas originales y fundas interiores troqueladas con forro de poliéster negro.

Incluye un libro de 130 páginas con nuevos textos y contribuciones de Gavin Bryars, Bradford Bailey, David Toop, Max Eastley, Richard Bernas, Tom Recchion, Carlo Boccadoro, Walter Rovere, Bruno Stucchi, fotos únicas, y una nota de Silvia Lelli sobre las fotos de Masotti.

Esta colección única, contiene los lanzamientos de debut de Gavin Bryars, Michael Nyman, John Adams, David Toop, Max Eastley, Harold Budd, Christopher Hobbs, Jan Steele y Simon Jeffes / The Penguin Café Orchestra, además de importantes obras de John Cage, Tom Phillips y John White, sin mencionar el seminal "Discreet Music" de Eno, que estamos escuchando ya.

La producción del sello equivale colectivamente a un monumento en la historia de la música experimental minimalista que ha cautivado al público desde su primera aparición: un puente poco común entre los reinos de vanguardia y popular.

Esta notable colección, que se presenta en una caja de lujo diseñada por Bruno Stucchi / dinamomilano y publicada por Dialogo en ediciones de CD y vinilo completamente remasterizadas por Andrea Marutti y que incluye un libro lleno de fotos raras, material de archivo y textos de, entre otros, Gavin Bryars, Bradford Bailey, David Toop, Max Eastley, Richard Bernas y Tom Recchion, marca la primera vez que esta serie seminal ha recibido una reedición completa en cualquier formato, ya que varios de los álbumes incluidos nunca han sido reeditados en vinilo y/o CD desde su lanzamiento original.

PINGUIN CAFE ORCHESTRA

Continuamos la escucha de la extraordinaria colección “The Complete Obscure Records Collection” del sello Obscure Records, una de las grandes anomalías y triunfos de la grabación del siglo XX, que fue concebido inicialmente por Brian Eno como un vehículo para el trabajo de su amigo Gavin Bryars, que aún no había sido grabado, antes de asumir ambiciones más grandes.

Estamos ahora con el séptimo de los CD’S que corresponde a la Penguin Cafe Orchestra, aunque esta nunca se menciona como tal en la funda ni en los créditos del sello; los únicos créditos son los de Members of the Penguin Café Orchestra en la portada; la contraportada también acredita a Penguin Café Quartet como intérprete de dos temas.

J.WLSN

En la Navidad de 2022, J. WLSN decidió regalar a su hijo de 7 años una guitarra de ¾ cuerdas de nailon, un gesto que no solo marcó el inicio de un nuevo viaje musical para el pequeño, sino que también reavivó la pasión de J. WLSN por la música.

Al tocar esta guitarra para principiantes, J. WLSN se sintió transportado a su adolescencia, recordando aquellos momentos en los que pasaba horas tocando una guitarra de 6 cuerdas con sordina. Esta experiencia lo llevó a utilizar su teléfono como un motor de grabación, creando loops y capturando pequeñas ideas que surgían en su mente. Pero no se detuvo ahí; comenzó a manipular estas grabaciones con pedales de guitarra, enviándolas a una consola de grabación Audio Technica RMX64 de los años 80 y a un casete de 4 pistas que le prestó el músico Tim McPhee.

“Slipped” que escuchamos hoy en Atmósfera es una colección de temas que se convierte en una exploración continua de líneas, formas abstractas y tonos, donde el sonido puro se trabaja hasta el olvido.

En su música, encontramos una fusión de loops de guitarra de nailon, sintetizadores FM, módulos Buchla 200 minimalistas, y un delay de casete, todo ello acompañado de grabaciones de campo que incluyen el piano, sonidos de su familia y otros instrumentos. Cada elemento se desliza y se entrelaza, creando una experiencia auditiva rica y envolvente.

KIN LEONN

Nos sumergimos ahora en el fascinante universo sonoro de Kin Leonn, conocido como el "chico ambiental" de Singapur, escuchando tres temas de su último trabajo “Mirror In The Gleam”

Después de cautivar al público con álbumes como Commune en 2018 y Faraway Vicinity, su colaboración con Hiroshi Ebina en 2020, Kin Leonn ha seguido expandiendo su impacto. Ha trabajado como productor junto a Yeule en el álbum Softscars, nos ha sorprendido con remixes para Moderat y Yunè Pinku, y ha dejado su huella en el cine con su contribución a la banda sonora de The Breaking Ice, una película seleccionada en la categoría Un Certain Regard del Festival de Cannes 2023.

Con Mirror in the Gleam, su segundo álbum de larga duración, Kin Leonn nos invita a explorar un enfoque único de la narración sonora, profundamente enraizado en la semiótica y los sentimientos metafóricos. Este trabajo nos ofrece un folclore empático y misterioso, una especie de consuelo sonoro para enfrentar las desconexiones de nuestra era moderna. Cada pista se convierte en una oda a esos momentos de claridad que nos recuerdan lo que significa estar vivos.

“Mirror in the Gleam" de Kin leonn, es un álbum en el que Leonn abandona las limitaciones de una paleta instrumental fija para explorar una fluidez creativa que entrelaza expresiones orgánicas con texturas electrónicas. Priorizando el estado de ánimo y la narrativa sobre la técnica, construye mundos ambientales donde la naturaleza es una pieza clave: grabaciones de campo, sonidos encontrados y la imitación de comportamientos naturales se convierten en el hilo conductor de esta obra.

A pesar de su atmósfera etérea, Mirror in the Gleam está diseñado para conectar profundamente con los oyentes, evocando memorias de una existencia pasada o invitándonos a explorar la hiperrealidad de nuestro presente. La maestría musical de Kin Leonn nos guía en un viaje hacia el autodescubrimiento, donde el sonido es el lenguaje universal.

 

ZÖJ

Zöj llevaba desde 2021 produciendo “FIL O FENJOON”, un disco que representa una instantánea de un trabajo que abarca una década. No es una conclusión. No es una doctrina. No busca definir, distorsionar o determinar de ninguna manera. Más bien, es una reflexión: una comunicación compartida donde la influencia del oyente se valora tanto como la del narrador.

 

MANONGO MUJICA

viajamos al corazón del desierto peruano con Manongo Mujica, un visionario compositor, percusionista y pintor que, inspirado por el cuento de Jorge Luis Borges Las ruinas circulares, nos invita a explorar el misterio y la introspección a través de su nuevo álbum: Ritual sonoro para ruinas circulares.

Este trabajo es el resultado de décadas de exploración personal en los antiguos centros ceremoniales de la costa peruana, como Sechín, Chankillo y Túcume, lugares cargados de simbolismo y conexión con el cosmos. Mujica los convierte en una ruta espiritual y sonora que ahora redescubre con la mirada del relato borgeano: un demiurgo que sueña con otro hombre en las ruinas.

El álbum es una experiencia inmersiva que fusiona paisajes sonoros densos, grabaciones de campo y percusiones rituales como el udu, djembé y gong, con procesos electroacústicos creados por el noruego Terje Evensen, y la emotiva interpretación de Fil Uno en el violonchelo. Las flautas de pan y las voces rituales de Gabriela Ezeta completan este universo sonoro único, profundo e hipnótico.

Además, esta obra incluye una película dirigida por Víctor Checa, rodada en 16mm, que acompaña a Mujica en su ritual por las huacas, con la participación de su hija, la bailarina Anahí Mujica.

 

JAY CLUSS

Vamos terminando ya nuestra primera hora de Atmósfera con sonidos más de pista, con el nuevo EP de Jay Cluss, “Endless Vision EP”, tres increíbles aventuras melódicas con sus estados emocionales y sentimientos. Lanzado en Natura Viva, este EP contiene tres mezclas extendidas llenas de geniales sintetizadores progresivos, drops muy locos y baterías maravillosas que las hacen tan especiales.

 

DARTH ATHENA

Y ahora sí, Darht Athena pone el cierre a esta primera hora de Atmósfera con su disco 'Freight Train' repleto de secuencias de energía eufórica y cautivadora que te atraen tan visceralmente que casi puedes sentirlas metiéndose bajo tu piel mientras te conviertes en víctima de este himno contagioso que ejemplifica las vibraciones del tech house de la vieja escuela que se sintetizan a la perfección con un diseño de sonido innovador.

ZIMOUN, ANENON

 

BRAD E. ROSE

Abrimos nuestra Atmósfera con una reflexión profunda sobre el sonido y la vida, inspirada en el proyecto "I’m Scared of Dying" de Brad E. Rose. Este trabajo comenzó como una serie de pequeñas viñetas nocturnas, creadas en momentos de insomnio. El autor, al no poder dormir, se sumergía en un torrente de pensamientos, buscando calmar su mente inquieta a través de suaves exploraciones sonoras, como los sonidos del agua y drones resonantes.

Sin embargo, a menudo, estos intentos no eran suficientes. En medio de la noche, escuchaba a su hija despertarse y salir de su habitación, lo que le llevaba a reflexionar sobre su propia existencia y el miedo a la enfermedad y la muerte. Aunque el temor a morir no le había atormentado tanto en el pasado, la cercanía a los 50 años le hizo reconsiderar su vida y el impacto que podría dejar en sus seres queridos.

"I’m Scared of Dying" es una recopilación de esos fragmentos de vida, que se expanden y transforman en un rayo de luz, a pesar de la oscuridad que a veces nos rodea. A medida que el autor se enfrenta sus miedos, también encuentra una nueva perspectiva sobre ellos, sintiéndose más en paz con la incertidumbre de la vida.

Así que, mientras disfrutamos de estos paisajes sonoros, recordemos que el sonido puede ser un espejo de nuestras emociones y experiencias, y que, a veces, enfrentarnos a nuestros miedos puede llevarnos a un lugar de mayor claridad y aceptación.

ZIMOUN

Os proponemos ahora una mirada fascinante al trabajo del artista suizo Zimoun, conocido por sus instalaciones inmersivas que combinan ruido y movimiento a gran escala. Utilizando materiales como cartón y motores de corriente continua, Zimoun crea entornos mecanizados que han sido exhibidos en museos y galerías de renombre mundial.

En septiembre de 2023, Zimoun lanzó "Modular Guitar Fields I-VI", que se centra en los sonidos de una guitarra tenor-barítono, complementada con un sintetizador modular y un amplificador vintage Magnatone de los años 60. Este álbum nos transporta a paisajes sonoros expansivos y atmosféricos, donde la calidez de los sonidos crudos se entrelaza con un enfoque minimalista.

Las composiciones de Zimoun son verdaderas esculturas sonoras, llenas de movimiento y capaces de crear un efecto hipnótico que sumerge al oyente en un entorno envolvente. A diferencia de las narrativas tradicionales, sus obras evocan una sensación de lugar, reflejando su interés en la generación de sonido y la creación de espacios sonoros únicos.

A lo largo de "Modular Guitar Fields I-VI", las composiciones presentan cambios sutiles, pero mantienen un desarrollo continuo en sus microestructuras, asemejándose a un organismo en constante transformación. Este enfoque resalta su deseo de crear sistemas complejos a partir de elementos simples, donde los sonidos de la guitarra son la esencia que alimenta esta experiencia.

A diferencia de otros artistas de su entorno, Zimoun ofrece un álbum más intenso, basado en drones, que, aunque inicialmente puede parecer un paisaje implacable, revela capas ocultas llenas de vida y movimiento, como si exploráramos el interior de un glaciar masivo.

Así que, si buscáis una experiencia sonora única y envolvente, no podéis dejar de explorar este "Modular Guitar Fields I-VI" de Zimoun.

ANENON

Exploramos ahora el fascinante universo de Anenon, el alias del talentoso Brian Allen Simon, quien hace exactamente un año, el 17 de noviembre de 2023, nos regaló 'Moons Melt Milk Light'. Este álbum, profundamente personal y emocional, marca un giro audaz en su carrera.

Anenon deja atrás las texturas electrónicas de sus obras anteriores como 'Tongue' y 'Petrol', para adentrarse en un enfoque casi completamente acústico. Piano, saxofón tenor, clarinete bajo y grabaciones de campo forman el alma de esta obra improvisada y grabada en tomas únicas, sin ediciones, logrando una honestidad pura.

Desde el inicio, con ‘Untitled Skies’, el oyente es transportado a un paisaje sonoro lleno de vida: saxofones florecientes, ecos de pasos, cantos de pájaros. Cada pieza, como esta que escuchamos ahora, ‘Champeix’ que nos sitúa bajo la lluvia o la minimalista ‘Maine Piano’, evoca un diálogo íntimo con lugares como Los Ángeles, Londres o Maine, integrando grabaciones de campo que conectan al oyente con la naturaleza y las emociones humanas.

En palabras del propio Simon: “La pérdida ha sido una constante en mi vida, pero de esa tristeza nace la belleza. La perfección es banal; lo que importa es la tensión”. Moons Melt Milk Light es, en definitiva, un manifiesto de esperanza y aceptación, una búsqueda de luz en la oscuridad que se traduce en una experiencia sonora única y elusiva.

ADAM CONEY

El compositor y guitarrista Adam Coney, combina post rock, jazz e improvisación en una mezcla fascinante de paisajes sonoros. Su trabajo se caracteriza por un enfoque idiosincrásico que abarca tanto lo pastoral como lo angular, demostrando una sensibilidad única hacia la estética de la producción. Con actuaciones memorables en escenarios como el Café OTO de Londres y giras internacionales, Coney ha compartido escenario con grandes nombres como Bill Orcutt y Daniel Lanois.

Como codirector del sello londinense Trestle Records, Coney lidera proyectos como las "One Day Band Sessions", colaborando con artistas de renombre como Charles Hayward y Ruth Goller. Además, explora la improvisación libre con su trío Noon, junto a Beanie Bhebhe y Nick Siddall.

Entre sus álbumes destacan 'The Fall Of The Flamingo Gardens' (2014), aclamado por la crítica, y 'Pavilion' (2019), donde colaboró con Leo Abrahams. Su más reciente trabajo, 'Ashwin & Above' (2023), ha sido descrito como un viaje sonoro que transita desde la contemplación tranquila hasta momentos de abandono máximo, recordándonos el poder del arte perdurable en un mundo dominado por lo efímero.

El LP Ashwin & Above nos lleva a un viaje desde la contemplación tranquila hasta el abandono máximo a través del equilibrio compositivo, la entrega intensa y el diseño de sonido astuto. En el contexto de un mundo cínico en el que el contenido rápido es el rey y el arte perdurable ocupa un segundo plano, Coney ofrece un recordatorio dinámico de que su música resiste la prueba del tiempo como un buen vino del cancionero de Robbie Basho.

KATE CARR

Nos adentramos ya en el fascinante nuevo trabajo de la artista Kate Carr, titulado "A Field Guide To Phantasmic Birds". En esta obra, Carr nos invita a reflexionar sobre la naturaleza subjetiva de las grabaciones de campo, sugiriendo que estas pueden ser interpretadas como una forma de imaginación.

La propuesta de Carr desafía nuestras percepciones y los límites de los sentidos, creando un diálogo entre la interioridad de nuestra mente y el mundo exterior. A través de su escucha bifurcada, nos presenta un registro único de alucinaciones auditivas, donde se entrelazan sonidos espectrales y gorjeos electromagnéticos. Nos ofrece una experiencia auditiva de pájaros que nunca grabó, pero que reimagina  de manera extraordinaria.

En esta obra, los sonidos se estiran, tartamudean y transforman, creando un paisaje sonoro vibrante y lleno de vida. Carr utiliza fragmentos digitales como artefactos de performance, imaginando a estos pájaros volando y llamándose en un entorno sonoro que ella misma ha creado. Visualizamos un mundo lleno de junglas tecnicolor, donde estos seres sonoros brillan, vivos e inexpugnables, en un espacio que parece intacto y no arruinado por la humanidad.

"A Field Guide To Phantasmic Birds" es, en esencia, una grabación de campo que nunca se realizó, pero que nos invita a experimentar la belleza de lo imaginado.

ROSS BIRDWISE

Nos situamos ahora ente un singular concepto sobre la música que desafía las convenciones y se adentra en un territorio de caos y complejidad. La música de Ross Birdwise, en muchos de sus temas, parece moverse en múltiples direcciones simultáneamente, creando una sensación de unidad que flirtea con el colapso y la incoherencia, especialmente en el ámbito del ritmo.

Imaginemos polirritmos y polímetros que se entrelazan, expandiéndose y contrayéndose en cuadrículas virtuales, inauditas y rotas. Estas estructuras temporales, aunque desordenadas, ofrecen una base que, al mismo tiempo, se opone a los sonidos que producen. Es como una colisión entre lo audible y lo inaudible, un patrón irregular que perturba nuestra percepción del tiempo y el espacio.

Os dejamos comprobar todo esto escuchando dos temas del nuevo trabajo de Ross Birdwise titulado “Fragile Alliances”

“Fragile Alliances” de Ross Birdwise, es un trabajo muy singular en el que el concepto de una cuadrícula oculta, que modula lo tangible y lo efímero, resuena con la experiencia de la vida contemporánea, marcada por flujos cambiantes y relaciones de poder tanto visibles como invisibles. En este mundo no euclidiano, donde la confusión y la transformación son constantes, la música se convierte en una metáfora del devenir, un reflejo de las tensiones del capitalismo tardío y sus efectos en nuestras vidas.

La música, entonces, no solo representa, sino que cataliza pensamientos y emociones, a menudo desafiando nuestra capacidad de describirla. La frustración que surge al intentar capturar su esencia se convierte en parte del proceso creativo. Las cuadrículas rotas empujan los sonidos hacia lo impredecible, mientras que cambios de tempo y ráfagas de ruido añaden capas de complejidad.

EUGENE CARCHESIO + ADAM BETTS

La colaboración entre el australiano Eugene Carchesio y el británico Adam Betts, dos artistas que han logrado fusionar sus estilos únicos en un proyecto sorprendente, nos sitúa en una grabación fascinante que desafía las expectativas y nos invita a explorar nuevos horizontes sonoros

Eugene Carchesio es conocido por su serie "Circle Music", en la que crea un cosmos sonoro a partir de materiales simples, manteniendo una calidad rítmica intensa y un enfoque minimalista. Sin embargo, en esta ocasión, Eugene decidió añadir un elemento inesperado: la percusión. En ese momento, recordó el trabajo de Adam Betts, un músico con quien ha compartido escenario en varias ocasiones y que, curiosamente, también había destacado en una competición de lanzamiento de pelotas galesas. Esta combinación de talentos resultó ser perfecta para el proyecto.

El resultado de esta colaboración es una obra que combina la energía contenida y la ferocidad rítmica de ambos artistas. La música que han creado no solo es un ejercicio de escucha atenta, sino que también invita a una exploración generosa de los sonidos. A través de esta fusión, se revela cómo el minimalismo puede generar olas de energía emocional, creando una experiencia auditiva única.

TRANSTILLA

Después de lanzar Transtilla II en 2019, nos sorprendió la energía que el dúo podía perpetuar en ese álbum y luego nos presentaron Transtilla III. Así que esperábamos un álbum ambiental, que sigue la pista de su predecesor. Pero Transtilla III es mucho más que eso. El álbum es una transformación de sentimientos en música o mejor dicho "puedes sentir lo que escuchas música".

La cara B es la calma después de la tormenta. "Petre de la Meusse", tema que os proponemos esta noche, es un crucero atmosférico, flotando sobre guitarras que hacen eco. 

Mientras que los dos primeros álbumes consistían principalmente en nubes oscuras de sonido, construidas con dos guitarras tocadas con arco y punteadas con los dedos, y loops, Transtilla III es un disco muy variado y dinámico, donde el dúo pasa de una inquietud embriagadora a una calma tenue, de un ruido industrial a una serenidad clásica, de la oscuridad a la luz y viceversa. No es casualidad que Transtilla III sea el resultado de un período lleno de acontecimientos de amor y muerte para el dúo, al que las canciones hacen referencia directa e indirectamente.

El tercer álbum de Transtilla es el más diverso, en el que las referencias anteriores a grupos como Labradford y Main y el grupo de bandas Kranky todavía pueden aplicarse, pero en el que el dúo también se sacude sus plumas ambientales.

HAND TO EARTH

Hand to Earth es un colectivo que redefine la creación musical como un proceso de "tejer". No es improvisación libre ni composición estricta, sino un punto intermedio donde historias, lenguajes y tradiciones convergen.

En el corazón de este ensamble está Daniel Wilfred, quien canta las “Manikay” (las canciones de clanes que se acompañan con palos y didjeridu de los yolngu del noreste de la Tierra de Arnhem) en su lengua nativa wagiläk, entrelazando estas antiguas canciones populares con las prácticas contemporáneas del grupo. La música de Hand to Earth está guiada por el concepto del raki, una cuerda que, según la tradición Yolŋu, conecta lo físico con lo metafísico. En sus interpretaciones, este hilo invisible une a los músicos y a la audiencia en un espacio común de conexión y escucha profunda.

El álbum Mokuy captura este espíritu, renovando canciones con más de 60,000 años de tradición. Trompetas, instrumentos de viento y el pulso del yiḏaki (dijeridú) se mezclan con las voces de Daniel y Sunny, creando un paisaje sonoro que atraviesa tiempo y lugar. Es una música que, como el viento, une a las personas y evoca un sentido de pertenencia compartida.

Cuando cierras los ojos al escuchar Hand to Earth, sientes el raki como un diario etéreo de encuentros, un espacio donde lo ancestral y lo contemporáneo se entrelazan. Esta es música que trasciende fronteras, una celebración de nuestra humanidad común.

GENERAL MAGIC

Celebramos el regreso de General Magic, el icónico dúo de Andi Pieper y Ramon Bauer, que volvieron con su primer álbum completo desde "Rechenkönig" en el año 2000. 23 años después, en diciembre de 2023, entregaban esto que suena ya, "Nein Aber Ja", es una colección audaz de exploraciones sonoras que atraviesan el pasado, presente y futuro de la música electrónica.

Después de dos décadas en hibernación, General Magic retomó actividad en 2022 con el peculiar y fascinante EP "Softbop". Le siguieron las sesiones audiovisuales de "Livebop" y "GMTF Sessions 1-4", colaboraciones con Tina Frank que expandieron los límites de lo sonoro y lo visual. Ahora, "Nein Aber Ja" nos trae nueve piezas que combinan techno psicodélico, ritmos feroces, rock espacial al estilo Kraut y música electrónica experimental.

Este álbum reafirma la posición de General Magic como pioneros de la llamada Tercera Escuela Vienesa, desafiando constantemente las convenciones de la música electrónica desde 1995. Su enfoque juguetón y deconstructivo sigue marcando el ritmo de la innovación, como lo demuestra este nuevo lanzamiento bajo GOTO Records, disponible a partir del 30 de noviembre de 2023.

GOLDEN DISKO SHIP

Hoy exploramos el nuevo trabajo de Golden Diskó Ship, el proyecto musical de la multiinstrumentista berlinesa Theresa Stroetges, quien regresa con su quinto álbum solista, "Oval Sun Patch", bajo el sello Karaoke Kalk. Este disco, más orientado hacia la cultura de club, la electrónica avanzada y el pop, representa su propuesta más cautivadora hasta la fecha: una mezcla de ritmos pulsantes, melodías juguetonas y atmósferas expansivas.

Los temas de transitoriedad, la inmensidad de los océanos y el aislamiento de las islas, presentes en sus discos anteriores, también impregnan "Oval Sun Patch". Este álbum tiene sus raíces en diversas residencias artísticas que Stroetges realizó entre 2021 y 2022 en Portugal y Austria. Entre guitarras prestadas y estudios temporales, Theresa creó piezas como el épico cierre de tres partes, "Earth Before The Space Race", concebido originalmente como una obra audiovisual multicanal.

Musicalmente, el disco combina influencias de house, techno, trip-hop e IDM. Canciones como esta que escuchamos esta noche para cerrar nuestra primera hora de Atmosfera, "Dolphins With Soft Helmets" y "Ephemeral Carnivores" incorporan bajos al estilo Moroder y ritmos de house vibrantes, todo entrelazado con su distintiva guitarra evocadora y pasajes vocales que contrastan entre armonías y contrapuntos.

"Oval Sun Patch" no es solo un álbum; es un viaje sonoro sobre cambio y evolución, tanto personal como global. Theresa Stroetges nos demuestra que la música puede ser un proceso continuo de transformación y experimentación.

 

URUK

Hace un par de semanas abríamos nuestra Atmósfera del mismo modo que lo hacemos hoy y es que el fascinante mundo de URUK, dúo de música experimental formado en 2016 por dos gigantes de la vanguardia sonora: Thighpaulsandra, colaborador habitual de Coil y parte de la banda Spiritualized, y Massimo Pupillo, bajista de Zu, un trío de jazzcore italiano, nos ha fascinado.

Recordamos hoy también un poco sus inicios, aquel primer álbum, I Leave a Silver Trail Through Blackness de 2017, que supuso una profunda inmersión en el dark ambient, cargada de texturas sonoras que desafían lo convencional. En sus siguientes trabajos, Mysterium Coniunctionis de 2018 y The Descent of Inana de 2019, URUK continuó explorando paisajes oscuros y misteriosos, donde el sonido es el vehículo hacia lo desconocido.

Su más reciente creación, con el que hemos comenzado Atmósfera, The Great Central Sun, es una obra que se compone de solo dos temas largos. Con estas piezas, URUK nos lleva en un viaje sonoro introspectivo, donde los drones y atmósferas ambient nos sumergen en un universo denso y enigmático. Thighpaulsandra crea paisajes cautivadores con sus sintetizadores, mientras Pupillo aporta una base sólida e hipnótica. Este álbum, como sus predecesores, es una experiencia sensorial que invita a reflexionar sobre los misterios del universo y de nosotros mismos.

MATTEO UGGERI

Nos adentramos ahora en el intrincado mundo de Matteo Uggeri, un artista que ha estado creando magia sonora desde los años 90. A lo largo de su carrera, ha colaborado con talentosos músicos como Dominic Appleton en Starlight Assembly y con Open to the Sea, lanzando juntos el álbum "Another Year Is Over, Let's Wait For Springtime" en 2019.

Sin embargo, hoy nos centraremos en su nuevo trabajo en solitario titulado "My Happiest Consumption". Este álbum es una joya que ha sido creada con mucho amor y dedicación. Matteo ha utilizado órganos de juguete, grabaciones de campo y samples, todo en un diálogo íntimo con el violonchelo de Andrea Serrapiglio y la trompeta, junto con toques electrónicos de Alessandro Sesana.

El resultado es una obra de 40 minutos, dividida en cuatro secciones, que nos invita a explorar el caos edificante y el agotamiento alegre de criar a los hijos. Es una pieza que refleja su vida personal y, a través de su arte, nos invita a ser parte de esta experiencia tan íntima.

THE ALLEGORIST

Llevamos ya unas semanas recorriendo el fabuloso disco de The Allegorist Tekhenu Retold y hoy vamos a continuar con esa escucha. Comenzamos hoy el recorrido con la remezcla del compositor alemán Hannes Kretzer del tema “The Invisible” llena de nubes de estratos difusos y timbres leñosos

Continuamos con la escucha de “Tekhenu Retold” de The Allegorist con la remezcla ahora que Desiderii Marginis hace del tema “Tekhenu” que en la voz de The Allegorist se estira en matices cambiantes sin fin gracias al icónico proyecto sueco de dark ambient de los 90.

Y terminamos por la escucha de “Tekhenu Retold” de The Allegorist con la versión de la prometedora berlinesa Midori Hirano, con salidas recientes en raster y apariciones en L.E.V., CTM y Boiler Room, que regresa a su instrumento de la infancia, el piano, en esta nueva versión de "Dreams at Dawn" para crear una nueva creación desgarradora, evocando una dramaturgia completa en esta hermosa canción.

OBSERVATORIES

Y ahora os desvelamos una joya dentro del mundo de la música experimental: frost forms, el nuevo trabajo del dúo observatories, formado por dos de los músicos más innovadores de nuestro tiempo, Ian Hawgood y Craig Tattersall. Ambos artistas tienen trayectorias impresionantes en diversas disciplinas. Ian Hawgood, además de su vasta discografía, es un ingeniero de masterización de gran renombre y curador del sello Home Normal. Craig Tattersall es conocido por su obra sonora y visual, además de ser el cerebro detrás de proyectos como The Boats, The Remote Viewer, y sus sellos Cotton Goods, Moteer y Mobeer, todos pilares en la música experimental.

Escucharemos esta noche dos temas de “Frost forms”, un disco que marca una evolución dentro del trabajo conjunto de estos dos maestros. Tras dos lanzamientos anteriores como observatories, este álbum muestra cómo su sensibilidad y enfoque meticuloso hacia cada sonido han alcanzado nuevas alturas. Se trata de una obra donde las cintas magnéticas y los bucles de piano desgastados se entrelazan con grabaciones de campo ricamente texturizadas, creando un paisaje sonoro que es a la vez íntimo y expansivo. La música tiene una cualidad hipnótica: las frases melódicas y los sonidos microscópicos aparecen y desaparecen con una fluidez que te transporta a un mundo sonoro completamente inmersivo.

Seguimos disfrutando de un tema más de “frost forms”que, a pesar de su delicadeza, siempre logra mantenerte en vilo. La profundidad del espacio sonoro y los cambios sutiles en el timbre y la estructura te sumergen en una experiencia casi cinematográfica, en la que cada capa sonora está cuidadosamente ubicada en su lugar exacto. La música fluye con una valentía creativa que desafía constantemente las expectativas, sorprendiendo con su maestría en la elaboración de cada detalle.

La edición física del álbum es también una obra de arte en sí misma. Influenciada por la música, la portada fue creada a partir de hojas de papel teñidas con índigo natural y luego ensambladas en un collage, capturado con fotografía analógica. El resultado es una representación visual que dialoga perfectamente con el ambiente sonoro del álbum. Además, el CD incluye una mezcla continua, diseñada para mostrar la música en su forma más pura, ofreciendo a los oyentes una experiencia de escucha fluida y envolvente.

PLF

Nos quedamos ahora con el segundo álbum del trío experimental PLF, un grupo que lleva la música a los límites más extremos. En este nuevo trabajo, titulado ParziFooooooooooL, el trío formado por Elvin Brandhi, Peter Kutin y Lukas König nos presenta un viaje sonoro aún más crudo y arriesgado. Comenzamos con la escucha del tema “Fast Looped Paradise”

Escuchamos un tema más de “ParziFooooooooooL” del trío Experimental PLF,” Lucrative Pest Fest”

Explorando ritmos rotos y estructuras casi irreconocibles, el álbum se siente como un ritual postapocalíptico, lleno de techno áspero, hip-hop deformado y ruidos distorsionados que recuerdan a una rave en medio del caos.

Con menos autotune y más intensidad, PLF ha logrado un sonido propio, creando lo que podríamos llamar el "pop concreto" más radical que se pueda imaginar.

VATHRES

Vathres es un nuevo proyecto liderado por el teclista y compositor afincado en Estocolmo Alex Zethson. Su disco debut consta de tres extensas piezas de música post-rock cinematográfica, trascendental y minimalista, con elementos de jazz experimental y electrónica brillante. Cuenta con un ensamble de 14 integrantes y apariciones del mago de la guitarra Reine Fiske (Dungen), el ex bajista de Pain of Salvation y Meshuggah Gustaf Hielm y el baterista de Cult of Luna, Christian Augustin, entre otros.

La música fue grabada, mezclada y coproducida por Anton Toorell, y masterizada por Mell Dettmer.

 

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Uruk - The Great Central Sun - Radiating Rainbows

Matteo Uggeri - My Happiest Consumption - 02 - Sleepless Night Cuddles

The Allegorist - The Invisible (Hannes Kretzer Rework) -Tekhenu Retold

The Allegorist – Tekhenu (Desiderii Marginis Rework) Tekhenu Retold

The Allegorist - Dreams At Dawn (Midori Hirano Rework) - Tekhenu Retold

Observatories - Frost Laced Fields (Ian Hawgood And Craig Tattersall) - Frost Forms

Observatories  - Rain Patterns (Ian Hawgood And Craig Tattersall) - Frost Forms

Plf - Fast Looped Paradise - Parzifool

Plf - Lucrative Pest Fest – Parzifool

Vathres - And The Sun Was Subsumed By The Lands Of Silk And Soil - Liturgy Of Lacuna

Jasper Broeks - Mr. Vague

FESTIVAL LEM 2024

 

Esta semana os ofrecemos un programa especial del Festival LEM 2024 con un avance de los contenidos que todavía podréis disfrutar hasta el 26 de octubre y el resumen de los conciertos de Pelayo Arrizabalaga y Eli Gras, Kubaido y su inusual instrumento Ondas Martenot y Superelvis

Uruk, Girma Yifrashewa

 

URUK

Abrimos nuestra Atmósfera con el fascinante mundo de URUK, un dúo de música experimental formado en 2016 por dos gigantes de la vanguardia sonora: Thighpaulsandra, colaborador habitual de Coil y parte de la banda Spiritualized, y Massimo Pupillo, bajista de Zu, un trío de jazzcore italiano. Ambos artistas son conocidos por su habilidad para fusionar géneros y romper barreras musicales.

Su primer álbum, I Leave a Silver Trail Through Blackness de 2017, es una profunda inmersión en el dark ambient, cargada de texturas sonoras que desafían lo convencional. En sus siguientes trabajos, Mysterium Coniunctionis de 2018 y The Descent of Inana de 2019, URUK continuó explorando paisajes oscuros y misteriosos, donde el sonido es el vehículo hacia lo desconocido.

Su más reciente creación, con el que hemos comenzado Atmósfera, The Great Central Sun, es una obra que se compone de solo dos temas largos. Con estas piezas, URUK nos lleva en un viaje sonoro introspectivo, donde los drones y atmósferas ambient nos sumergen en un universo denso y enigmático. Thighpaulsandra crea paisajes cautivadores con sus sintetizadores, mientras Pupillo aporta una base sólida e hipnótica. Este álbum, como sus predecesores, es una experiencia sensorial que invita a reflexionar sobre los misterios del universo y de nosotros mismos.

ALESSIO DUTTO

Midira Records es el sello responsable del lanzamiento del segundo álbum de Alessio Dutto titulado Dusk Communion. En 2019 lanzaron Blurred Boundaries, una bestia de drones electrónicos, masterizada por James Plotkin. Sorprendió y mucho el impacto que tuvo ese álbum en sus oyentes y el sello sentía curiosidad por escuchar cuál sería el siguiente paso.

Y ese siguiente paso es Dusk Communion que profundiza y lleva los paisajes sonoros a un nuevo nivel. Los elementos de ruido son primordiales. Hay una infiltración de humor oscuro. Pero también escuchas los sonidos característicos de Alessio Dutto, que nos mostró en su álbum debut. No es un álbum fácil de escuchar, desde luego, pero engancha. Es un viaje a través de experiencias y sentimientos personales.

MARKUS FLOATS

Después de su aclamado debut Constellation y el segundo álbum Third Album, lanzado en la primavera de 2020, Markus Floats nos sorprende una vez más con una propuesta que desafía las fronteras de la música electrónica abstracta con “Fourth Album”.

Este nuevo álbum, que emerge tras un periodo de aislamiento y reflexión en su estudio de Montreal, es un viaje sonoro que invita a la conexión y la colaboración. Floats describe Fourth Album como un proyecto que va más allá de la soledad, un llamado a la ayuda y a la creación de un hogar sonoro. En este sentido, se siente la influencia de sus amigos y colaboradores del grupo Egyptian Cotton Arkestra, quienes aportaron su talento en una sesión de improvisación en el icónico estudio Hotel2Tango.

El resultado es una obra que combina la esencia de la música electroacústica con la calidez de los instrumentos acústicos. Con el violín de Ari Swan, el saxofón y la mbira o Kalimba de James Goddard, y la guitarra y batería de Lucas Huang, Floats logra una expansión dinámica de su sonido, manteniendo ese delicado equilibrio entre la abstracción y la emotividad que tanto lo caracteriza.

Por primera vez, la palabra hablada se incorpora como un elemento grabado, culminando en una poderosa colaboración con el poeta y activista Fred Moten, quien nos deja con una reflexión profunda sobre la búsqueda de significado en la conexión humana.

GIRMA YIFRASHEWA

“My Strong Will” de Girma Yifrashewa es un álbum de "música clásica etíope". Grabado con músicos búlgaros y la Orquesta Filarmónica de Sofía, en Sofía, Bulgaria, el álbum es un regreso al lugar donde Yifrashewa completó su propia formación de conservatorio a finales de la década de los 80 y principios de los 90, en ambos lados de la caída del comunismo.

Seguimos escuchando un tema más de “My Strong Will” de Girma Yifrashewa.

Guiadas por el piano de Yifrashewa, estas obras de cámara llevan la música de Etiopía a un formato clásico occidental, descubriendo nuevas perspectivas meditativas y emocionales para ambas tradiciones.

TROND KALLEVÅG

Trond Kallevåg es un guitarrista y compositor noruego que nos invita a embarcarnos en un viaje musical a través de su nuevo álbum, "Amerikabåten", que significa "El barco americano".

Con una calidad cinematográfica que evoca a grandes como Ry Cooder y Bill Frisell, Trond nos transporta a una época en la que cientos de miles de noruegos cruzaron el vasto océano en busca de nuevas oportunidades y aventuras. Este álbum es un homenaje a esas historias y a la rica cultura estadounidense que ha influido en su música.

"Amerikabåten" es el tercer álbum de Trond, tras el aclamado "Bedehus & Hawaii" y "Fengselsfugl". En esta nueva entrega, ha reunido a un talentoso grupo de jóvenes músicos noruegos, como Selma French y Håkon Aase, quienes aportan su propia magia a las composiciones de Trond. Juntos, crean un sonido que fusiona himnos noruegos, baladas antiguas y la esencia de la música americana, todo ello a través de la guitarra de Trond, que se convierte en la voz principal de esta narrativa musical.

La pedal steel guitar añade un toque inquietante y melódico, enriqueciendo aún más la experiencia auditiva. Trond no solo compone, sino que también mezcla toda la música, lo que le permite dar vida a su visión artística de manera meticulosa y personal. Su expresión instrumental es honesta y lírica, lo que le ha valido el reconocimiento de críticos de todo el mundo.

En sus propias palabras, Trond comparte su profunda admiración por la cultura estadounidense y el viaje transformador que representa. Las historias de sus abuelos sobre parientes que se aventuraron a América resuenan en cada nota, creando conexiones culturales que trascienden el tiempo y el espacio.

THE ALLEGORIST

Hace un par de semanas iniciamos la escucha de Tekhenu Retold de The Allegorist y es el momento de retomarla.

Escuchamos ya la remezcla de Ben Chatwin del tema “Through The Forest”. El músico inglés residente en Escocia Ben Chatwin, solicitado a nivel mundial como compositor con colaboraciones en Village Green, Denovali y otros, encuentra momentos de trascendencia en una travesía reservada y dolorosamente reflexiva en el tema que ha remezclado para este Tekhenu Retold de The Alegorist.

 El segundo tema que escuchamos de Tekhenu Retold de The Alegorist es este “Howling With The Wolf” en remezcla del artista de Estambul-Berlín Ah! Kosmos (Başak Günak),  el complemento perfecto para la imaginación teatral y expansiva de The Allegorist, expandiendo “Howling with the Wolf” a un viaje musical épico y de escenario principal con un bajo a gran escala.

Terminamos por hoy el recorrido por Tekhenu Retold de The Alegorist con La sueca Sarah Asspring (también conocida como El Perro del Mar) junto con su colaborador y socio Jacob Haage que dieron forma a “Born in the River” en un encantamiento hipnótico distorsionado .

JASPER BROEKS

Para el octavo lanzamiento del sello RAAZ, uno de los miembros del equipo RAAZ: Jasper Broeks de los Países Bajos, presenta su viaje atmosférico de dos temas. Sí, no es solo un disco, es un viaje a través del tiempo y los lugares. Escuchamos para terminar nuestra primera hora de Atmósfera el tema “Mr. Vague”, con su atmósfera oscura y mística y algunas líneas de bajo un tanto desagradables que se unen a los ritmos sucios para hacer que la pista de baile se mueva. No os dejéis engañar por las apariencias…

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Uruk - Per speculum in aenigmates- The Great Central Sun

Alessio Dutto - Memories are Horn-shaped - Dusk Communion

Alessio Dutto -  After all, the Concept of Ethernal Return was first Proclaimed by a Demon II I- Dusk Communion

Markus Floats – Introduction - Fourth Album

Girma Yifrashewa – Union - My Strong Will

Girma Yifrashewa - The Shepherd with the Flute - My Strong Will

Trond Kallevåg – Fargo - Amerikabåten

The Allegorist - Through The Forest (Ben Chatwin Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Howling With The Wolf (Ah! Kosmos Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Born In The River (Jacob Haage & Sarah Assbring Rework) - TEKHENU Retold

Jasper Broeks - Mr. Vague

Midori Takada, Matana Roberts

MIDORI TAKADA

Comenzamos nuestra Atmósfera con La legendaria pionera del ambient japonés, Midori Takada, que fue comisionada por el MSCTY y el V&A Dundee, una de las principales instituciones de arte del Reino Unido, para crear una banda sonora única para el museo.

Este nuevo álbum contiene tres composiciones conectadas que ofrecen una experiencia sonora envolvente.

MSCTY X V&A Dundee es un fascinante álbum doble que presenta obras completamente nuevas de dos artistas icónicas de la música experimental. Por un lado, la pionera del ambient japonés, Midori Takada, y por otro, el enigmático artista, músico y productor SHHE, cuyo álbum debut fue preseleccionado para el Álbum Escocés del Año 2020. Ambos álbumes, aunque separados, están inspirados en una de las obras arquitectónicas más impresionantes del Reino Unido: el V&A Dundee.

Esta noche nos centramos en la parte de Midori Takada, conocida por su enfoque minimalista y ambiental, que ha creado una obra hipnótica basada en enormes marimbas de madera, un tributo a los materiales naturales utilizados por el arquitecto Kengo Kuma en la construcción del museo. Su música evoca una atmósfera envolvente que refleja la visión orgánica del edificio.

MARTINA BERTHER

Nos quedamos ahora con Matt, el primer álbum colaborativo entre Martina Berther y Philipp Schlotter. Ambos son músicos prolíficos, con experiencia en el jazz y el pop, pero en este proyecto exploran los límites del arte sonoro. Grabado en solo cuatro días dentro de una iglesia en Suiza, el álbum toma su nombre del pueblo donde se grabó. Utilizando el órgano de la iglesia, sintetizadores y bajos eléctricos, Berther y Schlotter adoptaron un enfoque experimental que mezcla composición e improvisación libre, logrando un sonido crudo e íntimo.

El álbum, grabado directamente en cinta sin sobregrabaciones, está compuesto por cinco piezas que reflejan el minimalismo y la espontaneidad de los músicos. La primera pieza, que escuchamos ya en Atmósfera, Unruhe, basada en la técnica dodecafónica, utiliza un cronómetro para mantener precisos intervalos de tiempo entre las notas, creando una obra que atraviesa diferentes estados de ánimo en 14 minutos.

Con una estética minimalista pero emocionalmente rica, Matt es un álbum que fusiona la espontaneidad de la improvisación con la precisión compositiva, demostrando cómo Berther y Schlotter crean paisajes sonoros profundos con recursos simples, llenos de viveza y creatividad.

PARCHMAN PRISON PRAYER

Quizá lo que acabamos de escuchar está alejado de la electrónica experimental, pero el sentimiento que produce la música, los sonidos, en nuestra mente, en nuestro cuerpo, forma parte de Atmósfera. Por eso no nos hemos resistido a escuchar este trabajo que recoge grabaciones in situ de la prisión de máxima seguridad de Parchman Farm en Mississippi recopiladas y grabadas por el productor Ian Brennan. La institución tiene una rica historia musical, ya que Son House, Bukka White, Mose Allison y el padre de Elvis Presley, Vernon Presley, fueron antiguos residentes.

MATANA ROBERTS

Exploramos ahora, escuchando dos de sus temas, “Coin Coin Chapter Five: in the garden...”, la más reciente entrega del proyecto visionario de la compositora, saxofonista e improvisadora Matana Roberts. Este ambicioso trabajo busca desentrañar la historia afroamericana a través de la ancestralidad, los archivos y los lugares. En este capítulo, Roberts cuenta la historia de una mujer en su linaje familiar que murió por complicaciones tras un aborto ilegal. En un contexto donde los derechos reproductivos están siendo atacados, esta historia cobra una nueva relevancia. Roberts explica que su intención era abordar el tema de una forma en que esta mujer lograra una liberación simbólica. A través de la investigación en archivos públicos y la recopilación de historias familiares, Roberts ha dado vida a una mujer que, como dicen sus letras, es “eléctrica, viva, ardiente y libre”.

En sus notas para el álbum, Roberts reflexiona sobre la situación actual en Estados Unidos, describiendo una creciente ola de personas que parecen creer que los cuerpos no les pertenecen a quienes los habitan. Resaltan cómo la falta de acceso a servicios de aborto seguro afecta desproporcionadamente a las comunidades marginadas y de bajos ingresos, y cómo este control sobre los cuerpos femeninos y trans es una extensión de la lucha por los derechos reproductivos.

Cada parte del proyecto Coin Coin explora paisajes musicales radicalmente diferentes. En este capítulo, Roberts expande su paleta sonora con la ayuda de un nuevo ensamble que incluye figuras de la improvisación, el jazz y el avant-rock. Entre los colaboradores se encuentran Darius Jones en el saxofón, la violinista Mazz Swift, el clarinetista Stuart Bogie y el percusionista Ryan Sawyer, entre otros. La producción estuvo a cargo de Kyp Malone, de TV On The Radio, quien también aporta sintetizadores, mientras que la fallecida trompetista jaimie branch recibe una mención especial por su “valentía”.

Musicalmente, Roberts sigue estrategias del avant-garde de posguerra, inspirándose en figuras como John Cage y Benjamin Patterson. También destaca la influencia de Maryanne Amacher, quien exploraba cómo el sonido y el cuerpo interactúan. Para Roberts, el saxofón no solo es un instrumento dentro del canon del jazz, sino una herramienta para afectar el cuerpo y los sentidos.

El álbum combina diversos estilos, desde jazz modal y spoken word, hasta folk y abstracción avant-garde. En piezas como how prophetic se escucha jazz vibrante, mientras que en enthralled not by her curious blend predomina un minimalismo de loops de sintetizadores. Roberts incluso adapta una vieja canción de cuna de las plantaciones en la conmovedora but I never heard a sound so long, evocando las raíces musicales americanas.

Este nuevo capítulo se centra en una protagonista femenina, pero Roberts aclara que los capítulos anteriores y futuros continuarán explorando historias de todos los géneros y su herencia nativa americana. Su objetivo es crear una obra inclusiva que refleje las complejidades de la identidad. Coin Coin sigue siendo un viaje hacia la liberación del espíritu humano, un viaje que, como dice Roberts, seguirá evolucionando.

LILA TIRANDO A VIOLETA

Accela, es el primer lanzamiento colaborativo entre Lila Tirando a Violeta y Sin Maldita, bajo uno de nuestros sellos favoritos: Hyperdub.

Accela lleva a los artistas más allá del pop, adentrándolos en paisajes oníricos y realidades digitales con un enfoque surrealista. El resultado es un trabajo fragmentado, pero rítmicamente flexible e intenso, lleno de melodías intrigantes.

El concepto de Accela explora la idea de "Idioglossia", un lenguaje privado que Lila y Sin desarrollan y hablan a lo largo del álbum.

EMILY WITTBRODT

Make You Stay, un ciclo, si, no me he confundido con álbum, porque es la idea de este trabajo que contiene ocho piezas experimentales de la violonchelista y compositora Emily Wittbrodt. Este fascinante proyecto combina recitativos y piezas instrumentales, inspirándose en las formas barrocas pero adaptadas al sonido contemporáneo de una banda. La instrumentación incluye electrónica, guitarra eléctrica, batería, cello, y órganos eléctricos y de pecho, creando una mezcla única entre lo clásico y lo moderno.

El ciclo temático gira en torno a formas de separación, y en los cuatro recitativos, Wittbrodt pone música a textos de poetas del siglo XX y XXI, como E.E. Cummings y Stine Sampers, además de letras de Astrud Gilberto y un texto propio de Wittbrodt. Lo interesante es que cada miembro de la banda tiene un papel vocal, ya sea cantando o recitando. Después de cada recitativo, la banda interpreta un "aria" instrumental, siguiendo la estructura barroca, donde el contenido del recitativo es reinterpretado y transformado musicalmente.

Make You Stay está profundamente arraigado en la música contemporánea. Los músicos detrás de este proyecto –Annie Bloch, Jan Philipp, Wolfgang Pérez y la misma Wittbrodt– son figuras activas en la escena del pop experimental y la improvisación en Alemania, lo que añade una capa de innovación y frescura a este ciclo musical que, sin duda, desafía los límites entre lo clásico y lo vanguardista.

THE ALLEGORIST

Vamos a dedicar este último tramo de Atmósfera a las remezclas que The Allegorist ha publicado de su célebre quinto lanzamiento de estudio, escuchando hoy (vamos a escuchar todo el disco en las próximas semanas) 4 de sus remezclas.

La primera remezcla que escuchamos, antagónicamente es la que cierra el disco, es la de Scanner del tema Barefoot que nos deleita con sus voces cautivadoras y entrecortadas y sus ritmos cruzados y ondulantes.

Elevándose como los antiguos monolitos egipcios que dieron nombre al proyecto, TEKHENU Retold es una colección profunda y resonante de la mitología sonora de The Allegorist, remezclada. El quinto álbum de estudio de la artista nacida en Hungría y afincada en Berlín presenta diversas reimaginaciones de algunos de los productores más innovadores de la escena, incluidos Subheim, Die Wilde Jagd, Midori Hirano, Desiderii Marginis, Ah! Kosmos y más.

Estamos escuchando en estos últimos minutos de nuestra primera hora de Atmósfera Tekhenu Retold de The Allegorist.  Le toca el turno ahora a “Inner Dialogue” que  trae los suntuosos colores de la voz de Anna al ritmo del amanecer de Drum & Lace, el proyecto de trip-hop de la reconocida compositora italiana Sofia Hultquist. Basándose en la pasión de The Allegorist por contar historias, este álbum de remezclas expande su narrativa en una historia compartida y abierta. The Allegorist es una políglota prolífica con su propia voz alquímica inconfundible; aquí, como siempre, es una potencia del bricolaje, ya que TEKHENU reworked cuenta con portadas y animaciones de producción propia para cada pista, ya que Anna es su propia productora, intérprete, ingeniera y directora creativa.

Estamos recorriendo esta noche el disco de remezclas Tekhenu de The Allegorist. Esto que suena ya es la versión de Subheim de “Trees of Peace” en la que da un paso atrás hacia el trip-hop relajado, mezclado a partes iguales con densas capas cinematográficas de cuerdas y pads, intercaladas con pausas llenas de crujidos, como si recuperara el aliento.

Cuenta La propia artista: “TEKHENU es una alegoría del significado y el propósito, algo a lo que todos estamos vinculados y que nos conecta a todos. Tenemos nuestra propia verdad. TEKHENU es algo completamente diferente para todos nosotros y, al mismo tiempo, también lo mismo. Antiguamente, las historias se transmitían de boca en boca, se contaban una y otra vez. Creo que hay mucha belleza en las distintas narrativas. Pensé que sería genial volver a contar los capítulos de la historia de TEKHENU desde 10 perspectivas diferentes y a través de 10 artistas diferentes”

Y terminamos por hoy, en próximas semanas terminaremos de escuchar todo el disco, la escucha de Tekhenu Retold de The Alegorist con la remezcla de Die Wilde Jagd del tema Whispers Of The Wind. La banda de Sebastian Lee Philipp, Die Wilde Jagd, ofrece este tema que es la apertura del disco, inquietante y ritualista con armonías escalofriantes.

NUESTROS PLAYLIST

 

1ª HORA

 

Midori Takada - KI-KI-KI - MSCTY X V&A Dundee

Martina Berther - Unruhe -  Matt

Parchman Prison Prayer - Break Every Chain - Some Mississippi Sunday Morning

Matana Roberts - But I Never Heard A Sound So Long - Coin Coin Chapter Five/In The Garden...

Matana Roberts -  The Promise - Coin Coin Chapter Five/ In The Garden...

Lila Tirando A Violeta - Outro (Las Puertas) - Accela

Emily Wittbrodt – Foolish - Make You Stay

The Allegorist – Barefoot (Scanner Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Inner Dialogue (Drum & Lace Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Trees Of Peace (Subheim Rework) - TEKHENU Retold

The Allegorist - Whispers Of The Wind (Die Wilde Jagd Rework) - TEKHENU Retold

Undisclosed 1122 – 5 Years Of Soil